2026年3月22日。ちょうど25年前のこの日、RIP SLYMEは1stシングル「STEPPER'S DELIGHT」でメジャーデビューを果たした。昨年から25周年イヤーを記念してオリジナルメンバー5人で再集結し、約1年間を全力で駆け抜けてきた彼ら。その集大成の舞台に選んだのは、これからのカルチャーを作っていくであろう新会場TOYOTA ARENA TOKYOだ。 活動休止前のラストステージ、RIP SLYMEがそこで見せたのは感傷ではない。徹頭徹尾、パーティだった。

開演前の場内には、A Tribe Called Questなどをミックスした懐かしいヒップホップが流れていた。後のMCでRYO-Zが明かしたところによれば、FUMIYAが18歳の頃に作ったミックステープだという。まるでRIP SLYMEの設計図を明かすような構成に、ライブが始まる前からグッと来た。 スクリーンに映し出されたカウントダウンタイマーが18時ちょうどにゼロを刻むと、メンバーの幼少期の写真やこれまでの作品のアートワークをたどるオープニングムービーが流れ、5人のシルエットがステージに浮かび上がった。 1曲目は再集結後初のシングル「どON」。ステージには縦長のLEDモニターが5枚、横一列に並んでいる。メンバー1人ひとりが大写しになる舞台設計で、アリーナのどの席からも5人全員の姿が常に視界に入る。「5人でRIP SLYME」という意志を感じさせるステージだ。SUの太い低音にマイクリレーで各メンバーの歌声が重なっていく。それだけで、5人が揃っているという事実がステージの空気ごと伝わってきた。

2曲目は「STEPPER'S DELIGHT」。25年前のこの日に発売されたデビュー曲を、25年後の同じ日に鳴らす。アリーナをぐるりと一周するリング状のLEDディスプレイには、おなじみの赤塚不二夫キャラクターが走り回り、場内は歓声に包まれた。新しい会場の設備を活かした大仕掛けなのに、ただ楽しい。このバランス感覚がRIP SLYMEだ。続く「雑念エンタテインメント」でのコール&レスポンス、「GALAXY」での5人揃いのステップダンス。序盤からヒット曲を惜しみなく投入して、この夜がどういう夜になるかを見せつけていく。 実際にRYO-Zはこう言い切った。「『もうちょっとやってくださいよ』とか『嫌だ、悲しい』みたいなしんみりしたのは我々に似合いませんので、最後の最後までド派手なパーティで行きたいんです」。この宣言は、最後まで一度もブレない。

「懐かしすぎて知らない人もいるかもしれないけど、こういう曲がかかったときは"知ったふりしろ"」というRYO-Zの一言から飛び出した「チェッカー・フラッグ」は、客席が沸いた1曲。高速ラップのマイクリレーの中で、4MCそれぞれのフロウの個性が際立つ。PESが「今日でしょ！ 今夜こそが一番熱い夜になるはずですよね！」と煽っての「熱帯夜」では早くも序盤のピークが記録されていた。 そして、これは3DAYSすべてに共通したことだが、その日その日のゲスト陣の顔ぶれもまた面白い。chayとの「JUMP with chay」でアリーナ中が文字通り跳ね上がり、在日ファンクとの「Vibeman feat. 在日ファンク」ではゴージャスなブラス隊のサウンドにFUMIYAのスクラッチが交差する。浜野謙太のジェームス・ブラウンばりのパフォーマンスにフロアが沸騰した。VERBAL（m-flo）がサンバダンサーを従えて登場した「パーリーピーポー (Hosted by VERBAL)」は、日本のヒップホップシーンを共に築いてきた盟友によるお祭り騒ぎ。そして本編終盤、RYO-Zが「今日は普通のファンカじゃねえ！」と叫んだ直後、床からリフトアップして現れたのは布袋寅泰。この日一番の大歓声が響き渡る中、「BATTLE WITHOUT HONOR OR HUMANITY」と「FUNKASTIC」をマッシュアップした「FUNKASTIC BATTLE」がこの日のハイライトを更新していた。これらゲストとの共演からあらためて感じたのは、RIP SLYMEがヒップホップとJ-POPの垣根を壊し続けたその歴史と存在の強さだ。ポップス、ファンク、ロックを横断してきた25年間の交友関係が、そのままステージに上がっているようだった。

そしてパーティの中にも、ふと静けさやセンチメントが差し込まれる瞬間があるのも外せない。せつなきノスタルジアや内省もまたRIP SLYMEなのだ。「黄昏サラウンド」では22年前のミュージックビデオが現在の5人の姿と並べるように背後に映し出され、積み重ねた時間の重みが、聴き慣れたはずの歌詞に新しい奥行きを与えていた。「One」では、会場全体が大合唱に包まれる。客席の歌声にRIP SLYMEはずっとこうだった。騒いで踊って、その合間にふっと切なくなる。楽しいだけでは終わらせない。この夜のセットリストも、まさにそういう作りになっていた。 MCでメンバーがこの1年を振り返る場面では、SUが最も印象深い出来事としてDragon Ashとの対バンを挙げ、彼らを「恩人」と呼んだ。1999年のDragon Ash主宰TMCツアーへの参加がRIP SLYMEのメジャーデビューのきっかけになったという歴史を踏まえると、その一言の重みがわかる。ILMARIが「一番というのは難しいけど、この1年の全部が本当によかったです」と語ると、FUMIYAがその「よかったです」の声をその場でサンプリングして即興ビートを刻んでみせ、会場が笑いに包まれる。こういう瞬間が、このグループにしかできないことだとも、思う。 そして本編終盤の「JOINT」に言及しないわけにいかないだろう。1万人がタオルを頭上で振り回す壮観な光景の中、SUの「STOP!」でビートが止まると、彼はしばらく言葉を詰まらせたのち、「25年間ありがとうございました」と静かに告げた。先述の「FUNKASTIC BATTLE」を挟んでの本編ラスト「Dandelion」ではパーティの喧騒が余韻に変わり、感謝の言葉とともに5人はステージを後にした。

アンコールの「Super Shooter」ではFUMIYAがブースを離れてマイクを持ち、5人が縦一列で踊ったり手をつないで円になったりと、まるで少年のように無邪気にはしゃぐ姿を見せた。最後は「Wonderful」で金テープが舞い、華やかなフィナーレ。 かと思いきや、それでも鳴り止まない歓声に応え、5人は三度ステージに現れた。身にまとっていたのは、デビュー当時のトレードマークだったオレンジ色のツナギ。最後に届けたのは、1stアルバム『FIVE』のラスト曲にしてかつてのライブ定番曲「マタ逢ウ日マデ」だった。5人がハグを交わし、深く頭を下げる。RYO-Zが「お互い元気だったらまたどこかで！ RIP SLYMEでした！」と告げた声は、驚くほど清々しかった。

メンバーが去ったスクリーンには、再集結からの1年間の記録映像とともにエンドロールが流れた。昨年のツアーからライブ後に恒例となっていたこの演出では、SUの名前に「（友情出演）」というクレジットが添えられていた。しかしこの最終日、その表記は消えていた。ただ「SU」とだけ記されたクレジット。再集結の1年をかけて、5人のRIP SLYMEに戻っていた。 2001年にメジャーデビューしたRIP SLYMEは、ヒップホップをお茶の間に届けた最初のグループのひとつだ。ミリオン認定された2ndアルバム『TOKYO CLASSIC』、ヒップホップアーティストとして異例の日本武道館単独公演など、その功績は記録として残る。だが、いま改めてこの夜を振り返って思うのは、もっとシンプルなことだ。ブレイクビーツの上に4人の声が乗り、DJがスクラッチを刻む。それだけで1万人が踊り、笑い、時に泣く。25年かけてRIP SLYMEが磨き上げたのは、「パーティをやる」という、何よりもシンプルで重要なことだった。だからこそ、この夜は、ラストステージという言葉が似合わない。最高のパーティだった。金テープを受け取ったファンたちが、それをいつまでも高く掲げていた。キラキラと光るアリーナを背に、5人はステージを去った。

そのバンドにしか表現できない音というものは実在するもので、まさしく個性の塊とも言えるサウンドを生み出し続けているロックバンドがいる。その名もNikoん。2023年結成、オオスカ（Gt/Vo）、マナミオーガキ（Ba/Cho）の2名を中心に音楽好きの間では話題沸騰中。まぁ本当に凄まじいスピードでシーンを駆け巡りメジャーデビューを果たしたわけだ。すごい。

2026年9月に2ndアルバム『fragile Report』を発表。現在はアルバム購入者特典ツアー「アウトストアで47」、同時に「Re:TOUR」を開催中。ライブしまくりだ。

サウンドもさることながら、その活動も他のバンドとは一風変わった打ち出しが多く、常にリスナーをワクワクさせてくれることでも知られているNikoん。そんなNikoんの本当の魅力を知りたいのならば、彼らのディープなファンに話を聞くのが1番だろう。というわけで、Nikoん愛を語ってくれるファンを公募しインタビューを行った。一問一答的な感じの内容で3人に話を聞いたわけだが、なるほど、3人ともNikoんの魅力に共通するものを見出しているご様子。それは一体何なのか？

1人ずつ、3本の記事にわけてお届け！　3人目、ラストはイベントの企画制作や映像制作を行う会社に勤務する20代の男性！

ーNikoんを知ったきっかけを教えてください。 THE NOVEMBERSの小林さん（Gt&Voの小林祐介）が、「最近カッコいいと思っているバンドを挙げる」という企画でNikoんの名前を出していたんですよね。それで聴いたのがきっかけで、これはカッコいいなと。たしか1年ほど前のことでした。初めて行ったライブは2025年1月のCLUB QUATTRO（渋谷）です。 ーどの辺りがカッコいいと感じたんですか? 最初に聴いた曲が「step by step」なんですけど、まずイントロがヤバすぎて食らっちゃったんです。オオスカさんの声がカッコいいし、ギターもすごくて。個人的には小林さん（THE NOVEMBERS）の声にもちょっと似ているような気がして、どんどん他の曲を聴いていったんです。当時はまだサブスクでNikoんが聴けたので。 ーNikoんで1番好きな曲は「step by step」? やっぱりそうですね。イントロが流れたらめっちゃアガります。1stアルバムだと「ghost」も好きです。 ー2ndアルバム『fragile Report』を聴いた感想を率直にどうぞ。 めっちゃ好きです。特に「靴」がいいです。ペヤングさん（マナミオーガキ）とオオスカさんが各々に乗せている歌詞がすごくよくて、そのコントラストがめっちゃカッコいいと思いました。前作とも全然違うし、よりストイックになっているように感じます。まさに新しいNikoんが見れたという感じです。ペヤングさんが書いている歌詞が実に人間的というか。血の通った人間が書いている温かみが読み取れましたし、曲にも灯りが増えたように感じました。 ーNikoんのサウンドはどういうところが魅力的だと思いますか? 僕は趣味でギターを弾いていて、最近は友人とバンドを組んでコピーをやったりしているので、よく感じるんですけど、ギターの表現力がすごいです。鋭利な感じがするというか。エフェクターの使い方も上手ですよね。機材紹介をしているnoteも読んだんですが、マルチエフェクターに入っている音を使っているだけ、と書いてあって『ウソだ、どういうこと?』ってなりました（笑）。あと、サウンドだけではなく、MVも最初から全部カッコいいのが好きです。絵作りがめっちゃ綺麗だと思います。映像制作の仕事もしていたのでカラコレとか気になっちゃうんですけど、色も整っていて作品全体を通して統一感もあるし、そういう点もNikoんの魅力だと思います。いつか一緒に仕事ができたら嬉しいので、お願いします!（笑）。

ーNikoんの活動で特に好きだと思ったところは? とあるライブのMCでビラ配りのことを話していたんですが、話している内容と行動が一貫していて、すごく筋が通っていてエラいなと思ったんですよね。それで、Nikoんについていこうと思いました。草の根活動じゃないですけど、SNSで発信するだけではなく、地道に自分の足を使ってドロくさくやっていこうとするのって、逆に今の時代にはないことじゃないですか。SNS時代の中でアナログ的な活動をするというか、人との繋がりを大事にしつつ、そこに感情を乗せるという姿勢はすごく信頼できると思いました。ライブハウスにおいても、とにかく楽しい場を作ることに徹底してスピーディに行動していますよねん。最近、そんなバンド見たことがないですもん。 ーNikoんを知らない人に薦める時、「こんなバンドが好きな人にはオススメ!」という言い方をするとしたら、どう伝えますか? Nikoんにしかない個性があるバンドなので言い方が難しいんですけど、個人的には凛として時雨が好きな人には響くんじゃないかなと。3人組であるという点、ルーツがパッとわからない点などが共通しているというか。1stアルバムの好きな曲で「mouton」という曲があるんですけど、その曲にちょっと時雨っぽさを感じたんです。だから、あのTKサウンドを荒々しくした感じの音が聴けるバンドだぞ、とか。そういう薦め方をするかもしれません。 ーぶっちゃけた話、Nikoんは凛として時雨のように売れていくと思いますか? これまで、時雨の継承者っていなかったと思うんですけど、そういう存在になっていきそうだなと思います。売れる売れないっていうのは難しいし、よくわからないですけど、規模感はもっと大きくなっていくと思います。それに、長く続けていくことで、海外でも評価される日本のバンドっていう感じの存在になっていくんじゃないかと思うんですよ。 ーNikoんにやってほしいことはありますか? 2ndアルバムの曲はキャッチーなものも多いですし、アニメのエンディングになってもおかしくないと思うんですよね。というか、やってほしいです。「靴」や「nai-わ」とかはNHK Eテレの土曜夕方にやっていたアニメのエンディングテーマ感があるというか。ちょっと寂しい感じもありつつ明るい未来が見たいんだよな、みたいな。その感じが超好きです。

ーお仕事はどんなことをしているんですか? 会社員として映像を作ったりイベントを企画運営したりする部署にいます。 ーでは、Nikoんとイベントをやるとしたらどういうことをやりたいと思いますか? チャリティ系のイベントなんか面白そうだと思いましたね。福祉に関連することであったり、若者がそっちの方面に興味が持てるような内容だったらいいのかもと。オオスカさんが子供たちと花火していたりとか。洗練されたオシャレな企画というより、そういう人間と触れ合いを感じさせるものの方が意外と見たいかもって思いました。 ーNikoんのメンバーに伝えたいことは? 下北沢のビラ配りの時にもらいにいった時、「どこにいるのかわからない」ってポストしたらすぐに反応してくれたり、実際に会った時に話をしてくれて、ギターにサインしてくれたりしたんですけど、その人間的な温かみや大人のカッコよさに惹かれます。今やっていることをずっと続けてさえもらえれば、僕らはずっと尊敬し続けるし、信じ続けるし、めっちゃ売れることはなかったとしても、一生Nikoんについていきます。

Aile The Shotaは、SKY-HIが主宰するマネジメント／レーベル・BMSGに所属するシンガーソングライターだ。BE:FIRSTを輩出したオーディション番組「THE FIRST」への参加をきっかけにその存在を知られ、2022年に“AURORA TOKIO”でソロデビュー。R&Bやシティポップス、ブラックミュージックを基調に、ダンスルーツを感じさせる身体性と、涼しげでシルキーな歌声を併せ持つ表現で、J-POPのフィールドに独自の居場所を切り拓き、若い世代からの支持を集めている。 では、そんなAile The Shotaはいま、どう語られるのか──評価や実績、キャリアの整理ではなく、街中で、現場で、偶然その場に居合わせた人たちの言葉で。本コラム＆レポートは、第三者の視線や視点を手がかりに、現在進行形のAile The Shota像を立ち上げていくという試みだ。 2ndアルバム『REAL POP 2』のリリースに向けて展開された「開花宣言」プロジェクト、渋谷の街に貼られた壁面広告、そして北谷公園で行われたフリーライブ。本人の言葉を排して他者に委ねることで見えてくるのは、更新され続けるAile The Shotaという名の“現象”だろう。

序文でも触れたが、Aile The Shotaの音楽を語るとき、ダンスをルーツに持つ事実は避けて通れない。ブラックミュージックを基盤に、R&B・HIP HOP・UKガラージ・New Jack Swingといった要素が、単なる知識としてではなく、身体感覚として音楽に落とし込まれている。 一方でその音楽は、明確にJ-POPとして機能している点にも着目。メロディは口ずさめ、フックはわかりやすい。だがその“わかりやすさ”は、コアな要素を削ぎ落とした結果ではなく、STREET由来の複雑さや黒さを、どの解像度で提示すればマスに届くのかを熟慮した“翻訳”の成果だ。

この投稿をInstagramで見る

Aile The Shota (info)(@lethe__info)がシェアした投稿

2月18日リリースの2ndアルバム『REAL POP 2』は、その翻訳精度がさらに洗練された作品と言える。1stアルバム『REAL POP』で掲げられた「本質的でありながら、大衆的であること」というコンセプトを継承しながら、今作ではその“本質”をより開かれたカタチで提示。リード曲“開花宣言”は、80〜90年代のNew Jack Swingを取り入れながらも、決して懐古主義には寄らない楽曲に。聴く者に届くのは、文脈ではなく身体の反応。STREETの匂いを残したままJ-POPとして成立するバランス感覚こそが、Aile The Shotaを唯一無二のポジションへと押し上げている。

そしてAile The Shotaは、若手のトラックメーカーやダンサー、クリエイターなどからの支持が厚いことも付け加えたい。同年代や年下の表現者たちから語られるAile The Shota像には、強いリスペクトと同時に、どこか“良きお兄ちゃん”的な距離感がある。最前線に立ちながら、シーン全体を俯瞰できる存在。その立ち位置は、まさにSTREETとJ-POPの架け橋と言えるだろう。

『REAL POP 2』に紐づく「開花宣言」プロジェクトは、音楽のストーリーをスタジオや配信画面の外へと持ち出した。2月上旬から中旬にかけて渋谷の街に貼られた広告は、ただ目に入るためのものではない。自分の手でめくり、持ち帰ることで初めて成立する体験だった。

ビジュアルを手掛けたのは、東京を拠点とする日本のクリエイティブエージェンシー／ビジュアルプロダクションのmaxilla。そしてジャケットや広告に使用された花は、フラワークリエイターの篠崎恵美が主宰するクリエイティブスタジオ・EW.pharmacyによるものだ。約120種類＆1000個以上のドライフラワーは整然と保存されるためではなく、剥がされ、欠け、変化していくことを前提に配置。完成形を保つのではなく、街の中で姿を変えていくこと自体がデザインされていた。

その設計は、Aile The Shotaの音楽の在り方とよく似ている。一度聴いて終わるのではなく、日常のどこかでふと立ち上がる感覚。広告はプロモーションというより体験の一部であり、メジャーアーティストでありながら街に溶け込むAile The Shotaらしさが、ここでも可視化されていた。 そして2月15日、渋谷・北谷公園。この場所で行われたフリーライブは、「街にいるAile The Shota」という感覚を決定的なものにした。事前告知は最小限で、Aile The Shotaや北谷公園のオフィシャルInstagramのストーリーズに情報が流れたのは、おそらくライブの1時間前。集まったのは明確な彼のファンだけではなく、たまたまその辺りを通りかかった人、広告を見て名前を検索した人、SNSで断片的に情報を拾った人など。観客と通行人の境界はほとんど存在していなかった。

ライブが始まると、音と歌声に引き寄せられるように人が集まり、自然と円ができる。ステージと客席という分断はなく、同じ地面の上で音を共有する空間で、ダンサーとしての出自を感じさせるしなやかな動きと音源のグルーヴが、その距離感をさらに縮めていく。観ている側も、ただ眺めるのではなく、身体を揺らしながら反応。スマートフォンを構える人もいれば、友人同士で顔を見合わせながら笑う若者もいる。小学生ぐらいの子どもが、リズムに合わせて跳ねる姿もあった。

北谷公園のInstagramアカウントでも触れていたが、当日は春を感じるあたたかな気候で、河津桜が一足早い春の訪れを告げたと報じるニュースも。そんな最高のライブ日和の中でAile The Shotaは、彼の人気ソング“jelly”と“foolish”を気持ち良く歌い上げ、さらに「今日お酒は飲めないけど好きな飲み物がある」という間奏のくだりから、『REAL POP 2』収録の“りんごじゅーす”、そしてリードシングル“開花宣言”を披露。さらにラストは「もう1曲やっちゃおうか」というノリで、こちらも新作から“ShyなBaby”を初々しく届け、ライブはハッピーな雰囲気で幕を閉じた。

改めてAile the Shotaのこれまでの歩みを振り返ると、オーディション番組をきっかけに多くの人に存在を知られたという出発点がある。その過程で楽曲だけではなく、人柄やこれまでの紆余曲折のストーリーに親しみを感じながら、継続的にライブや作品に触れてきた人たちがいることも確かだ。そしてそうした関わり方の積み重ねが、現在の活動に繋がっている側面もあるだろう。 一方で現在は、必ずしもキャリアや背景を共有するところから始まる出会いばかりではない。街で見かけた名前、SNSで流れてきた音、誰かが口ずさむメロディ──そうした断片的な接点からAile the Shotaを知り、文脈を追わずとも彼の音楽が印象として残る。そこでは「応援する」「物語を追う」といった構えより、もっとフラットな関心や引っかかりが先に立っているように見える。

その感覚は、北谷公園でのゲリラライブの光景とも重なっていた。最前列に集まっていたのは、以前から彼の音楽に触れてきた人たちだけではない。通りがかりに足を止めた人、たまたま耳にした音に引き寄せられた人も混ざり合い、観る側の立場や距離感は一様ではなかった。STREET由来の身体性やグルーヴを内包しながら、J-POPとして自然に受け取れるキャッチーさ。その両立が聴き手を選ばないさまざまな入り口を作り、その結果、Aile the Shotaという“現象”が広がっていく。 3月からは、全国11都市を巡る「Aile The Shota Oneman Tour 2026 “キセキセツ”」がスタートする。渋谷の街で芽吹いた感覚は、別の街で、別の文脈で、また違う言葉として語られていくだろう。STREETとJ-POPを繋ぐ架け橋は、まだ完成しているわけではない。だが確実に、人々が行き交い始めている。“開花宣言”はこれからの話であり、Aile the Shotaは、その中で更新され続けていく。そして今日もまた、どこかの街角で、彼の存在は説明される前に“目撃”されている。

関西出身、全員2003年生まれの5人組フューチャーソウルバンド、luvが新境地へと踏み出す新曲“Ohaguro”をリリースした。

昨年は1月に台湾での単独公演、“Send To You”のバイラル・ヒット、1stミニアルバム『Already』のリリース、3月にはSXSW出演、1stワンマンツアー『Already Cruisin’』開催、2025年10月には1st EP『The Seeds』をリリース、2ndワンマンツアー『Magical Spell Tour 2025』開催など大躍進を見せたluv。そんな彼らが新たに生み出した新曲“Ohaguro”はそうした躍進を支えた努力の日々とインディーズ時代から磨き続けるセンス、さらには彼らの大部分がルーツに持つブラックミュージックのエッセンスが融合した1曲であり、「お歯黒」という日本古来の文化を大胆に捉え直す1曲だ。 そんな新曲“Ohaguro”がどのように制作されたのか、Hiyn（Vo, Gt）、Ofeen（DJ）、Rosa（Key）、Zum（Ba）、Sho（Dr）の5人に話を聞いた。話は「武者修行だった」という2025年を振り返るところから始まる。

──昨年はワンマンツアー2本、大型フェスも含むライブ出演、海外公演、1stミニアルバム『Already』と1st EP『The Seeds』のリリースなど、luvとしてめまぐるしい活躍を見せた年だったかと思います。

Hiyn　いろんな人に聴いてもらおう、良い曲を作ろうってことに重点を置いて、その上で一貫性を持って、バンドとしてやってきました。いろんな意味で武者修行でもあって、楽しいこともしんどいことも今後これ以上あるのかってくらいの1年になりましたね。 そうした活動のおかげで自分たちの音楽が海外でも通用することがわかったし、国内でも数字として目に見えた成果がありました。luvはデビュー前の期間も含めて、バンドとしての土台を作る時期がちょっと短かったので、自分たちのルーツになっている音楽を自分たちらしくただひたすらやるんではなく、いろんなことに挑戦して、いろんな人に聴いてもらう段階が必要だったんだと思います。

Rosa　2025年は単純に5人でリハーサルをきちんとやる時間が増えたのもあります。デビュー前後まではあまり周りのことが見えていなかったというか、自分たちが音楽業界でやっていく自覚のようなものの実感が薄かったというのもあるかもしれませんが、去年の「いざ勝負！」というタイミングでは、好き嫌いだけでなく、luvにとっての良い音楽というものの水準をどこまで上げられるかに重きを置いて取り組めたと思います。制作面においても演奏面においても、質の高い音楽を見定めて、それに向けて練習をしていくような取り組み方ができていたかなって。

Hiyn　実際にメジャーデビューしてからインディーズ時代と同じようにデモを作ってもしっくりこないことが多かったんです。理想に実力が追いついていないなって。だからどうやってluvを広めていくかを考えながら、技術面でも基本に立ち返って丁寧にやっていくことは意識していましたね。今までインディーズでやってきたことをさらに突き詰めたいと思っていたけど、それを音楽シーンで生き残ってやるには一回サウンドも含め鍛えなきゃいけないなって。

──なるほど。過去のインタビューで「あったかソウル」と形容していた昨年の一貫した音楽性はその結果だったということですね。

Hiyn　そうですね。「あったかソウル」は僕らのルーツにある音楽をいろんな人に届けることを意識して取り組んだ1年間の結果ですね。

──修行の1年の間にメンバーの関係性に変化などはありましたか？

Hiyn　人間関係の部分は最初と変わりなく、なんならどんどん良くなっているくらいで。それに5人とも演奏も考え方もしっかり音楽の世界で生きていくことをしっかり考えていて。いろんな人の話を聞いても、他のバンドと比べたらめっちゃ考えているなと思いましたね。全員ほんまに各々鬼ストイックなんです。みんなが頑張っているから自分も頑張ろうという気持ちもマジであったと思います。みんなわざわざ口に出していないけど（笑）。

Sho　僕らはライブの経験もめちゃくちゃあるわけでもなかったので、ワンマンツアーで毎回違う箱でやったり、海外でライブしたり、いろいろあった中で、それぞれいろんな気づきがあって。あまり言葉にしないけど「今日あかんかったな」「ここは良かったな」とそれぞれが絶対反省していると思うんです。たまに帰りの車で大反省会のようなこともあるんですけどね（笑）。去年はライブでも制作でもそうやってみんなで反省と改善を繰り返して、そこでちょっと自信がついたというか、luvの可能性をもっと感じるようになって、そこから生まれたのが今回の新曲“Ohaguro”だったのかなって。

Hiyn　本当にそう。“Ohaguro”ができたことで、あらためて去年の武者修行は必要だったなとマジで思いますね。

──修行していく中でお互いへの信頼感も自ずと積み上がっていったと。そして実際に“Ohaguro”はルーツへと回帰しながらも洗練されたサウンドで、新境地へと踏み込む1曲になりました。制作はどのように進めていきましたか？

Hiyn　この曲に関してはOfeenが元になる16小節のトラックを持ってきて。僕と2人でそれに手を加えて作っていきました。

Ofeen　11月くらいかな。暇なときにluvの曲を作ろうという意識もなく、遊びでジャジーな曲を作る練習をしようと思ってやってみたら「あ、曲になりそう」と思って。Bメロのピアノのフレーズが出てきたときに和の雰囲気を感じて、Hiynの家に行っていっしょに広げていきました。

Hiyn　こうやってOfeenが曲のネタを持ってくるのは初めてで、2人で広げていくのも初めてでしたね。Rosaとはこれまでもいっしょにやったことがあるんですけど、2人で作るにしても制作スタイルは全然違っていて。Rosaはもう本当に大天才で、なおかつ僕とRosaの良い曲と思えるラインがリンクしていたからあれだけ一貫性を持って去年1年やれたと思います。だからRosaには任せる部分も大きいんですけど、Ofeenと僕でやるときはOfeenのやりたいことをいっしょに形にしていくイメージです。でもOfeenは最後の方ずっとスマホ見てたな（笑）。

Ofeen　まあ、メロディーと歌詞は全部Hiynがやっているんで（笑）。ちなみにAメロはロバート・グラスパー（Robert Glasper）のコードワークだったりを参考にしていて、Bメロからサビはシルク・ソニック（Silk Sonic）の雰囲気というか。でもがっつり参照するというよりはムードですね、「こんな感じにしよう」くらいの。

──他のメンバーの皆さんが最初にできたデモを聴いた印象はいかがでしたか？

Sho　最初は純粋に「カッコいいのキタな！」って。去年出した曲の印象とは違っていると思うんですけど、個人的には「これluvでやったらめっちゃいいやん！」って。デモの段階でドラムもサンプルで入っていたんですけど、かなり僕の好きな雰囲気で、なおかつ前に出るようなカッコいいフレーズが入っていたからドラマーとしても嬉しくて。

Zum　実は今回インディーズの頃の曲の作り方に戻ったんですよね。この曲の前まではある程度スタジオで作ることが多かったんですけど、今回はDAW上である程度かっちりしたデモを2人で仕上げてくれて、それに僕らがドラム、ベース、鍵盤を入れる流れで。この作り方はたぶん2年ぶりくらいにしたから、久々でちょっと嬉しかったですね。考える時間もあったので、自分がどう弾くか整理することができたからこそ、この2人の熱量のあるデモにしっかり答えなきゃなっていう責任はすごく感じましたね。

──リズムとウワモノのバランスが面白い曲でもありますよね。

Hiyn　そこはDAWで作っているからこそ出せる気持ち悪さというか。初期のluvを聴いてくれていた人には懐かしさと同時に去年の頑張りによって磨かれた部分を感じてもらえると思います。去年マジで頑張ったので（笑）。

Zum　ベースのプレイに関しては今回は自分の大好きなブラックミュージックの感じ、自分の大好きなディアンジェロ（D'Angelo）のベーシストのピノ・パラディーノ（Pino Palladino）の雰囲気を前面に出したいなと思ったので、1曲通してそこをリファレンスにして弾きました。

Sho　僕にはディアンジェロの『Voodoo』を無限に聴いていた時期があって、ドラムのクエストラヴ（Questlove）が好きだったんですけど、同時にそこでいっしょに弾いているピノ・パラディーノのベースの音も大好きで、そこはリズム隊で共通する部分ですね。この曲のプリプロをしたときに入っているベースを聴いたときに「すご！完全に俺の好きなやつや！」って。

──Rosaさんはいかがでしょう？

Rosa　Ofeenは鍵盤弾きでもあるので、（デモの段階で）Ofeenが入れていた鍵盤の内容を僕がそのまま弾き直すというスタイルを今回は取っているんです。だからこそ今までとは違う経験を個人的にできたかなって。普段は自分が弾かないようなフレーズがいっぱいあって学びになりましたね。

Ofeen　これはイジってますね（笑）。でも真面目な話、やっていることが違うんで。Rosaはクラシックをずっとやってきたからね。

──タイプの違ったキーボーディスト／ピアニストがいるのもluvの強みですよね。メンバーにプレイの面で何かオーダーすることはあるんですか？

Hiyn　曲のここはこういうニュアンスでと口頭では言わないんです。雰囲気さえ伝えればいつもデモをしっかりオーバーキルしてくれる（笑）。さっき信頼という言葉を言ってもらいましたけど、これが信頼なんですね。どうにかしてくれる、超えてきてくれるっていう信頼感がありますね。 去年鍛えられたことで、今回はほぼメンバーのみでディレクションの部分もできるようになりました。

──昨年はライブもたくさんありましたが、ライブでプレイすることを意識したりはしましたか？

Hiyn　僕らはライブだと中盤や終盤でインディーズのときの曲のアレンジを変えた、途中でぶっ壊すような流れになる曲があるんです。そこで全員でソロを回して「これがluvです！」みたいな。この“Ohaguro”の中には途中でそういうぶっ壊れたゾーンもあったりするので、必然的にそれを感じてもらうことができるかなって。これまでで一番ライブ感のある曲かもね。

Ofeen　たしかに音源でここまでライブ感があるのは初めてかも。

Hiyn　マジで途中うるさいから（笑）。luvの曲でここまでうるさい曲は今までなかった。

──タイトルにもなっている「お歯黒」というテーマはどこからきているんですか？

Hiyn　以前僕はソロをやっていたんですけど、そのときのデモにあった曲で、ボツにしていたものから引っ張ってきています。luvとはまた話が違うんですけど、ソロのとき歌詞もメロディーも含め、ほぼ毎日1曲作る......それこそ修行みたいに年間で200曲以上作っていて。その中でもインパクト重視で作ってみていた時期があって、“Ohaguro”はそのタイミングでできていた曲だったんです。どこかのタイミングで使いたいなと思っていたんですけど、Ofeenの作ってきた16小節の中に和を感じたので、「ついにいける！」と思って。luvの“柔軟剤DOPE”や“胃袋ラブストーリー”、“Send To You”もちょうどその時期にできた曲が元になっていたりします。

──“Send To You”もそうですが、“Ohaguro”も日本の文化であり、インパクトのあるフレーズですよね。

Hiyn　実は僕の大学の専攻が日本史研究で、日本史をずっと勉強していて。その中で「お歯黒」の文化についても学んでいたんです。“Send To You”を作ったときはそこに「日本っぽさ」があるなんて意識していなかったんですけど、海外のリスナーの方がたくさん反応してくれて、日本の文化が受け入れられている手応えがあったんですよね。

──しかも“Ohaguro”の中では「お歯黒」という文化を捉え直しているように感じます。

Hiyn　歌詞に関してはluvが修行の1年間を経て、年明けにリリースするイメージで書きました。去年の1年間はluvにとっては必要な1年で、作った曲も必要な曲たちで、なおかつ自分らが良いと思うことをやって、良いと思う曲を作ってきた。それをどうやったら伝えられるか考えました。そのときに、自分が良いと思える美徳を選んでいく行為が、「お歯黒」という昔の人が「これが私です」と美徳を選び取る行為にちょっと重なっているなって思ったんです。 ただデモの段階で歌詞も入れていたけど、そこまでハッキリ聞こえる感じじゃなかったよね？

Sho　いや、デモの段階でもBメロの〈紅と墨とで知らない帳の向こうへ〉というフレーズはハッキリ聴こえて。唇の赤と歯の黒の色のイメージがパーンと頭に浮かんで「カッコよ！」って。

Hiyn　“Ohaguro”では歌詞以外でもトラックを作る中でちょっと和な楽器のサンプルを入れ込んだりもしているんで、これくらい日本を意識したものがどう受け止められるのか楽しみですね。

脱力した先で鳴らす、luvの2026年

──リスナーの環境に目を向けると、2025年は国内のポップシーンでも星野源さん『Gen』や藤井風さん『Prema』などアーティストの趣味性が色濃く表面化した作品がリリースされ、広く受け入れられた年でもありました。なので、luvのこうした変化も着実に受け入れられるのではないかと思います。

Hiyn　みんなで話していても星野源さんと藤井風さんの名前はよく挙がりますね。本当に大尊敬です。お二人もいかに多くの人たちを巻き込むのかという時期を経て、より自分の好きなことの濃度を高めていますよね。だから僕らもインディーズのまま好きなことだけずっとやっているだけじゃダメで、だからこそ去年は絶対に必要な1年だったんですよね。もしかしたら「めちゃくちゃ売れたわけじゃないのにもう方向転換するの？」と思う人もいるかもしれないですけど、luvとしてはインディーズ時代の雰囲気に去年の武者修行で培ったものが上乗せされて、変化するにはこれ以上ないタイミングなんです。

──ではluvの変化の年になるであろう2026年の目標を伺えますか？

Sho　去年は気持ち的にも気合いが入っていたし、肩の力がずっと入っているような感覚で。でもこの“Ohaguro”を作っている時期くらいからはなんだか肩の力も良い意味で抜けてきて、自分たちらしさとお客さんが楽しめるところのぶつかる部分をこれまで以上に見つけられるかもっていう前向きな気持ちもドンドン出てきました。実際“Ohaguro”のレコーディングのときも、今まではドラムはプレイの整理整頓という意識が強かったんですけど、「もっと自分らしさを出してもいいんじゃないか？」と思って望んで。そしたらそこに重なっていくみんなの音ももっとゴリゴリになっていった。だからそういう気持ちで今年はできたら嬉しいですね。

Rosa　2026年はより音色という面を追求して音楽に立体感を持たせたいなと思っていて。今使っている楽器は基本的にエレピか普通のピアノくらいで、Ofeenがウワモノの部分を担ってくれていることが多いんですけど、クラシックをずっとやっていて明らかな差異を感じるのがそこなんです。だからもっと表現の幅を広げるために音色を追求していこうかなと。

Zum　僕はバンドマンのベーシストとして他のバンドのベーシストに負けたくないんです。みんなあまりこういうこと言わないけど、僕ははっきり言いたいです。負けたくない。今年は「この曲に対して一番良いフレーズを弾けるのは俺だろ」っていう負けない気持ちで毎回挑みます。去年は技術も知識も足りていない部分があったので、去年の経験、反省も踏まえて今年は頑張っていきます。

Ofeen　僕はluvの中で一番楽器が上手くなくて、他のバンドの人と比べてもあまり上手くないと思うんですけど、それで勝負できるのはアイディアくらいなんです。だからこそアイディアの幅が広がるようなトレーニングができたらいいなって。いろんな音楽を聴いて、どうやって作ってるんやろとか、どういうコードの上でどんなフレーズをどんな音で弾いてるとか細かい部分まで聴いてインスピレーションにする、その幅や深さを2026年はもっと突き詰めたいですね。

Hiyn　Ofeenを見ていると、音楽は技量とかの話ではないなって思うんです。中学生くらいからずっといっしょにいるんですけど、曲に対してアホなフリして一番考えているというか。マジでアホなときはあるんですけど（笑）。でもluvの必要不可欠な部分をこの人がすごく大きく担っているんですよね。例えば“Send To You”のイントロもこの人のメロディーセンスあってのものだったんで。

──最後に3月から開催するアジアツアー『luv ASIA TOUR 2026』への意気込みをお願いします。

Hiyn 東京はluvとしては初めてのZeppで、音楽を知らんときから知っているZeppに出れるというのも嬉しいです。それに海外でワンマンっていうのもカッコいい......。

Sho （食い気味で）カッコいいよな！（笑）

Hiyn 熱量はブチ上げで、今年はさらにもう一段上のluvを見せれると思うんで、皆さんよろしくお願いします！

そのバンドにしか表現できない音というものは実在するもので、まさしく個性の塊とも言えるサウンドを生み出し続けているロックバンドがいる。その名もNikoん。2023年結成、オオスカ（Gt/Vo）、マナミオーガキ（Ba/Cho）の2名を中心に音楽好きの間では話題沸騰中。まぁ本当に凄まじいスピードでシーンを駆け巡りメジャーデビューを果たしたわけだ。すごい。

2026年9月に2ndアルバム『fragile Report』を発表。現在はアルバム購入者特典ツアー「アウトストアで47」、同時に「Re:TOUR」を開催中。ライブしまくりだ。

サウンドもさることながら、その活動も他のバンドとは一風変わった打ち出しが多く、常にリスナーをワクワクさせてくれることでも知られているNikoん。そんなNikoんの本当の魅力を知りたいのならば、彼らのディープなファンに話を聞くのが1番だろう。というわけで、Nikoん愛を語ってくれるファンを公募しインタビューを行った。一問一答的な感じの内容で3人に話を聞いたわけだが、なるほど、3人ともNikoんの魅力に共通するものを見出しているご様子。それは一体何なのか？

1人ずつ、3本の記事にわけてお届け！　2人目は東京でデザイン系の制作会社に勤めている20代の女性！

ーどんな流れでNikoんのことを好きになったんですか? 小学生の頃、サカナクションを好きになって、だんだんと夜の本気ダンスや愛はズボーンなどの踊れるロックが好きになり、インディーズをチェックするようになってライブに通い始めたんです。ある時、別のアーティストを観る目的で行ったライブで、オオスカさんがソロの弾き語りをやっていたのを観てCDを買ったんです。たしか2022年だったと思います。その後、しばらくしてNikoんが始まったのでライブに行くようになったんです。 ー好きな曲は何ですか? 悩みますね。日によって変わるんですけど、今日は「とぅ～ばっど」です。1stアルバムから選ぶなら「Vision-2」ですね。 ーNikoんはどんな存在ですか? 反省を促される気がするというか。ライブのMCを思い出して、オオスカさんがこんなことを言ってたなとか。noteの内容も脳裏をよぎって、『あれはよくなかったな～』とか、そんなことを思いながら自分の行動を振り返っています（笑）。 ーえっ、反省を促される? なんか勝手に思い出しちゃうんです。全然違うことを話したり歌ったりしているだけなんでしょうけど、自分に照らし合わせて解釈しちゃうんですよ。それで、『気をつけなくちゃ』って思うんです。 ー例えば、どんなことを思い出すんですか? 以前、オオスカさんが「まとめて紹介されるのはイヤだ」的なMCをされていたことがあったんです。そこから、あの人はこれが好きだから、きっとこれも好きだろうとか。何か枠組みにはめて決めつけないようにしなくちゃって。 ー特に心に刺さった歌詞はありますか? 特定の歌詞というわけではなく、これもMCでの話なんですけど「言葉が積み重なっていく」という話があって、その話を聞いて、私も気をつけて発言しようと思いました。普段、生活していてて、『うわ、今やっちゃったな～』って時の方がNikoんを思い出すことが多いかもしれないです。 ーHさん、ちゃんとNikoんを楽しめていますか? 楽しんでいます。勝手にいろいろ繋げちゃって思い出しているだけなので。それだけ印象が強いライブが多いという意味ですし、心を動かされているという話です。

ー2ndアルバム『fragile Report』を聴いた感想を率直にどうぞ。 今作はマナミさんの曲が多いじゃないですか。だから、これまでとは違うテイストのNikoんの曲を聴くことができて、私としてはまた違った角度から反省を促されています。 ーああ、また反省しちゃったかー……。 また別角度から言われているような気がしまして。でも、改めて2人の歌があるという感じがして、そこがすごくよかったです。それに、以前からライブで演奏されていた曲がいつでも聴けるようになったというのは純粋に嬉しかったです。

ーでは、記憶に残っているライブは何ですか? 今年の1月に渋谷のCLUB QUATTROで開催された自主企画ライブですね。会場がパンパンで。ライブに通い出した頃は3人くらいしかお客さんがいない日もあったのに、今はこんなにいろんな人がNikoんを聴いていて、大勢の人がカッコいいと思っているんだなってちょっと泣きそうになっちゃいました。 ーそんなNikoんの魅力はどういうところにあると思いますか? MCにしてもそうなんですけど、ちゃんとお客さん1人1人と対話しようとしている気がなんとなくするんです。不特定多数に向けた言葉ではなく、目の前にいるお前ら、と言われている気がするし、こっちが見られていると感じる。そういう体験は、私にはなかったことなので。 ーNikoんを薦めるとしたら、どんな風にバンドを説明しながら薦めますか? 無理やり聴かせるような音楽ではないので、私はNikoんが好きですってことを一生懸命伝えてみて、それで相手が聴いてみようかなって思ってくれたらいいなと思います。聴いた方がいい理由というのは、特に説明できないです。でも、ライブに足を運ぶのが好きな人は好きになるんじゃないかと思います。 ーそこで、反省するわけですね? はい。背筋を伸ばしたい人は是非、ですね（笑）。

ー今後のNikoんにどんなことを期待しますか? とにかく好き勝手にやっていただくのが1番いいんだろうと思います。普通のバンドであったらブレーキをかけるんじゃないかなと思う時も、そのまま進んでいくような感じがしているので、そのままアクセルを踏みながら進み続けていってほしいと思います。 ーHさんはお仕事は何をやっているんですか? デザイナーですね。今年、新卒で入社したんですけど楽しく働いています。最近やっているのは動画が多いです。 ーでは、Nikoんの曲にはどんなデザインが似合いそうだと思いますか? やっぱりシンプルなのが似合うんじゃないかと思います。すでにアートワークはすごくシンプルですけど、さらに削ぎ落としても魅力が伝わると思います。CDを聴いていても思いますけど、本当に言葉が強いですし、油断していたら持っていかれるくらいの歌詞なので、それがストレートに伝わるデザインとなると、言葉を邪魔しないくらいシンプルなものがいいのかもしれませんね。 ーNikoんは今後どうなっていくと思いますか? なんか、ある日突然解散しそうだなと。しないでほしいですけど。 ーなるほど（笑）。Nikoんのメンバーに伝えたいことは? そのまま好きなように活動していってください。やっぱり作品を作ったり活動をする上で、自分に向き合った結果、やりたいことが変化してっくものだと思うのですが、思うままに好きにそのまま進んでいってほしいです。こちらは、それに合わせて素直な気持ちで受け止めていきたいと思います。

そのバンドにしか表現できない音というものは実在するもので、まさしく個性の塊とも言えるサウンドを生み出し続けているロックバンドがいる。その名もNikoん。2023年結成、オオスカ（Gt/Vo）、マナミオーガキ（Ba/Cho）の2名を中心に音楽好きの間では話題沸騰中。まぁ本当に凄まじいスピードでシーンを駆け巡りメジャーデビューを果たしたわけだ。すごい。

今年の9月に2ndアルバム『fragile Report』を発表。現在はアルバム購入者特典ツアー「アウトストアで47」、同時に11月から「Re:TOUR」を開催中。ライブしまくりだ。

サウンドもさることながら、その活動も他のバンドとは一風変わった打ち出しが多く、常にリスナーをワクワクさせてくれることでも知られているNikoん。そんなNikoんの本当の魅力を知りたいのならば、彼らのディープなファンに話を聞くのが1番だろう。というわけで、Nikoん愛を語ってくれるファンを公募しインタビューを行った。一問一答的な感じの内容で3人に話を聞いたわけだが、なるほど、3人ともNikoんの魅力に共通するものを見出しているご様子。それは一体何なのか？

1人ずつ、3本の記事にわけてお届け！1人目は東京でパン職人をやっている30代の男性！

ーNikoんを知ったきっかけを教えてください。 前身バンドのTeenager Kick AssがYouTubeで出てきて『こんなにカッコいいバンドがいるんだ』と思ったのがきっかけです。知ったときはすでに解散した後だったんですけど。その後、Nikoんというバンド名で活動し始めたのをインスタで知って、曲を聴いたらカッコよかったんでライブに行ったんです。 ーそのライブはいつ頃だったんですか? 『public melodies』のツアーファイナル（2024年7月12日）ですね。場所はBASEMENT BAR（下北沢のライブハウス）でした。SuiseiNoboAzは友達からカッコいいよって話を聞いていたので、ちょうどどっちも観れると思って行ったんです。 ーその時のNikoんのライブで何を感じましたか? それまではオシャレでカッコいいバンドだと思っていたんですけど、熱量がすごくて熱いバンドなんだなと。これはライブを観るべきバンドなんだと感じました。そこから仕事の合間をぬってできるだけライブに足を運ぶようになりました。 ーNikoんを知らない人に薦めたい楽曲は何ですか? 今だったら「さまpake」とかがいいかもしれなですね。最初にライブで観たときは、『いや2人とも歌うんかいーーー』ってなって、すごく惹かれました。 ーNikoんのサウンド的な魅力は何だと思いますか? 音がそれぞれに聴こえてくるところが好きです。でも、なんか単純にいいなっていう感じがします。

ー2ndアルバム『fragile Report』を聴いた感想を率直にどうぞ。 ライブで聴いてきた曲が多く収録されていたので、それがCDで聴けるようになったのが嬉しいです。新曲に関しても、そういう感じでくるんだみたいな。新しい発見もありつつ、ライブとは違う部分を見ることができたような気がしています。レビューも書いたんですよ。 ー歌詞はどういうところが好きですか? 2人の書く歌詞が全然違う感じがいいです。そこも含めて2ndアルバムは、これからのNikoんを素直にまっすぐ表現していると感じました。特に1曲目の「fragile report」の＜私が決めたの＞の一節には、ペヤングさん（マナミオーガキ）の決意というか。これまで以上に強い意思が感じられてグッときました。 ーどんな時にNikoんを聴くことが多いですか? 仕事に行く前とか、夜勤の前が多いかもしれないですね。あとは仕事の休憩中です。でも、NikoんはCDを聴き込むというより、やっぱりライブで聴きたいと思います。 ーお仕事は何をされているんですか? パン職人です。夜の間にパンを作って朝、それが各店舗に配送されていくんです。 ーNikoんを薦めるとしたら、どんな風にバンドを説明しながら薦めますか? とりあえず聴いてみろよ、ライブ行こうよって言います。

ーでは、Nikoんのライブで特に記憶に残っているのは? どのライブもカッコいいので難しいっすね……。自分は「靴」が好きなんですけど、それを最初に演奏したのが、たしかTHREE（下北沢のライブハウス）だと思うんですけど、その日のライブはすごく記憶に残っています。 ーMさんにとって、Nikoんはどういう存在ですか? 趣味であって娯楽なんですけど、常に求めちゃうのでは自分に欠かせないものだと思います。 ーNikoんの活動で面白かったことは? 下北沢でのフライヤー配りとかですね。もちろんもらいにいったんですけど、いい意味でアホやなぁって（笑）。そういうことをやるのが素敵だと思いました。 ーNikoんに作ってほしいグッズはありますか? 帽子とかいいですね。 ーでは、Mさんはパン屋さんということで、Nikoんをパンに例えるなら何になりますか? どこに焦点を置くかによって変わると思うんですけど、まず食パンではないですよね。うーん、今回の『fragile Report』に関して例えるなら、シュトレンじゃないですかね。 ーシュトレン。その心は? クリスマスとか特別な日に作られるドイツのパンで、わりとハードな食べ心地なんですけど、フルーツが入っていたり、実はけっこうスパイスが使われていたり、アルコールも含まれていて、カラフルな感じがするメニューなんですよ。そういうイメージに近い気がします。

ー今後のNikoんにどんなことを期待しますか? こっちから求めなくても、どんどん面白いことをやってくれるのでそれを見ていたい気持ちがあります。本当に、これからも変わらずに好き勝手やってほしいです。それについていくので。 ーNikoんは、これから大きな存在になってほしいと思いますか? あんまり大きいところに行っちゃったら寂しいとは思うんですけど、頑張ってほしいです。 ーNikoんのメンバーに伝えたいことは? 特にないのですが、強いてお伝えするとすれば、機会があったら飲みに行きましょう、です。

50年以上のキャリアで、アンビエント文化の勃興からデヴィッド・ボウイやU2のプロデュースまで、先鋭的でありながら「最重要アーティスト」として世界中からリスペクトを集めているブライアン・イーノ(Brian Eno）。2022年開催の＜BRIAN ENO AMBIENT KYOTO＞をはじめ、メディア・アーティストとして本邦でも周知されている彼のドキュメンタリー映画『Eno』が7月11日（金）より東京・109シネマズプレミアム新宿ほかで限定上映される。 本作は長時間のインタビュー映像と500時間を超える貴重なアーカイブから構成され、アーティストのブレンダン・ドーズと共同開発した自動生成システム「Brain One」によって観るたびに内容が変化するという。そのパターンはおよそ10×19乗で約54京通り（！）、イーノらしい趣向を凝らした異例の映像作品だ。 今回は『Eno』をいち早く体験した3人による鼎談をお届け。まずはHYSTERIC GLAMOURのデザイナーである北村信彦。そしてHomie Homicideのギタリストを務めると共に、音楽から映画までカルチャー全般への造詣が深いMiloこと小山田米呂。さらにはラジオパーソナリティーから音楽／映画ライターまで幅広く活躍する奥浜レイラをファシリテーターとして迎えた。 同じ上映会に参加した3人に、それぞれのイーノとの出会いから『Eno』から受け取ったメッセージ、そしてクリエイティブに与えた影響まで語ってもらった。さらに中盤では、イーノがアーティストのピーター・シュミットと共に開発した創造性を促進する独自ツール『Oblique Strategies』を実際に使用。100枚以上のカードに記載されている言葉を起点に、インスパイアリングなトークを展開してもらった。

北村信彦（以下、北村）　僕が最初にブライアン・イーノを意識したのは、中学生の頃に聞いた『Another Green World』でした。当時はロキシー・ミュージックの元メンバーっていう情報も無く、『ミュージック・ライフ』の誌面でいきなり出会ったんですよ。当時はクイーンとかキッスとかが騒がれはじめて、パンクも出現していた。そんな時代に『ミュージック・ライフ』に「イーノ・イズ・ゴッド」とか書かれてて……「誰？」みたいな（笑）。

奥浜レイラ（以下、奥浜）　おそらく、「イーノ」と「エノ」っていう表記が混在していた時期ですよね。

北村　そうそう、まだ「COMME des GARCONS HOMME」の「HOMME」を「ホム」って読んじゃうような時代なんで。その後に『Another Green World』を買って聞いたら、もう一曲目から「何これ！？」みたいな。ライナーノーツには「この音楽は21世紀になってようやく理解されるだろう」って書いてあったり。それで最近、改めて彼のレコードをかけて、もう本当に感動しました。僕の葬式はフリップ&イーノとスペースメン3のアルバムを延々とかけて欲しい、そのくらい大好きです。

奥浜　なるほど。小山田さんが最初にイーノの作品と触れたのはいつですか？

小山田米呂（以下、小山田）　きっかけは父と母ですね。二人ともイーノが好きなんです。ただ家の中でかかっていた記憶はないですね、何せ作品が抽象的なので。

北村　お父さんっておいくつ？

小山田　1969年生まれなので、今年で56歳ですね。

北村　僕より年下なんだ。多分、イーノのアンビエント作品が全盛だった時を見てたんだろうね。

小山田　まさにそうです。家にレコードがチラホラ置いてあって、アンビエント作品とかクラスターとのコラボを聞いたりしました。僕がハマったのはデヴィッド・ボウイですね。イーノ単体というより、他のアーティストとコラボしている作品の方が印象に残っています。

奥浜　私もイーノがプロデュースしたデヴィッド・ボウイのベルリン三部作（『Low』『Heroes』『Lodger』）から入門しました。もちろんソロ活動も好きなんですけど、それ以上に「このアルバムって誰がプロデュースしているんだろう？」って気になって調べると絶対にクレジットされている人っていう印象が強いです。トーキング・ヘッズもそうだし、ディーヴォにも関わっていると知った時はビックリしました。

北村　デヴィッド・ボウイは僕らの世代でも性別問わずに聞かれていた、ほぼ唯一のグラム・ロックでしたね。そういう意味では、今回見た映像のなかでイーノがカムデンをふらついていた映像。ロキシー・ミュージックの構想に加わる前後の、まさにグラム・ロック前夜な貴重な姿を見れたのは本当に嬉しかったです。

奥浜　私たちは同じ上映会で『Eno』を見ているので、3人の見た映像自体は共通しているんですよね。いかがでしたか？

小山田　シンプルに面白かったです。予備情報を入れずに行ったんですけど、どこからどこがジェネラティヴな表現で、上映会ごとにどこまで変化するのかもわからない。そしてもう一回見ようとしても、それは全然違う内容かもしれない。

北村　例えばディレクターズカット版の再上映みたいに、なんとなく内容を変更したものを流すのではなく、500時間以上の素材をカットアップしたものを流すという。だから僕らが見てないパーツも大量にあるんですよね。できればクラスターとかハルモニアと一緒にやってる映像とか、そういうのも見てみたかった（笑）。

奥浜　日本は一週間限定の上映になるんですけど、一日ごとに二回同じ内容のものが流れることになってるらしいです。それを七日間行うので、東京以外の都市での上映も含め、最低でも7パターンは上映されることになるのかと。

北村　今回の上映パターンで励みになったのは、ボウイが彼について話すシーンですね。「彼は演奏しないんだ。だけど、スタジオにいないとダメなんだ」とイーノのことを表現していて感動しました。あとはU2のスタジオで妙なループを作っていて、それに合わせてドラマーが即興的に叩くことで曲が作られていくっていう光景とか。「感性さえあれば音楽はできる」って語っていたのには勇気づけられました。

奥浜　自分が作った作品をYouTubeから引っ張ってきて解説するんですよね。

小山田　そうでしたね。それで広告が入ってきて戸惑うんですよ。「ブライアン・イーノってYouTube Premiumに入ってないんだ！」っていう、あのシーンはめちゃくちゃ面白かった（笑）。あとは途中でローリー・アンダーソンが一瞬出てきて、喋るのかと思ったらそのまま別のシーンに移っていっちゃったり。ある程度は流れがあるものの、ランダムに色んなアーティストがカメオ出演してるのも面白かったですね。

北村　思えば、彼の作る音はマニアに向けられているんだけど、同時に大衆にも多くのフォロワーがいるわけで。『Eno』も通常の映画にはないシステムで、全部見たいファンの人は戸惑いますよね。アンディ・ウォーホルがキスのシーンしか流れない一時間の映画を作って、観客がイライラして、それをウォーホルが後ろの方でニヤニヤ眺めてるみたいな。イーノの『Thursday Afternoon』のビデオもそういう抽象的な内容で、恐らく最初から最後まで記憶している人はいないと思う。

奥浜　一種の実験ですよね。映画作品という点では、商業として映画館でかけるとなると、ファイナルカットの権利を誰が持つかっていう問題が発生するんですよ。基本的にはプロデューサーが持っていて、最終的にどのバージョンを選ぶのかが委ねられます。ただ『Eno』は真逆の発想なんです。編集をある意味で放棄していて、自動生成されたものに任せているという。私はそこがブライアン・イーノらしいと思います。

北村　作品全体のユニットをいくらで買うかっていう、もともとの映画ビジネスの次元を超越しちゃってるんです。このドキュメンタリーを作るっていう発想自体が現代アートですよね。

小山田　このアイデア自体は監督（ギャリー・ハストウィット）が持ってきたらしいんですよね。だから他のアーティストでもこのシステムを使えば同じようなことができるとは思うんですけど、イーノの思想とはやはり近いものを感じます。

奥浜　イーノは『77 Million Paintings』という、自身の作った絵画や映像がランダムに表示されるソフトウェアを以前作っていて。今回の『Eno』にも近いアイデアが既にあって、そこに監督のやりたかった構想がハマった形なのかと。

奥浜　それと、最後に社会とイーノというテーマで、彼が社会活動について語るシーンがあるんですよ。時代によって関心を持つトピックが変わりながらも、一貫して語る姿には個人的に勇気づけられました。

小山田　ガツガツしてるわけじゃないけど、常に熱量を持って社会にコミットしている姿勢には頭が下がります。『Eno』って実は普遍的で、最新のテクノロジーを駆使すればもっとカオスなものに仕上げることも可能なんでしょうけど、それを「Brian One」の中だけで完結させるっていう。アナログな部分もあるんですよね。

──今日はブライアン・イーノとアーティストのピーター・シュミットが作った『Oblique Strategies』を持ってきました。カードを引いて、書いてある言葉に沿って制作を進めるというアイテムです。試しに引いていただいてもよろしいですか？

北村　よし、じゃあこれで。「Listen to the quiet voice」、小さな声を聞けと。

奥浜　めちゃめちゃ良いですね！

偶然性とクリエイティブが出会う瞬間

INFORMATION

『Eno』

監督：ギャリー・ハストウィット 字幕翻訳：坂本麻里子 / 字幕監修：ピーター・バラカン 配給：東急レクリエーション / ビートインク 一般上映 日時：7月11日〜7月17日　平日18:00〜、20:30〜　土日15:30〜、18:00〜 会場：109シネマズプレミアム新宿 シアター7 日時：7月12日、7月13日　15:30〜、18:00〜 会場：109シネマズプレミアム名古屋　シアター4 日時：7月12日、7月13日　15:30〜、18:00〜 会場：109シネマズ大阪エキスポシティ　シアター5

詳細はこちら

© Qetic Inc.

https://qetic.jp/music/fujirockpre-vibes/467504/ https://qetic.jp/music/fujirockpre-vibes/467504/ https://qetic.jp/music/fujirockpre-vibes/467504/#respond Wed, 21 May 2025 11:30:02 +0900 6 https://qetic.jp/?p=467504

フジロックの熱狂が、渋谷のど真ん中に降臨する──。 BREWDOGとFUJI ROCK FESTIVALによる初のコラボビール「FUJI ROCK LAGER」の誕生を記念して、一夜限りのプレミアムイベント＜FUJI R […]

]]>

フジロックの熱狂が、渋谷のど真ん中に降臨する──。 BREWDOGとFUJI ROCK FESTIVALによる初のコラボビール「FUJI ROCK LAGER」の誕生を記念して、一夜限りのプレミアムイベント＜FUJI ROCK Pre-VIBES with BREWDOG＞が5月23日（金）に渋谷PARCO 10F「PBOX」にて開催決定。

フジロックの名シーンがLEDで再生、あの“夏の記憶”を都心で

会場では、フジロックの映像コンテンツを巨大LEDで展開。まるで現地にタイムスリップしたかのような没入感の中で、「あの夏」を五感で体験できる空間が出現する。 さらに、会場では「FUJI ROCK LAGER」を世界最速で先行試飲可能。フジロックのために開発されたこのビールは、柑橘系ホップのアロマとキレのあるのどごしが特徴。グレープフルーツ、マンゴー、レモン、ライム、アプリコット…“何時間でも音楽に浸っていたい”フジロッカーに捧げる1杯に仕上がっている。

DONGROSSO、SAMO──現場を揺らす2組が登場”

音楽シーンの“今”を語る上で見逃せない2組が、本イベントのフロアを担う。 MONDO GROSSOこと大沢伸一とどんぐりずによる異色ユニットDONGROSSOが登場。レジェンドと次世代が交差して生まれる、アンチ・ジャンルなダンスグルーヴが渋谷の夜を揺らす。 さらに、昨年＜フジロック＞への出演を果たした注目のDJ SAMOも登場。BOILER ROOMへの出演や関西拠点の「FULLHOUSE」でのレジデントを経て、東京でも注目度を高める存在。ハウス、ガラージ、ジャズ、ソウルが交錯する唯一無二のフロア感覚は、2025年の＜フジロック＞を前に体験しておくべき存在だ。

会場でしか味わえない“フェス飯”も復活

会場ではフジロックでおなじみの「もち豚丼」と「きりざいめし」が数量限定で登場。スタミナ満点＆滋味深いこの2つのメニューは、フジロッカーの胃袋を掴み続ける定番。渋谷でこの味が楽しめるのは、この夜だけ。 音楽、ビール、フェス飯、そして“あの夏”の記憶まで。 五感でフジロックを先取りできる、都心ど真ん中でのプレミアムナイト。 完全フリーのイベントとなっているので、ぜひ気軽に足を運んでみてほしい。

INFORMATION

FUJI ROCK Pre-VIBES with BREWDOG

2025年5月23日（金） OPEN 17:30／CLOSE 21:30 渋谷PARCO 10F「PBOX」 LINE UP：SAMO、DONGROSSO TICKET：入場無料（1ドリンクオーダー制） 詳細はこちら

© Qetic Inc.

]]>

関連記事

1. ＜FUJI ROCK FESTIVAL ’24＞のタイムテーブルが発表｜「ROOKIE A GO-GO」への出演アーティスト15組も決定
2. ＜FUJI ROCK FESTIVAL’24＞、Amazonでのライブ配信スケジュールが発表

https://qetic.jp/art-culture/jiyugaoka_play/467495/ https://qetic.jp/art-culture/jiyugaoka_play/467495/ https://qetic.jp/art-culture/jiyugaoka_play/467495/#respond Tue, 20 May 2025 08:00:28 +0900 6 https://qetic.jp/?p=467495

東京・自由が丘を舞台に、音楽・アート・街が交差する新たなカルチャーイベント＜Jiyugaoka PLAY＞が、2025年5月24日（土）・25日（日）に初開催される。 本イベントは、アートを軸に街づくりを目指すプロジェク […]

]]>

東京・自由が丘を舞台に、音楽・アート・街が交差する新たなカルチャーイベント＜Jiyugaoka PLAY＞が、2025年5月24日（土）・25日（日）に初開催される。 本イベントは、アートを軸に街づくりを目指すプロジェクトチーム「Jiyugaoka ART Community」が主催。ライブ・DJステージからアートワークショップ、パフォーマンス、公開Podcastまで、多彩なプログラムが自由が丘に集結する。

音楽を「聴く」から「つくる」へ──自由が丘の街をステージに

音楽ステージでは、国内外のクラブやフェスティバルで魅了し続ける、クラブジャズ先駆者の松浦俊夫、世界に誇る“King Of Diggin’”ことDJ MURO、イギリスのラジオ局NTSでも活躍するDJ／音楽プロデューサー／モデルの水原佑果が登場。 さらには、KenKen（RIZE）× GAKU ENDOによるユニットをはじめ、ラテン・ソウルバンドCENTRAL、尺八奏者KENJI IKEGAMIとDJ／プロデューサーCHEE SHIMIZUによるユニットが出演。多彩なラインナップがジャンルを横断して登場する。

“作る”が主役。五感を刺激するワークショップ

会場では16のブースによるアート＆クラフト系ワークショップ／マーケットが展開。ZINE制作、シルクスクリーン、泥だんごなど、子どもから大人まで“手を動かして楽しめる”コンテンツがずらりと並ぶ。

Podcast公開収録、Percussionワークショップなど参加型企画も

Jiyugaoka ART Communityが配信するPodcast『ART WALK』の公開収録も開催。 ゲストには画家・いけばなパフォーマーの杉山 歩が登場し、「自然との対話」「季節を生けるという行為」などをテーマに語る。

また、CENTRALによるパーカッションワークショップでは、普段触れる機会の少ない打楽器にも挑戦できる参加型の体験が提供される。

「文化村」から“再び創造する街”へ——Jiyugaoka ART Communityの挑戦

本イベントの主催を務めるJiyugaoka ART Communityは、かつて文化人が集った自由が丘の歴史を再発見し、未来に向けた創造の場として街を再編集するプロジェクト。『Jiyugaoka PLAY』はその旗印とも言えるイベントだ。 アートと街の交差点で生まれる、新たなカルチャーの息吹を体感してみてほしい。

INFORMATION

Jiyugaoka PLAY

日時：2025年5月24日（土）、25日（日） 会場：東京都目黒区自由が丘2-11（三井住友銀行自由が丘支店駐車場） 出演アーティスト：MURO（DJ） / 水原佑果（DJ） / KenKen×GAKU ENDO（LIVE） / CENTRAL（LIVE）/ KENJI IKEGAMI × CHEE SHIMIZU（LIVE） パフォーマンス：杉山 歩（生け花パフォーマンス） プログラム：Jiyugaoka ART Community Podcast 公開録音 ワークショップ&ショップ：親子で遊べるアートワークショプや飲食店など約15店舗 詳細はこちら

© Qetic Inc.

]]>

関連記事

1. 新世代チカーノ・ソウル・シーンを牽引する3ピースバンド・Brainstoryのジャパンツアーが決定｜東京公演にはDJ MUROがゲスト出演
2. ＜さどの島銀河芸術祭2024｜過去と未来の帰港地＞閉幕の儀がDOMMUNEにて今夜開催｜灰野敬二 × DOMMUNEによる「虚能」のパフォーマンスも

https://qetic.jp/music/yonezu-2505/467473/ https://qetic.jp/music/yonezu-2505/467473/ https://qetic.jp/music/yonezu-2505/467473/#respond Mon, 19 May 2025 09:00:33 +0900 6 https://qetic.jp/?p=467473

米津玄師が、3月の上海を皮切りにアメリカ、ヨーロッパ、アジアの全7都市で開催したワールドツアー＜KENSHI YONEZU 2025 WORLD TOUR / JUNK＞のオフィシャルレポートが到着した。 LONDON […]

]]>

米津玄師が、3月の上海を皮切りにアメリカ、ヨーロッパ、アジアの全7都市で開催したワールドツアー＜KENSHI YONEZU 2025 WORLD TOUR / JUNK＞のオフィシャルレポートが到着した。

米津玄師は、今、世界各国で支持を集め、各地のファンから待ち望まれている。その確かな熱量を、この目で見届けてきた体験をレポートする。

3月から4月にかけて米津玄師はワールドツアー＜KENSHI YONEZU 2025 WORLD TOUR / JUNK＞を開催した。これは、1月から2月に行われ国内で35万人を動員した国内ツアー＜米津玄師 2025 TOUR / JUNK＞に続くものだ。ワールドツアーでは上海、台北、ソウル、ロンドン、パリ、ニューヨーク、ロサンゼルスの7都市で計10公演が行われた。

それぞれの都市で、米津玄師のライブへの期待は非常に高まっていた。上海と台北では2019年の初海外公演＜米津玄師 2019 TOUR / 脊椎がオパールになる頃＞以来、実に6年ぶりの公演。ソウルでは初のライブだ。ここ数年韓国での人気は顕著に高まっている。Billboard JAPANが発表した「Japan Songs」によれば、韓国の2024年の年間チャートでは「Lemon」が2位、「Lady」が8位と、2曲がTOP10入りを果たした。

ヨーロッパへは今回が初上陸となる。ロンドンにも多くのリスナーがいるが、特にフランスでは日本の漫画やアニメ文化が深く浸透し、パリ公演には近隣欧州諸国からファンも集まる。スタジオジブリの宮﨑駿監督作『君たちはどう生きるか』の主題歌「地球儀」をはじめ、グローバルな人気を持つ日本のアニメやゲームをきっかけに米津玄師のことを知ったファンも少なくない。

アメリカでも注目度は急上昇している。アニメ『チェンソーマン』のオープニングテーマ「KICK BACK」は2023年、アメリカレコード協会（RIAA）から日本語曲として初めてゴールド認定を受け、「RIAA Class of 2023」にも選出された。さらに2025年初頭、グラミー賞を主催する米レコーディングアカデミーは「J-POPの世界的なブーム」を今年の音楽トレンドとして予測し、米津のワールドツアーを「エポックメイキングな出来事」と評価。ニューヨークとロサンゼルスでの初ライブには、現地ファンから熱い期待が寄せられていた。

このワールドツアーは全公演がソールドアウトという快挙を達成。海外だけで計9万人を動員し、国内公演と合わせると総勢44万人が参加する大規模なツアーとなった。

筆者は3月23日のソウル公演と、ツアーファイナルとなった4月6日のロサンゼルス公演の両方に足を運んだ。どちらの公演でも、米津玄師の音楽が国境と言語の壁を軽々と超え、現地リスナーの心を鷲掴みにしている様子が手に取るように伝わってきた。

ソウル公演が行われたINSPIRE ARENAは、仁川国際空港近くに2024年にオープンしたばかりの最新の多目的アリーナだ。豪華なエントランスのLEDビジョンにはツアーのビジュアルが映し出され、開場前から多くのファンがグッズ購入や記念撮影に興じていた。

会場全体には開演前から高揚感が満ちあふれていた。2日間のチケットは発売後すぐにソールドアウト。この日は1万1千人のファンが集結した。観客層は男女比がほぼ同等で、10代から20代の若者が中心だった。ロビーでは日本語の会話はほとんど聞こえず、現地の若い世代が大半を占めているようだった。

開演時刻、バンドメンバーの中島宏士（Gt.）、須藤優（Ba.）、堀正輝（Dr.）、宮川純（Key.）と共に米津が姿を現すと、会場を揺るがすほどの大歓声が沸き起こった。オープニングの「RED OUT」では、米津の歌声に合わせて〈消えろ 消えろ〉のフレーズを1万1千人の観客が一斉に叫び、一体感が生まれる。続く「感電」では、特徴的なホーンセクションのイントロを観客が歌い、「マルゲリータ」では〈XOXO〉の部分で大合唱が広がった。

筆者はこれまでほぼすべての米津のライブツアーを見てきたが、ソウルの観客が見せた反応は過去のどの公演でも目にしたことがないほどの熱気に満ちていた。特に「LADY」や「Lemon」では、イントロや歌い出しで曲を認識した瞬間、溢れ出すような歓喜の渦が会場全体に生まれ、大きな合いの手の声援が響く。

最も驚かされたのは、韓国のオーディエンスがほとんどすべての曲で日本語の歌詞を完璧に歌い上げていたことだ。「メランコリーキッチン」といった初期の楽曲でも熱のこもったシンガロングが生まれる。前半のハイライトとなった「さよーならまたいつか！」では、会場全体が一体となった歌声が響き渡った。

「人生で一番熱い歓迎を受けた気がします。今までの音楽人生もひっくるめて祝福されたような思いです」と、米津は感慨深げに告げる。MCでは韓国語で挨拶し、「自分の国以外の場所にこんなに沢山の人が集まってくれて、1人でやっていた頃から考えると嘘みたいな光景です」と語った。

後半では「LOSER」で観客全員が一斉にジャンプし、アリーナの床が揺れるほどの盛り上がりを見せた。「KICK BACK」では、イントロの第一音から〈努力 未来 A BEAUTIFUL STAR〉のフレーズを観客が一斉に叫び、力強いコールと振りで客席が一体となり会場の興奮は最高潮に達した。続く「ピースサイン」「ドーナツホール」とアップテンポな曲で熱気は上昇を続け、本編ラストは情感豊かな「がらくた」で締めくくられた。

アンコールでは「BOW AND ARROW」を披露し、中島宏士がバンドメンバーを紹介。「こんなに熱いライブ、人生で初めてでした」と米津は感極まった表情で語り、「また来ます！」と約束した。

ツアーファイナルはロサンゼルスのYouTube Theaterで行われた。開演前のロビーで目を引いたのは客層の多様性だ。会話のほとんどは英語。アジア系のほかに白人観客も多く、年齢層も幅広い。いわゆるアニメファンの集まりという雰囲気ではなく、様々なきっかけで米津の音楽に出会った多彩なファンが集まっていた。

ロサンゼルスのオーディエンスも情熱的だった。冒頭から観客全員が立ち上がり、共に歌う。米津は英語で「Hello everyone!」と呼びかけ、「初めてのライブにこんなに集まってくれて、非常に光栄です」と笑顔で語った。

心に残ったのは米津の多彩な音楽性がアメリカのファンにも深く浸透している様子だった。「地球儀」では息をのんで聴き入り、「LADY」では自然と手拍子が生まれ、「Azalea」では心地よさそうに身体を揺らしていた。日本語の歌詞であっても、楽曲の持つ情感や世界観がしっかりと共有されていた。

MCで米津は「ロサンゼルスは15年前に来て、今回は2回目なんです」と明かした。彼が初めて海外に渡航したのは2011年、初音ミクの海外初ライブ＜MIKUNOPOLIS in Los Angeles＞にボカロP・ハチとして参加した時だった。「そこから15年経って、こんなに沢山の人が来てくれたことに感動しています」と語った。

ロサンゼルスでもクライマックスは「KICK BACK」。イントロから歓喜の叫びが上がり、「ピースサイン」では一斉にピースサインを掲げる光景が広がった。

アンコールのMCで米津はワールドツアー全体を振り返り、「これだけの人が異国の地に集まってくれて、本当に嬉しいです。日本語の歌で、言葉も何を言っているかわからないかもしれないけれど、それでも熱烈に迎え入れてくれるということに、本当に感激しました」と、世界各国でライブを待ち望んでいたファンと対面してきたことへの思いを述べた。

「また会いましょう！」という言葉と共にステージを後にした後も、会場には熱狂の余韻が残り続けた。公演後、会場を出た観客たちはそこかしこで興奮冷めやらぬ様子で感想を語り合っていた。きっと、訪れた一人ひとりの胸に、深く刻み込まれた体験になったのではないかと思う。そう強く感じた一夜だった。

ワールドツアーは多大な成功を収めて終了した。それは単に動員数の多さだけでなく、米津玄師自身にとっても深い意味を持つ体験になったのではないかと思う。

ソウルでもロサンゼルスでも、米津はこれまでの音楽人生を振り返りながら感慨を告げていた。そのことが胸に残った。

そして各地で再会を約束していた。次回のワールドツアーがいつになるかは未定だが、今回の成功を受けて、さらに大きな規模での開催も期待される。さらなる挑戦が楽しみになった。

Qetic主催のスペシャルイベント＜sweet sixteen.＞が、2025年5月2日（金）に渋谷WWW Xで開催決定！

Dリーガーから、POPサイボーグ、ポストロック×ジャズ経由のDJまでが勢揃い。SHOW／LIVE／DJ／MARKET／FOOD……すべてが入り乱れる4時間。これ、絶対見逃さないで。

約10cmのピンヒールでバチバチに踊り切る――。そんな狂気と美学が混在する唯一無二のダンス集団、Benefit one MONOLIZが、渋谷WWW Xに登場！

世界最高峰のプロダンスリーグ「D.LEAGUE」に初期から参戦し、5シーズン目を迎える今もなお、異彩を放ち続けるこのチーム。その特徴は、ジャンルレスかつジェンダーレス、妖艶でドラマティックな作品世界。見る者の価値観をひっくり返すようなパフォーマンスは、"ダンス"という枠を超え、もはや"アート"と呼ぶにふさわしい。

演出を手がけるのはディレクターHAL。そして個性豊かな13名のダンサーたちが舞い踊るMONOLIZのステージは、この日、この場所でしか体験できない一夜限りの衝撃。

世界レベルのバトルで輝きを放ち続けるYasminと、FUNKを内包したスタイリッシュなLOCKで注目を集めるHANA。ダンスの“今”を体現する2人が、D.LEAGUEのストリート代表チーム「DYM MESSENGERS」から揃って参戦！　いま日本のダンスシーンで最も信頼されるリアルなプレイヤーが、ステージでどんな火花を散らすのか──見逃すわけにはいかない。

かつてMONOLIZのリーダーとしてD.LEAGUEを牽引し、今は舞台、振付、ワークショップまでジャンルを超えて飛躍するKenが登場！ 東京を拠点に進化を続ける“踊れる表現者”が、この夜だけの一手を見せる。

バトルでもショーでも絶大な存在感を放ち続けるパフォーマンス集団、MONSTERBALLAZから、Ibuki & ShoheiがQeticのステージに！サッカーボールを自在に操り、ジャンルのボーダーを越えて場を支配できるフリースタイルフットボーラーはそうそういない。でもIbuki & Shoheiなら話は別だ。MONSTERBALLAZという看板の重さを軽々と背負って、彼らは渋谷に“本物”を落としていく。

「RELAXING」で一躍シーンに浮上し、SYNCHRONICITYシリーズでその才能を確固たるものにしたvividboooyが満を持して登場！　共感とメロディを同時に響かせるそのライブは、ただのHIPHOPでもR&Bでもない、"vividboooyというジャンル"そのもの。

ピアノ、歌、ダンス、そして型破りなアート性。 ジャンルじゃない、“すべて”で勝負するアーティストSHIMIZUMASHが、Qeticのフロアに独自の世界を描き出す。“総合芸術音楽家”という異名は伊達じゃない──その瞬間に立ち会え。

CM音楽、松果体、gato、展示会。 ジャンルもメディアも選ばず活動するageのDJは、ひと言で言うなら“現代の縁側”。落ち着けるけど、どこか変で、ずっといたくなる音。あなたの記憶に静かに残る時間を、ここで。

音楽メディア「漂流音楽」のDJとしても活動し、渋谷club bar FAMILYなどでイベントをオーガナイズするsoo。トライバルからテクノまで柔軟に飛び回る選曲センスで、ラウンジからフロアまで遊び倒せる空間を演出。sooの現場はいつだって、「音楽好きが安心して遊べる場所」だ。今回も、知識と経験がにじみ出る柔らかくて深いプレイをお楽しみに。

今回のテーマは「＃sweet sixteen.」。 ティーンの甘さ、危うさ、無敵感。未完成のエネルギーが一番キラキラしてる“16歳の夜”。そんな16歳の無敵さと壊れそうな危うさ、その両方を世界に見せつけた名曲、ブリトニーの “…Baby One More Time”。「My loneliness is killing me」って、10代がこんなに切実にポップに孤独を叫んだことある？　未完成だからこそ、いちばん輝く。甘さも毒もまるごと肯定してしまう。＜sweet sixteen.＞も、ズバリそういうこと？

当日のフロアを熱く回すのは、MC WasaVi。絶妙なノリとタイミングでステージとフロアをつなぎ、出演者と観客のテンションを最高潮へ導いてくれる頼れる存在だ。

さらに、会場内には個性豊かなマーケットエリアも登場。PUMP management、MOTO、HAL、uuujewelといったブランドがラインナップ。カルチャーの熱量をそのままプロダクトに落とし込んだような空間が広がる。

そしてFOODは、Sakura Cynthiaが担当。彼女ならではの美意識が詰まったケータリングで、視覚も味覚もそっと満たされる時間に。空間も、胃袋も、ちゃんと満たしていくのがこのイベントの流儀。