──今回の『Domani』はコロナ禍に入って初めて制作されたアルバムとなりますが、Tanakaさんはコロナ禍をどんなふうに過ごしていたんでしょう？

やっぱり、どこも出ずにずっと自宅にいましたね。外食も控え、なるべく家で食べていたし、コンビニで水を1本買うのも「こわいな」と思うくらいで。2020年はホント慎重に暮らしてました。音楽に関しては、いつも通り制作を続けてました。ただ、困ったのは、以前は家で夜につくったものを必ずiPhoneに入れて、通勤のタイミングにチェックしていたんですが、それができなくなったことで。（Chip Tanakaは『ポケットモンスター』関連のデジタルゲーム、カードゲームなどで知られる株式会社クリーチャーズの代表取締役社長を務めている）今はその時間が散歩に変わりました。あと、コロナ禍以前はライブのたびに短い新曲を増やしていき、それを何度もシェイプアップして完成させていったのですが、それがなくなって、家でどっしりと構えて曲をつくったのは久しぶりのことだったかもしれないです。

──環境が変わったことで、制作する音楽にも変化はあったと思いますか？

これまでは絶対に、ライブで楽しむお客さんを想定し、リズムの強さや、音の抜き差し、重低音で驚かそうとか、とにかく音を体験してもらう感覚を大事に意識してました。けれど、今回は家でCDやレコードを聴くような環境を意識して曲を作っていきました。それが1番の変化だと思います。「ライブで映えるように低音を綺麗に出そう」とか、そういうことをあまり意識せずにつくっていったというか。今回もいつも通り、1～３小節くらいの曲のタネになるものを聴き直しながら、リズムをつくり出すか、メロディをつくり出すかと考え、進めていきました。で、ある日、世界中がパンデミックに覆われている中、砂漠で逞しく生きているサボテンのイメージが頭に浮かびました。

──なるほど。6曲目の“Cactus Chant”はまさにサボテンがタイトルになっています。

そうですね。これまでも、Chip Tanaka名義の楽曲には声ネタっぽい音を使ってメロディを表現していましたが、今回は「サボテンが歌っていることにしてみよう」とイメージしました。サボテンが新型コロナウィルスにかかることはないけれど、サボテンだって厳しい環境の中生きているよな、と思ったんです（笑）。それと、人間が未来を見ているのと同じように、サボテンだって未来を見ている。そのイメージから『Domani』というタイトルが出てきました。ちなみに、“Cactus Chant”の一部は昔ライブでやっていて、＜FUJI ROCK FESTIVAL’18＞に出たときにも実は、演奏していました。それを今回、進化させ曲に仕上げました。

──コロナ禍を生きる人々を、過酷な環境で生きるサボテンになぞらえたのですね。

野生で生きているサボテンって結構枯れたりしてますよね。でも、3分の2は枯れながらも、残りの3分の1が生き残って、未来に種を繋いでいこうとしている。そういうことを考えたのが最初のきっかけでした。そこで、サボテンや砂漠をテーマに決めて、まずはサボテンの本を何冊か買ってみたり。同時に、「砂漠にいる生き物って何だろう？」と調べて、“Fennec”ができました。そこから、フェネックが作中に出てくるサン＝テグジュペリの『星の王子さま』（作品中での表記はキツネ）を読み返したり、サン＝テグジュペリの伝記を読んだりしていたら、今回表現したいことと、サン＝テグジュペリの生涯に共通点、共感できる所が多いな、と気づいたんです。サン＝テグジュペリは小さい頃、空に憧れて、作家でもありパイロットでもあり、彼の最期も飛行機で飛んだまま遺体も見つからない状況がずっと続いてた、とか。彼の生涯に、人の想いの強さ、人間が未来に対して持つ願望、夢、希望のようなものを感じて、そこに「生き物の未来」が一気に繋がっていった感じでした。

──なるほど。数珠つなぎ的にイメージが広がっていったんですね。また、今回のアルバムは特に、聴いていて最初から最後まで旅をしているような感覚になる作品だと思いました。

ああ、本当ですか。たとえば1曲目の“GO→JUMP↑”は、楽曲もタイトルも、マリオの冒険にも通じるゲームミュージックの要素を全面に出したものですけど、あれもサボテンをイメージしています。もちろん、サボテンは走らないですけどね（笑）。可愛いキャラクターのイメージでつくっていきました。でも、この曲だけでは『Domani』というイメージにはなかなか繋がりません。そこで、アルバムを通したときにイメージに近づくように、あっちに行ったりこっちに行ったりしながら楽曲を繋げていきました。

──“Pacific”で海に行ったり、“Rainy Ride”で雨が降っていたり、“Sandstorm”で砂嵐に巻き込まれたりと、サボテンが色んな場所を冒険していくようなイメージが浮かびます。

“Pacific”はサン＝テグジュペリが空に憧れていた、空を飛ぼうと思ったイメージを重ねました。サビでギターをパーンと切り込ませ、広がりを持った雰囲気の曲に仕上げていきました。他にも、たとえばメランコリックな“Hourglass”（＝砂時計）は、今までになかった雰囲気でロック系8ビートの曲です。これは『MOTHER2 ギーグの逆襲』のときにつくった、どせいさん（『MOTHER』シリーズに登場する架空のキャラクター）のコーヒータイムの曲に近い雰囲気があるのかな、と思っています。色んな作家によってその人の癖がみえる曲があると思うのですが、僕にとってあの曲は、そういう自分の癖が出た曲では？と思っています。あと、今回コロナ禍になってから、中学や高校の頃に聴いていた音楽を聴き返していた時期があったんですよ。僕は中学時代、BOØWY、Tレックス(T.Rex）などグラムロックにハマりました。同時にピンク・フロイド（Pink Floyd）も好きで。特にオルガンのシンプルなコード進行で、曲が展開していくパターンに憧れ、そのときの感覚でつくったものが、どせいさんの曲でもあるし、今回の“Hourglass”でもあるのかな、と思います。自分が初めて「綺麗だな」と感じ、自己陶酔できるロックってこういうタイプの曲だった気がします。

──この曲は、じっくり聞くと後ろに色々な音が隠されているのも面白いです。

不協和音がいっぱい入っているんですよね。リズムも、ひとりのドラムのようでいて、そこに三連っぽいものも混ざっているし、コードではない、効果音のようなものもずっと入っている。それでいて、スコーンと真ん中だけはシンプルなアルペジオで、ノスタルジックな曲にしてみました。

──では“Shadow Dance”はどうですか？　この曲は民族音楽的な要素が感じられます。

これまで僕のアルバムには四つ打ちの曲が多かったと思うんですけど、“Shadow Dance”は「今回はそういう曲が少ないな」と思ってできた曲でした。この曲は、一見ラテンチックでもあるんだけれど、上モノはアフリカっぽい雰囲気で。モロッコとか、ああいうアフリカの上の方のサハラ砂漠の風景でサボテンが歌っているのをイメージしました。その後“Sandstorm”があって、12曲目の“Decolor”は嵐の後にラストの“1912”に繋げていくための曲として、今までになくヘビーな歪んだギター音を入れました。とにかく「出し惜しみせずにやりきろう」「頭に浮んだイメージを正直に音にしよう」と考えていました。

──その後“Voyage”を経て、最後はエピローグ的な雰囲気の楽曲“1912”で終わります。

“1912”はこれまで自分がつくってきた曲とは全然雰囲気が違うけど、でも自分がずっと好きだった、サイケデリックロックやプログレに近い感覚がある曲です。この曲は、僕の曲では初めてギタリストに参加してもらっています。

──西田修大さんですね。

本当は他の曲でも弾いて欲しかったのですが、西田くんホントに人気者で（笑）。今回はこの曲と、“Hourglass”だけお願いしました。西田くんとは、彼がDAOKOちゃんのライブでギターを弾いているのが初めで、その後、昨年11月に鈴木慶一さんの『MOTHER』のライブ（鈴木慶一 ミュージシャン生活50周年記念ライブ）で共演して。その楽屋で音楽の話を色々としたんです。その時点で僕はアルバムにギターを入れたいと思っていたので、「何かあればお願いしたい」と伝えていて、今回参加してもらいました。西田くんのギターってすごく感覚的でパッションを感じるんです。ギターソロじゃなくても、印象的なフレーズで空間を埋めるのもすごく上手いと思うんですよ。そんな魅力を、“1912”でもばっちり入れてくれて、とても嬉しかったです。

──“1912”という曲名はどんなアイデアで出てきたんですか？

この曲名は、サン＝テグジュペリがまだ少年だった頃、初めて飛行機に乗せてもらった年から取っています。この経験を経て、彼は飛行士に憧れていくことになるんです。その一瞬の出来事が、彼の夢、未来に繋がって、そして最後には、自らの命を落とす原因にもなってしまう。その数奇な運命や、何かに憧れる力、想いの力なども踏まえて、アルバムのテーマにも合うな、と。ちなみに、今回のジャケットのイメージも、“1912”に特によく表れているテーマから連想していった感覚です。砂漠や未来、サンドストームのようなものも含めて、アルバムを表現するものでありつつ、ちょっと儚さもあって、でも未来もある雰囲気で。色味もそれを意識していて、砂漠の色に加えて、温かさを感じる焚火や、花火、光といったイメージをモチーフにしました。その集大成的な曲として“1912”を最後に持ってきました。

──それにしても、全編通して聴くと、今回の作品も「この曲はこのジャンルだ」と一言では言えないような曲ばかりです。Tanakaさんの曲はなぜそういう曲が多いんでしょう？

無理してそういうふうにしているわけではないんですけど、そうなるんですよね（笑）。よく知り合いにも「何でこんな展開になるの？」と聞かれることがあるんですけど、僕の場合はどうしてもそうなってしまう。ただ、その中でも、コロナ禍で聴いたプログレッシブロックやアメリカのSSW、70年代の音楽の影響は、今回のアルバムならではの要素です。自分のルーツでもあるレゲエの要素も、ゲーム音楽の要素も入っています。その全部が混ざってできたものが、今回のアルバム『Domani』の音楽だ、という感じですね。

──コロナ禍での変化によって、これまでの作品にはない側面が入ることになったなと。

そうですね。ただ、もちろん、毎回違うものをつくろうと思っているわけですけど、同時に、作り終わったあとはいつも同じように「もっとできたのでは？」とも思います。ポケモンの音楽もそうでした。もちろん失敗したとは思ってないけれど、10～20年経ってみんなが「この曲好きです」と言ってくれたときに、やっと「よかったのかなぁ」と思えたり（笑）。作曲に関して「自分はいつでも途中」なんだと思っています。ライブもDJプレイもそうで、つねに進化しているし、どんどん移り変わっていく。僕自身を振り帰っても、任天堂でサウンドエンジニアをしたり、ポケモンの曲をつくったりした後、60歳を越えて初めて個人名義の活動を始めて、「アーティストとしてやっていくのってなんて大変なんだ」と今更ながらに思ったりする──。そんなふうに、「あぁもっと行けたはず」「次はもっとこうしよう」という「途中」が、ずっと続いているのかな、と。約40年前の『メトロイド』や『パルテナの鏡』の音楽を改めて聞き返し「おぉ、頑張ってるやん、よう考えてるなぁ」って思ったりしてます（笑）。それはようやくそう思える、ということなんですよね。

──なるほど。

今でも忘れられないんですけど、中学生の頃に初めてコンサートを観に行って。そのとき僕が1番感動したのが、会場に入ってチケットを切ってもらった後、通路と会場の間にある防音の扉の間に入ったときのことでした。つまり、重い扉をひとつ開けて、もうひとつ扉を開く間の狭い空間で、大音量でこもった低音だけが聴こえてくる、あの瞬間のことです。ひとつ目の扉を開くときに音質が変わって、またもうひとつ扉を開いたときに、いよいよ会場の音が聴こえてくる。「ドンドン」と音が漏れてきて、「ああ、はじまる。早く観たい！」と思うあの瞬間に、僕は1番ワクワクしたんです。本番の音よりも、むしろそのときに感動しました。（笑）

──「何かがはじまる瞬間のワクワク感」に興奮したんですね。

はい。僕はそれがずっと忘れられないんです。これは、自分が大事にしている音楽との距離感とも繋がる話なのかな、と思います。音楽って、鳴っている音だけではなくて、その手前の予兆みたいな音が大事だと思うし。僕の場合、音楽の仕事をするようになってからも、それがずっと変わらないんです。昔はマルチトラックレコーダーで、各楽器ごとにレコーディングしてましたけど、その時も、完成した音源よりも、ミキサーでドラムやギター、ベースを一音一音混ぜていくときの、「何かができあがっていく瞬間」に1番興奮していました（笑）。

──これからの活動については、どんなことを考えていますか？

『Domani』は作業しながら死ぬほど聴いたので、もう新しい作品をつくりたいです。例えば、あくまでアイディアの1つで前からずっと言っているんですけど、すごく情けないジャケットで自分なりにレゲエを解釈したアルバムをつくりたい（笑）。ジャマイカの人たちのレゲエアルバムのジャケットって、「何でこんなものにしたの？」というものが結構あるじゃないですか。僕はあれが本当に素敵だと思っていて、自分なりのそういうレゲエアルバムをつくってみたいな、と思ったりもしています。

──田中さんはゲーム音楽界のレジェンドのひとりでもあります。今のゲーム音楽の広がりについても、感じていることがあれば教えてください。

今はゲーム機だけではなく、スマートフォンなどでも、みんながゲームをできるようになっていますよね。でもそれは、ただスペックや通信速度が変わったことで引っ張られて、根本の部分はずっと変わっていないのかな、とも思っています。ただ、昔はゲーム好きだけがゲームをやっていたのに対して、今は子供から大人まで、本当に幅広い世代がゲームを楽しむようになっていて。こんなふうになるとは、当時の人たちは誰も想像しなかったと思います。もちろん、大抵の物事がそうであるように、よくなったところもあれば、大変になったところもあると思います。たとえば、僕らの時代はある種の粗さを許されていたのに対して、今の人たちはそれが許されないようになってきていて、大変そうだなと思ったりとか。昔は、人のダイナミックレンジが、もっと広かったと思うんです。とはいえ、ゲーム音楽そのものの本質は、昔も今も変わっていないと思います。

━━Qeticで初めてAttractionsの取材をさせてもらったのは2017年の年末の福岡で、1st EP『Attractions』（2017年10月）が出て少し経ってからのことでした。まず、当時のみなさんはどんなことを考えながら活動していたか、思い出してもらうことはできますか？ TARO（Vo）　2017年頃というと……とにかく、色んなものを試していった時期でした。 TAKE（G）　ひとつひとつが初めてのことばかりで、それをひとつずつやっていくような感覚で。当時、僕らの“Knock Away”がSpotifyやApple Musicを通して認知されていったんですけど、そういうストリーミングサービスともそれまでは密接に関係することがなかったので、「こういうことってあるの！？」と新鮮に感じたりしていましたね。 ━━当時、日本以外の国でも“Knock Away”が聴かれるようになったそうですね。 TAKE　「えっ！　本当に聴いてくれてんの！？」って。 TARO　Spotifyのことも印象的だったし、そもそも当時の僕らにとっては、全国のライブハウスを回ったりすることも、それまでにはないことだったんで。各地のファンとの思い出も印象的でしたし、同時に、ライブの見せ方についても結構悩みました。「こうしたらいいんじゃない？」と色んな人に色んなことを言われて、「もっと分かんなくなったよ！」と（笑）。

━━当時、ライブについてはどんなことを考えていたんですか？ TARO　やっぱり、来てくれるお客さんと楽しみを共有したいと思っているんですけど、それまでのバンドでは、お客さんを煽ったりすることは一切してこなかったんですよ。むしろ、その頃までは、そういうものは勝手にダサいと思っていたんです。 ━━聴いてくれる人たちとより楽しむためにはどうすればいいかを考えはじめたんですね。 TARO　聴いてくれる人たちがいてこそのバンドだから、その人たちを楽しませることの大切さを、再認識したというか。 ━━当時、「こうなっていきたい」という目標はあったと思いますか？ TARO　すごく漠然としたものですけど、やっぱり、地元の福岡から、東京や大阪ではできないことをやりたいと思っていて。 TAKE　「アジアの玄関口としてのバンドになりたい」という話を、みんなでしていました。 ━━福岡は韓国も近いですし、アジアの玄関口的な役割も果たせるんじゃないか、と。 TAKE　僕らは福岡に住んでいて、〈GIMMICK MAGIC〉というレーベルに所属していたんですが、東京を中心にした従来のやり方とはまた違う方法で、俺らがアジアの玄関口になれたら、という話はみんなでしていて。「じゃあ、どんなことができるだろう？」と。当時はメジャーに行きたい、ということも、まったく考えていなかったと思いますね。とにかく、自分たちが「面白そうだ」と思えるようなことを続けていった、という感じでした。 ━━その中で、2018年には『STREET×STREET』キャンペーンでハーレー・ダビッドソンとのコラボが実現し、キャンペーン用のオリジナル曲“Instant Jam”も生まれました。 TAKE　福岡のハーレー・ダビッドソン博多でライブをやったのが2017年の年末で、代官山UNITでの＜STREET×STREET LIVE EDITION presented by HARLEY-DAVIDSON®＞が2018年の11月頃で。 TARO　そう考えると早いね。 TAKE めちゃくちゃ早く感じる。“Instant Jam”はバンドサウンドとブラック・ミュージックの要素を合わせてみようと思ってつくった曲で、コンセプトが自分たちにすごくマッチしていたので、自然にできた曲だったと思います。やらせてもらってよかったな、と。

━━何でも、TAROさんは制作中、悩んでいた時期があったそうですね。 TARO　そうですね。自分の中で色々と葛藤があって。レコーディングを一度休止して、バンドと改めて向き合う期間があったんです。でもそこで改めて、バンドメンバーに対しての感謝もそうだし、自分が何をやりたいのかが明確に分かってきたというか。「俺が自信を持つべきなのは自分のボーカルだし、自分の歌詞だ」と思えたし、あとは、パーティー（＝ライブ）するのも得意なんで（笑）。その辺りの自信は、昔と比べてあると思います。今回のアルバムの歌詞は、割と短期間でつくったんですけど、だからこそ、今までで一番、自分をさらけ出すような歌詞にもなっているんです。 ━━確かに、すごくパーソナルな雰囲気ですね。 TARO　それを、表現者としてちゃんと表現できたのはすごくよかったな、と。これはあくまでも、自分の中の葛藤だったんですけど、これまでは「どういうボーカルになりたいのか？」というイメージをまだ探ってた部分があって。もちろん、もう完全に決まったというわけでは全然ないんですけど、今はそれが何となくイメージできるようになってきているんです。それが分かってきて、すごく楽になったな、という感覚でした。あと、その間も、メンバーはめちゃくちゃ協力的だったんですよ。今回のアルバムでは、TAKEにも手伝ってもらって、シンガーとして色々挑戦できたこともすごくよかったです。 ━━TAKEさんが何かアドバイスをしたんですか？ TAKE　自分の中ではTAROの歌のよさっていくつかタイプがあると思っていて、それを僕が客観的に見て、「この曲は、あのときのこういう感じで歌ってみたら？」と伝えていった、という話なんです。 TARO　無意識に自分が忘れていたものを、思い出させてくれたというか（笑）。 TAKE　「この曲なら……あのときのあれだ！」って（笑）。 TARO　『POST PULP』の曲が一曲一曲違って聴こえるのは、そういう部分も大きいのかな、と思います。

━━実際、今回の最新アルバム『POST PULP』には、色々なタイプの曲が入っていると思います。楽曲ごとになると思いますが、今回特に影響を受けた音楽はあったんですか？ TAKE　それは曲によって色々ですけど、たとえば、“Blood Pressure”の場合は、僕としてはニュー・オーダー（New Order）みたいな音楽をイメージしながらつくって、それをそのままではない、同時にアンセムソングになるようなものにもしようと、歌詞に日本語を入れていきました。そうやって、「洋楽っぽい曲の概念を崩していく」というやり方をしていましたね。 ━━この曲は、Attractionsの楽曲の中で最も日本語詞が中心になっている曲ですね。 TARO　実は最初は、日本語詞にしようと思っていたわけではなかったんですけど、英語の歌詞を考えてレコーディングに臨んだときに、一晩おいて、日本語の歌詞も仮で書いて歌ってみたら、「この方がいいかも！」ということになったんです。 ━━なるほど。最初は英語詞だったんですか。 TAKE　そうなんですよ。でも、日本語の仮歌詞を聴いたときに、「こっちの方がいいんじゃないか？」と思って。結果として、洋楽や邦楽という分け方があるのなら、そのどっちのよさもなくならない曲になったのかな、と思っています。たとえば、アルバムに向けての最初のシングルだった『Satisfaction』もそうですけど、今回は作品として日本のリスナーに深く迫っていきたいという気持ちがあって、そういう意味でもチャレンジできたかな、と思います。

━━“Last Magic”はどうでしょう？　この曲は、三重県にある荒木正比呂さんのスタジオでレコーディングしたそうですね。 TAKE “Last Magic”はアルバムの最後につくったアルバムのリード曲ですけど、もともとは荒木さんのスタジオに向かう際に、TAROと一緒にデモを用意して向かっていたんです。でも、結局現地でそれは使わずに、「いちからセッションしてみますか？」ということになって。みんなでBPMとコードを決めて、その場でビートをつくっていったんですよ。 TARO　その結果、ジャンルに縛られない、すごくオープンな曲ができたと思っていて。最初は、「ちゃんと詰めなくても大丈夫かな？」とも思っていたんですけど、「ああ、こんな方法でもいいんだ」とすごく勉強になりました。その方がよくなることもあるんだな、と。 ━━よれたホーンのサンプリングが印象的ですね。 TAKE　あのサンプリングを入れた瞬間に、曲の方向性が見えてきました。「このビート感に、このグルーヴでいこう！」って。 ━━歌詞の面ではどうですか？ TARO　この曲は今回のアルバムの中で、最後の大事なピースになったと思っていて。今回のアルバムの他の曲って、結構内省的な歌詞が多かったと思うんです。でも、“Last Magic”が入ったからこそ、ちょっと開放的になって、アルバムの世界が広がったというか。歌い方も歌詞もそうですけど、この曲は「自由を謳歌する」という内容で、歌ってると、＜SXSW＞の風景を思い出したりもします。あの自由な雰囲気というか。

━━今回の『POST PULP』は、全編を通してキラーチューンがたくさん入っているようなアルバムですね。 TAKE　すごく強固なアルバムになったな、と思っています。どの曲もキャッチーにつくることは意識したし、洋楽ライクなバンドを組んでいる身としては、この音楽性で日本の人たちにどれだけ刺さるんだろう、という挑戦のようなものでもあって。そういう人にも届くように頑張ってつくったつもりです。僕らは英語歌詞がメインですけど、耳に残るフレーズや、キメのフレーズのような、キャッチーなポイントを曲の中にたくさんつくっているつもりではいて、どの曲もきっと、気に入ってもらえるんじゃないかと思うので。 TARO　世界との壁を崩すような存在になっていけたらいいな、と思います。今『POST PULP』は、色んな音楽が共存できるような作品になりましたし、どの曲も隙がない作品にしたいと思ってつくっていたので。どの曲から入ってもらっても自信があるし、人によってそれぞれのお気に入りの曲を見つけてもらえるような作品ができたのかな、と思っています。あとは、ライブをやりたいんですけど、今はまだなかなか自由にはできない状況で。 ━━その辺りは、コロナ禍の影響で仕方ないですよね。とはいえ、このコロナ禍で、逆に色々と考えられたことなどもあるのではないでしょうか？ TARO　今、なかなか自由にはライブができない中で、色んな配信ライブも増えてきていますけど、福岡に住んでいると、たとえば東京のようになかなかクオリティの高いものをつくることも難しかったりはするんです。ただ、「いいものをつくる」という部分では負ける気はしないし、自分たちの音楽を少しずつでも広げていけるように、頑張ろうと思っています。こういう状況の中でも、僕らの音楽をちゃんと評価してくれていることに感謝しているし、（音楽そのものに耳を傾けてもらえる）フェアな状況にもなったのかな、と思いますね。 ━━世界のどこにいても、色んな人々と繋がれるような時代になってきていますしね。 TAKE　そうですね。僕らもエンターテイナーとしてのアイデア力や行動力も必須になってきているのは感じていて。最近は曲をつくってライブをするという当たり前のことだけではなく、「僕らにどんなことができるのか」も考えながら曲をつくったりもしています。 TARO　最近、メジャー・デビューを発表したときに、友達から「TARO、お前芸能人になったの？」と連絡がきたんですよ。それで、「いや、芸能人じゃねえし！」って（笑）。僕らはこれからも自分らしくやっていこう、という気持ちです。

━━最後に、結成からメジャー・デビューまでの期間を改めて振り返ってもらうことはできますか？　みなさんにとってはどんな期間だったと思っていますか。 TAKE　まずは、「福岡にずっといながらでもメジャー・デビューができる」という形をちゃんとつくれたことは、頑張ってこれたんじゃないかな、と思います。これからもずっと音楽性を進化させていきたいし、ライブでも、それこそ世界と戦えるようにしていきたい。僕たちの世代って、ストリーミングサービスもはじまって、「従来のやり方にとらわれなくてもいいんじゃないか」と、みんながちょっと気づきはじめていた世代だと思うんです。だからこそ、変に守りに入ったりはせずに、これからも頑張っていきたいですね。 TARO　今思い返せば、メジャー・デビューまでの第一章はみんな手探りで、人の一生にたとえるなら、Attractionsにとっての「ティーンエイジャー」だったと思うんです。すごく可愛かったな、とも思うけど、一方でわがままだったし、ぶっきらぼうで計画性もなくて、ただ音楽を楽しんでいた自分たちがいて。でも、これからの第二章は、今の自分たちの力を最大限に使って、「どこまで行けるのか？」「どんな風景が見られるのか？」ということを、ファンのみんなと一緒に見に行けたらいいな、と思います。来年1月からの＜POST PULP TOUR＞も、楽しみにしていてもらえると嬉しいです。

いよいよ開催が目前に迫る2020年の東京オリンピック。この一大イベントに向けて、長年オリンピックのワールドワイドパートナーを務めてきたコカ・コーラ社が、「Girls Don’t Cry」や「Wasted Youth」といった自身のストリートブランドや、国内外のブランド／リテーラーとの仕事を通じて東京のストリートカルチャーのキーパーソンとして知られるグラフィックアーティスト、VERDYとタッグを組んで「コカ・コーラ 東京2020オリジナルピン」を制作した。 コカ・コーラはアムステルダム1928大会以来、現在まで継続してオリンピックにかかわり続けている、企業として最長の歴史を誇るパートナーとして知られている。1964年に行われた1度目の東京1964大会でも、道路標識やガイドマップ、観光案内、日英会話集を提供。また、1992年からは聖火リレーの支援も行い、これまでに参加した聖火リレーの総距離は40万8768km。これは日本から地球の裏側＝ブラジルまでの距離（約1万7000km）よりも、地球から月までの距離（約38万km）よりも長い。つまり、今回のコラボレーションは、オリンピックを支え続けてきたコカ・コーラの歴史と、東京のストリートシーンで活躍するグラフィックアーティストによる異色のコラボレーションとなる。

では、なぜ「ピン」なのか。これにはコカ・コーラがかかわってきたオリンピックでのピントレーディングの歴史が関係している。ピントレーディングとは、1896年のギリシャ1896大会から審判／選手／大会役員などを判別するために導入されたバッジを、出場選手が友好の証として交換したことに由来する、オリンピックの名物イベントのひとつ。1980年代頃からはこのピン交換が一般の来場客の間でも人気になり、大会ごとに多くの観客が参加する、ピンバッジの交換会／交流会として人気を博している。コカ・コーラは1988年のカルガリー1988大会から、ピントレーディング専用スペース「コカ・コーラ ピントレーディングセンター」を提供。世界各地から様々な人々が集い、ピンを通じて交流を深める機会を支えてきた。

今回のキャンペーンでは、VERDY氏が東京2020オリンピック仕様のオリジナルピンをデザイン。「交換するときに楽しいもの」をテーマにデザインを進め、アルファベットをモチーフにした印象的なデザインのオリジナルピンが完成した。コカ・コーラでは、「『東京2020オリジナルピン』付4本パックキャンペーン」として、東京の一部店舗でこのピンが手に入るキャンペーンを展開。開始後すぐに予定本数を終了して大きな話題となった。

果たしてこのオリジナルピンは、どんな想いで生まれたものだったのだろうか？　マーケティングの部署でインターンを経験後、コカ・コーラに入社。2017年からコカ・コーラオリンピック専門チームのマーケティング部署に所属し、オリンピック関連のプロモーションや体験型イベント、パートナーシップの構築を担当している桜木谷薫さんに、ピントレーディングの魅力や、VERDYさんとのピンの制作風景、2020年のオリンピックに向けての想いを聞いた。

──桜木谷さんが、コカ・コーラのオリンピックチームとして大切にされているのは、どんなことですか？ これはコカ・コーラ社が大事にしていることでもありますが、自分が消費者だったらこういうものがあるといいな、という「お客様目線」を大切にしています。コカ・コーラは90年以上オリンピックとかかわっていますが、2020年の東京オリンピックについても、我々の製品を通して、色々な方にオリンピックの楽しさや、オリンピックにかかわる機会を提供したいと思っています。コカ・コーラ社は一般の方々に向けた聖火ランナーの募集キャンペーンも行ないましたし、2020年も様々なキャンペーンの準備を進めているところです。 ──その施策のひとつが、桜木谷さんが担当されているピントレーディングにまつわる企画なのですね。そもそもピントレーディングとは、どんな魅力があるものなのでしょう？ ピントレーディングは、オリンピックの会場で誰もが参加できる、「観客が参加できる一番人気のある非公式競技」とも言われています。年齢も性別も人種も関係なく、様々な方が楽しめるもので、たとえ言葉が通じなくても楽しめますので、多くの方々に「オリンピックに参加する」体験をしていただける方法だと思っています。その「誰もが楽しめる」という部分は、コカ・コーラ社が大切にしていることとも繋がっていることだと思います。 ──なるほど。ピントレーディングなら運動が苦手な方も参加できそうですし、会場に集まった世界各国の方々とのコミュニケーションツールにもなりそうです。 実は1年前に、2020年の東京オリンピックに向けて招き猫や富士山のような日本の要素をデザインしたピンを４パターンつくり、社内向けに配ったのですが、そのときには全国２万5000人ほどの社員に、4つのデザインのうちから２つをランダムに配布しました。そうすると、お互いのピンを見て「あれ、自分のところにそれはないよ？」と盛り上がったりするんですよ。そんなふうに、ピンを交換することで、会話が弾んだり、様々な方々とコミュニケーションを取ったりするきっかけになるのも、ピントレーディングの大きな魅力です。

──では、今回、ピンのデザイナーとしてVERDYさんを起用した理由と言いますと？ 私たちは、ピンへの関心が高いのは、若い方が多いと考えているんです。最近はファッションでバッグや帽子やデニムジャケットにピンをつけてパーソナライズされる方も多いですから、そうした方々に向けて、ピンを通したオリンピックへの参加を提案したいと思いました。そこで、若者のファッションシーンで人気のある方として、VERDYさんにお声がけをしました。 VERDYさんは柔軟にアイディアを考えていただける方で、ゼロから一緒に色々なアイディアを出していただきました。VERDYさんのデザインはタイポグラフィが特徴的だと思っていたので、私たちとしては、まずはその魅力を生かしていただきたいと思っていました。また、ひとつだけで完結するものではなく、コレクションすることで魅力が増すものにできたら、と考えていました。そこでVERDYさんと相談し、アルファベットをつかうアイディアが出てきました。アルファベットなら、自分のイニシャルに当てはまる方もいらっしゃるでしょうし、親近感があって「もうひとつ集めたい」と思えるものになると考えたんです。

──なるほど。ピンを手にした方が、そこに自分だけの意味を加えられる、と。 自分のイニシャルでも、何か別の意味を加えていただいてもいいですし、自分が持っているピンのアルファベットと同じイニシャルの方と交換してもいいと思っています。VERDYさん自身も、サンプルを見せたときに「すごく可愛い！」と言ってくださって、とても嬉しかったですね。「今ここでつけていい？」と、非常に喜んでいただいたのが印象的でした。 ──制作にあたって苦労したことはありましたか？ VERDYさんのデザインを、ピンとして形にする過程にも様々な試行錯誤がありました。たとえば、イラストのアウトラインの部分を、そのままピンのエッジに合わせるのか、それとも淵にメタル部分を残すのかということも、何度も話し合いながら決定しています。また、弊社でつくっているピンは、厚みがあって高級感が感じられるものにしています。これは「劣化しにくいものをつくりたい」という想いからですね。オリンピックの記念としてピンを持ち帰っていただいて、それを5年後、10年後に見たときに、「そういえば、東京2020オリンピックのときにはこんなことがあったな」と感じていただけたら嬉しいと思っているので、そのためにも、長く持っていられるような、クオリティの高いものにしたいと思いました。 ──思い出を振り返るものにするために、色々な工夫がされていることが伝わってきます。桜木谷さんはこの取り組みを通じて、どんな魅力を体験してもらいたいと思いますか？ オリンピックには、競技を会場に観に行ったり、家で中継を見て楽しんだり、もしくは外に出掛けて様々な場所で観戦したり、聖火リレーを観に行ったり、実際に聖火リレーを走ってみたり――と、色々なかかわり方が考えられると思います。そのひとつとして、ピントレーディングを活用していただけたら嬉しいです。モノは時間が経っても残りますし、それを交換することで、ピンが人の手を通して様々な場所にわたっていくのは、とても面白い体験だと思います。ぜひピンをつかって、オリンピックを楽しんでいただけると嬉しいですね。 たとえば、長野オリンピックの際には、45万人ほどの方がコカ・コーラのピントレーディングセンターを利用してくださいました。リオでジャネイロ大会でも、会場ではピンの交換が約5万回ほど行なわれたそうです。そして、ピントレーディングセンターでピンを交換していただくと、「そのピン、何ですか？」「これは、うちの孫がね――」と、様々な方向に話が弾んでいきますし、交換するピンごとに、そのピンだけのストーリーが生まれます。そういった人の繋がりが会場で5万回起きていたというのは、すごいことですよね。

──つまり、オリンピックでピンを交換することは、会場に集まった世界各地の方々が、お互いを知ることや、お互いの思い出をシェアすることにも繋がっていくのですね。 そう思っています。ピンコレクターの方々は日本に3万人ほどいらっしゃると言われていますが、そのピンのひとつひとつが、それぞれの物語を持っています。たとえば、今私がつけているものの中にも、実はコカ・コーラの社長がつけていたものが、色々な方の手にわたり、自分のもとにやってきたものがあります。今回VERDYさんにお願いをしたピンは、新しいデザインのレアなピンになっていると思いますし、手に入れた方ごとに、様々な入手方法があり、その方だけの思い出が生まれると思いますので、ぜひ会場のトレーディングセンターに持ってきていただいて、その物語を世界の方々とシェアしてもらえたら嬉しいです。 また、今回のオリンピックで初めてピントレーディングを体験する方もいるでしょうし、会場で「やってみたい！」と思う方もいらっしゃると思うので、私たちの方でそういった方々に向けた企画も準備中です。こちらも楽しみにしていただけると嬉しく思っています。

日本コカ・コーラ株式会社

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桜木谷薫 1989年生まれ。2012年に日本コカ･コーラでインターンをした後、入社。ライセンス＆マーケティングアセット担当を経て、現在は東京2020オリンピック アセッツ＆パートナーシップマネジャーとして、オリンピック関連のマーケティングに従事。

VERDY VK DESIGN WORKS所属のグラフィックアーティスト。パンクロックや原宿カルチャーを自身のルーツに持ち、Wasted Youth、Girls Don't Cryなどのプロジェクトを手掛ける。現在は東京を拠点にし、ストリートシーンを中心に国内外で活躍。 Instagram

──まずは、ジミー・イート・ワールドの25周年を記念したオリジナルビール「ジミー・ドリンク・ワールド」の醸造の話が来たときの率直な感想を教えていただけますか？ 田中 徹（以下、田中）　僕らはスタッフ一同音楽が大好きですし、自分自身、ジミー・イート・ワールドの音楽がずっと好きでした。実はもともと「自分の店をつくりたい」と思ったきっかけも、「いつも好きな音楽がかかる、楽しいお店をつくりたい」という動機からだったんです。そこで2011年から「クラフトビアマーケット」として各地にお店を展開し、今年の９月に『CRAFTROCK BREWPUB & LIVE』をオープンしました。この店舗は特に音楽との親和性が高く、店内で音楽の生演奏を楽しんでいただくこともできます。今回醸造を担当してくれた醸造長も自分と同様ジミー・イート・ワールドが大好きな人間なので、私たちとレーベルの方とで相談をしながら、バンドの音楽に合うようなビールを考えていきました。 ──その際、大切にしたテーマのようなものはあったのでしょうか？ 大庭 陸（以下、大庭）　今回、ジミー・イート・ワールドのみなさんから、「デラックスなIPAをつくってほしい！」というテーマをいただきました。そこで、通常のIPAに使われる柑橘系の香りや苦みが特徴的なホップだけを使うのではなく、そこにトロピカルフルーツのような香りを持つホップも多く加えることにより、様々な要素の香りが複雑に溶け合い、味わいに厚みを与えています。 田中　「デラックスIPA」というのは、CDの「デラックス・エディション」のようなものだと考えました。そこで、人気のホップ4種類を贅沢に使ったビールに仕上げています。とはいえ、味としては完成された、派手過ぎない、バランスの取れたものにすることも意識しています。ジミー・イート・ワールドの音楽は、派手な要素はありつつも、どっしりと地に足がついた雰囲気が魅力だと思うので、ジミー・イート・ワールドが好きな方が飲んだ時に、その音の雰囲気を感じていただけるようなものにしたいと思っていました。 ──では最後に、イベントがどんなものになりそうか教えていただけると嬉しいです。 田中　イベント当日は、ジミー・イート・ワールドから影響を受けた日本のアーティストのみなさんによるアコースティックのカバー・ライブが行なわれます。出演アーティストの方々には、ジミー・イート・ワールドのカバーだけでなく、オリジナル曲のアコースティックセットも披露していただく予定です。そして、この日にオリジナルビール「ジミー・ドリンク・ワールド」が初披露となります。入場無料のイベントなので、みなさんにぜひ楽しんで来ていただけると嬉しいですね。

今回の「ジミー・ドリンク・ワールド」はホップの風味が強いIPA仕立て。「CRAFTROCK BREWPUB & LIVE」に併設された醸造所で、時間をかけてじっくりと醸造されていく。 まずは仕込みとして、麦芽を温水と合わせて60分前後放置し、麦芽が持つ酵素の力ででんぷんを糖に変換。その後、麦芽の殻や取り除く濾過作業を経て、搾り取った麦汁を60分間煮沸。ここでIPAの風味を決定づけるために、ホップを加えていくそうだ。「ジミー・ドリンク・ワールド」で使われているのは、コメット、アイダホ７、サブロ、ストラータという、アメリカ原産の４種類のホップ。つまり、すべてバンドの出身地のもので統一されている。 ホップのもつ香りの成分は熱を加えると飛びやすいため、「ジミー・ドリンク・ワールド」では60分間の中で何回かに分けてホップを加え、バランスのいい風味を実現。香りと苦みをしっかりと感じてもらうため、煮沸作業の最後にもホップを加える“ひと手間”をかけている。

煮沸が終わると、遠心力を使ってふたたびカスを取り除き、約20℃に冷却。そこに酵母を加えて発酵させる。この工程は、おおよそ１週間～10日ほどかけてじっくりと行なわれるそうだ。仕上げとして、ここでも最後にホップを漬け込み、香りをより一層際立たせているとのこと。こうして、通常の4倍ほどのホップを使ったデラックス仕様のIPAが完成する。 実際に飲んでみると、柑橘系やトロピカル系の香りが混ざり合った豊かな香りと、心地よい苦みがダイレクトに広がるような雰囲気。出来立てのフレッシュな飲み口も印象的だ。

当日はこのビールを、バンドの希望を踏まえて日本らしいデザインを施した25周年仕様のオリジナルパイントグラス（非売品）で提供。当日会場で『Surviving』を購入した方には、このグラスが抽選でプレゼントされる。また、今回のオリジナルビール自体は、イベント翌日以降もストックがなくなるまで「CRAFTROCK BREWPUB ＆ LIVE」で販売する予定だ。

約3年ぶり通算10枚目の最新アルバム『Surviving』は、前作『Integrity Blues』に引き続き、元メディスン（Medicine）のベーシストで、M83の『Hurry Up, We're Dreaming』（11年）やパラモア（Paramore）の『Paramore』（13年）、ウルフ・アリス（Wolf Alice）の『Visions of a Life』（17年）など、様々な作品のプロデュースを手掛けるジャスティン・メルダル・ジョンセン（Justin Meldal-Johnsen）がプロデュース。前作での作業に手応えを感じたこともあり、制作はかなりいいムードで進んだという。とはいえ、彼らが前作と同じような作品をつくろうとしたかというと、決してそうではない。ジム・アドキンス（Jim Adkins）は、本作のテーマとして「やりたくないようなことを続けて生き残るよりも、何か常に新しいことに挑戦していくのが真の生き方だ」という趣旨の言葉を綴っているが、バンドは前作とは異なる新しいサウンドを生み出すために奮闘していったそうだ。

その結果、今回の『Surviving』は、1曲目“Surviving”や２曲目“Criminal Energy”を筆頭に、前作の特徴でもあったジャスティン・メルダル・ジョンセンが得意とする音響的なギター・サウンドとは異なる、パキッとした音でドライブしていくエネルギッシュな楽曲を多数収録。前作と比べると、質感としては『Clarity』や『Bleed American』といったバンドを代表する作品群によりタフな雰囲気を加えたタイプのサウンドになっている。同時に、中盤には深く沈むようなシンセベースなどを取り入れたエレクトロニックなアプローチが印象的な“555”や、軽快なサックスソロがバンドの演奏とともに盛り上がっていく６曲目“All The Way (Stay)”などの新機軸も追加。“All The Way (Stay)”では、サックスとともにこの楽曲に華を加えているコーラスを、『Bleed American』の頃にともにツアーを回っていたレイチェル・ヘイデンが担当している。

そして６分越えのラスト曲“Congratulations“では、イントロから徐々にバンドの演奏が盛り上がり、終盤に向けて轟音ハード・ロックに変貌。楽曲ごとに様々なアイディアを盛り込みながら、10作目とは思えないフレッシュな音を全編に詰め込んでいる。国内盤CDには、ボーナストラックとしてアンドリューW.K.のカバー曲”Party Hard“も収録されている。 また、今回のアルバムジャケットは迷路を模したものになっており、これは「旅を続けて、サヴァイヴしていく」というイメージから生まれたものだそうだ。つまり、本作で彼らが表現しているのは、ときに迷い、ときに袋小路に陥ったとしても、それを跳ねのけて先へと進んでいく強い意志のようなものなのだろう。デビューから25周年を迎えた今もなお、未来に向けてバンドがギアを上げていくような雰囲気が何よりも印象的な作品になっている。

＜ジミー・ドリンク・ワールド！　～JEWデビュー25周年記念＆『サヴァイヴィング』リリース・パーティ～＞の開催日は11月27日（水）。ジミー・イート・ワールドの音楽を愛する人々が集まる場所で、彼らのデビュー25周年を祝ってみてはいかがだろうか。

Jimmy Eat World 1993年、幼少期以来の友人であったジム・アドキンスとザック・リンドを中心に米アリゾナ州メサにて結成。1994年、自主制作盤『ジミー・イート・ワールド』でデビュー。フジロックへは2回出演、2017年にはMAN WITH A MISSIONとの東名阪ツアーなど、幾度の来日を経験している。 HP｜Twitter｜Instagram｜Facebook

━━あなたが最初に音楽に夢中になったときのことを教えてください。 両親の家にピアノがあって、それが最初の音楽との出会いです。 ピアノを弾いてみたい、と思ってレッスンを受けて、それを10年間続けました。 その後、僕が16歳の時、友達と一緒にフランスのアヌシー湖のそばの公園で開催されたフリー・コンサートに行きました。そこでは大きいステージでDJがプレイしていて、あんな様子を見たのは生まれて初めてでした。パワー、人々の一体感、照明と爆音――それは僕にとって、まるでお告げのような体験でした。その瞬間から、僕も音楽に携わりたいと思うようになったんです。 当時は「音楽で食べていくなんて無謀だ」と思っていましたが、たくさん努力して真剣に挑んできました。楽曲制作には細心の注意を払い、DJのやり方を習い、そして楽曲をプロデュースする方法を教わりました。最初の頃は同時にデザイン方面でのキャリアも培っていましたが、ある日、目が覚めた時に自分はすでにDJとして世界中を回っていて、それだけでも十分な収入があると気がつきました。それから、仕事を辞めて完全に音楽だけに集中するようになりました。 ━━影響を受けたアーティストはどんな人たちですか？ ”boule à facettes”という音楽ブログに取り上げられている音楽に心を動かされることが多く、あとはYouTubeの虜になっていました。だいたい2008～09年頃、新しいコズミック・ディスコ的なものに心奪われていましたね。エアロプレーン（Aeroplane）やブレイクボット（Breakbot）、モウリネックス（Moullinex）、トッド・テリエ（Todd Terje）のようなアーティストたちです。宇宙的な（＝コズミックな）メロディーとグルーヴの融合が大好きでした。 ━━音楽以外にも、刺激を受けたり、好きでいたりするものはありますか？　映画や本、アートなど何でも大丈夫なので、教えてもらえると嬉しいです。 映画が大好きです。映画がクリエイトする感情の幅広さは素晴らしいですし、まさに完全なアートフォームだと思っています。ただ、ひとつだけ欠点だと思うのは、映画はライブでは表現できないこと。瞬間的に作り出されるものではないですから。僕は瞬間的に生みだされるアートにとても惹かれるので、僕にとっては音楽がとても魅惑的です。 同じ理由で、スポーツも大好き。スポーツは人々、そしてみんなの目の前で起こる出来事が融合したものだと思うんです。若い頃はフォトグラファーの真似事をしたこともありますが、真剣にやれないなら音楽以外にアーティスティックな趣味を持つべきではないなと思って辞めました。観客としては、インスタレーションにとても惹かれます。ディア・ビーコン（ニューヨーク近郊の現代美術館）はすごかったです。だから、自分もセノグラフィー（自身のライヴでの舞台美術）には時間をかけています。 ━━現在所属しているフランスのレーベル〈Roche Musique〉については、どんな魅力を感じていますか？　 僕が思うに、レーベルがスタートしたばかりの時はいわゆる〈Roche Musique〉っぽいサウンドがとても色濃かったと思います。とてもグルーヴィーで、スロウで、ある一定のムードやコード進行があるようなサウンドです。 たとえば、フレンチ・ハウスをもっとスロウにしてセクシーにしたような、フレッシュなサウンド。〈Roche Musique〉のそれぞれのメンバーが違う方向性を開拓しようとしている今もなお、そのスピリットは根付いていると思う。レーベルに所属している僕たちが進化し合っているのを見るのはとても面白いと思っています。

━━フランスのクラブ・シーン自体にはどんな魅力を感じていますか？ とても活気に満ちていて、常に進化しているところです。僕はDJのために本当に色んなところを旅しているのですが、フランスに帰ってくるたびに新しくてかっこいい場所がオープンしているんです。 前より外に出かける頻度が減ったことは確かですが、かつては〈Roche Musique〉の仲間たちといつもクラブに行っていました。僕たちは若かったし、そもそも音楽のために生活していましたから。水曜にはSocial Club（パリのヴェニュー）に行って、朝6時まで過ごしていました。楽しかった！ ━━そもそも、あなたが〈Roche Musique〉に加入することになったのはどういういきさつだったんでしょう？ 2010年に、僕がパリに引っ越してから半年後にジャン・セザール（Jean Cézaire／Roche Musiqueの設立者 以下、ジャン）と出会ったんです。トーマスという音楽友達――彼はのちに、僕の最初のマネージャーになります――がNouveau Casino（パリ11区オベルカンフ地区のクラブ）で開かれていたパーティーに僕を連れて行ってくれて、そこでジャンやチェロキー（Cherokee）、ダリウス（Darius）、カーテル（Kartell）達を紹介してくれたんです（すべて〈Roche Musique〉のメンバー）。すぐに彼らと意気投合して、Chez Moune（パリ18区ピガール地区のクラブ）やSocial Clubといった場所で、よく一緒にパーティーをすることになりましたね。いつも、ジャンを交えて「いつか一緒に仕事したいね」と言い合ったりもしていました。 そこで2014年に、それまでのレーベル〈Discotexas〉を離れてフランスのレーベルに移籍したんです。そのタイミングでジャンが〈Roche Musique〉をスタートしたので、すごく自然な形で〈Roche Musique〉に参加しました。

━━〈Roche Musique〉のアーティストから刺激を受けて、自身の音楽が変化していった部分はあると思いますか？　 もちろん、あると思います！　〈Roche Musique〉に入って間もないころ、僕は「ホリゾンタル・ディスコ（Horizontal Disco）」と呼んでいた音楽ジャンルに夢中でした。スロウ・モーションでスムーズな楽曲です。 でも、ツアーが増えていくうちにもっとアップテンポな楽曲も必要になってきました。それで、次のフェーズに進んだという感じです。今の僕はもう少しダークな雰囲気の曲を作っている感じ。ちょっとテクノのヴァイブスもあるけど、もっとエクスペリメンタルなサウンドです。今、自分の（音楽の）パレットを拡げているところですね。 ━━では、今回のアルバム『Zimmer』について聞かせてください。初のアルバムをリリースしようと思ったのには、何かきっかけがあったのでしょうか？ 基本的に、準備が整ったらリリースしようと思っていました。2017年から2018年にかけて、2年を費やして制作したアルバムです。2017年の終わりにはアルバムを完成させていたかったのですが、自分が持っているビジョンを形にするためには、もっと新しい曲が必要でした。 僕はいつも、自分がベストだと思う曲を作るためには、それに必要な時間をじっくりとかけるタイプ。曲が完成した、と思ったタイミングで、アルバムの制作をストップしました。リリース日が決められているプレッシャーを感じずに制作に集中できたおかげで、ベストなアートが出来上がったと思います。自分がそうしたいと思った時や言いたいことが出来た時に曲を書いていきました。

━━制作にあたって、何かテーマのようなものを考えていましたか。 核となるアイデアは、「自分が感じている音楽の魅力を、2つの極端な方向において探っていくこと」。とてもアトモスフェリックで、ドリーミーな音楽を聴く時は、まるであなた自身の音の旅に出るような気持ちになりますよね。かたや、パワフルな音楽はクラウドに一体感を与えます。僕は、こうした極端な感覚をラディカルな方法で探ってみたかった。 そして、はっきりとわかる方法で、この２つの感情の間を行き来するような旅路をクリエイトしたいと思ったんです。このアルバム全体には、まるでミックステープのような連鎖感があり、全編を聴いてもらうことでテーマが完成する作りになっています。 ━━実際の制作は、どんなふうに進んでいったのでしょう？　 まずは2017年の初頭にデモをたくさん作って、いくつもの異なるサウンドやリズム、メロディーを考えていきました。時には、楽曲のアイデアを紙に書いて、どんな仕上がりになるのか試してみたりもしました。他には、たとえばアルペジオ・ギターを片手に8分音符を使ってスロウな曲を作ってみることもありました。 シンセから作りはじめることもありましたね。JUNO（ローランド社の定番シンセ）を使って、コード進行だけを思いつくままキーボードで弾いて、さっと１曲仕上げるというように。でも、どのデモ曲にも共通点があって、それは「時間を掛け過ぎない」ということでした。僕はどの曲もフル・トラックを２時間以内で作ります。そして一度出来たら、その曲を仕上げる作業に移る。最初のセッションで完璧なサウンドに聴こえなければ、「これ以上作業しても無駄だ」と切り捨てていきました。 DJとしてのツアーも忙しかったし、移動中、色々な場所でトラックを制作した部分もあります。たとえば“Thunder”は、LAのコーヒー・ショップで朝10時に作った曲。みんなが起き始めるころ、僕はヘッドフォンの中で超激しいテクノ・サウンドを創っていました。

━━ゲスト参加しているパナマ（Panama）やローム（Laume from Yumi Zouma）との出会いはどんなものだったのですか？　また、彼らとの制作で印象的だったことは？ 両アーティストとも、僕がもともとファンでした。2人とも、声にとてもドリーミーなヴァイブスを感じるので。そこで、それぞれにSoundcloudを通じてコンタクトを取って、いくつかインストを送ったところから制作をはじめました。僕が一緒に曲を作りたいと思うのは、基本的に、「自分の楽曲に欲しい何かを持っていて、かつ、僕には不可能なこと」を感じるアーティスト。ロームとは、ロンドンにいる時に一緒にレコーディングをして、パナマとはすべての作業をネット上で完結させました。実際に彼に会える日が楽しみ！ ━━彼らは〈Cascine〉や〈Future Classic〉のような人気レーベルから作品をリリースしてきた人たちですね。 そうですね。両レーベルとも、とてもエキサイティングだし、素晴らしい楽曲をたくさんリリースしていると思います。他のレーベルだと、クラブ・ミュージックならフランクフルトの〈Running Back〉や、パリ～ケルンの〈Correspondant〉が大好きです。 ━━アルバム名をあなたの名前『Zimmer』にした理由を教えてください。 このアルバムは、自分が音楽の世界に足を踏み入れてからの、ある種の最高到達地点のようなもので、ZIMMERとして探求したいもののすべてが詰まっています。コンテンポラリーなエレクトロ・ポップやテクノ、自分が描くディスコのビジョン、ヨーロッパ的なクラブ・ミュージックや、スロウなエレクトロ・バラード……。自分のキャリアにおけるランドマーク的な作品なので、セルフ・タイトルを冠したことはとても理にかなっていると思います。 ━━アジアと欧米のクラブ、フロアに、違いを感じる部分はありますか？　 ここ最近、アジアはとてもいいエリアになっていると思います。アジアのいくつかの国では、エレクトロ・ミュージックが新たなブームになっているし、初めてエレクトロに接するときはとてもフレッシュな気持ちになりますよね。とても強いパワーを感じます。 ━━また、あなたが普段DJとして選曲時に大切にしていることなどもあれば教えてください。あなたの場合、様々なジャンルを自在に行き来していますよね。 すごくいい質問！　僕がDJするときは、めちゃくちゃ踊るんです。そして、「ダンス」として何の曲が聴きたいかを考える。自分のDJセットをどんな方向に持っていきたいかを常に考えていて、2、3曲先のことを考えてながら、その方向に辿り着くためのヴァイブスや、どのように曲をビルドすべきかを考えながらDJをしています。 僕みたいにジェットコースターのようなDJをする場合、ビジョンを持つことが重要です。エネルギーを失っていくのではなく、動かしていくことが大事。テクノからディスコへ、アップテンポからスロウテンポへ曲を変えていくのはチャレンジでもあります。でも、うまくいけば、それは魔法みたいなものになる。DJをするときには、リスクを厭わないことが大事だと思っています。

━━昨年から始めているライブセットについては、どんな思いからはじめたものだったのでしょう？　また、どんな手応えを感じていますか。 ライブのときは、もっと内向的になる感じがしますね。キーボードを叩いて、シンセをいじって、すべての音源をミックスして、エフェクトを加えるなど、たくさんのことをしなければならないので、より集中力が必要です。 でも、ライブのゴールはみんなを旅路に連れていくこと。だから、各地でライブを行う時にはいつも自分の照明機材も一緒に持ち運んでいます。その照明を使うことで、オーディエンスを正確に自分のビジョンが示すムードへと連れていくことができる。照明はとてもパワフルなツールだと思います。プログラミングが正しければ、ミニマムな設備で多くのことが出来るから。 ━━楽曲で表現したいことと、ライブで表現したいことに違いはありますか？ 僕はDJとして「作品」を作り上げていくことにとても注力しています。そして、ライブ・パフォーマンスは全く別物として作り上げたいと思っています。DJとして15年間もやって来ているので、そろそろキーボードを弾いて、（クラブではなく）コンサートの時間に演奏して、自分で全てをトータル・コントロールできるフルセットのライブをしたいです。 自分にとって、音楽とは感覚そのもの。そして、照明は音楽の次に重要なもの。トーンを整えて、現実から逃避するような感覚を増してくれます。だから、僕は自分の照明機材とともに移動しています。自分と自分のチームが行く現場には、それぞれの曲に対して「マップ」があり、その地図こそが、自分のビジョンを完璧に（照明として）映し出してくれるのです。 ━━あなたが音楽をつくるうえで最も大切にしていることを教えてください。 常に自分自身を再創造することだと思います。何事も当然だと思わず、自分が共感できる、面白く感動させるアートを作るために頑張ること。そしてそれが他の人々にも届くといいなと思っています。 今は、みんながようやく僕のアルバムを聞いて、どんなリアクションをしてくれるのかが楽しみ！！　そして、秋のツアーに向けて自分のライヴをネクスト・レベルに持っていく予定です。

Zimmer 　 本名：バプティスト・ムール アルプスとカリフォルニアで育った後、パリに2010年に移住して音楽制作を開始。 　 2011年に1stEPを発表。ほどなくしてジマー特有のスローで夢見心地なダンストラックや職人気質なリミックス、そして一連のミックステープ作品は世界中から注目を集めるようになり、若干25歳にしてヨーロッパ、北米そしてアジアツアーを敢行するスターDJとなる。 2014年、パリの人気レーベルであるRoche Musiqueに加入し、それまでのディスコ調ビートからインディーポップ風ハウスへと作風が変わる。 続いてEP2作『Coming of Age』（2015）と『Ceremony』（2016）を発表し、エレクトロシーンにて確固たる立場を築き、NYやサンフランシスコなど北米での公演も軒並みソールドアウト。そして2019年、アーティスト名を冠に掲げた本作を堂々と引っ提げ、世界中のフロアを揺るがす。 　 Twitter｜Instagram｜Facebook｜AppleMusic｜Spotify

――今回の「killer tune kills me feat. YonYon」でのみなさんのコラボレーションは、堀込さんからYonYonさんに声をかける形で実現したものだったそうですね。堀込さんが、YonYonさんのことを知ったきっかけはどんなものだったんでしょうか。 堀込高樹　車を運転しながらFMラジオを聴いていたら、SIRUPさんと2xxx!（ツートリプレックス）さんとの「Mirror（選択）」がたまたま流れてきたのがきっかけでした。最初は「あ、韓国語だ」と思ったんですけど、「いや、韓国語に日本語も混ざってる。この曲は何だろう？」と気になって。後で調べてみたらそれがYonYonさんだったんですよ。それで、最初はシンガーかと思っていたら、調べていくうちに『森、道、市場』にDJとして出ることを知って、「DJでもあるんだ？！」と（笑）。それで、すごくユニークな人だな、と思っていたんですよ。その後、しばらくしてKIRINJIのInstagramを開いたら、YonYonさんのアカウントからフォロー申請が来ていて。「もしかしてあのYonYonさん？」と聞いたら「そうです」と。それで、「もしKIRINJIでフィーチャリングすることがあったら、お願いできたりするの？」と聞いたところ、「いいですよ」と返事をもらいました。もしも合う曲が出来たら、そのときはぜひお願いしたいということを、ふわっとお伝えしたんです。 ――それはいつ頃の話だったか覚えていますか？ YonYon　今年の早い時期だったと思います。でも、私が何でそのタイミングでKIRINJIのInstagramをフォローしたのかは、実は全然覚えていないんです……（笑）。 堀込＆弓木英梨乃　（笑）。 YonYon　でも、私は普段からDJとして活動していくために色んな曲を掘っているので、気になったアーティストは順不同でフォローしていくところがあって。きっと、KIRINJIもその中でフォローしたんだと思います。 ――つまり、ちょうどいいタイミングで、それぞれがお互いの音楽に自然にたどり着いていたんですね。弓木さんは、YonYonさんのことは知っていたんですか？ 弓木　私は、もともとYonYonさんがイベントをされていることはインターネットの記事を見て知っていたんですけど、「killer tune kills me」でご一緒するまでは、音楽活動をされていることは知らなくて。今回、高樹さんから「新しい曲は弓木ちゃんがメインボーカルで、YonYonさんをフィーチャリングしようと思う」という話を聞いてから、「YonYonさんのことをちゃんと知ろう」と思って調べていきました。それで、「色んなことをやっている人なんだ！」と。 YonYon　分かりづらくてすみません（笑）。 堀込　YonYonさんは、第一に日本語と韓国語をどちらも使えることが魅力的ですよね。それから、今回の「killer tune kills me」で言うと、弓木さんとの声の対比もいい形になると思ったんです。弓木さんは少し高めの声で、YonYonさんはハスキーというほどハスキーではないけれど、どこか中域が印象的な歌声で。それから、ラッパーでもあり、シンガーでもあるというところも魅力的なので、結果的に色々とお願いすることになりました。 弓木　私は、最初に「YonYonさんと一緒に曲をつくる」という話になったときに、「高樹さんらしいな」と思って、すごく腑に落ちた部分があったんです。KIRINJIのライブも、最近韓国のお客さんが増えていますし、YonYonさんに韓国語でラップをしてもらうということも、高樹さんが考えそうなことだなぁと思って（笑）。 ――堀込さんは、どんどん新しいことを追求されていく方ですよね。 弓木　そうですね。私は高樹さんと1年間一緒にラジオ（『LIFESTYLE MUSIC 929』）をやっていたんですけど、そこで高樹さんが普段聴いている音楽としてかけている曲を聴いていても「高樹さん、最近こういう曲を聴いているんだな」とか、「次の作品はこういうものになっていくのかな」と自分の中で思ったりしていて、そういうことを考えても、今回YonYonさんと一緒に曲を作るということは、色んなことが腑に落ちた感覚がありました。そこからYonYonさんのことを知っていったんですけど、自分の中では、YonYonさんは年齢も近くて女性ということで、KIRINJIの中で同じぐらいの年齢の女性とコラボレーションできるということが、すごく嬉しかったです。それで、最近はずーっとYonYonさんのInstagramを過去までさかのぼって……「オシャレだなぁ」って（笑）。YonYonさんはDJプレイもよくアップしているので、「ああ、こういう曲をかけてるんだ」って、すごく刺激を受けています。（YonYonさんに）ありがとうございます。私の毎日に刺激をくれて（笑）。 YonYon　恐縮です（笑）。普段だったらなかなか交わらないところにいる方から声をかけていただいたことが、すごく嬉しかったです。私は普段クラブ・ミュージック界隈で活動していて、その中では割とオープンな方だとは思うんですけど、こうやって声をかけてくれる方というのは、なかなかいないので。本当に、幅広い音楽を聴かれている方なんだな、と思いました。それで、この間『森、道、市場』で初めてKIRINJIのライブを生で観たんですけど、そこではオートチューンも使われていて。「すごく現代的な方なんだ」と思って。 堀込　僕を無理しているおじさんみたいな感じにしないでよ！（笑）。 弓木＆YonYon　あはははは！

――KIRINJIとYonYonさんの表現は、それぞれ違いはあるものの、同時に似ている部分と言いますか、リンクする要素も感じたりはしているのでしょうか？ 堀込　まぁ、音楽的に似ているというわけではないと思うんですけど、でも、YonYonさんがDJでかける曲というのは、自分が普段から聴いている曲とも似ているな、とは感じます。『森、道、市場』でのDJプレイを観ても、自分が知らない曲が色々とかかってはいたけれど、「この曲いいな」と思う感覚には、共感できるところがあって。それもあって、YonYonさんなら、KIRINJIがやっていることも楽しんでやってくれるんじゃないか、と思いました。それに、そもそもコラボするならば、我々のようなミュージシャンの場合、近いところで活動しているアーティスト同士でやっても、面白くはならないと思っているんです。 ――実際、KIRINJIのこれまでのコラボレーションは、KIRINJIに新しい要素を加えてくれるような方々を選んできた印象がありますね。 堀込　そうですね。自分がやっている音楽と似たようなことをやっている人とコラボレーションしても悪いものにはならないというか、むしろ確実にいいものになるとは思うんですけど、一方で、それだと最初からどんなものが出来るか予想がついてしまう。なので、RHYMESTERも、いつかさん（Charisma.com）もそうで、音楽性が違う人とやることの方が、僕は面白さを感じます。特にYonYonさんはまだ若いし、これから活躍していく、これから知られていく人だと思うんですね。なので、今回は有名になる前に声をかけておこうと……（笑）。最近は、人気が出ていくスピードもとても速いですから。 YonYon　最初に声をかけていただいたときはビックリしました。まず、SNSで声をかけていただいたので、本物か偽物か分からなかったんですよ。オファーってだいたいメールで正式に来ることが多いので、私はSNSでのDMは基本的に信用していなくて。

堀込　じゃあ、やべえやつみたいになってたんだ（笑）。 YonYon　いえいえ、そうじゃないんです（笑）。でも、よく海外のアーティストさんで偽物がいるんですよ。「俺はすごく有名だから、コラボすれば海外で売れるよ」ということを言ってくる人が結構いて、そういうDMは全部無視していて。そういうことがある中で、突然すごい人からDMが来たので、「本当なのかな？」と思ったんです。オフィシャルの認証マークがあったので分かったんですけどね。 堀込　正式なルートを辿ってもよかったんですけど、「既にアカウントも分かってるしなぁ」と思って、直接DMを出してみました（笑）。僕らも普段はあまりこういう方法で連絡することはないんですけど、今回はたまたまそういう経緯になりました。 YonYon　でも、レコーディングする日まで、実際に会うことはなかったんですよね。 堀込　そうなんですよ。やりとりをする中であまりそういう雰囲気が出ていなかったので、クラブ界隈の人は当日に初めて会ってレコーディングするのも普通なのかな、と。会って聞いてみたら、「そんなことはないです」という話だったので、こっちが勝手に解釈しちゃっていたんです（笑）。 弓木　そういえば、高樹さんのプライベート・スタジオに歌入れのために行ったときに、「まだYonYonとDMでしかやりとりしていないんだけど、大丈夫なのかな？」とすごく心配していました（笑）。 堀込　（笑）。無事に楽曲が出来てよかったですね。 ――ということは、レコーディング前の楽曲のやりとりに関しては、すべてデータを往復する形で進めていったということですか？ 堀込　はい。ただ、ここでもひとつ行き違いがあったんですよ。最初にこっちからメールでデモを送ったんですけど、3回ほど、徐々に音や歌詞を変えて送っても全然返事がなくて。「おかしいな？」と思ってDMに送ると、すぐに返事が返ってくるんです。「これはどういうことなんだろう？」と思っていたら、どうやら僕がアドレスを間違えていたらしくて（笑）。だから、「デモ音源に加えて、今回の歌詞はこういうテーマで、こういうことを歌っています」と曲の内容について書いたメールを、何にも知らない人が受け取っていた可能性があるという……。「デモデモ詐欺」じゃないですけど、「デモテープがここにあるから、クリックしてみてね」という、変なフィッシングメールみたいになっていた可能性があるんです。 弓木＆YonYon　「デモデモ詐欺」！！ 堀込　だから、最終的によく完成したと思いました（笑）。曲自体は、いつも通り僕がデモを作る段階で、徐々に徐々にかためていきました。シングルなので親しみやすいものがいいと思いながら、いくつか曲を作っていって。それを最終的に2つほどに絞りました。

――それぞれ曲調は違ったんですか？ 堀込　違いましたね。採用しなかった方はもっと暗い、サイケっぽいファンクだったので。でも、「killer tune kills me」の方がメロディアスでいいなと思って、最終的にこっちを選んだ感じです。そのときに、メロディの雰囲気も踏まえると、今回は僕が歌うよりも、弓木さんしかり、女性に歌ってもらった方がいいと思いました。弓木さんにはライブではたくさん歌ってもらっているし、アルバム曲でも歌ってくれていますけど、「そういえば、シングルで歌ってもらったことはなかったな」と思って。それで今回は、弓木さんに歌をお願いすることにしました。そこから、「もうひとり誰かに歌ってもらいたい」と考えたときに、「あ、そうだ！」とYonYonさんを思い出したんです。「killer tune kills me」は曲自体のハーモニーやメロディに女性っぽさがありつつも、ビートの強い雰囲気もあって――。 ――どこかディスコっぽい要素も感じられる曲になっていると思いました。 堀込　そうですね。なので、クラブっぽいフレーバーも感じさせたいと思ったときに、YonYonさんならぴったりだと思ってお声がけした形です。 ――昨年のKIRINJIのアルバム『愛をあるだけ、すべて』は、KIRINJIの中にヒップホップやR&B、クラブ・ミュージックの要素が入ってきた作品だったと思うのですが、「killer tune kills me」も、その延長線上にあるようなサウンドになっていますね。 堀込　まだその方向性に飽きていない、ということなんだと思います。僕がKIRINJIでこれまで作ってきた曲というのは、基本的に8小節のA（メロ）があって、また8小節のB（メロ）があって、サビがあってという、J-POP的な組み立てでしたけど、今回はBだけ少し変化はするものの、基本的には同じ進行のループを基調にした曲になっていて。最近は、それでも4分間飽きることなく聴いてもらえるような曲が、自分としても「上手く作れるようになってきたな」と感じているんです。そもそも、AがあってBがあって、サビがあって……という展開は、J-POP以外にはなかなかないですよね。それ自体はすごく好きだし、非常に面白いものだと思うんですけど、同時に僕はこれまでの活動の中で、「そういう曲はもう随分やったな」と感じている部分もあって。なので、今ライブだけでやっている新曲もループものなんですよ。その中で緩急をつける面白さを感じているところですね。 ――では、弓木さん＆YonYonさんのボーカルパートはどんな風に進めていったのですか？ 堀込　弓木さんのボーカルパートについては、僕がメロディを考えて、それをもとに話し合って進めていきました。でも、だいたい弓木さんのイメージ通りだったよね？ ――聴かせていただいて、『愛をあるだけ、すべて』で弓木さんがボーカルを担当した「After the Party」と比べても、しっとりとした大人の余韻が感じられる歌い方だと思いました。 弓木　そこはすごく意識しました。高樹さんとラジオをやってきた中で、高樹さんがThe Marías（ジャズやファンクの要素も取り入れたLAのビンテージ・サイケ・ポップ・バンド）を紹介して、「こういう曲、弓木ちゃんに合うと思うんだよね」ということを言われたことがあったんです。今回も「こういう歌い方はどうかな？」と、そういう雰囲気の音楽を共有して歌っていきました。そもそも、前のアルバムから、「あまり可愛く歌いすぎない」ということを少しずつ意識していたんですけど、今回はより意識した感覚です。私は口角を上げるとすぐ子供っぽい声になってしまうので、お家でも色々と聴いて歌い方を考えました。 ――歌い方を色々と工夫していった、と。 弓木　そうですね。こんなに考えたのは初めてだったかもしれないです。KIRINJIに入った頃は、高樹さんが「もっと普段喋っているような感じで歌えばいいのに」と言ってくれていたんですけど、そういう時期を経て、今はまた歌い方を意識するようになりました。 堀込　でも、今話しているときの声と、「killer tune kills me」の声って、割と近いようにも感じられるんだけど？ 弓木　だから、言葉にすると難しいんですけど、全部気を抜いてしまうのではなくて、「バランスを考える」ということを、初めてすごく意識したんだと思います。

――一方、YonYonさんのラップ＆ボーカルパートはどんな風に考えていったんですか？　 YonYon　デモをいただいた段階である程度テーマが決まっていて、弓木さんのパートの歌詞も既にあったので、私はそこにどういう要素を加えて、ストーリー性を持たせるか、ということを考えていきました。私の解釈では、恋に傷ついた女の子が、これまでずっと聴いていた曲が苦しくて聴けない状態になっているのが1番の歌詞で、その音楽＝別れた彼氏なんだろうな、と思っていて。でも、最後はポジティブに終われたらいいな、と思ったので、2番の私のパートでは、何かしらのきっかけでその子が過去の曲に触れられるようになって、その曲や過去の恋を「いいものだった」と思えるような方向に持っていきたいと思いました。 ――過去に向き合えること自体がポジティブな体験だ、というニュアンスですね。 YonYon　はい。決して「もう一度やり直したい」ということではないんですけど、過去の恋愛もいい思い出として向き合えるような、そういう女の子にしたいと思ったので、まずは歌詞に出てくる「killer tune」をもう一度聴けるようになるきっかけづくりを、韓国語のパートに入れて、「その結果どうなったか」ということを日本語の歌詞にしていきました。 ――韓国語のパートには「絆創膏」のようなモチーフが出てくるんですよね？ YonYon　そうです。絆創膏って、人がケガをしたときに傷口に貼るものですけど、特に女性だと、「その傷口を見せないために貼る」という部分もありますよね。そのパートで書いたのは、「傷ついた心に絆創膏を貼って隠しても、結局その傷口は残ったままだし、まだ傷も癒えていない」ということですね。 堀込　僕がもともと書いていた他のパートから歌詞の内容を汲み取ってくれて、そのディテールをさらに詰めてくれたような感覚でした。ドンピシャでいいものにしてくれました。

――そもそも、「killer tune」を終わった恋のモチーフとして登場させるというテーマはどんな風に出てきたアイディアだったんでしょう？ 堀込：最初は、サビの「♪killer tune～」という部分のメロディが浮かんで、そこに「killer tune」という言葉がはまって、そこから発想していきました。恋愛の話ではないんですけど、自分のことを考えてみたときに、ひとつの音楽に対して、今は10代の頃のようにどハマりできないな、という気持ちを感じていたんです。これは自分の年齢的なものが関係しているのかもしれないし、もしかしたらストリーミングサービスで聴くことが増えているからなのかもしれないですけど、思い返せば、10代の頃って同じ曲をずっと繰り返し聴いていて、ご飯を食べる以外の時間はずっとその曲を聴いているようなことがあったんですよ。 ――僕も音楽を聴くために友達の誘いを断って帰る日がありました（笑）。 堀込　そうそう！　友達には全然理解されなかったですよね（笑）。もちろん今も「この曲いいな」と思って繰り返し聴くことはよくあるんですけど、過去にそれくらいひとつの音楽にどハマりする経験をしていたので、そのハマり具合って「昔は全然違ったな」「あんな経験って、もうできないのかな」と、少し寂しさを感じる部分があったりして。これってつまり、「キラーチューンに出会えていないんだな」と思ったんです。なので、「キラーチューンに出会えない」というのが最初のテーマだったんですよ。ただ、今回せっかく弓木さんとYonYonさんに歌ってもらうなら、「彼氏に出会えない」ことと「キラーチューンに出会えない」ことをくっつけて、どっちともとれるような組み立てにしたいと思いました。 ――堀込さんが10代の頃にひとつの曲に強烈に惹かれた経験と、恋愛において相手に強烈に惹かれるようなモチーフが、楽曲の中で重ねられているということなんですね。 堀込　弓木さんとYonYonさんに歌ってもらえるなら、現代の若者の姿が浮かぶようなモチーフを入れたいと思ったので、歌詞の内容も、SNSやストリーミングサービスを使っているところを連想させるものになっています。でも、そうやって「あの人元気かな？ 2人でよく聴いた曲を今聴くと、やっぱりいい曲だな」と感じることって、当然若い人だけではなくて、色んな世代の人に伝わることでもありますよね。だからこそ、今回の曲のテーマとしてもいいんじゃないかと思っていたんです。 ――なるほど。幅広い世代の人々に向けられたものになっている、ということですね。最後になりましたが、「killer tune kills me」というタイトルにひっかけて、みなさんが今思いつくお気に入りのキラーチューンを教えてもらえると嬉しいです。 堀込　ここ何年かの曲で言うと、僕はファレル・ウィリアムスの「Happy」ですね。あの曲は誰が聴いてもキラーチューンだと思いますし、最近CMで流れてきても、いまだにいい曲だと思うので。あれはよっぽどのキラーチューンなんじゃないかな、と。「Happy」と言っているにもかかわらず、実は曲調は意外と落ち着いていて、「バカ明るい」という感じでもなかったりするところも好きですね。あと、ミックスがとにかくいいと思うんですよ。どこまで音量を上げていっても、うるさくはならないというか。 YonYon　私の場合、DJという職業柄、ものすごい量の曲を聴くんですけど、その中でも最近ビビッと来た曲をキラーチューンとしてもいいですか？　だとするなら、So!YoON!の「Noonwalk（Feat. SUMIN）」ですね。So!YoON!はもともとSe So Neonというバンドで活動しているボーカルの女の子のソロ・プロジェクトで、この曲は今年出たファースト・アルバムの3曲目です。フィーチャリングにSUMINというシンガー・ソングライターの方が参加しているんですけど、「Se So Neonっぽい音なのかな？」と思っていたら、全然違うもので、曲の展開がすごいんですよ。2分ちょっとまではモダンR&Bっぽい感じで進んでいくのに、そこから急にブルースのギターが入ってきたりしていて。その変わる瞬間にドキッとして「なんてかっこいい曲なんだろう」と思いました。 弓木　その曲、聴きました。最近、YonYonさんが上げているプレイリストをチェックしたりもしているんですけど、私もすごく面白い曲だと思いました。最近、韓国のDEANの音楽もYonYonさんがきっかけで「いいな」と思いました。私のキラーチューンは……最近のものではないですけど、ジョン・メイヤーの「New Light」ですね。最近、「ギター・ソロが死んだ」という話があるじゃないですか？　自分はギタリストなので、その中でどうギターを弾いてかっこいいプレイを見せられるか、ということは考えているんです。たとえば、H.E.R.やセイント・ヴィンセントのような人たちって、普通に歌ってもいますけど、途中でギター・ソロを弾きはじめたりしますよね。そんなふうに、まだまだ色んなやり方があると思っていて。ジョン・メイヤーは、もともとギターが上手い人なのにそれを前面に出すわけではなくて、曲の中の短いフレーズだけでもギターのかっこよさを見せてくれる人だと思っています。この曲はとてもいい曲なので、最近聴いている回数が一番多い曲ですね。

開発総責任者に聞く、Shure製品が選ばれ続けるその理由

――Shureのイヤホンの歴史は1997年、プロ向けのインイヤーモニターシステムからはじまっています。Shureの製品がプロに支持された理由は何だったのでしょうか？

ひとつは「耐久性」だと思う。イヤホンも、マイクもそうだけれど、プロの現場で使われる製品というのは、何十時間も続くレコーディング用のものにしても、ぶっ続けで高いパフォーマンスが求められるライブ用のものにしても、どんな状況であれ音を途切れさせるわけにはいかない。そう考えたときに、どんな状況でも音を届けることができる耐久性への信頼は、とても大切なことだと思うんだ。Shureというブランドは、その耐久性や信頼性に強みを持っているブランドで、そこが多くの方々が愛してくれた魅力なんじゃないかと思う。そしてもうひとつは、Shureが90年以上事業を続けてきた中で、たゆむことなく品質向上のために改善を続けてきたこと。マイクというのは単純な構造で出来ているものではあるものの、それでも満足することはなく、「もっと何かできるんじゃないか？」と絶えず改善を繰り返してきたことで、製品のクオリティが、世界のトップ・ミュージシャンに支持し続けてもらえるようなものになっているからだと思う。安定性も、音質のクオリティも高いことで、多くの人に使えてもらっているんじゃないかと思う。

――実際にプロの方から、印象的な感想を聞いた経験はありましたか？

もちろん色んな人たちから聴いているんだけれど……たとえば、ヘンリー・ロリンズ（ブラック・フラッグの元ボーカリストとしても知られるハードコアレジェンド）はShureの大ファンで、ハンドマイク『SM58』をずっと使ってきてくれたアーティストなんだ。彼はShureの新製品が出るたびに試してくれるんだけど、『SE846』（SE高遮音性イヤホンシリーズの最上位モデルとして知られるフラッグシップアイテム）が発売されるという噂を聞きつけて、僕の方に長文のメールを送ってきてくれたこともあった。それで彼に試してもらったら、「このイヤホンは今まで使った中で一番素晴らしい」と言ってもらえたよ。

――現在ではShureのイヤホンは一般の音楽リスナーにも人気を博していますが、プロユースに耐えうる技術を一般ユーザー向けに提供するきっかけはあったのでしょうか？

ひとつ言えるのは、僕らは決して「一般ユーザー向けに製品を開発しよう」と思ったことがないということなんだ。Shureが最初に作ったイヤホン『E1』は、プロ用の機材に付属するいちアクセサリーだった。でもそれを、ミュージシャンたちがイヤホン単体で気に入ってくれた。そこで、2002年に『E2』という製品でイヤホン単体での販売をはじめたんだ。そうすると、仕事用に使っている製品ではあったものの、多くのミュージシャンが移動中の飛行機をはじめとする様々な場所で、自分が音楽を楽しむためにShureのイヤホンを使ってくれるようになった。そこから、徐々に一般ユーザーにもShureの製品が広がっていったんだ。つまり、僕らはどのラインナップについてもプロの現場に耐えうるものを作っていて、それが一般の音楽リスナーにも受け入れられていった、ということだったと思う。当時はちょうど、iPodが世にではじめた頃で、多くの人々の音楽の聴き方が変わっていった時期だった。色々な人々が、より音楽を「持ち歩くようになった」。その頃のShureのイヤホンは5万円ほどする高額なものだったけれど、それでも多くの人々がiPodと一緒にShureのイヤホンを買ってくれたんだ。そして、2003年頃になると、生産が追い付かないような状態になった。音楽を持ち歩いて楽しむ文化がアメリカにより根付いていく中で、ただ単に安いイヤホンを使うのではなくて、いい音で、いい音楽を聴きたいと思う人々が増えていったことと、Shureの歴史がリンクしていたように思えるよ。

――リスナーが音楽を楽しむ環境がより広がったことで、Shureのイヤホンにもより注目が集まることになったのですね。現在では『SEシリーズ』を筆頭に様々な価格帯のラインナップが揃っていますが、プロ用の高い技術が使われているものを、様々な価格帯で製品化することには、苦労もあったんじゃないでしょうか？

おっしゃる通りで、『SE846』は10万円前後の価格帯のモデルだし、『SE215』だと1万円代の価格帯のイヤホンで、ラインナップには様々な幅がある。でも、どの製品に関しても「プロがステージで使える」ということに対して妥協は一切していなくて、実際、『SE215』にしても、多くのプロ・ミュージシャンが実際に仕事で使ってくれているんだ。「すべてがプロのクオリティだ」と言えるものを提供しているということだね。でも、そうしたことを実現すると、ある程度の価格帯にはなってしまう。そこで僕らが考えたのは、MMCXというコネクタを使って、イヤホンのケーブルを着脱可能にするシステムだったんだ。イヤホンの最も重要な部分はモニター部分だけれど、多くのイヤホンは、ケーブルの断線によって使えなくなってしまうことが多い。それなら、ケーブルを取り換えられるようにすることで、断線が起こってもその製品を長く使えるようなものにしようと考えたんだ。これは大きな投資だったし、初めは採算もギリギリだったけれど、そうすることで「いいイヤホンを買って、それを長く使うことができる」というラインナップ展開を実現することができたと思う。

――そのシステムの実現には、実際に一般ユーザーの声が関係していたんですか？

そういった声は一般ユーザーからもたくさん届いていたよ。ただ、僕らはプロ用の製品を作っていることもあって、最初に重要な声としてあったのは、ミュージシャンのライブの現場でケーブルが壊れたときに、すぐに対応できるということだった。そこで、もともと通信機器の高周波アンテナに使われていたコネクタを、おそらく世界で初めてイヤホンに取り入れた。それ以降、僕たちも意図しなかったことが起こっていて、人々がiPhoneで音楽を聴くようになって、ジャックの形が変わっても、ユーザーが長年の自分のお気に入りのイヤホンをずっと使い続けられるような環境が生まれていった。変わり続けるリスニング環境の変化にも対応できることになったんだ。

――Shureがそうした新たな挑戦に乗り出せるのは、なぜなのでしょう？　それにはShureならではの社風や、開発環境も関係していると思いますか？

僕らが一番大切にしているのは、「お客様の声を聴く」ということなんだ。Shureの製品は、実際に使ってくれている人たちのリアルな声を聞いて、その人たちの声に応えるために開発されている。僕自身も、日本にももう15回ほど来ていて、日本のユーザーの方々とも実際に話をさせてもらったりしているんだ。そうやって実際に話を聞くことで、多くの人に受け入れてもらえるような製品を生み出すことができると思うんだ。

――いち音楽好きとして、ユーザーのリアルな要望に耳を傾けるということですね。今お話を聞いていても、マットさんは音楽好きとして気さくに話してくれる雰囲気が印象的です。

メーカーとしての人間として話すよりも、同じ音楽好きとしてフランクに話した方が、色々なことをリアルに話してくれると思うし、お客さんと同じ目線で商品が作れると思うんだ。たとえば、僕は日本でイベントに出演すると、そこに集まってくれた一般のお客さんとセルフィーを撮ったりするんだけど、それをFacebookに上げると、一日で日本のFacebookフレンドが一気に増えたりすることがある（笑）。でも、そういうことが、音楽好きが本当に求めていること、お客さんの声を丁寧に聞くことに繋がっているのかもしれないよ。

――マットさんは、普段はどういう音楽が好きなんですか？　また、実際にShure製品を日常的に使ってみて感じる魅力と言いますと？

僕が最初にShure製品を使ったのは、シカゴでライブハウスのPAをしていた時のことだった。シカゴに住んでいると、Shureは地元企業としてとても身近な存在なんだ。僕自身は、インディ・ロックを中心に聴くリスナーだよ。小さい頃からピアノもやっていて、今でもピアノ音楽も聴く。シカゴのローカル・ミュージシャンの音源はたくさん聴くし、車に乗りながら、自分がレコーディングした自分の音源も聴くよ。ずっと音楽が好きな人生を歩んできて、Shureに入社して、約20年間楽しく働かせてもらっているね。

――リスニングスタイルによってその人に合うイヤホンは変わってくると思うのですが、たとえば『SE高遮音性イヤホンシリーズ』だと、それぞれのモデルが得意な音楽などはあるのでしょうか？

もちろん、ひとつひとつ特徴はあって、ある程度フラットな音像のものや、やや低域が強く出るものなど、モデルごとの特性はある。でも、一番大切なのは、どんな環境で音楽を聴いているか、ということだと思う。スマートフォンで聴いているのか、オーディオ別に持っているのか、MP3なのか、Apple MusicやSpotifyのようなストリーミングサービスで聴いているのか、ハイレゾ音源なのか――。その組み合わせによって、最適なイヤホンは変わってくる。たとえば、フラッグシップモデルの『SE846』は、インピーダンスが他のイヤホンと比べてとても低いために、ミュージシャンが録音した音に限りなく近いものを楽しむことができる。でも、その代わりきちんとしたアンプが必要になるよね。たとえば、スマートフォンはあくまで電話だから、そのアンプでは『SE846』の性能を最大限発揮することができないんだ。むしろ『SE215』なら、プロでも使えるし、スマートフォンで聴いても、ハイレゾを聴いても色んな要素にバランスよく使える商品になっているんだ。

――2011年に発売された『SE215』は、日本のイヤホン市場でもいまだに定番モデルのひとつとなっています。この人気の秘訣はどんなものだと考えていますか？

いいものを作って、それを「変えない」ということは、ひとつの秘訣なんじゃないかと思う。一般的なメーカーの場合、イヤホンは2年ほどで新しいものにモデルチェンジすることも多いけれど、『SE215』は発売から８年ほど売り続けている商品で、それを僕らはまだ売り続けている。そういったメーカーは、なかなかあるものではないんだ。でも、それは僕らにとっては特別なことではなくて、たとえば、今も多くのスタジオで使われているハンドマイク『SM58』は、もう50年以上、ずっと売れ続けているものでもある。そういうものが、Shureの製品にはたくさんあるんだ。開発期間をじっくりかけて、徹底的に製品を作り込んでいるからこそ、それをユーザーの人たちにも、長く使ってもらうことができるんだと思う。だからこそ、8年経ってもベストセラーであり続けることができているんじゃないかな。

――最後に、Shureが製品を作るうえで最も大切にしていることを教えてください。

開発において大切にしているのは、やはり、お客さんの方をしっかりと見て製品を作ること。それは何も、「お客さんの要望を言うとおりにすべて聞く」ということではなくて、意見も聞くけれど、その裏にどんな気持ちが込められているかということを、きちんと見るということなんだ。この考え方は、創業者のシドニー・N・シュアが生前に言っていたことで、彼が亡くなって年月を経た今も、みんなその言葉を信じて製品を続けているんだ。また、僕らはマイクと、イヤホンの両方を製造していて、つまり「音を吹き込んだ人」と「それを聴く人」の両方を繋ぐことが仕事になっている。音が震えて生まれた振動を、電気信号に変換して、それをふたたび音の震えに戻して耳に届けているんだよね。その際、どう頑張っても、音を電気信号に変換する限り、完璧にそのままの音を届けることは難しい。でも、僕たちは、そうやって生まれた音や、生まれた言葉を、可能な限り吹き込んだときのそのままの状態で伝えたいと思っているんだ。レコーディングスタジオで演奏しているその雰囲気や、その人が音に吹き込んだ情熱のようなものまでを、取りこぼしなく、すべて伝えたい。それが僕らがやりたいことだし、それを僕らは“Shure Sound”と呼んでいるんだ。

――“Faded”が話題になった2015年からデビュー・アルバム『Different World』の完成までに3年間かかりましたね。その中でどんな変化を感じていますか？

この3年間は自分にとってのすべてと言えるもので、アーティストとしても人としても、自分を発展させることができた期間だったと思う。3年間の間にアーティストとしての自分を確立していくことができたし、3年かかったからこそ、今回のアルバム『Different World』は過去の自分と、今の自分との両方が反映された作品になったんじゃないかな。

――あなたの場合、同じように黒いマスクやフードをつけてくれるファン＝「Walkers」がアノニマス的に増殖していくのを経験した3年間だったとも言えそうです。

うん、このアイディアはもともと、「誰でもウォーカー・ファミリーになれるよ」という意味ではじめたものだったんだ。僕の音楽を聴いてくれる人たちも一緒になって、アラン・ウォーカーの軌跡を辿ってもらいたいと思った。最初は誰にも知られていなかったし、誰も参加していない状況だったものが、インターネットを通じてアノニマス的にどんどん広がっていく様子を体験できたのはとても嬉しいことだったよ。

――おそらく、EDMシーンに多い「スーパースターDJ」的なものとは異なる発想ですよね。

スペイン語の言い回しで「Mi casa es su casa（＝僕の家は君の家）」という言葉があるんだけど、それと同じで、僕の場合は「一緒に活動を広げていく」「色んな人を迎え入れたい」という気持ちが強いんだ。

――つまり、誰でも“アラン・ウォーカー”に参加できる、と。

そう。今の時代、僕は「自分が排除されている」と感じている人がすごく多いと思っていて。だから、「一緒に／共に」活動することって、僕にはすごく重要なことなんだ。色んな人がウォーカー・コミュニティの一員として、僕の音楽を共に楽しんでくれて、コミュニケーションを取れるような関係性でいたい。「Walkers」のコミュニティが広がっていくことには自分と同じ格好をしたミニオンがどんどん増えていくような感覚も少しあるけど、何よりも、僕の音楽に共感してくれるファミリーがどんどん増えていくような気持ちなんだ。

――すごくインターネット／クラウド的な感覚ですよね。あなたのキャリア自体も、最初はネット上でアノニマス的に複数人が楽曲にかかわる作業をもとにはじまったものでした。

やっぱり、それが僕のルーツだから、ウォーカー・コミュニティにも似たようなストーリーが生まれたんだと思う。音楽をはじめたとき、インターネット上で色々な人たちが僕を迎え入れてくれた。だからこそ、僕も音楽を通して色々な人を迎え入れたいと思っているんだ。

――今回のアルバム『Different World』では、前半に新曲が、後半にこれまでの代表曲がまとめられています。この全体の構成は、どんな風に考えていったんですか？

それは単純な話で、新しくできた新曲を一番に聴いてもらいたかったんだよ。古い曲をいくつも聴いてようやく新曲に辿り着くのではなくて、僕の今の興味が反映された新しい曲を早く聴いてほしかった。アルバムの全体の方向性については、作りはじめた時点ではまったくノー・アイディアだったよ（笑）。僕はアルバム制作と並行して3～６か月おきに新曲を作り続けていたんだけど、発表したもの以外にも、いい曲になる可能性を秘めているけれども「まだ出来ていないな」と感じる曲の断片がたくさんあった。その中で「これは世に出してもいい」と感じられる曲のストックが徐々にたまっていって、アルバムとしてまとめられるぐらいの曲数が揃ったのが、ようやく今だった、ということなんだと思う。とはいえ、今の時代、音楽はストリーミングベースに変わっているわけだし、アルバムを作っても聴いてもらえるかどうか正直不安だった。でも、実際にリリースしてみたら、多くのウォーカー・ファミリーが作品を手にしてくれたから、出してすごくよかったと思っているところなんだ。

――制作中、特に印象的だった楽曲を挙げるなら？

スティーヴ・アオキと一緒に作った“Lonely（feat. Isák & Omar Noir）”かな。この曲はツアーで上海から北京に向かう４～５時間の電車の旅の間に最初のデモができた曲だった。その頃からユニークでクールな雰囲気の曲だったけど、2年後にようやく完成して今回日の目を見ることになった。

――どんなイメージから曲が生まれていったのか詳しく教えてもらえますか？

この曲を作ったときは……うーん、正直自分ではよく分かっていないんだけど（笑）。新しいウォーカー・ミュージックを作って、自分の音楽を次のレベルに持っていきたい、という気持ちだったと思う。これまでの曲と似たようなメロディや曲調、スタイルを繰り返すのではなくて、まだ試したことのない雰囲気のものにしたかった。それでゲーム音楽っぽい要素を加えていったんだ。スティーブには、プロダクションの面で色んなアイディアを加えてもらった。彼は才能溢れるクリエイター／プロデューサーで、EDMシーンでは伝説級の人でもある。彼と一緒に作業する中で、この曲が何度も話題に持ち上がってきたんだ。特に彼はこの曲のメロディを気に入ってくれていて、曲の構成について手助けをしてくれたよ。

――タイトル曲の“Different World（feat. K-391, Sofia Carson & CORSAK）”はどうでしょう？

この曲は僕とK-391（アラン・ウォーカーが影響を受け、過去曲でも共作しているノルウェー拠点のアーティスト）と一緒に作った曲だけど、もともとは彼がYouTubeで曲を作っていく過程を映した動画があって、それがいいなと思っていたんだ。とても楽しそうに、制作過程自体を楽しむような雰囲気だった。そこから、彼と共作するようになって……。今回は、彼と作業しているところに中国からCORSAKも参加してくれて、彼とも一緒に曲を作って、歌詞を書いて、さらにソフィア・カーソンが加わってくれた。この曲は、地球の環境問題、汚染問題についての曲。今人々は、地球が耐えられる以上の資源を日々消費してしまっているし、地球を治す活動もある一方で、それよりも多くの場面で、この星を壊してしまっている。そういう人々の意識をもっと高めたいと思ったんだ。人として重要なことだから、声を大にして、小さなものから大きなところへと広げていければいいなと思った。コミュニティの力を使って「違う世界（＝Different World）」を作っていきたい、と思ったんだ。

――それがアルバム・タイトルにもなっているんですね。自分自身が3年間の間に、小さなものが大きなものへと変わっていく経験をしたからこそかもしれません。

そうだね。この3年間は、世界中の色々な場所に行くことができて、コーチェラのような大型フェスにも出ることができて、日本にも来ることができた。日本は美しい国だよね。今回の来日では初めて大阪にも行ったよ。夜のネオン街もすごく好きだ。日本の「Walkers」にも会えたし、スーパーハッピーだよ。そもそも、僕は活動をはじめた当初は、自分が世界中を回って音楽を届けられる日が来るとは思ってもいなかった。でも、この3年間で音楽はユニバーサルな言語だということ、言語の壁を越えて理解できるものだということを感じた。「音楽を通して世界をひとつにできるんじゃないか？」って。実際、大勢の人がひとつになる姿は素晴らしいものだと思うんだ。インターネットがあれば、何だって可能なんだよ。

——そもそも、お2人はバーチャルYouTuberにどんな魅力を感じていますか？

TeddyLoid　僕はもともと、バーチャルおばあちゃんがすごく好きなんですよ。この人はゲーム実況などをやっている……人というか、おばあちゃんで（笑）。そういう面白い動画を観ることが多いですね。でも、やっぱりすごく嬉しかったのは、キズナアイちゃんがアーティストとしてデビューしてくれたことでした。彼女の番組は前からずっと観ていましたけど、当初はまさか音楽をやってくれるとは思っていなくて。しかも、実際の音楽もすごくいいので、彼女のミュージシャンとしてのポテンシャルの高さを感じているところです。

MATZ　僕もともと、バーチャルYouTuberの存在を知ったきっかけがキズナアイさんだったんです。僕らの世代はみんな暇があったらYouTuberの動画を観ているんですけど、そこに初めてバーチャルの女の子がやってきて、普通の人のように楽しく話していることに魅力を感じました。それに、「もし音楽をはじめるなら、エレクトロが合うだろうな」と思っていたら、デビュー曲の“Hello, Morning (Prod.Nor)”がまさにそのイメージに当てはまる曲で。今では好きなミュージシャンのひとりにもなっていますね。

——バーチャルYouTuberはCGやイラストのキャラクターでありながら、リアルタイムで視聴者の人たちとコミュニケーションが取れることが魅力的ですよね。

TeddyLoid　そうですね。これまでの二次元のコンテンツって、世に出る前に喋り方だったり、動き方だったり、表情だったりを編集しなければいけなくて。でも、キズナアイちゃんは、「存在自体がキズナアイちゃん」なんですよね。動画を観ていて、僕は彼女が生きているように感じるし、その存在感がそのままダイレクトに伝わるところがすごいと思います。

MATZ　バーチャルとリアルで次元は違いますけど、僕らと同じ時間を共有していて、コミュニケーションを取ることができて。そこにファンタジーを感じますし、同時に今の時代のテクノロジーが集約された存在だとも思うので、すごくワクワクしますよね。

——では、キズナアイちゃんの動画の中で好きなものというと？

TeddyLoid　僕はダントツで、HIKAKINくんとの“親分コラボ”（YouTuberの親分と呼ばれるHIKAKINと、VTuberの親分と呼ばれるキズナアイのコラボ動画）ですね。僕はHIKAKIN＆SEIKINの楽曲プロデュースもさせてもらっているので、今回キズナアイちゃんの楽曲のプロデュースもできて、その両方にかかわれたことがすごく嬉しいです。僕はあの親分コラボ動画がすごく好きだし、できればそこに混ざりたい（笑）。

MATZ　はははは。

——あの動画では、結構真面目な話もしていたんですよね。

TeddyLoid　そうそう！　「キズナアイちゃん、頭いいなぁ」と思って。あの動画を観て、僕の中でもだいぶ印象が変わりました。

MATZ　僕は「スナック愛」が一番好きですね。あのシリーズって、関西弁のバージョンもありますよね。それを仕事が終わったあとに、家でお酒を飲みながら楽しんで観るのが好きで（笑）。そういう楽しみ方をさせてもらっています。

——「スナック愛」は、もともと2017年に出た動画でしたが、今年復活しましたよね。

MATZ　あれはすごくいいです（笑）。

TeddyLoid　こんなイケメンが、「スナック愛」を観ながら……。

MATZ　ひとり酒ですよ（笑）。

TeddyLoid　今度、僕がそこに混ざるのもいいかも。

MATZ　ぜひお願いします！

——「A.I.Games」でのゲーム実況も面白いですよね。キズナアイちゃんはスーパーAIなのに、ゲームがあまり上手くなくて。

TeddyLoid　でも、それがいいんですよね。僕、ゲーム実況動画を観ていて、完全に「（スーパーAIに）勝てるな……！」と思いましたもん。

MATZ　（笑）。

TeddyLoid　でも、それがキズナアイちゃんの個性に繋がっているというか。

——やっぱり、同じ時代を生きている、ひとりのキャラクターだということで。

TeddyLoid　実際、僕の中ではバーチャルYouTuberというよりも、むしろ実在する人物に近いイメージなんです。しかも、今はアーティストでもあって、そういう意味でも共感していて。

MATZ　僕もTeddyさんと同じで、キャラクターでもなくて、キズナアイさんという、この時代に本当に存在する人物のように感じます。だから、細かい仕草や表情、喋り方も、ひとりの人としていいなぁと思うんですよ。

——そして、そんなキズナアイから、今回2人に楽曲制作のオファーが来ることになったのですね。

TeddyLoid　　これはすごく嬉しかったです。最初にお話をいただいたときに、「feat. HIKAKINにしたいな」とか、色んなアイディアが出てきて（笑）。あとは、僕がやるなら思いきりEDMにして、これまで彼女が見せてこなかった表情を引き出せたら、とも思っていました。

——Teddyさんがプロデュースを担当した“melty world”までは、バキバキのEDMというよりも「kawaii futurebass」が中心でしたよね。一方で“melty world”は、《Put your hands up now》という歌詞も含めて、ライブの風景が想像できる曲になっていると思いました。

TeddyLoid　　そうですね。僕の場合は超王道の、スタジアムでかかるようなEDMを作りたかったんです。それから、キズナアイちゃんが考えた歌詞と同じように、彼女がみんなを新しい扉の先、新しい世界へ誘うような曲にしたいとも思っていました。だから、これまでの曲とは全然違うジャンルにしていますし、後半では声を思いきり切り刻んでいて。一緒にライブをするのが今から楽しみです。MATZがプロデュースした“hello, alone”は取材の時点ではまだ配信されていなくて聴けていないけど、どんな感じになってるの？

MATZ　アイちゃんは今ここに存在していても、次元が違うので、同じ次元で直接会うことはできないじゃないですか。僕の場合はその「切なさ」「儚さ」や、「今の技術を集約した細かいニュアンスや、喜怒哀楽が出せる存在でもある」ということを意識して、曲を考えました。それで、「発展した技術が生み出す繊細な表現」を意識して、曲を作っていったんです。

——MATZさんの“hello, alone”は、タイトルにデビュー曲の“Hello, Morning”との繋がりを感じますし、そのうえでちょっと切ない感情や、キズナアイちゃんのこれからへの気持ちのようなものが伝わるような楽曲になっていますね。

MATZ　実際にボーカル面では、キズナアイさんに細かい感情を表現するように歌ってもらいました。歌詞はアイちゃんがバーチャルYouTuberを引っ張ってやっていくぞ、という気持ちが感じられるものになっていて、その思いの込めかたもらしさがすごくあって。実は僕もタイトルが“hello, alone”に決まったときに“Hello, Morning”との繋がりを感じて、ここから「Hello」シリーズが「２部作」「３部作」と増えていってくれたらな、と勝手に思っていました。歌ってもらうとき、キーがいつもより高いので「大丈夫かな？」と思っていたんですけど、それも見事に歌い上げてくれて。歌手としてのポテンシャルがすごく高いと思いました。

——TeddyLoidさん、MATZさんの楽曲はそれぞれ、キズナアイの新しい表情が見えるような楽曲になっている印象ですね。

MATZ　僕たちの場合、もともとフューチャーベースではない、「128～130ぐらいのEDMを作ってほしい」という発注を受けていたんです。実際に一緒に曲を作らせてもらって、「こういうトラックに歌が乗ることで、また違った個性が出ているなぁ」と思いました。

TeddyLoid　いい意味で、「僕らもフューチャーベース勢に負けたくない！」とも思っていましたね。

——一緒に曲を作った人たちから見て、キズナアイちゃんのアーティストとしての魅力はどんなところにあると思いますか？

MATZ　もう、魅力がありまくりですよ。

TeddyLoid　本当にそうだよね。僕が特に思ったのは、やっぱり「声がいい」ということですね。僕はオートチューンマニアなんで、「オートチューンがかかっている声じゃないと駄目」みたいなところがあるんですけど（笑）。キズナアイちゃんの声はそのままでもすごく心地いんです。曲を作っているときは声を何百回も聴くんですけど、その作業も心地よくて。

MATZ　キズナアイさんの声って、ずっと聴いていても全然疲れないですよね。僕も曲を作るときは何回も繰り返し声を聴くんですけど、聴くたびに元気になっていく感覚でした。

TeddyLoid　その声のよさというのが、バーチャルYouTuberとしての活躍にも繋がっているように感じます。だから、他にも色んな曲ができそう。バラードを歌ってもらっても合いそうですし。

MATZ　聴きたいですよね。そもそも、アイちゃんはシンガーとしてもピッチがめちゃくちゃいいんですよ。

TeddyLoid　そうそう。それに、僕らが考えたメロディを、自分で考えた歌詞と一緒にいい形で表現してくれていて、お互いのポテンシャルを引き出し合えたような作業でした。

MATZ　最初のオーダーとして、「ループを主体にした洋楽ポップスっぽい曲にしてほしい」とも言われたんですけど、キズナアイさんは同じループの中でも色々な歌い方ができるので、繰り返すことに意味がある、ちゃんと曲のメッセージが伝わるような曲になったと思います。

——歌詞を自分でも考えている、というのも大きな魅力ですよね。

TeddyLoid　自分で思いを発信しているんですよね。

MATZ　詞から思いが伝わってきたので、僕らがプロデュースするというよりも、むしろ一緒にコラボレーションをしているような感覚でした。

——制作中、特に印象に残っていることはありますか？

TeddyLoid　“melty world”では《Put your hands up now》というパートの声のバリエーションをたくさん録らせてもらったので、それを思いきり切り刻んで、新しいフレーズにしていったことが楽しかったです。

MATZ　“melty world”は曲調もメロディも、聴いたときに一発でTeddyさんだと分かる感じになっていて、「やっぱり流石だな」と思いました。

TeddyLoid　嬉しい。そのまま声を乗せるだけじゃなく、色々エディットしてみたんです。

MATZ

TeddyLoid　それもう、ただのファンだよね（笑）。

MATZ　「ええなぁ」って（笑）。だから、やっぱりすごくいい声だと思うんですよ。

TeddyLoid　アイディアが湧き出る声というか。そういう魅力がありますよね。

——MATZさんは制作中、煮詰まったときにアイちゃんの動画を観たりもしたそうですね。

MATZ　はい。トラックメイカーの人はやる人が多いと思うんですけど、僕は作業が煮詰まったときに、YouTubeで音楽とは関係ない動画を観たりするんですよ。

TeddyLoid　それは僕も分かる。でも、キズナアイちゃんの曲を作っているときに、キズナアイちゃんの動画を観るって……なんか贅沢だね。

MATZ　それで叱咤激励された気持ちになって、「さぁ頑張ろう！」と作業を進めていきました。「スナック愛」を観るのは終わってからです。ダレちゃうんで（笑）。

——12月29日（土）と30日（日）には、それぞれ東京と大阪で初のワンマンライブ＜Kizuna AI 1st Live “hello, world”＞も開催されますね。

MATZ　僕が東京公演に出て、Teddyさんが大阪公演に出るんですよね。

——当日はどんなことを楽しみにしていますか？

TeddyLoid　まだどんな内容になるかは分からないですけど、“melty world”は曲を作っている時点でも、＜ULTRA＞やフェスでの自分のDJのときにかけて、キズナアイちゃんが乗り込んできたら楽しそうだな、と思っていたんですよ。だから、ライブはすごく楽しみです。

MATZ　僕もTeddyさんと同じようにスタジアムでやるような雰囲気を想像して曲を作っていたので、当日がすごく楽しみです。

TeddyLoid　東京と大阪で、それぞれ盛り上げられたら嬉しいですね。

——またキズナアイとコラボレーションできるとしたら、やってみたいことは？

TeddyLoid　今回は僕が曲を作って、MATZが曲を作ってという感じでしたけど、次は曲作りの段階から、自分とMATZと２人で曲を作っても面白そうですね。最近は海外だと、ひとつの曲に複数のプロデューサーがかかわるコライトが一般的になっていますし。

MATZ　今はほとんどその形ですよね。それは面白そう！　あとは最近、ダンス・ミュージックを作っている人でも、「バーチャル空間に行きたい」「自分もバーチャルYouTuberになりたい」と言っている人が多くて。だから、僕らがバーチャル空間に行って、リアルタイムで曲を作っても楽しそうです。

TeddyLoid　それも面白そう。さらにイケメンになるわけだ、バーチャル空間では。

MATZ　　どういうことですか（笑）。

TeddyLoid　（笑）。あとは、「feat. HIKAKINくん」での親分コラボで曲を作ってみたいですね。やっぱり「W親分コラボ」で！

——2018年はバーチャルYouTuberが広く認知されはじめた年になったと思います。これから、バーチャルYouTuberのみなさんにはどんな活躍を期待していますか？

TeddyLoid　今回キズナアイちゃんがミュージシャンと一緒に曲を作れたことがすごく楽しかったですけど、音楽以外だと俳優や女優になれる可能性もありますよね。実際、僕はバーチャルYouTuberのみなさんが映画やドラマにも出てくれるようになると思っているので、そのときには主題歌を担当させてもらえたらいいな、と勝手に思ったりしています。

MATZ　女優や俳優業、すごく面白そうですね。表情もすごく伝わりますし。めっちゃ観たい。

TeddyLoid　学校の授業でキズナアイちゃんが出てきてくれたら、すごくいいと思うんですよ。学生の人たちには彼女のファンもすごく多いだろうし、みんな喜びそう。

MATZ　寝てたら怒られるわけですね（笑）。

TeddyLoid　そうそう。チョークが飛んでくる。

——次元を超えてチョークが飛んでくる、と（笑）。

TeddyLoid　可能性は無限大ですよね。

——これからますます身近な存在になってくれたら、とても楽しくなりそうですね。

TeddyLoid　本当にそうですね。

——2人が思うキズナアイちゃんの魅力とは、どういうものだと思いますか？

TeddyLoid　やっぱりそれは、何を言っても、何を話しても、人の心を掴んでしまうところなんだと思います。一緒に曲を作らせてもらっていても、動画を観ていても、僕自身すごくそういう魅力を感じます。

MATZ　見た目も最新の技術が集結したものになっていてすごいですけど、それだけじゃなくて、中身もバーチャルYouTuberを代表できる人なんだと思います。Teddyさんも言うように、人を惹きつける力がすごいというか。そういう魅力を持っている人ですよね。バーチャルYouTuberの代表として、これからも突き進んでいってもらいたいです。

TeddyLoid　彼女を中心に、どんどんバーチャルYouTuberの輪を広げていってほしいです。そしていつか、バーチャルYouTuber全体のテーマソングが生まれても楽しそう。バーチャルYouTuberの合唱曲というか（笑）。

——“We Are the World”のようなイメージですか？

MATZ　バーチャルYouTuberだけの“We Are the World”！　それ、すごく聴いてみたいです（笑）。