3人組ガールズ・ユニット、DEVIL NO IDがTVアニメ『バキ』2クールエンディング・テーマとして使用されている最新シングル『BEAUTIFUL BEAST』をリリース。今回DEVIL NO IDのヴィジュアル面、世界観をプロデュースするクリエイティブチームのメンバー、POPCONEの渡辺想介、イラストレーターのうとまる、構成作家の結城紫雄の3人にDEVIL NO IDという未曽有の可能性を秘めたプロジェクトについて語っていただいた。
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Interview：結城紫雄×うとまる×渡辺想介（THINKR / POPCONE）
——まず自己紹介をお願いします。
うとまる イラストレーターのうとまるです。
結城 DNIマンガプロジェクトの構成作家を担当しています結城紫雄です。
渡辺 「THINKR / POPCONE」の渡辺想介です。
——DEVIL NO ID のヴィジュアルに関するコンセプトはみなさんが担当されていると思いますが、それぞれどのような役割なのでしょうか？
渡辺 うとまるさんのイラストを軸にして、DEVIL NO IDさんのヴィジュアル面や世界観のアプトプットをサポートするのが僕たちのミッションになります。「POPCONE」というのは母体であるTHINKRという会社の1ユニットのような感じでアートディレクターが考えるイメージを現場で具現化させる役割になります。
——THINKR、POPCONEがDEVIL NO IDに関わるきっかけはどういう感じだったんですか？
山田（VAP担当ディレクター） 数々の尖った企画を生み出してきたTHINKRさんと組めば、面白い展開ができるという確信がありました。最初はジャケットのアートワークだけを依頼するつもりだったんですが、実はその段階ではヴィジュアルのコンセプトやイメージについてはまったく白紙の状態で。そんな中で、THINKRさんが「がっつり組んでやりましょうか」と言ってくださって。ある意味では、丸投げというか、ゼロからのご相談で。
渡辺 ゼロと言ってもまったくゼロではなくて、山田さんからいくつかヒントいうか、キーワードのようなものは頂いていたんです。「世紀末観」とか「サイバーパンク」とか。
——先ほど渡辺さんが言っていたように、DEVIL NO IDのヴィジュアルの核になっているのは、うとまるさんのイラストだと思いますが、うとまるさんはどのようにしてこのテイストというか、世界観を作り上げたのですか？
うとまる もともとSFやサイバーパンクの映画とか小説が好きなので、最初の着想というか、をイメージはしやすかったです。あとは彼女たちの個性や音楽に合わせて具体的にディティールを作りこんでいくという流れでした。
——ディティールを構築していくうえで意識したことはどんなことですか？
うとまる 大前提として主役はメンバーの3人なので、3人の魅力が最大限に引き出されるようなものであることを意識しました。とにかく激しいダンスが特徴的で、音楽的にもダンス・ミュージック的なアプローチをしていたので、かわいいという感じよりも、アグレッシヴで尖った感じが似合うのかなと、方向性は決めやすかったです。
——その時にもうデビュー・シングルの“EVE -革命前夜-”のサウンドはできていたんですか？
うとまる できていました。なので、サウンドからも大いにインスピレーションを得ています。あとスタジオで3人が踊っている動画とかも見せて頂いて、「おおー。めちゃめちゃ動ける」って（笑）。
【MV】 DEVIL NO ID "EVE -革命前夜-"(Full ver.)
https://youtu.be/yP_KoPOnhjk
——イメージをイラストに落とし込んでいく中で、具体的に参考にしたり、モチーフにした作品などはありますか？
うとまる アートディレクターから『ブレードランナー』みたいなイメージが挙がったのですが、実は『ブレードランナー』って実際は色味とかも抑えられていて、そんなにカラフルではないんですよね。DEVIL NO IDに関しては、当初からヴィヴィットでカラフルな色彩というイメージがあったので、『ブレードランナー』の中の奇抜なファッションだったり、ネオンだったり、パーツとして使えそうなものをポイント、ポイントで引っ張ってきて、落とし込みました。結果、あんまり『ブレードランナー』っぽくならなかったけどポップでいい感じに出来たと思います（笑）。
BD【予告編】『ブレードランナー ファイナル・カット』9.20リリース HD
——衣装やスタイリングもうとまるさんが手がけているんですよね？
うとまる そうですね。衣装については経験がほとんどないので、自分の中でも楽しみつつ実験しながら、制作しています。イラストを描く延長で衣装のデザインをしているので、一般的な服飾のデザイナーさんのアプローチとは全然違うのかもしれない。それが服のデザインとして整合性のあるものかどうかというポイントはまったく欠落していて、本当にイラストを描く手法、発想の延長で作っています。
——だからこそ、斬新なものになったということでもありますよね。
渡辺 まさにその通りだと思います。多くの場合は、スタイリストさんが衣装を作り、それを撮影して、イラストなりマンガなり二次元の世界に落とし込むという順番が多いと思うんですけど、DEVIL NO IDに関してはまったく逆。まずうとまるさんがイラストでおこし、それをスタイリストさんが作るという流れなので、二次元からリアルという順番なんです。実現の可、不可能は置いておいて（笑）。
——面白いアプローチですね。
渡辺 そうしたアプローチをとることで、スタイリストさんには思いつかないような独創的なアイディアが生まれたり、一線を越えたものが生まれるかもしれない。アートディレクターにはそういう意図があったと思います。結果として、非常に独創的でうとまるさんにしか作りえない衣装が生まれたと思います。
——マンガプロジェクトについてもお話をきかせてください。作画をうとまるさん、そして構成作家として結城さんを迎え、「おまけ」を超えた、かなり高いクオリティのものを作られていると思います。しかも作品ごとに連載形式になっているという。マンガジャケやブックレットに掲載されているレベルのものはこれまでもあったと思いますが、ここまでやっているのはあまり前例がないと思います。これはどういう意図、戦略からだったんでしょうか？
渡辺 うとまるさんに「僕ら(POPCONE)、マンガを作りたいんですよね」という話をしていた同タイミングにDEVIL NO IDさんと出会いまして。その中でリアルのDEVIL NO IDとはまた別の設定の空間でのDEVIL NO IDをマンガで表現しようという企画を思い切って提案させていただいたところ、山田さんに快諾していただきました。いま第三話まで作っているんですけれど、結城さんにはマンガプロジェクト内の構成作家としてストーリーの部分を担当して頂いています。絵の部分はすべてうとまるさんが描いていますが、ストーリーに関しては専門の人にお願いしたいなと思い、マンガプロジェクトのブレーンとしてアサインさせて頂きました。
——そうした断片的なヒント、イメージからどのようにストーリーや設定を作り出していくんですか？
結城 メンバーが沖縄出身で、ユニット名がDEVIL NO IDということなんですけど、実は沖縄と悪魔って非常に相性がいいことに気が付いたんです。そこが見えてからは、わりととんとん拍子で進んでいった気がします。『EVE -革命前夜-』のうとまるさんのイラストにヤギが描かれていて、それが大きなヒントになったと思います。
うとまる バフォメットですね。
結城 そうそう。で、沖縄は日本ではあまり多くはないと思うんですが、ヤギを食べたり、ヤギが生活と密接に関わっている土地なんです。つまり、悪魔信仰と沖縄にはヤギという共通点があって。あと日本各地に妖怪の話ってあると思うんですけれど、沖縄の妖怪は本州のものとはちょっと違っていたりするんです。ぱっと読んですぐに沖縄観って伝わらないかと思うんですけど、根底には沖縄的なものを注入しているんです。
山田 すごいと思うのは、漫画はリアルなメンバーのキャラクターや性格もちゃんと反映されたものになっているんです。最近はメンバーが漫画のキャラクターに合わせてきているような気さえします（笑）。
結城 だははは、嬉しいです。
うとまる
日米のポップカルチャーの影響を色濃く受けたキャラクター造形と色彩表現が特徴の作家。 CDジャケット、MV、雑誌への作品提供から、キャラクターデザイン、コスチューム原案、漫画制作、プロダクト開発など幅広く活動中。 アメコミを彷彿とさせるポップなイラストレーションで、ポップカルチャーシーンで活躍するアーティストへのアートワーク提供も行なう。 クリエイティブチーム《POPCONE》所属。POPCONE
POPCONE【ポップコーン】は、ポップカルチャーの領域でビジュアルを「武器」に 表現するクリエイティブチームです。苦心惨憺の思いで産み落とされた作品にキレイな衣装を着せるだけでなく、作品をPOP(ポピュラー)なものにするためにCONE(尖らせる)させ、それ自体が「知的財産」になり得る、結果を出すアウトプッ トを行います。音楽、WEB、映像、出版、広告などポップカルチャーに関わるすべてをプロデュースする制作部門の《POPCONE FACTORY》。うとまる、菱沼彩子、ちゃもーい、loundrawらのマネジメント、自社オリジナルキャラクター版権の管理、運用をおこなう《POPCONE RIGHTS》のチームユニットを有する、ポップカルチャーの進化に一助となるクリエイティブチームです。結城紫雄
1987年生まれ福岡県出身、東京都在住。校閲事務所勤務の傍ら雑誌・WEBメディアへの寄稿、漫画・ドラマ脚本を手がける“週末作家”。2015年、SSFF＆ASIA主催の文学賞「ブックショートアワード」第1回大賞受賞。RELEASE INFORMATION
BEAUTIFUL BEAST
2018.10.10（水）
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詳細はこちら
text by 加藤直宏 photo by 山本春花
© Qetic Inc.
]]>「音楽フェスティバル × アートミュージアム」を融合させた、ラムブランド・BACARDI（バカルディ）による世界初のプロジェクト＜Over The Border＞。スウィズ・ビーツ（Swizz Beatz）が推し進めWiz Khalifa、 Alicia Keys、Pusha T、A-Trak、DMX、A$AP Rocky、Young Thug、Q-Tipらが出演した海外事例＜NO COMMISSION＞などからバカルディの音楽とアートとの関わりを紐解き、その上でTOKiMONSTA やSOFI TUKKER、和田永（Open Reel Ensemble）によるプロジェクト、Braun Tube Jazz Ban、Anna Strake、WONKらが出演した＜Over The Border＞を振り返る。
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画期的プロジェクト＜NO COMMISSION＞とは
バカルディが展開する新たな取り組み＜NO COMMISSION＞は2015年にBACARDIのCCC（Chief Creative for Culture）に就任したスウィズ・ビーツが中核となって押し進めているプロジェクトで、アーティストが作品を宣伝し、販売するための“プラットフォーム”のようなもの。と、ここまでなら珍しくもないのだが、なんとこのプロジェクトによる売り上げは100パーセント、アーティストに還元されるというスキームになっている。一般的なギャラリーのように中間マージンを抜かれることがない。スウィズ・ビーツは言う。「100%アーティストのためのアートフェアを開いたらどうだろう？ と思ったんだ。世の展示会はギャラリー、コレクター、そして展示会が甘い汁を吸って、アーティストはせいぜい帰りの電車賃がもらえる程度なのさ」（引用元：CITIZENS of HUMANITY）
Swizz Beatz - It's Me Snitches
この画期的なプロジェクトは、世界最大手の非上場スピリッツ・メーカーがありきたりの広告展開に愛想をつかし、ミレニアル世代を取り込むための野心的な戦略に踏み切ったというだけではなく、音楽やアートのフィールドにも大きな影響を与える可能性を秘めているという点で、非常に興味深い。＜NO COMMISSION＞は、スタートしてから18ヶ月ですでに3億円程の売り上げを達成しており、推測ではこれが２倍になると目されている。
まず＜NO COMMISSION＞を説明するうえで注目したいのは、2015年にBACARDIのCCCに就任したスウィズ・ビーツことカシーム・ディーンの存在だ。スウィズ・ビーツと言えば、1990年代後半から、DMX、Eveらが所属するラフ・ライダーズ専属のプロデューサーとして多数のヒット曲を手掛け、ホイットニー・ヒューストン、グウェン・ステファニー、ジェイ・Ｚ、ドレイク、ケンドリック・ラマ―、さらには彼の妻であるアリシア・キーズからも称賛されるスーパー・プロデューサーである。（出典元：CITIZENS of HUMANITY）
Alicia Keys - Blended Family (What You Do For Love) ft. A$AP Rocky
そんな彼がいま本腰を入れて取り組んでいるのが、＜NO COMMISSION＞というわけだ。スウィズは業界への圧倒的なコネクションとこれまでに数々の逸材を手掛けてきた天性の嗅覚とプロデュース能力で、アートのマーケットにも刺激を与えようとしている。
さらに翌年、2016年にはスウィズは地元サウス・ブロンクスでも「No Commission Art Performs」を成功させる。これは4日間の無料イベントとして、ライヴ、アートの展示、インスタレーションなどがおこなわれ、Wiz Khalifa、 Alicia Keys、Pusha T、A-Trak、DMX、A$AP Rocky、Young Thug、Q-Tipらが出演した。スウィズ・ビーツ・パワー全開といった豪華な顔ぶれだ。
Insider Access | No Commission: Art Performs
「参加した98%のアーティストが作品を販売することができ、購入者の70%がアート作品を初めて買った」のだとスウィズは振り返る。アートを購入するという行為は、我々にとってまだ決して身近なものとは言い難い。しかしこうしたプロジェクトがきっかけになり、CDやレコードを購入するように我々にとって気軽なものになれば、それは大きな意識の変化と言えるかもしれない。同じ記事の中でスウィズはこうも言っている。「グラミー賞なんてどうでもいい。テーブルの上に置いて行ってもいいようなもの。そんなものはこれからなんにもならないし一瞬の偶像だよ。だけど、みんなに何かを与え続けるものを作る事が出来れば、それは本当の喜びだ」。（引用元：CITIZENS of HUMANITY）
「創業当時からバカルディ家は芸術と音楽に強い関心を持っていました。例えば1930年代、つまりアメリカの禁酒法の時代は多くのアメリカ人がラムを求めてキューバにやってきました。バカルディ家は、所有していたいくつかの建物にブラジルのアーティスト、フランシス・ブレナンデやキューバのアーティスト、フェリックス・ラモスから委託された作品を飾り、パーティをおこなったのです。そこは作品を広める場でもあり、作品を販売する場にもなりました。私たちはそのDNAを受け継いでいるのです」と語るのは、バカルディ社のhead of creative excellenceを務めるZara Mirza。
「ブランドがアートや音楽とリンクするのは今さら珍しいことではありません。が、＜NO COMMISSION＞はそうしたものとは少し異なります。我々の狙いは、幅広くグローバルなアーティストたちの作品を展示し、作品を販売し、彼らに100％の資金を還元できる持続可能なプラットフォームを提供すること。＜NO COMMISSION＞はアーティストによるアーティストのためのもの。そして人々のためのものです。展示スペースは無料で、アーティストたちは作品の100%の売り上げを確保できます。展示会場への入場も無料です。そして魅力的な作品や音楽パフォーマンスが伝統的なアートのマーケットを刺激し、ユニークで文化的な経験を来場者たちのために作り上げるのです」とZara Mirzaは続ける。スウィズ・ビーツとZara Mirzaのコンビは、マイアミ、サウス・ブロンクスに続き、Blood OrangeやLady Leshurr、Emile Sandeらがパフォーマンスを披露したロンドンをはじめ、上海、ベルリンでも＜NO COMMISSION＞を開催し、成功へと導いた。
Swizz Beatz and The Dean Collection Bring No Commission to London
なお、バカルディの海外での取り組みは＜NO COMMISSION＞に留まらない。ブランドのイメージを担う広告塔的存在としてメジャー・レーザーを大々的にフィーチャーし、パートナーシップを結び「The Sound of Rum」というプロジェクトを進めている。なんとメジャー・レーザーによるリミテッド・リカーまで発売している。Bacardi - The Sound of Rum, feat. Major Lazer ("Run up" - upcoming single)
BACARDI Presents: Music Liberates Music
アメリカ合衆国テネシー州にて開催されている野外ロックフェスティバル＜bonnaroo music festival＞では、＜THE OASIS: MIXED BY BACARDÍ＞というステージをビーチで開催。バカルディとパートナーシップを結び「The Sound of Rum」というプロジェクト進めるMajor Lazerの他、Cherubらが出演し、Chance The Rapperは同ステージでバレーボールをプレイした。
次ページ日本独自のプロジェクト、＜Over The Border＞を振り返る
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]]>＜Ultra Music Festival＞が母体のモンスター・フェスティバル＜ULTRA JAPAN＞。世界最大級の都市型ダンス・フェスとして、本国アメリカ・マイアミをはじめシンガポール、韓国などでも開催されている。2017年はSteve Angello（スティーヴ・アンジェロ）、Nicky Romero（ニッキー・ロメロ）、The Chainsmokers（ザ・チェインスモーカーズ）、Hardwell（ハードウェル）、Steve Aoki（スティーヴ・アオキ）、Kygo（カイゴ）といった世界TOPレベルのDJ、Underworld（アンダーワールド）、Crossfaith、MIYAVI、ちゃんみな、水曜日のカンパネラなどEDMのイメージを脱却した豪華ラインナップ。
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2017年はLive stageが登場し、間違いなく過去最強のラインナップ！
年々、前年を凌ぐ進化を遂げてきた＜ULTRA JAPAN＞。4年目を迎える2017年に関しては、すでに第2弾出演者発表まで行われているが、現時点ですでに過去最強といっても過言ではない強力な出演者たちがラインナップされている。 世界のトップDJが集う「ULTRA MAIN STAGE」にはAlesso（アレッソ）、Steve Angello（スティーヴ・アンジェロ）、Nicky Romero（ニッキー・ロメロ）、The Chainsmokers（ザ・チェインスモーカーズ）、Hardwell（ハードウェル）、KNIFE PARTY（ナイフ・パーティー）、Tiësto（ティエスト）、Steve Aoki（スティーヴ・アオキ）、Kygo（カイゴ）といった世界トップクラスのDJ、さらに今年から新設された「LIVE STAGE」にはUnderworld（アンダーワールド）、Pendulum（ペンデュラム）、Empire of the Sun（エンパイア・オブ・ザ・サン）といった屈指のダンス・アクトたちに加え、国内からCrossfaith、MIYAVI、ちゃんみな、水曜日のカンパネラといったバラエティ豊かなアクトたちも名を連ねている。The Chainsmokers - Live @ Ultra Music Festival 2016
Steve Angello - Ultra Music Festival 2015 [Full Set]
Nicky Romero - Ultra Music Festival Miami 2017
さらに「RESISTANCE」ステージにはSasha＆John Digweed（サシャ＆ジョン・ディグウィード）、Carl Cox（カール・コックス）、Seth Troxler（セス・トロックスラー）などの実力派のベテラン勢に加え、日本のテクノ・シーンを牽引してきたTakkyu Ishino、KEN ISHII、Fumiya Tanakaの3人のレジェンドの名前が並んでいるなど、このステージもヘッドライナー級が名を連ねているという、圧巻の豪華さ。間違いなく過去最強のラインナップ！脱EDM！ ＜ULTRA JAPAN＞はもはやEDMの祭典ではない！
Crossfaith、MIYAVI、ちゃんみな、水曜日のカンパネラをはじめ、2017年は実にバラエティ豊かな出演者たちがラインナップされているのも大きな特徴。 前述した本拠地マイアミの＜UMF＞がそうであるように、＜ULTRA JAPAN＞もEDMの祭典的なイメージを脱却し（もともとEDM中心のフェスではないのだが、そのようなイメージを持つ人も少なくない）、メジャーからアンダーグラウンドまで、また音楽性も実に様々なフィールドをカヴァーしている。 「ULTRA PARK STAGE」ではDJ BAKU、DJ YOGURT、okadada、Monkey Timersといったアンダーグラウンドの実力派たちのプレイも体験することができるので、ぜひお楽しみに。Crossfaith - 'Freedom (ft. Rou Reynolds from Enter Shikari)' Official Music Video
MIYAVI - The Others
ちゃんみな(CHANMINA) - LADY (Official Music Video) [YouTube Ver.]
水曜日のカンパネラ『メロス』
「都市型フェス」ならではの来場者のファッションにも注目！
山など自然のど真ん中で開催されるタイプの野外フェスとは異なり、悪天候や防寒を気にせず、自由にファッションを楽しめるのも「都市型フェス」の魅力のひとつ。モデルやファッション関係者の参加も多く、毎年、様々なトレンドを生み出している本拠地マイアミの＜UMF＞では、宇宙を彷彿とさせるスペーシーなスタイルが目立っていたとのこと。東京ではどんなスタイルがトレンドになるのか？ ぜひあなた自身も楽しみながら、参加していただきたい。
＜ULTRA JAPAN＞での消費カロリーは？
＜ULTRA JAPAN＞で万歩計をつけ、一日の運動量（移動距離）を調査したところ、次のような結果が得られたとのこと。 ・多い人 32,054歩 1,800キロカロリー消費 ※距離に換算すると23.7キロ ・少ない人 19,383歩 1,300キロカロリー消費 思いっきり遊べば遊ぶほど、ダイエット的な効果も期待できそうだ！
次ページそもそも、＜ULTRA JAPAN＞とは？その歴史と魅力に迫る！
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]]>対談インタビュー後編。前回はSTUTSが選曲をしましたが、今回は同じ「旅で聴きたい曲」というテーマでAlfred Beach Sandalが選曲。また2人で旅したLAの思い出話や、7月16日のワンマンライブについて意気込みを語ってくれています。
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Interview：ABS+STUTS
Alfred Beach Sandal“人と関わっている時間が旅でいちばん楽しい瞬間”
——今回のプレイリストは「旅で聴きたい曲」がテーマになっています。ちなみにおふたりにとって、最高の旅ってどこに行った時ですか？ STUTS 実は先週までAlfred Beach Sandal（以降、ビーサン）さんと一緒にLAに行ったんです。一週間滞在して、今までにない体験をいっぱいしたので、非常に楽しい旅でした。 ——なぜLAに？ STUTS ＜LOW END THEORY＞というイベントに呼んでもらって、ビーサンさんと一緒にライブをやったり、ラジオに出演させてもらったり、あと“Horizon”という曲のミュージックビデオの撮影もしてきました。 ——濃厚な旅ですね。＜LOW END THEORY＞でのライブはどうでしたか？ STUTS 楽しかったです。本当に音楽が好きなお客さんが集まっているという感じで。必要以上にインスタを撮ったりしないというか。 Alfred Beach Sandal いい雰囲気だったよね。 ——Alfred Beach Sandalさんにとっての最高の旅は？ Alfred Beach Sandal この前のアメリカも楽しかったですけど、知らないところに行くのはわりといつも楽しいですね。ライブをやりにいった場所でいうと、沖縄は好きです。本島の中でも北と南の雰囲気の違いも面白いですし、あとは人ですね。沖縄の人の感じが好きです。でもそれは沖縄に限ったことではなくて、どこに行っても人と関わっている時間が旅でいちばん楽しい瞬間かもしれないです。 ——ちなみにおふたりはプレイリストって普段から作ったりしますか？ STUTS どこかにドライヴに行ったりとか、何かきっかけがあれば、そのために作ることはあります。ずっと同じものを聴くということはなくて、その時の気分で編集して、次の時はまたその時の気分で作る感じです。 Alfred Beach Sandal 僕は全然作ったことないです。アルバム単位で聴くので。だからどこかに行くときにも、CDごとポータブルのCDプレーヤーと一緒に持っていきます。 ——では、プレイリストの紹介にいきましょう。後編はAlfred Beach Sandalさんのリストです。1曲目はBeckの『Mutations』（1998年）に収録の“O Maria”ですね。 Alfred Beach Sandal 自分が旅している時に聴きたい曲って、アッパーな曲よりも、淡々として、質感も乾いていて、どこかもの寂しさがあるくらいのほうがいいなって思うんです。Beckのこの曲もそうだし、次のMilton Nascimentoの“Tudo o que voce podia ser”も、そういう感じで選びました。 ——Beckの『Mutations』は表題がブラジルのサイケデリック・ロック・バンド、Os Mutantes（ムタンチス）に由来していたり、“Tropicalia”なんて曲もあったり、ブラジル音楽から影響を受けつつ、フォークやブルースを融合させたアルバムで、乾いた土地をフラフラと彷徨うような独特の旅情がありますね。 Alfred Beach Sandal はい。旅でブチ上りたくないので、このくらいの感じが自分には合っている。『Mutations』は大好きなアルバムでよく聴きますね。いい感じの地味さが気に入っています。 Beck – “O Maria(Album Version)” ——そしてMilton Nascimentoの“Tudo o que voce podia ser”。文句なしにかっこいい曲ですね。 Alfred Beach Sandal この曲も大好きだし、この曲が収録されているアルバム『Clube Da Esquina（街角クラブ）』（1972年）も大好きです。儚さや哀愁があるけれど、ベタっとしていないというか、その絶妙な質感や温度感のようなものが心地いいし、日本で暮らす自分にとっては、何か旅情めいたものも感じます。 ——この時代のブラジル音楽には好きなものがたくさんあるんじゃないかと思いますが、今回この曲を選んだ理由は？ Alfred Beach Sandal アルバムにはもっと淡々とした曲もあるんですけど、この曲には、ちょっとしたノリのいい感じというか、疾走感のようなものがあって、その絶妙なバランスですかね。 a href="http://mysound.jp/song/939303/" class="btn" target="_blank">Milton Nasciment – “Tudo o que voce podia ser”
ABSとSTUTSが選ぶ“旅で聴きたい”曲を残りの曲もチェック！
続きをmysoundで読む！text＆interview by 加藤直宏 photo by Mayuko Yamaguchi
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]]>対談インタビュー前編。Alfred Beach SandalとSTUTSが登場！共作アルバム『ABS+STUTS』をリリースした彼らが「旅で聴きたい曲」というテーマでプレイリストを制作しました。アルバムと共にプレイリストを聴けば、より旅も楽しくなるはずです。
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Interview：ABS+STUTS
STUTS“移動が本作のテーマになっている”
——おふたりの作品上の出会いは2015年の“Soulfood”（Alfred Beach Sandal『Honeymoon』収録）が最初で、その後、作品はもちろん、ライブでも幾度となく共演してきましたが、最初の出会いはどういうものだったのですか？ Alfred Beach Sandal “Soulfood”を発表する前の年くらいに、イベントで知り合って、話したり、遊んだりするようになったのがはじまりだと思います。STUTSのライブがすごくかっこよかったので。で、仲良くなって、一緒に家でセッションするようになって、ノリも合うし、一緒にやったら面白いものができそうだなて。そんな遊びのセッションの延長からで生まれたのが“Soulfood”です。 ——STUTSさんはAlfred Beach Sandalさんにどういう印象をお持ちでしたか？ STUTS まず心に刺さる声だなっていうのが第一印象。あと声はポップなんだけど、音楽性がとてもマニアックなところを攻めていので、そのバランス感覚が面白いなと思っていました。変拍子を使ったり、展開も普通じゃないと思うんですけど、でも最終的にはポップなものに仕上がっているというか。 ——逆にAlfred Beach Sandalから見たSTUTSさんの面白さ、独自性ってどんなところでしょうか？ Alfred Beach Sandal ただのビートメーカーというより、演奏する人というか、プレーヤーっぽい感覚があるのが面白いです。あとバックボーンは思いっきりヒップホップだと思うんですけど、他にもポップなものだったり、とても幅広いセンスを持っているところですね。 ——同世代的な感覚だったり、音楽性だったり、お互いに共通していると感じるところはどういうところですか？ STUTS グルーヴの感覚だと思います。 Alfred Beach Sandal そうだね。そこはもはや言葉がなくても通じる。最初から合っているから、話す必要もないというか。 ——好きなジャンルやアーティストとかも共通しているんですか？ Alfred Beach Sandal いやたぶん一部だと思います。A Tribe Called Quest、D'Angelo、Jay Dee、あと最近だとThundercatの新譜とかは共通して好きだけど、あとは結構それぞれかな。 STUTS そうですね。あとソウルやファンクだと共通する部分がありますけど、ジャズだとまったく好みが違うと思います（笑）。 Alfred Beach Sandal そうだね（笑）。 ——新作『ABS+STUTS』を聴かせていただいて、ある日のはじまりから終わりというか、最初から最後までがひとつの流れになっているというか、そんな印象を受けたのですが、テーマのようなものはあったんでしょうか？ Alfred Beach Sandal まさにそうなんですけど、作ってる途中でそういう話になりました。なんかそういう感じっぽいねって（笑）。 STUTS あと結果的にですけど、「移動」が本作のテーマになっているのかなという話はしました。 Alfred Beach Sandal そうだね。旅ほど大袈裟なものではなくて、もっとライトに、外に出かける感じというか。街を歩きながら景色が流れていく感じだったり。 ——制作はどういう感じでおこなっているんですか？ Alfred Beach Sandal 前半の３曲に関しては最初にSTUTSがビートを作って、そこに僕がメロディや歌詞を乗せていきました。構成なんかはふたりで話し合って決めていく感じです。 STUTS 後半はセッションで作りました。ビーサンさん（Alfred Beach Sandal）が弾いたギターをサンプリングして作ったり、もっとバンドっぽいアプローチで作りましたね。 Alfred Beach Sandal “Quiet Blue”という曲は、僕らのセッションしたトラックのデモにあわせて思い出野郎Aチームに演奏してもらって、それをSTUTSがさらにサンプリングして作っていったので、まさに後者のアプローチで作った曲ですね。 ——ふたりでやることの面白さってどういうところでしょうか？ STUTS やはりひとりでは絶対にできないアイディアやサウンドが生まれるところですね。ひとりでは絶対に『STUTS+ABS』は作れないと思います。いいものができたと思うので、ぜひ多くの人に聴いて貰えたら嬉しいです。STUTS“どこか知らない場所に移動しているというイメージ”
——さあ、ここでプレイリストについても触れていきたいと思います。おふたりが決めたテーマは「旅で聴きたい曲」ということですが、今回、どうしてこのテーマに？ Alfred Beach Sandal さっきSTUTSが言っていたように、今回のアルバムのムードがちょっと旅っぽいなと思っていたので、そこから連想しました。 ——なるほど。では、まずはSTUTSさんのリストからいきましょう。1曲目に選んでくださったのは、Bob Jamesの“Take Me to the Mardi Gras”ですね。 STUTS はい。ヒップホップのリスナーには、サンプリングの定番ネタとしても有名な曲です。あくまでフィーリングなんですけど、僕の中でこの曲には“どこか知らない場所に移動しているというイメージ”があって。旅をする時の気分にぴったりなんです。 ——ちなみに、山方面、海方面どちら方面の旅行に向いてそうでしょうか？ STUTS 僕的には山です（笑）。ゆっくり電車で。 Bob James – “夢のマルディ・グラ” ——次はNasの“Cherry Wine feat. Amy Winehouse”ですね。
ABSとSTUTSが選ぶ“旅で聴きたい”曲をチェック！
続きをmysoundで読む！text＆interview by 加藤直宏 photo by Mayuko Yamaguchi
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]]>＜RAINBOW 2000＞や＜METAMORPHOSE＞、＜FUJI ROCK FESTIVAL（フジロック）＞といった野外フェスの常連として知られる屈指のダンス・アクト、DUB SQUAD（ダブスクワッド）が16年ぶりとなるオリジナル・アルバム『MIRAGE（ミラージュ）』を発表。新曲5曲が収録されたDisc 1と、System7、砂原良徳、空間現代、DUB-Russell、ZANIOによる新曲のリミックスが収録されたDisc 2の2枚組でのリリース。メンバーの中西宏司、山本太郎、益子樹にインタビューを行った。
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Interview：DUB SQUAD
益子「その衝撃というか、衝動のようなもので何かやってみようというのがDUB SQUADのはじまり。」
——16年ぶりのニュー・アルバムですね（笑）。 益子樹（以下、益子） そうですね（笑）。 ——若い読者も多くいると思うので、改めてDUB SQUADとは何者なのか？ どのように結成されたのか、そこから振り返っていきたいと思います。 益子 はい。1992年にロンドンに行って、中西君も同じ時期にロンドンに行って、二人とも現地のクラブやレイヴ・パーティに大きな衝撃を受けたんです。その時の「すごいものを体験した」という共通の感覚があり、その衝撃というか、衝動のようなもので何かやってみようというのがDUB SQUADのはじまり。 ——なぜロンドンに？ 益子 ドイツに旅行に行く予定だったんですけど、その頃東京で遊びに行っていたパーティでカムラ・アツコさんという人に出会って。カムラさんはその頃ロンドンを拠点に活動していたフランク・チキンズという日本人女性２人組のグループのメンバーで、その昔、水玉消防団というバンドをやっていた方でもあるんですけれど、僕が「今度、ドイツに行くんです」という話をしたら、「だったらロンドンにも遊びにいらっしゃいよ」って話になって。それがきっかけでロンドンにも寄り、カムラさんに連れられてレイヴやクラブに遊びに行ったんです。 山本太郎（以下、山本） フランク・チキンズはイギリスでカラオケを流行らせたことでも知られていて、当時、ニュースとかで取り上げられたりもしていたよね。 益子 そうそう。カムラさんは僕らにとってかなりのキーパーソンなんですよ。実はカムラさんは僕がロンドンに遊びに行く前に、ROVOの勝井さんやDJ HIGO、DJ FORCEとか、何人かをロンドンに呼んでいて、彼らをレイヴに連れていっているんです。で、みんなそれぞれに衝撃を受けて帰ってきて、当時まだ日本になかったハードコア・テクノ、ブレイクビーツ・テクノのパーティをはじめるんです。そのひとつが＜WATER＞というパーティで、僕はそこでカムラさんと出会ったし、中西君もそこに遊びに来ていたひとりなんですよ。カムラさんがいなかったらROVOもDUB SQUADもなかったとも断言できます。
中西「DJもMCもお客さんも照明さんもスタッフもみんな同じ位置で、等価の立場であり、みんなでその“場”を作り上げているというように感じたんです。」
——益子さんと同じ時期に中西さんもロンドンに行っていたということですが、どういう部分に衝撃を受けましたか？ 中西宏司（以下、中西） 僕が知っているそれまでのライブって、ステージにいる誰かの演奏や歌を聴いて盛り上がるという図式のもので、別にそれに疑問を感じていたわけではなかったんですけれど、ロンドンで体験したレイヴやクラブ・パーティは、ある意味、ステージなんてどうでもよくて、DJもMCもお客さんも照明さんもスタッフもみんな同じ位置で、等価の立場であり、みんなでその“場”を作り上げているというように感じたんです。そこに新しい発見というか、驚きがあった。極端な話、DJに背を向けて踊ってもいいわけですよね。ああ、こういうことをバンドでやってみたいなって思って。だから初期のライブでは、ステージに上がらず、お客さんと同じ位置でやったりしていたよね。 益子 そうだね。単にステージに上がらないだけだと面白くないから、ステージにスクリーンを張って、自分たちで作った映像を流しながら、PAのほうで演奏をしたりということも試したね。でも実際にやってみると、お客さんはスクリーンの方を見ずに暗いこっち側（PA側）を向いてしまう。なかなか難しいなと（笑）。 ——当時はどんな場所でライブをおこなっていたんですか？ 益子 最初はライブ・ハウスでもやっていて、クラブだと大きめのパーティのチルアウト・スペースのような場所が多かったです。 中西 メイン・フロアはトランスのDJで、僕たちはサブのチルアウト・スペースみたいなね。メインはフロアライクなDJがやることが多かったけど、チルアウト・スペースでやるDJって自由度が高く、ジャンル的にもいろいろで、僕たちのようなライブ・アクトも出ることができた。 山本 僕たちが作っていたサウンドもそんなにフロア向けという感じではなかったし、その頃は踊らせるということもあまり意識していなかったしね。 ——ファースト・アルバム『Dub In Ambient』は文字通り、ダブであったり、アンビエントの要素の強い作品で、たしかにあのアルバムを聴くと、当時はダンスをそこまで意識的していなかったのかもしれないと思いました。 益子 あのタイトルは勝手に向こうのレーベルの人が付けたんだけどね（笑）。 ——そうだったんですか（笑）。でもアルバムのサウンドをわかりやすく表現しているようにも思います。 益子 当時、ブレイクビーツ・テクノのパーティに行って衝撃を受けたのは事実だけども、必ずしもそれをサウンドとして表現しようと考えたわけではないんです。むしろ3人でやってみたら、『Dub In Ambient』のようなものが出来上がったということなんです。 山本 ちなみにDUB SQUADという名前は、もともと中西君がやっていたバンドの名前で、レゲエやダブを打ち出したバンドだったんです。僕たちはそのバンドの名前を引き継いだんです。音楽性もメンバーも全然変わりましたけど。
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]]>父に明石家さんま、母に女優・大竹しのぶを持ちモデル、タレント、アーティストとして活躍するIMALUによる新プロジェクトLULU X（ルルエックス）が始動。ミニ・アルバム『Do I』からのリード曲“Where Are You Now”のMVを制作しKOHH 、Lick-G、般若らの作品も手掛ける気鋭のクリエイティヴ・プロダクション「Havit Art Studio」、MVに出演した吉村界人の鼎談。
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Interview：LULU X（IMALU）
IMALUもLULU Xももちろん私であることには変わりはないんですが、LULU Xはより、実験的というか、ラボラトリー的な感じで考えていて、いろんなものに変えられて、いろんなものを自由に表現できる、ある意味、実験の場にもしたいなと。
——今回のリリースにあたり、IMALUからLULU Xと名前が変わりました。まずその理由から教えていただけないでしょうか。 LULU X 実は今回もIMALUとしてリリースする予定だったんですけれど、作品を作り終えて、自分で作品を聴いてみたら、やっぱり変えたいと思って、自分からお願いをしたんです。 ——それはなぜだったんですか？ LULU X 19歳のころにIMALUという名前でデビューして以来、テレビのお仕事をはじめ、いろいろなお仕事をやらせていただいてきて。その中で、IMALU＝タレントというイメージを持ってくださっている方も多く、そういう方々にも音楽をやっているということを知ってもらいたかったのと、IMALU＝タレントというイメージを取り払ってフラットな感覚で新しい作品を聴いてもらいたいなと思って。実はタレント活動をするうえでの芸名と音楽活動をするときの名前をわけたほうがいいんじゃないかという議論は当時からあったんです。 ——そうだったんですね。 LULU X はい。でも当時、20歳そこそこの私は「どちらも自分の活動なのに、なんで変えなきゃいけないの？」って思って。例えばテレビのお仕事だと、共演者さんやスタッフさんと力を合わせて、一緒に良いコンテンツを作っていくという感じなので、自分だけが前面に出るということは考えないですけれど、音楽活動はよりパーソナルな表現で、孤独というか、自分というものをより強く打ち出さなくてはいけないですよね。であればこそ、どちらも自分の本名でもあるIMALUでやるべきだと思って。ただの頑固だったのかもしれないですけれど（笑）。 ——自身の音楽活動をより知ってもらいたいということでしたが、YouTubeで様々なアーティストの楽曲をカヴァーするシリーズもやっていらっしゃいますよね。 LULU X そうですね。あれはまさにそういう目的でスタートしたものだったので。そもそも音楽をやっているということを知らない方も多いと思ったので、まずは知っていただこうと。 IMALU Live Lounge - The Weeknd Medley (The Weeknd) - Cover ——ちなみにLULU Xという名前にはどういう意味が？ LULU X 「LULU」というのは、私が小学2年生の時にいちばん最初に飼ったわんちゃんの名前なんです。いま飼っている犬も「Baloo（バルー）」。実は最初の「LULU」の曾孫です。私は動物が大好きで、犬と過ごしている時間は自分の人生において、とても重要な時間なんですね。ある意味、家族以上の存在というか。 ——「LULU」という名前はIMALUさんが付けたんですか？ LULU X そうです。昔から「LULU」という響きがなぜかすごく好きで。なぜか好きな色とか、なぜか好きな数字ってあるじゃないですか。理由はわからないけど。私にとっては「LULU」もそうなんですよね。 ——Xは？ LULU X Xは何にでもなれるという意味で。IMALUもLULU Xももちろん私であることには変わりはないんですが、LULU Xはより、実験的というか、ラボラトリー的な感じで考えていて、いろんなものに変えられて、いろんなものを自由に表現できる、ある意味、実験の場にもしたいなと。今回も信頼できる素晴らしいクリエイターの皆さんと一緒に作品を作ることができたわけで、そういう意味では、私個人のプロジェクトという概念すらなくて、いろいろな人たちと関わりながら、面白いことに挑戦していく場所くらいの感じで考えています。 ——音楽性、あるいはファッションやヴィジュアルのイメージなどにおいてのコンセプトのようなものはありますか？ LULU X まだまったく固まっていないです（笑）。むしろあまり固めずにいろんなことをやっていきたいなと思っています。今回、アーティスト写真を撮影する時も少しイメージを変えたいなと思って、髪を青く染めたんです。テレビのお仕事だとなかなかこういう色にできなくて。お料理の番組だったり、朝の爽やかな番組で、この髪の毛の色は絶対にないし（笑）。いまのはかなりちょっとした例ですけど、LULU XではIMALUではなかなかできなかったこと、自分が純粋にやりたいと思うことを、制約を作らずにどんどん表現していきたいですね。 ——本作『Do I』を制作していくうえで、何か方向性のようなものはあったんですか？ LULU X 今回は本当にゼロからでした。どんな音がいいかなあというスタッフや周りにいる方々との話からはじまり、デモを作ったり、スタジオに行って作業をしたりしているうちにだんだん出来上がっていった感じです。今回作品に入っていない曲も結構ありますよ。あと今回はChocoholicちゃんとの出会いも大きかったですね。 ——Chocoholicさんは今回4曲手掛けられていますね。彼女との出会いはどういうものだったのですか？ LULU X 彼女のことを知ったのは、SoundCloud（音楽ストリーミングサイト）ですね。当時、彼女はアルバイトをしながら、たまにDJをするという生活を送っていて、あまり情報がなかったんです。SoundCloudにもたぶん3曲くらいしか楽曲を上げていなかったんじゃないかな。でもその3曲が強烈に印象に残って。ぜひ一緒にやりたいと思って、自分からコンタクトを取ってオファーしたんです。 ——Chocoholicさんのサウンドのどういうところに魅力を感じたのですか？ LULU X すごい独特だし、かっこいいし、センスの塊というか。とにかく大好きです。私よりも年下ですけれど、同性だし、世代も近いし、いろいろプライベートな話もするので、歌詞を書くとき、彼女のプライベートな状況に影響されたりもしました。 ——どういうことですか（笑）？ LULU X 「好きな人ができた」とか「彼氏と別れた」とか、そんなことも話すので、「好きな人ができた」時はすごいハッピーな曲がくるし、逆もある（笑）。私は曲をもらってから歌詞を書くから、彼女が作ってくる曲のテンションからインスピレーションというか、かなり影響を受けますね。プライベートも知っているだけに（笑）。でも肝心の自分がしばらく恋愛をしていないので、恋愛についての歌詞は、なかなか言葉が出てこなくて困りました。恋愛をしていたら、スラスラ書けるんだろうなーと。恋愛のようにわかりやすい感情が自分にない状態だったので、むしろ今回は自分を掘り下げる方向にいきました。自分と向き合って、もう掘るとこないくらい、えぐってえぐって、言葉を捻り出しました。それはそれでとても新鮮な作業でしたけど。 ——表題曲の“Do I”は、決意というか、力強いメッセージを感じる歌詞だと思いました。 LULU X “Do I”は、これからはじまることへの不安をストレートに言葉にしています。不安だけどやるしかないというか。まさにこの作品を作っているときの心境ですね。今回は長いブランクを経ての再出発でもあり、LULU Xとしてのデビューでもありだったので、これで聴いてもらえるのだろうかとか、売れなかったらどうしようとか、すごい不安もありました。でも決して嫌な不安ではなく、新しいことがはじまるドキドキもあって。そんな心境を歌った曲です。
次ページMV制作秘話も！IMALU×今野里絵（Havit Art Studio）×吉村界人のスペシャル鼎談！
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]]>Yogee New Waves、never young beach（ネバヤン）、D.A.N.が所属する〈Roman Label〉からCDアルバム『GANG！』をリリースし、モデルとしても活動するZOMBIE-CHANG（ゾンビーチャング）ことメイリンが選ぶ楽曲プレイリストがmysoundにて公開。インスタグラムも話題。
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Interview： ZOMBIE-CHANG
メイリン（ZOMBIE-CHANG） “むしろこれが自然な感じなんです“
——今回のプレイリストのテーマは「今の気分」とのことですが、一貫性がまったくないというか（笑）。このバラバラな選曲を繋げるものがあるとすれば、きっとそれはまさにメイリンさんの「気分」なんだろうなと。 たしかに（笑）。でも昔から一貫性のない聴き方をしているので、むしろこれが自然な感じなんです。最近のお気に入りというより、これまでの人生で気に入っている曲を選んでいます。あと根本がマニアックな趣味なので、ポップなものを入れるように意識はしました。普段、プレイリストを全然作らないし、自分の好きな曲を人におすすめしたりしないので、今回こうやって自分のプレイリストを誰かに公開するというのは新鮮です。恥ずかしい（笑）。 ——では、さっそく1曲目から紹介していただきましょう。まずはKimya Dawsonの“Tire Swing”です。 とにかく大好きな曲。Twitterで唯一Kimya Dawsonだけフォローしているくらい好き過ぎて特別な存在。人間としてすごくセンスのいい方だと思います。この曲を知ったのは映画『JUNO』で、サントラは擦り切れるくらい聴きました。音楽的にも人間的にも憧れの人です。娘さんもめちゃくちゃ可愛い。 Kimya Dawson– “Tire Swing” ——次はCat Powerの“Sea of love”です。 この曲も映画『JUNO』のサントラからです。この曲はひとりで夜に聴いて、切ない気分に浸れる曲。これまでに何度『JUNO』のサントラを聴き、救われたことかって、どんだけ好きなんだって感じですよね（笑）。 Cat Power – “Sea of love” ——次はSerge Gainsbourgの“Lemon Incest”。娘のCharlotte Gainsbourgの歌手デビュー曲でもあり、父から娘へのむせ返るくらい濃厚な愛の曲です。 もともと母親がSerge Gainsbourgのファンで、その流れで、彼のレコードを自分で買ったことがあったんですけど、ボソボソ何か言ってるなあって、その時は全然ハマらず。後にバイト先で謎のフランス人に出会い、その人が「君はこの曲を絶対に聴いたほうがいい！」って私に何度も薦めてきて。でも人に薦められるのが嫌いなので、聴かなったんです。けど、「聴いた？」って何度も薦めてきて、最終的にはFacebookで動画のリンクを送ってきて（笑）。で、ようやく聴いて、というより動画を見たら、すごくいい曲だった。こういう愛のかたちもあるんだなって（笑）。普段からよく愛について考えるので、非常に興味深かったです。 Serge Gainsbourg – “Lemon Incest” ——次はPassion pitの“Carried away”。これを選んだ理由は？ 実はこの曲以外、彼らの曲をあまり知らないです。ある日、DJでかけたらみんなが踊り出しそうな曲を作りたいと思って、Youtubeで探して出会った曲。これを嫌いな人はいないんじゃないでしょうか。これぞ“ど”の付くポップだなって。 Passion pit – “Carried away” ——次はフランスの女性SSW、Julie Budetによるエレクトロ・プロジェクトYelleの“Ce Jeu”です。 ある日、急にフランス語を話せるようになりたいとふと思って、そのためにはフレンチ・ポップを聴かないとダメだと思って出会った曲（笑）。いま自分がやっている音楽の方向性にも繋がる部分があったり、サウンドもMVも好きです。 Yelle – “Ce Jeu” ——次はRAMONESなんですね。数多ある彼らの楽曲の中からこの曲を選んだ理由は？ もともとThe Toy DollsとかThe Casualtiesとかパンクが好きで、RAMONESも好きだったんですけど、この曲は映画『Whip It（邦題『ローラーガールズ・ダイアリー』）』で好きになりました。ここまでの曲もそうですけど、映画のシーンや映像と一緒になって好きになるんだと思います。 RAMONES – “Sheena Is A Punk Rocker” ——次はフィフティーズの女性コーラス・グループ、The Chordettesのヒット曲“Lollipop”のリミックスですね。 これも映画『ローラーガールズ・ダイアリー』のサントラに収録されている曲。かっこいいリミックスですよね。私もリミックスできるようになりたいけど、まだ怖くてできない。人様の楽曲をいじり倒して、その人が「うわ～」とかなったら悲しいし。 The Chordettes – “Lollipop” ——次はフロリダ銃乱射事件の犠牲者に捧げた曲としても知られるSiaの“The Greatest”です。 この曲は「いま世の中で流行っている曲はどんなもんだろうか？」って探して辿り着いた曲。普段テレビも見ないし、たまに世の中がどんなことになっているか情報収集をするんです。その時にBillboardのチャートなんかもチェックしていて出会った曲。この作業は定期的にやるんですけど、自分の知らないタイプの曲に出会えるので、面白いです。 Sia – “The Greatest”
ZOMBIE-CHANGの今の気分がわかるプレイリストをチェック！
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GANG！
2017.03.03（金） ZOMBIE-CHANG ROMAN-009A BAYON PRODUCTION ¥1,944（＋tax） [amazonjs asin="B01N5P40QO" locale="JP" title="GANG!"] 詳細はこちらtext＆interview by Naohiro Kato photo by 横山マサト
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]]>ササノマリイがmysoundにて音作りで影響を受けた楽曲プレイリストを公開。11月30日にメジャー・デビュー・シングル『タカラバコ』をリリース。表題曲はTVアニメ『夏目友人帳 伍』のOP曲としても話題。
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Interview：ササノマリイ
ササノマリイ“こういう音はどうやったら出せるのかと研究しました”
——今回は「音作りで影響を受けた楽曲」というテーマで選んでいただきました。いかがでしたか？ 絞って絞っての10曲。かなり厳選しました。小さな頃から家のテレビのイヤホンにステレオケーブルを刺して、気に入ったアニメの曲をカセットにダビングしていたくらいなので、プレイリストを作るのは大好きです。今回も楽しかったです。 ——さっそくですが、1曲目はbermei.inazawaさんとAnnabelさんによるユニット、anNinaの“Transcript Lover”ですね。この曲を選んだ理由は？ bermeiさんは『ビートマニア』で彼の存在を知って以来、ずっと尊敬して、目標にしている存在です。この曲は展開がめまぐるしく変わったり、管楽器、弦楽器、パーカッション等、様々な楽器や音が詰め込まれているにも関わらず、お互いがまったく邪魔し合っていないんです。職人技ですね。 anNina – “Transcript Lover” ——次はMassive Attackの“Teardrop”。Cocteau TwinsのElizabeth Fraserによるヴォーカルも美しい『Mezzanine』収録の名曲です。 真っ暗な絶望の中にある一筋の光のような曲。靄がかかったようなダークで退廃的なサウンドだけど、神々しさというか、ある種の崇高さがある。この曲に出会ったときはまだサンプリングの概念も知らず、こういう音はどうやったら出せるのかと研究しました。 Massive Attack – “Teardrop” ——次は新居昭乃さんの“覚醒都市”。“Teardrop”から続けて聴くと、何か通じるものも感じました。 はい（笑）。はじめて聴いたのは小4くらい。テレビを付けたら、TVアニメ『東京アンダーグラウンド』のエンディングでこの曲が流れていて、強烈に惹き込まれました。新居さんの歌詞も好き。素朴な言葉で、しかしとても繊細で純真であって、音と溶け合っていつも素敵な風景を見せてくれる。ひとりで聴きたい曲ですね。 新居昭乃 – “覚醒都市” ——次はDaft Punk。ヒット曲をたくさん持つ彼らの作品の中からこの曲を選んだ理由は？ 僕が知ってるDaft Punkの曲の中で最もメロディが美しい曲。彼らってフロア向けのトラックとかそういうことを全く無視して、純粋に綺麗なメロディのポップ・ソングを作る時があって。そういうときのDaft Punkの曲がたまらなく好きです。この曲はその代表。Daft Punk流の王道ポップ・ソングです。 Daft Punk – “Digital Love” ——次はCAPSULE の“テレポテーション”です。 中田ヤスタカさん、つまり男性が作っているのに、不思議と音やリズムの節々に「女の子」を感じるんです。この曲は女の子が何かを求めて手を伸ばしながら歌っている感じがして。それを歌詞だけが説明するのではなく、サウンドでも表現しているところがすごいと思います。 CAPSULE – “テレポテーション” ——そしてサカナクションの“グッドバイ”ですね。 彼らはバンドだけどバンドではないと思っていて（笑）。世の多くのバンドがこだわる部分ではない部分にこだわっていて、そこが独創的だし、面白いです。この曲は他の代表曲と比べ、音の隙間が多く、異質な感じの曲。でも実は彼らの根底はこういう感じなのかなとも思います。全力で泣かせにきてますよね。大好きなので、影響受けているとか本当はあまり言いたくないんですけれど（笑）。 サカナクション – “グッドバイ”ササノマリイの「音作りで影響を受けた楽曲プレイリスト」をチェック!
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『タカラバコ』
2016.11.30（水） ササノマリイ SMAR ¥1,620（tax incl.） [amazonjs asin="B01LZ7PEXV" locale="JP" title="タカラバコ(期間生産限定盤)"] 詳細はこちら© Qetic Inc.
]]>1996年、フランソワ・ケヴォーキアン、ダニー・クリヴィット、ジョー・クラウゼルの3人のレジェンドによってスタートした伝説的なパーティ、＜Body & SOUL＞が今年で20周年を迎える。改めてこの偉大なるパーティの歩みや魅力を振り返る。
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Body & SOUL Live in Tokyo 2005@velfarre
＜Body & SOUL＞をはじめるにあたり、彼らがお手本にしたのは、1960年代後半にニューヨークでデヴィッド・マンキューソが創始した伝説のパーティ＜THE LOFT＞（特に初期の）だという。デヴィッド・マンキューソとはこの地のパーティ・シーンにおけるゴッドファーザー的な存在であり、＜THE LOFT＞とはかのラリー・レヴァンの＜パラダイス・ガラージ＞やニッキー・シアーノの＜ギャラリー＞にも影響を与えたこの地のアンダーグラウンドなクラブ・パーティの源流ともいえるパーティとして現在に語り継がれている。
初期の＜THE LOFT＞はデヴィッド・マンキューソの自宅に独自のサウンド・システムを構築し、インビテーションを持つ者にのみ参加を許可、アットホームなプライベート・パーティのような空間でおこなわれていたという。というと、どこか排他的なイメージを持つかもしれないが、決してそういうわけではなく、商業的なディスコに異を唱え、音楽を愛する者たちやアウトサイダーたちのための理想の空間を作りたいというデヴィッドの妥協なき信念を具現化したものが＜THE LOFT＞であった。そこでは人種や性や年齢やライフスタイルの壁がなく、誰もが音楽に身をゆだね、魂を開放することができた。「最も理想的なパーティは？」という問いに対して、＜THE LOFT＞を挙げる人はいまだに少なくない。
次ページ：クラブ・ミュージックが巨大化していく中で、彼らが残したかったもの
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]]>MTVにて、3月13日（日）18時から3時間にわたって『デヴィッド・ボウイ VideoSelects』がオンエアされる。この放送の前に、デヴィッド・ボウイのオフィシャル・インスタグラムに掲載されている写真を引用し、時間を遡りながら、偉大なる彼の歩みを振り返ってみたい。
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David Bowie Tribute l The BRIT Awards 2016
ここ数か月で、世界中のアーティスト、ミュージシャンたちがデヴィッド・ボウイへの追悼コメントを発表したり、追悼パフォーマンスをおこなっている。中でも＜The BRIT Awards 2016＞でボウイのツアー・バンドをバックにロードが披露した“Life On Mars”のカヴァーは注目を集めた。この模様もMTVにて3月26日（土）に放送されるので、あわせてチェックして欲しい。David Bowie Tribute l The BRIT Awards 2016
世界中の名だたる雑誌がボウイの追悼記事を掲載
次ページ：1月10日、デヴィッド・ボウイ、永眠。
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]]>自らのDJプレイをマルチアングルの映像で赤裸々に公開し、後続に絶大な影響を与えた不滅の業績にして、ジェフ・ミルズの映像作品『エキシビショニスト』についてジェフ・ミルズがメールで質問に答えてくれた。
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Interview：Jeff Mills
——前作『エキシビショニスト』から11年が経ちます。あの作品は文字通り、あなたのDJプレイを丸裸にして公開したようなもので、ある意味では、あれでやり尽くしたというか、まさかその先があると思っていたリスナーは少なかったのではないかと思います。続編（『エキシビショニスト２』）のアイディアはいつ頃、どのように生まれ、発展していたったのですか？
２年ほど前に最終的決断をした。DJやエレクトロニック・ミュージックに関してまだ知られていないこと、見られていないことがたくさんあると思ったからだ。それに加えて、アドリブ、音楽の即興性という側面も追求したいと思った。DJセットや音作りに準備なしで臨んだら、DVDを通して様々なことを表現できると考えたんだ。
——本作ではDJ中の時の手元はもちろん、ドラムマシーン“Roland TR-909”のライヴ演奏やドラマーとの共演、スタジオでの楽曲制作まで惜しみなく公開しています。本来であればそのような部分は秘密にしておきたいアーティストがほとんどだと思います。でもあなたは赤裸々なまでにすべてを公開する。それはいったいなぜなのですか？
「DJミックス」や「トラック」がいかに作り上げられていくかをよりよく理解してもらうために公開したんだ。理解してもらえればその価値もより深まると思ったからだ。価値あるものという認識ができれば、もっと多くの人に興味を持ってもらえるだろう。
——11年前と現在でコンセプトに変化はありますか？
最初の『エキシビショニスト』はテクニック重視だった。今回はDJや音楽プロデューサーのもっとメンタルな面を強調している。自分の感情をいかにして他人に伝わるように整理していくかというようなことだ。
——本作では、通常のダンスフロアからは見る事ができないマルチアングルからあなたのプレイを観察することで、あなたがDJをやっている時に瞬時に何を考え、どういう表現をしようとしているのか、その思考の変化や即興性のようなものをより感じることができて、とても刺激的でした。本作においてあなたはこの思考の変化であったり、即興的なインスピレーションのような形のない、非常に微妙なニュアンスをアートにしたかたかったのではないかと感じたのですが、いかがでしょうか？
その通りだ。（DJや曲作りに）完璧な、あるいは容易いプロセスはない。僕のマインドは常に変化している。それをレコーディングの中に表現したいんだ。（DVDの中の）すべての曲、ミックスはリアルタイムで、一切編集なしで収録されている。だから起こったすべてのことが記録されている。
——今回、TR-909のライヴ演奏をマルチアングルで見ることができたのはファンにとっては非常に嬉しいし、改めてその超絶テクニックに衝撃を受けました。ジェフ・ミルズの音楽においてTR-909は欠かせないものだと思いますが、いま改めて教えてください。なぜあなたはTR-909を使い続けるのでしょうか？
909は僕が必ず頼りにしている数少ない機材のひとつだ。ドラムの音、チューニングの幅、それぞれのレゾナンス（反響）、アタックなど、すべての要素が自分にとって大切なものなんだ。クラシック・コンサートでのライヴ、DJセット、スタジオなどすべての場合において。もしもマシン内の音がもう少し改良されれば、なお使いやすいのだが。
『エキシビショニスト2』ジャケット
次ページ：もしできれば、遠い将来「The Visitor」を解体してその魂をまた別の形で継承していきたいね。© Qetic Inc.
]]>［Jeff Mills］3月23日（月）、天王洲アイルの寺田倉庫にておこなわれたジェフ・ミルズによる一日限りのエキシビジョン＜WEAPONS＞は、彼がいま何を発信し、どこに向かおうとしているのか、その新たな動向を示唆させる非常に興味深いものになった。
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JEFF MILLS presents WEAPONS： ー a small but potent collection of music affiliated avant-garde objects 「WEAPONS： —音楽に関連するアバンギャルドなオブジェクトの小さなしかし強力なエキシビション」 2015.03.23（MON）＠寺田倉庫
ジェフ・ミルズが常に作品にコンセプトを必要としてきたことはいまさら言うまでもない。我われはレコードやDJプレイによって、彼のメッセージを受け取ってきたが、近年の彼の多岐にわたる表現の在り方は、はもはやDJやテクノといった枠組みでは収まりきらないほどに拡大し、驚くべき発展を遂げている。3月23日（月）、天王洲アイルの寺田倉庫にておこなわれたジェフ・ミルズによる一日限りのエキシビジョン＜JEFF MILLS presents WEAPONS：ー a small but potent collection of music affiliated avant-garde objects（WEAPONS：—音楽に関連するアバンギャルドなオブジェクトの小さなしかし強力なエキシビション／以下、WEAPONS）＞は、彼がいま何を発信し、どこに向かおうとしているのか、その新たな動向を示唆させる非常に興味深いものになった。 このエキシビジョンがおこなわれたのは、大きな話題を呼んだ相対性理論との共演の翌日。やくしまるえつこのラヴコールにより実現したというこの異色な組み合わせのライヴの興奮も冷めやらぬまま、翌日の同じ時間に、筆者は品川区の寺田倉庫にいた。巨大な倉庫やビルが立ち並び、人工的な冷ややかさを感じさせる景観は、どこかデトロイトを思わせる。1階からエレベーターで上階まで移動し（現実世界から異世界へ移動する装置のようにも感じられた）、会場に着くと、すでに多くの来場者で溢れていた。
＜WEAPONS＞は、1942年2月26日にロスアンジェルスで起きたUFO目撃事件＜バトル・オブ・ロスアンジェルス＞（謎の未確認飛行物体を米軍が日本軍の襲撃と捉えて、砲撃した事件。その未確認飛行物体が何であったのかはいまだ解明されていない）からインスパイアされたもので、この日はこの事件から着想を得た5つの作品について、ジェフ・ミルズ本人がその場で解説をおこなっていくというスタイルでおこなわれた。
次ページ：リズムで不安な気持ちを表現した作品
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