ここ数年、オーストラリアのR&Bシーンから新しい世代が相次いで台頭している。パニア（PANIA）、フォレスト・クローデット（Forest Claudette）、ベッカ・ハッチ（Becca Hatch）、マイナ・ドウ（Maina Doe）……。その流れを象徴するのが、シンガーソングライターのBOY SODAだ。 彼が2025年1月にリリースした“Lil' Obsession”がバイラルヒットを記録。同曲でARIA AwardsのBest Soul/R&B Releaseを受賞すると、昨年にはデビュー・アルバム『SOULSTAR』、今年6月にはその拡張版『SOULSTAR Deluxe』を発表し、SUMMER SONICへの初出演も果たした。 シルキーな歌声とストレートかつ内省的なリリック、R&Bを 軸にヒップホップやジャズなどを横断するサウンドは、国境を越えて世界中の音楽ファンに届きつつある。 今回Qeticでは、SUMMER SONICのステージを終えたばかりのBOY SODAに取材する機会を得た。音楽やファッションにおける哲学から、『SOULSTAR』にも刻まれたサモア系のルーツ、さらには彼を含む新世代が存在感を増しているオーストラリアのR&Bシーンまで、じっくりと語ってもらった。

──昨日、SUMMER SONICのステージを終えたばかりです。日本でのライブはいかがでしたか？ 大阪と東京で演奏できたのは、とても特別だったよ。素晴らしい旅だった。日本の観客は本当に最高で、反応もすごく良い。みんな明らかに音楽が好きだから、僕らの音楽を本当に愛してくれている人たちに届いている感覚があったよ。オーストラリアの観客はもっと騒がしいっていうか……どちらにも良さがあるんだけどね。 ──あなたの最新作『SOULSTAR』はとてもパーソナルな作品でもあるので、オーディエンスは深く感情移入していたと思います。こうした作品を作り上げたことで、あなた自身にも変化はありましたか？ 『SOULSTAR』は、自分自身について本当に多くのことを教えてくれたんだ。僕はずっと、こういうアルバムを作りたかったんだと思う。自分のアイデンティティをしっかり封じ込められたと感じられる作品をね。それを実現できると証明できたという意味でも、自分の人生をすごくカラフルな形で作品にできたという意味でも、僕にとっては一つのマイルストーンだよ。

──『SOULSTAR』にはR&Bをベースに、ソウル、ジャズ、ヒップホップ、ポップなど様々な要素があります。BOY SODAの音楽として一貫性を保つために、大切にしているものはありますか？ 結局、「テイスト」がすべてに勝ると思うんだ。ジャンルをどう組み合わせても、テイストが正しければ、その融合には必ず意味が生まれる。僕から生まれてくる音楽は、僕が愛しているすべてのものに影響されている。その上で『SOULSTAR』では初めて、「自分が聴きたい音楽」を作ろうと思えた。単純にクールだとか、踊れるとか、落ち着けるとか、そういう機能を持った曲じゃなくて、「自分が聴きたい音楽」をね。 ──“SELFISH”はとても感動的な曲で、弱さも含めて自分自身と向き合う真摯さがリリックから伝わってきます。曲を書くとき、自分に対して正直であるために意識していることはありますか？ 嘘をついているときや、何かを薄めているときって、自分でわかるんだ。もっと良く言えるってこともわかる。壁にぶつかったとき、「なぜそのまま言わない？」って自問する。それは怖いからなんだよ。うまく言葉にできないことが怖いから。だから「不快さの刃の先端」みたいな場所に立つ。その不快さを感じるときは、本当の声に近づいている証拠なんだ。

───簡単ではないですよね。 だからこそ、たくさん曲を書くんだ。同じ曲の別バージョンを何度も書くことだってある。そして、いちばん正直に書けたときは自分でわかる。何度も同じテーマに戻ってしまうのは、まだ十分に掘れていないからで、一つのことを語るのにアルバム一枚や、たくさんの曲が必要になることもある。 でも、それが最高でもあるんだ。書いている対象との関係が変化していくから。楽になることはないけど、不快さの向こう側には音楽の可能性があって、そこでリスナーとのつながりが生まれる。

──ちなみに、あなたはセントラル・コーストで育ったそうですが、R&Bやソウルに触れたきっかけは何だったんですか？ 実は僕の周りではR&Bやソウルを聴いている人はあまりいなくて、学校でも僕だけがiPodでいろいろ聴いていたんだ。きっかけは従兄弟だった。おばさんの家に行くたびに、彼がJ. コール（J. Cole）の新しいアルバムとか、ミゲル（Miguel）やアッシャー（Usher）のアルバムのデータをくれてね。彼がダウンロードしてくれた音楽が僕をR&Bやヒップホップの世界へ導いてくれて、そういうジャンルへの愛を育ててくれたんだよ。 ──音楽を始めたのはいつ頃だったんでしょう？ 高校の終わり頃。17歳のときかな。でも、もっと前からいつも車の内側をタップしていたりしたよ。両親がジャンベを買ってくれて、子どもの頃はクラシックのサックスも演奏していた。ずっと音楽には惹かれていて、歌は後からだった。歌って、録音して、プロデュースし始めたのが17歳くらい。そこで、それまで積み重ねてきたものが一つになった感じだね。 ──その後、シドニー工科大学に通い、音楽とサウンドデザインを学んだそうですが、アカデミックに音楽を学んだことは、あなたの表現にどのように活かされていますか？ どうしてそんなことを？　素晴らしいリサーチをありがとう（笑）。実は学位は修了していないんだ。そこで、音楽の作り方は学べないと気づいたからね。 出会えた人たちは素晴らしかったけど、紙の上で音楽について知ることはできても、それが音楽の本質ではない。音楽の本質は、実験して、よく遊んで、クラフトに集中して、自分でたくさんのことを学び、インスピレーションを見つけることだと思う。自分自身に寄り添う方法を教えてくれる授業はない。技術は芸術の一側面でしかないからね。馬を水辺に連れていくことはできても、素晴らしいアーティストにすることはできないんだ（「馬を水辺に連れていくことはできても、水を飲ませることはできない」ということわざをもじった表現）。 ──では、歌は独学なんでしょうか？ ソングライティングは先生に習ったけど、歌は……もともと本当に下手で、基本的には独学で身につけていったんだ。 ──特に影響を受けたシンガーは誰ですか？ 例えばミゲル（Miguel）の『Wildheart』からは、声帯を絞ってザラついた質感を出す歌い方を学んだよ。あのアルバムにはすごくインスパイアされた。それにミッドレンジの声の出し方は、フランク・オーシャン（Frank Ocean）にとても影響を受けている。彼の中域の温かさや音色は、すごく参考にしているね。 それからファルセットのキングたち──マクスウェル（Maxwell）、ディアンジェロ（D’Angelo）、ほかにもたくさんいるけど……。オーストラリアではジョン・ファーナム（John Farnham）をたくさん聴いて育った。彼はオーストラリア史上最高のボーカリストだよ。ロックがベースだけど、リトル・リバー・バンド（Little River Band）というソウルバンドのリードをしていた時期もある。彼の歌は素晴らしいよ。 あとはスミノ（Smino）みたいに、声を操って、同じ人物なのに違うトーンやキャラクターを持たせること。それもすごく表現的で、楽しい部分だね。

──親族からR&Bを教えてもらったという話がありましたが、『SOULSTAR』の“A Father’s Heart”では、サモア人であるお父様について歌っています。あなたにとってサモア系のルーツは、どのような意味を持つのでしょうか？ その曲を書いたのは、僕自身がサモアの文化に近づいていく旅の途中にいるからなんだ。サモア文化の中に埋め込まれているのに、まだアクセスできていない自分自身について、学ぶことがたくさんあるのを知っているからね。今まさに、少しずつアクセスし始めたところなんだけれど、これは終わりのない自己探求だと思う。 僕とサモア文化との今のつながりは、ある意味、切り離された世代のもので、僕の役割は、その関係性を改めて築いていくことだと思っているんだ。 ──サモア系というアイデンティティは、音楽とどうつながっているのでしょう？ 音楽もアイデンティティの大きな一部なんだ。僕たちの文化には語り継がれていくものが多くて、すごく音楽的だし、教会にも深く根ざしている。友達の多くは教会で演奏しながら育っていて、そのおかげで本当に素晴らしい腕前なんだよ。 それに、コミュニティという感覚がサモア文化や家族の中に深く流れていて、その中でみんなが演奏するし、音楽をシェアする。それってすごく“サモア的”なことなんだ。 ──移民のコミュニティが重要な役割を果たしているんですね。 多文化的なオーストラリアの背骨だよ。ある意味、僕らはみんな訪問者（Visitor）なんだ。 ──コミュニティという意味では、近年、パニア（PANIA）やベッカ・ハッチ（Becca Hatch）、マイナ・ドウ（Maina Doe）、フォレスト・クローデット（Forest Claudette）など、オーストラリアから新しい世代のR&Bアーティストが次々と出てきています。あなた自身もその流れの一部だと感じていますか？　オーストラリアのR&Bに今、独自のアイデンティティが生まれつつあるのでしょうか。 もちろんだよ。挙げてくれた名前はみんな地元の友達なんだ。僕らの世代はすごく恵まれていると思う。多くの人の親世代がオーストラリアに移民してきて、すごく頑張ってくれたから、第二世代の僕らにはやってみて学ぶ機会が与えられた。その結果、今はいろいろなバックグラウンドを持つ人たちが存在感を示して、音楽を作っている。 オーストラリアは文化のるつぼで、世界中からたくさんの情報が入ってくる。でも、それをただ受け取るだけじゃなくて、ここで生まれた固有の物語として曲へと流し込まれていく。それがオーストラリアならではのものだと思う。 そして今は、僕らに似た人がスーパースターになって、テレビに出たり、広告やブランドに起用されたりするようになった。オーストラリアのクリエイティブはずっと侮られてきたけど、もう違うんだ。 ──オーストラリアのシーンで、ほかにも紹介したいアーティストはいますか？ ヤスミナ・サディキ（Yasmina Sadiki）は素晴らしいボーカリストだよ。ルビー・ジャクソン（Ruby Jackson）は、シドニーでお気に入りのソングライター。他にもたくさんいるんだけど、パッと思いつくのはそのくらいかな。

──今は世界へ活動を広げていますが、ここまでのキャリアで行き詰まりを感じたこともありましたか？ もちろん壁を感じることはあるよ。何かを学び始めた頃は急速に成長するけど、やがて停滞する。それはどんなプロセスでも起こることだ。曲作りなら、正しい言葉が見つからなかったり、フックが決まらなかったりね。そういう行き詰まりは何度経験しても、別に簡単になるわけじゃない。ただ、その壁を越えた先には素晴らしいものがあると知ることはできる。それはすごく大事だと思う。 すべてを成し遂げようとして、昼間は働いて、いつも疲れて苛立って、「なぜ何も変化が起きないんだ」と悩んでいた時期が僕にもあった。でも、そのときの僕には見えていなかった壁の向こう側に、日本のSUMMER SONICで演奏している自分がいたんだ。約1万人の前で30分もライブをするという、これまでで最大クラスの非現実的な体験がね。 もちろん、当時はそんな未来が待っているなんて知る術はなかった。もし壁の向こうにそれがあると知っていたら、もっと楽だっただろうね。

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──今ではオーストラリアだけでなく、世界各地で演奏する機会も増えています。「オーストラリアのアーティスト」として世界で見られることについては、どう感じていますか？ とても幸運だと思う。夢見てきた人生だからね。昔は手が届かないと思っていた分、今こうしていること自体が奇跡のように感じるよ。 でも一方で、ずっと「なぜ僕じゃだめなんだ？」という気持ちもある。僕はサモアン・オーストラリアンで、アメリカや日本のような市場からは遠い。でも、可能性は無限にあると思っている。もし本気で望むなら、宇宙飛行士になる方法だって学べるし、本を書きたいなら書ける。すべては可能で、毎日を積み重ねることでそこに近づいていける。僕自身、そうやって日々を積み重ねてきたしね。 そうやって僕や地元のアーティストたちが世界に出ていくことで、僕らに似た子どもたちにも何かを示せると思うんだ。彼らは「アーティストなんて本当の仕事じゃない」と思っているかもしれない。 国際的に評価されることは、自分たちがやってきたことへの大きな肯定であり、一つの証明でもある。それを見た地元の人たちにも、自分の価値や、やりたいことをもっと強く信じてほしいんだ。僕たちにもできるんだってね。 ──自分と似た人たちを代表するという意識は、活動するなかで自然に生まれてきたものなんでしょうか？ それはこうしたキャリアの副産物だと思う。それ自体を仕事の一部だとは考えていないし、そこを優先してしまったら、アートに反映されるものも違ってしまう。優先すべきなのは別のところにあるからね。僕はただ努力して、僕のような人があまりいない場所へ勇気を持って踏み込んでいく。そうすることで、結果としてそういう役割が生まれているだけなんだ。自分の背後に素晴らしい支えがあることもわかっているし、誰かを代表することが持つ力も理解しているよ。

──ファッションもBOY SODAというアーティストの重要な要素ですよね？ 僕にはずっと自分探しの旅をしているような感覚があるんだ。それはファッションも同じで。カメラロールを遡れば、ひどいフィットも、犯罪級のフィットもある。でも、それは全部プロセスの証拠なんだ。 あと自分をどう装うかは、自尊心と、好きな色や質感に関係している。音楽が好きなのと同じようにね。他者の耳をキュレートするなら、自分の身体に着せる服も、自分がいる部屋も、すべてをキュレートすべきだと思う。学校ではノートにずっとドローイングをしていたし、靴にも描いていた。今は、自分自身に描いている感じだね。 ──今日のファッションのポイントは？ Vibramの五本指シューズだね。日本に来て買ったんだ。このキャップもそうで（「福」とプリントされたキャップを指して）ラッキーという意味なんだよね。買ってから教えてもらったんだけど、変な意味じゃなくてよかったよ。日本のデニムは本当に良いから、赤耳デニムも買いたいな。 ──ありがとうございます。あなたの考えがよくわかりました。次に日本へ戻ってきたら、すでにやりたいことは決まっていますか？ まだ温泉に行ったことがないから、温泉に行きたいよ。それに大阪は美しかったけど、滞在が短かったから、戻ってのんびりしたいな。あと、新幹線にも乗りたい。今回は荷物が多すぎて、大阪から東京に来るのも飛行機だったからね。 日本のみんな、今回は本当に最高のショーをする機会を与えてくれてありがとう。あと100回演奏したいよ。

「PUBLIC MUSEUM」。2026年6月、名古屋・栄にオープンした商業施設『HAERA』は、コンセプトをそう掲げる。ラグジュアリーブランドの旗艦店や個性的な飲食店が連なるこの空間が提供するのは、単なる買い物や食事の場ではなく、五感を用いた“体験”といえるだろう。そんな『HAERA』らしさを最も体現しているのが、地下2階／地下1階／2階／4階の客用WCに展開された「Natural Artifacts」というアート作品群である。 空間デザインスタジオ・NOWが「万物の起源」をテーマに空間演出を手がけた各階の客用WC。その空間には、塩内浩二氏によるサイトスペシフィック・アートが、単に“展示される”のではなく、空間を構成する要素のひとつとして組み込まれている。 名古屋にルーツを持つクリエイティブディレクター・アーティストの塩内氏は、東洋の自然観や五行思想、自身のルーツを背景に、「水」「洞窟」「雷」「宇宙」をモチーフとした4作品を、平面や立体など異なる手法で展開した。空間そのものと作品の関係性を組み立てながら、商業空間とアートをシームレスに共存させる試み。その狙いと、実現するうえでの難しさとは。今回は、そのうち「Discharge」「Accumulation of history」の造形・制作で協働した矢口周太郎氏と塩内氏の対談から紐解いていく。

──まずはお二人の自己紹介をお願いします。

塩内：株式会社カトレヤトウキョウ代表で、クリエイティブディレクター・アーティストの塩内です。2025年の3月、目黒にCCI Creative Complex®︎という文化複合施設を作りました。1階では“開かれた場所”として、展示会や音楽ライブのほか、ワインイベントなどを行っています。コロナ禍以降、デザインを取り巻く環境が変わったこともあり、こういったスペースを設けました。 矢口：株式会社YAW代表の矢口です。学芸大学駅の近くで『YOU ARE WELCOME』というインテリアショップを運営しながら、インテリアや什器のデザインも担当していますね。 ──お二人の交流はいつからですか？ 塩内：およそ13年前ですね。僕がCattleyatokyo™を立ち上げたばかりの頃は中目黒に住んでいて。そのときにふらっと入った『new territory』というアンティークショップで働いていたのが矢口くんです。 矢口：そこで意気投合して、飲みに行ったりして。塩内くんは『new territory』から徒歩5分ぐらいのところに住んでいたんですよね。当時から塩内くんはだいぶ“仕上がって”いて（笑）。自分の思想をしっかり持っていたんですよね。 塩内：矢口くんは“ディガー”でしたね。ヴィンテージのことをめちゃくちゃ深いところまで掘り下げているし、デザインに対する造詣もかなり深かった。当時から視野が広い人でしたね。 矢口：僕らはデザインが好きという共通点がありましたよね。 塩内：共通点でいうと、ファッションに詳しいのも一緒ですね。親友のスタイリストと一緒にファッションブランドのルックを担当したこともあります。 矢口：ファッション周りに同年代のかなり広いコミュニティがあって。デザイナーやフォトグラファーからスタイリスト、アートディレクターなど幅広い職業の人がいたんです。 塩内：『BODYSONG.』や『BALMUNG』のような前衛的なファッションブランドや、その周りの人たちですね。十何年経って作るものも働き方も変わったけど、今もどこかで意識しあっている感覚があります。

──先ほど塩内さんがおっしゃっていた「コロナ禍以降、デザインを取り巻く環境が変わった」というのはどのような意味でしょうか？ 塩内：コロナ禍で人と人の接触が制限されてから、「“場所”には意味がない」という風潮が生まれましたよね。そんな流れで会社がリモートワークに切り替えたりした。そのアンチテーゼで「場所の方を拡張してみよう」という考えも生まれて、メタバースが一瞬だけ流行したりもしました。でも、コロナ禍が収束しはじめた頃には、「やっぱり人同士が結びつく行為が必要だ」と、場所の再評価が行われて。そこで僕も、デザインやアートの定義を、単なる作品のような“二次元”から、作品を通じて人と人が交流する“三次元”まで拡張しようと試みたんです。やっぱり人は人と会わないと生きていけないし、その感動体験は超えられないのではないかと。 矢口：“作品”ではなく“場”を作るという試みはヨーロッパなんかではよく見られますよね。 塩内：ファッション、アート、内装まですべてを行っていた『SURFACE TO AIR』や、テレビの制作会社がデニム作りを始めたことからスタートした『Acne Studios』なんかは、根幹にある考え方が一緒なのではないかと思います。僕自身、イギリスに訪れたときに彼らが境界を超える軽やかさに影響を受けましたね。でも日本だと「貴方は私の分野のことを何も知らないだろ」なんていがみあっていて（笑）。 矢口：それでいうと僕らは境界を超え始めた世代ですよね。 塩内：柔軟性を持った人がたまたま同世代に多くて、コロナ禍によってその傾向がはっきりした。今ではみんなが自身の専門領域にとらわれずに様々なことをやっていて面白い時代になったと思います。

──『HAERA』のプロジェクトはどのようにスタートしたのでしょうか？ 塩内：空間デザインスタジオ・NOWから客用WC及びCS諸室のデザインは3年前に動き始めたと聞いています。それこそ、コロナ禍ですよね。何度もブラッシュアップを重ねたそうで、NOWから僕にオファーがあったのは2024年の11月。そこから「Natural Artifacts」の構想を考えました。 ──作品のアイデアは、塩内さんのルーツに着想したと伺っています。どのように思いついたのでしょうか？ 塩内：アートに強度を持たせるための方法論として、「自分にしかないアイデンティティを探す」と「歴史と照らし合わせて、自分の立ち位置がどこになるのかを知る」ことが大事だと思っていて。つまり、目に見える美しさだけを表面的に追い求めるのではなく、観念的な美にフォーカスする必要がある。そのためにまずは、自分が生きてきた道筋を辿ったという流れですね。 矢口：ルーツを辿ることは、「Natural Artifacts」に限らず、アートを手がけるときの基本的な方法論ですね。 塩内：そうです。そこで着想したのが、僕の高祖父である伊藤安三郎の長男、伊藤覚典（萬松寺三十七世の大円覚典和尚）でした。彼は名古屋の大須にある萬松寺というお寺を引き継いで、境内の大部分を解放したんです。そこが今の大須商店街ですね。萬松寺は内装が妙にギラついていたり、今はお賽銭がPayPayしかできなかったりと革新的で面白いのですが、その話は長くなるので割愛して。いずれにせよ、格式が高いけど“開かれ”たお寺だった。そもそも寺院は宗教施設としての機能を持ちながら、多くの人が行き交う場所でもあったんです。『HAERA』も同じく、たくさんの住民や観光客が訪れる施設ですよね。そんなところに常設するアートには“祈り”の意味を込められるのではないかと思ったんです。

矢口：五行思想に着想したのはなぜでしょう？ 塩内：萬松寺の仏教思想と、東洋の伝統的な考え方である五行思想、それと僕が学んできたモダニズムに見られる丸・三角・四角のような基本的な造形の要素がうまくハマったんですよね。ただ、あんまり“和”に寄りすぎても良くないので、すべての要素が混じり合って、それぞれを密かに感じるぐらいの絶妙なバランスを探りました。 ──矢口さんがプロジェクトに参加したのはいつからですか？ 矢口：2025年の末かな。「雷」をテーマにした「Discharge」と、「洞窟」をテーマにした「Accumulation of history」の2つの作品制作に関わりました。

──塩内さんが矢口さんに声をかけたきっかけはなんでしょう？ 塩内：「Discharge」を作っているとき、壁にぶち当たってしまって。神社にある紙垂のような形状の作品なのですが、3Dプリントで何度試作してもしっくりこない。そんなときに矢口くんの顔が浮かんだんです。 矢口：塩内くんは1年以上ひとりで考えているし、作らないといけない点数もかなり多い。お話を聞いて、今は頭の整理が難しい状態なんだろうなと思いました。 塩内：ずっとこねくり回していましたからね。毎週必ずプロジェクトチームの打ち合わせを行っていたのですが、その回数を数えたら約80回でした。長期間考えているとやっぱり煮詰まってくるんですよ。 矢口：コンセプトがしっかり固まっていたから、スッと入ってきましたね。僕から見たら、あとは交通整理をするだけの状態でした。具体的な造形のイメージや、空間への落とし込み方を提案しましたね。 塩内：矢口くんが見事にブレイクスルーしてくれました。

──商業施設に設置するアートを作るときは、どのようなことを意識するのでしょう？ 塩内：「Natural Artifacts」はサイトスペシフィックな（特定の場所に存在するために作られた）作品なので、寸法や素材もすべて空間に合わせて考えているんですよ。たとえば建物の構造に対してボリュームがどうしたら美しく見えるのかなどを、徹底的に考えます。スケッチアップの段階で、「間違いないだろう」と踏み切れたら、ペラペラな紙に印刷して何回も現地でアタリをつける。そしてようやく実際の作品を制作する、という流れですね。実はかなりアナログな手法なんです。 矢口：「Discharge」については、『HAERA』の2階にある三角形のくぼみのようなスペースに飾るのが、サイズや照明の関係でベターだという判断になったんです。そこから設置する高さや、パーツ一つひとつが最も美しく見える角度を探りました。 ──「Discharge」は、構成するパーツの材質が異なるところが目を引きます。 塩内：パーツの素材は最後に決まりました。ネロマルキーナや蛇紋石のような大理石と木材、アルミ無垢材をコラージュのように配置しています。 矢口：単純な形状の連続なのですが、そこでどんなリズムを生み出すかを意識しましたね。 塩内：長く残るものなので、形状はクドすぎない方がいいと思うんですよ。 矢口：素材の仕上げには僕の好みも反映されていますね。大理石は「本磨き」というツヤツヤに光沢を出す方法が一般的なのですが、今回はあえてマットな「水磨き」を採用しました。

──「洞窟」をテーマにした「Accumulation of history」は、立体的に削り出した無垢材のヒノキやスギ、ケヤキを縦に積み上げた作品です。現在の形に至るまでには、かなり造形の変化があったそうですね。 塩内：そうですね。最初から今のような積層した形を考えていたわけではありません。出発点にあったのは、NOWが地下1階の空間に設定していた「洞窟」というテーマです。最初はそこから連想して、お椀のような形を重ねたり、洞窟そのものを抽象化したような造形を考えていました。3Dプリンターで何度か模型も作ったのですが、なかなか作品としての強度が出なかったんです。 ──当初は全く異なるアプローチを想定していたのですね。 塩内：そうですね。その頃、NOWから、立体物が積み上がっているイメージを共有してもらいました。それがひとつの転換点になって、「洞窟」というモチーフをそのまま形にするのではなく、長い時間をかけて物質や地層が堆積していくように、異なる形態を積み上げていく方向へ発想が変わっていきました。同時に、自分自身の過去にも立ち戻りました。学生時代、名古屋の画塾で最初に学んだ表現が、丸や三角、四角のような基礎的な図形で画面を作る「平面構成」だったんです。それを今度は二次元ではなく三次元でやってみようと。だからこの作品には、洞窟のような自然の時間だけでなく、自分が表現を学び始めた頃から現在までの個人史も積み重なっています。それが「Accumulation of history」というタイトルにもつながっています ──そこから、矢口さんが制作に加わっていったのでしょうか？ 塩内：積み上げるという大きな方向性が見え始めた頃に、矢口くんにも相談しました。そこから、実際にどんな形状や素材で成立させるのか、どうすれば空間の中で作品として強度を持てるのかを一緒に詰めていきましたね。 矢口：基本的なコンセプトや積層する方向性はすでにあったので、僕はそこから立体としてどう成立させるかを考えていきました。この作品は、名古屋でも数社しか所有していない5軸加工という技術で作られているんです。 塩内：愛知県にある「Artistry」さんという家具メーカーですよね。素材についても、そこからかなり検討しました。 ──「Natural Artifacts」を手掛けるにあたり、二人が感じたことはありますか？ 矢口：最初に話を聞いた時はワクワクしましたね。こんな大きいプロジェクトに携われることが嬉しいですし、何よりそれを発注してくれたのが顔馴染みの塩内くんだった。それがとにかく新鮮でしたね。13年前に飲み歩いたり、仕事をした仲間と、まさかこんな形でまた一緒にプロジェクトができるとは思わなかったです。 塩内：矢口くんは立体的な構造における細かい知識を持っていたので心強かったし、勉強になりました。それに、素材のバランスとずっと向き合ってきた人の感覚はやはり参考になりますよね。人工物と自然物を隣り合わせたときの見え方や、形状、素材、色に対して「こういうものがいい」と言える肌感覚も大事だなと。矢口くんが携わったことで、自分だけでは辿り着けない場所に行けたと思います。

──『HAERA』がオープンしてから、実際に作品の周りを人が行き交っています。製作した側としてはどのような感覚なのでしょうか？ 矢口：設置のタイミングで見たのが最後なので、僕はまだ営業中の光景を見ていなくて（笑）。 塩内：僕が嬉しかったのは、常設した日からSNSでメンションがたくさん飛んできたときですね。みんなちゃんと作品を見てくれているんだなと。あと、親戚の中には『HAERA』の一般向けレセプションに参加したり、雑誌で僕が「Natural Artifacts」について語った記事を読んでくれた人もいて。僕が自分のアイデンティティを表現していることを、血の繋がっている人が喜んでくれたのも、印象的な出来事でした。

──今後、「Natural Artifacts」という作品とどのように接してほしいですか？ 塩内：じっくり向き合ってもらいたい、というのは大前提で、それぞれのキャプションに実は『HAERA』の公式サイトで僕のことが分かるQRコードが載っているんですよ。そこからぜひ芸術やポストモダンのことをリサーチしてもらったり、僕に関連する記事を見てもらうことが、何かブレイクスルーのきっかけになったら嬉しいです。純粋な画家やデザイナーとは違って、僕はクリエイティブディレクターやアーティスト、『ハナマルキ』のCCO、京都精華大学の評議員など肩書きが多いタイプで。あまり好きな言葉ではないですが、「スラッシャー」とも言ったりしますね。そんな複眼視点の人がこの時代に領域を超えたユニークなモノづくりをやっていることを知れば、活動方針を考える上でひとつの支えになるのかなと思います。 矢口：「Natural Artifacts」が置かれた空間デザインについては塩内くんはいかがでしょうか？ 塩内：そうそう、実は『HAERA』の空間デザインを担当しているNOWの鈴木 弦さんとも20年近い付き合いがあるんですよ。彼の兄も親友で、その周りの人たちとも交流があった。僕が20歳くらいのときは宇田川町のクラブで毎月みんなとイベントをオーガナイズし、DJやVJをやっていて。そんな付き合いの長い人たちと、今こうやってコラボレーションできるのは面白い話だなと。交わったり離れたりしながら歴史が続くような、仏教の言葉で言う「離合集散」を実感しました。 ──まさしく先ほど塩内さんがおっしゃった、作品を通じて人と人が交流する“場”ですね。 塩内：あと、もう一つ興味深いのが、かつてイベントという刹那的なものを作っていた自分たちが、空間デザインや常設展示といった、長く形に残るものを作っていることですよね。そんな時間軸の転換も大事なことなのではないかと。若い時は「軽くて」「速くて」「安い」ものばかりを追い求めていましたが、感性と知識と経験を備えたことで、「重くて」「高くて」「遅い」ものに耐えられるようになってきた。つまり、耐用性のあるものを作れるようになった。そのためには、瞬間的な創作とは比べ物にならないほど、コストやリスクがかかることもある。それでも、そんなリスクを負った上で表現することが、作品の出力や耐用性を圧倒的に高めるきっかけになる。何もかもが加速する今の時代において、そんな経験がデザイナーやアーティストの創作のヒントになったら嬉しいです。

塩内 浩二 | KOJI SHIOUCHI 株式会社カトレヤトウキョウ代表取締役。クリエイティブディレクター／アーティスト。ハナマルキ株式会社CCO（チーフ・クリエイティブ・オフィサー）、学校法人京都精華大学評議員。 1985年愛知県生まれ。英国留学後、京都精華大学デザイン学部ビジュアルデザイン学科卒。2013年、クリエイティブコレクティブ「Cattleyatokyo™」を設立。これまで10年以上にわたり、ファッション、音楽、アート領域を中心に、アートディレクション、グラフィックデザイン、映像、プロダクトデザイン、インスタレーションなどを通して、集団的創造による文化醸成に寄与している。 コレクティブ名義での展覧会に加え、個展を「OIL by 美術手帖」にて発表するなど、アーティストとしても精力的に活動。2024年6月よりハナマルキ株式会社のCCOに就任し、2024年12月より学校法人京都精華大学評議員に就任。ファッションブランドFlexible Visual SPCE™ではディレクターとして、ブランドの世界観構築やクリエイティブディレクションにも携わっている。 2025年には東京・目黒に、創造・交流・発信を目的とした文化複合拠点「CCI Creative Complex®」を開設。アート、デザイン、ファッション、食、教育を横断する活動を通じて、都市における新たな文化の場づくりを展開している。 Koji Shiouchi official site：http://kojishiouchi.com/ Cattleyatokyo™ official site：https://cattleya-arts.com/ Instagram：@kojishiouchi

矢口周太郎 | SHUTARO YAGUCHI インテリアショップでのバイヤー経験を経て、ヴィンテージ家具を中心としたショップ「YOU ARE WELCOME」を2018年にOPEN 。 70年代以降のモダンデザインや、アート、工芸、古道具やプリミティブに至るまで幅広くセレクトしている。 ショップと並行し、空間デザイン、什器デザイン、セットデザインも手掛ける。 Instagram : @youarewelcome.tokyo

Interview&Text by Koki Yamanashi Photo by Kai Tamaki Edit by Akechi Sanae, Kazuki Hyodo（Qetic）

令和のいま、正真正銘の「ガレージバンド」が誕生するとは、誰が思っただろうーーアイルランド・ウィックロウ出身、高校で出会った4人組で結成されたバンド・Florence Roadは、自宅のガレージで演奏する姿を収めた動画がバズり、高校を卒業後瞬く間に世界へと羽ばたいた。 高校を卒業したばかりの彼女たちが、なぜここまで世界中の人々の心を惹きつけるのだろう？　初来日を果たした彼女たちに話を聞くと、シンデレラストーリーをも蹴散らす、彼女たちの才能と音楽への情熱が見えてきた。

──みなさんは高校時代にカバー曲をガレージで演奏していて、その様子をTikTokに投稿したことがいまの活動につながっているんですよね？ Hannah Kelly（以下、Hannah）　そうです。初めは純粋に楽しむためにTikTokを撮ったり、自分たちが好きな曲を演奏したりしていました。 Lily Aron（以下、Liky）　私の家の裏庭にあるガレージで演奏していたんだよね（笑）。 Hannah 　そうそう（笑）。そうしたら1、2本の動画が一気に広がっていって……。 ──高校卒業後すぐに世界を駆け回るミュージシャンになるなんて、まるで映画みたいですね。何気なく撮り始めた動画がいまの活動に通じると、当時想像していましたか？ Hannah　いえ、本当に予想外でした。そんなことになるなんて、思いもしませんでした。でも、すごくうれしいサプライズだったよね。 Lily　そうだね。その動画が、たくさんの人たちを私たちの元に連れてきてくれたことは、すごくすばらしいことだと思う。私たちがついに自分達の楽曲をリリースし始めたときには、すでにたくさんの人たちが聴く準備をして待っていてくれて。そんなふうに私たちの周りでコミュニティができていくのを見るのは、本当にすばらしい体験でした。

──いまは世界中を飛び回る生活を送っていると思いますが、この生活には慣れましたか？ Emma Brandon（以下、Emma）　はい、だいぶこの生活のリズムに慣れてきました。 Lily　いまでは空港でもすっかり顔馴染みになったよね（笑）。行きつけの場所もあるし、だんだんルーティーンもできてきたよね。 ──ツアー中には、みんなで『マリオカート』をするのがルーティーンになっていたそうですね。 Ailbhe Barry（以下、Ailbhe）　そう、あれは健全な競争っていうか（笑）。 Lily　『マリオカート』ってすごくエネルギッシュなのに、なぜかリラックスできるんだよね（笑）。ライブのあとにみんなでやると落ち着けるから、すごく役に立ってるよ。そしていま実際に日本にいるなんて、信じられない！

──日本でのライブは初めてですよね。「SUMMER SONIC」への出演とワンマンライブのための来日ですが、これまで日本に来たことはあリますか？ 一同　初めてです。 Lily　みんなすごく親切で、すてきで。とても親切で他人を温かく受け入れてくれるところが、アイルランドと似ている気がするな。 ──では、日本で楽しみにしていることは何かありますか？ Lily　私は日本のファンのみなさんに会えるのがとても楽しみです。今回の来日では色んな場所でライブできるから、最高だと思う。 Ailbhe　ちょっと不真面目な回答かもしれないけど、私は新幹線に乗って大阪に行くのが楽しみ（笑）。 Emma　私はすごく食いしん坊だから、日本の食べ物が楽しみだな。ずっと日本食を調べまくってる（笑）。 Lily　そうそう、Emmaがリサーチした日本食の情報を送ってくれるんだよね（笑）。どれもおいしそうだから、私もすごく楽しみ。

──もう何か日本食は食べましたか？ Emma　ラーメンを食べたよ。めちゃくちゃおいしかった。 Lily　うん。おいしすぎて、「もう、これ全部ちょうだい！」って感じだった（笑）。あと、私は甘いものが大好きだから、日本のお菓子にハマっちゃって。もうずっと試してる。 Emma　チョコでコーティングされたパイナップルグミが最高だったよね。あれが私のお気に入りかな。 Lily　あと、昨日は箸づくり体験もしたの。自分の名前を箸に入れたんだ。 Emma　かなり“観光客”って感じで楽しんでるよね（笑）。 一同　そうだね（笑）。

──Florence Roadの魅力は、グランジや90年代オルタナティヴ・ロックを思わせるギターサウンドと、ありのままをさらけ出す等身大の歌詞だと思います。歌詞は自身の経験を基に書いているのでしょうか？ Lily　はい、自分の経験を基にした歌詞が多いです。基本的には、自分自身の内面にあるものについて書いています。でも、友達や家族が経験したことを基に書いた歌詞もあります。あと、街を歩いているときに誰かが通り過ぎて、そのときに彼らが話していたことがインスピレーションになることもありますね。私はすごく好奇心が強いので、他の人たちの人生にも興味があるんです。 ──Lilyは学生の頃から好奇心旺盛なタイプでした？ Lily　そうですね。他のメンバーもみんな好奇心が強いタイプだと思う。 一同　そうだね。

──では、歌詞を書くときはどのように書いていますか？　自分の部屋で一人で書くのか、それともみんなが集まる場所で？ Lily　両方です。私の部屋から生まれたものもあるし、4人で部屋に集まってジャムセッションを始めて、そこから歌い始めたり、誰かが何かを弾き始めたりして、それが形になっていくこともあります。EmmaやHannahが書いたリフから歌詞が生まれることもある。だから、曲づくりには決まった方法があるわけじゃなくて、そこが楽しいところだと思います。いつ曲が生まれるのか、私たち自身にも分からないんです。 ──だからFlorence Roadの楽曲にはロックからバラードまで、さまざまなテイストの曲があるんですね。 Lily　そうですね。そのときのムードが楽曲に影響を与えているんだと思います。例えば、私たちがみんなでガレージに集まるときは、アンプの音量を目一杯上げるようにしているんです。あと、実はそのガレージはちょっと汚れていて（笑）。そういう環境だと『Figure It Out』みたいな、ロックな曲が生まれるんです。やさしい曲たちは、もっと落ち着いた環境から生まれるかな。 ──これまで「自分たちがどんな音楽をつくりたいか」について、みんなで話し合ったことはありますか？ Lily　改めて話合ったことは一度もないと思う。いつもそのときにしっくりくるものを作っています。いつも“音楽自身が語ること”に耳を澄ませていて、例えばその曲が「この曲はピアノで柔らかくて落ち着いた感じがいい」と言ってくるなら、自然とそういう曲になっていく。そうやって、自分たちを一つのジャンルやタイプに限定していないのは、すごく良いことだと思います。 Emma　みんなで部屋に集まっていると、自然と音楽が生まれるんだよね。何が生まれるか、そのときまで誰にも分からない。

Lily　そう。だから、今後もしかしたら、めちゃくめちゃな方向にいっちゃうかもしれない。例えば、「次の曲、私ラップするから！」とか（笑）。 一同　（笑）。 ──初来日を記念して8月5日にリリースされた日本限定企画盤『Between Seasons』は、まさにFlorence Roadのさまざまな側面を楽しめる1枚だと思います。リリースの経緯を教えていただけますか？ Lily　このアルバムは、2つの別々のEP『Fall Back』と『Spring Forward』をひとつにまとめて、ライブ音源3曲を追加収録したものです。まるで冬から春へと季節が移り変わっていくような作品になったので、「Between Seasons」という名前をつけました。日本のみなさんに、私たちの2年間の物語を伝えられる作品になっていたらいいなと思います。 一同　そうだね。

──Florence Roadというバンド名は、みなさんのアイルランドの地元に実在する通りの名前から付けられたそうですね。世界中で演奏するなかで、アイルランド人としてのアイデンティティについて考えることはありますか？ Lily　もちろんです。ずっとアイルランドに住んでいて、学校に通っていたときは「私たちアイルランド人だよね〜」くらいに思っていたんです。でも、アイルランドを離れてみると、こんなに自分たちがアイルランド人であることを誇りに思ったことはないと感じるようになりました。「あぁ、私の国、私の小さな島……」っていう気持ちになります（笑）。

Ailbhe　空気さえも違うし、感覚も違うし、匂いも違う。いつもアイルランドに到着した瞬間に「あぁ（これこれ）」ってなるよね。 Emma　それに海外にいると、アイルランド語を話すことが増えるんです。それをすると、安心するからなのかな。 Lily　そうだね。アイルランド語は、遠く離れた場所にいても、私たちと故郷をつないでくれる、私たちだけの特別な言葉なんです。 ──他に、離れた場所にいても大事にしていることや、常に心に留めていることはありますか？ 一同　家族かな。 Emma　家に帰る時間があれば、家族や友達と過ごすことを最優先にしています。そうすることで、地に足をつけていられるんですよね。そうして、ただの「娘」や「姉妹」に戻って少しだけこの世界から離れることが、自分たちらしさを保つことにつながっていると思います。すごく大切なことだと思う。 Hannah　そうだね。スタジアムで演奏して家に帰ったら、普通に買い物に行かなきゃいけない。そういうギャップも面白いよね（笑）。

──みなさんはFlorence Roadとしての旅を始めてまだ約2年ですね。ここまであっという間だったかもしれませんが、最後にこの先のビジョンを教えていただけますか？ Lily　他の人たちのために何か良いことができるようになれたらいいなと思っています。例えば、私たちがこれまで世界中のファンの方々から受け取ったやさしさを、他の人々に返せるようなところまで辿り着けたら、それは本当にすばらしいことだと思います。だって、こういう立場にいるのに、それを返さないのは自分勝手だと思うから。 一同　うん、全く同じです。 Lily　そして、これを読んでくれているみなさんに「Hello!」って言いたいな。みなさんに会えて本当にうれしいし、私たちの音楽を聴いてくれているなら、本当にありがとうと伝えたい。あと、この子（Qetic公式キャラクター：あいつ）が大好き（笑）。 Emma　うん、なんかこの子、親指みたい（笑）。みんなに次のライブで会えたらいいな。そのときは、踊れる靴を履いてきてね！

Hannah　私たちを日本に呼んでくれて、本当にありがとう。Emmaが言ったように、踊れる準備をしておいてね！　ロックンロールは永遠に。 Ailbhe　本当にありがとう。できるだけ早く、また日本に戻ってこられたらいいな！ 一同　またすぐに会いましょう！

音が物質や空間を通り抜け、進む角度を変えながら新たな像を結んでいく。Corneliusが2026年8月19日にリリースする8枚目のアルバム『Refractions』は、タイトルが意味する「屈折」を、その制作過程にも宿した作品だ。 内省的な色合いの強かった近作から一転し、今作では身体を揺らすビートとファンクネスが前景化。Bid、Sean Ono Lennon、Arto Lindsayといった長年交流を重ねてきた音楽家たちを迎え、井上陽水の“夢寝見”を取り上げた。そして、その新しい音像を生み出す「媒質」となったのが、ここ数年で急速な進化を遂げた生成AIだ。 曲作りではAIを素材やセッション相手として用い、MVまで自ら手がける。その一方で、年齢と残された時間を意識し、いま再び身体的なビートへと向かう。テクノロジーによって創作の境界が揺らぐ時代に、Corneliusは何をつくろうとしているのか。『Refractions』の制作をめぐって、小山田圭吾に話を訊いた。

──まず、アルバムタイトルを『Refractions』にした理由から聞かせてもらえますか？ 『Reflections』ではなく『Refractions』なんですけど、『Reflections』といえば、僕らの世代にとっては寺尾聰さんのアルバムがすごく印象深いんですよ。小学生の頃にかなりインパクトを受けたアルバムなので、タイトルがちょっと似ているなと思いつつ（笑）。 「Refractions」は屈折という意味で、反射ではなく、何かの媒質を通ることで少し角度が変わり、いろいろな世界が現れる。そういうイメージがアルバム全体にあって、最終的にこのタイトルになりました。

──ここ最近の2作、『Mellow Waves』と『夢中夢』は、わりと内省的というか、インナースペースに向かうような作品でした。一方、今回はダンサブルでファンキーな曲が多い印象です。 そこはわりと最初から意識していましたね。一番大きいのは年齢です。こういうビートがしっかりした音楽を、今後あと何年できるのかなと。やれるうちに、こういうこともやっておきたいという気持ちが、最初にあったんです。 ──近年、また精力的にライブを行っていることも、今回の方向性に影響していますか？ それはありますね。ここ最近は静かな曲がすごく増えて、ライブが少し単調になっている感覚もあったので、またちょっと変えてみたいなと。 ──“Mind Train”は、すでにライブでも披露されています。アルバム制作の初期にできた曲ですか？ 一昨年だったかな、Corneliusの30周年ライブ＜Cornelius 30th Anniversary Set＞があって。そのときは過去の曲をいろいろ演奏したんですけど、セットリストに新曲も入れたいと思ったんです。それで“Mind Train”と、Arto Lindsayさんが参加してくれた“Bad Advice”ができた。その2曲が、今回のアルバムの始まりですね。

──アルバムにはCorneliusらしいシグネチャーサウンドがありながら、これまで聴いたことのないような音も数多く使われています。こうした変化の背景には、何があったのでしょうか。 生成AIを制作に取り入れたことが、かなり大きいと思います。ここ2年くらいで、AIがいろいろな分野で急激に存在感を増してきたじゃないですか。それが今回の変化の大きな要因になっていますね。 “Mind Train”でも、コーラスの女性の声はAIで作ったんです。ただ、その頃はいまのような音楽生成AIはまだなくて。あとは曲のタイトルを考えるときに、ChatGPTを使って言葉を探すようなことを、うっすら始めていたくらいでした。 それ以降の曲では、生成したものも取り入れています。AIの精度もだいぶ上がってきたし、特に映像系ですかね。去年くらいから急激に進化して、いまはあらゆる制作の中にAIが入ってきています。 ──具体的には、どのように使っているのですか？ 本当にいろいろですね。たとえば今回、自分の声以外のコーラスは全部AIなんですよ。女性ボーカルには何人かキャラクターがいて、その人たちに歌わせています。 ──そうだったんですか。てっきり大野由美子さんが歌っているのかと思いました。 大野さんに似た声を選んだんです（笑）。 曲作りでは、自分で作った断片を一度AIに入れて、いくつかのパターンを作る。そこからいいものをステムで書き出して編集し、もう一度AIに入れる。出てきたものを全部弾き直して、パートを削ったり足したりしていきます。 サンプル素材のように、いくつかのフレーズを抜き出して使うこともある。曲をステムに分け、そこに違うビートを加えたものをもう一度AIに入れて、さらに発展させる。そういう作業を延々とやっています。 ──アシスタントでもあり、セッション相手でもあるような存在ですね。 セッション相手というのは近いですね。素材でもあるし、いろいろな可能性を試せるものでもある。媒質というか、「屈折」の相手としてさまざまな分岐が出てきて、それをまたこちらへ戻していく。相手は人間ではないんだけど、そういうことをずっとやっています。 ──ChatGPTやGeminiには、それぞれ特徴的な文体があります。音楽生成AIにも、音色やフレージングに独特の癖がありますか？ ありますね。それに、音質だったりまだパートをきれいに分離できないという問題もある。いま、音楽生成AIではSunoが一番広く使われていると思うんですけど、僕も最初に少し触ってみて、好みとは違うなと思いました。Udioというのもあって、僕はそちらがすごく好きで使っています。 最終的に、AIで生成した音がそのまま多く残っているわけではないです。 ──AIを使うことで、ご自身で曲を作り込む範囲も以前より増えましたか？ 増えましたね。制作の初期段階はスタジオではなく、ずっと家で作業していました。

──ライターの仕事も、まさに似た状況になっています。どこまでが自分の作業なのかと思うこともありますが、何を選び、何を残すかという部分に主体性があるのかもしれません。 そうですよね。クリエイティブの根幹とは何かということ自体が、ものすごく揺らぐ。ただ、編集やキュレーションの感覚、何を求めて何を選ぶかという判断は、結局、人間が担うものとして残るのかなと思います。 演奏の技術や、それをライブで再現することになると、また話は別ですけど、ただ「作る」というだけなら、ハードルはものすごく低くなっていますよね。 僕はまだ半分人間というか（笑）、これまでの作り方を半分残していますけど、これからはAIネイティブの子たち、音楽を始めるきっかけがAIだった世代が出てくると思うんです。技術はなくても知識や文脈が異常に発達した人が組み立てる音楽は、聴いてみたい気がします。

──シンセサイザーやドラムマシン、サンプリング、DAWなど、これまでも新しいテクノロジーが音楽を変えてきました。生成AIは、それらとはまた別の次元にあるように感じますか？ 道具としての領域を、かなり超えてきてますよね。ドラムマシンが登場したときには、ドラマーの仕事を奪うと反発されたり、テクノには魂がないと言われたり、サンプリングが登場して議論になったり。新しい技術が出てくるたびに、そういうことはありました。でもAIは、さらに違う次元にあると思います。 DAWの中にもすでにAIが入っていますから、まったく使わずにいることが可能なのか、という感じじゃないですか。ただ、同時に問題もものすごくたくさんあって。 今回、自分でAIを使ってMVを作り、頑張っていいものができたと思ってYouTubeに上げたら、批判されたんですよ。特にアメリカには反AIの人が大勢いて。僕はその状況をよく知らなかったので、発表して初めて、こんなに大きな問題になっているんだと実感しました。 ──これだけ大きな変化をもたらすものだからこそ、強い拒否反応も出てくるのでしょうね。 産業革命のときに、機械化に反対して工場の機械を破壊するラッダイト運動があったじゃないですか。それよりもっと大きな反対運動が、これから来るんじゃないかと思います。 特にアメリカでは、AIが大量の電力や水を消費することや、データセンターが周辺環境に与える影響など、環境面の問題が指摘されています。それに、AIに仕事を奪われることへの危機感も大きい。なかでも、これから就職する若い人たちは、いままで学んできたことを否定されたように感じているのかもしれない。実際、仕事のあり方も大きく変わっていくでしょうし。 ──確かにそうですね。 芸術やクリエイティブの領域では「AI slop」という言葉もあるんです。生成AIで大量に作られた質の低いショート動画のようなものを、AIのゴミだと批判する言葉ですね。「いままでCorneliusの映像はよかったのに、AIを使うなんて最低だ」というような反応も、結構ありました。

──今作にはBid、Sean Ono Lennon、Arto Lindsayが参加しています。AIを介した制作と、人とのコラボレーションが並行していることも印象的でした。 それも「屈折」の媒介のひとつというか。コラボレーションする相手がいて、その人を通して生まれるものを取り入れたいと思ったんです。以前から一緒にやってみたかった人や、長い付き合いになった人たちと、改めてやってみようかなと。 ──The Monochrome Setとの交流が始まったのは、いつ頃ですか？ 最初は90年代の頭くらいかな。『Fab Gear』（1990年）というコンピレーション・アルバムを作ったときに会ったのか、あるいはThe Monochrome Setが一度解散したあと、日本に来たときだったかもしれない。その頃に何度か会っていましたね。 それから時間が空いて、コロナ禍の前くらいに彼らが来日したとき、ライブを観に行って久しぶりに再会したんです。それをきっかけに、また連絡を取るようになりました。 Lester Squareが抜け、ギタリストが不在だった2024年の来日公演では、「何曲か手伝ってほしい」と言われて、僕もゲストで参加しました。僕がロンドンへ行く機会もあって、そこから少しずつやり取りが増え、今回参加してもらいたいと思ったんです。 交流自体は、90年代から現代まで急に飛んだような感じですけどね（笑）。でも、僕は高校生の頃からずっと聴いていたので、今回一緒にできたのはうれしかったです。 ──Sean Ono Lennonさんとも長い交流があります。 最初に会ったのは90年代ですね。Seanが『Into the Sun』（1998年）を出した時期と、Corneliusの『FANTASMA』（1997年）が出たタイミングがかなり近かった。僕が初めてアメリカでライブをしたとき、テキサスの＜SXSW＞に出演したんです。SeanはGrand Royalのステージ、僕はMatadorのステージに出ていて、そのときに彼のライブを観ました。Seanにとっても、まだ1回目か2回目くらいのライブだったんじゃないかな。 その後、日本のライブハウスで会うことが何度かあって、『SENSUOUS』（2006年）の頃に出演した＜SUMMER SONIC 2007＞にもSeanが来ていたんです。彼がCMの仕事か何かでそのまま日本に残ると言っていて、僕らが次の週に＜RISING SUN ROCK FESTIVAL＞へ行くと話したら、SeanとガールフレンドのCharlotte Kemp Muhlがついてきた。一緒にフェスへ行って、そこでかなり仲良くなりました。 ──新生Plastic Ono Bandのメンバーになったのは、どのような経緯からですか？ 2009年にSeanがChimera Musicを始めて、日本でレーベルのショーケースライブを開いたとき、Corneliusのバンドがハウスバンドとして参加することになり、Seanや所属アーティストの曲を演奏しました。そこにオノ・ヨーコさんが来ていて、ライブの翌日にバンドへ誘われたんです。そのままレコーディングに入り、そこから10年くらい、Seanや本田ゆかさんたちとPlastic Ono Bandでいろいろな活動をしました。

──Arto Lindsayさんとの出会いも90年代ですか？ ArtoさんもSeanと同じくらいで、たしか1998年です。彼がライブで日本へ来たとき、渋谷のタワーレコード前の横断歩道から、壁に掲げられた『FANTASMA』のビルボードを見たらしいんです。そこに写っていた僕が、Artoさんの使っているものと同じDanelectroのギターを持っていて、「これ誰だ？」となったらしく（笑）。 その後、ホテルでMTVをつけたらCorneliusの“STAR FRUITS SURF RIDER”が流れてきて、それで興味を持って連絡してくれたんです。それが最初でした。 その後は、Artoさんのアルバムに僕が参加したり、こちらの作品に参加してもらったり。Artoさんが日本へ来たときにCorneliusのメンバーがバックを務めたこともあるし、セッションも何度かしています。かなり長い付き合いですね。 ──井上陽水さんの“夢寝見”を取り上げたことも、新鮮な驚きでした。 “夢寝見”がすごく好きなんです。昔から知ってはいましたけど、ここまでハマったのは比較的最近ですね。 曲が発表されたのは1990年頃で、当時、陽水さんが出演していた車のCMに使われていたんです。「お元気ですか？」という有名なCMがあって、僕もよく覚えています。何パターンかあるうちのひとつで、この曲が流れていた。それで妙に印象に残っていました。 コロナ禍の少し前くらいかな。サブスクリプションでいろいろ聴いているとき、『ハンサムボーイ』（1990年）の1曲目に入っている“Pi Po Pa”がレコメンドに出てきたんです。聴いてみたら、めちゃくちゃよくて。そこから陽水さんのバックカタログを深く聴くようになり、なかでも“夢寝見”にすごくハマりました。ここ4、5年くらい、ずっと好きな曲です。 『夢中夢』とも同じような世界観なので、あのアルバムでカバーしても全然おかしくなかったと思います。でも、いつかこれはやっておきたいという気持ちがあって、今回収録しました。 ──陽水さんの音楽のどんな部分に惹かれましたか？ 陽水さんは、少しサイケデリックというか、ドリームポップ的なんですよね。“夢の中へ”もそうですけど、夢をモチーフにした曲が多い。夢なのか現実なのかわからないような世界を、ずっと表現している人で、そこがすごくいいんです。 それから、『ハンサムボーイ』の頃の陽水さんの作品では、「バナナさん」と呼ばれているキーボーディストの川島裕二さんが、アレンジの中心を担っていました。彼のプロダクションもすごくいい。サイケデリックな感覚をよくわかっているんですよ。 バナナさんは、EP-4という京都のポストパンク・バンドにもいた方で、DX7やProphetのようなシンセサイザーをものすごく変わった方法で使うんです。ノイズを出したり、独特の音を作ったり。以前、僕の作品でもProphetを弾いてもらったことがあります。しばらくお会いできていませんけど、バナナさんの仕事は素晴らしいですね。

──今作のデラックス・エディションには、一枚ずつ手作業でスプレーを施しています。なぜ、こうした仕様にしたのでしょうか。 今回はヴィジュアルも僕がAIで作っていて、そこに人間の手を加えるというハイブリッドな形にしたいと思いました。The Timesというイギリスのバンドのアルバムに、一枚ずつ異なるスプレーワークをジャケットに施した作品があって、それも少しイメージにありました。 今回は1,000枚くらいにスプレーしたんですけど、工場のような場所に全部並べて、一枚につき3、4色をひたすら吹いていきました。終わったあと、1週間くらいももの裏が痛くて（笑）。 こういう作業も、年齢を考えると、できるうちにやっておかないと。10年後に同じことをやれと言われても、たぶん無理ですから。 ──近年、作品のリリース間隔が以前より短くなっていることにも、年齢や残された時間への意識が影響していますか？ そうですね。自分ももうアラ還なので、この年齢になると、残された時間は意外と少ない。あと十何年かもしれないと思うと、「だいぶ時間がないぞ」っていう感じになります。70歳くらいで亡くなる人も多いじゃないですか。坂本龍一さんや高橋幸宏さんも70代でしたし。 ──その一方で、Mick JaggerやPaul McCartneyは80代でも活動している。 小山田：この間、長野に住んでいるTerry Rileyさんの90歳記念ライブを観たんですけど、素晴らしかったです。ジャズには90代の演奏家もいますけど、ロックではまだほとんどいないですよね。Terryさんはいまでも毎日練習して、曲を作っていると言っていました。ものすごい領域まで来ていますよね。 細野さんも、今年のWORLD HAPPINESSでライブを観ましたけど素晴らしかったし、去年、キネマ倶楽部で観たときもすごかった。今度はアメリカ・ツアーにも行くと言っていました。いつまでも元気でいてほしいと、切実に思うようになりましたね。 坂本さんや幸宏さんのことは、突然のことだったから。気づけば先輩たちも年を取っているし、自分も同じように年を重ねている。だから、いまやれることをやっておきたいと思っています。

──小山田さん自身は、何歳くらいまでいまのような形で音楽を続けるイメージがありますか？ 60代くらいまではバンドでライブをやって、70歳くらいから徐々に活動の形が変わっていくのかな。もちろん人によるし、どうなるかはわからないですけど、いまのような大音量で激しく演奏するライブが、いつまでもできるわけではないと思います。 以前は、そういうことをあまり考えていませんでした。40代の頃はオリジナルアルバムもほとんど作っていなくて、どちらかというと老成した世界に憧れていた。そういうモードが続いていたんです。 でも、残された時間を意識するようになって、できるうちにこういう曲もやっておきたいという気持ちが出てきた。そこは、以前とかなり変わったところですね。 ──どうか健康に気をつけて、これからも活動を続けてください。 お互いにね（笑）。

Interview＆Text by 黒田隆憲 Photo by Kana Tarumi Edit by Yu Oda

2024年1月に活動をスタートした3ピースバンド・LET ME KNOWが、初のフルアルバム『Still Romance』をリリースし、アルバムを掲げた東名阪ツアー『LET ME KNOW 1st album TOUR 2026 -Still Romance-』を開催した。ボーカル・Mattyの体調不良により名古屋公演が延期されるなどトラブルもあったが、それも乗り越え各地で熱演を披露。ファイナルの渋谷クラブクアトロでも、満員のフロアに向けてLET ME KNOWの世界観を見事に提示し、さらに秋のツアー『LET ME KNOW LIVE TOUR 2026 -Re: Still Romance-』の開催を発表した。 今、勢いに乗る彼らに、ツアー『LET ME KNOW 1st album TOUR 2026 -Still Romance-』を振り返ってもらいつつ、秋のツアー『LET ME KNOW LIVE TOUR 2026 -Re: Still Romance-』や今後のバンドの展望についてじっくりと話を聞いた。

──『1st album TOUR 2026 -Still Romance-』お疲れ様でした。率直なご感想を教えてください。 Lyo　今回は大阪、名古屋、東京の3箇所という短いツアーだったんですけど、僕たちの名刺代わりになるアルバム『Still Romance』を掲げたツアーというのもあり、LET ME KNOWとして、今やりたいことは何なのか、セットリストや曲間までしっかり考えて臨んでいて。だからこそ、自分たちがやりたいことをしっかり出し切れたツアーでした。もちろん反省点もありますけど、手応えを感じるツアーでしたね。 Matty　自分たちの思い描く”Still Romance”をしっかりとライブに落とし込めた良いツアーやったね。 Kehn　1本目の名古屋は、Mattyの体調不良で延期になってしまったんですけど、それもあって、みんなで健康にライブできることがすごい幸せだなって。ライブってやっぱり楽しいなって。それを噛みしめるツアーになりましたね。

──予期せぬ出来事を乗り越えてメンバー全員がさらに団結したツアーでもあったんですね。 Lyo　そうですね。Mattyが入院してる間にリハーサルは進めつつ、当然Mattyがいないと決まらない部分もあって。だからMattyが退院してからあまり時間もない中で、どういうマインドで今回ツアーやるのかを、みんな同じ目線でしっかり詰めていったんです。それも今回すごく実りのあるツアーになった一つの要因なんじゃないかな。 Matty　僕個人としては、回復してからそこまで時間もなかったので、体力的な不安は少しあったんです。でも大阪でツアーをスタートした時点で、大丈夫かなと思えて。それ以降は不安なく回れましたね。ファイナルの東京では、喉の疲れの心配はちょっとありましたけど、エンジンが切れることなく走り抜けることができました。

──東京公演でライブを目撃しましたが、まさに駆け抜けるように、セットリストで一つのストーリーを作るようなライブでしたね。 Lyo　今回のツアーではセットリストの流れの中で自分たちの世界観を作っていました。ライブに来てくれたお客さんに自分たちが本当に表現したいもの、これが俺たちのやりたいことだよっていうのをしっかりと提示するツアーにしよう、というのがテーマで。だからこそ、まずは僕ら3人と、サポートベースのあさひ君がどれだけ没入して楽しめるかが重要だったんです。その楽しさをどこまで伝えることができるのか、お客さんと共鳴できるのかというところにフォーカスしたツアーでしたね。 Kehn　そうだね。良い意味で、お客さんの反応によって自分たちのテンションが左右されるのではなく、僕らが楽しんでいるところに巻き込んでいくような感覚は意識しましたね。 Matty　今二人が言ってくれたようなことを、本番直前まで繰り返し自分たちに言い聞かせていました。

──Lyoさんのドラムソロのパートは流れの中でもLET ME KNOWがライブバンドだということが強く前に出ていた瞬間でした。音源だけを聴いているのとは良い意味でギャップを感じたというか。 Lyo　良かったです。流れの中にスパイスを加える気持ちで前回のツアーから長いソロパートを入れるようになって。こういう要素はライブならではのものでもあるし、ライブを観に行く理由の一つになってくれたら嬉しいですね。

──ライブ中の観客との一体感も印象的でしたね。 Lyo　いろんなお客さんがいて、本当にそれぞれ違う。そこでコミュニケーションが自然発生するのがライブの醍醐味でもありますよね。 Matty　セットリストを組む段階である程度はどこで一体感を作るかは想像するようにしていますが、やっぱり「今乗ってくれてるな」みたいな時はすごく力になりますね。

──一期一会というか、ライブはやっぱり特別な場なんですね。 Kehn　音源を作っている時は、一人で作業していることも多いですし、孤独で。それに制作中はその曲を聴いてくれてるファンの姿をリアルに想像できない部分もある。だからこそ制作を終えて、ステージに立った時に、初めてたくさんの人が聴いてくれているのを実感できるんです。その瞬間はすごく嬉しいです。ライブで新曲をやって歓声が上がると、「作ってよかったな」って。単純に自分たちの曲を聴いてもらうだけなら、CDを流しても変わらないと思うけど、ライブじゃなきゃ得られない何かがある。僕らが実際にパフォーマンスして、それをお客さんと共有することの意味は大きいですよね。

Lyo　アルバムツアーに関して言うと、アルバムを出して終わりじゃなくて、アルバムがあって、ツアーはそれをしっかり届けるための場所ですよね。だから切り離して考えず、そこまで含めて一つのパッケージだと思ってるんです。その上で、僕個人としては、かっこいいバンドって自分たちのスタイルを持っているバンドだと思ってて。「自分たちにはこういうライブのスタイルが合うんじゃないか」っていうのを、今まで試行錯誤してきて、一つの形にできたのが今回のツアーでした。 Matty　ライブは準備がすごく大事だってことをあらためて感じたツアーでもありましたね。メンタルの状態もそのときどきで違っているし、毎回会場が違ったりもするから、同じライブなんてない。でもどんな状況でも120%のパフォーマンスを出したいから、そのためには個人でも、チームでも調整が必要だなって。今まだ仮説を立てて検証中で、どう調整していくのがベストなのかを探っていますね。難しいのが、結局これって本番でしか試せないんですよ。リハーサルでどれだけ集中しても本番とは違うから。だからこそライブを積み重ねていくのは重要なのかなと。そういう気づきもありましたね。

──ライブ以外のことも含めて、今回のツアーで印象に残っていることはありますか？ Lyo　たくさん思い出はあるんですけど、東京のファイナルが終わった後に、打ち上げの二次会で3人で熱くこれからのことについて話す瞬間があって。それが一番グッときましたね。あと個人的には、名古屋のラーメン二郎（ラーメン二郎 名古屋大曽根店）に、行けたことですね（笑）。2時間半並んで行けました。マジで美味しかったです。今年食べたラーメンで一番でした。 Kehn　それに名古屋は一年ぶりで、しかも一年前と同じクアトロだったので久々に名古屋の人たちと会えて、俺たちのアップデートした姿を届けることができて嬉しかったんですね。もっと名古屋にライブしに行きたいな。 Matty　大阪も一年ぶりくらいでしたね。ツアーはやり切りましたけど、次に向けてやるべきことが明確にもなったので、繋げていきたいと思います。久々に実家に帰れたりもして良かったです！　 ──ちなみに、これからフェスシーズンも始まり、秋には次のツアーも決まっているので、今は束の間の休息やインプットの期間でもあるのかなと想像したりします。何か最近にハマったりしていますか？ Kehn　今までやってこなかったことだと、最近寝る時に、睡眠導入用の音楽を聴いてるんです。それを流しながら寝ると、短時間でも疲れが取れるという情報を耳にして。睡眠の質を高めるために、どれが自分に合ってるんだろうっていろいろ試してます。あと、自分は移動中にしっかり寝られるようなタイプじゃないんですけど、この時間を睡眠に当てたいな思って。睡眠導入用の音楽を試してからは、寝れるようになりましたね。結構スッキリします。ツアーをするにも健康は大事ですよね。

Lyo　僕はCigarettes After Sexっていう好きなバンドがいるんですけど、そのレコードを夜に流しています。ずっと好きなバンドなんですけど、家でBGMとして、レコードの音質で聴くのっていいなって。今まではあまりレコードで聴く習慣はなかったんですけどね。リラックスできる音楽なので、心が落ち着くんですよね。

Matty　僕は野球やってますね。草野球チームがあって、平日の朝とかに。野球も好きだし、サッカーも好きで。もちろん今はW杯も観てますよ。サッカーの影響力って半端じゃないですよね。試合を観ながら、自分たちがああいうスタジアムでライブをすることも想像したりするんですけど、まだまだ道のりは長いですね（笑）。でも、ハーフタイムショーで歌えるのとかって、すごく光栄なことなんやろうなって思いました。 ──それぞれ気分転換しつつ過ごしているんですね。今回のツアーの手応えを今後どのように活かしていきますか？ Lyo　これまで模索してきて、やっと今回アルバムのツアーで、一つの自分たちのライブのスタイルが出来上がったんじゃないかと。だからそれをどんどん磨き上げていきたいですね。 ──なるほど。先日の東京でのファイナルの時点でかなり完成されたパフォーマンスのように感じましたし、LET ME KNOWというバンドはSNS以降、エンタメの世界がどんどんリアリティへと進んでいく中で、ファンタジーの面を強く持った稀有なバンドにも感じたんです。 Matty　ファンタジーとか、ロマンを感じてもらえたならすごく良かったです。どんどんエンターテインメントとしての魅力を増やしていきたいと思っているんです。そこは増えれば増えるほどいいと思うし、ファンタジーやロマンスだけじゃない部分も、僕らは兼ね備えているので、秋のツアーでは、もっといろんな魅力を見せれたらと思っています。

僕らの音楽でしか得られないものを目指して

──次のツアー『LET ME KNOW LIVE TOUR 2026 -Re: Still Romance-』では、さらに進化したLET ME KNOWが観れるんですね。 Lyo　時間を置いて見える反省点もあると思うので、そこもしっかり反映していきます。『-Re: Still Romance-』というツアータイトルの通り、『Still Romance』というアルバムを土台に一つのショーとしての完成度をさらに高めていきます。 Kehn　良いライブにしたい、良い音楽を作りたいというモチベーションはずっと変わらないんです。そこで満足しちゃったら、きっと音楽をやめるんじゃないかな。それくらいの気持ちです。 Matty　今回の課題や反省を活かしつつ、本当にもっともっと良いライブにしたいなって。月並みかも知れませんが、お客さんに元気や勇気、楽しい気持ちだったり、共感だったり、いろんな気持ちを与えられる、そういうバンドになりたいと強く思います。

──このままの勢いで突き進んでいくんですね。 Matty　はい、LET ME KNOWが進んでいるベクトルは、間違っていない感覚があるんです。今の熱量と向き合い方のベクトルで、良い曲を作って、良いライブをして、一個一個積み重ねていけば、その先にすごく大きな未来が待っている。だから、とにかく今は目の前のことに妥協せず、真剣に取り組んでいます。 Lyo　本当にその通りで、一つ一つを丁寧にやっていくのが大事ですよね。あとこのバンドを組んだ時に決めた、誰も辞めないバンドにするっていうこともそうで、大切なことこそシンプルなんだと思います。シンプルなことほど難しいかもしれないけど、そこをしっかり向き合って、磨いていくのみですね。 Kehn　聴いた人、観た人の感想も100人いれば100人違っていて。だからこそ、全員に好かれることはないと思うんです。今一番売れてるアーティストだって嫌いな人はいるはずなので、単純に自分が満足できることをやるのが一番だろうと。きっと世の中全員の意見を合わせたら、すごく平均的な、当たり障りのないものが出来上がると思うんですよ。結局、僕らの音楽でしか得られないようなものを作っていくことが、ずっと目指すべきところなんです。だから音源もライブも、これからもそこを目指していく。それに尽きますね。

【番外編】 LET ME KNOWの世界観をつくる クリエイターたちの視点

音楽やライブを通して、自分たちだけの表現を追求し続けるLET ME KNOW。その世界観は、彼らとともに試行錯誤を重ねるクリエイターたちの手によって、ビジュアルや映像、アートワークへと広がっている。 彼らの変化と成長を間近で見つめ、その表現をともにつくってきた制作陣は、現在のLET ME KNOWをどのように捉えているのか。バンド全体のクリエイティブディレクションを手がけるKURONO氏と、ジャケットやアートワークを担う寺澤圭太郎氏に、今回の制作における軸や『Still Romance』の世界観、今後への期待についてコメントを寄せてもらった。

〈 KURONO（klone） 〉

──LET ME KNOWというバンドのクリエイティブを手掛けるうえで、大切にしていることは何でしょうか？ 概念的なことではあるのですが、彼らの魅力を、クリエイティブというツールを用いて最大限に引き出すことです。ここがずれてしまうと、結果として表現が意図しないものになってしまいますし、制作ではさまざまな要因でそうしたことが起こり得ます。だからこそ、この軸を常に意識のキーとして大切にしています。 すごい勢いで成長している彼らを最大限に表現するためには、日々変化していく姿を多角的に捉えながら、その都度さまざまなアプローチで自分自身の感覚もスイッチングさせ、向き合うことを意識しています。 ──1st Full Album『Still Romance』では、どのようなテーマやイメージを軸にクリエイティブを組み立てていきましたか？ アートディレクションを担当させていただいたのは、今回のArtist Photoと、アルバム収録曲「Law of Luv」「Goodbye Daily」「第六感より」「Lovely Ør Lonely」のMusic Videoです。 まず、クリエイティブをつくるうえで僕が大切にしているのは、「視覚的な良さ（印象のバランス）」と「心地の良い違和感」です。特にスチールは平面（2D）の表現なので、その中で立体感や奥行き、空気感をどう生み出すかが難しく、同時に面白い部分でもあります。 クリエイティブを構成するうえでは、テーマ、コンセプト、撮影手法、ライティング、スタイリング、ヘアメイク、そしてポージング（身体や表情）といった要素を、どの塩梅でレイヤード（重ね合わせて）していくかがとても重要になります。言い換えれば、「何を一番見せたいのか」という優先順位を設計することでもあります。

〈 寺澤圭太郎 〉

── 『Still Romance』のジャケットアートワークを制作する際、最初に受け取った印象や、表現したいと思ったイメージを教えてください。 まず、LMKの楽曲の音像や歌詞、メンバーそれぞれの音楽的バックグラウンドから表現されている世界観に対して、とてもフィットしている素晴らしいタイトルだと感じました。それが、アートワークを考えるうえでの全ての起点になっています。 だからこそ真正面から”Romance”という言葉をあえて正面からストレートに捉えたビジュアルで表現するべきだと思いました。

2026年9月7日（月）に70歳、そして2028年にはデビュー50周年を迎える長渕剛。その節目に発表したニューアルバム『JUST ONE』には、“乾杯”、“とんぼ”、“RUN”のセルフカバー3曲と、現在の心境を綴った新曲3曲を収録。さらに、ギター1本の弾き語りに立ち返るアコースティックツアー＜TSUYOSHI NAGABUCHI ACOUSTIC HALL TOUR 2026 “JUST ONE”＞も7月20日（月・祝）よりスタートした。 そのツアー開始を前に、長渕が語ったのは、ニューアルバム『JUST ONE』に込めた「破壊衝動」という創作哲学だった。懐かしさでも、過去を振り返るためでもなく、自ら創ったものを自ら壊し続けるという思想。その背景にはどんな想いがあったのか。 『JUST ONE』に込めた想いから、ライブで追い求める身体性、韓国で愛され続ける楽曲との関係、そして70歳、デビュー50周年のその先まで。長渕剛が、自身の創作と人生を赤裸々に語った。

── 『JUST ONE』では、“乾杯”、“とんぼ”、“RUN”という代表曲をセルフカバーしています。今、このタイミングで歌い直した理由を教えてください。 破壊衝動というものがあります。創り上げた瞬間に、次のものを作らなきゃいけない気持ちになるんです。聴いていただいた人から「好き」と言われるか、「嫌い」と言われるか。それも大事です。でも、出来たものを自分で壊していく。そのことが僕にとっては何より大切なんです。ずいぶん長い間、みなさんに育てていただいた僕の歌、“乾杯”、“とんぼ”、“RUN”を、その破壊された今の声でちゃんと聴いてもらいたい想いがあったんです。 ── セルフカバーを出すことが前提にあったのか、それともアルバムリリースが先にあったのか、どちらなのでしょうか？ もう僕のサイクルは、ニューアルバムとかミニアルバムとか、正直言ってそういうところにないような気がしています。散々やってきましたから。思いっきりクリエーションをやれてこられた。ただ、後ろから急き立てられるように曲を書かねばならない、というのが何十年も続いてきましたね。レコード会社との相互関係において、約束を守っていくという恩義のあり方は、僕が考えていたほど組織にはなくなりましたね。その中で「よく書いたな」という気持ちと、「こんな歌、歌えないよ」という気持ちが同居するんです。だから自分が創り上げてきたもの、人々が創り上げてきたアーティストの姿を思いっきり破壊していく。そっちのほうが人生としては大切なことなんです。

── そうした「破壊衝動」は、作品だけでなくライブにも通じているのでしょうか？ ライブはフィジカルの破壊があります。そことの兼ね合いは、アスリート性が重要です。自分の肉体が限界値に達したときにどうなるか、そこに非常に興味がありました。僕はいわゆる音楽のジャンルだけにこだわっていないのです。アスリートの自己記録とか、そういうカテゴリに自分がいます。なので、コンサートもどんどん激しくなっていきました。ギター1本でやっていた頃も落ち着いたコンサートではなく、24歳のとき、新宿厚生年金ホールでハーモニカホルダーにマイクつけて、客席に飛び込みましたね。フォークもロックも関係ない破壊衝動です。そうやって、どんどんライブの高みを目指していくと、当然フィジカルの問題がついてきます。桜島（『桜島オールナイトコンサート』2004年）をやったときも、富士（『オールナイトライヴ2015 in 富士山麓』）をやったときも、限界を超えたところに何が見えるのか、というとてつもない欲求がありました。そのために身体を削り込んでいった。富士のとき、59歳で心拍数が206を打つなんて普通はありえないんですね。そこで見たもの、得たものは自分が大事にしているものです。ライブでの破壊は肉体の破壊でもありますから、肉体が破壊されないように日々訓練をしていく志に変わっていくのは当たり前のことですね。 ── ＜桜島オールナイトコンサート＞へ向けては、身体づくりにも大きく取り組まれていました。当時、周囲からはどんな反応がありましたか？ 桜島をやる前、「お前はどこ行こうとしてるんだ？」と、よく言われました。当時のレコード会社の社長からは、「お前、身体ばっかり作ってんじゃないよ、歌書けよ。金になんねえんだよ」って（笑）。肉体は土台ですからこれを作ること！それが基本であることをまだ誰も認めようとしていなかったですね。売上よりも大切なことですね。 ── 確かに、当時はアーティストが身体づくり、トレーニングをすること自体の理解が周りにまだなかったですよね。そういった破壊衝動こそが、長渕さんのアーティストとしての原動力になっている。 そうですね。ただ、やみくもに破壊することとは異なります。例えば大勢に向かって石を投げるのは、青年としては実直な心です。投げるか投げないか。僕は気がついたら投げていました。その返り討ちで痛い思いをします。また泥をこねて、もっと硬質な石を投げようとする。痛めつけられれば痛めつけられるほど鋼鉄の魂が宿る、そういう修練です。それが潜在的に音楽の場所にあることを、おそらく皆さんはご存知ではないのかもしれないです。そうした見方をなさらないんで。一流を得たアーティストたちは、並々ならぬフィジカルとの闘いを強いていらっしゃると確信しています。

── 今回“乾杯”、“とんぼ”、“RUN”を歌い直したきっかけのひとつに、韓国でそれらの曲が愛されてきたこともあったそうですね。 故郷・鹿児島から福岡へ出て行った頃、ライブハウス照和のマネジメントをやっていた、大学の3年先輩で韓国の方がいらっしゃいました。彼が僕のことをものすごく可愛がってくれたんですね。韓国の家庭料理や音楽の話、人生の話など、面倒を見てくれました。その恩義があるんです。それで僕が武道館をやり始めたときに韓国の方々を200名招待したんです、自腹で。でも国内では「カッコつけて何をしてるんだ！」と酷評でしたね。継続すればよかったんですけど、自費なので2回目ができませんでした。企業協賛なんて頭にないし、好きだから呼ぼう、くらいの感覚でやったんです。それで韓国に私設ファンクラブができました。僕はテレビドラマをやり始めて、“とんぼ”、“RUN”は向こうでもものすごく人気があったというのは聞いていました。チョー・ヨンピルが日本に来たときに“乾杯”を歌っていただいたり。そうやって何かしら僕は韓国の人に対しての想いがあったんです。それで昨年、一昨年と韓国へ行って、いろんなお話をさせてもらいました。何らかの形で韓国のアーティストと何かやりたいなというのは、まだ自分の胸の中にあります。 ── 韓国では長年、日本語の歌が制限されてきた歴史があります。 社会的な情勢や思想的なもの、歴史の背景があって、暗く鬱屈したものは確かにあったと強く感じています。もう今の若い世代はまったく関係ないですね。いいと思います。あと韓国は国策として、国が文化や芸術を推奨なさっていますね。そこは見習わなきゃいけないところだなと思ったりします。彼らの原型にあるものを僕はお聞きしました。なんと、昭和歌謡がすごく好きなんですね。今音楽を作ってらっしゃる50代のプロデューサーは、因縁の仲ではありながらもやっぱり日本と結びついていて、非常に豊かな関係性を築いていらしたみたいですね。元来、しっかり繋がるべき民族という気持ちは強いです。

── ドラマのお話も出ましたが、“とんぼ”、“RUN”はドラマの影響もあって、長渕さんにダーティなイメージがありました。あの当時30代のご自身のアーティスト性について今あらためて思うことはあります？ 正直な青年だなと思いますね。そりゃ、ダーティでしょ？　音楽やってるんだから（笑）。 反逆児の資質がなければ出てきませんね。反骨があるから音楽をやるわけです。でもそこは自己矛盾を年齢と共に感じていくんです。もっと反骨、反逆したいと思っても社会がそれを許さない。年齢的な見え方もあるし、家族も背負わなければならない。1人だったら何だってできるんです。日本という国の矛盾や無責任さの中で、自己を追求していくことは至難の技だったりしますからね。しかし、静かに生きるのは僕の本質とは違いますからね。ガツンと世間に唾を吐いて歌ってるようなアーティストを見ると、とても安心します。ヒップホップの不良性も。僕は群れをなすことをしませんでしたけど、ああいう、形だけはでないところ結び合う強固な仲間意識は共感します。 ── 長渕さんは昔から一匹狼でしたし。 そう言うと聞こえはいいですが（笑）。一匹にならざるを得なかったんですよ。 ── “世の中、みんな敵”みたいなところがあったと思います。 確かにそう思ってましたね。今も多いにあります。特に30代から50代くらいまでは全員敵でした。「こっち来るもんならぶっ飛ばしてやる！」と。

── そういった意味でも本作の“とんぼ”は時代を経て、ものすごくおおらかな歌になったと思います。 そうですかねえ。今の自分の声で歌いたいと思いました。歌というものは人々の心に入っていくんです。だから僕が30代に放った歌は、みなさんそれぞれの青年期や思い出と一緒に歩いていった。だけど僕は違います。思い出はあるんですけど、僕は破壊願望でずっと続けてきました。いつまでもその曲が浮遊されるものなら、腹が立つのと危機感を抱きます。歌い直したことで少しはすっきりしたなという気持ちです。なんだったら全部歌い直したいくらい。300何曲かありますけど（笑）。 ── “乾杯”は20代のときに作り、30代のときに歌い直してシングルとしてヒットしました。そのときに制作した『NEVER CHANGE』（1988年）というセルフカバーアルバムがあります。「ラジオから、昔の俺の曲が流れてくることがあるんだけど……すごく嫌なんだよね」「聴いている人間には、俺がどれだけ進んだかなんて関係ない、どっちでもいいことなんだよね。（中略）すでに作品として輝いてる昔の曲を、今の声で、今の気持ちで歌い直そうと思ったんだ」とライナーノーツに書かれています。 そうでしたね。常に山を登る途中です、人生という山を。山頂に行くまで僕の前に立ち塞がるなと。過去の足跡は振り返らないわけですから。だけど、その足跡がいつも自分の前に来る。それは登ろうとする自分にとっては邪魔でしょうがないわけです。だから払拭してしまえと。そんな時期だったと思います。 ── あの頃に比べると、今の長渕さんは昔の自分と向き合えているのでしょうか。 いえ、昔のものには向き合えないです。もう後ろにいるものだから。自分はどんどん登るだけです。過去のものはいつもそこに残されていく。だから創り続けなきゃダメですよ。過去の歌、詩が時代を超えて童謡になっていくことが、僕の使命。 ── “乾杯”は顕著だと思うんですけど、多くの人に愛されてきました。言い方は悪いですが、受け入れざるを得ないところもあったのかなと。 その歌がたまたま人々の心をとらえただけの話なんですけど、これが10年ならず20年、30年、40年、50年になってくると、ちょっとわけが違いますね、こちらへの帰って来方が。昔々に旅立って二度と会えないだろうと思った我が子が、負傷しながらも人のためになり、いろんな人たちの希望の灯火となって、それで「お父さん帰ってきたよ」というイメージでしょうか。それは愛おしいです。よく頑張ったなと。僕が頑張ったんじゃなくて、こいつが頑張ったんだと。あとは“乾杯”に関しては、僕の中学時代からの友人のために、どちらかが結婚するときにそういう歌を創ろうと、可愛い約束をしていました。友人も歌を志していましたから。その友人が数年前に他界したこと。これは自分の中で衝撃的な悲しみでした。“乾杯”という歌の持っている質感がもっと大切なものになりましたね。 ── “乾杯”は海外で平和の歌として歌われていたり、本来の意味合いとは違う形で愛されてきたことでの気づきもあったのではないかと思うんです。 ありましたね。こういう育てられ方をして、こういうふうに皆さんが歌ってらっしゃるんだと非常に思いました。ただ、もうそこまで来ると、先ほどもお話しましたが、誰が作ったとかまったく関係なく、僕が一番求めていた、誰が作ったかわからないけど人々が不意に口ずさんでいる、“夕焼け小焼け”や“赤とんぼ”といった童謡のところへ行き着け、というのは20代後半に志したところだったんで、もうこれでいいと思います。 ── そうやって帰ってきた我が子のような歌を、また破壊したい衝動もある。 その繰り返しだと思います。僕は“こなしていく”作業がダメなんです。ステージでも、バンドへ毎回違うことを要求していきます。やっぱりスリルや危険性が大切です。なので、一昔前の「これは私の曲でございます」と、一発ヒットすれば10年20年食えるんだというのはナンセンスだと僕は思ってきました。だから創り続けてきました。

── 本作のセルフカバー3曲は原曲イメージそのままに、長渕さんの現在の歌声と2026年のサウンドにアップデートした印象が強いですが、長渕さんは昔の歌をまったく違うアレンジやメロディで歌うことも多いですよね。そこに対し、「昔のままで歌って欲しい」という声もありますが、そこはどう考えていらっしゃいますか？ 理解はしています。先日の名古屋（『7 NIGHTS SPECIAL in ARENA』振替公演）では久々に“素顔”（1979年）をやりました。ピアノとガットギター入れて、当時のように歌ってあげようと思って。みんな喜んで一緒に歌いました。 ── 今回の“とんぼ”はキーを下げていますが、キーに関してはどう考えていますか？ その時々の声帯ですからね。高いときもあれば、低いときもあるので、今のちょうどいい頃合いのところでキーを設定しました。声帯は生き物なんで、作ったままのキーで歌う必要性はまったくなくて、もっとガーンと落としてわざと囁くように歌ってみたりしますね。 ── この3曲がセルフカバーで入っているアルバム『ACOUSTIC 俺の太陽』（1999年）では、まさに囁くようなアレンジの“とんぼ”がありました。 ええ、声帯がそういうところにあったんでしょうね。 ── キーを下げたと思ったら原キーに戻ったりもしますよね。“夏祭り”（1981年）はライブで歌う度にギターのカポの位置が毎回変わったりするので。 2、3、4（フレット）といろいろ変えますね。でも基本的には年齢とともに高いキーは出なくなります。そこからが大事です。それを無理やり出していくのか、あるいは表現を変えていくのか。味わいも違うし使い方も違いますね。でも歌は僕のものじゃなくて、聴いている人のものだとすると、それは悲しいことですね。昔のような高い声がね、ファルセットも綺麗に出たらいいのになぁ、両方できたらいいのになぁという欲張りはあります。でも自分で潰したんだからしょうがない（笑）。 ── しゃがれた声に憧れて、焼酎でうがいをしたというエピソードもありました。 そうそう、あと「潮に揉まれるといいんだ、漁師の声がそうだろ」って、九十九里までジープで走ってね。海水でうがいしながら2時間ぐらい叫んでガラガラになって帰ってくる。「いい声になったぞ」って。そんなことやってましたね（笑）。 ── 喉のケアは気にされているのでしょうか。 僕はあんまりしないですね。歌い込みぐらい。声は出し続けないとダメですからね。 ── 唯一無二ですから、長渕さんの歌声は。 そうなんですかね。まぁ、そんなに簡単に出てもらっても困ります（笑）。

── 長年活動をしてきて、観客やファンの変化や移り変わりを感じることはあります？ ファンも歳を重ねていきますから。だから求めるものと僕が追いかけてるものとの差異はありますよね。「まだ黄昏れないよ」というのは僕の中にあるんですけど、やっぱり黄昏も見せてあげないとダメだなという責任もあります。そこの葛藤みたいなのはあるかもしれない。もっとガツンといきたいんだけど、黄昏時だよねっていうのもありますからね。そこも満足させてあげたい、そう考えたりします。 ── 長渕ファンは歳を重ねていく人もいれば、若い人もすごく多いです。 僕も客席を見て、そう思いますね。 ── バンドのミュージシャンもそうですけど、長渕さんは若い世代と絡むことがお好きですよね。 事始めがやっぱり10代、20代ですからね。今と昔で僕はそんなに変わってないんじゃないかなと思うんです。若いミュージシャンと話をしていくと、基本的に破壊願望であるとか、行こうにも行けないもどかしさ、あるいは自己矛盾、社会との軋轢でもがいているとか、そういったものは同一性を感じます。 だから「よし、こいつらの心にビシッとくる歌を書けたら！」と思ったりします。 ── 自分も若いミュージシャンやアイドルと仕事すると、みんな長渕剛と“乾杯”、“とんぼ”を知っているんです。それってすごいことだなと。 長くやってきてよかったなと思うところもあったり。でも逆に「そうか、やっぱり“乾杯”、“とんぼ”だけなんだな。“耳かきの歌”は知らねぇな」とか思ったりね（笑）。どうやったら浸透できるかなと考えたりします。 ── 今回は、“乾杯”や“とんぼ”をリアルタイムで知らない世代のミュージシャンもレコーディングに参加しています。世代を超えて作品が受け継がれていることを実感しましたか？ 「僕のお父さんがいつも聴いてました」「僕は抱っこされたときにこの歌を聴いてました」とかね、「感激です！」なんておっしゃるわけ。嬉しいですね。弾いてみたらくったくなく自由にプレイしていただいて、嬉しかったですね。それも音楽の成せる業かなと思いながらね。やっぱりいくつになっても、楽器持って音を出したら世代を超えてすぐに仲良くなる。理屈のない世界がありますね。 ── 長渕さんが若い頃は、大御所と呼ばれるスタジオミュージシャンの人たちと一緒にやってきました。 怖かったですよ。僕が20代30代の初頭は「こいつら、ゴロツキ集団か！？　」ぐらいの感覚でしたから（笑）。いきなり現場でタバコ吸うわ、酒呑んでるわ、でも楽器弾いたら一流プレイ。「てめえ、リズム悪いんだから、引っ込んどけ！」って、口も悪いわ（笑）。でも惹かれていくんですよ、どこかキラッとしたものを持ってらっしゃるんで。それがよかったですね、今考えれば。やっぱりキツいほうがいいんですよ、人生って。学びは楽なことをやっても身に染みないです。痛みや屈辱、そういったもののほうが染み込みます。それをどう受け止めるか。「わかりました」とその通りやってみると思わぬ発見があって、「よし儲けた！」と。なので、厳しくて、痛くて、屈辱的に叱咤され、これはもう僕は本当に感謝しています。 ── SNSやAIの普及によって、音楽やエンターテインメントを取り巻く環境も大きく変化しています。そうした時代を、どのように見ていますか？ 途上にあって、人を罵倒するとか、悪口を言っていい気持ちになるとか、そういうツールにもなってるところがありますね。だから使い方をどうしていくかはすごく大きな問題です。たぶん自然と淘汰されていくんでしょう。こういうツールが出てきた以上は、これを受け入れていくしかありません。しかしそれによって人間の本質みたいなものが変わるとは僕は思ってないです。情報に左右されすぎないようにする危機管理は大事にしなければいけません。 ── 今の若い世代へ、伝えたいことはありますか？ 苦しい道と楽な道があったら、苦しい道を選んでほしいです。 ── そして、待望のアコースティックツアーが始まります。昨年のバンドとのツアーと比べて、気持ちの部分はいかがでしょうか？ ひとりぼっちです、弾き語りは。闘うのが僕とスタッフだけ。僕は誰と囁き合いをするんだろうなっていうのはありますね。まずはスタッフ1人ひとりとです。少人数だけあって捉えられる標的が数が少ないですから、当然僕も厳しくなります。間違いがすぐわかりますからね。そういった意味では、ものすごい緊張を強いられるんじゃないでしょうか。僕もスタッフも。 ── ギターの音にもこだわっていくとお聞きしています。 ギターの本質を追求します。「これ、アコギ？」という震えを創ります。ローディーたちも一生懸命やってますから、楽しみですね。 ── これまでの弾き語りライブとはまた違うものになりそうですね。 芸術性の高いものを目指します。 ── そしてこの先の長渕剛について。今年70歳を迎え、2028年の50周年へどう向かっていくのでしょうか。 月並みな50周年じゃつまらないし。新しいスタッフとの出会いも必要ですね。スキルと人間性を求めて。良いスタッフに育てていくこともやらなければなりません。今回のツアー19本をやってみて、何が見えてくるか？　そんなところです。

Text by 冬将軍 Edit by Yu Oda

今年3月にリリースしたCOMPLEX「恋をとめないで」のロカビリー・カバーが大きな話題を呼び、布袋寅泰本人からも賛辞が寄せられたThe Biscats。2019年の結成以来、「ロカビリーを次の世代へ届ける」という一貫した信念のもと、YouTubeや全国各地でのライブを重ね、ジャンルの垣根を越えてファンを増やしてきた。 そんな3人が完成させた最新作『BLACK or PINK?』は、怒りや葛藤を描く“BLACK”と、愛らしさや温もりを映す“PINK”という二つの表情を軸に、喜怒哀楽を詰め込んだ意欲作だ。ロカビリーをルーツに据えながらも、歌謡曲やポップス、オールディーズまでを自在に飲み込み、「The Biscatsがやればロカビリー」という独自のスタイルをさらに更新した一枚でもある。なぜ彼らは既存のロカビリーを守るのではなく、壊しながら未来へ繋ごうとするのか。アルバム制作の裏側と、その先に見据える夢について、3人にじっくりと話を聞いた。

──まず今年の大きなトピックとして、3月にリリースしたCOMPLEX「恋をとめないで」のMUSIC VIDEOが非常に話題になりましたよね。 Misaki：以前からカバーはさせていただいたんですけども、改めて配信したら想像以上の反響をいただいて。原曲の力も改めて感じましたし、布袋さんから直接お褒めの言葉をいただいたのも本当に嬉しかったです。自分たちらしいロカビリー・アレンジもできましたし、カバー冥利に尽きるというか。 ──布袋さんからのリアクションが来た時、バンド内でのリアクションはいかがだったのでしょうか？ Kenji：朝起きたら、グループラインが大変なことになっていました。「布袋さん、ヤバい！」って（笑）。 ──それまで布袋さんと直接の交流はあったのでしょうか？ Misaki：ソロ時代に、アルバムの中で布袋さんの「バンビーナ」をカバーさせていただいたのですが、その時にCDをインスタに載せてくださったり、ライブに招待してくださったりと、何回か交流はありました。 ──「バンビーナ」のMV撮影がThe Biscatsの3人の初対面だったんですよね。キャリアの節目にはいつも布袋さんが関わっているというか。 Misaki：そうですね、大事な時にいつもお世話になっています。一方的に（笑）。 ──「恋をとめないで」のカバーをはじめ、YouTubeやライブでは数多くの楽曲をロカビリー・アレンジでカバーしていますよね。選曲の基準はあるのでしょうか？ Misaki：ズバリ、私が歌いたい曲です。ロカビリーのシンガーとしてデビューするまでは、昔の歌謡曲や流行っているポップスをひたすら聴いていたので、その趣味を活かしています。「この曲歌いたいんだけど、ロカビリーでアレンジできる？」って投げて……。 Kenji：やります。 Suke：やります。 Misaki：ハハッ（笑）。主にKenjiがアレンジを担当しているんですけど、何でもロカビリーにできちゃうんですよね。

──Kenjiさんにとっての自信作はありますか？ Kenji：「天城越え」ですね。演歌をロカビリーのフィールドに寄せるということが成功した例かなと。 Suke：確かに。「天城越えでロカビリーしてたよね？」ってよく言われます。 Kenji：常に「これ、ロカビリーにしたらどうなんるだろう？」って考えているんです。街中で流れてきた曲を聴いて「シャッフルのリズムにしたらどうなるかな？」とか。そういう風にロカビリー・アレンジのアイデアを溜めておくんですよね。 ──すごい、特殊能力ですね（笑）。 Suke：この前はお店で「ひな祭り」の歌が流れてきて、急に「これロカビリーにできると思う」って言い出したんです。 Kenji：そう、あれはイケる。来年あたりに出るかもしれません（笑）。

──YouTubeやライブの本数を重ねることは、The Biscatsの活動にどのような影響を与えたのでしょうか？ Misaki：バンドとして7年間活動してきて、ロカビリーがあまり好きじゃない方にもたくさん知ってもらえるようになったと思います。どの街に行ってもお客さんがいて、一切手を抜かずに演奏してきた甲斐があったなって思います。 Suke：The Biscatsでロカビリーを初めて知ったから行こう、みたいな人が増えたとは思います。半分くらいはそうなんじゃないかな。 Misaki：うん、ジャンルとか一切関係なく来てくれる方がすごい増えた。そのお陰もあって、自分たちの知らない場所に出演してもいつも来てくれる皆さんが盛り上げてくれるので、それを観た別のお客さんが「ちょっと楽しそう！」っていうノリで集まってきてくれたりとかして。そういう連鎖が起こりはじめてるとは思います。 ──The Biscatsをきっかけにロカビリーの魅力を知る方も多いと思います。ロックやヒップホップなど、他ジャンルのライブと比べたときに、ロカビリーならではの魅力はどんなところにあると感じていますか？ Kenji：例えば僕がロカビリーに衝撃を受けた時は、何も考えずに聴いた瞬間に体が動き出したくなるようなビートに感動したんですよね。聴いた瞬間に「あ、なんか楽しいな」って思えるというか。 Suke：そう、ダンス・ミュージックなんです。だから楽しくないはずがない。それと自分がロカビリーを始めるきっかけになったストレイ・キャッツは不良っぽさがあるというか、今だったらヒップホップをやるようなワルい子たちが昔に戻ってカッコいい不良をやっているような雰囲気があるんです。 Kenji：まさにストレイ・キャッツのブライアン・セッツァーは凄いライブをしていましたね。声だけじゃなく、ギターも歌ってるように弾くんですよ。ほぼ手元も見ず、全身が一体化しているというか。それに衝撃を受けて自分もギターを弾いているんです。 ──Misakiさんはお父様の影響でロカビリーが身近にあったのですよね。 Misaki：そうです、生まれた時から家でずっとロカビリーが流れていて。ただ当たり前の存在すぎて、実はライブは一回も観たことがなかったんです。それからギャルモデルやアイドルなどいろいろやってみても、どれも自分にしっくりこなくて。そこからロカビリーの跳ねるリズムが自分に染み付いていることにようやく気づいたんです。好きで始めたというより、自分の中に染み込んでいるものから始まったんです なので今はロカビリーという音楽自体を広めるために3人で頑張っていて。同世代や下の世代には「ロカビリー」という言葉すら知らない子もいるので、「こんなに楽しい音楽があるのに火が消えてしまうのはもったいない」という想いでYouTubeにも力を入れているんです。ロカビリーブームが最後に日本で起きたのは80年代なので、次は自分たちが入り口になれたらなと思っています。

──昨年リリースの「がんばロカビリー」はまさにそういった楽曲でしたよね。ロカビリーへの応援歌というか。 Misaki：わたしがずっと言い続けてた言葉なんです、「がんばロカビリー」って。 Kenji：そうですね。バンドのテーマソングを作ろうと思って、結果的に自分たちがロカビリーを広めたいっていう思いとマッチした楽曲に仕上がりました。 ──そのリリースを経た上で最新作『BLACK or PINK?』に繋がるのですが、どのようなコンセプトで制作を進めたのでしょうか？ Misaki：最初に先行シングルの「ざけんな！」と「よそ見はNO！」の2曲が完成していて、そこからアルバムについてお風呂に入りながら考えていた時に「ブラックとピンクに分けて全然違うものを一つにまとめたら面白いかな？」って思いついたんです。なので最初の3曲はブラック、後半3曲はピンクという風に分けて、7曲目にボーナス・トラックとして「恋をとめないで」を収録しました。 ──以前からあったという「ざけんな！」は歌詞も含めパンチのあるナンバーですよね。 Kenji：今までThe Biscatsって楽しいものばかりで、怒りに関する曲ってなかったんですよ。ただバンドとして色んなことを経験してきた中で、怒りが原動力になることもあるというか。それでギターを弾きながらこ「ざけんな！」というフレーズを思いついたので、何とか形にしてからMisakiちゃんに「あとはよろしく！」って投げました（笑）。 Misaki：そうそう、「キター！」って思いました。いつも歌詞を書く時は日々考えていることをまとめたスマホのメモから引っ張ってくるんですけど、その中にもムカついたこととかはあって。でも、その怒りを作品にするタイミングが今まで全くなかったんですよ。なので何年分かの怒りが溜まってて……なので「あ、ついに時が来たな」というか。 ──ちなみに、どんな怒りが溜まっていたんですか？ Misaki：そうですね……10代から活動を続けていると、上から目線で言われることも多いというか（苦笑）。それこそ「こんなのロカビリーじゃねぇ！」って言われることもありますし。 ──えっ、そうなんですか？ Misaki：全然言われますよ。「よく聞けよ！」と思うんですけど、やっぱりオーセンティックなロカビリーが好きな人には受け入れられないというか。ただ、昔からあるロカビリーのスタイルをやりたいわけじゃないんです。The Biscatsの初期からのテーマで、ロカビリーが好きだから今までのバンドを真似した普通のロカビリーをやるんじゃなくて、それを良い意味でぶっ壊していって「The Biscatsのロカビリーはこれだ！」というものを提示していきたいんです。なのでたまに昔からロカビリーが好きな人に怒られちゃったりもするんですけど……まぁ「ざけんな！」が出来たので、その気持ちは成仏したということで（笑）。 ──なるほど（笑）。その流れで「BAD CAT」と「Hi-Hi」もブラックな側面として作っていったんですね。 Misaki：「BAD CAT」は悪い女をテーマにしています。愛とか優しさとか信じない、でもどこかで誰かに期待している……そんなクールな女性をイメージしました。 Kenji：「Hi-Hi」は僕がアイデアを出したんです。元々大阪で活動をしていたんですけど、その頃の「音楽で食っていけるんだろうか？」みたいな不安を思い出して、その気持ちを書いて続きはよろしくという感じで渡したんです。 Misaki：「いつも元気な人だって、たまには落ち込む夜があるよね」っていう人間のリアルな部分を歌ったのが「Hi-Hi」ですね。

──『BLACK or PINK?』はアーティストとしての主張がありありと見えるというか、人の切実な側面を歌っていますよね。例えば次の「よそ見はNO！」も、表向きは独占欲の強い女性を歌っているようでありながら、「他のバンドじゃなくて私たちを見て！」というメッセージにも聞こえるというか。 Misaki：（拍手）天才！　そう、そうなんです。キャッさん（The Biscatsのファンネーム）に向けて「よそ見はNO！」というか、「The Biscatsを見ていたら良いことあるよ」っていう裏テーマがあったんです。メンバーにもそれは言ってないんですよ。 Suke：知らんかった……。「そういう女性なんだな」としか思ってなかったです（笑）。 ──「よそ見はNO！」のMVにはモグライダーの芝さんも出演していましたよね。 Misaki：ロカビリー芸人さんのTAIGAさんとのご縁で芝さんと初めてお会いして、その時にストレイ・キャッツの話で盛り上がったんですよね。しかもリーゼントですし、「よそ見はNO！」のMVの彼氏役は芝さん以外思いつかないというか。それで決め打ちでお願いしたら奇跡的にスケジュールが合ったんです。2時間だけだったよね？ Suke：そう。 Misaki：もう車の中で着替えてすぐに撮影、みたいな。ご縁に感謝しています。

──キュートな「よそ見はNO！」から「きゅるるんSummer」ではオールディーズを意識したレトロなポップスが展開されます。どのようなアイデアから作っていったのでしょうか？ Kenji：これはサウンド・プロデューサーの真崎修さんに作っていただいたんです。個人的にはオールディーズの皮を被った現代風のポップスというか、細かく聴くと物凄い数のギターが重ねられていて。考え抜かれた、真崎さんにしかできない芸当だなっていう。 ──提供曲という点では「がんばれロカビリー」と同時にリリースされた「Right Now!!」も一聴するとロカビリーの範疇から外れたポップスのようにも聴こえますが、そうした新しい試みに挑戦している意識はあるのでしょうか？ Misaki：そうですね。「魂さえロカビリーだったら好きなところまでジャンルを広げても大丈夫」っていうテーマがありまして。なのでギリギリを攻めています。 Kenji：ロカビリーが好きな人だったら、「Right Now!!」とか「きゅるるんSummer」を聴いても、「この人たちはロカビリーが好きなんだろうな」っておそらく気づくと思うんです。細かいギターやベースの奏法であったり、独特の跳ねるリズムは失っていないというか。 Misaki：美味しいところは抑えてるよね、ロカビリーが好きな方がピンとくるポイントは外さないようにしているというか。根本まで理解できないとその余裕って生まれないので、最初は王道を踏まえつつ練習して、今では「The Biscatsがやればロカビリーでしょ！」って自信を持って言えるようにはなりました。 Suke：あと、「ウッドベースは元気いっぱいにロカビリーしないとダメだ」っていう持論があって。それは継続しています。とにかく派手に、元気に飛び跳ねるというか。 ──『BLACK or PINK?』のピンクの側面を担う最後の曲は「もう一度会いたくて」、こちらはかねてからYouTubeでカバーしている昭和の歌謡曲のような風格を感じました。 Kenji：一昨年に自分の父親が他界しまして、その報せを仙台のライブへ行く前に受け取ったんです。その時の「もう一度会いたいな」っていう気持ちを歌にして発散しようとしたらメロディを思いついたので、自分の好きなロカビリーだったりオールディーズのスタイルに寄せてMisakiちゃんに渡したんです。「自分では続きの歌詞が書けないから、代わりに書いてもらっていい？」って。 Misaki：私も今年の1月に猫ちゃんを亡くしたので、その想いを重ねて書きました。生きている中で大切な人を失うこともあるけど、そんな中でも寄り添えたらなっていう歌です。 ──ここまでのお話を伺って、『BLACK or PINK?』はあらゆる意味でThe Biscatsにしか作れない作品になったのではないかと。 Misaki：『BLACK or PINK?』は今までにないぐらい喜怒哀楽が表現されてるというか、「感情のジェットコースター」って私たちは呼んでるんです。人間に欠かすことのできない感情を全部詰め込むことができたから、個人的にも大好きなアルバムというか。最高傑作です！ Kenji：うん。自分が生きてきた中で、表現したいものがストレートに表現できたアルバムになったと思います。 Suke：色んなタイプのロカビリーが混ざってるんですけど、そこまでロカビリーにこだわらなくてもスッと入って来れるような楽曲がいっぱい揃ってると思うんで、気楽に聴いてほしいですね。こう、部屋でジッと聴くんじゃなくて……ラフに踊りながら（笑）。 ──まさにダンス・ミュージックというか。 Suke：あ、そうです。もう頭空っぽにしてね、って感じです。 ──Sukeさんってとてもフィジカルへの意識が強いですよね（笑）。 Kenji：確かに、超フィジカル（笑）。 Misaki：武闘派、肉体派（笑）。 Suke：ハハッ、野球部だったんで。 ──（笑）。では最後に、『BLACK or PINK?』を引っ提げて回る＜The Biscats TOUR 2026「BLACK or PINK?」＞への意気込みを教えてください。 Misaki：2年前に目標としていた渋谷公会堂（現LINE CUBE SHIBUYA）でのライブを成功させることができて、次の目標として日本武道館を掲げたんです。そのためにも今回のツアーがかなり重要になると思うので、ぜひ生のロカビリーを体感してもらって「また次も来たいな」って思ってもらえるように、一本一本「がんばロカビリー」してきたいなって思います！ Kenji：武道館でのライブを宣言したので、ここから来てくれた人は一人残らず、全力で抱え込んでいこうと思います（笑）。 Suke：僕らは武道館に向かって、ライブをドーン！とやって、バーン！とやってみんなでイェーイ！って盛り上げていくんで！ Misaki：フィジカル！（笑）

Photo：Koichiro Funatsu Text：Ikkei Kazama Edit：Ranji Tanaka

令和ロマンのくるまが初めて監督・脚本を手がけた短編映画『BREAK SHOT』が、7月31日（金）より渋谷シネクイントほかにて順次公開される。5月16日におこなわれた令和ロマン単独ライブ『RE:IWAROMAN』の幕間映像としてサプライズ上映された本作は、全編をドライブレコーダーの視点で描き、車内に交錯する言い訳や見栄、焦り、人間の滑稽さを、緻密な会話と独特の“間”で映し出すブラックコメディだ。 限られた空間と時間の中で展開する物語は、上映直後から大きな話題を呼び、シンガポールの映画祭＜World Film Carnival Singapore＞では脚本賞・プロデューサー賞・短編部門賞の3冠を達成。さらに、アジア最大級の国際短編映画祭「ショートショート フィルムフェスティバル ＆ アジア（SSFF & ASIA）2026」でも上映されるなど、国内外で高い評価を獲得している。 今回は、同映画祭のセレモニーに出席したくるまと、本作で芸能人カップル役を演じた森川葵に、式典の舞台裏で直撃インタビューを敢行。芸人として数々の漫才を生み出してきたくるまは、初監督作品でどのような映像表現に挑んだのか。企画の成り立ちや演出の裏側、そして俳優・森川葵から見た“監督・くるま”の姿を通して、その発想の源泉とクリエイティビティに迫った。

──企画の初期段階では、中華料理や野球部という案もあったとのことですが、そこから最終的に『BREAK SHOT』の形に至った経緯を教えてください。 くるま：企画段階ではいろいろアイデアはあったんですけど、スケジュールの関係と撮りやすさという部分が大きいですね。ロケの時間もそんなに取れないし、初めて撮るならワンシチュエーションで完結するものの方が撮りやすいだろうということで、車内のワンシチュエーションという形になりました。 ──ドライブレコーダー視点はこの作品の大きな特徴ですが、くるまさんのYouTube企画『くるまの助手席』を連想する方も多いと思います。その点は意識されていましたか？ くるま：実は逆で、順番は映画の方が先なんですよ。『オフライン ラブ』や『ボクらの時代』でご縁があった制作会社さんと一緒にYouTubeを始めることになった時に、いろいろな企画案を投げてもらっていて、その中に『くるまの助手席』の案もあったんですよね。映画を作り始めたタイミングだったのでちょうどいいなと思って。そのことを半年以上ずっと内緒にしていたんですけど。

──制作にあたり、こんな感じにしたいとイメージしていた映画はありましたか？ くるま：全然そうはならなかったんですけど、ダミアン・ジフロン監督の『人生スイッチ』（スペインの巨匠ペドロ・アルモドバルが製作を務めた）ですね。自分が好きな不条理の具合みたいなものがあって。芸人が面白いと思うお笑いと、映画のコメディってちょっと違うじゃないですか。国が違うだけじゃなくて、面白さの捉え方や解釈が違う。でもコメディで撮っていない映画の中に、不条理な状況から生まれる笑いというか、自分が“面白い”と感じる瞬間があったりする。いろんな作品から拾っているパーツはあるんですけど、一番やりたいものに近いのは『人生スイッチ』でしたね。

──森川さんは最初に台本を読まれたとき、どんな印象を持たれましたか？ 森川：『BREAK SHOT』は登場人物ごとの車内の状況が交差する形になっていましたが、最初に台本をいただいた時は、それぞれの車内でのストーリーがブロックごとにバラバラで書かれていて、それを一つずつ見せていくようなものでした。これをワンカットでやってうまくできるかな、という気持ちと、くるまさんの考えている面白さをちゃんと表現できるのかというプレッシャーもありましたね。

──実際に現場に入ってみて、監督としてのくるまさんはどうでしたか？ 森川：よそよそしかったですね（笑）。 くるま：それはマナーとしてね！森川さんに馴れ馴れしすぎると周りの大人がピリつくと思って。

──印象に残っているディレクションや、他の監督との違いを感じた部分はありましたか？ 森川：「こうしてほしい」という要望を感情の説明ではなく、「このフレーズをこういう風に言ってほしい」と、すごく具体的に伝えていましたね。車の窓越しに一生懸命、何度も何度も言い回しやテンポについて説明している姿が印象的でした。 くるま：高良さんには何回もリテイクして申し訳なかったですね。なんでもかっこよくなっちゃう！ 森川：私と高良さんとのやり取りの中で、高良さんが言い出すまでに絶妙な間があってから、決断の一言を言うという瞬間があるんですけど、その間をワンカットで撮っているので結構シビアで。間の取り方の部分で結構粘られていたという印象がありました。 ──間がこだわったポイントだったんですね。 くるま：元々それぞれのシーンを交差させない想定でワンカットで撮っていたので、事故のシーンまではキューが出せない。何分何秒後に車が揺れて照明が消えるというのが決まっている状態で、そこにぴったり合わせて終わらせないといけないんですよ。そのタイミングと間の取り方の兼ね合いがすごく難しかったですね。

──森川さんは完成した作品をご覧になって、観客として印象に残ったシーンはありましたか？ 森川：全貌を知らなかったので「こんな風に仕上がったんだ」という驚きがあったんですが 、特に印象的だったのはオダギリジョーさんのシーンですね。私たちの撮影の前にオダギリさんは撮影を終えていて、撮影前から「オダギリさんがすごかった！」という話は方々から聞いていて。その前のめりの勢いが画面にしっかり出ていて、さすがだなと思いました。 くるま：オダギリさんは本当に言うこと聞かなくて（笑）。撮影中も大暴れでしたね。 森川：さすがですね。そんな生き方をしたいです。

──アドリブへの対応も監督として求められたと思いますが。 くるま：そうですね。色々とアドリブをしていただいたので、こちらも普通にやるのもあれだしと思って、途中からカンペを出すようにしたんです。結局本番で使っているのは、オダギリさんがアドリブでボケたことに対して、俺がもう一重ねのボケを書いて言ってもらっているんです。「挟みましょう」ってオダギリさんが言い出したから、「俺が社長だったら挟みますよ。」って書いて。 森川：そのくだりありましたね！ くるま：よく見るとオダギリさんもそのカンペを見てちょっと笑っちゃってるんですけど、追い詰められておかしくなっているようにも見えるからいいなと思ってそのまま使いました。 森川：そんな裏話があったんですね。

──今後のくるまさんの監督としての制作活動について教えてください。 くるま：今まで芸人として漫才を作ってきたので、その要素を活かした作品を作りたいですね。“映像コント”ではなく、漫才がベースにある会話を意識した映画というものを作れたらいいなと。去年初めて北野武さんの作品を見たんですが、漫才の人が作っている映画だという感覚があって、それが面白かった。まだ始めたばかりで全体像も見えていないんですけど、プロットの状態から稽古して作っていく、即興的な演出を入れていくというのが自分の色にもなるんじゃないかなと。今までの映画にないものがつくれたらいいなという気持ちですね。

──森川さんは、次にくるまさんの作品に出演するとしたら、どんな作品に出たいですか？ 森川：恋愛ものが気になりますね。この間の単独ライブのコインランドリーのネタがすごく好きで。くるまさんって恋愛トークも結構好きじゃないですか。いわゆるまっすぐな恋愛ものじゃなくて、世の中の人からしたら「そうだよね、普通の恋愛ってそんなもんだよね」って共感できるような、これまでにないひねくれた恋愛ものが作れそうな気がするんですよ。それに出てみたいですね。 くるま：その時はお願いします！

劇場公開に寄せて、出演キャストとプロデューサーからコメントが到着した。 プロデューサー 雨無麻友子 たわいない会話の中に、見栄や焦り、人間の滑稽さがふと滲み出る。 そんな人間たちを単純に両断するのではなく、観客自身がその可笑しさや危うさを考えていく映画になっています。 漫才師であるくるま監督は、非常に強い言語感覚を持ち、“間”を自ら体現しながら設計していく演出をしていました。観客との空気の読み合いを熟知しているからこそ、“笑い”から逆算して緊張を生み出せる。その感覚が、『BREAK SHOT』では独特のスリルと映画的なリズムへと変換されています。 ドライブインシアターでの映画体験をきっかけに、この仕事に就いた私にとって、くるまの映画を世に送り出せることを、とても特別なご縁に感じております。 ぜひ劇場で見届けていただけたら嬉しいです。 児玉智洋（主演） こんにちは。主演の児玉智洋です。 今回、くるまの初監督作品に出れてもう本当に嬉しいです。くるまがメガホンを取りました。メガホンを取りそうだなと思ってはいましたが、本当に取りました。くるまといるとワクワクします。尊敬してます。もう止まらないです。凄いたくさん映画を撮って欲しいです。僕も負けじと頑張らなくっちゃ！ オダギリジョー 令和ロマンが２年連続で『M-1』を獲り、まさに期待を背負う中で、大きく歯車が狂う。 こんなにエポックメイキングな出来事があるだろうか？ それほど時代に愛され、もてあそばれる男がいるだろうか…？ 漫才を突き詰めた男が短編映画に挑戦するなら、その瞬間に立ち会いたいのはこちらの方だ。 大きな期待と共に現場に向かうと、そこには、くるまと車しかなかった。 高良健吾 令和ロマンの髙比良くるまさんから短編映画のオファー……M-1でも令和ロマンを応援していましたし、ご褒美かなと思いました。 イン前に森川葵さんとの本読みがあったのですが、その日のことは緊張してあまり覚えていません。それだけくるまさんの目を意識して緊張していたのだと思います。 本番の日はいい緊張感の中、楽しんでやれました。 くるまさんは間の事を細かく演出されていたので、芸人さんの間の集中力には学ぶ事だらけでした。 くるまさんのモノづくりに少しでも触れる事ができたのは貴重な体験ですし、しかも、監督と俳優として関われた事は自慢です。ずっと嬉しい時間でした。 前田旺志郎 映画の中ではYouTubeの動画を撮っている4人を、普段の4人の関係性や会話、キャラクターなどを踏まえてくるまさん、共演者で話し合いながら作って行きました。 くるまさんの言語化能力は凄まじく、3人とも僕らが目指すYouTuberの姿をすぐに思い浮かべる事が出来たと思います。出演シーン以外の4人のシーンも演ってみたかったなと思うくらい楽しい撮影でした。 高橋侃 レン役を演じました高橋侃です。 ドライブレコーダーが記録していたブラックコメディ。 緻密な会話劇。 撮影スタジオに入った時の高揚が今でも忘れられません。 くるま監督の世界の中で役として生きれた事とても幸せに思いました。 是非、劇場で車内で起きたリアルを覗き見してくだい。お楽しみに。 遠藤雄斗 お笑いが大好きな自分にとっては改めて夢のような仕事でした。 実際に会うくるまさんはテレビや漫才をしている時の姿とまるっきり一緒で。僕がテレビの中に入ったのか、くるまさんがテレビから出てきたのか、途中からわからなくなってきて困惑しました。今やお笑いだけにとどまらないくるま監督の新たなる航海の乗組員になれたこと誇りに思います！これからも一ファンとして、今後の作品もめっちゃ楽しみにしております！

Interview&Text by Tomoko Asai Photo by Ryoma Kawakami Edit by Qetic（Ken Mochizuki）

──みなさんにお会いするのは、2025年秋から約半年ぶりとなります。前回のインタビューでは、年末に向けて「ギャンパレ流行語大賞2025」を選出してもらいました。

（参考：GANG PARADE 感謝と再出発の8thシングル“KIMI☆NO☆OKAGE”――メンバーが語る10年の軌跡）

キャン・GP・マイカ（以下：マイカ）　ありましたね〜。「ハーイみょん！」やら「勝訴！」「盗んでいい？」などなど。

ナルハワールド（以下：ナルハ）　しょ、勝訴……？

マイカ　裁判のときにバッて開くやつ。最近は全然使ってないよね。

チャンベイビー（以下：ベビ）　ハーイみょんはまだ生きてる！

ココ・パーティン・ココ（以下：ココ）　うち、今日も使ったもん。

──この約半年で、新たに流行語となったものはありますか？

ベビ　やっぱりアレじゃない？

マイカ　「うっふ〜ん♡　⚪︎⚪︎だわ〜ん♡」っていう、うっふん構文。

ココ　うちら、というよりXで流行ったネットミームだよね。

ナルハ　あとは「僕っ子」みたいなやつ？

アイナスター（以下：ナス）　一人称が「ボキ」になるやつね。ボキは〜、って。派生形で「俺は〜↑」って、イントネーションが上がるバージョンもある。

──古きよき「漏れ」「ぽまいら」みたいなノリですね。

ベビ　それです。ほかにもなんかあったよね？

ココ　いまはミーム自体、サイクルが早いから私たちも忘れちゃって。

マイカ　1日で消えるのもあるし、グループ内禁止がかかることもあるからね。最近だと「おねがいします！」みたいに、無駄に敬語で喋るやつ。シンプルにウザいからって理由で禁止になりました（笑）。

──そうしたミームは、どなたが率先してグループに輸入しているのでしょう。

ナス　誰だろう。前提としてネットに張り付いている人だらけなのと、そのせいでXのタイムラインに流れてくるポストも似てくるんです。だから、会話中に誰かがぼそっと呟いたことに、みんなが「えっ、待って。私もそれ見た！」って飛びつくパターンが多くて。

ココ　パイオニアはいないけど、ドク（ユイ・ガ・ドクソン）がこないだミーム集をまとめてたよね（笑）。

──なるほど。まだ上半期も終わっていませんが、現時点で「ギャンパレ流行語大賞2026」を予想しておくとすると？

ココ　うっふん構文で！

ベビ　うっふ〜ん♡

ナルハ　（笑）

──あまりに満場一致すぎて、ナルハさんがもう笑っちゃってますよ。本題に入りまして、ギャンパレは来たる6月17日に結成から満10周年を迎えます。そこで今回は、これまでメンバーと過ごしてきた数年間のなかで、最も印象的だった6月17日の出来事を教えてください。発表は、お手元のフリップで一斉にどうぞ。

マイカ　各々、カメラロールを見返してみよっか。カレンダー機能から検索とかでいけるのかしら？　あっ、いけるのかしら〜ん？

ナス　いけるのかしら〜ん♡

──そこでも応用が利くんですね。

ナス　あっ、2024年はセイがメンバーに「脱退する」って言った日だ。見てこれ、泣きながら練習してるセイの写真。（編注　カ能セイのこと。現在は“華乃”名義でソロアーティストとして活動）

ベビ　その後、FC生配信もした日だっけ？　2025年は千羽でアルバイトしてる！（編注　WACKが毎年恒例で企画している渋谷ジャック広告施策の一環として、メンバーが神泉にある「串焼き 千羽」で接客するイベント「千羽で角パンしよ。」を開催していた）

マイカ　2023年はローモバの得点争いに追われてるな。（編注　スマホアプリゲーム『ロードモバイル』のこと。​​ギャンパレは同年、WACKに所属する全グループ対抗でのコラボ企画『集められた6つの騎士団 -玉座をかけたイス取りゲーム-』に参加していた）

ココ　私は同じ日、メイ（キラ・メイ）とパンケーキ食べに行ってる（笑）。

ナルハ　私のスマホ、数年前に機種変したから2022年より前の写真が全部消えてる……。

ナス　かなしい（笑）。2022年は、みんなで普通に練習してるね。

ココ　2021年は、マイカと茶豆の誕生日会してたんだ。

（※茶豆は、キャン・GP・マイカの飼い犬。2020年6月18日生まれのペキチワ。Instagramアカウント）

マイカ　私も毎年6月17日は茶豆の誕生日会がほとんどだった（笑）。

ココ　でも、意外と毎年メモリアルなことをしてるし、こうして振り返ってみると、大体はメンバーと一緒に過ごしてきてたんだね。色々なことがあって、わりと全部覚えてる。いま出てきたのなんて、ベビが練習中にすごいブリッジしてる写真（笑）。そんな感じでみんなフリップ書けた？　一斉に出すよー、せーのっ！

──わりと回答が固まった年もありますね。せっかくなので、時系列に沿って振り返ってみましょうか。

──ちょうど振り付けのお話がありましたので、マイカさんが特に意識したポイントがあればぜひご共有を。

──お話を聞いていて、改めてこれが最後の新曲になるのがとても寂しいなと……。気を取り直して、ここからは収録される3枚のCDから、Disc 2に絞ってお話を聞かせてください。

ココ　Disc 1はリード曲を厳選した“LEAD BEST”、Disc 3は遊び人の投票で上位10位を獲得した曲が集まる“ASOVIVA BEST”。そして、メンバーが選ばせてもらったのがDisc 2の収録曲です。流れとしては、Disc 1→2→3の順番で決まっていったのかな。私たちのターンではすでにDisc 1で“最強のギャンパレベスト”が決まっていたので、みんなの個性が自ずと出る選曲になったと感じています。

マイカ　というか、打ち合わせなしで収録曲が一人も被らなかったのが驚きだよね。

──これ、打ち合わせなしだったんですね。さておき、今回はアルバムの特設サイトで「“MEMBER BEST” PLAYLIST」も公開されていましたが。

ココ　うち、マイカのやつめっちゃ面白いなって思った。自分で振り付けを考えた「マイカcreative Best 10」は、さすがにマイカにしかできない選び方すぎる。

マイカ　ありがとう！　最終的に収録曲に選んだ「don't forget me not」は、初めて自分で振り付けを考えた思い出の曲で、カラオケに行くと必ず歌っちゃう（笑）。遊び人にも人気なイメージがあるし、たしかメンバー11人中5人がこの曲を選んでたよね？

ナス　ほんとだ。なんならメンバー人気1位じゃん！

ココ　この場にいるメンバーだと、ナス、ナル（＝ナルハ）も選んでる。

──この10曲をそのままセットリストにしたライブも観てみたかったです。

ベビ　めっちゃ面白そう！

マイカ　いや、待って。だとしたら、結構死んじゃうかも……。

ココ　あはははっ！　そうだね、マイカのは、やだ（笑）。

マイカ　落ち着いた曲が最後の「Where are you?」だけだし、レア曲も多いから頭も体もパニックになるの間違いないわ。

──個人的に、ベビさんのプレイリストがお気に入りでした。

ベビ　私のは、シャッフル再生で回ってきたときにうれしい曲たちを中心に選びました。普段は同じ曲をずっと聴くタイプなんですけど、そうなる基準がイントロの時点で「この曲、好きだな」って思えるかどうか。でも、イントロが好きな曲って、結局は2番とか曲終わりまでずっと「いいな」って思っちゃうから、あんまり基準の意味がないかも（笑）。

マイカ　そう言われると、たしかにイントロに迫力のある曲が多く並んでるね。

ココ　というか、うちとベビって3曲も被ってるんだ。ギャンパレの全曲（171曲）が候補だったなかで、3曲も一緒ってなかなかすごくない？

──そうなんですよ。実は今回、みなさんのプレイリストを生成AIに読み込ませてみたのですが、選択曲が最も被っていたペアに対するコメントがなかなか興味深く。みなさん、お手元の資料をご覧ください。

マイカ　ほんとだ。アイナスター×ナルハワールド……。

ナルハ　「👉強い一致」だって（笑）。

ココ　待って、「👉かなり“思想レベル”で近い」とかおもろすぎる。（絵文字のように、頭に指を強めに当てながら）

ナス　ほんとだ。私とナル、4曲も被ってるんだ。

マイカ　そんなに一緒だったの！？

ナルハ　そうなんだよね、びっくり。

ナス　たとえば「シグナル」だと、私の加入曲でもあり、ナルの活動復帰タイミングでのシングル表題曲だったから思い出もたくさんあって。あと「お願い」は、ナルの作詞曲。私はまだグループ加入前だったんですけど「こんなに自分のことを代弁してくれる歌があるの？」ってくらい、最初に聴いたときは本当に衝撃的で。この曲に出会えたことが、私のアイドル人生でも大きなターニングポイントのひとつになっているので、ナル自身もこの企画で選んでくれていてうれしかったです。

ナルハ　それまでの作詞曲は前向きで明るい気持ちを書いたものが多かった一方、「お願い」では暗い部分を表現するのに初挑戦して。自分としても気に入ってるし、そんな歌詞をメンバーに大好きだと言ってもらえたので、私もすごくうれしいです。

──そんなおふたりは、実際のところ「思想レベルで近い」のでしょうか？

ナルハ　どうだろう。プリキュアが好きなところとかは一緒かもだけど……。

ナス　キャラクターや性格自体はそこまで似てないよね。でも、これは活動のなかで表には出さないんですけど、自分に対する不安や自信のなさをうっすらと抱えているところが、もしかすると同じなのかな。つい先日、楽屋で似たような話をしたことがあって、そこでふとわかり合える感覚になったんです。もちろん、こんな話はしょっちゅうしませんけど、「お願い」の歌詞がお互いの重なる部分をさらに見つけてくれたのかも。

ココ　それでいうと、私は性格的にナスと近くて、言い換えればナルと正反対。でも、正反対だから逆に似てしまう部分があると思うんです。なんだろう、ほんの少しズレているんじゃなくて、180度で思いっきり違うから、むしろ繋がるところが生まれてくるというか。感覚的な話ですけど、ナスの言ってることもわかるなって気がします。

ナス　言葉にするのが難しいよね（笑）。ココはたしかに私と似ていて、ギャンパレで唯一、ENFP（広報運動家）でMBTIが一緒なんです。「お願い」もそうだし、いまのココもまた、私の気持ちを代弁してくれちゃいました（笑）。

──とても考察が深まりました。遊び人はすでに同じ楽しみ方をしているかもしれませんが、このプレイリストを眺めながらだと、おいしいお酒が飲めそうです。

ナルハ　あははははっ（笑）。

ココ　たしかに。これで語るの、めっちゃ楽しそう（笑）。

──さて、ここまで何度か触れてきましたが、残念ながらギャンパレは2026年内をもって解散をすることが決まっています。しかしながら、解散以降にグループの作品に触れ、後追いで遊び人になる方々も少なくはないかと。

ナルハ　うんうん。

──そこで、既存の遊び人を含め、これからをギャンパレと生きていくすべての人々のために、2027年以降に読んでもらいたいメッセージを残しておくのはどうでしょう？

マイカ　おぉ〜！

ココ　すごい切り口！

ナス　新視点だ！

ココ　じゃあ、私から。2027年以降のあなた、へ。

マイカ　お手紙形式なんだね（笑）。

ココ　GANG PARADEに、どのような形でたどり着いたかはわかりません。ですが、こうして私たちを見つけてくださって、本当にありがとうございます。GANG PARADEは、もう解散してしまって、いるとは思うんですけど……。

ナルハ　……あぁ〜。

ナス　悲しいね。いま、ちょー悲しくなった……。

ベビ　ね。

ココ　やめる？

ナルハ　やめようよ。

マイカ　なんか、ちょっと、うるっときちゃった……！（目元を手でぱたぱた仰ぎながら）

（しばし沈黙）

ナス　2027年ってさ……本当にもう解散してるの？

ベビ　解散日じゃなくて、それ以降を考えるのがめっちゃリアルだったよね。

マイカ　わかる。なんだろうね、この気持ち。

ナス　ラストツアー『GANG PARADE SO LONG TOUR』が開幕してもなんとも思ってなかったのに、いま初めて実感が湧いたというか。リアルな想いを目の当たりにしたし、もしかしたら少し逃げてたのかも。

ベビ　本当にみんな泣いちゃいそうじゃん。でもそっか。私たち、実は現実から目を逸らしてたんだ……。

ココ　でも、そうですね……出会ってくれてありがとう、というか。GANG PARADEは10年間くらい活動してきて、名曲も数えきれないくらいたくさんあるし、メンバーもきっと元気にしているとは思うんですけど……人生のどんなタイミングでもいいので、私たちの音楽を聴いてもらえたら、「やっててよかった」って、本当に思えます。遊び人たちが残してくれた写真や動画もたくさんあるはずだし、いまからでも遅くないので、GANG PARADEの応援をよろしくお願いします。

ナルハ　その通り。私たちの楽曲は消えないから。「もし、解散がもう少しだけ遅かったら……」とか、色々と考えて悔しい気持ちになることはあるけど、残るものもちゃんとあるので。これからもずっと、ギャンパレを好きでいてほしいです。

ベビ　それこそ遊び場は写真も動画撮影もOKだから、昔のアーティストさんたちに比べて、後から楽しめる情報量もものすごく多いと思う！

マイカ　私、あれ好きなんだよね。YouTubeのコメント欄に残ってる「2026年だけど、まだ見てる人いる？」ってやつ。この記事を読んでくれた人、ギャンパレの動画にコメントをお願いします！

ナス　ぜひぜひ！　というか、私たちもみんなと同じように、ギャンパレで過ごした日々を回顧して、寂しい気持ちになるんですよ。これはもう絶対なるに違いないし、なんたっていま、この瞬間だって“直面なう”だし（笑）。でも、そうなった方が絶対いい。この解散は11人全員にとって人生の大きなターニングポイントになるはずで、ここまでが最高じゃないと、これから先を生きていけないと思うから。とにかく、私たちもいま同じ気持ちだよって、このインタビューを通して遊び人のみんなに伝わっていればうれしいです！

片山友希が主演を務め、MEGUMIが企画・プロデュース、木村太一が原案・監督を手がける映画『FUJIKO』。1970年代後半から80年代前半の静岡を舞台に、シングルマザーとして生きる富士子が、時代や社会の価値観に抗いながら、自らの人生を切り拓いていく姿を描いたヒューマンドラマだ。 木村監督が自身の母の人生と向き合うことから生まれた本作において、重要な役割を果たしているのが音楽である。富士子の衝動、時代の空気、そして自由への渇望を鳴らすため、サウンドトラックにはポパルダウド明、佐久麻瞬太郎、ハタヤテツヤらが参加。セッションを通じて、70年代ロックのざらつきや生々しさを宿した音が生み出された。 実話をベースにしながらも、現代に通じるジェンダーや子育て、自由をめぐる問いを投げかける『FUJIKO』。木村監督と音楽制作に携わった3人に、映画の出発点、1970〜80年代という時代の捉え方、そして富士子という女性の人生に音楽がどのように寄り添ったのかを、実際にレコーディングが行われた都内某所スタジオで訊いた。

話し合う場が生まれることが、アートの醍醐味だと思ってる

──今回の作品は、木村監督のお母様の人生をベースにしていると伺いました。 木村太一：僕は小さい頃から、アメリカのメジャーな映画が好きだったんですよ。そういうものに近いトーンの映画をやりたいと思った時に、どんなストーリーがいいんだろうと考えて、自分の母親の話を思い出しました。結構、奇想天外な人生を送っていたので。2作目でこの題材をやることは、たとえこの先キャリアが終わったとしても、人間として意味のあることなのかなと。 富士子は母親がモデルですが、それを主演の片山さんが一回取り込んで、富士子にしていった印象が強いです。そこはコラボレーション的な感覚もありました。エピソードの6〜7割ぐらいは実話です。時系列や場所が違っていたり、ストーリーのために脚色した部分はありますが。 ──時代設定は1970年代後半から80年代前半で、舞台は静岡です。監督にとって静岡はどういう場所なのでしょうか。 木村：僕は東京出身なんです。ただ、よく静岡には行っていました。劇中に出てくる蕎麦屋は実在するお店なんですよ。母や姉、僕もよく助けられた場所で。映画を撮る時に、必ずその蕎麦屋で撮りたいと話していました。 映画って、役者さんがその場所に行って、空気を吸って、見て、感じて、そこから演じることが大事なんですよね。もちろんグリーンスクリーンをバックに「ここは宇宙です」と言われても演じることはできますが、やっぱり演技のクオリティに関わってくることなので、できる限り実際の場所で撮ることは意識していました。 ──衣装や美術はもちろん、劇中では静岡で実際に起きた地下街のガス爆発事故など、当時の出来事を伺わせるエピソードもあります。 木村：ちょうど高度経済成長期が終わった後の時代なんですよね。リサーチしていくと、歴史的には大きな出来事が起こった時代というより、いわば“無の時代”のように語られている。もちろん実際に生きていた人にとっては激動の時代だったと思いますし、細かく見ればいろんな出来事が起きているんですけど。フェミニズムの歴史や、ウーマンリブの時代からの流れ……静岡駅前地下街のガス爆発事故もそう。そこと物語をどうリンクさせるかは、かなり考えました。 ──おっしゃるように、劇中にはウーマンリブの流れや、当時のシングルマザーの生きづらさ、家父長制的な価値観も描かれています。それは現在にもつながる問題として感じました。 木村：そうですね。もちろん僕個人の感覚ではありますけど、イギリスに住んでいたこともあって、ジェンダーに関する意識については、日本はまだ5年、10年遅れているなと感じることもあります。 たとえば託児所の問題も、当時は0歳児を預けられないという問題があった。今は制度としては改善されているかもしれないけれど、保育園が少なくて預けられないという問題がある。社会は「子どもを産め」と言うけれど、じゃあどうするの？という矛盾がある。そういう意味では、形は変わっていても、同じような問題が繰り返されているんだと思います。 ただ、僕の作風としては、あまり強く主張を押し出したり、結論づけたりするタイプではないんです。それよりも、作品が“ドア”というか、ディスカッションのきっかけになればいいと考えていて。観た人が賛成するかもしれないし、反対するかもしれない。でも、それについて話し合う場が生まれることが、アートの醍醐味だと思っています。

画面の映像と一緒にセッションしているようだった

──その中で、音楽にはどのような役割を求めていたのでしょうか。 木村：もともと、ちゃんと生音で録りたいという話をしていました。あの時代はバンド全盛期で、楽器の音が強い時代だったと思うんです。邦画だったら歌謡曲を使うことが多いのかもしれないですけど、うちの母はそういうものを通ってきた人ではなかった。むしろ洋楽ブームの中で、海外の音楽をかっこいいものとして聴いていた時代だったんです。 当時は今ほど海外へのアクセスがなかったからこそ、日本が一生懸命に海外の音楽を取り込もうとしていた時代でもある。母も洋楽を聴いていたし、僕もそこから影響を受けています。富士子は自由を求める話なので、アメリカンドリーム的なものや、UKロックの自由さとリンクしていったんです。 ──実際に音楽制作を担ったみなさんは、木村監督からどのような話を聞いていたのでしょうか。 佐久麻瞬太郎：木村太一さんとは、本作のプロデューサー・平松卓真くんと僕が『アルノナイノ』 というバンドをやっていて、そのPVを撮ってもらったつながりがありました。あと、前回の監督作『AFTERGLOWS』にも参加させてもらっていて。そういうこともあり、今回の話も始まる前の段階からいろいろ聞いていたんです。 監督のお母さんの話で、70年代の風景がある作品だと。僕らの音楽を平松くんが知っていたので、「佐久麻たちに任せたら、その年代の音楽ができるんじゃないか」という相談を受けていました。明（ポパルダウド明）とはふたつぐらいバンドをやっていますし、ハタヤさんとも一緒にバンドをやっているので、このメンバーなら作品に合う音を作れるんじゃないかと思いました。 ポパルダウド明：70年代の雰囲気を出したいという話があって、具体的な名前としてジミ・ヘンドリックスが出てきたんです。僕、好きなギタリストと言ったらジミヘン一択ぐらいだったので。好きすぎて、逆に離れようとしていたぐらいだったんですけど、今回「ジミヘンをやってほしい」と言われて、嬉しいなと。やります、という感じで乗っからせてもらいました。 木村：ジミヘンは60年代の印象が強いので時代は少しずれているんですけど、そこはまあいいかなと（笑）。明くんもすごくハマってくれたし、ドラムや機材にもこだわってくれて。途中でハタヤさんにも入ってもらったことで、音の幅が広がった感じがありました。 ハタヤテツヤ：僕は佐久麻さんから前日に電話が来ました。「明日空いてる？」って。ほとんど予備知識もないまま、「ビートルズっぽい」とだけ聞いた気がします。それぐらいしか聞いていなかったので、映画音楽にしてはすごくラフだなと思いましたね（笑）。普通、映画音楽って画に合わせてきっちり作り込むことが多いじゃないですか。でも、そうじゃないんだなと。意外だなと思いながら、何もわからないままスタジオに行きました。

佐久麻：最初は僕と明のふたりでレコーディングに入る予定だったんです。平松くんもベースを弾く形でいろいろやろうかという段取りはあったんですけど、いざ入ってみたら、やっぱり鍵盤の音が欲しいなと思って。僕もずっと音楽をやっているから、「これは絶対に鍵盤があった方がいい」と直感的に思ったんですよ。それで、「誰かいる？」と聞かれて、「絶対てっちゃんしかいない」と。1日目の終わりに思いついて、2日目に来てもらいました。 ──いわゆる一般的な劇伴とは質感がかなり違っていて、セッションのように作っている感じがしました。実際のレコーディングは、どのような手順で進んでいったのでしょうか。 佐久麻：まず大枠として、もともと映像に入っていた音楽があって、それを参考資料として捉えました。ただ、その曲をそのままなぞるだけだと、パクってしまうことになるので（笑）、自分がその場でアコギなどを使って作曲して、それをみんなに弾いてもらう形で進めました。 正直な話、僕らはうまく演奏しようと思えばできるんですよ（笑）。でも今回は、「わざと下手にやる」ことをコンセプトにしていました。70年代のフレーバーがちゃんと出るように、ちょっと粗い感じ。昔で言うと、一発録りしました、みたいなフィーリングが出るように。それでセッション的な雰囲気が出ているのかもしれないですね。 木村：今の時代って、何でも完璧にやらなきゃいけない空気があるじゃないですか。BPMも全部ちゃんと決めて、きれいに整えて。でも今回は、1曲作るのに30分ぐらいしかないような感じで、とりあえずコードを弾いてみて、もうそれでいいからやって、みたいな作り方だった。その緩さが逆に良かったんじゃないかなと思っています。 富士子というキャラクターも、思いついた瞬間に「こうするべきだ」と動いてしまうタイプですよね。だから、頭に浮かんだものをとにかく弾いてみるというサントラ制作のあり方と、富士子の感情がつながっていた気がします。

──『AFTERGLOWS』にも関わっていたトーマス・ヤードリーが、今回も参加していますね。 木村：彼は、僕のレイブ時代の友達です。とにかく天才なんですよ。めちゃくちゃなやつではあるんですけど（笑）、クリエイティブ一家で育っていて、妹もミュージシャンで、お父さんはMTV世代の編集マンで、賞をたくさん獲っているような人なんです。ヤードリー本人は無職なんですけど、音楽をめちゃくちゃ作るんですよ。 大学時代から音楽を作っていて、とにかくかっこいい。でもビジネスがまったくわからない人で、こんなにすごいのに、なんで誰もリリースしないんだろうと思っていました。自分の音楽になるとこだわりすぎて、1曲に3年かかったりするような人なんです。 ──今回はどのあたりの音楽を担当しているんですか？ 木村：オープニングの曲はしっかり彼に作ってもらいました。あと、3〜4曲ぐらい作ってもらっています。プロセスは人によって全然違っていて、それも面白かったですね。 ──映画の前半で富士子が夜、泣きながらお父さんのギターをもらって、それをポロンと弾く時のコード感がすごく印象的でした。

ポパルダウド：僕がその少し前にソロアルバムをここで録っていたんです。その流れもあって、今回も使わせてもらいました。 佐久麻：エンジニアの方は、質感へのこだわりがすごくある人なんです。スタジオによっては、大物の機材にこだわっているところもありますけど、一緒に遊びながら作ってくれる方なので、その点でもすごくいい雰囲気でできました。

普段こういう映画を観ない人にとっても入口になるように

──完成した映画を観て、自分たちの音楽が映像や芝居と合わさった時、どのように感じましたか？

佐久麻：これだけ音楽をフィーチャーしてくれている映画なんだ、ということに感動しました。映画館で観た時に、セリフより音楽は小さくなりがちだと思うんですけど、この映画では音がちゃんと前に出てくる場面がたくさんあった。やってよかったなと思いました。音の生々しさが伝わってくるし、それが片山さんの芝居や富士子の感情とリンクして、笑えたり、悲しくなったり、ちゃんと心情の変化と音楽がつながっているように感じました。 ポパルダウド：僕も、自分の弾いている音を映画館で聴くのは初めての体験だったので、すごく嬉しかったです。音楽が映画を引っ張っていくように見えるシーンもありました。あと、かなり前の段階から何度か映像を見ていたので、微調整で印象が変わっていくのも面白かったです。1秒、2秒切るだけで、ラストの見え方や音楽とのリンクが全然変わる。映画って面白いなと改めて思いました。 木村：僕は日本映画を観て育ってきたわけではないので、なんで日本映画ってこんなに音楽が少ないんだろうと思うんです。日本人だって、音楽がある映画が嫌いなわけじゃないじゃないですか。『パルプ・フィクション』も好きだし、『ベイビー・ドライバー』も好きだし、『スター・ウォーズ』だって、よく見るとほとんどずっと音楽が流れている。 だから、自分としては普通のことをやっただけなんです。でも邦画でそれをやる人が少ないから、いい違和感として受け取られているのかなと思います。僕にとって、音楽はそれぐらい大事なんです。最初の映画を作った時に、「ミュージックビデオの監督だから」と言われたことがあって。だったら映画の中でミュージックビデオをやってやろう、くらいに振り切った。そういうロック的な反骨心は、自分の作風の中にあった気がします。 ──この映画を通じて、観客にどんなことを受け取ってもらいたいですか？ 木村：まず、女性を応援する映画であることは大前提です。ただ、実は作っている時に意識していたのは男性なんです。富士子は当時、“シングルマザー”という社会的に少数派の立場に置かれていた人物なので、そうしたマイノリティー性を描いた話であり、マジョリティに理解してもらえない話でもある。だからこそ、マジョリティ側にも届くものにしなければいけないと思っていました。 女性が置かれている状況の大変さを理解していない男性がいたとして、その人たちが『FUJIKO』を観て「この映画、面白いな」と思ってくれたら、少し社会が変わるかもしれない。だから音楽をかっこよくしたり、アニメーションを入れたり、普段こういう映画を観ない人にとっても入口になるような要素は意識していました。 もうひとつは、富士子という人物には、明確な大きな目標があるわけではないということです。もちろん子育てという目標はあります。でも、ボクシングのチャンピオンになるとか、地球を救うとか、そういうわかりやすい目的がある主人公ではない。漠然と自由をつかみたいと思っている人なんです。 ──そこが、ある意味ではとても現実的ですよね。

木村：そうですね。僕は12歳でイギリスに行って、10歳ぐらいから映画監督になりたいと思っていたので、最初から目標があった人間なんです。だから、夢がない人の感覚がわからなかった。でも母と話した時に、「普通の人は、それを探すのが人生なんだ」と言われたんです。何かをやりたいということは、そんなに早く見つかるものではない。目の前にあることを一生懸命コツコツ頑張っていくことで、道が開けるんだと。 それは素晴らしい考えだと思いました。富士子も、目の前で起きることにとにかく一生懸命向き合っていく。そうやって生きた結果、最後に自分で選択する権利を手にする。だから、何か無駄なことをやっているんじゃないかと思っている人がいたら、この映画を観て、そんなことはない、全部つながっているんだと感じてもらえたら嬉しいです。