〈エム・レコード（EM Records）〉より『逆襲のサイケアウツ：ベスト・カッツ 1995-2000』が2023年1月27日（金）にCDとLPで発売された。本記事では、DJユニットSoi48がいま最も大胆なサンプリング・ミュージックが生成されてるアジアの街のシーンを解説しながら、日本・大阪で究極のサンプリングミュージックを作り上げたサイケアウツ・大橋氏の最新インタビューをお届けする。

記事に入る前に、サンプリング・ミュージックの先駆者・サイケアウツが活動していた当時のシーンの背景と『逆襲のサイケアウツ』リリースまでの経緯を辿るべく、〈エム・レコード〉による作品の案内文を紹介させていただく。

サイケアウツは、当時ゲットーミュージック最新鋭だった＜ジャングル＞に共鳴した大橋アキラが、Off Mask 00のフロントマン、秋井仁と出会い1994年に結成した伝説的なテクノユニット。当時、ジャングルをプレイするDJはいたが、制作にのりだすミュージシャンは絶無で、大橋は黎明期の日本のハードコア・ジャングルの開拓者として記録されます。 最盛期にはパブリックエネミーのような大所帯にふくれあがり、1999年にフジロックに出演したのを頂点に解散。2000年代以降は＜サイケアウツG＞と改名して活動する。   ※いまジャングルはいち音楽ジャンルとして定着しているが、90年代初期の日本でジャングルをプレイすることはそれ自体で相当なものであった。   サイケアウツ＝大橋で特筆すべきは、ジャングルを取り込むだけでなく、次々と自己流に、そして驚異的な改造を施して新しいスタイルを開拓していったことです。その中には00年代にナードコア、J-Coreと命名され逆輸入されたものや、どう呼べば良いのか困惑する未来のベースミュージックの姿があり、今現在もジャングル／ドラムンベースのマニアを唸らせます。また、現在、世界各国で進行するモダン・ジャングルのど真ん中を貫くサウンドでもあります。   しかし90年代のサイケアウツは、当時やっていた音楽スタイルが足かせとなり、あれだけのポテンシャルを持ちながらメジャーでの活躍が憚られるという二律背反を抱えた、「アンダーグラウンド」の字義そのままのユニットでした。   今回のコンピレーションでは、これまで留保されていた90年代のサイケアウツの正統性についての評価を促したいという願いがあります。

引用元：エム・レコード

ダンスミュージックの革命が起こっているアジアのダンスシーンの変移と、サイケアウツの揺るがぬサンプリングの美学、そのコントラストをなぞりながら、『逆襲のサイケアウツ』を聴き込んでほしい。

数年前からアジアのダンス・ミュージックを掘っている。伝統楽器の音をサンプリングし、四つ打ちやベースミュージック化したものもあるが、筆者の興味を引いたのはアジア各国のクリエイターが自国のリズムを探求し独自に生み出した音楽スタイルだ。タイのサイヨー、フィリピンのブドッツ、ベトナムのビナハウス......これらのダンスミュージックをstillichimiyaのYOUNG-G、MMMと共にADM（Asian Dance Music）と名付けることにした。ADMの特徴はTikTokをはじめとしたインターネット上で流行しているヒット曲やグローバルヒットしているEDM、トップ40をサンプリングしアジア各国にある独自のグルーヴにリミックスしているところである。近年日本でも人気のアフリカのダンスミュージックであるゴムやシンゲリと比べても全く遜色のないダンスミュージック革命と言えるだろう。

東南アジアの国タイを例に挙げると、2010年代に入りダブステップ、フューチャーベースが登場しダンスミュージックが複雑化すると客の反応が悪くなり、タイのDJ達は一昔前に流行したダッチハウス、ハードハウスをプレイした。当時最先端だった欧米のトレンドとズレが生じたためDJは新しいトラックをプレイせず、クラブで同じ曲ばかりプレイすることになる。その結果、客に飽きられて、ヒップホップ箱へと客は流れ、タイのダンス・ミュージック界は窮地に追い込まれた。そんな中、生まれたのがサイヨーという音楽ジャンルだ。

タイでは60年代にラテンのリズムであるチャチャチャが大流行した。70年代になるとタイの歌謡ジャンルであるルークトゥン、イサーン地方の語り芸モーラム、ロック、ポップスにチャチャチャのリズムは取り入れられ大流行。タイ人達はチャチャチャのビートを強調した楽曲をサーム・チャー（※タイ語で3つのチャという意味）と呼びお祭りやディスコで流れる定番ダンス・ミュージックとして成長を遂げる。そんなサーム・チャーのリズムを強調し、よりクラブで映えるように改変したのがサイヨーだった。タイのトラックメイカー達はEDM、ヒップホップ、ポップスからSNS上の喧嘩の罵声まで、ありとあらゆるものをサンプリング。元ネタを強調したものから、原型がわからなくなるほど細かくチョップしダンスミュージックとしての機能性だけを追求したリミックスまで、様々なサイヨーのスタイルが誕生した。

2016年、サイヨーはSNS上で大流行し、それ以来タイ人が好むダンス・ミュージックとして確固たる地位を築き上げている。サイヨーのムーヴメントを後押しした要因は2つある。1つはトラックが圧倒的に作りやすくなったことだ。PC、インターネットの普及により誰でも簡単にリミックスが作れる時代が到来した。2つ目はSNSの普及、特にアジア各国でのTikTokの大流行だ。フロアにテーブルのあるディスコ・スタイルが主流のタイではEDMのようにブレイクで一緒にジャンプするのは難しい。一般的にタイのクラブはドレスコードが存在し、ハイヒールを履いて遊びに行く女性が多い。そんな女性客をジャンプさせるのは気の毒である。EDMが縦の踊りなら、サイヨーは腰をくねらせて、足を移動させないで地面を這いつくばるように踊る。そんなセクシーでちょっと面白いダンス・スタイルが、性別、年齢問わずTikTok上に投稿され国境を跨いで拡散されていった。タイを一例に挙げたが、フィリピンのブドッツ、ベトナムのビナハウスなど、サンプリング、TikTokを使った独自のダンスミュージックが同時多発的に誕生している。この状況は欧米のダンスミュージックに対するアジア各国での植民地解放運動の様である。

〈エム・レコード〉からリリースされた『逆襲のサイケアウツ：ベスト・カッツ 1995-2000』に付属されている〈Murder Channel〉梅ヶ谷雄太氏の解説には「サイケアウツの音楽を定義づけするなら、『サンプリング・ミュージック』とだけ言える。サイケアウツはサンプリングという行為そのものを体現しており、活動当初から現在まで一貫してほとんど全ての音素材は他の音源のサンプリングで構成されている。他者の音源から抜き取ってきた借りものの素材だけで、ここまで強固なオリジナリティを放出できるのは日本ではサイケアウツだけであろう。」と書かれている。

日本のサンプリング・ミュージックのパイオニア的存在であるサイケアウツはサンプリングが大衆化した現在をどう捉えているのだろうか？　2月12日に新宿SPACEにて開催されたSoi48 Vol.50『逆襲のサイケアウツ』リリース・パーティーにて現在はサイケアウツG名義でソロとして活躍する大橋氏にインタビュー取材をおこなった。

──サンプリングする際に元の楽曲、ネタにこだわりはありますか？

昔はサンプリングする時はサンプラーを使ったじゃないですか？　秒数に限度があるというか。今はPCに取り込んだら無限じゃないですか？　サンプリングというのはあまり取れないから価値がある。全部曲を取れたらそれはカバー。ビルボードのチャートを見ているとカバーが多いけど、昔のサンプリングにそれはない。最近の人でもヒップホップの人はそこにこだわっているね。

──リスナーにサンプリングの元ネタを知って欲しいですか？　記号のように音としてサンプリングしている人もいます。

マニアックな人なら知っている位のネタを選んでいる。アニメとか、え、それ行く？的なもの。最近のヒップホップやドリル系の人がアニメをサンプリングしたりしているよね。一方アリアナ・グランデを使ったりもしている。しかしこれは商売。メジャー・アーティストの宣伝になる。著作権料支払えばサンプリングされた方もお金になる。最近は昔に比べて宣伝になるので寛容やね。コマーシャルになっている。自分はそっちの方向ではないサンプリングネタを探したい。

──サンプリングとカバーの違い、コマーシャルとしてのネタ使い、確かにそうですね。現在AIが波形で著作権のパトロールをしていることについてどう思いますか？

AIって言っても人間がやっていること。とてもじゃ無いけど本当の意味でのAIでは無い。人間が設定したプログラム通り動くだけのこと。プログラムした人の腕が悪ければ当然かい潜り可能だよね。だからやればいいと思う。昔でも見つかれば文句言われるだけのこと。勘違いしている人も多いけど自分はAIが得意。得意というよりは概念が好き。だから90年代から考えている。意識がわかっていないのにその機械は作れない。ただのプログラムやね。プログラムのことをAIと言っているのなら、それはそれで良いですけど。

──90年代はインターネットがまだ盛んじゃなかったじゃないですか？　現在サンプリングと一言で行ってもクラブや現場でプレイされるのを想定して製作されているものと、リミックス作品としてインターネット上で披露しているものがあると思うんです。つまり現場とネットと分かれている。大橋さんの時代は現場中心だったと思うんです。クラブで流すのを想定してサンプリングネタを考えていましたか？

そんなもん、特に考えておらへんよ。そりゃ出音は常に良い音を目指しているけど。出音なんてクラブ、箱によって異なるやん。基本的にその場のEQで直してやるだけ。現場もしくはネットを意識してどうこうというのは無いね。

──シンプルにサンプリングと向き合ってますね。現在はPC1台あれば誰でもリミックスできる時代が到来したと思うのですが。

そんなことはない。そんな簡単なもんちゃうよ。できている人は音楽的な能力があるはず。誰でもできるものでは無い。

──アジアのダンスミュージックはPCの登場で、新しいシーンが生まれています。

アフリカもそうやね。アマピアノ、ゴムとか。PCが手に入るかどうかというよりは新しいテクノロジーとの出会い方が重要なのとちゃうかな。日本は固定電話、ポケベル、PHS、携帯電話、スマートフォン......と順繰りに成長してるやんか？　人によるだろうけどアフリカはいきなりスマホやで。その間の産業的なものが無いから面白い。無駄がないというか。遠近法的な考え方がない。西洋人の知識優先的な考え方がないと思う。これは視覚、感覚に影響することだから絶対に違うし面白い。その辺寝っ転がっていたような奴がいきなりアーティストになれる。我々にはない何かが彼らにはあると思う。

──逆に大橋さんが最先端のアフリカのダンスミュージックから影響を受けることはあるんですか？

アフリカに影響されることもあるし、良い曲もあるけど、自分は普通のハウスが好きなんや。だけどなかなか作れない。マスターズ・アット・ワーク、ルイ・ベガが大好きなんやけどいくら真似しても同じような楽曲を今だに作れない。元々俺はインダストリアル・ミュージック、シカゴ・ハウス、トッド・テリーとかが大好きなんや。自分が作るとヘビーな四つ打ちになってしまう。

──TikTokはサンプリングミュージックが多く様々なリミックスが存在します。そんな音楽を一般人が楽しんでいることについてどう思いますか？

現代の拡張ツールやね。みんなやっているからやっている。自分が若い時にあったら絶対にやっていない。流行っていてみんなが飛びつくようなもんに興味あらへんから。中身がサンプリングかどうかは関係ない。もし90年代にみんながサンプリングに夢中だったら自分はやっていない。流行り物は"もの"としては面白いけど、みんながやっていたらやらない。そういうもの。

──一昔前はレコード、カセット、CDと音楽ソフトウェアがありましたが、現在は音楽をインターネットを通して楽しむのが普通になっています。大手のサブスクリプション・サービス、SoundCloud、Bandcampなどで気軽に楽しめますが、一方アクセスする場所によって住み分けができて一般的なものからアート系まで聞く音楽の分断がおこっていると思うんです。音楽との出会いが狭まっている気がしますがいかがでしょうか？

昔なら大きなCDショップ行けばジャニーズからマニアックなノイズ音楽までなんでもあった。でも自分の興味あるコーナーしか見ないよね？　俺はノイズとダンスミュージックしか見なかった。人それぞれになるけど餌箱が違うだけ。現在はみんな忙しくなったね。知らなくて良いものを知る、聞かなくて良いものを聞かなければいけない時代。ちょっと前まで人間はもっと他のこと考えていてよかった。聞かなくて良い人も聞いてしまう、聞かされてしまうのが今の世の中。再生回数とか、お金が儲かるから無理矢理聞かせようとする人もいる。自分の本当の欲望を忘れているから疲れていく。訳のわからない音楽を聴いてしまうから。昔は聞く手段がないからCD買ったり、レコード探したり自分の欲望に忠実だった。買うしかない。みんなクロウリーの言葉"汝の欲することを為せ、それが汝の法とならん"のようにやった方がいい。

──これからサンプリング音楽はどうなっていくと思いますか？

予測できない新たなことが起こるやろね。無くなることは絶対にない。著作権が存在するから商売になる。一方盗用する楽しみもあるから楽しい。というかドレミファソラシドで作っている時点でパクリ。これだけで短いサンプリング。これ以上言い出したら作れる音楽がなくなってしまうけど、極論に言えばそういうもんや。

━━1stアルバム『Bad Memory』は音楽の中ですべて語っているような作品で、改めてインタビューでわざわざ言葉にする必要のあることとないことがあるなと思っていて。なので今日はYoung Keeさんがその中でしゃべりたいと思うことを話してくれればなと。

ありがとうございます。歌詞には自分が経験していないシチュエーションや情景も描いているんですけど、嘘か実かでいうと、実の感情を書いてますね。情景描写やストーリーが本当かどうかは聴いてくださる人次第ですけど、「気持ちに嘘はない」という姿勢で作り上げました。

━━ポップミュージックを作りたいという意志をYoung Keeさんの音楽から強く感じます。自分のことを歌いながらも、その曲が聴き手のものになってほしい、というような姿勢を。

そうですね。小さい頃からずっと「ポップミュージック」と言われるような、キャッチーで大衆性のあるものに惹かれてきたので。小中の頃はクリスティーナ・アギレラ（Christina Aguilera）、アリアナ・グランデ（Ariana Grande）、テイラー・スウィフト（Taylor Swift）、ジャスティン・ビーバー（Justin Bieber）とか海外のメインストリームのポップスがすごく好きで。

中3のときに邦楽ロックが好きだったお兄ちゃんから米津玄師さんのアルバム『YANKEE』をおすすめしてもらって、それまで日本の音楽を聴いてもそんなにハマらなかったんですけど、『YANKEE』には日本の風土とか、日本でしか感じられないエモーショナルな気持ちとか、日本の独自性がリリックで表現されていてすっごく感動したんですよね。プラス、メロディ、ギターとか、楽曲の全部がよくて、自分が知らなかっただけで日本の音楽でもこんなにかっこいいものがあるんだと思って。もともとハリウッドスターになりたかったんですけど（笑）……「自分は何でもできる、最強」と思う時期あるじゃないですか？

━━ありますね、根拠のない自信がある年頃。

そう。「ハリウッドスターになるぜ」ってずっと信じてて、でも「あ、難しいかも」と思った時期に兄から『YANKEE』をおすすめされて、そのタイミングで女王蜂さん、東京事変さんとかも知って。その流れで音楽を目指すようになって、軽音楽部のある高校に進みました。

━━Young Keeというアーティスト名にしたのは……？

米津玄師さんの『YANKEE』に日本の音楽というものの魅力に気づかせてもらったので、リスペクトと感謝もありつつ。ヒップホップも聴いていたので、ヒップホップアーティストの「Young〜」を意識したのと、一見して日本人だとわかるよりは謎めいた感じというか、アジアのアーティスト感を出したいなと思って「Young Kee」にしました。あと僕は「ヤンキー」と言われるような見た目じゃないのに、「初めまして、ヤンキーです」って言ったら面白いなと思って（笑）。

━━Young Keeとして大事な1枚目のアルバムはどういう内容にしたいと考えたのでしょう。それまでに出した4曲を入れずにアルバムを作ったことも、この1枚で表現したいものがはっきりあったということの表れだと思うんです。

このアルバムを制作するまでに出した4曲は、自分がこれからやっていく音楽性や表現したいもの、音楽をやる意味に気づくまでの旅という感じでした。それはサウンド面でもそうだし、リリックもそう。4曲ともジャンルを変えていたのは、自分の歌声とか、自分のアーティスト性にフィットする音楽性を探っていたからで。

でも結局、ジャンルとか関係ないなというところに辿り着きました。自分の経験や感情から出てきたメロディや、それにつけるリリックを、より自分のイメージ通りに聴いてくださる方へ伝わるように音作りするのが一番大事だと思ったので。ジャンルはあとからついてくるから囚われなくていいんだなって。

━━本当に大事な音、メロディ、言葉、心を際立たせるために、他は削ぎ落としているような音作りをされている印象を受けました。だから描きたいものだけが色濃く出ている作品が完成しているなと。

そう言っていただけることがとても嬉しくて。愛着や熱意のないものは削ぎ落として、自分が心を向けているものだけで構築することを意識して作りました。リリックに関しても今までは、本当のことを言ってしまったらジャッジされてしまうんじゃないかって、聴いてくださるみなさんに自分の奥まで知られてしまうことへの恐怖心があったんですけど、そういうものも取っ払って、本当に思っていることやさらけ出したくないことも歌詞に入れようと思って。

それをジャンルにとらわれずに美しい音楽に昇華させていくことが自分の理想だなって、そういう想いで全編を作りました。自分の内なるものとか、抽象的じゃない歌詞とか、核心を突いたところとか、自分の人生の闇の部分とか……本当に思ってることを歌詞に投影するのは、自分からしたらすごくハードルが高かったんですよ。

━━相当な勇気と覚悟のいることですよね。それをさらけ出して、世に放って、しかも永久に残る作品にするという行為は。

そうですよね。本当に仲良い友達にも話したことないようなことも表現したいなと思って。

━━そういうふうに音楽を作ろうと決めたのは、どういう想いがあったからですか。

やっぱり、自分が本当に思っていることではないこととか、ちょっと言い回しをおしゃれにして伝わりにくくしちゃったリリックは、伝わることが少ないなと思って。レイヤーを重ねてぼかしちゃうと、聴いてくださる方に何が真意なのか、こちらが思っている以上に伝わらなくなっちゃうなって。ネガティブな内容であってもポジティブな内容であっても、さらけ出して伝えた方がより鮮明に共感してくれる方が増えるかなと思ったんですよね。

あと自分の好きなアーティストが、歌詞のレイヤーがすごく近いというか、生々しくて、嘘のないものを書いている方が多くて。せっかく自分も音楽をやるんだったら、自分が生き甲斐を感じられる姿勢で作品を作るためにも、嘘のない歌詞を書いて自分が本当にいいと思ったメロディだけを吟味して作るということをやるべきなんじゃないかと思うようになりました。

━━作り手がどうしても伝えたいことや、自分を丸裸にして書いた音楽・言葉には、無視できないくらい惹きつけられる力が宿りますよね。でも本質とは別のところでジャッジされる危うさもあるから、本当に怖いことだと思います。

自分にとってハードルが高かった「自分をさらけ出す」ということが、このアルバムでできた実感はあります。まだ全部はできてないけど、自分がやりたいことや伝えたいことの表現手法に近いものを成し遂げられたことが、このアルバムで得たいい経験だし成長だなと思います。どういう意志で音楽や言葉というものの力を借りて、表現者として何を伝えたいのか、伝えていかなきゃいけないのか――音楽をやっている意味みたいなものに気づけたことが、このアルバムを制作して得た一番いい経験ですね。

━━今回のアルバムを作る上で、とっかかりとなったのはどの曲でしたか？

“Escape Car”がアルバムの中で最初に作った曲なんですけど、そこから本当に、今までと全然違って自分の気持ちに嘘がない歌詞を書き始めて。本当に伝えたいことしか入れていない作り方をして大体形になってきたときに、「あ、めっちゃいいじゃん」って自分でも思えるようになったんですよね。自分のことをさらけ出してもいいんだって思えたし、むしろさらけ出した方がかっこいいじゃんって。さらけ出すことに対する快感とこだわって精査して楽曲を作ることで得られる達成感は、このアルバム全編通してありました。

━━そもそもこのアルバムは、最初の挨拶を除くと「ごめんね」という言葉から始まるわけじゃないですか。「ごめんね」で始まる1stアルバム、なかなかないと思うんです。

これは一人に話しているようで、実はみんなに話していて。今までの人生で関わってきた人みんなと会話しているつもり。それには、自分自身も含まれています。今まで自分が傷付けちゃった人、迷惑かけちゃった人とか、いい思い出や経験をくれたのに自分の中でないがしろにしちゃっていたことに対する、いわゆる謝罪みたいな気持ち。それと一番大きいのは自分自身について「認めてあげられてなくてごめんね」という気持ち。自分というものを愛せてなくて、見つめられなくて、周りと違う自分が嫌だなと思っちゃってごめんね、という感じですね。

━━表題曲“Bad Memory”の〈拙い過去も悪い思い出も／今までのこと忘れたくない／誰かに触れて傷付いたこと／生きてることを許したいよ〉は、アルバム全体を端的に表しているラインだと感じたのですが、いかがですか。

そうですね。アルバムの表題曲だからリリックではアルバムのことをちょっと解説しちゃおうと思って。どういう意図を持って『Bad Memory』という表題にしたのかの説明役も担っている楽曲だと思います。このアルバムの核となる考え方の、弱い自分、好きになれない自分、認めてない自分、見られたくない自分、自分を愛せていない自分とかを全部さらけ出すという姿勢を取ってますね。

〈忘れた歩き方上手な喋り方／自分の名前すら聞きたくないよ〉という歌詞があるんですけど、実際に自分は人の意見やその場の雰囲気に感化されやすくて、あとから自分の行動を振り返って「何かやっちゃってないかな」とか考えなくていいようなことまで考え込んじゃったり、「自分って周りの人から見たらどうなんだろう」って第三者の視点を気にしすぎちゃったりして、自分が自分を一番見られていなくて。自分自身なのに本当の自分を知りたくないみたいな、自分自身を理解してあげることが大事だってわかってるけど、でもそれが怖い。そうやって、自分のことを認めてあげられない人って多いと思うんですよ。

━━〈それでも笑い方教えてくれた／あなたは絶対〉と続くところは、Young Keeさんにとってどういったことが救いになったのだと言えますか。

いろんな人に支えられて自分を肯定できるようになったとも言えるんですけど、どれだけ信頼してる人や大好きな人から「あなたは素晴らしいよ」と言われても、一番大事なのはそれを自分で自分に思うことで。「自分は弱いんだ」「自分は人と違うんだ」と認めて、それを「いいところじゃん」「それも僕だしあなただし」みたいに言えることができてから笑えた、という意味で書きました。〈あなた〉というのは第三者でもあり自分でもあるという感じですね。

━━自分で認めていないと、大事な人から言われた言葉でも疑っちゃったり流しちゃったりすることがあるんですよね。

今おっしゃったことが、このアルバムのタイトルを決めたことにも繋がってくるんですけど。僕って、忘れることで逃げてきたんですよ。自分が傷付いたり嫌だなと思うことをされたりしても、怒る、悲しむというより、忘れて自己防衛をするという手段を小さい頃から取ってきたんです。

でも、そうしていると、大切な家族や仲良い友達に言ってもらったいいこととか、大切な人たちと一緒に過ごした素晴らしい時間に対する記憶力もどんどん落ちていくんです。忘却という逃げの形を取っていたから忘れることが癖になってしまっていて、いいことも悪いことも全部一緒くたに忘れていく。それがずっと、すごく嫌だったんですよね。

━━〈デリカシーのない発言（“H.S.P.”）〉、〈笑えないジョーク（“Anthem”）〉とかを受け流す自己防衛の手段を繰り返していると、いいことでさえも自分の心に刻み込む方法を見失っちゃいますよね。

嫌だった思い出だけを忘れるって、人間、なかなか難しくて。蓋をし続けていくと、いいことも悪いことも一緒くたになってどんどん薄れていってしまいますよね。過去も全部掘り起こして、一個一個認めて愛してあげて、ということをいつかしなきゃいけないと思っていて、このアルバム制作をトリガーにして初めてちゃんと自分の人生に向き合いました。

嫌な過去もいい過去も思い出して、全部全部自分を見つめて認めて愛してあげるって、すっごく体力がいるんですけど、アーティストとして音楽の力を借りて人に共感してもらうということをやっているんだったら、それくらいのことをまず自分ができてないと何も伝えられないわと思って。それで気合いを入れてこのコンセプトにしました。

━━この音楽を作ることは、Young Keeさんにとって、それまでの4曲を作ったときとはどのように異なる喜びや解放感などの感情がありました？

このコンセプトで作っていると、少しずつ自分を愛せるようになっていくんですよ。それに、一緒にスタジオに入って楽曲制作をしてくれている岩本岳士さんと内山貫太さん（EVI）、あと今回から新たに編曲に加わってくれた宮内シンジさん（Wu Mang）に、アルバムの核となる部分や「音楽という力をお借りしてこういう表現をしたいです」みたいな話をしたことによって、深いところまで分かり合える仲間になれたと思います。一緒に音楽を作っている方たちとの信頼関係みたいなものができて、それがよかったなと思いますね。

今まで以上に、楽曲を作っていて楽しいなと思ったし、完成したときに「あ、音楽っていいな」ということを強く思いました。これからは本当に、表現方法に枷がない状態でやっていけるんだろうなと思って、もうワクワクしてます。

━━リスナーとも人生の深いところで繋がることができる音楽が完成していると思います。このアルバムを聴いていろんな状況にいる人たちが自分の人生を投影して救われる気持ちになるだろうし、人生レベルで必要とする歌がいくつもあるアルバムだなと。

めちゃくちゃ嬉しいです。それについては結構考えて。独りよがりの音楽になっちゃうのかなと思った時期もあるんですけど、自分自身のことを歌ってもどこか共通する感情を経験してきた方たちがいると思うので、包み隠さずに自分の彩度・明度高めで作っていくことによって共感の度合いが深くなるのかなというふうには思いました。

レイヤーが近くなったというか、より自分というものを理解してもらえたのかなというふうには感じています。普通に仲良い友達でも芯食った話とかってなかなかしないじゃないですか。でも芸術として見たら、やっぱり生々しかったり、本当のこと歌っていたりするものの方が自分も面白いと思うので。

━━本当にその通りだと思います。

その点で「この曲でなきゃいけない」みたいなパワーは上がったかなと思います。やるせないこととかどうしようもないことって人生にはたくさんあると思うんですけど、同じ経験をしてる人がここにもいるし、聴いてくれるみんなが人生を丸ごと愛せるようになってくれればなって。これを聴いて自分と同じようにスッキリしてもらえる方が少しでもいたら、それはもう、自分が生きて音楽をやっている意味だと言っていいと思います。

2021年8月に“Young Kee”として活動を開始した21世紀生まれのSSW。 作詞・作曲を手掛け、耳に残るギターサウンドとキャッチーなメロディー、ラフでストレートな歌詞、そして、アンニュイな容姿とは裏腹な甘さと渋みを併せ持つ歌声に反応するファンが急増中！

──NAOさんは小さい頃はダンスを習っていたとか。

NAO AIHARA（以下、NAO）　そうですね。友達に誘われたのがきっかけで、小学4年ぐらいにジャズダンスみたいなところから始めて。高校からダンスの専門学校に行って、そこでヒップホップ、バレエとか基礎からいろいろ練習していました。

──音楽的な興味はどうだったんですか？

NAO　歌を始めたいと思ったきっかけは映画『バーレスク』を観たことです。そして、そのあとに『ドリームガールズ』を観て、「歌ってこんなに伝えられるんだと」思ったんです。もともと文章で自分の気持ちを伝えるのが好きだったんですけど、歌で伝えられたらいいなというのはその時に思いましたね。

──『ドリームガールズ』の特に誰からの影響が大きかったんですか？

NAO　どちらかというとビヨンセ（Beyonce）より、ジェニファー・ハドソン（Jennifer Hudson）に私は近しいものを感じました。今だったらビヨンセの“Listen”のを歌いたいって思うんですが、当時は、“Listen”よりジェニファー・ハドソンの“And I am Telling You I’m Not Going”を練習してた記憶があります。そこから掘り下げて、ジェニファー・ハドソンの曲を聴いたり、映画を観たりしましたね。またアレサ・フランクリン（Aretha Franklin）を聴き始めて、そこから『ブルース・ブラザーズ』を観て衝撃を受けたりもしたので、そこは今も繋がっているルーツだと思ってます。

──そこから具体的にはどういう活動を？

NAO　オーディション受けるまで、個人的に活動してたときはR&Bとかの洋楽をピアノやギターの方にサポートしてもらって歌ったりして、ライブに出たりしてました。でも、やっぱり『バーレスク』の印象が強すぎて、ダンスがやりたい気持ちがあり、ダンスもできるような曲もどんどん聴くようになっていました。それこそ『ヨルヤン』のオーディションの曲を聴いた時に、ソウルっぽさのある深い感じで歌えるような低音から始まり高音もあって、みたいな私の好きな要素が詰まってましたし、同時に行われていたダンサー・オーディションのダンスの振り付けもかっこよかったですし、自分がイメージできるところにハマってたんですね。密かに自信もありましたね（笑）。

──自信もあったので、って力強いです。話を戻しますが、ハイティーンの頃はどんなアーティストを聴いてたんですか？

NAO　洋楽で歌える曲が何曲かあったほうがいいなと思って、アリシア・キーズ（Alicia Keys）の“If I Ain’t Got You”とビヨンセの“Listen”、あとPiNKはめっちゃ練習しました。“Listen”は今も歌い上げられるまでになりたいなという目標があります、けど、やっぱり難しすぎて（笑）。

NAO　たしかに。歌詞を書かれたEmyliさんが課題曲ではボーカルとしても歌ってらっしゃって、それがうますぎて感動して、まず真似しようと思って練習しました。それから自分らしさをプラスできるところが割とスッと入ってきて、それですぐ歌えたというか。「あ、これ得意かも」と。だからちょっと自信があったんじゃないかな。

──そこで残れたんだと思います。ヴァースが得意な人とサビが得意な人に分かれそうな曲ですし。オーディションの課題曲としては、Aパート、Bパートという送り方になってて、デュオで歌う複雑な作りになっていましたよね？

NAO　そうなんです。「こんな曲、誰が歌えるんだ？」って、オーディションに来てた子がみんな言ってました。初めて聴いたとき「こんなん歌える人いないでしょ」「ガイドボーカル、越えられないでしょ」って（笑）。

──作家、プロデュサー、アーティストとしてのSOCIAL HOUSEに対するイメージはありましたか？

NAO　アリアナ（・グランデ）のイメージがすごくあって、強いトラックのイメージがすごくありました。“lighthouse”はSOCIAL HOUSEらしく、トラックがすごく重たくて心臓にくるような感じがあって、歌詞も相まって響くものもあるんだろうなって思います。

──トラックの強さも意識してオーディションで歌ってましたか？

NAO　そうですね。歌ってる時にトラックとか歌詞に引っ張られる部分は絶対ありますし、強い気持ちにさせてくれる曲だなというのは歌っていて感じていたことでした。

──歌詞についても訊かせてください。NAOさんが書き加えた部分はあるんですか？

NAO　 2番の歌詞は私の書いたものがベースとなっています。オーディションの合格が決まって、改めて1番の歌詞を聴いた時に、自分なりの歌詞の解釈で、“悩みもがいている先にあるもの”みたいなイメージが浮かんできたんです。自分にもその状況によく似てる時期があったので。普段から思ったことを歌詞のようにして書き溜めていたんですが、当時書き溜めてた歌詞を読み返して、それを少しずつ書き直しながらEmyliさんと一緒に書かせていただいた感じですね。

──《耳を塞いでも聞こえてくるの 言葉と視線のナイフ》以降ですね。人からの意見や視線を気にしなくてもいいのに、気にしてしまう、そんな内容ですが、「その状況」というのはアーティストとしての活動の前ですか？

NAO　そうですね、過去にグループで活動してたときに、自分がやりたいこともできず、意見も届かず、ずっとズレを感じている中で、もがいてるような時期があって…。そのときに苦しくて書いた歌詞なんですが、当時は、一番迷ってた時期なんですよね。だからその状況と合うなと思って、もう一回書き直してみようと。もがいているだけじゃなく、今、掴み取るものというか、目指すところがあるよっていうことを伝えたかったので。

──グループではどんな活動をしていたんですか？

NAO　演技やダンスの舞台をやっていました。そこでいろんな方々と関わったり、話を聞いたりして、それが自分の考え方の広がりにもなったと思います。人との関係性の持ち方とか、コミュニケーションという点では学んだ部分はとても大きかったし、そこがきっかけで全てが始まってはいるんですね。

R＆B、ソウルといった音楽や、好きになったミュージカルや映画も、その活動の中で巡り合ったものですし、歌もそこがあったから始めているのは絶対的にあるので、そのルーツには感謝しつつ、今の自分に繋げていけたらいいなって一番思ってますね。

──そのエネルギーを溜めて、今こういった形に。曲にマッチするわけですね。

NAO　だからこそ、ダークな部分も書きたいなと思って、曲もそういうイメージを汲み取ったので、自分の中で。だから繋げていきたいなと思います。

──そして、今回、s**t kingzのkazukiさんによるのコレオグラフですが、グループなのでストーリーがある感じですね。

NAO　kazukiさんは歌詞を汲み取って、振りを考えてくださった部分が多かったので、ダンスプラクティスの時には鳥肌と涙が止まらなくて。全部がフラッシュバックしたというか、ほんとに特別なものだったんだなと思いました。私が歌詞を書かなかったら今の振り付けになってなかったし、全てが重なってこの作品ができたというのはすごく嬉しく感じてますね。

──s**t kingzのダンスも観ていたんですか？

NAO　過去にkazukiさんのレッスンも受けたこともありました。もともとダンスから入った身なので、今回のことに関して言うとkazukiさんが振り付けすることが一番「ヤバい！」みたいな（笑）。

──高校生の私からしたら？

NAO　向こう側でしか見たこがとないkazukiさんがこっち側にいるっていうのが、もう感動したというか、それが一番「ヤバい！」って一番思ったところですね。

──オーディションで勝ち抜いて、この楽曲でデビューすることになってからの意識は変わりましたか？

NAO　はい。私自身、ダンスをしているということもあり、周りのダンサー子たちとも仲がいいんですが、今まで一緒にダンスをやっていて出会った子たちと、今の自分として出会うダンサーの子って全然解釈が違うなと感じています。当たり前なんですけど、ダンサーのみんなを引っ張っていかないといけないし、全体の中で突き抜けてないといけないというか、そうありたいと自分も思いましたし、いい意味で背筋が伸びた感じはしてましたね。

でも距離感として自分が「アーティスト！」みたいになりたくなかったんです。作品にも絶対、気持ちが入ると思ったので、ダンサーのみんなとは、一人ひとりとちゃんと話して。「こういう思いがある」という話は意識してやってたところはあると思います。

──ダンスにも重きを置いてるんですね。歌と同じぐらいやっていきたい？

NAO　やっていきたいですね。ずっとそうなんですけど、今またダンスに結構メラメラしてるので。ずっとダンスをやってた身として、「ダンス」でしか表現できないものっていうのも絶対あると思っています。私もそれで感動することが多かったし、今までいろんな人が作る「ダンス」で表現された作品を観て心動かされることが多かったので、そこの要素も自分の中に取り入れてやっていけたらいいなっていうのはすごく思います。

──NAOさんがここまで話してくれたことががほぼそうだと思うんですが、改めて目指したいアーティスト像はどんなものでしょう。

NAO　自分が表現したいことを自分らしい表現の仕方と言葉で、寄り添えるような、近すぎず遠すぎずのアーティストになっていきたいなと思います。あと、エンターテイメントが好きなので、単純に観て楽しいってだけじゃなく、「感動したなー」って思ってもらえるような、そんな存在になりたいですし、歌う歌にも説得力を持ちたいので、言動もそうだし、人間としての厚みを持って、自分の人生を歌っていけたらいいなと思います。

──ジャズ・ピアニストとして2018年にアルバム『PLANKTON』をリリースしましたが、改めて今回シンガーソングライターとしてEP『California』でデビューされます。大きく作風が変わりましたが、まずはここに至るまでの経緯を教えてください。

甲田まひる（以下、甲田） 5歳からピアノをやっていて、9歳からジャズを勉強し始めたんですけど、そこからはジャズ・ピアニストになりたいという気持ちが一番強かったです。ファッションの仕事もやりつつ、ジャズのピアニストとして今後何ができるんだろうっていうことを考えてきました。

でも、『PLANKTON』を出す前にヒップホップに出会って、そこで自分の音楽観が大きく変わったんです。そのきっかけがローリン・ヒル（Lauryn Hill）とかア・トライブ・コールド・クエスト（A Tribe Called Quest）とかの90年代のヒップホップなんですけど、まずはそういった音楽性を自分の演奏に落とし込めないかなと考え始めたんです。ロバート・グラスパー（Robert Glasper）とか、すでにヒップホップを生楽器で演奏するみたいなことをやっている人たちがいたので、そういう人たちに影響を受けました。

同時に、アリアナ・グランデ（Ariana Grande）とかいわゆるアメリカのヒットチャートに入るようなポップスも聴いていたので、自然と自分自身も歌ったりラップしたりっていうことにも興味が湧いてきて。『PLANKTON』を出すタイミングでは、次はそういうことがしたいと思っていました。そこから、3年間くらいずっとデモを作っていましたね。

──聴く音楽と実際にご自身でやりたい音楽が別だったところに、それまで好んで聴いていたヒップホップを「やりたい」と思われた理由って何だったんでしょうか。

甲田　ア・トライブ・コールド・クエストの影響が一番大きくて、ジャズのサンプリングが使われているところに魅力を感じました。家でも、ビートをかけながら自分でピアノを弾くことから始めていって。そうするうちに、段々自分もラップしたいって思うようになりましたね。

──なるほど。となると、今回収録された“California”や“Love My Distance”といった曲はどのような構想から曲作りを始めていったのでしょうか。曲のストックはけっこうあったんですか？

甲田　ビートを自分で作って、その上に簡単にコードを乗せて、短いモチーフみたいなものをたくさん用意していました。その中から、一番最初に出す曲はどういう感じのものがいいんだろうと考えて選びましたね。最初に出す曲としては、今までやってきたジャズや、大好きな複雑なヒップホップ、そして今後やりたいポップスをうまく混ぜてグラデーションさせたい、と思ったんです。まだ完成していない曲もたくさんあるんですけど、今後どのタイミングで出すか悩んでますね。

──J-POPやヒップホップ、エレクトロニックなサウンドなど、様々な要素がパッチワークされた面白い曲に仕上がっていますが、それらは初めから狙いとしてあったんですね。

甲田　そうですね。“California”に関していうと、最初はもうちょっとシンプルな構成でした。元の楽曲はEPに収録されている4曲目のデモ版“California_demo@201113”に近いんです。クラブミュージック寄りのサウンドだったのですが、私がとにかくアレンジを重ねていくのが好きなので、「どうせならもうちょっとキャッチーなのが欲しいな」と思ってサビをぶちこんだりしましたね。

一方でK-POPもすごい聴いていたので、そういうアレンジも入れたいなとか。歌詞の世界観でも、《どこで生まれても私だけの勝手》《何が本当か分からないから》の部分はこの曲のジャンル展開の多さとリンクしていると思うし、だったら全部別の人が歌ってるくらいに繋げていった方が面白いんじゃないかと思ったんです。

──そういうことだったんですね。いや、ほんとに曲展開がめまぐるしくて、チャレンジングだなと思いました（笑）。

甲田　そうですよね（笑）。でも、リスナーの方からどういう反応が来るのか本当に分からなくて。若い世代の人たちって、イントロが短い方が飽きないとか、サビが頭に来た方が曲が印象に残るとか、少なからずそういう傾向にあると感じていて。私も同じで、そうではない楽曲に飽きちゃうことが多いんです。新しい色んな展開が次々に来る方がいいなっていうのが若い子たちの感覚としてあるなと。楽曲を作っている時に、ここまでくるともう本当に何でもありなんじゃないかなっていう感覚はすごくありましたね。

──展開の多さという点では、今回ラップにも挑戦されています。

甲田　ラップも好きでこれまでもよく聴いていたんですけど、最近はK-POPがラップをどんどん取り入れてるじゃないですか。1番が「Aメロ→Bメロ→ドロップ」と来て、2番のAメロがラップっていう展開がもう当たり前になっている。なので、そこはもうマストでした。自分でデモを作る時も、仮でなんちゃっての英語とか韓国語を使ってまずフロウから入れていって、それを日本語に変換する作り方をしました。

──リスナーとして聴いている時のパーソナルな感覚を、かなりご自身の曲作りにも反映されていますね。ラップをされる際に、特に意識したことはありますか？

甲田　いやぁ、思った以上に大変でした（笑）。私、AbemaTVの『ハイスクールダンジョン』で審査員をやらせていただいてたんですよ。そういう経験からもすごく影響を受けていますね。今回の“California”はもはや「一人K-POP」みたいな感じになっていて。ラップはAメロ、Bメロとはまた別の人が出てくるイメージなんです。できるだけ地声で強くラップしたいっていうのがあったし、カーディ・B （Cardi B）とかバッド・ベイビー（Bhad Bhabie）とかが大好きで聴くんですけど、ラップするときには彼女たちの自信に満ち溢れてる感も参考にしましたね。

──“Love My Distance”ではラップっぽく歌われているパートもあって、フロウをかなり吸収して自分のものにされていますよね。

甲田　ラップを考えている時が楽しいんですよね！　ラップになっただけで、強めのことも何でも言えちゃう感じがする。他のパートとの落差も作れるし、音楽的にすごく広がりますよね。“California”も“Love My Distance”も、もともと英語でリリックを書いている部分が多くて、そこに日本語をあてはめています。でも“Love My Distance”のラップの部分はさすがに日本語に当てはめるのが難しかったので、英語のままにしました。

──ラップミュージックという観点では、Giorgio Blaise Givvnさんが制作に参加されているのも驚きでした。どういった繋がりがあったんでしょうか？

甲田　（OKAMOTO’Sのオカモト）レイジくんが事務所の先輩で、ビートミュージックで歌をやりたいっていう相談をずっとしてたんです。で、レイジくんと（Giorgio Blaise）Givvnが仲いいので、紹介してもらって。Givvnは私の本とかも読んでくれていて、私がやりたいことを伝えたらすぐに理解してくれたので、サウンド面で協力してもらえることになりました。ラップもして、ビートプロデュースもしてビデオも撮る人なので、なんか一緒にやれたら面白そうだなって。そこからずっと一緒に作っています。

──ご自身の曲がアレンジされて仕上がっていく過程ではどのようなことを感じましたか？

甲田　アレンジは一緒にやっていて、ずっと細かくパスのやりとりをしていましたね。「ここはこういう音の方がいいね」とかを常に投げ合って。結局、最後はそこにGivvnが近づけてくれるみたいな。

Giorgio Blaise Givvn（以下、Givvn）　やりたいことを叶える役割でしたね。

甲田　イントロからエンディングまで、私がキックとスネアのパターンやベースライン、ピアノとストリングスなどを全部自分で入れて、それを渡してました。そこからミックス含め自分にできない音の再現などを、細かく伝えて叶えてもらいました。

やりたいことが伝わらなかったりとか、感覚がちょっとずれたりするとできないけど、Givvnには何でも伝わりました。あまり人と一緒に曲を作っていくことがなかったので、難しいと思っていたんですが、すごくスムーズにいきましたね。

──ともに制作を進める中で、思い出深いシーンはありますか？

甲田　二人で色々いじって「これ合うよね！　いいよね！」って言って作りながら、できる度に「やばいね！」って言い合ってた。

Givvn　「いいね」ってなって作るんですけど、次の週とかにはそれがめちゃくちゃ変わってるんですよね。今、「いいね」ってなってても、あぁ変わっちゃうのか……と思いながらいつもやってました。

──終わりがない感じですね（笑）。

Givvn　応援しながら、けど最後はもう説得しながらっていう感じですよね。できた後も作り続けるっていう。

甲田　そう、“California”だってすでにアレンジしたいんですよ！　いまの楽曲で納得してるんだけど、一生“California.1”とか“California.2”とかやってたいんだよね（笑）。

Givvn　なんか、J-POPとかロックっぽいサビとかがいきなり送られてくるんですよ。

甲田　「まじ、何？」みたいになるよね（笑）。

Givvn　組み合わせる作業がハマっていって、なんとなく今の完成している雰囲気が見えてきた時にはアガりましたね。J-POPっぽいところは、サビ転調させたら？　っていう提案をして、じゃあそのパートをバンドで表現しようってなって。そこまでいった時にはアガった。

──バンドについても、今回強力なメンバーが揃っていますね。

甲田　（新井）和輝さん(King Gnu／Ba.)と（勢喜）遊さん ( King Gnu／Dr.)はミュージシャン繋がりですね。和輝さんは『PLANKTON』にも参加してくれたんですけど、その時にドラムは石若駿さんに叩いてもらったんです。で、駿さんは元々、King Gnuの皆さんと一緒にされていたので（※石若駿はKing Gnuの前身バンド・Srv.Vinciの元メンバー）、そのあたりはみんなSNSで繋がっていました。そして、駿さんに和輝さんを紹介していただいた時にウッドベースでジャズをめちゃくちゃ勉強されてることを知って。『PLANKTON』は若いメンバーでやりたかったので3人で作ったんです。

そこから次の作品でもまた一緒にやろうって話していて。今回の楽曲がちょうどロックな感じになったので「これは和輝さんにお願いしよう」と。そして、普段からいつも一緒に演奏されている遊さんにもお声がけしました。

ギターの山田健人さんは、元々Givvnとかレイジくんが普段から仲良くて紹介してもらったんです。会うたびにデモを聴かせてたんですけど、リリースする曲を“California”で行こうって決まりそうなタイミングでMVを撮っていただくことになって。

もともとデモ音源ではサビのギターを私がピアノで弾いてたんですけど、そこは味のある歪んだギターだったり、情熱的なギターを入れたいなと思っていたんです。それで、MV監督だけでなくギターもお願いしたら、「めっちゃ練習した！」ってすごく一番やる気になって弾いてくれました（笑）。実際、最高なギターを弾いてくれたので、サビでも一番核となる楽器になっていると思います。

──オカモトレイジさんや石若駿さんと繋がることで広がっていったコミュニティがあって、「これ楽しそうだからやってみよう」っていう感覚のもと音楽ができている、その関係性がすごくいいですよね。今回の音楽にもその自由なフィーリングは反映されていると思います。ちなみに、いまファッション関連や俳優など幅広い活動をされていますが、そういったところでも様々なコミュニティに自ら進んで顔を出す方なんですか？

甲田　いやぁ……それがしてないんですよ。ガツガツ行くのが好きじゃないですし、人にどう思われるか気にしちゃうので。友達が一緒にいる時に紹介してくれて仲良くなることはあるんですけど、できるだけ外に出たくない。怖いから（笑）。

ジャズだと、一緒に演奏する人がいないとできないので頑張ってセッションに顔を出して、自分から行動して駿さんとかKing Gnuのメンバーとかと交流を深めていったんです。そういう人たちとはインスタで先に私のことを知ってくれている人が多いので、会うとその話になってなんとか打ち解けられたりします。あまり意識的ではなくて、やってたことがたまたま繋がっている。今回は、意図的に誰かとコラボしようという気持ちでは制作してないです。もちろん、結果的に色んな方が関わって良いものができるのは素晴らしいですけどね。

──その一方で、リリックではインスタグラムについての複雑な気持ちを綴られているようにも感じました。作詞はどういったところからインスピレーションを得ていったのでしょうか。

甲田　まず、《California》は私が行きたい場所ナンバーワンなんです（笑）。小学校の頃から、そのカルチャーや雰囲気に憧れていて、その想いが強すぎて《I was born in California》っていう一節が勝手に出てきてるんですけど、デモの時点で元々この歌い出しはありました。フロウのためだけに入れてて、後から全然違う日本語に直すつもりだったんですよ。でもGivvnとかレイジくんが「いや、これが面白いんじゃん！」って言ってくれて、これを残しつつそこから歌詞を広げて書いていきましたね。

好きすぎてただ言っているだけのことが意外に深いかもしれないなって思い始めたんです。本人が好きで言っていたら、それが真実であれ嘘であれ別にもういいんじゃないかって。インスタで写真投稿してピンを立ててどこかの場所を入れる時も、そこが全然違う場所だったとしても「カリフォルニア」って書いてたら信じちゃうじゃないですか。自己紹介の文を書く時も「カリフォルニア生まれ」って書いてたら本当にそう思われちゃう。

どう見られるかって自分でコントロールできてしまう時代だし、それって面白いことなのかもってずっと思ってたので、今回はしっかり言ってみたんです。あと、SNSで憧れの人を見つけて真似してみることって自分も経験があって、もっと自分のカラーを出していきたいのにどうすればいいか分かんなくなったりもするじゃないですか。そういったリアルなメッセージも込めています。

──確かに、リアルなこととリアルではないこと、真実と真実ではないこと、それらの境目が分からなくなるようなことってどんどん増えていて、そういった部分を指摘するような歌詞は面白いですね。あと、《California》って何度も何度も歌われてるじゃないですか。何度も聴いていると、「なぜカリフォルニアなんだろう」って思ってくる。でも、実はただただ好きなだけの場所なんだという（笑）。

甲田　でも、本当に展開も多くてごちゃごちゃしている曲なので、究極「California」っていう音だけ残ればいいやって思ってました。意味わかんないけど、耳に残れば嬉しいなって。

──“Love My Distance”の方のリリックはいかがでしょうか。こちらも元々は英語詞だったんですか？

甲田　そうです。作詞では、最初の《ひっぱると簡単に切れそうな》の「ひっぱると」とかを、日本語にするのが難しかったですね。でもそれでも「赤い糸」が思いついてからは早かったです。引っ張りすぎちゃうと糸は離れちゃうし、近づきすぎてもまっすぐに保たれなくて。ちゃんとした距離を保ちたいっていうことを歌いました。

──英語詞から日本語詞に変換していく時って、バッチリハマる日本語の音をとことん探していきつつも、リリックの意味やストーリーも作っていかないといけないわけですよね。そこには音と意味のせめぎ合いがあると思うんですが、どうやって折り合いをつけていったのでしょうか。

甲田　先にフロウがあって、一つテーマが決まると伝えたいことがどんどん出てくる。それをフロウに合わせてどれだけ短くできるかとか類義語を出せるかとか、ずーっと考えてますね。例えば「糸」から連想して、フロウ関係なく言葉をたくさん書いていくという時もあります。ストーリーを書いてからフロウにあてはめていくこともある。でも、どうしても言いたいワードが思いついてしまったら、そこでもうフロウも変えちゃいますね。

あと、コーラスもめちゃくちゃこだわってるんです。私、コーラスを考えるのが一番楽しいんですけど、レコーディングの当日にコーラスを考えすぎて、「この人いつまでやるんだ」みたいになっちゃってた……。あり得ないコーラスの多さ（笑）。

──やりたいことがとめどなく出てきてしまうと（笑）。

Givvn　レコーディングの最中に、次やりたい新しいコーラスが出てきちゃうんですよね。

甲田　そう。次これやろう！　みたいな。それにめげないで付き合ってくれるから、一生できちゃう。

──無限に沸いてくるんですか？

甲田　湧いてくる。自分でコードを一から作ってたりすると、このコードにはこういうコーラスが合うよね、って全部思いついちゃうんです。歌は日本語なんだけど、コーラスはゴスペルとかちょっと難易度の高い声が裏で鳴ってるとかっこいいかな、とか。そこのアンバランスさにこだわるのは楽しかったです。

──色んな時代の様々な音楽を聴かれているので、そこでのインスピレーションのストックがたくさんあるのかもしれないですよね。近年、新たに始められた映画俳優としての表現活動や、引き続きされているファッション関連のお仕事も含めて、それらが音楽に与えている影響というのはどのくらい自覚されていますか？

甲田　影響はありますね。元々、ライブはかなり緊張するタイプなんですが、演技のお仕事をやることで克服した感じはあります。他にも、ラジオとかそれこそ審査員のお仕事とか、自分のポテンシャル以上のオファーも多いんですけど、いい機会を与えてもらってると思ってやっていますね。

自分の実力以上のことをどうにかやるために必死に勉強したりしました。でも、インスタでファッション界に入ったことで、いま音楽でも色んな人との繋がりができているし、ピアノでめちゃくちゃ苦労してきたから、いま時間をかけて作品を作ることもできているし、たくさんやってきたことが無駄ではなく実っているな、とは思います。

──二十歳とは思えない、多くの経験をされてきてますもんね。ちなみに、同世代のシンガーソングライターで気になる方や刺激を受けている方はいらっしゃいますか？

甲田　ラッパーのYINYOくんですかね。私よりちょっと年齢は上なんですけど、よくみんなで集まります。人としても好きだし、めちゃめちゃラップかっこいい。あとkvi babaさんとかも、どうやって曲を作ってるのか訊いてみたいですね。

石若駿さんとKing Gnuの世代ってほんとに最強だと思うんです。私は神世代って呼んでる。ほんとに尋常じゃない天才が集まってて、そういう人たちでコミュニティができているのは羨ましいですよね。だから、これからが楽しみ。自分の世代もすごい人たちでつながっていければいいなって。

──最後に、未来への展望を教えてください。

甲田　海外フェスに出たいです。大きいステージで、ステージ自体が作品として成り立つような音楽を作っていきたいですね。