──今回のシングル“風の中”は、最近のイメージにはなかった疾走感と爽快感のある曲に仕上がっています。何かそうなるきっかけがあったのでしょうか？

コロナ禍で外出ひとつするにも気を使っていた時期を経て、ふたたびいろんなライブやイベントが行われるようになったことは大きかったですね。そこであらためて音楽の力を強く感じました。そして、そんな気持ちをストレートに表現できるアッパーな曲をリリースしたくなったんです。

──もっとも印象的だったライブを教えていただけますか？

5月に代々木第一体育館で観たBoAさんのライブですね。実はこの世界に入るきっかけになったオーディションで“VALENTI”を歌ったくらいの大ファンというか、私にとっては神様のような方です。そこで「音楽の力ってまさにこれだよな」と感動しました。BoAさんにもいろいろ積もり積もった想いがあったと思うんです。ライブの進行や一つひとつのパフォーマンス、メンタリティなどあらゆる面からその瞬間に懸ける覚悟を感じました。そして、このコロナ禍で思い通りにいかないこともたくさんあったけど、私は私なりに頑張らなきゃって、モヤモヤから解放されてエネルギーがフル充電されたんですよね。

──聞いているだけでも胸が熱くなるエピソードですね。

そこからさらに自分の元気が出た理由を掘り下げたときに、やっぱりみんなを楽しませようという熱量の高いアッパーな曲とパフォーマンスはすごく大切だなって、思いました。BoAさんのライブのあとに向井太一さんのライブにお邪魔したときもアッパーな曲が多くて、もしかしたら向井さんも今落ち込んでいる人を持ち上げたいとか、いろんなことを考えられたうえでのセットリストだったんじゃないかって。

あとはLizzoのニューアルバム『Special』にはまっています。80年代感も好きだし、ディスコもソウルもR&Bもヒップホップもある多彩なアルバムで、デリケートな問題も含みつつとにかくポジティブな方向に向かっていてアッパー。聴いているとどんどん力が湧いてくるんです。

そこで私も、アッパーな曲をたくさん作りたいと思うようになったんです。踊れる曲と盛り上げにいくパフォーマンスとともに、みんなでいい未来に向かいたい。私は静かなバラードや内省的な曲も大好きだし、これまでそんなふうに考えたことはなかったんですけど、たぶん時代の流れにともなって起こった心の変化なんだと思います。

──アッパーな音楽に触発された時期と、今回のシングル“風の中”のオファーと制作が重なったんですね。

はい。この曲はテレビアニメ『ラブオールプレイ』のエンディングテーマとして話をいただいたんです。バドミントンを題材にした青春物語で、私が感じていた音楽の力を自分でもアウトプットできる絶好の機会だと思いました。しかもプロデューサーはずっとファンだったTHE CHARM PARKさんということで、モチベーションはかなり高かったです。彼にも私の気持ちを伝えてアッパーな曲をリクエストしたら、素晴らしい音が返ってきたので、私はそこに歌詞を書きました。

──サウンドにはどのような印象を受けましたか？

80年代の空気が感じられる曲。私は90年代生まれなので、リアルタイムで聴いていた世代ではないですが、今リバイバルしていて色んなアーティストが取り入れているサウンドですよね。80年代を通って来た人は懐かしく感じて、通ってない人はきっと新鮮に感じる。聴く人によって全然捉え方が違う、面白い一曲になった気がします。THE CHARM PARKさんは今回、自分の色はあまり出さずに、私の抱くイメージや声を活かすことを第一に考えたとおっしゃっていましたけど、私の好きなTHE CHARM PARKさんらしさもちゃんと出ています。

──そう思います。

お互いアメリカがルーツにあって洋楽が好きで、日本の音楽シーンにいる。そもそも互いに育った環境面で共通項があったので、話さずともシェアできている感覚みたいなものもあったと思うんです。J-POPなんだけどJ-POPすぎないところとか、ほんとうに絶妙で。私は英語もある環境で育ちましたし、趣味も洋楽寄りだったからなのか、ザ・J-POPみたいな曲に歌詞をつけることがあまり得意ではないんですね。今回は洋楽のフローに言葉を乗せていく、それがたまたま日本語でした、みたいな感じでやれてよかったです。

──歌詞はご自身の中学時代の部活動を重ねて書いたと聞きました。

原作の小説はバドミントン部の成長がテーマになってますが、そこからインスピレーションをもらいつつ、自分が中学生の頃入っていたダンス部の記憶も重ねながら歌詞を書きました。家から学校まですごく遠くて、朝早く起きてバスと電車、そしてバスを乗り継いでって、通うだけでもけっこう大変。そこから授業を受けたあと部活をやってビヨンセの曲とかでめちゃくちゃ踊って、また来た道を帰る。すごいパワーですよね。今、同じことはもうできない（笑）。

──私も部活が終わって家に帰ってきたら22時を過ぎていることもざらだったので、わかります。今振り返ると謎の10代パワー（笑）。

いったい何のためにそんなに頑張っていたんでしょうね（笑）。でも頑張っていたからこそ楽しかったし、人生における大切な学びもたくさんありました。

──“風の中”は久々の日本語タイトルです。

原作を読んで感じたことや私が部活動で吸収したことを、何かに置き換えられないか考えていたときに「風」という言葉が浮かんできたんです。バドミントンは風が重要じゃないですか。あと風にはいろんな意味があって、自分で何かをやろうとしたときに“風を起こす”と言ったり、状況が変わったときに使ったりもする。今は“風の時代”とも言われていますし。そこで《答えはまだこの風の中》というフレーズが浮かんで、それをそのまま直球でタイトルにしました。

──今までにも曲調的にはこういう爽快な曲はありましたが、歌の印象がまた違うんですよね。ただ爽やかなだけではない重みや強さがある。そこがすごく興味深いんです。

嬉しいです。そこはただ「頑張れ」っていう応援歌とか楽しいサマーチューンではなく、もっと人間の内側のパーソナルな部分をサウンドでも表現できたらってTHE CHARM PARKさんとも話していました。そうして完成したサウンドに導かれて、歌にも深みが出たのかもしれません。

──声やボーカルスタイルの変化について、ご自身のことをどう捉えていますか？

声は年齢を重ねるごとに変わってきています。わかりやすいところだと、昔と比べて声のトーンが下がってきているんですよね。正直、昔の曲を歌うと「こんなに高いキーで歌っていたんだ」って感じますね。でもそこにネガティブな気持ちはありません。変化していくことを怖がらないで、その瞬間だからこそできることを大切にしたいと思っています。

──元気ロケッツ時代も含めるとメジャーシーンで15年以上、2023年にはソロデビュー10周年。ここまで続けることができた秘訣を教えてもらえますか？

続けてこられたのは出会いや縁に恵まれたから。「I'm just lucky」の一言に尽きます。だからこそ、私なりに必死に努力して、どうすれば歌を更新することができるのか考えながらやっています。

──更新していくためにどんなことを心がけていますか？

いろんな音楽聴くこと、新しい音楽を探すことですね。それは歌うためではなくただ好きでやっていることですけど、シンガーとしての私を構成する重要な要素です。そうやって日々歌いながらいろんな音楽を聴いていくうちに、自分の理想像みたいなものが浮かんでくるので、そこに向かってトライする。たくさんの素晴らしい表現に出会うと、おのずと前回と同じでいいやとは思わなくなるんです。

──今の理想像を言葉にするとどんな感じですか？

今ではないんですけど、私のメンタリティやアティチュードの根幹にあるロールモデルはアリシア・キーズ（Alicia Keys）やキーシャ・コール（Keyshia Cole）です。ただ美しいだけじゃなくて、生き様みたいなものが感じられる歌声。綺麗すぎず粗は粗として残っていて、それでいてフェミニンな魅力もあって、年を重ねるごとにいい感じで変化している。生きてきた積み重ねが歌に表れているんですよね。私は私なりにそれをどうやったら表現できるかは、いつもイメージしています。

──5月に配信リリースした新曲で、今回の“風の中”のCDではカップリングに入っている“each day each night”についても話を聞かせてください。こちらは作詞作曲が安田さんで、編曲をTHE CHARM PARKさんが担当されています。

これはSoftBankのイヤホン「HeartBuds」のテーマ曲として書き下ろしました。ショートムービーはゼクシィの読者の方々から募集した実話をもとに制作されています。ちょうど私の大親友と言える友人が結婚して式を挙げることが決まったタイミングで、これはもう二人へのプレゼントのつもりで書こうと思いました。二人の話をずっと聞いていたし近くで見ていたし、コロナで式が延期になったときは私も本当に心が痛かった。だから二人のこれからの生活を想像しながら書こうって決めたんですけど、想いが溢れて感極まるばかりでなかなか書き出せないパターンに陥りました。

でも、そんな感情や、例えば披露宴でいろんな映像が流れた時に感情が迷子になって考えるよりも先に涙が出てきちゃう、みたいな感覚を素直に書こうと思った瞬間に、エンジンがかかりましたね。それで出だしが、《今、無意識にこの涙が溢れ出ちゃうのは》になりました。実際に歌うときにいきなり泣いてしまわないか心配です（笑）。

──メロディはどんな感じで思い浮かんだのですか？

ふと思い浮かんだオリジナルのメロディを歌うみたいなことを昔からずっとやっていたので、その延長と言えば延長ですね。そこで、いくつか出てきた案をTHE CHARM PARKさんのところに持っていき相談しました。そこで驚いたのは、THE CHARM PARKさんは私のアイデアを全て活かそうとしてくださるんです。今までは候補の中からどれにするか選んできました。言い方を変えれば泣く泣く捨てしまったメロディやアイデアも、けっこうたくさんあるんです。そこを「せっかく素晴らしいものを作ってきたんだから入れようよ」って言ってくださいました。余すところなく、いろいろと足したりミックスしたりする感覚がほんとうに素晴らしくて、「こんなやり方もあるんだ」と。これからのクリエイティブにも大きく影響してきそうな気がします。実はTHE CHARM PARKさんと作った曲はまだあるので、リリースしたいですね。

──これからはどんなことをしていきたいですか？

前回のEP『It's You』ではJQ from NulbarichさんやTENDREさんらと、今回はTHE CHRAM PARKさんとコラボさせてもらい、自分の世界が開けてきました。それだけでなく、来年でソロデビューから10年、元気ロケッツの頃も合わせるともう15年くらいやってきたなかで、いろんな方々との出会いがあって、多くの経験を積ませてもらったおかげで、今が一番楽しいと胸を張って言えます。だからこの流れをキープしていきたい。あとは、来年は10周年イヤーとして全国のみなさんに会いに行きたいし、フェスやいろんなイベントに出てみたいですね。そのために、みんなで気持ちを上げていけるようなアッパーな曲を作ろうと思っています。

──まずはRISAさんが楽器を演奏したり歌ったりするようになったきっかけを教えていただけますか？

RISA　3歳くらいのときに失明したことが最初のきっかけです。そこから少し視力が戻ってきた頃に、弱視なぶん聴覚に特化したほうがいいと、音楽好きの両親がピアノを習わせてくれたり、いろんな音楽を聴かせてくれたりしました。その頃はオールディーズ、なかでもバラードやラバーズレゲエなど、リラックスできる音楽が好きで、そこからさらにいろいろと聴き進めていくうちにジャンルを発見する喜びを知ったんです。「こういうテイストもあるんだ」、「こんなリズムもおもしろい」とか「言い回しにもいろいろあるんだな」といった感じで、新しい作品に出会うことがほんとうに楽しかった。

──なかでも印象的だった作品は何ですか？

RISA　音楽作品ではないのですが、小学校から中学に上がる頃に、映画『天使にラブソングを 2』を観てローリン・ヒル（Lauryn Hill）の歌声を聴いたことですね。すごくソウルフルで大きなパワーを受け取ったような感覚になって、全身に鳥肌が立ちました。そして劇中でフィーチャーされていた、ゴスペルやR&B、ヒップホップというジャンル／カルチャーを好きになったことで、子供の頃から家で流れていたそれらと繋がりの深いレゲエやジャズなどもさらに掘り下げるようになりました。自己主張のある音楽、伝わるソウルを持っている音楽に惹かれるんです。

──歌を始めたのはいつ頃からですか？

RISA　歌うことはずっと好きでしたが本格的に始めたのは高校に入ってからですね。音楽科がある学校で最初はピアノを専攻していたんですけど、自分のなかで「歌うことのほうが好きかも」と思うようになってきて。とは言えクラシックの学校だったので私の好きなR&Bなどを学校で学ぶことはできず、声楽を選びました。

初めて人前で歌ったのもその頃で、友達がピアノを弾いてくれて、マライア・キャリー（Mariah Carey）の曲を披露しました。あと、私の地元長崎県の佐世保はアメリカのカルチャーが根付いていて、ジャズなどを演奏している場所がけっこうあったので、私もバンドに混ぜてもらって歌っていました。

──佐世保はどのような町なのですか？

RISA　日本でいちばんベース（米軍基地）の人と地元の人の仲が良いと言われている町です。長崎は歴史的にカトリックが多いということもあると思います。海軍のビーフシチュー、レモンステーキ、全国的にもご存知の方も多い佐世保バーガーのもとになったハンバーガーなど、アメリカの食べ物も子どもの頃から食べていました。2kmあるアーケードや公園にはブロックパーティーじゃないですけど、ダンサー、スケーターやBMXをやっている人などが集まっていて、DJが音楽をかけている。私もそこでよく歌っていました。

──その後の渡米もある意味必然だったと言えますね。

RISA　私がいた高校の音楽専攻の人は基本的に音大に進むんです。でも私はクラシックを音大で学ぶより、並行して学んでいたフラワーアレンジの専門学校に進むことにしました。両親がお花関係の事業をしていたのもあり、お花や植物は私にとって音楽のように自然なもので好きだったんです。そこで両親の勧めもあってオランダ留学の話が出てきたんですけど……。

──長崎と言えばハウステンボス（オランダ村）、花ということですか？

RISA　そうですね、父もオランダにネットワークがあって、でも私は留学をするなら英語を勉強したいから、アメリカに行きたいと話しました。

──そこでなぜLAだったのですか？

RISA　NYと迷ったんですけど母がNYは大都会すぎて心配だって。とりあえず行くならLAに3カ月ほど、ということになりました。でも3カ月では足りるはずもなく、いったん帰国するもすぐに戻って3年くらいいました。結果、LAでよかったと思います。私は長崎という西の出身。アメリカの西と東も日本の感じと似ているんですよね。西のLAは九州のようにレイドバックしていて過ごしやすい。フレンドリーな人も多い。東のNYは大雑把に言えば東京みたいで、街も人も忙しいイメージですね。

──音楽性の違いもありますよね。

RISA　そうですね。ウエストはレイドバックしていて開放的。イースト／NYはコンシャスとかスタイリッシュといった言葉がはまるような音楽が多い。サウスはベースが強くて跳ねていてダンサブルみたいな。

──LAではどんなことを学んでいたのですか？

RISA　大きな音楽学校ではなくパサデナにあるプライベートスクールに通っていました。音楽の理論的なことはクラシックを学んだ段階で程度わかっていたので、自分の好きなジャンルにおける実践的なことを勉強しました。K-Ci & JoJoのバンドメンバーに作曲のディレクターとしてついてもらい、曲をコンポーズするやり方を教えてもらったり、現役のゴスペルシンガーからパフォーマンスやボーカルアレンジについて学んだり、とても充実していました。

──帰国後ともに〈R2 Recordz〉を立ち上げたROROはサウスのフロリダ出身ですが、どこで出会ったのですか？

RISA　ROROとは沖縄で出会いました。ミックスの孤児をサポートするチャリティーイベントがきっかけで、出演者同士音楽の話をしていたらすごく気が合ったんです。ROROはプロデューサーで私はシンガーソングライター。じゃあ一緒に何かしようという話になり、曲製作や共演しているうちに自然の流れで〈R2 Recordz〉を立ち上げました。

──ROROとは好みが似ていたのですか？

RISA　好みもそうですけど、音楽と向き合う感覚が近かったんです。ちょうどそのときソウルジャ・ボーイ（Soulja Boy）がヒットしていて、ROROに「どう思う？」と訊かれたことはよく覚えています。ソウルジャ・ボーイが世に出てきた頃、彼のスタイルはヒップホップやラップの歴史・カルチャーと向き合い、コンシャスな表現している人からすると異質というか、受け入れ難い存在でした。

──ネタみたいな感じですよね。

RISA　そうですね。子供向けでダンスも誰でも真似できるようなことをやっていた。それに対して私は「彼が受け入れられない理由はよくわかるけど、自分の個性をうまくマーケティングしていると思う」と答えたら、「そういうところまで見ているんだね」と言ってくれました。お互いどこかに偏ることなく、一つの物事をいくつかの角度から見るタイプなんです。そしてソウルジャ・ボーイが来日した時に私たちがオープニングをすることになったところまで、今思うと我がことながら興味深い展開だったと思います（笑）。

──そして2013年にはRISAさんも共作者に名を連ねるROROのファーストアルバム『Road To Success』をリリース。ミュージックビデオにもなっているRISAさんがフックを歌う“Doesn't Mean I'm Lost”は、熱のこもったROROさんのラップとスムースなRISAさんの歌のマッチが印象的なヒップホップとR&Bのコラボナンバーです。

RORO　この曲は私がまだアメリカと日本の間を行ったり来たりしていた頃にビートを作って、フックのメロディをRISAに歌ってもらうようにお願いして、というやり取りを繰り返して制作しました。「ネバー・ギブ・アップ！」と叫んでいるところは、実際に釣りの大会で大逆転優勝して興奮している人の声を録って使っています（笑）。

RISA　負けそうな状況でもまだ負けと決まったわけじゃない。その熱がユーモラスに、表現できていると思います。

──そういった作品のリリースだけでなく、『R2 RADIO』のような、カルチャーを伝える取り組みもされています。

RISA　『R2 RADIO』はもともとROROが福岡のLOVE FMでやっていた番組「RORO RADIO」の延長版です。

RORO　エンターテインメントは音楽を作ることだけじゃない。アーティストから見た音楽やアートの魅力を伝えることができたら面白いと思いました。

RISA　例えば、かつてのヒップホップのファッションと言えばオーバーサイズというイメージがあるじゃないですか。それは誰かのおさがりだからとか、帽子の被り方は気分のサインだったりチームの分け方だったりするとか、そんなHIPHOPカルチャーの話をしていました。

RORO　あとは日本人が持っていたヒップホップに対する固定概念を崩したかった。声の大きな人が「Yo! Yo!」みたいな。

RISA　実際ROROはラップもするけどすごくチルな性格ですし。そういうウンチクって、私もそうなんですけどけっこうみんな好きじゃないですか。だから番組は好評で、東京のInterFM897でやることになったんです。そしてROROは引き続きヒップホップやトレンドの話、私はソウル、R&Bやジャズの話をよくしていました。

──そして、その『R2 RADIO』をLAのヒップホップレジェンド、The Pharcydeの『Pharcyde TV』からも発信するようになりました。彼らとの出会いはもしかしてRISAさんがLAにいた頃ですか？

RISA　いいえ。日本に帰ってきてからです。彼らがBillboard Live TOKYOに来た時に、『R2 RADIO』でインタビューさせてもらったんです。そこで、『Pharcyde TV』はUKやオーストラリアで作った番組も流していたので日本でも何かやろうという話になり、『R2 RADIO』を映像化することになりました。

──アメリカのミュージシャンは、音楽を作ること以外の企画やビジネスを考えることも上手なイメージがあります。

RISA その背景にはアメリカの環境やカルチャーが影響しているように思います。日本では私たちの時代も、たぶん今もまだ、個性を出さないように教えられる、というのは言い過ぎかもしれませんが、普通に、安全に敷かれたレールの上をみんなで歩くことが正しいという風潮は強いと思うんです。一方、アメリカは、多民族の文化からか、独自性や個性が注目されますし、互いに意見を発言しあう教育をします。だから個性や独自のアイディアや発言が尊重されますし、逆にそれが出来ないと置いてけぼりになる。その分、発言や行動の先は自己責任という厳しさはありますが、自分で考え、納得した道だからこそ自信を持って実践していける。ミュージシャンの場合、誰かについていくのか、自身で道を作るのかの選択になったときに音楽だけのことを考えていては可能性が限られてくる場合が多い。成功のためにとるべき行動を考えれば、もっと広いビジョンを持って可能性を広げていく行動や思考は自然の流れになるのでは？と思います。特にアーティストは表現者であることから自由な発想も得意ですしね。

──RISAさんは海外のアーティストやROROとのコミュニケーションのなかで、どんなことを得ましたか？

RISA　私は両親から音楽がある環境を作ってもらい、佐世保出身でインターナショナルな交流の場もある環境で育ちましたが、同時に子供の頃から学校や世間での日本独特な常識や規則に対して疑問を感じることも多くありました。ありがたいことに、進学や留学することに対して私の意思を尊重してくれる両親の理解があったので、世界に出て物事をみるしかないと思い、新しいことに一人でチャレンジすることにしました。 そこでLAで出会った人達や経験から多くを学んだんです。私の場合は、型にはまらない、自由な表現者であり集団行動に向いていない事から、私がやりやすい方法で、私に向いた思考で活動をすることで自分が何者かを受け入れるようになりました。独自の道づくりは楽ではないけれど、チャンスやチャレンジをいかにプラスに変えていくか、ということを常に考えるようになりました。その面は、ROROとも意識が似ていますね。自身を受け入れ、個性をプラスに伸ばす。皆と違うことは短所ではなく個性である。

RORO　話は少し逸れるけど、外国人という目線から、日本人はもっと日本らしさを世界に打ち出していって欲しいと思います。その余地が、まだたくさんある気がするんです。と言うのも、私のような外国人が日本にしかない素晴らしい文化や音楽に興味を持っても、あまり知る術が少ないと感じます。日本らしさを大きく堂々と海外に見せつけて欲しいですね。

RISA　そこで私の最新シングル“Free”では、衣装やミュージックビデオから和やアジアを感じられるようにしました。

──『Pharcyde TV』でも和楽器をフィーチャーしていましたよね。今回はなぜ“Free”を選んだのですか？　原曲はデニス・ウィリアムス（Deniece Williams）で、多くのアーティストがカバーしていますが。

RISA　私はシャンテ・ムーア（Chante Moore）のバージョンから入って、原曲もよく聴いていました。提案してくれたのはROROで「RISAに合うんじゃない」と言ってくれたんです。選曲を決めている時期がちょうど緊急事態宣言中だったので、“Free”というタイトルや私のパフォーマンスから心の解放を感じてもらえたら嬉しいなとも思っていました。

そこからミックスやマスタリングにもとことん拘りたくなって、アメリカのリスペクトしているエンジニア達にお願いしたんです。ミックスはちょうど今年にグラミー受賞されたIrko（註：2022年度グラミー受賞ミキシングエンジニア（アルバム“Donda” by Ye (カニエ・ウェスト)）に、マスタリングはローリン・ヒルやTLC、アリシア・キーズ（Alicia Keys）など多くのスター達の作品を手掛けたベテランのHerb Powers Jrです。ミキシングが大変だったんですが、最終的には先ほどお話したROROと私の共作“Doesn't Mean I'm Lost”でご一緒した方がうまく仕上げてくれました。

──原曲のテイストを大切にしつつ、お二人ならではのグルーヴが出ている。そしてRISAさんの歌声がシルクのように美しく、包容力があってまさに心が解放されます。

RISA　まずは原曲の浮遊感から感じる自由を膨らませたかった。そこにちょっとジャジーなピアノアレンジを入れたり、グルーヴを出すためにベースを上げたり、細かいところにこだわることで私たちらしさを出していきました。

──私たちらしさとは？

RISA　私たちはいつも、曲の発するバイブスや波動を大切にしています。なぜならクオリティタイムに聴いてほしいから。今回は、誰かの大切な時間を邪魔しない角のないウェーブと、それでいてしっかり伝わる強さを両立できたように思います。

RORO　RISAの声はバラエティ豊かなところが魅力。それに対して今までの曲は、比較的トーンが安定的だったというか、もっともっと彼女のボーカルとしてのポテンシャルを引き出せると思いました。そこでしっとり歌っているバックグラウンドに高音を入れるなどの工夫を凝らし、すごく豊かな声が堪能できるシングルになったと思います。

──音源については、2016年の『Christmas Covers』と今回の“Free”、あとはYouTubeで聴けるカバーなど、ゆっくりマイペースにリリース／公開されていますが、ここから先、考えていることはありますか？

──NAOさんは小さい頃はダンスを習っていたとか。

NAO AIHARA（以下、NAO）　そうですね。友達に誘われたのがきっかけで、小学4年ぐらいにジャズダンスみたいなところから始めて。高校からダンスの専門学校に行って、そこでヒップホップ、バレエとか基礎からいろいろ練習していました。

──音楽的な興味はどうだったんですか？

NAO　歌を始めたいと思ったきっかけは映画『バーレスク』を観たことです。そして、そのあとに『ドリームガールズ』を観て、「歌ってこんなに伝えられるんだと」思ったんです。もともと文章で自分の気持ちを伝えるのが好きだったんですけど、歌で伝えられたらいいなというのはその時に思いましたね。

──『ドリームガールズ』の特に誰からの影響が大きかったんですか？

NAO　どちらかというとビヨンセ（Beyonce）より、ジェニファー・ハドソン（Jennifer Hudson）に私は近しいものを感じました。今だったらビヨンセの“Listen”のを歌いたいって思うんですが、当時は、“Listen”よりジェニファー・ハドソンの“And I am Telling You I’m Not Going”を練習してた記憶があります。そこから掘り下げて、ジェニファー・ハドソンの曲を聴いたり、映画を観たりしましたね。またアレサ・フランクリン（Aretha Franklin）を聴き始めて、そこから『ブルース・ブラザーズ』を観て衝撃を受けたりもしたので、そこは今も繋がっているルーツだと思ってます。

──そこから具体的にはどういう活動を？

NAO　オーディション受けるまで、個人的に活動してたときはR&Bとかの洋楽をピアノやギターの方にサポートしてもらって歌ったりして、ライブに出たりしてました。でも、やっぱり『バーレスク』の印象が強すぎて、ダンスがやりたい気持ちがあり、ダンスもできるような曲もどんどん聴くようになっていました。それこそ『ヨルヤン』のオーディションの曲を聴いた時に、ソウルっぽさのある深い感じで歌えるような低音から始まり高音もあって、みたいな私の好きな要素が詰まってましたし、同時に行われていたダンサー・オーディションのダンスの振り付けもかっこよかったですし、自分がイメージできるところにハマってたんですね。密かに自信もありましたね（笑）。

──自信もあったので、って力強いです。話を戻しますが、ハイティーンの頃はどんなアーティストを聴いてたんですか？

NAO　洋楽で歌える曲が何曲かあったほうがいいなと思って、アリシア・キーズ（Alicia Keys）の“If I Ain’t Got You”とビヨンセの“Listen”、あとPiNKはめっちゃ練習しました。“Listen”は今も歌い上げられるまでになりたいなという目標があります、けど、やっぱり難しすぎて（笑）。

NAO　たしかに。歌詞を書かれたEmyliさんが課題曲ではボーカルとしても歌ってらっしゃって、それがうますぎて感動して、まず真似しようと思って練習しました。それから自分らしさをプラスできるところが割とスッと入ってきて、それですぐ歌えたというか。「あ、これ得意かも」と。だからちょっと自信があったんじゃないかな。

──そこで残れたんだと思います。ヴァースが得意な人とサビが得意な人に分かれそうな曲ですし。オーディションの課題曲としては、Aパート、Bパートという送り方になってて、デュオで歌う複雑な作りになっていましたよね？

NAO　そうなんです。「こんな曲、誰が歌えるんだ？」って、オーディションに来てた子がみんな言ってました。初めて聴いたとき「こんなん歌える人いないでしょ」「ガイドボーカル、越えられないでしょ」って（笑）。

──作家、プロデュサー、アーティストとしてのSOCIAL HOUSEに対するイメージはありましたか？

NAO　アリアナ（・グランデ）のイメージがすごくあって、強いトラックのイメージがすごくありました。“lighthouse”はSOCIAL HOUSEらしく、トラックがすごく重たくて心臓にくるような感じがあって、歌詞も相まって響くものもあるんだろうなって思います。

──トラックの強さも意識してオーディションで歌ってましたか？

NAO　そうですね。歌ってる時にトラックとか歌詞に引っ張られる部分は絶対ありますし、強い気持ちにさせてくれる曲だなというのは歌っていて感じていたことでした。

──歌詞についても訊かせてください。NAOさんが書き加えた部分はあるんですか？

NAO　 2番の歌詞は私の書いたものがベースとなっています。オーディションの合格が決まって、改めて1番の歌詞を聴いた時に、自分なりの歌詞の解釈で、“悩みもがいている先にあるもの”みたいなイメージが浮かんできたんです。自分にもその状況によく似てる時期があったので。普段から思ったことを歌詞のようにして書き溜めていたんですが、当時書き溜めてた歌詞を読み返して、それを少しずつ書き直しながらEmyliさんと一緒に書かせていただいた感じですね。

──《耳を塞いでも聞こえてくるの 言葉と視線のナイフ》以降ですね。人からの意見や視線を気にしなくてもいいのに、気にしてしまう、そんな内容ですが、「その状況」というのはアーティストとしての活動の前ですか？

NAO　そうですね、過去にグループで活動してたときに、自分がやりたいこともできず、意見も届かず、ずっとズレを感じている中で、もがいてるような時期があって…。そのときに苦しくて書いた歌詞なんですが、当時は、一番迷ってた時期なんですよね。だからその状況と合うなと思って、もう一回書き直してみようと。もがいているだけじゃなく、今、掴み取るものというか、目指すところがあるよっていうことを伝えたかったので。

──グループではどんな活動をしていたんですか？

NAO　演技やダンスの舞台をやっていました。そこでいろんな方々と関わったり、話を聞いたりして、それが自分の考え方の広がりにもなったと思います。人との関係性の持ち方とか、コミュニケーションという点では学んだ部分はとても大きかったし、そこがきっかけで全てが始まってはいるんですね。

R＆B、ソウルといった音楽や、好きになったミュージカルや映画も、その活動の中で巡り合ったものですし、歌もそこがあったから始めているのは絶対的にあるので、そのルーツには感謝しつつ、今の自分に繋げていけたらいいなって一番思ってますね。

──そのエネルギーを溜めて、今こういった形に。曲にマッチするわけですね。

NAO　だからこそ、ダークな部分も書きたいなと思って、曲もそういうイメージを汲み取ったので、自分の中で。だから繋げていきたいなと思います。

──そして、今回、s**t kingzのkazukiさんによるのコレオグラフですが、グループなのでストーリーがある感じですね。

NAO　kazukiさんは歌詞を汲み取って、振りを考えてくださった部分が多かったので、ダンスプラクティスの時には鳥肌と涙が止まらなくて。全部がフラッシュバックしたというか、ほんとに特別なものだったんだなと思いました。私が歌詞を書かなかったら今の振り付けになってなかったし、全てが重なってこの作品ができたというのはすごく嬉しく感じてますね。

──s**t kingzのダンスも観ていたんですか？

NAO　過去にkazukiさんのレッスンも受けたこともありました。もともとダンスから入った身なので、今回のことに関して言うとkazukiさんが振り付けすることが一番「ヤバい！」みたいな（笑）。

──高校生の私からしたら？

NAO　向こう側でしか見たこがとないkazukiさんがこっち側にいるっていうのが、もう感動したというか、それが一番「ヤバい！」って一番思ったところですね。

──オーディションで勝ち抜いて、この楽曲でデビューすることになってからの意識は変わりましたか？

NAO　はい。私自身、ダンスをしているということもあり、周りのダンサー子たちとも仲がいいんですが、今まで一緒にダンスをやっていて出会った子たちと、今の自分として出会うダンサーの子って全然解釈が違うなと感じています。当たり前なんですけど、ダンサーのみんなを引っ張っていかないといけないし、全体の中で突き抜けてないといけないというか、そうありたいと自分も思いましたし、いい意味で背筋が伸びた感じはしてましたね。

でも距離感として自分が「アーティスト！」みたいになりたくなかったんです。作品にも絶対、気持ちが入ると思ったので、ダンサーのみんなとは、一人ひとりとちゃんと話して。「こういう思いがある」という話は意識してやってたところはあると思います。

──ダンスにも重きを置いてるんですね。歌と同じぐらいやっていきたい？

NAO　やっていきたいですね。ずっとそうなんですけど、今またダンスに結構メラメラしてるので。ずっとダンスをやってた身として、「ダンス」でしか表現できないものっていうのも絶対あると思っています。私もそれで感動することが多かったし、今までいろんな人が作る「ダンス」で表現された作品を観て心動かされることが多かったので、そこの要素も自分の中に取り入れてやっていけたらいいなっていうのはすごく思います。

──NAOさんがここまで話してくれたことががほぼそうだと思うんですが、改めて目指したいアーティスト像はどんなものでしょう。

NAO　自分が表現したいことを自分らしい表現の仕方と言葉で、寄り添えるような、近すぎず遠すぎずのアーティストになっていきたいなと思います。あと、エンターテイメントが好きなので、単純に観て楽しいってだけじゃなく、「感動したなー」って思ってもらえるような、そんな存在になりたいですし、歌う歌にも説得力を持ちたいので、言動もそうだし、人間としての厚みを持って、自分の人生を歌っていけたらいいなと思います。

──エマさんの新曲“Here Forever”は、コロナ禍でいつものクリスマスを過ごせない人たちを前向きにさせてくれるような内容です。曲作りはどのように行いましたか？ みんなが元気になるような、アップテンポの曲にしようと思いました。クリスマス・ソングなので、改めていろんなクリスマス・ソングを聴き直してみました。特にインスパイアされたのは、シーア（Sia）の“Snowman”。他にもマライア・キャリー（Mariah Carey）の“All I Want for Christmas Is You”や、アリシア・キーズ（Alicia Keys）の“The Christmas Song”などを聴いて、参考にしました。曲作りはいつもソングライターさんとのコライトだったり、曲のイメージをリクエストして作ってもらったりしていたのですが、今回は自分が中心になって曲も歌詞も書いています。 ──“Here Forever”は、渋谷区公認配信プラットフォーム『バーチャル渋谷』で行われるクリスマスイベント＜バーチャル渋谷 au 5G X’mas＞のための書き下ろし曲で、歌詞の中には《Let's dance in Shibuya》というフレーズもあります。MVでは、実際にエマさんが渋谷の街を歩いていますが、エマさんにとって「渋谷」はどんなイメージですか？ いつもキラキラしていて、ユニークな人がたくさんいて……。日本だけじゃなくて、世界中でも知らない人がいないくらい有名な場所というイメージです。これまで世界中の都市をいろいろ見てきたけど、どこよりも「futuristic（未来的）」というワードがぴったりの街ですよね。 ──ちなみに「クリスマス」というと何を思い浮かべますか？ ぱっと頭に浮かぶのは「クリスマスプレゼント」「サンタクロース」「暖炉」ですね（笑）。ちょっと前までサンタクロースの存在を信じていたんですよ。毎年、どうやってサンタさんからプレゼントが届けられるのか不思議で仕方なかったんですけど、ある年のクリスマスシーズンに母親から、「今から弟のクリスマスプレゼント買いに行くよ〜」と言われて全ての仕組みがわかってしまいました（笑）。ちなみに弟はまだサンタを信じています。 ──エマさんは多国籍なルーツをお持ちなんですよね？ 父がスウェーデン人で母が韓国と日本のハーフです。3、4年前にアメリカに引っ越して音楽の勉強をしていたのですが、今はコロナの影響で日本にいるんです。 ──お父さんの仕事の関係で、幼い頃からいろんな国を訪れていたそうですね。 毎年、夏には必ず家族旅行でスウェーデンに行っています。それからフィリピン、韓国にも何度か行きましたね。住み心地がいいのはやはり日本ですが、たくさんの自然に触れ合えるし落ち着くのはスウェーデン。「みんな自由に生きていていいなあ」と思うのはアメリカです。

──歌に目覚めたきっかけは？ もともとはダンスをやっていたんですよ。母がバレエをやらせたかったみたいで、そこからヒップホップ、ジャズダンスと習いました。そこで、一緒に習っている友達に「ミュージカルをやらない？」って誘われて、オーディションを受けに行きました。ミュージカルのレッスンを受けているうちに「私、歌うのが好きなんじゃないかな」と気づいたんです。 ──ダンスを習っていたことは、歌にも活かされていますか？ そう思います。他の人よりも、体でリズムや音が取れるのはダンスのおかげじゃないかな。 ──好きなアーティストは？ 一番好きなのはセレーナ・ゴメス（Selena Gomez）です。小さい頃からディズニーチャンネルを観て育ってきたのですが、セレーナが主人公の『ウェイバリー通りのウィザードたち』シリーズが大好きで。「演技ができて、歌も歌えるなんてすごい！」とずっと思っていました。 それからレディー・ガガ（Lady Gaga）にも憧れています。歌ももちろんカッコいいのですし、自分の道を貫いている姿に憧れます。他にもクリスティーナ・アギレラ（Christina Aguilera）やメラニー・マルティネス（Melanie Martinez）など、主に海外のアーティストが好きですね。同世代だとビリー・アイリッシュ（Billie Eilish）をよく聴くのですが、歌詞の中にいろんな意味を込めているところなどすごく尊敬しています。 ──いつも音楽の情報はどうやって集めているのですか？ 高校のクラスメートに教えてもらったり、TikTokで見つけたり……最近だとセイレム・イリース（salem ilese）の“Mad at Disney”が良かったです。

──音楽以外で夢中になっていることはありますか？ 絵を描くことです。学校でも美術の授業があって、先日油絵が終わったところです。我ながら本格的に取り組んでいる方だと思いますね。ちょっと前まで抽象画をメインで描いていたのですが、今は写実的な絵を描いたり、好きなアーティストさんの作風を真似てみたりしています。お気に入りの絵は、グスタフ・クリムト（Gustav Klimt）の『接吻』です。 それと、ファッションが大好きですね。普段は両親と服を買いに行くことが多いのですが、家にあるのはACNE STUDIOS（スウェーデン発のファッションブランド）の服が多いかな。他にも色んなジャンルの服が好きですし、自分が着るかどうかは別としてハイブランドのコレクションを観るのも楽しいです。 ──オランダの人気DJ、シック・インディビジュアルズのプロデュース曲“Can`t Have”でデビューすることになった経緯は？ Facebookにアップしていた私のデモ曲をレコード会社の方が聴いてくださったみたいです。あまり詳しい経緯は知らないのですが（笑）。シック・インディビジュアルズさんの曲は何曲か聴いてとても好きだったので、お話をいただいた時は「ぜひ」と思ってご一緒させていただきました。

──今や本当に多くの人たちがエマさんの歌を耳にしていますが、ご自分ではどんな心境ですか？ ありがたいのと同時に、ものすごく驚いています……（笑）。ただ、周囲の変化に流されないよう、これからも自分らしくいられたらいいなと思っていますね。 ──コロナによるステイホーム期間はどのように過ごしていましたか？ 人と直接会えなくなったのはとても辛かったですね。今は普通に学校に通っていますが、緊急事態宣言の前後は授業がオンラインになって、それが個人的に合っていませんでした。もともと自分から人に連絡を入れるタイプではないのですが、友人に連絡をしたり、「ビデオ通話しない？」と言ったりするようになったのは、個人的にはかなり大きな出来事でした。 そのうちに、友人を介して今まで一度も会ったことのない人とリモートでの会話をきっかけに仲良くなって。その中には音楽をやっている人が数人いるんですけど、私から連絡を入れて「一緒に音楽を作ってみない？」と誘ったこともあります。 ──それは大きな進歩ですよね。映画を観たり音楽を聴いたり、普段よりもインプット量も増えましたか？ 映画はたくさん観るようになりましたね。一番多いのはNetflixのオリジナル映画。『好きだった君へのラブレター』や『キスから始まるものがたり』が面白かったです。音楽も、今まで聴いたことのなかったようなジャンルも聞くようになりました。ジャズっぽい雰囲気で始まって、途中からヒップホップっぽい展開になっていく曲があって、「こういう音楽もあるんだ！」と思いましたね。

──ステイホーム期間が続いて精神的に辛くなったときなど、エマさんはそれをどう乗り越えていますか？ 自分で疲れたなと思ったり、精神的にしんどくなったりしたときは、いつもノートに自分が思っていることをガーっと書き殴っています。そうすると、そこから「これを曲にしたいな」と思えるフレーズが見つかったりするので（笑）。 ──文字にしてみることで、自分の気持ちと客観的に向き合えるようになることはあるかもしれないですね。 そう思います。 ──それを作品にすることで、セラピー的な効果もあるだろうし、その曲を聴いた他の人の心を癒すことにも繋がるし。 はい。そうなったら嬉しいですね。 ──まだまだ大変な状況が続きそうですが、そんな中でエマさんはどういう活動をしていきたいですか？ 今はライブなど表立った活動ができないのはもどかしいですが、この期間にたくさん曲を作ったり、歌の練習をしたりして、状況が良くなった時にたくさん披露できたらいいなと思っています。それに、歌だけでなく演技やダンス、絵画など様々な表現にこれからもチャレンジしていきたいですね。

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