今回は、25日のGREEN STAGEのヘッドライナー・フレッド・アゲイン（FRED AGAIN..）のフォトレポートをお届け。エド・シーラン、BTS、スクリレックスなどとのコラボレーション歴を誇り、音楽ファンたちにとっても、待望の初来日公演となったフジロック。しかしまさかの機材トラブルによりライブの開始は大幅に遅れ、スタートしたのは23時前。それでもその逆境をものともせず、観客の熱気を味方にした圧巻のステージを振り返る。

由薫の軌跡を辿る前に、まず彼女の生い立ちについて触れておく必要があるだろう。2000年に沖縄県で生まれた彼女は、2歳のとき父の仕事の都合でアメリカに移住。3年過ごしたのちに石川県金沢市に１年間、そののち、スイスへ3年間、そして9歳のときに日本に戻るという、多くの場所を行き来する幼少期を過ごした。

そんな中で彼女のアイデンティティが形成されたのは、スイスでの3年間。インターナショナルスクールに通っていたこともあり、周りにはさまざまな人種の人間がいた。本人曰く「スイスでの生活がめちゃくちゃ良くて。同じ学校にとてもフランクな感じで地元のお嬢様がいたりもして（笑）。それが当たり前だと思っていたし、いろんな個性があって楽しかった」という。

さまざまな多様性を感じながら生活をしていたスイスでの３年間を経験し、日本に帰国した彼女。日本に戻ってから感じたのはカルチャーショックに似た感情だった。「クラスのみんなからしたら私は宇宙人だった」と本人が話すように、今まで普通だと思っていたことが理解されないことも多々あったという。そんな環境を一度ゼロにしたいと思った彼女は中学受験を決意。中高一貫校に入学し、新たな人間関係を構築して当初抱いていたカルチャーショックから抜け出していく。

多くの音楽ルーツを持ちながらも、彼女が自発的に音楽と向き合うようになったのは、日本の生活にも慣れた15歳の頃。父と訪れた楽器屋で見つけた中古のアコースティックギターに出会ったことがきっかけだ。

「もともとテイラー・スウィフト（Taylor Swift）が好きだったこともあり、ギターには興味がありました。でもギターを買った日は、別に買うつもりはなくて。携帯の修理を待っている時間にたまたま入った楽器屋さんで、父に『いいギターだから』と言われて買ってもらったんです。それまで何をやっても続かない性分だったんですけど、ギターだけは熱中して続けることができたんです」

ギターの魅力に取り憑かれた彼女は、親友とカバーユニットを結成。のちにメンバーを増やしていき、バンド形態で文化祭のステージにも上がった。その後も音楽活動を続け17歳になった彼女は“雨少女”というオリジナル楽曲を制作する。本人曰く「雨女のこと歌った、変な歌です（笑）」とのことだが、その楽曲を友人に聴かせたところポジティブな反応が返ってきたという。

「《いつも一人で傘の中、前も見えずに歩いてた》みたいな歌詞から始まって、雨女なのでずっと雨が降っちゃうんですけど。晴れ男が来て、虹がかかったよみたいな感じで終わる曲なんです。それを歌ったら、友人はまず笑ってくれて。その後、褒めてくれてすごく嬉しかったんです」

バンド活動やオリジナル楽曲の制作などギターを続けていく中で、彼女はひとつのオーディションに出会うこととなる。それはGYAOとアミューズが共同で主催した「NEW CINEMA PROJECT」。由薫はこのオーディションに応募したときのことをよく覚えていると話す。

「当時は部活も辞めてしまい人間関係でも悩んでいる時期で、学校から家に帰って何時間もギターを弾いていたんです。ふと、これだけ時間を費やしているものだから一度しっかりと挑戦してみようと思って。パソコンを開いて検索しているときに見つけたのが『NEW CINEMA PROJECT』でした。映画も好きだったし、好きなアーティストの事務所がやっているオーディションだったので興味を持ちました。グランプリを取りたいとは思ってなくて、純粋に評価されてみたかった。だから、１次、2次と通過するだけで嬉しかったんです」

このオーディションこそが、由薫が自分と向き合うきっかけ。ずっと蓋をしていた音楽をやりたいという気持ちが開放された瞬間だった。

「多分ずっと音楽をやりたいって思っていたんです。でも無理じゃないかなと自分で否定してしまっていて。自分の知らないところで自分を無視してしまっていたんですよね。そこに向き合うのには勇気が必要だったし。気付くのに時間はかかったけど、本当はずっとやりたかったことなんです」

由薫はこのオーディションで審査員特別賞を受賞。ここからシンガーソングライターとしての道を歩むことになるのだった。

ずっと胸の中にあった「音楽をやりたい」という気持ちをついに叶えた由薫。ここからは彼女の生み出す楽曲について紐解いていく。楽曲を通して感じるのは、彼女の内から出てくる言葉の豊かさ。人に寄り添い、情景を想起させる言葉の羅列は彼女の武器であり魅力だ。

中でもこのたびリリースされた１st EP『Reveal』は彼女の名刺代わりの作品であり、これまで彼女が抱いてきた思いが余すことなく反映されているように感じる。

「なんとなく分かってくださったら嬉しいんですけど、自分は今まで気持ちを抑えてしまったり、言いたいことが言えない性格で。私の音楽って、感情の自己処理で解決したところから始まっているんです。でも、作品として残すということは初めて自分の中にあったものを外に出すということ。それって自分にとってすごく大事な瞬間なんですよね。だから、隠されていたものが明かされるという意味がある『Reveal』という言葉が合うんじゃないかって思ったんです」

内に秘めた思いを解放した本作には、ピアノを主にした楽曲や横ノリのグルーヴィーな楽曲、往年のロックサウンドを思わせる楽曲など、ジャンルレスに彼女が音楽を楽しんでいることが分かるラインナップになっている。その理由を彼女はこう語る。

「私は自分がたくさんいると思っていて。その日に聴きたい曲もジャンルも変わるし、気分によっても変わると思うんです。それと同じように曲を作るときもその日の抱いている思いで変わってくる。例えば、“Fish”という曲なら、『月曜日まで生き残れるかしら』と自分がぽつりと思ったことをきっかけに書き上げた曲だし、”Yesterday”では《I’m not the same person I was yesterday》というフレーズとメロディを思いついてそのまま作りました。収録される5曲、すべて違う作り方なんです」

生活をする上でそのとき感じたことや気づいたことを言葉にし、それと同時にメロディに言葉を乗せていくという由薫。だからこそ、等身大の彼女の思いがナチュラルに歌になっていくのだろう。そのナチュラルさが全面に出ているのが“Fish”という楽曲。これは彼女が19歳のときに、もしお酒に酔ったらと想像しながら書いた楽曲だ。この楽曲について由薫は19歳の頃じゃないと書けなかったと話す。

「やったことないからこそ湧く想像力ってあるじゃないですか。手が届かないからこそというか。でも実際にお酒を飲んでみると自分はお酒が強いみたいで……。全然酔えなくて（笑）。お酒飲む前の私だからこそ書けた歌詞ですね」

今まではこういった感情を言葉にし、歌にしてきた彼女だが、今回のEPの制作中、変化もあった。

「今まではナチュラルに言葉を紡げていたんですけど、少しずつ変化もしていて。自分が何をしたいのかというのを考えるようになったんです。言葉とより向き合いたい気持ちが芽生えたというか。SNSとかに流れる言葉じゃなく、詩のように言葉を言葉として紡ぎ出した言葉を書きたいと思うようになった。これからもどんどん曲の作り方は変わってくると思うんですけど、今はより自分で考えて作る段階に突入した感じです」

楽曲を制作するたびに成長を続ける彼女。きっと今回のEPを皮切りに彼女の生み出す音楽は強度を高め、多くのリスナーに認知されていくことだろう。さまざまなこと多角的に考え、それを音として表現できる優れた才能が由薫にはあるのだ。

そんな才能を持つ彼女も、普段は21歳の普通の女の子。どんなカルチャーに触れてきたのか聞いてみた。

生業としている音楽に関しては多くのジャンル、アーティストに触れてきたようだ。幼少期に観劇したミュージカル『ウィキッド』のサウンドトラックや自宅の車の中で聴いたカーペンターズ（Carpenters）やマイケル・ジャクソン（Michael Jackson）、ダニー・ゴーキー（Danny Gokey）などさまざまな音楽が彼女のバックグラウンドには存在する。その中でもシンガーソングライターの存在とカバー曲の存在は彼女にとって非常に大きい。

「ギターを手にするきっかけになったのは、テイラー・スウィフトやYUIさん、あとエド・シーラン（Ed Sheeran）とかですね。あとは、ミュージカルの存在も大きくて、『glee』というドラマにハマったんですけど、そのドラマではカバー曲が多くて原曲も知らないままカバーを聴いていました。だからGoose houseとかも好きで、カバーからいろんな楽曲に触れるようになったんです」

自身のYouTubeチャンネルでもテイラー・スウィフトなどの楽曲をアップしている彼女。カバーをすることで、「いざ曲を作ってみようと思ったときに、自分の引き出しになっていた」と話すように、カバーをするということがある種、曲作りのヒントなっている。

好きなことは音楽だけでなく、本や映画、ファッションと多岐に渡る。

「日本に来た当初、自分の居場所を探すのに必死だったとき、本の存在が助けでした。今でも読みますね。あとは、映画が好きです。実は一度映画を作りたくなっちゃったときがあって、映画研究会に入って助手として映画の撮影を手伝っていたことがあるんです。多分、モノを作ることが好きなんだと思います」

自分の感情を具現化したいという思いが強い彼女。溢れ出たアイディアをなんとか形にして誰かに見てもらいたいという精神は、現在のシンガーソングライターという生業に通ずるものがあると言えるだろう。続けてファッションについて聞くと、若者らしい答えが返ってきた。

「実は、最近物欲とかを抑えていて（笑）。一応まだ学生ですし……。でもイギリスのファッションが好きで、ヴィヴィアン・ウエストウッドが最近好きなんです。だから夜な夜なネットで調べてて。見てるだけでも幸せなんです」

また、セカンドハンドの品に魅力を感じるという彼女。物欲を抑える一方で古着屋を巡ることも多いと語る。

「初めて買ったギターも中古だったんですけど、中古のギターって新品よりも想像力が湧くというか、本当に“子”って感じなんです。その感覚が忘れられなくて、洋服に関しても同じように感じますし、古本も好きなんです。時代的にも再利用しようという風潮があるし、前の人の思いを想像する部分もある。一度は選ばれたものってそれなりの魅力があるんだなって思う。本にしても、楽器にしても、服にしても、そういうところに魅力を感じます」

最後にどんな人に音楽を届けたいかと問うと、アーティストとしての明確な思いを語ってくれた。

「歌詞を書くときに意識していることがあって。例えば、恋愛の曲なら恋愛してない人が聴いても思いが通じる歌詞を書きたいと思っているんです。一方に刺さる曲ではダメというか、聴いている人が傷つくようなものではダメだなって。だから出来るだけ年齢も性別も関係なく、届けられたらいいなと思っています。まだまだ努力しなきゃいけないですけど、人に寄り添う楽曲が作れたらいいなって思います」

人に寄り添う。言葉では簡単だが、実践することはとても難しい。しかし由薫が生み出す楽曲なら、この混沌とした世の中の希望となってくれるかもしれない。これからも彼女が紡ぎ出す言葉と音に期待をしながら、由薫のアーティスト・ストーリーに刮目していきたい。

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──おふたりの出会いはいつ頃ですか？

marsh willow（マーシュウィロー／トラックメイカー）　大学の屋外に歌を歌える小さいステージがあったんですけど、そこでSaltoが歌っている動画が大学内で軽くバズってて、それを聴いてヤバいなと思ったんです。

──どんな歌を歌っていたんですか？

marsh willow　それが覚えてないんですよね。

Salto（ソルト／シンガー）　僕も覚えてないです（笑）。でも、たぶんエド・シーラン（Ed Sheeran）かジャスティン・ビーバー（Justin Bieber）のカバーだったと思います。

marsh willow　そこで共通の知り合いを通してSaltoを紹介してもらったんです。僕は小学校を卒業する頃からずっとベースを弾いていたので、その後ギターとドラムの子を入れてバンドを組んだのが音楽を一緒にやるきっかけでした。

──その頃はどんな音楽でした？

marsh willow　シティポップです。僕らが大学生の頃にSuchmosがガーッと来て、それにスゴく影響を受けました。それまでは日本のバンドをそんなに知らなかったんですけど、友人から教えてもらったSuchmosがめちゃくちゃカッコよくて。Yogee New Wavesとかnever young beachなどの音楽を聴くようになって、僕らもそういう音楽性でバンドをやっていました。

──Saltoさんがボーカルを始めたきっかけなんですか。

Salto　小さい時から歌うのが好きだったんですけど、高校生の文化祭の時に有志で出し物をやっていい時間があって。そこで歌ったら、いろんな人から良かったよって反響をもらえたんです。それで歌うことがいいなと思いました。

──では、10代の頃最ものめり込んだ音楽は？

Salto　親の影響で聴いていたのはEXILEで、宇多田ヒカルも小さい時から聴いていました。ただ、僕はずっとミーハーなので、あとはひたすら流行っている音楽を聴いてきています。大学に入ってからエド・シーランとかニーヨ（Ne-Yo）を聴くようになり、それからmarsh willowに教えてもらうようになって。

marsh willow　僕らの中であの期間は洗脳だったと言ってるんですけど（笑）。プレイリストに詰め込んでいろいろ聴かせていました。

──まんまと洗脳されたんですね？

Salto　そうですね（笑）。特に聴いたのはディアンジェロ（D'Angelo）ですかね。こんなに良いものがこの世にあったんだと思いました。あとはダニエル・シーザー（Daniel Caesar）とかジョージ（Joji）、マック・エアーズ（Mac Ayres）が好きで、今も擦るように聴いてます。

──marsh willowさんは10代の頃どんな音楽を聴いていました？

marsh willow　10代前半は父親の影響で聴いたジャミロクワイ（Jamiroquai）とレッド・ホット・チリ・ペッパーズ（Red Hot Chili Peppers）が好きで、高校生から大学生にかけては友人に教えてもらったフランク・オーシャン（Frank Ocean）とThe 1975（ザ・ナインティーンセヴンティファイヴ）にハマっていましたね。

──トラックメイクを始めたのは？

marsh willow　3年前くらいです。フランク・オーシャンとThe 1975を教えてくれた子は同じ地元の友達で、今は別のユニットで一緒にやっているんですけど。高校生だった当時は同じ大学を志望していたので、きっと大学に行っても一緒にバンドを続けるだろうなって思っていました。ただ、僕が受験を失敗してしまって、曲を作れる人がいないってなったんですよね。結局、大学生になってからバンドを組んで、曲を作れる人を探していたんですけど見つからず。じゃあ自分で作るかってなりました。

──トラックメイクはすぐにご自身に馴染みましたか？

marsh willow　先輩に教えてもらって機材を買ってからは楽しくて、気づいたら毎日触ってました。ちょうどバンドのアンサンブルより、プロデューサーがいるシンガーを聴く機会が多かったですし、その頃ローファイ・ヒップホップをよく聴いていたので、自分もそういった音楽を作るのが楽しかったです。

──それから再びふたりで音楽をやろうと思ったのは何故ですか？

marsh willow　それぞれ自分の活動をやっていたんですけど、バンドが解散した1年後くらいに、軽くコラボみたいなことを遊びでやったら良い感じだったんですよね。それでバンドの頃にやっていた“Cruise”って曲を、lo-key designとしてリミックスして出してみようって話になって。それからEP『DESIGN』を作って今に至る感じです。

──2019年の1stEP『DESIGN』ではkojikojiさんを招き、昨年にはZIWさんをフィーチャーした楽曲のリリースや、ビートメイカー・chop the onionとのコラボもありました。

marsh willow　kojikojiもZIWくんも音楽以前の友達で、ふたりとも何か面白いことやろうよっていうノリで声をかけました。なので、レコーディングスタジオとかに入るのではなく、家に来てもらって録ったり、曲作る時も結構遊び感覚でしたね。

Salto　ZIW君は特にそうだよね。

──気心知れた人と一緒にやる喜びが大事なんですね。

marsh willow　本当にそうですね。chopさんは僕のインスタを見つけて下さって、1回飲みに連れていってもらったのがきっかけです。そこでいろんなお話をさせてもらって、一緒に曲を作りましょうって話に発展していきました。僕らは曲を作るのが前提ではなく、その人自身のことを好きだったり、一緒に何かやるのが面白そうな人と作っています。

──ふたりの制作はどういう風に進んでいきますか？

marsh willow　初めに僕の方でSalto以外には聴かせられないようなヒドいビートを投げまして（笑）、そこで俗に言う宇宙語みたいな、彼の鼻歌でメロディをいくつか送ってもらいます。そこからフルコーラスを作ったり、メロディやリリックについて話し合いながら練っていくタームに入ります。

──現在リリースされているlo-key designの音源を聴いて、ご自身で思うことはありますか？

marsh willow　Spotifyのプレイリストに僕らの楽曲を選曲してもらった時、Saltoと一緒にそのプレイリストを通して聴いてみたんですけど……僕らの曲って変っていうか、浮いているなって思いました。

Salto　めちゃくちゃ変だよね（笑）。

marsh willow　そこでlo-key designで作っている音楽は特別なんだなって思ったんです。ベースはエレキベースを自分で弾いているんですけど、シンセベースや808のベースを入れることもあれば、アップライトベースのサンプル音源を使うこともありますし、ドラムもジャズのサンプルから引っ張ってきたり、僕らの音源は忙しなくパート毎に使っている音が変わっていくんです。理論がちゃんとわかってないからこそ、自分はこうしたらカッコ良いんじゃないか？　って思うものをなんでも合わせちゃうという。他の方のビートってスムースで洗練されたカッコ良さがあるんですけど、僕らはミクスチャーというか、ゴチャゴチャした感覚があって。そこが良いところなんじゃないかなって思います。

──今作『PALETTE』の制作はいつ頃から始めていましたか？

Salto　結構前だよね？

marsh willow　そうだね。最初にEPを作った時から、アルバムは出したいとはふたりで話していました。実際に2021年に入ってからはしばらくリリースはせず、その間に何個かビートを作って、今までにないくらい精査していく作業をしていました。なので、構想だけはだいぶ前からあって、実質作り始めたのは今年の2月くらいからです。

──これまでになくビートを精査したというのは、何か殻を破りたい気持ちがあったからですか？

marsh willow　そうですね。僕は音楽の知識も決して多くないまま、YouTubeを見ながらトラック作りを始めたので、知識を持って制作に取り組まれている方へのコンプレックスがあったんです。理論をしっかり持っている方のビートって、説得力があると思います。それで今までは割と勢いだけで作ってきたけど、これからは最初のワンループからこだわって作っていきたいと思って、ゆっくり悩みながら進めていきました。

──出来上がった作品を聴くと、音数は少なく、柔らかい温かみを感じます。

marsh willow　音を詰めすぎない意識はありました。Saltoはスゴく実力があるので、その歌を活かせるビートとアレンジを目指して作っていましたね。

──Saltoさんの声って人を安心させるところがありますよね。

Salto　僕は変声期の時期が長くて、それがずっと悩みだったんですよね。たとえばEXILEさんもそうですけど、今は地声で高い音が出る人が多いですよね。でも、僕は地声が低くて高い声が出ないので、基本的に高い声はファルセットで補っていて、最初はそれがコンプレックスでした。だけどmarsh willowが歌を褒めてくれたりする中で、僕が目指すのはあの人たちではないんだって途中から気づいて。自分ができるファルセットの伸びを意識して、割り切って歌っていたら今の歌い方になりました。

──Saltoさんは『PALETTE』についてどんなイメージを持っていましたか？

Salto　アルバムのタイトルは『PALETTE』にしたいとmarsh willowに伝えて、その時から曲毎に個性を出した作品にしたいと思っていました。僕らがいろんな表現ができるってことをアピールしたかったですし、楽曲の一つひとつに色があると、聴いてくれる人にもそれぞれ思い入れのある曲ができるかなと。

──なるほど。

Salto　そこで色や個性を意識したリリックを書いていって、そのテーマを意識したボーカル表現をしていきました。あと、僕もmarsh willowのビートを尊敬しているので、彼から送られてくるビートの最適解を探るというか、お互いの良いところを消さないようにすることも意識しましたね。

──楽曲についてもお話を聞けたらと思います。“sallow”は浮遊感を感じる音色が印象的です。

marsh willow　シンセの音の浮遊感は意識して、LFO（※）のようなゆるく気持ち良いところを探って作っていましたね。この曲は僕が歌っている曲でもあって、バキバキにオートチューンかけたりボコーダーを使ったりと、挑戦が盛り沢山の1曲です。

Salto　制作する中でリリックのテーマも2回くらい変わっていって、最終的には恋愛系の曲として書きました。ビートに綺麗なハマり方をするリリックを探していったら、どうしてもこの曲には切ない言葉が合う気がして、感覚的に決めましたね。

※人間の可聴域よりも低い周波数の波を発振する装置やモジュール。特にシンセサイザーの変調用として多用される電子楽器。

──“Ruby”のような色気のある曲も、このユニットらしさを感じます。

marsh willow　“Ruby”はリミックスの楽曲で、オリジナルミックスを2020年の1月に出していました。映画を観た後に、勝手にその主題歌になるような曲をイメージして書いた曲です（笑）。

Salto　『ルビー・スパークス』という映画で、僕が見てmarsh willowに勧めたんですけど。

──それくらい衝撃を受けたってことですね？

Salto　僕はあんまり恋愛映画を見ないんですけど、サムネを気にいって見てみたら今までの恋愛映画を覆すような内容で。ファンタジー要素があるところも面白いし、男の人の恋人に対する愛がめちゃめちゃ重たいんですけど、その描写が僕には衝撃で。ここまで情熱的というか、狂気的になれるものなのかって思ったんですよね。そこから狂気的な愛を表現したら面白い楽曲になるんじゃないかと思い、僕の気まぐれから作っていった感じです。

──marsh willowさんにも、何か感じる作品でしたか？

marsh willow　映画の内容も気に入りましたし、映像がスゴく綺麗な作品で、そこに映る柔らかい光に惹かれました。以前、エヴァンゲリオンの“残酷な天使のテーゼ”の歌詞を書かれた及川眠子さんの作詞の本を読んだことがあるんですが、そこに「リリックは絵のイメージから湧いてくる単語で作りなさい」って書いてあったんです。僕はそれがビートにも当てはまると思い、一時期写真や映像を思い浮かべてビートを作る遊びをしていたので、“Ruby”の制作ではそれを試してやってみました。

──“PERFECT BLUE”は澄み切った青空を想起させる楽曲で、自由や可能性について書かれた曲ですね。

marsh willow　小さい頃から「自由」って言葉に惹かれてきたというか、それが僕にとって一番の贅沢なんですよね。たとえば、可能性を制限せずに、好きなことに挑戦できる環境ってスゴく良い状態だと思いますし、それってとても幸せなことなんじゃないかな。アルバムの1曲目ってスゴく大事なので、ポジティブな曲でアルバムに入りたいと思って書きました。

──なるほど。

Salto　marsh willowからタイトルを伝えられて、僕も無限に広がる青というイメージから、「可能性」や「自由」というテーマに辿り着きました。

──Saltoさんにとっても、しっくりくるテーマでしたか？

Salto　僕はちょっとだけ社会人を経験しているんですけど、その頃に出会った人の中には、会社にいくのが嫌だとか、こんな歳だから何もできないって言う人もいて。でも、僕は自分で諦めなければできることはいくらでもあると思っているんです。たとえば、僕の親も僕が着ている服を見て、もうこんな服着れないと言うんですけど、僕は年齢なんか気にせず着たらハッピーになるって思っていて。みんなにも自分で天井を決めてほしくないですし、思いのままやってほしいなって気持ちをリリックに込めました。

──“Shilver”に書かれていることにも通じますね。

Salto　アルバムのいろんなところに散りばめています。聴いてくれた人が気づいてくれたら嬉しいです。

──ラスト2曲はとりわけメッセージ性の強い楽曲になっている印象を受けました。9曲目の“STAY GOLD”は青春を懐かしみつつ、今過ごしている時間の大切さを綴っている楽曲ですね。

Salto　まさにそうです。僕は高校の同級生とよく会うんですけど、「あの頃はよかったよな」というのが友達の口癖で。でも、今は今なりの楽しみ方があると思うし、青春の思い出は思い出として取っておいて、いつか思い出になる今を楽しんで生きることが大事なんじゃないかと思います。生きている日々はずっと輝き続けるよって、そういう思いをリリックに落とし込みました。

──そしてラストの“s u n f l o w e r”です。日常に溶け込むようなトラックが気持ちよく、冒頭のギターにも温かい気持ちにさせられました。

marsh willow　僕もSaltoもブルーノ・メジャーが好きなんですよね。あと、ダニエル・シーザーの“Japanese Denim”もよく聴いていて、ああいうクリーンで穏やかな曲調に、歪んだギターが入っているのが凄く好きですね。それで上モノを入れるなら歪んだギターでしょって感じで入れてみて、ふたりとも気に入っている曲です。リズムも“s u n f l o w e r”は4／4拍子でトラックを作っていますが、“Japanese Denim”のイメージで3拍子っぽくもしています。

──歌詞にはポジティブな言葉を書いていますね。

Salto　リリックはかなり意識して作りました。コロナ禍の影響で僕らも会う機会が減って、なかなかライブもできず落ち込むことも多いんですけど。僕はSIRUPさんが凄く好きで、彼がコロナ禍で発信していることは輝いていると思ったんですよね。本当に太陽みたいな人ですし、そういう人のところに集まる人も、あたたかくてひまわりみたいな人だなって思います。このアルバムを通して、そういうポジティブな気持ちが広がっていったらいいなって思って作りました。

──lo-key designはビジュアルも統一感がありますね。淡くノスタルジックな空気を感じます。

marsh willow　僕らの趣味なんですけど、ユニット名のlo-key designの通り、lo-keyなものが好きですね（笑）。フィルムカメラや使い捨てのカメラで撮ったものからイメージを膨らませて作曲することもあれば、逆に曲に合うように画を用意することもあります。イラストレーターの方に書いてもらうこともありますが、それ以外はすべてカメラで撮ったもので作っています。

──初のアルバムをリリースされた後、今度どういう活動をしていきたいですか。

marsh willow　ふたりともサボりがちな性格なので、カロリーの高い制作を終えた後はダラけちゃうんですけど……気を抜かずに頑張っていきたいです。

──毎回そうなんですね？

Salto　僕は特にひどいです（笑）。なので、サボらないってことがまず第一で、あとは楽しんでやるってことを引き続き大事にしていきたいです。日々発見は多いので、日常に落ちている制作のヒントを拾って、どんどん曲にしていけたらなと思います。

marsh willow　今は制作が楽しいですし、Saltoが話していたように、曲を通して伝えたいことがあります。ただ、僕らの影響力じゃまだ無理だと思うので、それを伝えていくためにも少しでも多くの人に聴いてもらえるように、良いモチベーションで活動を続けていきたいです。

──lo-key designとして達成したいことはありますか？

marsh willow　日頃ふたりで話しているのは、フジロックに出たいってことですね。

──海外のアーティストの影響も強いですが、向こうのシーンは意識していますか？

marsh willow　まずは日本で頑張らないとなって思って活動していました。ただ、最近は東南アジアのプレイリストに入れていただいて、そこから海外の方のプレイ回数が増えたりして、いつかは海外でライブをしたり、コラボしてみたいですね。

──Michael Kanekoさんはあいみょんさんのファーストアルバム『青春のエキサイトメント』に収録されている“RING DING”にサウンドプロデュースとアレンジで参加されていますね。 あいみょん　制作がとても楽しかったことを覚えています。キャラクターとして、マイキーさん（Michael Kanekoの愛称）ってすごく印象に残る方じゃないですか？　とりあえず、英語が話せるから、とにかく発音を教えてもらいました。「マクドナルドって言って」とか（笑）。 Michael Kaneko　英語の先生みたいになってました（笑）。 あいみょん　逆に「漢字は難しい」って言ってましたよね？　すごく覚えてるのが、“RING DING”は元のタイトルが「元気が出る歌」だったんですけど、レコーディングのときに譜面を見たら「THE GENKI SONG」って書いてあって、それが忘れられないです（笑）。

──Michael Kanekoさんはあいみょんさんに対してどんな印象を持ちましたか？ Michael Kaneko　まず歌がとても上手いなって思っていました。レコーディングのときって、僕の場合だとパート毎に分割して歌って、気になるなって思ったらパンチインしたりするんですけど、あいみょんさんは一曲通してガーッと歌って、それを5テイクくらいやって終わり。それがとても印象的で。 あいみょん　それは未だに変わらなくて、何ならもっと減りましたね。今回のアルバムだと、3テイクだけの曲もあります。 Michael Kaneko　その中から選ぶの？ あいみょん　選ぶし、ほとんど直してないのもあります。 Michael Kaneko　すごい……。でも、昔のアーティストはパンチインとかできなかったわけですもんね。最近、歌録りは家でやっちゃうんですよ。その方がリラックスできるし、時間もかけられるので。 ──“RING DING”のアレンジに関しては、どんなやりとりがあったんですか？ あいみょん　割とお任せでしたよね？ Michael Kaneko　そうですね。「青春ロック」みたいなイメージだけあって。 あいみょん　直接お会いしたのはレコーディングが初めてで、「お若いんですね」って……私の方が若いですけど（笑）。 Michael Kaneko　〈origami PRODUCTIONS（以下、origami）〉にいる他の人は結構上ですもんね。 ──あいみょん作品ではお馴染みの関口シンゴさんは、もう少し歳上ですよね。 あいみょん　関口さんとは私が19歳の頃からご一緒していますね。インディーズの頃からなので、〈origami〉にはずっとお世話になっております。今年の外出自粛期間が明けて、一発目のレコーディングも〈origami〉のスタジオで、「ただいま！」って感じでした（笑）。 ━━最初にあいみょんさんから送られてくるのは弾き語りのデモなんですか？ Michael Kaneko　そうです。曲自体がよかったので、アレンジしてても楽しかったですね。曲が自分にガシッと来ないと、アレンジが難しいこともあるんですけど、“RING DING”はすぐイメージが見えました。 あいみょん　ファンのみんなもすごく大好きな曲です。 Michael Kaneko　ライブであの曲を演奏してるのを初めて観たときに、お客さんがとても盛り上がっていて、すごく感動しました。 あいみょん　アップテンポの楽曲は他にもあるんですけど、ああいうポップで、青春感のある曲って、当時は他になかったんです。なので、自分にとって新しい音楽のジャンルを開いてくれたというか、「ありがとうございます！」って感じでした。 Michael Kaneko　僕の方こそ、資料に「あいみょんをプロデュース」って書けるから、ホントにありがとうございます（笑）。

──Michael Kanekoさんはプロデュースの仕事もやりつつ、もちろん元々はシンガーソングライターなわけで、あいみょんさんから見たシンガーソングライターとしてのMichael Kanekoさんの魅力をお伺いしたいです。 あいみょん　やっぱり、シンプルに歌声がすごくないですか？　この歌声は自分には絶対出せないなと思います。私は声色を使い分けたりするタイプなんですけど、マイキーさんはそういうタイプではなくて、「ずっとマイキー」みたいな（笑）。歌声が柔らかいですよね。もしかしたら、英語が日本語より柔らかい発音なので、そう聴こえるのかもしれませんが、とにかく自分にはない歌い方だし、情緒の出し方をしてるなって思います。 Michael Kaneko　何を歌っても自分っぽくなっちゃうっていうのはあって、日本語の曲をカバーしても、「マイキーだね」とは言われます。 あいみょん　今回のカバーアルバム（限定盤に付属されているカバーEP『Sounds From The Den EP vol.2：Acoustic Covers』）を聴いても、やっぱりマイキーですもん（笑）。生まれ持った才能だと思うし、いいなと思いますよ。 ━━でも、Michael Kanekoさんがちゃんと歌い始めたのは大学生になってからなんですよね？ Michael Kaneko　もともとバンドでギターだけをやっていて、アコギで曲書いて歌おうかなって思ったのは大学に入ってからです。19歳の時のデモを聴くと、すごく恥ずかしいんですよ。今の歌い方はブレッシーなんですけど……さらにブレッシーで（笑）。 あいみょん　あははははは。でも、みんなそうですよね。私の昔のデモもめっちゃひどいですよ。iPhoneで録ってたんですけど、気合い入れて近づき過ぎて音割れてるし、歌い方も元気過ぎて……、恥ずかしいですよね。 ──お二人の共通点はシンガーソングライターであり、「弾き語り」をベースにしていることだと思うんですけど、改めて、弾き語りの魅力をどう感じていますか？ あいみょん　私は原点に弾き語りがあって、歌詞も、自分の歌声も、一番素直に届くものだと思ってます。最終的に自分がバンドを背負えなくなっても、これさえあればできるんだぞっていう、意思表示にも近いと思います。 Michael Kaneko　僕も一緒です。本当に弾き語りが原点だし、そこがベースです。でも、フェスとかに出演すると、周りがみんなバンドで、僕だけ弾き語りになったりするんですよ。 あいみょん　わかるー！ Michael Kaneko　昔はそれがすごく寂しくて、物足りないというか、盛り上がらないなって思っていました。けど、最近はそんな言い訳はせずに、バンドに負けないくらいのパフォーマンスを残そうって考えるようになりましたね。 あいみょん　私もフェスだと一人だけ弾き語りで、すごく追いやられたようなステージだったりして（笑）。当時はアコギを持って歌うことがコンプレックスでもありましたが、だからこそ、もっと磨こうとも思えました。 ──ある種の反発心があったと。 あいみょん　ありましたね。今よりMCも尖ってました。フェスで人の気を引きたくて、大声出したりもしてましたし……、いろいろ鍛えられましたね。 Michael Kaneko 僕も別のバンドがとても盛り上がってる中で、セットリストにわざとバラードをたくさん入れて、「こっちは聴かせてやる」とか思ってましたね。 あいみょん　バンドを背負ってる今でも当時の悔しさみたいなのって残ってますか？ Michael Kaneko　今はもうないかなあ。ありますか？ あいみょん　私はいまだにちょこっとあるんですよね。今は自分もバンドを背負ってツアーを回ってるんですけど、やっぱりシンガーソングライターとして見てほしい気持ちもあって。「弾き語りでも私は強いんやぞ」って、改めて見せたくなるんですよね。 Michael Kaneko　それはすごくわかる。「俺はギター1本でもできるぞ」みたいな気持ちっていうか（笑）。 あいみょん　だから、私バンドのツアーでも絶対に弾き語りパートを設けていて。 Michael Kaneko　自分もワンマンのときは絶対入れます。 あいみょん　シンガーソングライターとして、アコギ一本でやっていたことを忘れたくない気持ちはありますよね。 ──あいみょんさんは初めての日本武道館でのワンマンを弾き語りでやってるくらいですからね。 Michael Kaneko　あれはめちゃくちゃかっこいいなって思っていました。あんなことやる人他にいないじゃないですか？ ──あれも明確な意思表示でしたよね。 あいみょん　やっぱり、シンガーソングライターであることを忘れたくないんです。

──同じシンガーソングライターでも、曲の作り方はそれぞれですよね。Michael Kanekoさんは基本セルフプロデュースで、アレンジから楽器演奏まで一人でやるのに対して、あいみょんさんは分業制というか。 あいみょん　一人でやるってすごいですよね。私は作詞作曲にすべてを注ぐタイプです。あとはそれこそマイキーさんだったり、関口さんだったり、自分にない知識や才能を持ってる方が近くにいらっしゃるので、その人たちの力を借りて、いい音楽を一緒に残すっていう方法が自分には合っていました。でも、一人で全部できるのは本当にすごいと思います。どうやってやってるんですか？ Michael Kaneko　部屋に籠ってやってます（笑）。でも今回一人でやった理由は、一人でやらないと進まないから、録音とかアレンジも勉強したって感じなんです。今後は海外のアーティストみたいに、自分でもプロデュースするけど、ちゃんとしたプロデューサーにも別で入ってもらって、アレンジを一緒にやったりする形でもやってみたいなと思っています。 ──関口シンゴさんをはじめ、〈origami〉の人たちは基本セルフプロデュースですよね。 Michael Kaneko　その影響はすごくありますね。〈origami〉に入って、音楽で食べていくには、シンガーソングライターとしての活動以外のこともできた方がいいよっていうのは言われました。 あいみょん　いい環境ですよね。ある意味、スパルタな感じもありつつ、実際、周りのみなさんのご活躍もすごいですし。 Michael Kaneko　セッキー（関口シンゴ）さんとかすごく真面目じゃないですか？　だから、僕ももっとやらないとっていう気持ちになるんですよ。 あいみょん　いいことですよね。向上し合ってるというか。やっぱり、同じシンガーソングライターでも作り方はそれぞれ違いますね。 ──あいみょんさんはアレンジや演奏を他の人にお願いすることで、自分の中のイメージとのずれを感じたりすることはないですか？ あいみょん　そういう場合はもちろん話し合いますし、でもそれこそ〈origami〉のチームもそうですし、田中（ユウスケ）さんもそうですけど、長く一緒にやらせてもらってるので、私の癖もわかってるし、言わなくても伝わるようになっていたり、関係性ができています。 ──さきほども言っていたように、関口さんとはインディーズ時代からですもんね。いろんなアレンジャーさんがいる中で、関口さんはどんな存在だと言えますか？ あいみょん　関口さんはとりあえず優しいです。〈origami〉のあの空間って、本当に居心地がいいんです。もちろん、切羽詰まるときもありますけど、でも、みなさんニコニコしてくれていて、「すごくいいのができたね」って言ってくれるあの感じって、私にとってはすごく大事。ピリついた中ではやりたくなくて、関口さんと一緒にやっていてピリついたことは全くないですね。そういう空間でできることが第一で、〈origami〉の空間に甘えているのかもしれないけど……、一緒にやるチームって大事じゃないですか？ Michael Kaneko　とても大事ですね。ケミストリーが重要だから、音楽のことだけじゃなくて、普通に一緒にいるときに楽しくいれるかとか、そういうこともすごく大事なんですよ。

──Michael Kanekoさんの新作『ESTERO』について、まずはあいみょんさんに聴いた感想をお伺いしたいです。 あいみょん　特に好きな曲が2曲あります。まず一曲目の“Breakdown feat.Daichi Yamamoto”が最高。あと“Voices”もすごく好きでした。全体的にはアップテンポな曲は少なめで、わりと柔らかい楽曲が多い印象で、それがマイキーさんの今のモードなのかなって思いました。私のマイキーさんのイメージって、一曲目みたいな、ちょっとノリノリな感じなんです。前作の"Lost In This City"もそうだったので、この感じはやっぱり好きですね。 Michael Kaneko　“Voices”が好きって言ってくれたのは嬉しいです。僕の中で、一番日本っぽさのある曲だと勝手に思っていて。特別意識したわけじゃないんですけど、書いた後に、日本っぽさがあるメロディーだなと思っていました。

──Michael Kanekoさんの影響源としては、ジョン・メイヤー（John Mayer）だったり、海外のアーティストの名前が挙がることが多いと思うんですけど、日本のアーティストで影響を受けた人とかっていますか？ Michael Kaneko　どうだろう……、シンガーソングライターでいうと、ハナレグミさんや、大橋トリオさんは結構聴いているので、無意識に影響されている可能性はありますね。ただ、ジャーニー（Journey）とかカーペンターズ（Carpenters）って、洋楽だけど日本っぽさがあるじゃないですか？　“Voices”もそういったイメージなんです。 ──逆に、あいみょんさんの影響源としては日本人アーティストの名前が挙がることが多いと思うんですけど、海外のアーティストからの影響というとどうですか？ あいみょん　一番聴いたのはマイケル・ジャクソン（Michael Jackson）……マイキーなんですよ（笑）。 Michael Kaneko　今回のジャケット、ちょっとマイケル・ジャクソン感あるでしょ？ あいみょん　『This Is It』っぽい！ Michael Kaneko　そうそう、80年代感あるよね。 あいみょん　マイケル・ジャクソンがポール・マッカートニー（Paul McCartney）と一緒に歌ってる”Say Say Say”とか”The Girl Is Mine”でポールのことを知って、そこからビートルズ（The Beatles）を聴いて。その後にハマったのはジャクソン・ブラウン（Jackson Browne）。少しテイストが近いですよね。 Michael Kaneko　ウェストコーストサウンドだからね。 あいみょん　あとはボブ・ディラン（Bob Dylan）とか。やっぱり、アコギと男性の声の組み合わせが邦楽でも洋楽でも関係なく好きなんですよ。 ──今挙がった名前は、Michael Kanekoさんにとっても大事な名前ばかりですよね。 Michael Kaneko　そうですね。でも、ジャクソン・ブラウンはそこまでメジャーなアーティストじゃなくないですか？ あいみょん　ジャクソン・ブラウンは私が好きな浜田省吾さんの曲の歌詞に出てくるアーティストで、”Late For The Sky”を初めて聴いて、なんていい曲なんだって思ったんです。 ──お二人が感覚を共有する部分が垣間見えた気もします。マイキーさんには『ESTERO』というタイトルの由来もお伺いしたいです。 Michael Kaneko　20歳くらいのときに、交換留学でカリフォルニアに帰ったことがあるんです。当時は周りが就活を始めていて、でも自分は将来何になりたいのかがよくわからなくて。そんな気持ちのままアメリカに行ったんですけど、むこうで仲良くなった友達が遊びで音楽をやっていたんです。 しかも、ルームシェアをしている一軒家の中にたくさん楽器が置いてある部屋があって、そこでほぼ毎日セッションをしていたんですよね。そのゆるい感じがすごく楽しくて、やっぱり音楽をやりたいなって思い、日本に帰っても音楽を頑張ろうって決めたんです。その一軒家がカリフォルニアのサンタバーバラにある「ESTERO ROAD」の道沿いにあったので、そこからタイトルにしました。ファーストアルバムなので、「自分の原点」みたいな意味合いですね。

──あいみょんさんの新作『おいしいパスタがあると聞いて』に関しても、まずはマイキーさんから感想をお願いできますか？ Michael Kaneko　全曲シングルみたいな、いい曲ばかりですね。一曲目の"黄昏にバカ話をしたあの日を思い出す時を"からかっこよくて、ちょっとマンドリンが入っていたり、いわゆるロックでもないし、ジャンル的にも面白いなと思いました。あと全体的に、洋楽っぽい音楽をやってる自分からしたら、絶対書けないメロディーだなと。 あいみょん　それはきっとお互い、ないものねだりしちゃうところかもしれないですね。私は絶対にマイキーさんの作るメロディーは出てこないです。「こうやって動くの？」みたいなのあるじゃないですか？ Michael Kaneko　そうそう。コード進行も「こういくんだ」とか、全曲通してそんな感じでした。あと、やっぱり弾き語りを大事にしているからか、きっとアレンジを全部抜いても成り立つ曲だなと思いました。今ってトラックメイカーが作るトラックがあって、その上にメロディーを書くこともわりと一般的ですよね。それはそれでいいんですけど、この場合はメロディーがそこまで強くなくても、トラックで成立させる、みたいな曲もあって。でも、ギターで曲を書いていると、メロディーがよくないとそもそも曲として成り立たなくて、それは全曲通して感じたことです。 あいみょん　嬉しいです。私は歌詞とメロディーを同時進行で作るので、メロディーに上手く言葉が乗らないと気持ち悪くて。ある程度弾き語りの時点で曲を完成させるっていうのは、意識してるというよりも、そうじゃないと作れないんですよね。

──Michael Kanekoさんが言った「全曲シングル」みたいなことは意識してますか？ あいみょん　いや、ないですないです。 Michael Kaneko　逆にここからどうやってシングルを選ぶのかなって。セッキーさんがプロデュースした曲も、全然シングルっぽいなって思いました。 あいみょん　“裸の心”は初めてストックの中から選んだシングルだったんですけど、普段のシングルは書き下ろすことが多いんですよね。今回のアルバムの曲もストックの中から選んでいて、とにかく自分が今一番いいと思う曲を選んだだけなんです。2～3年前の曲でも、今聴いて一番いいと思える、届けたいと思える楽曲を選んでいるので、今思う最強メンツ、神メンツを集めてる、みたいな感覚ではあります。 ──現時点でストックって何曲くらいあるんですか？ あいみょん　400曲くらいです。 Michael Kaneko　まだ出してない曲で？　すごいな。 あいみょん　でも、いつかはストックが尽きますし、全部が表に出るわけじゃないと思うので、ずっと作り続けてはいます。 Michael Kaneko　エド・シーラン（Ed Sheeran）も同じ感じらしくて、めちゃくちゃ曲がたくさんあるらしいです。 あいみょん　エド・シーラン、同世代なんですよね。 Michael Kaneko　タメだと思う。 あいみょん　エド・シーランとタメ、なんかすごい（笑）。

──さきほどMichael Kanekoさんが挙げた“黄昏にバカ話をしたあの日を思い出す時を”は《余裕のある生き方がしたい でも鐘のなる方へは行かないぞ〉や《もっと刺激を もっと混乱を もっと人生を〉といった歌詞も印象的で、意思表示的な一曲目だなと思いました。 あいみょん　2～3年前にできていた曲なんですけど、今の自分が言いたいことを昔の自分が言ってくれてるなって思って、絶対一曲目にしたいと思いました。《鐘のなる方へは行かないぞ》っていうのは、煌びやかな方、お金がある方へは行かないぞ、だまされたくない、みたいな意味ですね。アーティストとして活動していて、キラキラした世界だなって思うけど、どこかに落とし穴がある気がしていて。 もう少し自分を不幸にししなければというか、自分にちょっとしたトラブルが起これば、10代のデビュー前の頃みたいに、「まだまだやってやるぞ！」って、燃え上がれる気がするんです。捻くれてるとも思うけど、それを3年前の自分が言ってくれてたので、その気持ちは大事にしたいなって思いました。「あいみょんのこと知らない人なんていないよ」みたいに言われたりもして、嬉しいけど、その状況に甘えてはいけないので、常に「こんなのは今だけ」って思いながら、落とし穴に落ちないように進んでいかなきゃなっていうのは思ってますね。 ──Michael Kanekoさんも前作からの3年で活動の幅がグッと広がったと思うんですけど、そんな状況に対してどう向き合っていらっしゃいますか？ Michael Kaneko　めちゃくちゃハングリーですよ。自分の音楽も、仕事としてやる音楽も、できるだけのことをやろうと思ってます。 あいみょん　満たされた瞬間とかってありますか？ Michael Kaneko　ないですね。ありますか？ あいみょん　ないですね。ゴールがない世界じゃないですか？　たまに「燃え尽きた」みたいなことを言う人もいますけど、その感覚はまだわからないです。 Michael Kaneko　今のゴールってありますか？　「こうなりたい」とか。 あいみょん　「家族に自慢されたい」とか「甥っ子が喜んでくれるようなことをしたい」とか、結構身近なところですね。「天下取るぜ！」みたいな大それた感じじゃなくて、家族とか身近な人が喜んでくれたらそれが嬉しい。さっき、マイキーさんが「あいみょんプロデュースって書ける」って言ってくれましたけど、そうやって自分が誰かの力になれたり、身近な人がそういうことを言ってくれるのが嬉しくて。その積み重ねの先にゴールがあるのか……、それもわからないですけどね。マイキーさんはゴールありますか？ Michael Kaneko　ないかなあ。きっとそのゴールを達成しても、またすぐ次の目標がきて、きっと納得しないんでしょうね。 ──Michael Kanekoさんとしては3年ぶりの新作が遂に完成したわけですけど、それでもできてしまえばすぐにまた次へ向かうというか。 Michael Kaneko　そうですね。もう「次はこういう感じでやりたいな」とか考えていますね。 あいみょん　作品を作り終わったらもう次のこと考えちゃいますよね。できちゃったら、この子は旅立つだけなんで、あとはこの子の実力と、スタッフさん次第（笑）。スタッフさんが日々やってくれていることに対して、「ありがとうございます！」って思いながら、私はもっといいものを作るための作業に入る。きっとその繰り返しなんです。

Michael Kaneko 湘南生まれ、南カリフォルニア育ちの日本人シンガーソングライター。 2015年、TOYOTAのCMにシンガーとして起用されYouTubeで740万回以上の再生回数を記録。 その後 Panasonic、Nissan、Pioneer、SHARP、BACARDIなどのCMに起用され問い合わせが殺到。 自宅でレコーディングし、パソコンで焼いて販売していたデモCD『Sounds From The Den EP』は1日50枚ものバックオーダーが来るようになり、パソコンはクラッシュ。累計2,000枚を販売し、iTunesシンガーソングライターチャートで1位を獲得。 CDデビュー前にもかかわらず、FUJI ROCK FESTIVAL、SUMMER SONIC、朝霧JAM、GREENROOM FESTIVAL など数々のフェスに出演。 また、タワーレコード“No Music, No Life?”キャンペーンに大抜擢。CDが店頭にないまま大型のポスターに登場するという異例の盛り上がりを見せる。 さらにはJ-WAVEのジングルを歌い、デモCD収録の楽曲が「テラスハウス」の挿入歌として使用される。 プロデュース、コーラス、ギター、楽曲提供などで さかいゆう、あいみょん、SING LIKE TALKING、藤原さくら、Rude-α、足立佳奈、majikoなどとコラボ。 また、映画「サヨナラまでの30分」「ママレード・ボーイ」、フジテレビ系ドラマ「僕たちがやりました」、アニメ「メガロボクス」などの音楽も手がける。 そして、その声はついに海外へ。覆面ユニットAmPm (アムパム) にボーカルで参加した楽曲がSpotifyで3,900万回を超える再生回数を記録 (しかも再生は90%が海外！)。インドネシアのフェスでは1万人規模のオーディエンスが大合唱。 フェス、ネット、CM、ラジオ、TVドラマ、全てを累計すると5,000万人に声を届けることに成功。 そんな中、2017年10月にデビューEP『Westbound EP』をリリース。 先行シングル「Lost In This City」は全国21のラジオ局でパワープレイを獲得。 J-WAVE「Spotify TOKYO VAGABOND」のマンスリーパーソナリティやFMヨコハマ「FUTURESCAPE」に“小山薫堂氏の今一番会いたいアーティスト”として出演依頼を受けるなど各局の番組に登場。 また、スペシャルゲストに藤原さくらを迎えたLINE LIVEの視聴者数は約26万人を突破。 テレビ朝日系「関ジャム 完全燃SHOW」、西野亮廣（キングコング）がMCを務めるフジテレビ「ハミダシター」など、数え切れないほどのメディア出演を果たす。 その話題は日本にとどまらず、Spotifyではアジアやヨーロッパを中心に15の国と地域の“New Music Friday”プレイリストにもピックアップされ、各国のバイラルチャートにもランクイン。さらにハリウッド女優クロエ・グレース・モレッツがお気に入りとしてSNSに投稿、瞬く間に世界中へ拡散される。 ウィスパーながらも芯のあるシルキーヴォイスが話題となり、活躍の場を世界規模で広げている。

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あいみょん 兵庫県西宮市出身シンガーソングライター。 16年11月にシングル「生きていたんだよな」でメジャーデビュー。17年5月に2ndシングル「愛を伝えたいだとか」、8月に3rdシングル「君はロックを聴かない」 を発表し、9月にリリースした1stフルアルバム「青春のエキサイトメント」は現在もロングセールスを記録中。6月には初の海外公演を台北Legacyにて行いSOLDOUT。11月からは札幌を皮切りに全国ツアー「AIMYON TOUR 2018 -HONEY LADY BABY-」を開催、即日ソールドアウト。2018年紅白歌合戦への出演も果たした。 2019年2月には2ndアルバム「瞬間的シックスセンス」を発売。同月には初となる武道館公演を開催。5月からは対バンツアー「AIMYON vs TOUR 2019 “ラブ・コール”」、10月からは自身最大規模のワンマンツアー「AIMYON TOUR 2019 -SIXTH SENSE STORY-」を開催。2019年は「Billboard 2019年年間TOP ARTISTS」を獲得し「オリコン年間ストリーミングランキング 2019」でも1位を記録し”2019年 1番聴かれたアーティスト”となった。 2020年、日本テレビ「news zero」の1月からの新テーマ曲して書き下ろした楽曲、「さよならの今日に」を2月14日に配信限定でリリース、そして6月17日にはTBS系 火曜ドラマ「私の家政夫ナギサさん」主題歌10thシングル「裸の心」をリリース、9月9日（水）には3rdアルバム「おいしいパスタがあると聞いて」の発売も決定。

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新型コロナウィルスの影響を受けてツアーを中止したSING LIKE TALKING（シングライクトーキング）が、夏に入って大きく動き出した。日本のシティポップや歌謡曲のリエディットで知られるNight Tempoが、彼らの曲をセレクトしたコンピレーションアナログ盤が話題を集め、8月29日（土）に中野サンプラザ、9月5日（土）に都内スタジオで初の配信ライブを行うこと、その直前の8月26日（水）にはシングル“生まれた理由”と、ギタリスト・西村智彦の約5年ぶりとなるソロアルバム『combine』を同時リリースすることも発表した。そこで、今回はそれらのトピックを軸に、SING LIKE TALKINGの現在地と未来や、昨今のシティポップやアナログ盤のリバイバルに対する見解などについて、佐藤竹善と西村智彦の二人に話を聞いた。

――新型コロナウイルスの感染拡大を受けてツアーは中止されましたが、配信ライブの開催と、シングル“生まれた理由”のリリースを発表されました。まずは現在のお気持ちを、聞かせていただけますか？ 佐藤竹善（以下、佐藤）　今の状況をネガティブには捉えていません。危機的な出来事という意味では、僕の場合、東日本大震災や阪神大震災のほうが辛かったというのが正直な気持ちですね。東日本大震災の時、僕は仙台にいたんです。突然襲った災害により一瞬にして街が荒れ果て、多くの人々の命が奪われたことに対して感じた無力感は、そこから努力してどうこう以前の問題で。もう運命として受け入れなければ気持ちのやり場がないくらいの、大きなものでした。でも、今のコロナ禍における音楽業界は、いろんな立場の人たちがいてそれぞれのケースがあるので一概には言えないですけど、気を落とさず努力から始めてなんとかなる部分がかなり大きいと思うんです。 ――そのうえで、この先はどうなっていくと思いますか？ 佐藤　今はいろんな人たちが状況を見定め模索している段階。言葉は悪いかもしれないですけど、過渡期とも言えると思うんです。人の数だけ感情がある。それらが配信ライブに向くのか、制作に没頭するのか、他の何かなのか。いずれにせよどの選択も世の中の状況を見ながら変性していくもの。だから“こういう結果が見えているからやる、やらない”ということではなく、自分自身の気分が高揚することに従って取り組めばいいんじゃないかと。その積み重ねが誰かにとっての感動を生むかもしれないし、全体的にもいい形に収まってくるようにも思います。コロナウィルス自体がいつ収束するのか、何を以て収束とするのかは難しいところだと思いますけど、今となってはそこをとりわけ気にしなくてもいいというか、結局、やれること、やりたいことを続けるしかないですから。 ――そんななか、竹善さんは今をどのようにお過ごしですか？ 佐藤　最近は毎日のようにここ（自身が所有する制作スタジオ）にいるんです。こんなに長く一つの場所にいることは何年もなかったので、すごく新鮮な気持ちですね。そうすると、新しい発見もたくさんあって。例えばこの機会にって、今まで以上にコンピューターと向き合うことで、ただ操作に詳しくなるだけじゃないんですよね。そのために脳を回転させたことが、別の新しい発想にも繋がってきますから。 ――西村さんはいかがですか？ 西村智彦（以下、西村）　目の前のことと真っすぐ向き合っています。今度やるお客さんを会場には入れない配信ライブも、それにともないリハーサルも密にならないように気をつけることも、いろんなことが初めてで戸惑うこともありますけど、一つひとつ積み重ねていくしかないですから。

――シングル“生まれた理由”を制作することになった経緯を教えていただけますか？ 佐藤　SING LIKE TALKINGは、00年代に入ってから7年くらい活動していない時期もあったんですけど、デビューから25周年を過ぎた2013年あたりから、いいタイミングでリリースすることを前提に、毎年１曲は作ることにしたんです。そうすると感覚が前線にいられるというか、試合がないのに練習するのと、試合があって練習するのでは違うじゃないですか。その流れで今年も作ろうと。コロナウィルスの影響でいろいろあるけど、僕らはベースやドラムが固定されているバンドではないし、西村も千章もそれぞれにいい録音環境を持っているので、フレキシブルに動けるんです。だから今回はほとんど3人で会うことはなく制作を進めていきました。 ――“生まれた理由”のアレンジやメロディは、おもに竹善さんが手掛けられたのですか？ 佐藤　そうですね。僕らは基本的に曲を書いた人がアレンジをやるんですけど、そこは今回も変わらずで。そこまでできた段階で千章に渡して歌詞を書いてもらいました。 ――SING LIKE TALKINGは、AORや日本のシティポップの文脈上に置かれることが多いじゃないですか。私はAORとは洗練されたクロスオーバーミュージックだと思っているのですが、「生まれた理由」はそういう意味でのAOR、1970年当時のリバイバル的なものではなく、制作した時代の空気感ありきでトラディショナルなエッセンスも大切にしてきたSING LIKE TALKINGの最新型だと思うのですが、いかがですか？ 佐藤　僕は“ポップス”が大好きなんです。じゃあ、ポップスとは何なのか。クラシックもエレクトロもヘビーメタルも、すべてがポップスを形成する要素だと思います。だから僕は、デビューした頃から常に、ジャンルを限定して特定の音楽をやりたいと思ったことはなくて、ずっと“クロスオーバー”という感覚で制作に取り組んでいるんです。その時々で、自分がいいと思った音楽を吸収する。The Beatles（ビートルズ）もQueen（クイーン）も、AORと呼ばれる音楽もMaroon 5（マルーン5）も、そうやって曲を作ってきた、その時点でもっとも新しいミクスチャーですから。

――近年はどんな音楽におもしろさを感じていますか？ 佐藤　シンガーソングライターの人たちですね。僕らが若い頃に出会った70年代のJames Taylor（ジェームス・テイラー）らとはまた全然違うもの。わかりやすいところだとEd Sheeran（エド・シーラン）や、もっとエレクトロに寄ったアグレッシブな要素が強いものだとJames Brake（ジェームズ・ブレイク）とか。そうやって過去から現在、未来へと続いていく轍をおもしろいと思いながら止まらずに追えている間は、ずっとポップスのフィールドにいていいのかなって、思います。 ――James Brakeはすごく腑に落ちました。音の間を活かしたグルーブ、そのなかでの現代的な低音域の広がりや打ち込みのサウンドの立体感については、どのようなことを考えて作っていったのでしょうか。 佐藤　今回の音作りは、バスドラムとベースが6割くらいを締めていたように思います。上の音や歌が重なってアレンジができていくたびに修正を繰り返しました。今のポップスはリズム隊、特に低音が基本にあって、キックだけじゃなくてスネア、生ベースにシンセベース、本来のベースやキックにない音、音階のあるキックでベースを出すとか、ふつうに聴いてたら気づかないアプローチが無数にあるのはおもしろいですね。 ――そういったベクトルでの音の探求が、近年のSING LIKE TALKINGのおもしろさの肝だと思うのですが、いかがでしょう。 佐藤　2018年のシングル“Vox Humana”くらいから、その要素が強くなっていますね。今まで自分たちがやってきた常識を解体して組み立て直さないといけないんで、なかなか大変ですけど楽しいですよ。これまでにやってきたことを大事にしながらも、サウンドだけじゃなくもっと広い意味で、“最新の捉え方を”吸収してアップデートしているつもりです。

――サウンド以外にはどういったところに新しい捉え方が見られるのでしょうか。 佐藤　曲の作り方そのものもそうですね。今まではピアノやギターやベースを弾きながら、同時にメロディーと和音ができあがっていくようなイメージだったんですけど、今回は、曲が仕上がっていくに連れて浮かび上がってくる、自分のなかのテンプレートみたいなものを壊そうと思いました。 ――それはすごく興味深いです。 佐藤　だから、最初にピアノだけで曲を書いた時のメロディは、まったく残ってないんです。アレンジをしていくなかで、曲を変えたいと思ったら変える。最後までどういう曲になるのか自分でもわからない、自分自身とセッションをし続けるような感覚ですね。近年の欧米、特にR&Bでは、そういう作り方をする人たちが多いと聞いたことがあります。 ――後半の西村さんが弾くギターも効いています。 西村　“生まれた理由”は、そこのギターソロしか弾いてないんですよね。いつも竹善のイメージや具体的なリファレンスを受けて音を作っていくんですけど、それがね、分かり辛いんですよ。Santanaに「Van Halen（ヴァン・ヘイレン）を弾け」って言ってるようなもの、じゃないけど、そもそも僕のなかにないような要素も平気で言ってきたり（笑） 佐藤　僕が弾けないから、とにかく言いたいこと言っちゃうっていう（笑）。リファレンスは訊かれるまで言わないんですけどね。で、実際にVan Halenって言ったことあったよね？ 西村　だから頑張って弾いたら「それじゃあ、ほんとにVan Halen」とか言い出すんですよ（笑）。むちゃくちゃでしょ？ ――竹善さんの伝えたいこともわかるようなわからないような（笑）。 西村　だから今は、言われたことと自分がもともと持っている個性の接点を探して弾くようにしています。そのほうがお互いハッピーだなって。 佐藤　今回リクエストしたのはThin Lizzyだったけど、全然違うものがきて。でもカッコよかったからオッケーみたいなね。 ――そういった自由で豊かなサウンドの変化がありながらも、SING LIKE TALKINGらしさをメロディでしっかり担保できているのはさすがだと思いました。メロディラインは、昔から大きな抑揚や壮大なスケールを以て泣きに向かうというよりは、自然体な印象がありながら、どんなサウンドに変化しても、作り方が変わっても確固たる強さがそこにあります。 佐藤　そこはたぶん、僕がシンガーでもあるからだと思います。グローバルな視点で新しいプロダクションに目を向けながらも、日本でのSING LIKE TALKINGとしての歌は大切にしたい。とはいっても、自分自身の理想が制約されたら本末転倒だし、頭でっかちで曲を書いても屁理屈にしかならないから、いかに感覚的なところに落とし込めるかをポイントにしているので、そう感じてもらえていたならすごく嬉しいですね。あと今回は千章が、ここまでで僕が長々と話したようなことにちゃんと反応して、いい歌詞をつけてきてくれたことも大きいですね。それによって、わかりやすさとかそういうことではなく、本質的なSING LIKE TAKINGらしい一体感の生まれた、新しいフェーズに進むための曲になったと思います。

――西村さんのソロアルバム『combine』は、どのようなイメージで制作していったのでしょうか。 西村　僕はSING LIKE TALKINGのシングルのカップリングを担当することが多いんです。インストの曲もけっこう作ってきたんですけど、それらが溜まってきたこともあって、「アルバムを作ってみない？」と声をかけていただいて。ぜんぶで６曲あったものに、新曲を1曲（“spill”）と、1st ソロアルバム「Graffiti」からセルフカバーを1曲入れました。そんな感じだったので、「寄せ集め作品的なイメージになるだろうな」とか思いながら曲順を考えて並べてみたら、まるでこのアルバムのために曲をすべて書いたような1枚になったんです。それで「combine＝組み合わせる」という意味の言葉をタイトルにしました。農機具コンバインもそこからきていて、刈り入れと脱穀と選別、まったく異なる作業をひとつの機械でやっちゃうところからきてるんです。 佐藤　そうだったんだ。知らなかった。 西村　それで、ジャケットをコンバインに僕が乗ってるイラストにしたら、そっちのほうが周りの食いつきがいいっていう（笑） ―ギターもあしらわれたコンバインのイラスト、すごくいいですよね。新曲の“spill”について聴きたいのですが、いったいどのように作ったのですか？変則的でパーカッシブなビートが弾ける序盤から、異国情緒や宇宙的な世界観が混ざっていく、独特の雰囲気が印象的です。 西村　最初は頭から出てくるギターのフレーズだけで、コード進行も何もなかったんです。そこから、いろんなリズムを使って組み立てるためにサンプリングを探しまくりつつ、途中で変化をつけるために違う世界に飛んでいってまた戻ってくるみたいな、まさに質問いただいた言葉そのままのプロセスでした。 ――何かが壊れてまた再生して新しいものが生まれたような、King Crimson（キング・クリムゾン）のファーストアルバム『In The Court Of The Crimson King』の強引なようで精度の高いサウンドを聴いたときのような、不思議だけどクセになる違和感と衝撃を覚えました。 西村　SING LIKE TALKINGでもギターを弾いてくれていて、この曲も手伝ってくれた金澤健太も、最初は「これ曲になるんですか」って言ってましたから。で、完成したのを聴いて「曲に……、なってる」って（笑） 佐藤　西村さんはポップなメロディが大好きではありつつも、その奥は歪んでますので（笑）。“壊れる”という表現もKing Crimsonを引き合いに出すのもわかります。今回のシングル“生まれた理由”のカップリング“サアカスの馬”もそうですよね、ギターのディレイが左右で鳴ってる感じとか、ぶっ飛んでますから。

――続いてはNight TempoがSING LIKE TALKINGの曲をセレクトしたコンピレーションアナログ盤『Reveal SING LIKE TALKING on VINYL Vol.1 Compiled by Night Tempo』について。まずなぜ彼だったのでしょうか。 佐藤　Night Tempoくんを選んだのはスタッフですね。僕はここまでにも話したように、新しいカルチャーが好きだし、どんどん採り入れようとは思うけど、こういう企画は、あえて関わらないほうが、世代の解釈の違いが明確に表れて面白いと思っています。そういういきさつもあって、今回は単純に、彼が僕らの作品をどう捉えているか、上がってきた選曲を楽しませてもらいました。 ――Night Tempoは日本のシティポップや歌謡曲のリエディットで名を広げたプロデューサーです。 佐藤　例えば70年代～80年代の大貫妙子さんや初期の山下達郎さんといった、いわゆるシティポップと呼ばれる音楽を、僕はリアルタイムで通っています。でも、今の若い人たちにとって、それらは生まれる前からあった音楽。彼らが僕と同じ感覚で聴いているはずはないし、こちらが同じ感覚を無理に共有しようとしても、それこそネガティブな意味での“おっさん”でしょ？そこはクッションがあったうえでお互いを称え合う、そういう距離感以上のものであってはいけないと思うんです。 ――確かに。ファッションもそうですよね。当時を振り返るとベタ過ぎて今は少し照れてしまうようなものが、若い人の目にはまた違ったふうに映り、新しい解釈が生まれています。 佐藤　今回のジャケットも、僕らが若い頃に一大ムーブメントになったど真ん中の感じで、そのクオリティではなく学生時代を思い出してちょっと照れくさい気持になりますから。でもNight Tempoくんにそういう感覚はない。すごくおもしろいと思います。 ――AORや日本のシティポップは、波はあってもどこかでずっと再評価されてるじゃないですか。それはなぜだと思いますか？ 佐藤　世界中のどこかから、それらをおもしろいと思う人が現れるんですよね。AORも、たとえばSteely Dan（スティーリー・ダン）のフォロアーも含めて、20年前くらいから北欧三国では当たり前だったし、ブラジルでも、Ed Motta（エヂ・モッタ）とかがそうですけど、AORと日本のシティポップを合わせたような音楽が好きで、達郎さんのアルバムを全部持ってます、みたいな人たちがいる。アフロ音楽やネオアコとかもそう。今までどこに隠れていたんだろうって、そういうカルチャーを若者が引っ張り出してくるパワーこそがポップスで、そこは今も昔も変わってないから、何かがあちこちでリバイバルしてる。その現象自体がアートとしておもしろいですよね。 ――そこにはアナログレコードの存在もあります。 佐藤　それも同じじゃないですかね。デジタルしか体験したことのない世代が、アナログにしかない音の柔らかさとかジャケットに惹かれる。昔は良かったとかそういうことじゃないんです。アナログとデジタル、どっちの音が、どっちのフォーマットがいいか悪いかではない。 西村　レコード屋さんがまた新しくできたりもしてますよね。CDやダウンロード音源は半永久じゃないですか。それに対してレコードは針を落とすと溝が薄くなるし、カセットもテープが伸びちゃう。限りがあっていずれ朽ちていくということにも、魅力を感じている若者が多いと聞いたことがあります。 佐藤　そんななかで、壊滅状態と言われていたアナログはなくならなかった。デジタルのなかのCDは、テクノロジーの発展でその弱点がどんどんクリアされているから、今は結局、アナログに近づいてるわけで、今後どうなっていくのかですよね。まあ、なにはともあれ、長期的にも短期的な目線でも、結局すべてはそのときの現象でしかない。長期なものが優れていて短期なものが劣っているということでもない。そこに“キッチュ”という概念も入ってきたら、短期のものに、より長期な普遍性が表れたり、さらにおもしろく見えますよね。 ――最後に、SING LIKE TALKINGの今後についてお聞かせいただけますか？ 佐藤　まずは配信ライブですね。8月29日に中野サンプラザ、9月5日にスタジオから、それぞれどんな映像やカット割りになるのか、すごく楽しみですね。Snarky Puppyのテレビ番組(Family Dinner)の映像や、Daryl Hall（ダリル・ホール）が自宅のスタジオにゲストを迎えるセッションシリーズ（Live From Daryl's House）のような、歌番組でもない、単なるコンサート映像でもない、そういうものに発展していけばいいなって。映像スタッフにも、まずは真似事でもいいからやってみて、それでSnarky Puppy（スナーキー・パピー）のくらいいけたらいいねって、話しました。きっといいものになると思うので、よろしくお願いします。

公式サイト｜佐藤竹善 レギュラーラジオ番組

━━緊急事態宣言による外出自粛の日々はどんなふうに過ごしてらっしゃいましたか？ ツアーも結局中止になってしまったので、基本的にはずっと制作をしていました。もともとライブ期間以外は家に引きこもって制作をしているだけだったので、正直そんなに大きくは変わらない感じで。あとは昔の友達と連絡を取って、お互いの近況を話したり、他愛のない話をする機会がすごく多かったですね。 ━━それこそ最初から基本的に自宅で完結するタイプのアーティストだったわけで、そういう意味では今までと変わらないスタイルで制作に没頭することができたわけですね。 とは言っても、１年半前の『Quote』というアルバム以降、ここ最近はずっと生音でレコーディングをやってきたので、久しぶりに自分の中だけで完結する音楽を作った感じです。しばらく生音にこだわってやってきたけど、それを踏襲してまた自分一人の音楽に昇華する時期だった。今だからこそまた一人で作れるものが新しい感じでした。 ━━“Alba”は映画『水曜日が消えた』の主題歌の話を受けて書き下ろした曲ということですが、どんなことを思って制作されたんでしょうか？ 話をいただいていろいろ想像したんですけど、去年の年末に本編を見させていただいて、自分の本当にツボにハマったというか、本当に大好きな映画だったんです。すごく感動したし、衝撃を受けて。そこからもう一度監督の吉野さんとお話しする機会をいただいて、どんなサウンドをリクエストされているかという話を詰めていきながら作っていきました。 ━━この映画を好きになったポイント、衝撃だったところというのはどういうところだったんでしょうか？ もちろん物語の設定や主演の中村さんの鬼気迫る演技も本当に素晴らしいんですけど、自分の中で一番感動したのは、めちゃくちゃ細かく洗練された演出がすごくふんだんに使われていたことです。視覚芸術みたいな細かいギミックが沢山あって、それがすごく自然、かつ美しい形で本編の至るところに落とし込まれている。物語自体は淡々と進むんですけど、それがあることですごく華やかに見える。そういう魅せ方も相まってストーリーが際立つところもすごく感動しました。

━━映画は「曜日ごとに性格が異なる主人公」という突飛な設定のストーリーですよね。けれど、たとえば同級生と話す時と上司と話す時で自分の振る舞いや話し方が変わるということと同じだと考えると、誰にでも当てはまる話だと思います。そういうモチーフに関してはどのように受け取ってどのように感じられましたか？ おっしゃる通りで、吉野さんともそういう話をしました。『水曜日が消えた』という話の主人公は僕らからしたら一見突飛な設定ですけど、彼にとってはそれが普通の日常なんです。彼は別に特別なことをしているわけではなく、あくまで自分なりに当たり前に過ごしている。そういうところと自分がどういう部分でリンクするかを考えた時に、今おっしゃったように中高の友達と話す時、上司と話す時、自分の親と話す時って、自然と変わるじゃないですか。人格とまでは言わないまでも、喋り方とか、性格とか、誰でもスイッチが変わる時がある。そういうところがこの物語とリンクする部分なのかなって考えて。それで歌詞に落とし込んでいきました。 ━━そこからどういうテーマが膨らんでいったんでしょうか。 この曲を作る上で最初にあった大きなテーマとして、さっきの主人公の話にも繋がるんですけど「特別な日々はいらない」っていうワードがありました。今の時期がまさにそうだと思うんですけど、100人いたら100通りの当たり前がある。そういうところから、誰が聴いても自分だけの当たり前を愛せる歌詞にしたい気持ちがありました。 ━━誰かの普通とか、誰かの常識を押し付けられるのではなく、それぞれの日常や暮らしが肯定されるべきだということを、社会的なメッセージというよりも詩的な言葉で表現している感じがしました。 そうですね。「普通」という言葉はよく使いがちなものとしてあると思うんですけど、改めて考えると「普通」なんてものはあまりないというか。みんなが寄せていった結果、大衆的に重なった部分が普通と呼ばれていると思うんです。でも、そうじゃない部分にフォーカスしていけたらとは思っていました。 ━━曲調やサウンドに関してはどうでしょうか？ 吉野監督とお話しして「洋楽っぽいサウンドにしてほしい」というリクエストをいただきまして。自分も幅を広げたいというか、純粋にいろんなことをやってみたい時期だったし、カイゴ（Kygo）やエド・シーラン（Ed Sheeran）のような好きなアーティストのサウンドを取り入れてみたりして、そこにメロディと歌詞を乗せて作っていきました。ダンスミュージック的なサウンドって、良くも悪くも、どんなメロディーでも綺麗にハマると思うんです。聴きやすいものになる一方、違う目線で見るとサラッと流れて聴こえちゃう部分も多いのかなと思うので。違和感を混ぜたかったので、サビの後半の方で突飛なメロディにしてみたり、そういうアレンジをしながら作っていきました。 ━━おっしゃったカイゴやエド・シーラン以外にも須田さんの最近の好みのテイストをあげるならば？ 有名どころになってしまいますが、ビリー・アイリッシュ（Billie Eilish）はもちろん、ショーン・メンデス（Shawn Mendes）とか、MAXっていうNYのシンガーソングライターも大好きで。最近はそのあたりを聴いています。よりシンプルに、ソリッドになってるものが多くなってきている印象がありますね。

━━“Alba”のミュージックビデオも『水曜日が消えた』の吉野監督が制作されていますが、これはどういったやり取りで作っていったんでしょう？ 吉野さんとご一緒できるということで、映画に通じるモチーフやアイディアをMVに取り入れていただきたいとリクエストさせていただいたんです。この時期なのでオンラインでお話しさせてもらって、そこから吉野さんがいろいろと考えてくださった。自分の作品としては初めてCGのみで完結しているものになっています。MVだけ見ても美しいんですけど、映画を観た後にMVを観たり、MVを観た後に映画を観たりすることで、映画とのつながりを面白く感じられるんじゃないかと思います。形は違えど、同じようにグッとくるものがあるというか。そういう意味でのつながりはあると思います。

━━今回の曲にかぎらず、須田さんは、自身の音楽と映像とのつながりや親和性についてはどんなふうに考えてらっしゃいますか？ アニメーション、実写と両方ありますけれど、どちらも映像があることによって楽曲の背景や感情的な部分、歌詞にもサウンドにも描かれていない新しいバックグラウンドが見えてくるものだと思います。アニメーションでできることと実写でできることは違うと思うので、それぞれの良さはあると思いますけれど、どちらも重要だと考えています。 ━━アニメーションと実写の違い、それぞれの良さというと？ 雑多な説明になってしまいますが、実写の場合はより生々しい、より身近な見え方をするものだと思います。だからこそ伝わるものがあるし、ライティングの色ひとつで悲しい気持ちなのか温かい気持ちなのか、感情が伝わるようなところもあります。あくまで個人的な意見なんですけど、実写の方がドラマチックになるところがある一方で、アニメーションだとより一層ありえない世界、ありえないシチュエーションを描けるんですよね。実写では再現不可能な頭の中のイメージをそのままアウトプットできるものだと思います。アボガド6さんと作る映像もそうですけど、この間公開した、大谷たらふさんが映像を制作してくれた“MUG”という曲のMVもそうですね。 ━━“MUG”のMVはまさに物理法則を無視した動きや物体が変形するような表現がありますが、これはどんなふうに作っていったんでしょうか？ あの曲では音楽を作っているときに思い浮かんでいた1つのモチーフを伝えて広げていってもらったんです。鶴が首を動かしながら踊っているイメージがあったんですけど、それって、実写だと難しいじゃないですか。でもアニメーションだとすごく面白い形で描けるので。わかりやすく無限の可能性があると考えています。

━━新曲“Carol”についても聞ければと思います。NHK『みんなのうた』のために作った曲ですが、まずそのお話を受けてどう感じました？ 単純に、自分にその話が来るんだという驚きが一番大きかったです。なにしろ有名な番組じゃないですか。1961年からある番組で、自分も大好きで観ていたし、『みんなのうた』がきっかけで知った音楽も多かったので。 ━━すべての世代に届く曲という意味では、いろんなタイアップや主題歌とはまた違った機会になると思うんです。それを受けて、どういう曲を書こうと考えましたか？ そのこともすごく考えました。自分の話になるんですけど、小学校低学年とか幼稚園の時に、たとえば「寂しい」という感情があったとしても、それをまだ「寂しい」と言語化できない状態のときがありました。自分の感情をまだうまく吐き出せない時期がある。それで自分はいろいろ辛い時期があったんですけど、それも「辛い」と言えなくてすごく苦しかった経験があって。そういう経験をしている人って少なからずいると思うんです。 トラウマとか辛い記憶とか、人格を形成するに当たって幼少期の記憶ってものすごく大きなものだと思っていて。人によってはそれがすごく苦しい記憶として残っている人も多くいると思うし、結局、それって昔の自分を肯定できていない状態なのかなと思うんですね。自分も肯定できているかと言われるとそれはわからないし、振り返ったら美しくない記憶なのかもしれないんですけど、そういう記憶だとしても赦してあげたいと思っていて。 あの曲を作るにあたっては、賛美歌にしたいというテーマがあったんです。どんな経験であったとしてもそれを赦して美しいものだということを伝えたかった。そういうテーマをもとに広げていった形でした。だから今聴いてくれている幼稚園児や小学生が、いつかふとした時に思い出してくれたら嬉しいなと思います。 みんなのうた “Carol” ━━NHKみんなのうた“Carol”の映像はアボガド6さんが制作されています。これはどんなふうに作っていったんでしょうか？ いつも通りのやり方なんですけれど、曲の解釈を彼に話して、オンラインでアボガド6さんのラフスケッチしている画面を共有してもらいつつ、どんな世界にしようかという話をしました。この曲は歌詞を一番大事に伝えるべき曲だとなって、サビ以外はシンプルな映像で、サビで開けるものにしたいと決めて。そこから彼といろいろな話をして、少し不思議な空間というか、亜空間の中の美術館みたいな空間を一緒に作って、そこからは彼の表現の形で作ってもらいました。

━━アボガド6さんがこういう風に社会を見ているという、その視線にはドキッとさせられるようなところがありますよね。世の中のルールや、皆の無意識、社会や教育の歪みのようなものを戯画化する形で、ときにはグロテスクなものとして表現している。それもわざとグロテスクに描いているというよりは、社会の日常の皮を一枚めくったらそれがあるというような表現になっている。 ただ1枚フィルターを剥がしただけというか。よく鋭いことを描いてらっしゃるんですけれど、決して無理やり描いてるわけじゃなくて。社会的にも教育的な側面から見ても、すごく難しいテーマが、彼のフィルターを通すととてもわかりやすく視覚化されていると思うんですね。なかなか簡単に出来ることじゃないと思います。 ━━僕としては勝手にバンクシーと同じ位置づけで捉えているんです。それをストリートでやるかTwitterでやるかの違いだけで、表現の本質的な部分では通じ合うところがある。 なるほど。たしかにそう言われてみるとそうかもしれないですね。 ━━アボガド6さんとの共同制作はどんな感じで進めていくんでしょうか。先程はいろいろなやり方があるって言ってましたけども、どんな風に楽曲のイメージを伝えて曲の仕上がりに持っていく感じですか？ 一番よくある方法は、まず楽曲を彼に送って、歌詞の意味を伝えて、漠然としたモチーフや風景やふわっとしたイメージを彼に伝えるんです。それからオンラインで画面を共有しながら作業を進めるんですね。お互い無言で、彼はラフを描いたり消したり、その間に僕は自分の作業をしたりしながら、淡々と時間を過ごしていて。その間で格好いいモチーフを描いてたら「それめっちゃいいね」って言って。そこで１つモチーフが生まれて、またそれを繰り返して、２つ、３つと出来ていったら「じゃあこれを中心にストーリーを考えてみよう」みたいに話し合ったりして。実写のミュージックビデオとか他のアニメーターさんの方だと、最初にイメージを伝えたらあとは基本ほとんどお願いして、後でちょっと修正をリクエストするくらいの感じが多いんですけれど、アボガド6さんとはずっと一緒に作業することが多いですね。

━━ということは、アボガド6さんの描いた映像のラフスケッチやアニメーションのモチーフに音楽制作をする側である自分が影響を受ける、っていうこともある？ めちゃくちゃありますね。たとえば“veil”という曲はアボガド6さんにMVを作ってもらったんですけど、あの曲では1コーラスでは「ここはこうしよう」という感じで詰めていって、2コーラス目からは彼にお願いしたんです。その映像が出来上がって「この音を使ったらアボガド6さんはこういう表現をしてくるんだな」とか「彼の中でこの音はこういう色のイメージなんだな」とか、そういった発見がありました。

━━そうなんですね。その話を聞いて、ある種のバンドみたいだなと思いました。たとえばプレイヤーの癖で楽曲のアレンジが変わるように、トラックメイクの方向性がビジュアルアーティストの感性で変わっていったりする。それも曲ごとに1つのプロジェクトとしてタッグを組めるという。新しいバンドのような形態だと感じたんですが。 言われてみればバンドって表現は近いですね。今の時代、そういうやり方で、ある種のバンドみたいになっている映像と音楽の関係性は多いのかもしれないと思います。 ━━わかりました。今後に関しても聞ければと思いますが、映像も含めて、新たに取り組んでみたい表現方法はありますか。 音楽に関しては、以前から「取り入れられるものは取り入れていきたい」と変わらず思っています。映像に関しては、最近、CGの進歩が目を見張るので。アニメーションと実写の中間というか、アニメーションでも実写でもあり、どちらでもないような表現の映像が出てきている。そういった要素は自分のミュージックビデオに取り入れてみたいと思っていますね。

━━『水曜日が消えた』の主題歌“Alba”を須田景凪さんにオファーした経緯と、楽曲があがってきた感想をお聞かせください。 プロデューサーからの提案でいくつか須田さんの楽曲を聴かせて頂きました。どの曲も素晴らしかったのですが、中でも“Cambell”の楽曲やMVの世界観に、どこか『水曜日が消えた』の世界と共通したものがあるな、と感じてオファーさせていただきました。初めて“Alba”のデモ音源を聴かせていただいた時は、イントロとそこからの歌い出しまでの流れの空気感が、映画を観終えたあとの温度にちょうど良いかもしれない、と感じました。映画のエンディング曲には、その流れこそが一番大切だと個人的に思っていましたので、そこがきちんと押さえられている時点でもう大丈夫、と思いました。

━━吉野監督が須田さんの楽曲“Alba”から受けたインスピレーションはどのようなものですか？　そのインスピレーションはMVにどのような形で反映されていますか？ ２番の冒頭、《淀んだ夜の静けさ　理由もなく喉は渇く》という部分の歌詞が、自分の中で妙にひっかかるところがあり、そこから街灯の下を歩く靴、という最初のイメージが出てきたように思います。MVを作るにあたって事前に須田さんとお話しさせていただいた際に、「映画の世界観とどこか共通したものがあってもいい」という意見もいただきましたので、であれば、映画の主人公のように「入れ替わりながらも、ひとつである存在」が出せないか……と繋がり、そこから7種類の靴がコマ撮りアニメのように切り替わりながら夜道を歩く、という映像が見えてきたように思います。さらにそこに、回転させることで一連の動きが見えてくるゾートロープやフェナキストスコープといったアニメーションの技法が組み合わせて……と膨らみ、最終的には「曜日ごとにバラバラになった巨大なカレンダーを歩く靴たち」といったサビのシークエンスを含めた、全体が見えてきました。 ━━映像のプロとして、映像を制作する時に音楽はどんなポイントで重視していて、どんなところが大事だと感じますか？ 音楽と映像、両者がぴったり同じ方向を向きすぎない、ということを大事に思っています。音楽には映像だけでは表現できないものを補ってほしいし、逆も同じだと思います。だからこそ、音楽と映像には常にいい意味での緊張感がほしいというか、ベタベタ馴れ合わない関係でいてほしい、というか。そんな２つがたまに、ある瞬間にだけガッチリ噛み合ったりするからこそ、そこにしかない感情や感動が伝わるんじゃないか、と思います。

須田景凪 2013年より“バルーン”名義でニコニコ動画にてボカロPとしての活動を開始。 代表曲「シャルル」はセルフカバーバージョンと合わせ、YouTube での再生数は現在までに約8,000万回を記録しており、JOYSOUND の 2017 年発売曲年間カラオケ総合ランキングは1位、2017＆2018年&2019年の年代別カラオケランキング・10代部門では3年連続1位を獲得し、現代の若者にとっての時代を象徴するヒットソングとなっている。 2017年10月、自身の声で描いた楽曲を歌う“須田景凪”として活動を開始。2019年1月、ワーナーミュージック・ジャパン内のレーベルunBORDEより1st EP「teeter」をリリース。8月には2nd EP「porte」をリリースし、オリコンウイークリーアルバムランキングでTOP5にランクインした。 楽曲は作詞、作曲、編曲全てを須田自身が手掛けており、中毒性のある予想外かつ大胆でありながら、隅々までこだわりの詰まったサウンドと、聴く人に絶妙な距離感で寄り添う歌詞とメロディーが、10代から20代を中心に若者から多くの支持を集めている。 HP
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━━昨年のフジロックのステージは印象的でした。アフタームービーには”Under The Influence”が使用されていたり、多くのオーディエンスの記憶にもあなたたちのパフォーマンスが残っていることかと思います。初めてのフジロックでのパフォーマンスはどんな体験でしたか？ フジロックでの体験はとても素晴らしかったよ。今までバンドが経験してきた中で最大のステージで、最も多くのオーディエンスの前でのパフォーマンスだったんだ。フェスとしてとてもよくオーガナイズされていたし、みんな素敵で温かい人達ばかりで僕たちを大いに歓迎してくれたよ。

━━昨年の来日ではテレビ番組『スッキリ』にも出演されていました。来日時の印象的なエピソードを教えてください。 そうだね、印象的なエピソードといえば素敵なレストランに連れて行ってもらって、本格的な日本料理を食べたことかな。東京を散策した時は最高な時間を過ごせたし、スカイツリーで夕食を食べたのも良い思い出だよ。 ━━東京という街への印象は？ 僕は人混みが苦手で最初に東京で電車の人の多さを見た時少し不安になったんだ。でも、ロンドンとは違って東京はみんなとても礼儀正しくて、周りを気にかけている人ばかりだったから安心して旅を楽しむことができたよ。僕の家族も一緒に連れて行ったんだけど、美しい庭園を散歩したり、スカイツリーで夕食をしたり、とても素晴らしい時間を過ごすことができたよ。旅の締めくくりに皆でカラオケバーに行ったんだけど、僕たちは皆ミュージシャンだからすごく盛り上がって楽しかったよ。 ━━改めて、バンドのメンバー構成について教えてください。 バンド構成は3人のバグパイプ奏者(ウィリー・アームストロング、ケビン・マクドナルド、ジェームス・ハーパー)、ベースギター(ルーリー・マクリーン)、リードギター(アルド・マクギオック)、キーボード(クリス・ピュー)、パーカッショニスト(ジェイ・ヘップバーン)と2人のブラス演奏者、そしてボーカル(クリス・ジャッジ)というメンバー構成だよ。

━━レッド・ホット・チリ・パイパーズ以外でも活動されているメンバーもいますが、どのように練習しているんですか？ 普段はサウンドチェックの時に練習するんだ。新しい曲があれば練習のためにスタジオを予約するときもある。メンバーの中には他のバンドで演奏している人もいるけど、レッド・ホット・チリ・パイパーズをメインバンドとして活動していて、昨年は152回のライブをこなしたんだ。 ━━演奏楽曲はどのように決めていますか？　オリジナル楽曲は誰が作曲していますか？ ライブではスコットランドの伝統的な音楽が50%、有名なロックやポップスの曲が50%という割合で演奏していることが多いよ。セットリストはバンド全体で決めていて、観客とバンドメンバーの両方が楽しめるように曲を混合させているんだ。オリジナル楽曲もメンバー全員で作曲しているよ。 ━━ファースト・アルバム『The Red Hot Chilli Pipers』にも収録されているスコットランド龍騎兵連隊合唱隊の曲“Highland”を今回の最新アルバム『FRESH AIR』にも収録しているのはなぜですか？ “Highland Cathedral”はとても有名な曲なんだけど、実際にはスコットランド人が書いたものではなく2人のドイツ人によって作曲されたものなんだ。僕たちの音楽ジャンルにもよく合っているので今回もこの曲を収録したんだ。 ━━アルバムに収録されている楽曲“Leave a Light On (feat.Tom Walker)“は、トム・ウォーカー（Tom Walker）本人をシンガーとして招いたカバー楽曲ですね。このコラボはどんなプロセスを経て実現したんですか？ ソニーレコードは彼のアルバムをスコットランドで発売したいと思っていたんだ。そこでアルバムの中の1曲にバグパイプを入れてみるのは良いのではと思い“Leave a Light On”にバグパイプの演奏を入れてみた。そうしたら曲との相性がすごく良くて、シングルとして再リリースすることを決めたんだ。メインストリームチャートで４位を獲得した楽曲なんだ。トム・ウォーカーはスコットランドとイギリスのハーフでとても素晴らしいミュージシャンだよ。

━━今年の10月は、そんなアルバムを提げての来日となりますが、どんなことをしたいですか？ もっと色々な場所を散策してみたいし、もっと日本の最高なバンドを見てみたいね。そして本格的な日本の料理をもっと食べたいな。 ━━日本のファンへレッド・ホット・チリ・パイパーズの来日公演に向けて期待してほしいことはなんですか？ 日本の皆さんは僕たちがライブをするために来日すると思っているかもしれないね。でも僕たちがやることは”ショー”なんだ。素晴らしい照明機材を用意して、最高な照明エンジニアとサウンドエンジニアもいる。民族衣装を着て音楽に合う振り付けをして、観客全体を巻き込むのさ。僕らのショーには、喜びや高揚感、哀愁といった幅広い感情が引き出される要素があるんだ。 ━━日本のファンへメッセージをお願いします。 独自の文化と伝統を持つ日本という美しい国で、僕たちの民族衣装を着て民族楽器を演奏するのをとても楽しみにしているよ。

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