━━1stアルバム『Bad Memory』は音楽の中ですべて語っているような作品で、改めてインタビューでわざわざ言葉にする必要のあることとないことがあるなと思っていて。なので今日はYoung Keeさんがその中でしゃべりたいと思うことを話してくれればなと。

ありがとうございます。歌詞には自分が経験していないシチュエーションや情景も描いているんですけど、嘘か実かでいうと、実の感情を書いてますね。情景描写やストーリーが本当かどうかは聴いてくださる人次第ですけど、「気持ちに嘘はない」という姿勢で作り上げました。

━━ポップミュージックを作りたいという意志をYoung Keeさんの音楽から強く感じます。自分のことを歌いながらも、その曲が聴き手のものになってほしい、というような姿勢を。

そうですね。小さい頃からずっと「ポップミュージック」と言われるような、キャッチーで大衆性のあるものに惹かれてきたので。小中の頃はクリスティーナ・アギレラ（Christina Aguilera）、アリアナ・グランデ（Ariana Grande）、テイラー・スウィフト（Taylor Swift）、ジャスティン・ビーバー（Justin Bieber）とか海外のメインストリームのポップスがすごく好きで。

中3のときに邦楽ロックが好きだったお兄ちゃんから米津玄師さんのアルバム『YANKEE』をおすすめしてもらって、それまで日本の音楽を聴いてもそんなにハマらなかったんですけど、『YANKEE』には日本の風土とか、日本でしか感じられないエモーショナルな気持ちとか、日本の独自性がリリックで表現されていてすっごく感動したんですよね。プラス、メロディ、ギターとか、楽曲の全部がよくて、自分が知らなかっただけで日本の音楽でもこんなにかっこいいものがあるんだと思って。もともとハリウッドスターになりたかったんですけど（笑）……「自分は何でもできる、最強」と思う時期あるじゃないですか？

━━ありますね、根拠のない自信がある年頃。

そう。「ハリウッドスターになるぜ」ってずっと信じてて、でも「あ、難しいかも」と思った時期に兄から『YANKEE』をおすすめされて、そのタイミングで女王蜂さん、東京事変さんとかも知って。その流れで音楽を目指すようになって、軽音楽部のある高校に進みました。

━━Young Keeというアーティスト名にしたのは……？

米津玄師さんの『YANKEE』に日本の音楽というものの魅力に気づかせてもらったので、リスペクトと感謝もありつつ。ヒップホップも聴いていたので、ヒップホップアーティストの「Young〜」を意識したのと、一見して日本人だとわかるよりは謎めいた感じというか、アジアのアーティスト感を出したいなと思って「Young Kee」にしました。あと僕は「ヤンキー」と言われるような見た目じゃないのに、「初めまして、ヤンキーです」って言ったら面白いなと思って（笑）。

━━Young Keeとして大事な1枚目のアルバムはどういう内容にしたいと考えたのでしょう。それまでに出した4曲を入れずにアルバムを作ったことも、この1枚で表現したいものがはっきりあったということの表れだと思うんです。

このアルバムを制作するまでに出した4曲は、自分がこれからやっていく音楽性や表現したいもの、音楽をやる意味に気づくまでの旅という感じでした。それはサウンド面でもそうだし、リリックもそう。4曲ともジャンルを変えていたのは、自分の歌声とか、自分のアーティスト性にフィットする音楽性を探っていたからで。

でも結局、ジャンルとか関係ないなというところに辿り着きました。自分の経験や感情から出てきたメロディや、それにつけるリリックを、より自分のイメージ通りに聴いてくださる方へ伝わるように音作りするのが一番大事だと思ったので。ジャンルはあとからついてくるから囚われなくていいんだなって。

━━本当に大事な音、メロディ、言葉、心を際立たせるために、他は削ぎ落としているような音作りをされている印象を受けました。だから描きたいものだけが色濃く出ている作品が完成しているなと。

そう言っていただけることがとても嬉しくて。愛着や熱意のないものは削ぎ落として、自分が心を向けているものだけで構築することを意識して作りました。リリックに関しても今までは、本当のことを言ってしまったらジャッジされてしまうんじゃないかって、聴いてくださるみなさんに自分の奥まで知られてしまうことへの恐怖心があったんですけど、そういうものも取っ払って、本当に思っていることやさらけ出したくないことも歌詞に入れようと思って。

それをジャンルにとらわれずに美しい音楽に昇華させていくことが自分の理想だなって、そういう想いで全編を作りました。自分の内なるものとか、抽象的じゃない歌詞とか、核心を突いたところとか、自分の人生の闇の部分とか……本当に思ってることを歌詞に投影するのは、自分からしたらすごくハードルが高かったんですよ。

━━相当な勇気と覚悟のいることですよね。それをさらけ出して、世に放って、しかも永久に残る作品にするという行為は。

そうですよね。本当に仲良い友達にも話したことないようなことも表現したいなと思って。

━━そういうふうに音楽を作ろうと決めたのは、どういう想いがあったからですか。

やっぱり、自分が本当に思っていることではないこととか、ちょっと言い回しをおしゃれにして伝わりにくくしちゃったリリックは、伝わることが少ないなと思って。レイヤーを重ねてぼかしちゃうと、聴いてくださる方に何が真意なのか、こちらが思っている以上に伝わらなくなっちゃうなって。ネガティブな内容であってもポジティブな内容であっても、さらけ出して伝えた方がより鮮明に共感してくれる方が増えるかなと思ったんですよね。

あと自分の好きなアーティストが、歌詞のレイヤーがすごく近いというか、生々しくて、嘘のないものを書いている方が多くて。せっかく自分も音楽をやるんだったら、自分が生き甲斐を感じられる姿勢で作品を作るためにも、嘘のない歌詞を書いて自分が本当にいいと思ったメロディだけを吟味して作るということをやるべきなんじゃないかと思うようになりました。

━━作り手がどうしても伝えたいことや、自分を丸裸にして書いた音楽・言葉には、無視できないくらい惹きつけられる力が宿りますよね。でも本質とは別のところでジャッジされる危うさもあるから、本当に怖いことだと思います。

自分にとってハードルが高かった「自分をさらけ出す」ということが、このアルバムでできた実感はあります。まだ全部はできてないけど、自分がやりたいことや伝えたいことの表現手法に近いものを成し遂げられたことが、このアルバムで得たいい経験だし成長だなと思います。どういう意志で音楽や言葉というものの力を借りて、表現者として何を伝えたいのか、伝えていかなきゃいけないのか――音楽をやっている意味みたいなものに気づけたことが、このアルバムを制作して得た一番いい経験ですね。

━━今回のアルバムを作る上で、とっかかりとなったのはどの曲でしたか？

“Escape Car”がアルバムの中で最初に作った曲なんですけど、そこから本当に、今までと全然違って自分の気持ちに嘘がない歌詞を書き始めて。本当に伝えたいことしか入れていない作り方をして大体形になってきたときに、「あ、めっちゃいいじゃん」って自分でも思えるようになったんですよね。自分のことをさらけ出してもいいんだって思えたし、むしろさらけ出した方がかっこいいじゃんって。さらけ出すことに対する快感とこだわって精査して楽曲を作ることで得られる達成感は、このアルバム全編通してありました。

━━そもそもこのアルバムは、最初の挨拶を除くと「ごめんね」という言葉から始まるわけじゃないですか。「ごめんね」で始まる1stアルバム、なかなかないと思うんです。

これは一人に話しているようで、実はみんなに話していて。今までの人生で関わってきた人みんなと会話しているつもり。それには、自分自身も含まれています。今まで自分が傷付けちゃった人、迷惑かけちゃった人とか、いい思い出や経験をくれたのに自分の中でないがしろにしちゃっていたことに対する、いわゆる謝罪みたいな気持ち。それと一番大きいのは自分自身について「認めてあげられてなくてごめんね」という気持ち。自分というものを愛せてなくて、見つめられなくて、周りと違う自分が嫌だなと思っちゃってごめんね、という感じですね。

━━表題曲“Bad Memory”の〈拙い過去も悪い思い出も／今までのこと忘れたくない／誰かに触れて傷付いたこと／生きてることを許したいよ〉は、アルバム全体を端的に表しているラインだと感じたのですが、いかがですか。

そうですね。アルバムの表題曲だからリリックではアルバムのことをちょっと解説しちゃおうと思って。どういう意図を持って『Bad Memory』という表題にしたのかの説明役も担っている楽曲だと思います。このアルバムの核となる考え方の、弱い自分、好きになれない自分、認めてない自分、見られたくない自分、自分を愛せていない自分とかを全部さらけ出すという姿勢を取ってますね。

〈忘れた歩き方上手な喋り方／自分の名前すら聞きたくないよ〉という歌詞があるんですけど、実際に自分は人の意見やその場の雰囲気に感化されやすくて、あとから自分の行動を振り返って「何かやっちゃってないかな」とか考えなくていいようなことまで考え込んじゃったり、「自分って周りの人から見たらどうなんだろう」って第三者の視点を気にしすぎちゃったりして、自分が自分を一番見られていなくて。自分自身なのに本当の自分を知りたくないみたいな、自分自身を理解してあげることが大事だってわかってるけど、でもそれが怖い。そうやって、自分のことを認めてあげられない人って多いと思うんですよ。

━━〈それでも笑い方教えてくれた／あなたは絶対〉と続くところは、Young Keeさんにとってどういったことが救いになったのだと言えますか。

いろんな人に支えられて自分を肯定できるようになったとも言えるんですけど、どれだけ信頼してる人や大好きな人から「あなたは素晴らしいよ」と言われても、一番大事なのはそれを自分で自分に思うことで。「自分は弱いんだ」「自分は人と違うんだ」と認めて、それを「いいところじゃん」「それも僕だしあなただし」みたいに言えることができてから笑えた、という意味で書きました。〈あなた〉というのは第三者でもあり自分でもあるという感じですね。

━━自分で認めていないと、大事な人から言われた言葉でも疑っちゃったり流しちゃったりすることがあるんですよね。

今おっしゃったことが、このアルバムのタイトルを決めたことにも繋がってくるんですけど。僕って、忘れることで逃げてきたんですよ。自分が傷付いたり嫌だなと思うことをされたりしても、怒る、悲しむというより、忘れて自己防衛をするという手段を小さい頃から取ってきたんです。

でも、そうしていると、大切な家族や仲良い友達に言ってもらったいいこととか、大切な人たちと一緒に過ごした素晴らしい時間に対する記憶力もどんどん落ちていくんです。忘却という逃げの形を取っていたから忘れることが癖になってしまっていて、いいことも悪いことも全部一緒くたに忘れていく。それがずっと、すごく嫌だったんですよね。

━━〈デリカシーのない発言（“H.S.P.”）〉、〈笑えないジョーク（“Anthem”）〉とかを受け流す自己防衛の手段を繰り返していると、いいことでさえも自分の心に刻み込む方法を見失っちゃいますよね。

嫌だった思い出だけを忘れるって、人間、なかなか難しくて。蓋をし続けていくと、いいことも悪いことも一緒くたになってどんどん薄れていってしまいますよね。過去も全部掘り起こして、一個一個認めて愛してあげて、ということをいつかしなきゃいけないと思っていて、このアルバム制作をトリガーにして初めてちゃんと自分の人生に向き合いました。

嫌な過去もいい過去も思い出して、全部全部自分を見つめて認めて愛してあげるって、すっごく体力がいるんですけど、アーティストとして音楽の力を借りて人に共感してもらうということをやっているんだったら、それくらいのことをまず自分ができてないと何も伝えられないわと思って。それで気合いを入れてこのコンセプトにしました。

━━この音楽を作ることは、Young Keeさんにとって、それまでの4曲を作ったときとはどのように異なる喜びや解放感などの感情がありました？

このコンセプトで作っていると、少しずつ自分を愛せるようになっていくんですよ。それに、一緒にスタジオに入って楽曲制作をしてくれている岩本岳士さんと内山貫太さん（EVI）、あと今回から新たに編曲に加わってくれた宮内シンジさん（Wu Mang）に、アルバムの核となる部分や「音楽という力をお借りしてこういう表現をしたいです」みたいな話をしたことによって、深いところまで分かり合える仲間になれたと思います。一緒に音楽を作っている方たちとの信頼関係みたいなものができて、それがよかったなと思いますね。

今まで以上に、楽曲を作っていて楽しいなと思ったし、完成したときに「あ、音楽っていいな」ということを強く思いました。これからは本当に、表現方法に枷がない状態でやっていけるんだろうなと思って、もうワクワクしてます。

━━リスナーとも人生の深いところで繋がることができる音楽が完成していると思います。このアルバムを聴いていろんな状況にいる人たちが自分の人生を投影して救われる気持ちになるだろうし、人生レベルで必要とする歌がいくつもあるアルバムだなと。

めちゃくちゃ嬉しいです。それについては結構考えて。独りよがりの音楽になっちゃうのかなと思った時期もあるんですけど、自分自身のことを歌ってもどこか共通する感情を経験してきた方たちがいると思うので、包み隠さずに自分の彩度・明度高めで作っていくことによって共感の度合いが深くなるのかなというふうには思いました。

レイヤーが近くなったというか、より自分というものを理解してもらえたのかなというふうには感じています。普通に仲良い友達でも芯食った話とかってなかなかしないじゃないですか。でも芸術として見たら、やっぱり生々しかったり、本当のこと歌っていたりするものの方が自分も面白いと思うので。

━━本当にその通りだと思います。

その点で「この曲でなきゃいけない」みたいなパワーは上がったかなと思います。やるせないこととかどうしようもないことって人生にはたくさんあると思うんですけど、同じ経験をしてる人がここにもいるし、聴いてくれるみんなが人生を丸ごと愛せるようになってくれればなって。これを聴いて自分と同じようにスッキリしてもらえる方が少しでもいたら、それはもう、自分が生きて音楽をやっている意味だと言っていいと思います。

2021年8月に“Young Kee”として活動を開始した21世紀生まれのSSW。 作詞・作曲を手掛け、耳に残るギターサウンドとキャッチーなメロディー、ラフでストレートな歌詞、そして、アンニュイな容姿とは裏腹な甘さと渋みを併せ持つ歌声に反応するファンが急増中！

──まずはDURDN結成の経緯から教えてもらえますか？

yacco（Topliner）　私とSHINTAは同じ専門学校出身で、18歳の頃からの知り合いでした。今はtee teaというプロデュースユニットを一緒にやっているのですが、bakuは知り合いから「ちょっといい声の男の子がいるんだけど、一度デモを聴いてみてくれない？」と連絡が来て、それでコンタクトを取ったところ5曲分くらいの動画が送られてきたんです。それを聴いて、一緒にやりたいと思ったのがそもそもの経緯ですね。

──プロデュースユニットtee teaは、そもそもどんなふうに始まったのですか？

SHINTA（Trackmaker）　DURDNを結成する2年くらい前、yaccoは当初シンガーソングライターとして活動していて、僕はそのサポートメンバーとしてギターを弾いていたんです。しばらくの間はそのかたちで続けていたのですが、途中から僕が作曲や編曲に仕事をシフトしていったんです。その頃からyaccoの曲のアレンジなども僕が手がけるようになりました。トラックメイキングが好きで得意だし、yaccoはトップノート（メロディ）と歌詞を書くのが得意なので、コライトチームとして一緒にやった方が早いんじゃないかと。そこからtee tea名義で活動することになりました。

──bakuさんはDURDN結成前、ソロで活動していたのですか？

baku（Vocal）　「活動」というほどのことは特にしていないんですよ。GarageBand（Appleコンピューターにバンドルされている音楽制作ソフト）でトラックを作り、そこに自分の歌をのせたデータを動画サイトに上げるなど、ほとんど趣味の延長でやっていたのですが、2人に出会ったのがきっかけとなり本格的に音楽活動をスタートしました。なので、人前で歌ったのはDURDNとしてのライブが初めてでした。

──なるほど。bakuさんは韓国にルーツがあるそうですね。

baku　はい。生まれも育ちも韓国なのですが、一度留学をしてみようと思ってギターとアンプを抱えて3年前に日本にやってきました。しばらくは路上ライブを観たり、やったりしていました。

──どんな音楽が好きですか？

baku　一番好きなのはバスカー・バスカー（Busker Busker）で、高校に入ってすぐにライブを見て「いいな」と思ってそこからギターを始めました。特にボーカルの声が好きでしたね。今はいろんな音楽を聴いています。ダニエル・シーザー(Daniel Caesar)やハー（H.E.R）、ジャスティン・ビーバー（Justin Bieber）など海外のR＆Bが好きです。DURDNを結成してからは、自分もステージに立つ人間として参考になりそうなライブ映像を探してよく観ていますね。

──yaccoさんは小学校の頃から吹奏楽部に所属していたそうですね。

yacco　はい。クラリネットを吹いていました。高校生になってからは、父にアコギを買ってもらってギター教室に通っていました。でも、卒業間際になって「進路どうしよう？」と（笑）。周りの友人たちが大学進学に向けて勉強を始めるようになっても、私は全くやる気が起きず……。ただ、友人とカラオケなど行くと「いいじゃん！」みたいに褒めてもらえたことがあって「もしかしたら自分は音楽が好きなのかもなあ」と漠然と思うようになったんです。そんな曖昧な理由から、音楽学校への進学を視野に入れるようになりました。一人暮らしはどうしてもしたかったので、実家から通うのが難しそうなところばかり調べていましたね（笑）。

──そこでSHINTAさんと出会ったわけですね。シンガーソングライターとして活動を始めたのは、どんな経緯だったのでしょうか。

yacco　音楽学校には「バンドボーカルコース」などさまざまな学科があり、その中で「シンガーソングライターコース」を選んだのですが、それが大きなきっかけだったと思います。サポートメンバーを募ってフルバンド編成で、ライブハウスに出演していました。

SHINTA　結構、ユニークな曲を作っていたんですよ（笑）。最初は普通のポップスだったのが、途中からUKインディーみたいな感じになっていって。

yacco　ガブリエル・アプリン（Gabrielle Aplin ）やルーシー・ローズ（Lucy Rose）が好きだった時期があって、それに影響を受けたオリジナル曲を披露していましたね。

──では、SHINTAさんはどんなきっかけで音楽に目覚めたのですか？

SHIDA　中学生の頃に、ウルフルズのライブを観たのがかなり大きかったですね。「あんなふうにギターが弾きたい！」と思い、最初は父が持っていたアコギを使って練習して、高校進学とほぼ同時にエレキギターを買ってもらいました。

──ダンスもやっていたんですよね？

SHINTA　はい。小二から高三までやっていました。ダンスする時に聴いている曲と、自分がギタリストとして弾きたい曲はジャンル的にかけ離れていたので、最初はダンスと音楽は全くの別物でした。当時はハードロックやヘビーメタル、邦楽だとB'zなどをよく聴いていましたね。でも、DURDNを始めるちょっと前くらいからダンスミュージックもよく聴くようになり、だんだんそこもつながっていって。

──マイケル・ジャクソン（Michael Jackson）が好きなんですよね。それも結構大きいのでは？

SHINTA　確かに！　マイケルが大好きで、ニュージャックスウィング的なサウンドとかはかなり研究しました。それこそダンスがきっかけで好きになったマイケルは、音楽面でも影響が大きかったと思います。

──ちなみにSHINTAさんは専門学校で何を専攻していたのですか？

SHINTA　僕はプロミュージシャンコースのギター科だったので、ギターを中心に学んでいました。なのでトラックメイキングは完全に独学なんです。当時はゼッド（Zedd）が大好きだったので、彼をリファレンスにしながらスキルを磨いていました。それ以降はずっとメインストリームの洋楽アーティストの楽曲、サウンド的にはザ・ウィークエンド（The Weeknd）とかチャーリー・ブース（Charlie Puth）が好きで参考にしていましたね。トラックメイキングに関しては、ギターに比べてわからないことだらけなので、偉い人に教えてもらいたいくらいです（笑）。

──tee teaでの活動は主にどんなことをしていましたか？

SHINTA　ひたすらコンペに応募する日々でした。あとは身内のアーティストや、声をかけてくださった人への楽曲提供などがメインでしたね。そうしていく中でコンペに通るような楽曲がだんだん絞り込まれてきて。それが自分の得意とする音楽でもあるし、DURDNでやりたいことともだんだん結びつくようになっていきました。例えば、ちょっとエモいバラードやシティポップよりのグルーヴィーな曲、あるいは個人的に好きなK-POPよりの、フューチャーベースやハウスっぽいアレンジなどですね。

──IZ*ONEや、乃木坂46の楽曲提供もしているとか。

SHINTA　IZ*ONEの“猫になりたい”は、出来上がってコンペに出す時に「この曲、自分でもやりたいな」と思えた曲で、それが採用されたことは自分にとって大きな出来事でしたね。乃木坂46の“Hard to say”に関しては、アイドルポップに正面から取り組もうと思い、その上で自分が好きなハウスミュージックの要素も取り入れることができたので、また一つ得意分野を広げられたかなと思っています。

──DURDNを結成したとき、音楽的なコンセプトについて話し合いもしたのですか？

SHINTA　いえ、最初から漠然と「DURDNはこんな音楽性でいこう」みたいな構想があったわけではないんです。DURDNとして最初に書いた曲は、昨年リリースした5曲入りEP『Vacation』に収録されている“Conflict”なのですが、bakuが作ったこの曲からスタートしたのはかなり大きいですね。ミニマムな感じのR＆Bがベースにありつつ、日本のシティポップっぽさもあって。「じゃあ、次はどんな曲を作ろうか？」みたいな感じでDURDNの音楽性が定まっていきました。

──なるほど。では、最新EP『306』の冒頭曲“イカしてる”はどんなふうに生まれたのでしょうか。

SHINTA　この曲は、僕のトラックが出来上がった段階ではまだコンセプトはなかったのですが、歌詞を書く段階になってyaccoが「ライブの雰囲気をテーマにしよう」と提案してくれて。ライブで演奏したときに映える曲、というイメージでアレンジも修正していきました。DURDNのレパートリーの中では、この曲だけテンポは速めだし、ロックやジャズの要素もありつつエレクトロが軸になっているという、ちょっと異質な雰囲気に仕上がりましたね。

──この曲の歌詞は、独特の節回しや言葉遣いがユニークでした。

yacco　私は小さい頃から宇多田ヒカルさんがすごく好きで、わかりやすい言葉を使っているのに深みがある彼女のバランス感覚にかなり影響を受けているのだと思います。

──歌詞に登場する主人公は、bakuさんをイメージして描いているんですか？

yacco　そうですね。今どきの男の子というか……チャラくはないけどだらしないところもあり、頑張っているけど人生なかなかうまくいかない感じとか、DURDNの全曲に共通する設定だと思います。

──“LIFE”の歌詞にある、《言い訳なら天才　そればっか浮かんでる》とか 《ギリギリなの毎回　やらない理由探す》も、そういうキャラ設定ですよね（笑）。

yacco　はい（笑）。私自身、休みの日とか家から一歩も出ずにUverEatsを頼んで過ごすこととか普通にあって（笑）。結構、今の子たちってそういうライフスタイルを送っている人が多いんじゃないかと思うんですよ。自分のことを否定されるのがすごく嫌だったり、「いろんな考え方があるよね」というふうに多様性を重んじていたり。

もちろん、bakuのキャラにもちゃんと合っているというか、歌ってて違和感が出ないようには気をつけました。実際にbakuと話しても、ちょっと寡黙でシャイなところとかかなりシンクロしているんじゃないかと思っていますね。

──“くすぶってばっかいられない”の、《苦手なもの苦手なまま　得意なやつに任せて　ご褒美みんなで山分け》という歌詞もいいですよね。

yacco　ありがとうございます（笑）。そこは、私たち3人の関係性にも当てはまるなと。それぞれの強みを生かしつつ、足りないところは補い合いながら分担で曲を作っているので。

yacco　実は、3人が直接会ったのが去年の6月くらいだから、結成して半年以上はLINEでのやり取りしかなかったんですよ（笑）。お互い顔も見たことないのに一緒にやっているという。

SHINTA　逆に、それだけでも大丈夫なくらい意思疎通は出来ていたし、必要以上にお互いを干渉しない距離感も、僕らにとってはちょうどいいのかもしれないですね。

──サウンドはスタイリッシュだけど、歌詞はすごく「ありのまま」の等身大を歌っていて。そのギャップもDURDNの魅力なのでしょうね。

SHINTA　そう思います。あとは、さっきも言ったように3人で役割を分担しているところにもギャップやコントラストが生まれているのかなと。僕がやりたいこと、yaccoがやりたいこと、bakuがやりたいことはちょっとずつズレているんだけど、そこがDURDNの魅力にもつながっているのかなと最近は思っています。

──アートワークやリリックビデオには、STRANGERSONLYが手がけたイラストが起用されています。ちょっと平成レトロっぽい雰囲気がDURDNのサウンドに合っていますね。

yacco　彼からInstagramのDMで「ぜひ一緒にやりませんか？」と連絡が来て。それで過去の作品などネットで拝見して「これはぜひ一緒にやりたい」と思ってオファーしました。

SHINTA　リリックビデオも、出来上がったものを見るたびに「これだ！」と思うくらい、僕らの価値観とすごく似ていて。この間初めてお会いしたんですけど、すごくいい感じの方でしたね（笑）。

──ところで、1月23日に東京WALL＆WALL、2月7日に大阪Zeelaにてキャリア初となる有観客ライブを行ったそうですが、手応えはいかがでしたか？

SHINTA　自分が思い描いていた通りのサウンドになったし、やっていてすごく楽しかったです。

baku　これだけの大人数の前で歌うのは初めてだったのですが、割といい感じで歌えたなと思いました。

SHINTA　bakuの動きがあるからこそバンドの躍動感もお客さんに届けることができたし大成功だったと思います。

baku　ホッとしたと同時に「もっとうまく歌わなければ」という気持ちも生まれました。

SHINTA　今回のサポートメンバーはほとんど友達なんですけど、すごくクリエイティブにやってくれたなと思っています。これからはもっと楽曲も考えていきたいですね。“イカしてる”みたいな、ライブ映えする曲がもっとあったら楽しいですし、僕自身がもっとできることを増やして、今よりももっと「いいサウンド」で聴かせられるようにしたい。「ライブ観たけど、DURDNってこんな感じだったんだ！」と驚いてもらえるように、サウンド面の精度をもっと上げていきたいです。

──ちなみにyaccoさんはライブに出演していました？

yacco　いえ、私は物販コーナーにいました（笑）。今後もライブに参加する予定はないです。みんなほど楽器が弾けないので、出る幕がないんですよ（笑）。

──では最後に、今度の夢や目標を聞かせてください。

SHINTA　自分たちのスタジオが欲しいですね。今回のレコーディングをリモートでやってみたからこそ、その場にいてコミュニケーションを取りながら作業することの大切さを改めて強く感じたので。特に歌録りではいつもそれを感じるし、一緒に録れるような環境を作っていくのが目標です。みんなが自由にフラッと立ち寄って、軽くセッションをしたり、そこから楽曲が生まれたり、そういう環境が持てたらすごくいいなと。近いうちに実現できるよう、これからも頑張ります。

1991年という時代において、京都のクラブシーンからスタートしたMONDO GROSSOが早い段階でUKのアシッドジャズのムーブメントと共振したことは稀有なことだった。70年代末から80年代初頭に興隆したブリット・ファンクとあわせ、近年ではアルファ・ミスト（Alfa Mist）らUK新世代ジャズシーンともパラレルに共振するこのムーブメント。その語り手として再び名前を見ることの多いジャイルス・ピーターソン（Gilles Peterson）がハブとなったことで、ヨーロッパでのMONDO GROSSOのツアーが現実のものとなった側面は大きい。

アシッドジャズという当時の世界的なムーブメントに対し、京都というローカル発のバンドが共振したという点は、海外の現行のシーンとリンクする日本人アーティストの先行事例として見ることも可能だ。例えば名古屋のローカルシーンから世界に飛び出し、今やインディーシーンのみならず現行のダンス／エレクトロニックなポップシーンで評価されるCHAI。加えて、自身がシンガーソングライターでもあり、プロデューサーの小袋成彬。大沢がプレイヤー（ベーシスト）としてキャリアを経て、トラックメイカー、プロデューサーとして活動している点からも重なって見える。

さらにユニークなのは、MONDO GROSSOが2017年にリリースした6枚目のアルバム『何度でも新しく生まれる』の制作時期から大沢は再びベースやギターを演奏し、バンドでのライブ活動も行っている事実は、20〜30代のコンテンポラリーなアーティストと共通する。改めて今回のベストアルバムでの細かなリアレンジやリエディットはMONDO GROSSOが現在進行形である証左だろう。

ベストアルバムのDisc2の12曲中９曲が『何度でも新しく生まれる』以降の楽曲であることも興味深い。だが、J-POPシーンに飛び込み、内部から地殻変動を起こした、2002年リリースの“Everything Needs Love feat. BoA”に象徴される楽曲はMONDO GROSSOのグルーヴ史の中でも特にキャッチーだ。ソニーミュージック時代のヒットアルバム『NEXT WAVE』には今回のベスト盤にも収録されている“SHININ’ feat. Kj”や“光 feat. UA”などが収録されている。クラブミュージックとしては異例の15万枚のセールスを記録した同作のタームで、疾走するBPMに乗る英語詞、日本語詞双方のという、新たなヒットナンバーのスタイルを確立したと言えるだろう。

その後、14年の空白期間の後に大きくサウンドスケープが変貌したのが、2017年のアルバム『何度でも新しく生まれる』だった。“ラビリンス[Vocal:満島ひかり]”は4つ打ちでありつつ、淡い音色のループ、“惑星タントラ[Vocal:齋藤飛鳥(乃木坂46)]”の圧のないビート、エアリーなシンセ、また、同志であるbirdが歌う“TIME”のベースの生音の活きるアレンジ。さらに現時点での最新作『Attune ／Detune』収録の“偽りのシンパシー[Vocal:アイナ・ジ・エンド(BiSH)]”のセンシュアルな空気感を上品に聴かせる静謐なアンビエンス。無機的なものと有機的なものの融合という単純なものではなく、架空の空間に誘うような深淵なサウンドスケープで、2010年代後期に新たなディケイドに入ったことを実感させた。再び、大沢自身がレコーディングでベースやギターをプレイしていることも興味深いが、その効果はあくまでもトラックを構成するサウンドとしての意味合いが強い。近作でのMONDO GROSSOのシグネーチャーサウンドの傾向はビートの組み方、ボーカル処理など、アレンジもミックスも細部までエレガントで知的である。

細かなリニューアルが施されたベスト盤の中でも、聴きどころとなる楽曲を挙げてみよう。2002年当時、15歳だったBoAをフィーチャリングしたハウスの名曲“Everything Needs Love feat. BoA”が19年の歳月を経て、トラックが一新されたバージョンと日本語詞のバージョン2曲を収録。突き抜けるサビの爽快さは不変だが、オリジナルで印象に残るピアノハウスとストリングスの成分以上に、新しいバージョンではベースラインの太さが特徴的だ。シンセベースと生ベースを重ねているようにも感じられるが、ベースミュージックを通過してきたアレンジには違いない。日本語はオリジナルの訳詞に近い印象だが、現在の状況で聴くと自然と前向きなマインドが呼び起こされる内容になっている。“SHININ’ feat.Kj”はボーカルリフとアコギが作るループ感が当時全盛期だったダンスアクト、ケミカル・ブラザーズ（The Chemical Brothers）やアンダーワールド（Underworld）との符丁を見せたが、新しいリミックスには、大沢がTwitterで発見し、フックアップしたTHE FLYING BEDがギターで参加。ビートもハウスからアブストラクトなベースミュージックの様相へと変化したアトモスフェリックな仕上がりに。

さらに近作でもある2018年にリリースした7枚目のアルバム『Attune／Detune』にACOが歌う日本語詞と、2019年頃から大沢とRHYME SOでの活動をスタートさせた、オーストラリア出身の詩人／ソングライター／モデル／DJのRHYMEが歌う英語詞の2バージョンが収録されていた“KEMURI”は、オリジナルトラックはセンシュアルなエレクトロニカが際立つ楽曲だ。一方、ベスト盤では、RHYMEバージョンをピアノと最低限のビート、SEで構成。大沢のツイートによるとライブセットからの初蔵出しの楽曲となっている。そして、大きなトピックは今年1月に急逝したBig-Oことオオスミタケシが10年ぶりにラップを披露した“One Temperature”の収録だろう。オオスミ最後のスタジオ録音となったトラックのリリースに際し、細部のミックスを手直ししたという大沢。夜が明けていく人のいない渋谷の街に立ち、ゆっくり動き出す魂というラインの美しさはもちろん、リリックの中にごく自然に《何度でも新しく生まれる》という、大沢への共感ととれる。聴くだけでこみ上げるものがあり、言葉を操るアーティストとはクールに接している印象があるが、細部まで妥協のない仕上げにはオオスミへの敬意を感じさせる。MONDO GROSSOらしさの究極はこのトラックかも知れない。

このベストアルバムはMONDO GROSSOが残した遺産ではなく、今後への布石になるだろう。RHYME SOでのライブが反映されたトラックが収録されていること然り、大いなるビートの変更然り、31年目以降のMONDO GROSSOのサウンドスケープは既に描かれ始めている。

──おふたりの出会いはいつ頃ですか？

marsh willow（マーシュウィロー／トラックメイカー）　大学の屋外に歌を歌える小さいステージがあったんですけど、そこでSaltoが歌っている動画が大学内で軽くバズってて、それを聴いてヤバいなと思ったんです。

──どんな歌を歌っていたんですか？

marsh willow　それが覚えてないんですよね。

Salto（ソルト／シンガー）　僕も覚えてないです（笑）。でも、たぶんエド・シーラン（Ed Sheeran）かジャスティン・ビーバー（Justin Bieber）のカバーだったと思います。

marsh willow　そこで共通の知り合いを通してSaltoを紹介してもらったんです。僕は小学校を卒業する頃からずっとベースを弾いていたので、その後ギターとドラムの子を入れてバンドを組んだのが音楽を一緒にやるきっかけでした。

──その頃はどんな音楽でした？

marsh willow　シティポップです。僕らが大学生の頃にSuchmosがガーッと来て、それにスゴく影響を受けました。それまでは日本のバンドをそんなに知らなかったんですけど、友人から教えてもらったSuchmosがめちゃくちゃカッコよくて。Yogee New Wavesとかnever young beachなどの音楽を聴くようになって、僕らもそういう音楽性でバンドをやっていました。

──Saltoさんがボーカルを始めたきっかけなんですか。

Salto　小さい時から歌うのが好きだったんですけど、高校生の文化祭の時に有志で出し物をやっていい時間があって。そこで歌ったら、いろんな人から良かったよって反響をもらえたんです。それで歌うことがいいなと思いました。

──では、10代の頃最ものめり込んだ音楽は？

Salto　親の影響で聴いていたのはEXILEで、宇多田ヒカルも小さい時から聴いていました。ただ、僕はずっとミーハーなので、あとはひたすら流行っている音楽を聴いてきています。大学に入ってからエド・シーランとかニーヨ（Ne-Yo）を聴くようになり、それからmarsh willowに教えてもらうようになって。

marsh willow　僕らの中であの期間は洗脳だったと言ってるんですけど（笑）。プレイリストに詰め込んでいろいろ聴かせていました。

──まんまと洗脳されたんですね？

Salto　そうですね（笑）。特に聴いたのはディアンジェロ（D'Angelo）ですかね。こんなに良いものがこの世にあったんだと思いました。あとはダニエル・シーザー（Daniel Caesar）とかジョージ（Joji）、マック・エアーズ（Mac Ayres）が好きで、今も擦るように聴いてます。

──marsh willowさんは10代の頃どんな音楽を聴いていました？

marsh willow　10代前半は父親の影響で聴いたジャミロクワイ（Jamiroquai）とレッド・ホット・チリ・ペッパーズ（Red Hot Chili Peppers）が好きで、高校生から大学生にかけては友人に教えてもらったフランク・オーシャン（Frank Ocean）とThe 1975（ザ・ナインティーンセヴンティファイヴ）にハマっていましたね。

──トラックメイクを始めたのは？

marsh willow　3年前くらいです。フランク・オーシャンとThe 1975を教えてくれた子は同じ地元の友達で、今は別のユニットで一緒にやっているんですけど。高校生だった当時は同じ大学を志望していたので、きっと大学に行っても一緒にバンドを続けるだろうなって思っていました。ただ、僕が受験を失敗してしまって、曲を作れる人がいないってなったんですよね。結局、大学生になってからバンドを組んで、曲を作れる人を探していたんですけど見つからず。じゃあ自分で作るかってなりました。

──トラックメイクはすぐにご自身に馴染みましたか？

marsh willow　先輩に教えてもらって機材を買ってからは楽しくて、気づいたら毎日触ってました。ちょうどバンドのアンサンブルより、プロデューサーがいるシンガーを聴く機会が多かったですし、その頃ローファイ・ヒップホップをよく聴いていたので、自分もそういった音楽を作るのが楽しかったです。

──それから再びふたりで音楽をやろうと思ったのは何故ですか？

marsh willow　それぞれ自分の活動をやっていたんですけど、バンドが解散した1年後くらいに、軽くコラボみたいなことを遊びでやったら良い感じだったんですよね。それでバンドの頃にやっていた“Cruise”って曲を、lo-key designとしてリミックスして出してみようって話になって。それからEP『DESIGN』を作って今に至る感じです。

──2019年の1stEP『DESIGN』ではkojikojiさんを招き、昨年にはZIWさんをフィーチャーした楽曲のリリースや、ビートメイカー・chop the onionとのコラボもありました。

marsh willow　kojikojiもZIWくんも音楽以前の友達で、ふたりとも何か面白いことやろうよっていうノリで声をかけました。なので、レコーディングスタジオとかに入るのではなく、家に来てもらって録ったり、曲作る時も結構遊び感覚でしたね。

Salto　ZIW君は特にそうだよね。

──気心知れた人と一緒にやる喜びが大事なんですね。

marsh willow　本当にそうですね。chopさんは僕のインスタを見つけて下さって、1回飲みに連れていってもらったのがきっかけです。そこでいろんなお話をさせてもらって、一緒に曲を作りましょうって話に発展していきました。僕らは曲を作るのが前提ではなく、その人自身のことを好きだったり、一緒に何かやるのが面白そうな人と作っています。

──ふたりの制作はどういう風に進んでいきますか？

marsh willow　初めに僕の方でSalto以外には聴かせられないようなヒドいビートを投げまして（笑）、そこで俗に言う宇宙語みたいな、彼の鼻歌でメロディをいくつか送ってもらいます。そこからフルコーラスを作ったり、メロディやリリックについて話し合いながら練っていくタームに入ります。

──現在リリースされているlo-key designの音源を聴いて、ご自身で思うことはありますか？

marsh willow　Spotifyのプレイリストに僕らの楽曲を選曲してもらった時、Saltoと一緒にそのプレイリストを通して聴いてみたんですけど……僕らの曲って変っていうか、浮いているなって思いました。

Salto　めちゃくちゃ変だよね（笑）。

marsh willow　そこでlo-key designで作っている音楽は特別なんだなって思ったんです。ベースはエレキベースを自分で弾いているんですけど、シンセベースや808のベースを入れることもあれば、アップライトベースのサンプル音源を使うこともありますし、ドラムもジャズのサンプルから引っ張ってきたり、僕らの音源は忙しなくパート毎に使っている音が変わっていくんです。理論がちゃんとわかってないからこそ、自分はこうしたらカッコ良いんじゃないか？　って思うものをなんでも合わせちゃうという。他の方のビートってスムースで洗練されたカッコ良さがあるんですけど、僕らはミクスチャーというか、ゴチャゴチャした感覚があって。そこが良いところなんじゃないかなって思います。

──今作『PALETTE』の制作はいつ頃から始めていましたか？

Salto　結構前だよね？

marsh willow　そうだね。最初にEPを作った時から、アルバムは出したいとはふたりで話していました。実際に2021年に入ってからはしばらくリリースはせず、その間に何個かビートを作って、今までにないくらい精査していく作業をしていました。なので、構想だけはだいぶ前からあって、実質作り始めたのは今年の2月くらいからです。

──これまでになくビートを精査したというのは、何か殻を破りたい気持ちがあったからですか？

marsh willow　そうですね。僕は音楽の知識も決して多くないまま、YouTubeを見ながらトラック作りを始めたので、知識を持って制作に取り組まれている方へのコンプレックスがあったんです。理論をしっかり持っている方のビートって、説得力があると思います。それで今までは割と勢いだけで作ってきたけど、これからは最初のワンループからこだわって作っていきたいと思って、ゆっくり悩みながら進めていきました。

──出来上がった作品を聴くと、音数は少なく、柔らかい温かみを感じます。

marsh willow　音を詰めすぎない意識はありました。Saltoはスゴく実力があるので、その歌を活かせるビートとアレンジを目指して作っていましたね。

──Saltoさんの声って人を安心させるところがありますよね。

Salto　僕は変声期の時期が長くて、それがずっと悩みだったんですよね。たとえばEXILEさんもそうですけど、今は地声で高い音が出る人が多いですよね。でも、僕は地声が低くて高い声が出ないので、基本的に高い声はファルセットで補っていて、最初はそれがコンプレックスでした。だけどmarsh willowが歌を褒めてくれたりする中で、僕が目指すのはあの人たちではないんだって途中から気づいて。自分ができるファルセットの伸びを意識して、割り切って歌っていたら今の歌い方になりました。

──Saltoさんは『PALETTE』についてどんなイメージを持っていましたか？

Salto　アルバムのタイトルは『PALETTE』にしたいとmarsh willowに伝えて、その時から曲毎に個性を出した作品にしたいと思っていました。僕らがいろんな表現ができるってことをアピールしたかったですし、楽曲の一つひとつに色があると、聴いてくれる人にもそれぞれ思い入れのある曲ができるかなと。

──なるほど。

Salto　そこで色や個性を意識したリリックを書いていって、そのテーマを意識したボーカル表現をしていきました。あと、僕もmarsh willowのビートを尊敬しているので、彼から送られてくるビートの最適解を探るというか、お互いの良いところを消さないようにすることも意識しましたね。

──楽曲についてもお話を聞けたらと思います。“sallow”は浮遊感を感じる音色が印象的です。

marsh willow　シンセの音の浮遊感は意識して、LFO（※）のようなゆるく気持ち良いところを探って作っていましたね。この曲は僕が歌っている曲でもあって、バキバキにオートチューンかけたりボコーダーを使ったりと、挑戦が盛り沢山の1曲です。

Salto　制作する中でリリックのテーマも2回くらい変わっていって、最終的には恋愛系の曲として書きました。ビートに綺麗なハマり方をするリリックを探していったら、どうしてもこの曲には切ない言葉が合う気がして、感覚的に決めましたね。

※人間の可聴域よりも低い周波数の波を発振する装置やモジュール。特にシンセサイザーの変調用として多用される電子楽器。

──“Ruby”のような色気のある曲も、このユニットらしさを感じます。

marsh willow　“Ruby”はリミックスの楽曲で、オリジナルミックスを2020年の1月に出していました。映画を観た後に、勝手にその主題歌になるような曲をイメージして書いた曲です（笑）。

Salto　『ルビー・スパークス』という映画で、僕が見てmarsh willowに勧めたんですけど。

──それくらい衝撃を受けたってことですね？

Salto　僕はあんまり恋愛映画を見ないんですけど、サムネを気にいって見てみたら今までの恋愛映画を覆すような内容で。ファンタジー要素があるところも面白いし、男の人の恋人に対する愛がめちゃめちゃ重たいんですけど、その描写が僕には衝撃で。ここまで情熱的というか、狂気的になれるものなのかって思ったんですよね。そこから狂気的な愛を表現したら面白い楽曲になるんじゃないかと思い、僕の気まぐれから作っていった感じです。

──marsh willowさんにも、何か感じる作品でしたか？

marsh willow　映画の内容も気に入りましたし、映像がスゴく綺麗な作品で、そこに映る柔らかい光に惹かれました。以前、エヴァンゲリオンの“残酷な天使のテーゼ”の歌詞を書かれた及川眠子さんの作詞の本を読んだことがあるんですが、そこに「リリックは絵のイメージから湧いてくる単語で作りなさい」って書いてあったんです。僕はそれがビートにも当てはまると思い、一時期写真や映像を思い浮かべてビートを作る遊びをしていたので、“Ruby”の制作ではそれを試してやってみました。

──“PERFECT BLUE”は澄み切った青空を想起させる楽曲で、自由や可能性について書かれた曲ですね。

marsh willow　小さい頃から「自由」って言葉に惹かれてきたというか、それが僕にとって一番の贅沢なんですよね。たとえば、可能性を制限せずに、好きなことに挑戦できる環境ってスゴく良い状態だと思いますし、それってとても幸せなことなんじゃないかな。アルバムの1曲目ってスゴく大事なので、ポジティブな曲でアルバムに入りたいと思って書きました。

──なるほど。

Salto　marsh willowからタイトルを伝えられて、僕も無限に広がる青というイメージから、「可能性」や「自由」というテーマに辿り着きました。

──Saltoさんにとっても、しっくりくるテーマでしたか？

Salto　僕はちょっとだけ社会人を経験しているんですけど、その頃に出会った人の中には、会社にいくのが嫌だとか、こんな歳だから何もできないって言う人もいて。でも、僕は自分で諦めなければできることはいくらでもあると思っているんです。たとえば、僕の親も僕が着ている服を見て、もうこんな服着れないと言うんですけど、僕は年齢なんか気にせず着たらハッピーになるって思っていて。みんなにも自分で天井を決めてほしくないですし、思いのままやってほしいなって気持ちをリリックに込めました。

──“Shilver”に書かれていることにも通じますね。

Salto　アルバムのいろんなところに散りばめています。聴いてくれた人が気づいてくれたら嬉しいです。

──ラスト2曲はとりわけメッセージ性の強い楽曲になっている印象を受けました。9曲目の“STAY GOLD”は青春を懐かしみつつ、今過ごしている時間の大切さを綴っている楽曲ですね。

Salto　まさにそうです。僕は高校の同級生とよく会うんですけど、「あの頃はよかったよな」というのが友達の口癖で。でも、今は今なりの楽しみ方があると思うし、青春の思い出は思い出として取っておいて、いつか思い出になる今を楽しんで生きることが大事なんじゃないかと思います。生きている日々はずっと輝き続けるよって、そういう思いをリリックに落とし込みました。

──そしてラストの“s u n f l o w e r”です。日常に溶け込むようなトラックが気持ちよく、冒頭のギターにも温かい気持ちにさせられました。

marsh willow　僕もSaltoもブルーノ・メジャーが好きなんですよね。あと、ダニエル・シーザーの“Japanese Denim”もよく聴いていて、ああいうクリーンで穏やかな曲調に、歪んだギターが入っているのが凄く好きですね。それで上モノを入れるなら歪んだギターでしょって感じで入れてみて、ふたりとも気に入っている曲です。リズムも“s u n f l o w e r”は4／4拍子でトラックを作っていますが、“Japanese Denim”のイメージで3拍子っぽくもしています。

──歌詞にはポジティブな言葉を書いていますね。

Salto　リリックはかなり意識して作りました。コロナ禍の影響で僕らも会う機会が減って、なかなかライブもできず落ち込むことも多いんですけど。僕はSIRUPさんが凄く好きで、彼がコロナ禍で発信していることは輝いていると思ったんですよね。本当に太陽みたいな人ですし、そういう人のところに集まる人も、あたたかくてひまわりみたいな人だなって思います。このアルバムを通して、そういうポジティブな気持ちが広がっていったらいいなって思って作りました。

──lo-key designはビジュアルも統一感がありますね。淡くノスタルジックな空気を感じます。

marsh willow　僕らの趣味なんですけど、ユニット名のlo-key designの通り、lo-keyなものが好きですね（笑）。フィルムカメラや使い捨てのカメラで撮ったものからイメージを膨らませて作曲することもあれば、逆に曲に合うように画を用意することもあります。イラストレーターの方に書いてもらうこともありますが、それ以外はすべてカメラで撮ったもので作っています。

──初のアルバムをリリースされた後、今度どういう活動をしていきたいですか。

marsh willow　ふたりともサボりがちな性格なので、カロリーの高い制作を終えた後はダラけちゃうんですけど……気を抜かずに頑張っていきたいです。

──毎回そうなんですね？

Salto　僕は特にひどいです（笑）。なので、サボらないってことがまず第一で、あとは楽しんでやるってことを引き続き大事にしていきたいです。日々発見は多いので、日常に落ちている制作のヒントを拾って、どんどん曲にしていけたらなと思います。

marsh willow　今は制作が楽しいですし、Saltoが話していたように、曲を通して伝えたいことがあります。ただ、僕らの影響力じゃまだ無理だと思うので、それを伝えていくためにも少しでも多くの人に聴いてもらえるように、良いモチベーションで活動を続けていきたいです。

──lo-key designとして達成したいことはありますか？

marsh willow　日頃ふたりで話しているのは、フジロックに出たいってことですね。

──海外のアーティストの影響も強いですが、向こうのシーンは意識していますか？

marsh willow　まずは日本で頑張らないとなって思って活動していました。ただ、最近は東南アジアのプレイリストに入れていただいて、そこから海外の方のプレイ回数が増えたりして、いつかは海外でライブをしたり、コラボしてみたいですね。