2011年の発足から、昨年10周年を迎えたカルチャーパーティ・SETSUZOKUのアニバーサリープロジェクト。第1回目がDJ NORI × MURO、第2回目がDJ KENSEI × 瀧見憲司、第3回目が須永辰緒 × 沖野修也、第4回目にクボタタケシ × G.RINAと、毎回豪華DJらを迎える当企画。

第5回目である2023年6月にはDJ HASEBEによるキュレーションのもと、DJ KROとナツ・サマーを迎え、渋谷のミュージックバー・INC COCKTAILS（以下、INC）で、スペシャルなDJイベントが開催された。

ナツ・サマーはレコードを中心にDJを行っている。DJ HASEBEとDJ KROは現在PCDJを使っているものの、元々はレコードDJ。ナツ・サマー同様、レコードに対する並々ならぬ愛を抱いている。アナログとデジタル。スタイルの選択肢が増えたことで「レコードでプレイすること」「レコードを購入し、視聴すること」には特別な意味が備わるようになった。

では、3人のなかで「レコードとの向き合い方」は、どのように変化したのだろうか。また「アナログorデジタル」の対立は、各々のプレイスタイルにどういった影響をもたらしたのだろうか。イベントに先駆けFace Records MIYASHITA PARKでの選盤を行うDJ KROとナツ・サマー、そしてその様子を見守るDJ HASEBEの3人に対し、ここ10年での変化について、話を伺った。

━━KROさんとナツ・サマーさんはもともと面識がありますか？

DJ KRO　年明けに渋谷スクランブルスクエアで開催された＜SCRAMBLE MUSIC SHOW – 2023 NEW YEAR PARTY –＞でご一緒しました。HASEBEさんも出演されていたので、その時に三人が揃ったという。

ナツ・サマー　KROさんとはそこで初めて会いましたよね。KROさんの先輩が私の飲み友達だったりもして、世間は狭いなと感じました（笑）。HASEBEさんも共通の知り合いからご紹介されたのがきっかけだった気がする。

DJ HASEBE　そうそう。そこからナツ・サマーちゃんは何度かイベントでも共演したし、この前の＜GREENROOM FESTIVAL'23＞も一緒で。

━━今回のSETSUZOKUでHASEBEさんがKROさんとナツ・サマーさんをチョイスした決め手は何だったんですか？

自分が好きなDJのなかから、レコードでプレイできる人にお願いしようと思っていました。自分が何度も共演しているKRO君にお願いすることは確定していたものの、彼に近い世代のレコードプレイヤーが意外と知り合いに少なくて。

ナツ・サマーちゃんは最近「一緒に現場をやりたいな」と思っていたDJだったからこそ、オファーに乗ってもらえて嬉しいです。

━━HASEBEさんは普段、DJソフトウェアの「Serato」を使ってDJをしていますよね。もともとレコードDJだったのを、切り替えたのはいつ頃ですか？

DJ HASEBE　Seratoは発売された2004年にすぐ導入しました。ちょうどその年に、台湾での出演を控えていたんです。予算も限られていたので、荷物を軽くするためにSeratoに変えて。当時はハードケース4箱分くらいの「定番ルーティン」のようなレコードがあったのですが、それを一週間くらいかけてデータ化したのを覚えてます。

DJ KRO　うわっ、めちゃくちゃ大変じゃないですか（笑）。

DJ HASEBE　もう朝起きたら針を落として頭出しを編集して……の繰り返し（笑）。その時に録った音源は今も使っていますね。ただ、いざ台湾でDJしたらPCアダプタを刺し忘れ、PCの充電が切れて30分くらいで音が止まって。何が起きたのか分からなくて、アタフタした記憶があります。

━━そんな苦い思い出があったとは……。もうあまりレコードは購入しないんですか？

DJ HASEBE　新譜はほぼ買いません。ただ、昔買ったレコードが家を探しても出てこなかったりしたときは、買い直したりしています。KRO君も現場ではSeratoだけど、時々レコードもかけてるよね？

DJ KRO　レコードDJから始めたからこそ、まだレコードには愛着があるんですよね。よく新宿や渋谷のディスクユニオン、HMVなどに行くことが多いです。あと、Manhattan Recordsは初めてレコードを掘った場所だから、思い入れがあります。

━━レコードの買い方は、Seratoに移行したことで変化しましたか？

DJ KRO　レコードでプレイしていた時は「現場でこれをかけたいな」というイメージをめがけて買いに行ってました。ただ一時期、R&Bやヒップホップのレコードの価格が投げ売りのように50〜100円代まで安くなった時期があったんですよ。

DJ HASEBE　ちょうどSerartoが登場した2005-2006年頃だ。ソウルやファンクの値段は変わらなかったけど、R&Bやヒップホップが顕著に下がったのは覚えてる。

DJ KRO　まさに！ その時は「このレコード高かったのに！」ってめちゃくちゃ買いました（笑）。それこそHASEBEさんのmixに収録されていた音源など、ずっと欲しかったものは、必死で買い集めていましたね。

でも、今は現場ありきではなく、純粋に音楽ありきで買います。線引きははっきりしていて「もしデジタルやPCが使えなくなった時でも聴きたい」と思えるかどうかなんです。ジャケットもかっこいいし、所有欲を満たすような感覚で買っちゃうこともあります。

ただ、前提は「レコードで、家で、良いスピーカーで一生聴きたい」というセオリーのもと、思い入れのある曲があれば買う、という感じです。デジタルの時代だからこそ、一層その線引きははっきりしてきました。

━━ナツ・サマーさんがDJをするときはほとんどレコードオンリーですよね。CDJやPCDJといった他のツールを使うことはありますか？

ナツ・サマー　現場によってはターンテーブルがないからCDJを使う、ということもあります。でもやっぱり「自分の手で音楽かけたい」という気持ちがあるので、レコードをかけている方が自分のDJスタイルには合っている感じがするんです。

ちなみにこの前初めてUSBを使ったのですが、曲を探すのが本当に難しくて（笑）。レコードはジャケットで曲を覚えているからすぐ分かるのですが……何回か同じ曲をかけたんじゃないかって不安になりました。やっぱりレコードの方が安心します。

DJ KRO　レコードを集めるときは店舗が多いですか？

ナツ・サマー　店舗も多いですが、友達同士で「かけ売り」することがあります。「良い曲なんだけど現場ではあまりかけない曲」とか、ダブったりしているレコードを持ち寄って、飲みながら「これいくら！」「買う！」みたいに。

DJ HASEBE　それはレコードの平均相場を見ながら値段を決めるの？

ナツ・サマー　いや、結構その場のノリです（笑）。使い込んだレコードは傷が入っていたりもするので、値切ったりもできるんですよ。知り合い同士だからできることですよね。お酒の力も相まって、気づいたら大変な額になってます（笑）。

ただ、私にとってレコードは一つの「仕事道具」としての感覚が近いんです。もちろん「家で聴きたいレコード」もあるのですが、両方の目的でレコードを買っていると散財してしまうので、店舗をチェックするときに「現場でかけるかどうか」は一つの購入基準になっています。

たとえば最近だと山梨のクラフトビール工場でイベントがあったのですが、その時に「ダブをかけてほしい」と言われたんです。もともとUKレゲエが好きなので持ってはいたものの、あまり買い足していなかった。だから現場の前に専門店へ行き、十数枚買う……という感じ。現場の前にレコード屋に足を運ぶ流れが生まれています。HASEBSEさんがレコードでDJをしていたときは、どうやって選んでました？

DJ HASEBE　90年代の中頃までは「これ欲しいけどかけるかなあ」と吟味していたかも。ただ、それ以降は職業としてDJをやっていたからこそ「リリースされたものは全部買う」という勢いでした。

トラックもいろんな楽曲をサンプリングして作っていたので、バイヤーに海外へ旧譜の買い付けに行ってもらい、自分の好みに合うような曲や頼んでいた曲を選んでもらっていたんです。それを箱単位で購入していて。逆に新譜は店舗に取り置きをしてもらっていましたね。それがだいたい2007〜2008年頃まで。

━━当時行きつけのレコードショップなどはありましたか？

DJ HASEBE　職業柄、宇田川町のエリアで購入することは多かったです。ブレイクビーツやロックはJET SETをはじめ、下北沢が多いかな。各レコード店でバイヤーの好みが違うし、勧めてくれるものがバラバラだったからこそ、その差異も含めてレコード屋巡りを楽しんでいました。

━━先ほどSeratoの登場でR&Bやヒップホップのレコードの価格が暴落した、という話を伺いましたが、その当時、現場にはどのような変化があったのでしょうか。

DJ KRO　レコードとデジタル、最初はまだ半々でしたよね。

DJ HASEBE　「いやデータなんてダメっしょ」って人もいれば、俺のように出た瞬間に乗り換えた人もいた。一気に変わっていったというよりも、じわじわとツールが切り替わっていった印象があります。

ただ、そもそもツールの変化で景色が変わる、ということはあまりなかったかもしれない。強いて言えばヒップホップのクラブでレコードDJがいなくなった時、スピーカーからの出音が変わったかな、くらいです。

━━もはや最近はどのジャンルに限らず「レコードでプレイする」というのがひとつのキャラクターとして成立する印象すら受けることがあります。

ナツ・サマー　うーん、どうなんだろう。初見のお客さん、特に年配のジャズが好きなおじいちゃんから反応をいただくことはありますが……。でも、最近は出演者のなかで私だけがレコードDJ、という現場もあるので、一人のためだけにターンテーブルを用意していただいて申し訳なさを感じることはありますね。

DJ HASEBE　普段からレコード愛の強いDJとお客さんに囲まれているイメージがあるから意外。「全員がレコードDJ！」みたいな現場で回している印象があるけど。

ナツ・サマー　私もそういう現場がメインだったので、最近は新しいスポットで「レコードDJは私だけ」という環境が増えてきて戸惑ってます（笑）。今度、初めてナイトプールでもやるんですよ。

━━ナイトプールも然り、近年ではクラブ以外の場所にDJが呼ばれる機会も増えてきたように感じます。ベニューのバリエーションが拡張されることについて、HASEBEさんはどう捉えていらっしゃいますか？

DJ HASEBE　確かに野外やカフェ、特設ブースやホテルラウンジなど、DJができる場所は増えましたよね。今やコンパクトな機材も増え、あらゆるシチュエーションに対応できるようになったのは大きいと思います。

何より「クラブ以外の場所」に自分のターゲットがいることを実感するようにはなりました。僕のお客さんに多いのは、昔はクラブで遊んでいたけれど、家族ができたり仕事が増えたりしたことで、クラブに足を運ばなくなった人。

大人も足を運びやすいDJバーが増えてきて、そういった人々を受け入れる環境は増えたのかな、と。「クラブじゃないけれど音を聴ける空間」への需要が高まっていることを、肌身に感じます。

DJ KRO　僕はもともとクラブを中心にやっていましたが、コロナ禍以前から「昼にイベントをしよう」と決めてレーベルも立ち上げ、ホテルラウンジなどで活動をするようになったんです。「騒がなくても良い環境でDJを楽しむ」という健康的な遊び方が、一つの選択肢として浸透したことは嬉しい。

いわゆる「大箱」と言われるような大規模なクラブで遊びたい人は大箱に行けば良いし、小箱でも良い。深夜に遊ぶのも楽しいし、終電で帰れるようなイベントも面白い。この10年で、遊び方の幅が広がっているように感じます。

そして何よりDJである自分たちの「選曲の制約」が緩和されたのは大きいです。大箱では、良くも悪くも「盛り上げる」ことが重視されます。ただラウンジなどの場合、無理して盛り上げる必要が無い。「〜しないといけない」ではなく、DJ自身がかけたい曲をかけられるようになりました。DJがかけたい曲を流すことでお客さんも新たなインスピレーションを受け、カルチャーが広がっていく。面白い時代に突入しているように思います。

━━HASEBEさんがクラブからバーやラウンジへと現場をシフトしたのは、どういった背景があったのでしょうか。

DJ HASEBE　そもそも90年代後半から、僕自身が「ジャンルやトレンドを追っていく」というよりも「自分らしい曲を探す」ことの方が主軸になっていて。2000年代後半に商業的にもEDMやトラップなどが主流になって「もう一度自分が歩んできた音楽のストーリーを見直し、キャリアをどう生かしていくか」をテーマにしていきたいと思い、自然とクラブから離れていきました。年齢的にもすごく良いタイミングで切り替わったな、と感じています。

━━シフトチェンジを経て、この10年間はどのように変化しましたか？

DJ HASEBE　「DJ HASEBE」らしさを楽しみにしてくれる人がいるからこそ、90年代に使い回した自分のルーティンを、今「もっとやっていいかな」と思い始めるようになりました。毎週末どこかのクラブでDJしていた時期は「同じセットをずっとやり続けるなんて」と感じていたんですけどね（笑）。徐々に感覚は変わってきました。

特に野外フェスに出演するときなどは、クラブプレイというより、一つのショーを見せられるよう意識しています。逆にバーなどに誘われるときは昔の感覚に戻し、前後のDJやフロアの流れからグルーブを作れるようにする。その二刀流を、今は楽しんでいます。

あとは自分のEditやRemixをかけることも増えました。昔はかけすぎるとかっこ悪いからセーブしていたけれど、今は1時間セットを自分の曲だけで固めても良いかも、と感じるときすらある。その代わり、自分のプレイにハマるアイテムを作り続けようとは思います。

ナツ・サマー ＜GREENROOM＞で印象的だったのが、HASEBEさんはオーディエンスに合わせて、みんなが歌えるようなアンセムをたくさん用意されていることでした。フェスらしい一体感が生まれていて、盛り上げ方に圧倒されちゃって。

実はその時、ちょっと反省したんです。結構ニッチな曲をかけちゃったんで。今HASEBEさんの話を聞いて「現場に合わせて両方できないとなあ」って思いました。小箱のクラブならマイナーな曲でも分かってくれる人が居たりするけど、フェスのように全員がレコードに詳しい人じゃない現場の場合は、盛り上げ方も変えなきゃいけないのかなって。

DJ HASEBE　うーん、フロアに合わせるよりも「私についてきなさい！」みたいに強いキャラクターを確立させて、自分の世界にグイグイ引き込んでいくようなアイテムを固めるのが、次の10年に必要なことなんじゃないかな。

DJ KRO　その方が、DJをやっていても楽しいですよね。難しいのが、デジタルはいくらでも楽曲を現場に持ち込めてなんでもかけられるじゃないですか。ある程度お客さんにも合わせられる一方で、DJ一人一人の個性が出しにくくなる。

ただ、レコードはある程度持ち込める枚数が制限されるなかで「盛り上げの最強パターン」を考えるからこそ、個性を出しやすい。そのうえで「お客さんが求めているもの」と「自分のやりたいこと」をうまく合致させられれば「求められるキャラクター」になれるんだな、とつくづく感じます。ある程度「自分がかけたい」を混ぜないと、シーンはできないと思うし。

━━コロナ禍を経て、今後はどのような変化が生まれていくと思いますか？

DJ HASEBE　クラブ関係者と飲んだりすると、インバウンドの影響か「オープンからラストまで、常にトップギアで同じテンション」の現場が多いと聞きました。コロナ禍の分を取り戻そうとしているのが現在なのかな、と。そのうち国内のお客さんも戻って来れば、またコロナ以前のような感覚に戻りそうな気がします。

DJ KRO　少なくとも客層は変わりましたね。コロナ禍で配信が増え、クラブを訪れたことのなかったお客さんが現場を訪れるようになりました。DJに対し興味を持ってくれる人が増えた印象はあります。

同時に次世代のプレイヤーである若い子たちにも変化は生まれていて、最近ではTikTokやYouTubeでDJ配信を見つつ、DJスクールに通う子が増えているみたいです。だいぶカルチャーが変化していますよね。

その一方「レコードってどうやってミックスしているんですか？」とレコードのかけ方を知らない子もいる。「レコードDJ」というのはこれから、憧れの存在になっていくのではと考えています。レコードに興味を持って現場を訪れる若い子、これから増えそうです。

ナツ・サマー　KROさんの話を聞いて思い出したのが、最近「レコードからどうやって音が出てるのか、仕組みが分からない」と言われて驚いたことがありました。レコードを購入する人も増え、レコードの価値も上がっている。私は今後もレコードでプレイすると思うのですが、将来的には様々なツールをミックスしていくスタイルになっていくのかも……？

DJ HASEBE　いや、そこはレコードだけでしょ！ むしろどんどん自分の曲をかけちゃいなよ。DJの時にかけやすいような曲も作りつつ。

ナツ・サマー　ええっ、一緒に作りましょうよ。HASEBEさんにお願いしたいです。

DJ HASEBE　じゃあ、作りましょうか。まさかここで決まるとは思わなかった（笑）。

＜SETSUZOKU＞が開催された日、DJ KROとナツ・サマーがメイクするフロアでは、オーディエンスたちが音楽・カクテルを自由に堪能するひとときを過ごした。

「着席して音楽を楽しむ」というスタイルで開催された当イベント。バーカウンターやテーブルには、かたや友人同士で会話を弾ませながら、かたや一人で静かに音とお酒を味わう方が並ぶ景色が広がる。お酒や音楽の嗜み方も多種多様になりながらも、あらゆる要素における“なかなか経験できない上質さ”というのは、現場でしか体験できないものだ。そんなカクテルをシェイクする音も鳴り響くINC COCKTAILSならでは、もちろんDJ KROとナツ・サマーならではの多彩に感覚を揺さぶる空間が広がっていた。

今回のMAPP_によるプロジェクトは、ヒカリエデッキ開通イベントの一環として開催された。

ヒカリエデッキとは、渋谷スクランブルスクエア〜渋谷マークシティ間をつなぐために、先日7月15日に開設された歩行者デッキのことだ。渋谷ヒカリエの3階と4階に面したヒカリエデッキが開通されたことで、渋谷ヒカリエから宮益坂に抜ける“近道”が誕生。既に多くの通勤・通学者が利用している。また今後はキッチンカーやイベントスペースとしての活用も予定しているという。

7月15日から18日の4日間、ワイヤレスヘッドホンを使った＜サイレント・ミュージックラウンジ＞や沖縄獅子の舞手たちによる＜現代芸能『獅子と仁人』渋谷の舞＞、キッチンカーの出店など、様々なオープニングイベントがヒカリエデッキで開催された。その中でMAPP_は16日（金）と17日（土）の2日間にわたり＜MAPP_YOUR WORLD＞を開催した。

彼らがイベントのために用意したのは、一台の自転車とタブレット。MAPP_のファンであればおそらく察しがつくであろう「MAPP_BIKE」を使ったプロジェクトである。

「MAPP_BIKE」とはプロジェクションマッピング用の映写機が搭載されており、場所を移動しながら、あらゆる場所へ自在にアート作品を投影することができる自転車だ。昨年は本拠地・モントリオールのほか、＜第23回 文化庁メディア芸術祭＞（以下、「メ芸」）のプロモーションイベントでも活躍。渋谷の商業施設や学校など、あらゆる街の壁にアート作品を投影させ、道ゆく人々に驚きを与えていた。

ただ、昨年の「メ芸」で披露されたMAPP_のパフォーマンスと大きく異なるのは、投影される作品がライブペインティングである、ということだ。どういったアートが生み出されるのかは、MAPP_チームですら当日まで予測ができない。

今回参加したのは、まさに昨年の「メ芸」のMAPP_プロジェクトにもアニメーション作品を提供し話題となった、神奈川県出身のKeeenue（キーニュ）。彼女は壁画制作やペインティングを発表するアーティストだ。NikeやFecebook、Shake Shackなど数々の企業とのコラボレーションを手がけている。

今回、彼女はタブレット上でモーション付きのイラストを描く、デジタル・ライブペインティングのパフォーマンスを行った。鮮やかでキャッチーなイラストレーションを得意とする彼女は、この2日間でどのように空間を彩っていったのだろうか。Qetic編集部は1日目のイベントに密着し、動向を見守った。

日がかげり、渋谷のビル群の隙間を風が吹き抜けていく夕方、パフォーマンスは合図なく静かにスタートした。「MAPP_BIKE」の横に腰掛け、Keeenueがタブレットのディスプレイにペンを走らせると、突如3本の太い線がヒカリエの壁に映し出される。

線はそれぞれコミカルな動きをループさせながら、目や耳（らしきもの）を生やし、次第に“何かの生き物”として命が宿っていく。ギャラリーは徐々に増え、あちこちから「あれは象かな」や「魚が増えたね」と想像力を膨らませた言葉が溢れ始める。

途中、MAPP_のメンバーらがプロジェクターのレンズを下に傾け、デッキの床面に投影場所を変える。不思議そうな顔をした人々らが思わず立ち止まる。

ペインティングを踏まないよう壁際に避ける会社員もいれば、スマートフォンを向けて動画を撮影する学生など。また、通りかかった子どもがKeeenueのもつタブレットを覗き込み、アニメーションを動かすという、予想外のセッションが行われる一場面もあった。

そして辺りがすっかり暗くなった頃、「MAPP_BIKE」のハンドルを握ったスタッフが、静かにヒカリエデッキを移動し始めた。

ヒカリエの壁は凹凸が多く、入り組んだ、複雑なデザインをしている。Keeenueの手で生み出された“パレード”の一行は大きくなったり横に広がったり、または入り組んだビルの隙間の中に入り込んだり……と、時に様相を変化させながら壁をゆっくりと進む。

パレードの後ろをついていく子ども達のように、ギャラリーもゆっくりと移動する。Keeenueも壁面の形に合わせてキャラクターを増やしたり、フォーメーションを変えたり、と細かなアクションを重ねる。目の前を通り過ぎる歩行者を、イラストがこっそりと追いかける一場面もあった。

1時間半という長丁場ではありつつも、体感時間ではほんの一瞬であり、ひとつの演劇を鑑賞し終わったような満足感があった。プロジェクターの電源が落とされると同時に、我々ギャラリーは、たちまちにして“いつもの渋谷”に戻ってきてしまった。

「すごく実験的なことをやってみました。やっと慣れてきた気がする」。1日目のパフォーマンスを終えたKeeenueに感想を求めると、彼女はどこか安心したような表情でそう答えた。今回、彼女は「今までやったことのないパフォーマンス」に挑戦してみたという。

「そもそもアニメーションもあまりチャレンジしたことがなく、アプリも初めて使うものだったのですが……それ以上に“ライブペイントをする”ということ自体が、自分にとって挑戦だったかもしれないです。

ライブペイントってパフォーマンスも求められるじゃないですか。でも私の絵ってベタ塗りだから、淡々と作業する感じなんですよね。オーディエンスは面白くないんじゃないかな、って思っていて。だから最近は人前で作品を完成させる機会も、ライブペイントではなく“公開制作”として受けることが多かったんです。

ただ、今回のイベントの座組みに限っては『これなら“公開制作”じゃなくて“ライブペイント”って言えるな』って思えました。私がペイントするのは四角いタブレットの画面上ではあるのですが、実際に投影する場所にはいくらでも余白が広がっている。パーツごとに作品を作り空間の中に配置していくような感覚があって、集中しながらも（空間と）呼応している気はしました。VJの感覚に近いんじゃないかな、って」

３本の線からイメージを即興で膨らませ、徐々に肉付けをしていった、という彼女。「明日は全く別の作品が生まれると思う。もっと空間にマッチしそうなアニメーションを試したいですし。お客さんが面白いと思ってもらえるような変化があるんじゃないかな」と2日目のパフォーマンスへの意気込みを語った。

「Keeenueさんの作品には、パッと見たときにいろいろ思い浮かぶような、心地のよい余白がある。雲を眺めながらあれこれ想像する時の、あの感じがあるんですよね」と語るのは、MAPP_のメンバー。彼らは昨年の「メ芸」の時から「デジタル・ライブペインティングをするならぜひ彼女に」とオファーを固めていたという。

「実はMAPP_TOKYOにとって、昨年の文化庁メディア芸術祭プロモーション企画は日本で初めてのプロジェクトでした。日本でまだ何の経験もない私たちがKeeenueさんに突然お願いするなんて、と悩みましたが、優しく受け入れてくださり、とっても素敵な作品を提供していただいたのです。

その時に投影した場所は、歴史ある神社から学校、商業施設まで、とさまざまでした。かわいい色の組み合わせとちょっと不思議で面白い動きのアニメーションが、どの場所にもぴったり合っていたんです。その時から『デジタルライブペインティングをするならKeeenueさんと！』と心に決めていました。実現できて本当に嬉しいです」

KeeenueとMAPP_チームはヒカリエデッキでのプロジェクトにおいて、前もって具体的なテーマをすり合わせていたわけではなかった。ただMAPP_チームは「Keeenue自身がヒカリエデッキの雰囲気を感じ取りながら、自由に楽しく描くこと」を望んだという。

「Keeenueさんがその場の空気や匂い、街の音や人の気配を感じとり、描く世界や色や形が少しずつ変わっていく様子が見れたら最高だろうな、と思っていたんです。実際に、楽しい出会いや面白いアクシデントが絵に反映されるのをリアルタイムで見られた。オンラインのイベントが続いていた中で、久し振りに感じるライブ感にワクワクしました。なんて贅沢なことなんだろう！　って感動しました」

そして、今回のプロジェクトを実行した現在、「デジタルライブペインティングをシリーズ的に続けていけたら」と今後の展望を語る。

「世界中のアーティストたちとライブでジャムセッションをしたり、思いがけない場所に投影してみたり。これからも新しいこと、楽しいことを実験的にどんどん取り入れていきたいです。また、ミュラル（壁画）がとても盛んなモントリオールで、Keeenueさんのペインティングから始まり、完成した絵の上にプロジェクションマッピングをしていく、という昼も夜も楽しめる壁画プロジェクトを考えています。日本でもそれが実現できたら嬉しいです」

SPEAKER：宇川直宏/川田十夢/齋藤精一 11月11日（水） 14:00-15:00 DOMMUNEを主宰する宇川直宏さんと、AR三兄弟の長男として活動する“通りすがりの天才”川田十夢さんのトークセッション。モデレーターはパノラマティクス（旧：ライゾマティクス・アーキテクチャー） 主宰の齋藤精一さん。宇川さんも川田さんもテクノロジーを用いてメディアを自在に拡張してきた経歴の持ち主で、しかも、カルチャーに対しての深い洞察と愛情がその原動力になっている。おそらくARやVRを用いた“都市の拡張”がキーになるのだろうけれど、それだけでなく2人のキャラクターがどう噛み合うのかとても楽しみ。 詳細はこちら

SPEAKER：中村利江/伊東正明/長田新子 11月11日（水） 18:30-19:30 中村利江さんは日本発のフードデリバリーサービス「出前館」の会長。伊東正明さんは「吉野家」の常務取締役。つまりモチーフはフードカルチャーということになるんだけれど、そこに「社会システム」というテーマをかけ合わせることでとても興味深い内容になっている。長らく日本の外食文化を開拓してきた牛丼屋と、コロナ禍で一気に急拡大しているフードデリバリー。生活に密着している身近な分野だからこその話が聞けそうな気がする。中村利江さんの女性起業家としてのバイタリティにも注目したい。 詳細はこちら

SPEAKER：浅川真次/田村優/☆Taku Takahashi 11月12日（木） 15:30-16:30 インターネットラジオ局「block.fm」を主宰し、今年4月にいち早くオンラインの音楽フェスティバル「BLOCK.FESTIVAL」を立ち上げたm-floの☆Taku Takahashiさんは、コロナ禍での音楽文化の変容を最前線で見ているアーティストの一人。m-floの育ての親でもあり、日本のクラブカルチャーを牽引してきた「アーティマージュ」の浅川真次さん、kz（livetune）やryo（supercell）などネット発の新たな才能をいち早く世に送り出した「インクストゥエンター」の田村優さんと、三者が語る音楽文化のこの先はとても興味深い。 詳細はこちら

SPEAKER：中島さち子/北村久美子 11月13日（金） 15:30-16:30 中島さち子さんは日本人女性唯一の数学オリンピック金メダリストであり、ジャズピアニストでもあるという多才な経歴の持ち主。現在では「STEAM教育」の第一人者としても活動している。「STEAM教育」とは、Science（科学）、Technology（テクノロジー）、Engineering（工学）、Mathematics（数学）の「STEM」にArts（芸術）の頭文字を加えた、知識詰め込みではなく新しい価値を生み出していく教育の象徴。一方、北村久美子さんはSXSWのJAPAN FACTORY (JAPAN DAY/JAPAN HOUSE)の共同創設者。海外経験も豊富な二人による「ロジック×カルチャー」の話は楽しみ。 詳細はこちら

SPEAKER：松園詩織/山峰潤也 11月12日（木） 12:30-13:30 松園詩織さんはアート作品を複数人で共同保有できる会員権プラットフォーム「ANDART」の代表取締役社長CEO。山峰潤也さんは東京都写真美術館、金沢21世紀美術館、水戸芸術館を経て現在は「東京アートアクセラレーション」の共同代表をつとめるキュレーター。アートに対して、美術館などで一般的な“鑑賞”でも富裕層に限定される“所有”でもなく1万円の少額投資から“共有”という新たな関わり方を提案するのがANDART。一方で、山峰さんは、資本や技術がパワーを持つ現代に対して社会批評的な観点も踏まえつつ様々なメディアアート作品などの展示やプロジェクトを仕掛けてきたキュレーター。二人の語る「価値」がどう結びつくのかは、アートの分野を超えた示唆を生みそう。 詳細はこちら

他にも興味深いセッションが沢山ある。スポーツやeスポーツについての話題もそうだし、平井卓也デジタル担当大臣や、東京都のデジタル戦略を担当している宮坂学副知事など、DXを推進している行政のトップが登壇するのも大きなトピックだ。そして、多くのコンテンツがオンラインで無料公開され、アーカイブも残るということもポイントだろう。 沢山のアイディアに触れることのできる9日間になりそうだ。