5月13日（土）・14日（日）に埼玉・秩父ミューズパークにて＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞が開催された。

「新世代ジャズフェスティバル」を掲げ、全20組のアーティストが登場した2日間。荒天が予想されたものの、パフォーマンスを阻害するほどの雨が降ることはなく、むしろ秩父の青々とした草木が会場全体を取り囲むような効果を感じられるほどには、ライブ体験とライブ環境が調和していた。

この2日間で強調されていたのは、広い意味での「クロスオーバー」だったように思える。演奏される音楽はもちろん、会場内でのコミュニケーション、そしてアーティスト同士でさえもそうだ。領域と領域が渾然一体となり、一つのグルーヴへと収斂していく光景がいくつも見られたのだ。

例えば初日に登場したドミ＆JD・ベック（Domi & JD Beck）。昨年発表したデビュー作『NOT TiGHT』が絶賛の嵐、先月開催された＜Coachella Festival 2023＞でのパフォーマンスで成功を収めるなど、ジャズシーン周辺で最もホットな2人組と言っても過言ではないだろう。

眩暈がするほどの超絶技巧と、2人の波長が通じ合う様に驚嘆させられっぱなし、圧巻のステージ。観客は息を呑む者とリズムを掴まえて踊り続ける者に分かれていた。その両者を掛け合わせたのは、トリビュートを盛り込んだ絶妙なセットリストだ。ウェイン・ショーター（Wayne Shorter）への追悼の意を込めて披露された“Endangered Species”からウェザー・リポート（Weather Report）“Havona”のカバー、そしてマッドヴィレイン（Madvillain）のトリビュートと、彼らがこれまで取り込んできたあらゆる年代の名プレーヤーに向けられたリスペクトが表現されていた。それは2人のプレーヤーとしての姿勢とオリジナル曲と地続きなものであるし、絶えずクロスオーバーしていた2日間のハイライトでもある。

＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞のレジデンシャルバンドとしてフル稼働したSOIL&”PIMP”SESSIONSは、多種多様なゲストボーカルを迎えてフェスに彩りを添えた。

初日にはAI、bird、家入レオが登場。3人はスタイルを崩すことなく歌いあげ、その上でSOIL&”PIMP”SESSIONSのパッショネイトな演奏がアクセントになったり、前面に出てソロをとったり、様々な表情があらわになった。各々の代表曲からジャズのスタンダードナンバーまで、ここでしか見ることのできなかった贅沢なステージである。

レジデンシャルバンドとしてその牽引力のさらなる展開を魅せたのは、SKY-HI & BMSG POSSEが登場し、卓越したステージングを炸裂させた2日目。Aile The ShotaとBE:FIRSTとして活躍するMANATOとSOTAによって結成されたShowMinorSavageに加え、トレーニーのREIKOも参加。2人の「社長」を交えながら、彼らは熱狂するオーディエンスをグイグイと惹きつけていく。舞台上でワインを酌み交わしながら、最後にはフリースタイル合戦まで披露した姿は、フェスティバルの提供する自由な体験と完璧にマッチしたものだった。

SOIL&”PIMP”SESSIONSのステージに象徴されるように、今回の＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞ではアーティスト同士のコラボレーションが盛んに行われていた。

ロンドンを拠点とするビート・メイキング・デュオのブルー・ラブ・ビーツ（Blue Lab Beats）が黒田卓也と西口明宏、ボーカルとして鈴木真海子（Chelmico）とARIWA（ASOUND）、さらにはPenthouseでもソウルフルでカラフルなステージを披露した角野隼斗を迎えた豪華編成のステージをはじめ、ここでしかあり得ないコラボレーションが次々と繰り広げられる。

Answer to Rememberのステージには、事前にアナウンスされていたHIMIとJuaに加えてermhoiが登場。そのermhoiは2日目にAnswer to Rememberのメンバーでもある馬場智章のリーダーバンドにもゲストボーカルとして参加し、その馬場智章は2日目のTHEATRE STAGEトップバッターであるPenthouseのステージに顔を出し……といった交流が積極的に巻き起こっていた。

中でも最も衝撃的なコラボレーションは初日のヘッドライナー、ジョージ・クリントン＆パーラメント・ファンカデリック（George Clinton & PARLIAMENT FUNKADELIC）の舞台で実現した。

登場からノンストップでファンク・ナンバーを投入、「総帥」自らがハンズアップをオーディエンスに煽り続け、ボルテージは早速最高潮に。そしてライブ中盤、満を辞してステージに呼び込まれたのは、なんとあの.ENDRECHERI.。

Pファンク軍団の一員としてスパンコールスタイルのタイトな衣装で彼は登場。かねてからその影響を伺わせていた.ENDRECHERI.が、生ける伝説であるジョージ・クリントン総帥に至近距離で見守られながら往年の名曲“FlashLight”のソロを長尺で弾き倒す場面（あれは幻ではなかったはず）には、あの日あの場所にいた誰もが心奪われたはずだ。ソロをとった後にもバッキングギターで参加し、自身の演奏終了後にもステージにとどまってパフォーマンスを堪能するなど、溢れんばかりのラブとリスペクトがそこにはあった。

数々のコラボレーションに加え、野外フェスらしいゆとりある空間設定も特徴だ。フリーエリアに設置されたDJブースでは、ジャズに限ることなく広義の「ダンスミュージック」がドロップ。来場者は同じくフリーエリアに出店している秩父名物に舌鼓を打ちながら、これまた自由に楽しむことができる。

「新世代ジャズフェスティバル」というコンセプトが導いたのは、ジャンルごとに設定されがちな敷居の再考だ。それは「敷居を跨ぐ」というより、気づけば敷居の向こう側にいるようなさりげなさでもって、体現されていたように思える。誰でも訪れることが可能な、文字通り敷居のないフリーエリアは、ステージで演奏される音楽と同等かそれ以上に2日間の成果を雄弁に語っていた。

そんな2日間を大団円で締め括ったのはロバート・グラスパー（Robert Glasper）＋カマシ・ワシントン（Kamasi Washington）＋テラス・マーティン（Terrace Martin）といったスターたちをフィーチャーしたスーパーユニット、ディナー・パーティー（Dinner Party）だ。

定刻の少し前、他のメンバーに先んじて登場したジャヒ・レイク（Jahi Lake）のDJタイムから、既にディナー・パーティーのクロスオーバー感覚はまざまざと表現されていた。この2日間にうってつけな名曲、ア・トライブ・コールド・クエスト（A Tribe Called Quest）の“Jazz（We’ve Got）”からローリン・ヒル（Lauryn Hill）“DooWap“まで、彼らが今年発表した最新作『Enigmatic Society』で飛び交っていた数多のルーツをパチパチと接続していく。

DJタイムの終盤には前日のヘッドライナーを務めたジョージ・クリントンへのリスペクトを込めてパーラメント“Flash Light“をドロップし、大盛況のフロアをクールダウンさせることなく極上のセッションへとバトンを繋いだ。

ロバート・グラスパーやカマシ・ワシントンの長尺ソロの連打から、思わずハンズアップしてしまうようなミドルテンポのソウル〜R＆Bチューンまで。楽曲構成からビートの組み方、そしてオーディエンスの反応まで含めて、ディナー・パーティーの体現するクロスオーバー感覚は継ぎ目なく会場の隅々にまで浸透していた。敷居を意識させず、音に惹かれるままに体が動いていってしまう感覚。そのシームレスな鑑賞体験こそ、ディナー・パーティーの、そしてこの2日間の、最もプレシャスな時間の一つだった。彼らが＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL 2023＞の大トリを務めることは、必然だったとしか思えない。

様々なジャンル／歴史の交錯を「新世代ジャズフェスティバル」の名の下で実現させた2日間。気づけば敷居の向こう側にいるような感覚を、出演ミュージシャンたちと共に並走した参加者は、今やどこへだって向かうことができる。自由な鑑賞スタイルの妙味を日常の中でも探しながら、来年度の開催にも最大限の期待をしたい。

──『When There’s Love Around』のコンセプト、タイトルの意味について教えてもらえますか？

過去のアルバムで表現していたのは、喜びや不安、恐怖、切なさ、愛情などの自分の感情で、内省的なテーマが中心だった。『When There's Love Around』はもっと外に向いているアルバムで、連帯感、一体感に焦点を当てた作品。世界や家族、仲間、コミュニティなどと自分はどうつながっていて、どのような位置付けにいるのかを考えさせられた。

──アルバムの前半と後半は違うコンセプトがあるそうですが、それについて教えてもらえますか？

アルバムの前半は自分のアイデンティティをテーマにしているから、僕の過去のアルバムに似てる。 “I remember this picture”は幼いころのノスタルジックな気持ちを題材にしていて、”lift somebody up”は人を励ますことや、自分の使命について。”earthly things”は不安や、どうでもいいことを考えすぎることについての曲だし、”crybaby”は幼いころの自分についての曲。だから、前半はとても自伝的なテーマで、これらの曲を通して自分自身を理解しようとしているんだ。アルバム後半のテーマは、家族や仲間との絆で、もっとスピリチュアルな内容。僕にとって人とのつながりは大切だし、人と経験を共有しないと、人生は特別なものにはならないと思ってる。

”a wish for you” 、”loving hands”、”Areti’s Love”、”with you where you are”は2020年初頭に亡くなった僕の祖母に捧げた4曲。祖母を思い出したときに湧き上がってくる様々な感情を表現しているんだ。祖母との絆を思い出すことで、自分がどうやって人と愛を分かち合って、どう愛を受け取っているかを理解できるようになった。そのあとのタイトル曲”when there’s love around”は、身の回りに常に愛があることを思い出させてくれる曲。”i love my friends”も同じ気持ちを表現してる。このアルバムを通して自分自身について学ぶことができたし、自分が世界の中でどういう位置にいるのか、考えさせてくれるんだ。それと同時に、仲間や家族がいることへの感謝を表現してる。

──パンデミック中ということで、人と繋がりを持ちたいという気持ちもあったのでしょうか？

そうだね。アルバムの制作はパンデミック前に始めたんだけど、パンデミック中に作った曲にはそういう気持ちが反映されてると思う。いま考えてみると、パンデミック前から、だいたいの曲は方向性が決まっていたけど......もちろん無意識に、パンデミックはアルバムに何らかの影響を及ぼしたと思う。人とのつながりを切望している気持ちが、どこかに入っていると思うんだ。でも、曲のテーマは変わらないんじゃないかな。

“i love my friends”は1月に自分の誕生日にレコーディングしたんだけど、そのときの気分を表現した曲。パンデミック中に、友達や家族がいることに深く感謝するようになったのは確かだよ。

──アルバムを実際にレコーディングした時期はいつでしょうか？

合計で3回レコーディングしたんだ。そのうちの2回はパンデミック前に行った。1回目は2020年1月で、2回目は2月。3回目のレコーディングを行ったのは2020年9月。それぞれ、レコーディングには5日間の時間を設けた。

──『When There's Love Around』は初めてバンドの生演奏で作られた作品ですが、なぜこのタイミングでバンドとレコーディングすることにしたのでしょう？

僕のバンドは2年前からザ・クルセイダーズの”When There’s Love Around”という曲を演奏してるんだ。この曲はバンドと一緒に演奏する一番好きな曲で、タイトル通り、演奏すると会場のオーディエンス、ステージ上のミュージシャンとの間に愛のオーラが漂っているのがわかるんだ。この曲のフィーリングをスタジオでとらえるには、一人ではなくバンドで演奏するしかないと思った。だから大切な仲間たちとレコーディングしたんだ。ずっと前からバンドとアルバムを制作したいと思っていたから完璧なタイミングだったし、この曲からスタートするのもぴったりだな、と。

──過去のアルバムではAbletonでビートをプログラミングしていましたが、今回は一切そういうことは行わなかったということでしょうか？

そう。このアルバムではビートのプログラミングを一切してない。自分で編集作業はしたけど、このアルバムはすべてライブ演奏で作り上げたんだ。ビートメイキングは大好きだけど、僕の主な表現方法ではない。僕は昔からバンドと演奏したり、ジャズクラブでアンサンブルと演奏してきた。それが一番得意な表現方法なんだ。それに前からバンドと生演奏のアルバムを作りたかったし、これからはこの方向性をメインにしていきたい。バンドとアルバムを作るのはお金がかかるんだけど、今回はそれを実現する予算があった。バンドと演奏する方が好きだし、素晴らしい体験だったよ。

──参加ミュージシャンについて教えてください。

幸運なことに、僕は世界でもトップクラスのミュージシャンたちと演奏させてもらってる。何年も前から一緒に演奏しているウィル・ローガン（Will Rogan）やアンディ・マコーリー（Andy McCauley）はこのアルバムでとても重要な役割を担ってる。ライブやアルバムで一緒に演奏するミュージシャンに僕が求める条件は、他の誰とも似ていない、唯一無二の演奏をしているかどうかなんだ。ウィルは、他の誰とも似ていない独自のドラミングスタイルがあるし、アンディはベースでユニークな演奏をする。2曲でドラムを叩いている、ジョナサン・ピンソン（Jonathan Pinson）についても同じことが言える。彼は大好きなドラマーの一人で、ハービー・ハンコック（Herbie Hancock）やウェイン・ショーター（Wayne Shorter）、ギラッド・ヘクセルマン（Gilad Hekselman）などの名だたるジャズミュージシャンたちと共演してきた。彼のことは前からリスペクトしているし、このアルバムに参加してくれて感謝してるよ。

サム・ウィルクス（Sam Wilkes）は最高のベーシストで、ベースプレイに革命を起こしているね。DJハリソン（DJ Harrison）は様々な楽器を演奏できるから、彼を是非呼びたいと思ったんだ。曲によって、彼はギターやシンセ、ドラムなど、そのときに必要な楽器を演奏してくれた。彼はどの楽器を演奏するときも天才的で、本当に最高のミュージシャンだよ。

ギタリストのサイモン・マルティネス（Simon Martinez）も素晴らしいし、彼のソロ作品も大好き。アンドリュー・ランダッツォ（Andrew Randazzo）はブッチャー・ブラウン（Butcher Brown）のメンバーで、素晴らしいベーシストだよ。アルトサックス奏者のジョッシュ・ジョンソン（Josh Johnson）も何曲かで参加してくれた。それに、LAの伝説的なパーカッショニスト、カルロス・ニーニョ（Carlos Niño）も。本当に、才能あるミュージシャンがたくさん参加してくれたんだ。それがどれだけ幸運なことか……本当に感謝してる。

──ジャジー・ジェフのスタジオでもレコーディングしたそうですが、そのときのことを教えてもらえますか？

ジャジー・ジェフ（Jazzy Jeff）は毎年、100人くらいのいろいろなミュージシャンを自宅に呼んで、リトリートを開催しているんだ。DJハリソンとの出会ったのは4年前、ジャジー・ジェフの自宅だった。それから仲良くなって、ジャジー・ジェフの自宅で一緒に演奏したこともあった。それに、アルバムのレコーディングでも、ジェジー・ジェフのスタジオを使わせてくれたんだ。彼のスタジオは素晴らしいんだよね。

──DJハリソンとあなたのバンドメンバーが、ジャジー・ジェフの自宅で一緒にレコーディングしたということですか？

そう。そのセッションでは、DJハリソン、アンドリュー・ランダゾ、サイモン・マルティネス、ウィル・ローガン、自分が参加した。セッションによってメンバーが少し違ったんだ。

──ジャジー・ジェフのリトリートというのは、いろいろなミュージシャンが集まってジャムセッションをする場所なのでしょうか？

そうだね。ジャジー・ジェフは本当にいい人で、音楽コミュニティの向上のために様々な活動をしてる。リトリートでは出会ったミュージシャンたちとコラボレーションしたり......とても感化される環境なんだよ。そこで僕はヒーローみたいなミュージシャンたちに何人も会ったり、DJハリソンのような同世代のミュージシャンとも出会うことができた。いまある僕のキャリアは、ジャジー・ジェフがいなければなかったと言っても過言ではない。ジャジー・ジェフを通して様々な素晴らしいミュージシャンたちと出会い、彼らからインスピレーションを得ることができたから、いまの僕があるんだ。

──一人で行うトラックメイキングと、今回の作曲プロセスの違いや制作の流れについて教えてください。他のミュージシャンに演奏内容の指示を出すことなどもあったのでしょうか？

唯一決まっていた曲は、”When There’s Love Around”のカバーだけで、スタジオに入る前は一切作曲しなかったんだ。だからスタジオに入ってから、ピアノの前に座って、アイデアが出てくるまで演奏した。曲のアイデアが決まってからウィルやアンディーたちと演奏して、彼らの演奏に対して大まかなアイデアを出したんだ。「ここはこういうフィーリングで演奏してみて」「ハイハットはもう少しこういう感じにしてみて」とか。それに沿いながらも、参加メンバーはみんな曲作りを手伝ってくれた。バンドリーダーは僕だけど、できるだけ彼らのアイデアを尊重した。

バンドリーダーとして大切にしているのは、ミュージシャンたちがそれぞれ自身のアイデアを出して演奏できるようにすること。それがミュージシャンから最高の演奏を引き出す方法なんだ。僕はプレイヤーとして他のミュージシャンのバンドに参加したときに、「ジェラルド・クレイトン（Gerald Clayton）っぽく演奏して」とか、「アーロン・パークス（Aaron Parks）っぽく演奏してみて」と言われると、「それは僕のスタイルじゃない！」って反発したくなる（笑）。そういう指示を出されると、こっちはストレスを感じたり、緊張したりして、結果的に嫌な気分になってしまう。そういう状況だと、ライブでは悪い印象しか残らない。他のバンドに参加するときに、「自由に演奏していいよ」って言われると、自分が考えて楽しんで演奏できるし、自分の演奏に誇りと自信を持てるし、ポジティブな気持ちになるから、どんどん演奏が良くなる。

だから、自分の作品を制作するにあたって、参加ミュージシャンには、僕が求めている大まかな方向性は伝えるけど、それぞれの演奏は任せることで、彼らがなるべく気持ち良くプレイできるようにしてる。肩の力を抜けると、よりクリエイティブになったり、新しいことに挑戦できたり、魂のこもった演奏ができる。緊張したり、ストレスを感じたり、気分が良くなかったりしたら、魂を込めた演奏ができるわけがない。だからミュージシャンたちに各々のパートを任せているんだ。

──以前インタビューした時は、20分で曲を作るというルールがあると言ってましたね。

今回はスタジオで素早く曲を作らないといけなかったけど、20分だとさすがに時間が足りない。でも、いまも割と早く作曲することが好き。そのときのフィーリングはどんどん変化していくものだから、瞬時に捕らえないといけない。急いではいけないんだけど、降ってきたアイデアを効率的に、素早く形にしないといけない。

──今回のアルバムの制作において、特に影響された音楽は？

今回は70年代のフュージョンを結構聴いてたかな。もちろん、タイトル曲がザ・クルセイダーズのカバーだし、ジョージ・デューク（George Duke）、ハービー・ハンコック、リターン・トゥ・フォーエバー（Return to Forever）も聴いてた。このアルバムのサウンドは、彼らの音楽に似ていないけど、楽器編成などのヒントになったりした。

──”earthly things”や”crybaby”のシンセの音色がとても印象的ですが、これらの曲ではどんな機材を使っているのでしょうか？　今作から新しく取り入れた楽器はありますか？

Prophet 600やRoland Juno、Arp 2600などを多用したよ。”crybaby”のリードシンセはArp 2600だった。あの音色は大好きだから、レコーディングはとても楽しかったね。Lucy’s Meat MarketというスタジオにあったYamaha CS80のクローンのBlack Corporation Deckard’s Dreamというシンセも使ったよ。それと、エリック・シボスキというミュージシャンが、Eurorackのモジュラーシンセをスタジオに持ってきてくれた。彼はモジュラーシンセの使い方にとても詳しくて、様々なシンセのテクスチャーをアルバムに織り交ぜてくれた。僕も彼のモジュラーシンセを少し触らせてもらって、その音もこの作品に入ってる。エリック・シボスキは元々ベーシストだったんだけど、ここ数年はモジュラーシンセを探求していて、このアルバムではパッドやシンセのテクスチャーを演奏してくれたんだ。

──“with you where you are”には珍しくボーカルが入っていますが、これは誰が歌っているのでしょうか？

この曲で歌っているエリン・ベントラージ（Erin Bentlage）は大好きなボーカリストなんだ。そしてグラミーにノミネートされている実力者で、友人の1人でもある。制作では、まず僕がピアノの高い音符を演奏した素材を彼女に渡した。エリック・シボスキが僕のピアノをレコーディングして、それをモジュラーシンセで加工して、再生スピードをすごく遅くした。僕がランダムに演奏した音符やテクスチャーを、エリックが加工したんだ。

その素材を聴いたときは、曲には聞こえなかった。意図的に演奏したものではなく、テクスチャーが主体だったからね。でも面白いサウンドだったから、エリンに送って「自由に歌ってもらっていい？」と頼んだ。すると彼女は、僕のピアノのフレーズをもとにメロディを作って、歌ってくれた。彼女が歌を重ねたバージョンを聴いて、すぐに気に入って、曲として仕上げることができた。

──これまで保守的なジャズミュージシャンはあまり他のジャンルを認めてきませんでしたが、あなたと一緒に演奏している若いミュージシャンは、ヒップホップ、エレクトロニックミュージックにも影響されています。これは特にLAのジャズシーンでは顕著な流れですが、なぜこういう流れがLAにあるのだと思いますか？

LAの音楽シーンは、とにかくオープンマインドなんだ。とても多様性のあるサウンドを受け入れるシーンで、LAのジャズミュージシャンは、ヒップホップやエレクトロニックミュージックも大好きだよ。アメリカのブラックミュージックは元々、様々なスタイルに対してオープンで、新しい手法をどんどん取り入れていた。だから、LAは僕がやっているような音楽を探求するには最適な環境なんだよ。

そういう意味で、ここの音楽コミュニティの一員になれて嬉しいし、いつもインスピレーションを受けてる。僕はLAシーンのそういう側面が大好きなんだ。LAのミュージシャンはリラックスしていて、他のミュージシャンをあまり判断したりしない。「なんでもアリ」の精神が定着してるんだ。テルミンでサーフロックを演奏しているミュージシャンがいたら、「それ、面白いね！」ってみんな平気で言えるんだ（笑）。どんな音楽に対してもオープンだからこそ、特別な音楽がここから生まれやすい。

──〈Stones Throw〉は元々ヒップホップレーベルとしての印象が強かったですが、あなたやジョン・キャロル・カービー（John Carroll Kirby）、ジャメル・ディーン（Jamael Dean）などが所属し、ジャズ色が濃くなりましたよね。この変化についてはどう思いますか？

素晴らしいことだよ。〈Stones Throw〉は、新しい音楽ムーブメントがLAで起きていることを認めてくれて、その音楽性を取り入れてくれたことは嬉しい。素晴らしいアーティストたちがレーベルに参加しているから、その一員になれたのは光栄だね。

──表紙のアートワークが、ポラロイド写真のイラストになっていますが、アートワークのコンセプトについて教えてもらえますか？

アルバムのジャケを何にしようか考えていたときに、幼いころに姉と一緒に撮ったポラロイド写真を送ってもらったんだ。この写真を見たときに、「これだ！」って思ったんだよ。母親が僕らの写真を撮って、そのときすぐにポラロイド写真を見せてくれて......それが楽しい思い出だった。その思い出について話すだけで、いろいろな感情が湧いてくる。とても普通なことだけど、そういう瞬間こそ特別だと、あとで気づかされる。だから、アートワークとしてぴったりだと思ったんだけど、ただ写真をそのまま使うのは面白くないから、マイキー・イェイツ（Mikey Yates）という素晴らしい画家にそのポラロイドを描いてもらうことにした。油絵でいろいろな表情を引き出してくれたんだ。とても気に入ってるよ。

──そのポラロイド写真は今回の音楽のインスピレーションにもなったのでしょうか？

そうかもしれない。アルバムの前半の曲は、そのころの思い出と密接に関係してる。”crybaby”という曲があるんだけど、僕が子供の頃はとても敏感で感情的で、しょっちゅう泣いてた（笑）。毎日なにかと僕は泣いて、他の子供達に”crybaby”（泣き虫）とバカにされて、さらに泣きわめいた（笑）。姉がよく幼いころの写真をメールで送ってくれるんだけど、自分のアイデンティティや、世の中における自分の位置付けとか、そういうことを考えさせられた。家族のことを考えることも多かった。そういう思いがこのアルバムに反映されてるんだ。

──パンデミック中はツアーができませんでしたが、その状況はあなたにどのような影響がありましたか？　その期間は、作曲に専念していましたか？

確かに大変な時期だったね。みんなもそうだけど、精神的にとてもつらかった。何かを創作しながら自分のメンタルヘルスもケアしないといけなかったんだけど、最初はそれが大変だった。最終的に創作活動はできたけど、もちろんストレスもあったね。毎日新しい音楽的なアイデアを出すルーティーンは止めないようにしていて、それが助けになったと思う。

──以前インタビューしたとき、あなたは若い頃は不安症などで苦しんだことがあると言ってましたが、どのようにメンタルヘルスをケアしていますか？　音楽活動と精神面のバランスはどのように保っていますか？

運動が大切だね。僕はランニングとバスケットボールが好きで、バランスが取れやすい。あと、リラックスするために時間を作ることも学んだ。昔は得意ではなかったけど、その大切さがわかった。友達や家族と時間を過ごすことも大切にしてるよ。運動は好き。

──最後に日本のファンにメッセージをお願いします。

また日本のファンに会いたくてしょうがないよ。世界中で日本は一番好きな国の一つなんだ。日本のファンの事が大好きだし、会えなくて寂しい。すぐにまたみんなに会いたいよ！

Kiefer（キーファー）

LA出身のジャズピアニスト兼ビートメーカーとして、アンダーソン・パーク（Anderson .Paak）のアルバムにもプロデュースで参加。さらに、ケイトラナダ（Kaytranada）ともコラボ楽曲をリリース、マインドデザイン（Mndsgn）のライブバンドメンバーとしても活躍する西海岸注目の次世代アーティスト。幼少からUCLAジャズ学科までに培われてきたピアノの実力と、10代初期からLAビートシーンで育まれてきたヒップホップのビートメイキングの才能が見事にクロスしたジャズビートミュージックで開花。2017年リリースのデビューアルバム『Kickinit Alone』が米A2IMのベストジャズアルバムにノミネートされ、2018年〈Stones Throw Records〉からリリースしたアルバム『Happysad』はPitchfork、Bandcampといったメディアにも称賛された。ニューアルバム『When there’s love around』は、LAビートシーンとジャズシーンを繋ぐ最重要作品だ。彼を聴かずに今のビートミュージックは語れない。

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ーー今回のアートワークのコンセプトは？ アートワークのコンセプトは、アルバムのメインテーマでもある人類。そして、人類の起源を忘れないということ。人類は水から生まれたという進化論の一つを僕は信じているし、生まれる前は羊水の中で育つし、それをイメージしてこのアートワークにしたんだ。デザインを担当したのは、ロンドン在住の素晴らしいデザイナー、マット・デ・ヨング。 ーーあなたからアプローチしたのですか？ そう。彼にアルバムのコンセプトを伝えて、それを基にデザインを考えてもらったら、あの素晴らしいアイディアを持ってきてくれたんだ。すごく気に入って、あのデザインで進めることにしたんだよ。 ーー随所に手拍子などの自然発生的な音が盛り込まれていて、これまでのエクスペリメンタルな印象より一層ファンクネスが感じられる内容になっているのはどういう理由で？ 前回のアルバムをライブでプレイしていた時、アルバムの音楽のほとんどがダウンテンポで静かだったから、オーディエンスがそこまで楽しめてないような気がしたんだ。あのアルバムは、どちらかと言えば一人でいるときに聴き込むタイプの作品だったからね。だから今回はもっと人々が楽しめるようなサウンドを作りたかった。もっとカラフルで生き生きとした、これまでよりもエネルギーに満ちた作品にしたかったんだ。それでそうなったんだ。リファレンスは、結構昔の作品を聴いていたな。曲の構成的には、スティーリー・ダン（Steely Dan）とか、ジョニ・ミッチェル（Joni Mitchell）、スティーヴィー・ワンダー（Stevie Wonder）。でもそこにもう少しモダンな要素、プロダクションを加えたかったから、エレクトロニック・ミュージックも聞いていたよ。歌詞的には、AIやテクノロジーに関して書くのが新しい挑戦で、ポッドキャストなんかをよく聴いていた。サム・ハリスがAIに関して色々な人たちにインタビューするポッドキャストがあるんだけど、あれは沢山聴いていたね。彼のポッドキャストの影響はかなり大きい。 ーーチャーリー・ブルッカーの『ブラック・ミラー』や、マーガレット・アトウッドの『侍女の物語』、デヴィッド・リンチの『ツイン・ピークス』 にインスパイアされたと書かれていますが、最近のお気に入りの映画は？ そうそう。そういった作品のエピソードに影響を受けて、その自分バージョンを作っていった感じ。最近のお気に入りは、まずは『ブレード・ランナー』。クローンやロボットの会話がすごく興味深いんだ。サウンドトラックも素晴らしいしね。 ーー「AIシステムに立ち向かう人間の未来」が主題ですが、AIシステムに立ち向かう人間にはどんな未来が待ってると思いますか？ 悲しいけど、デバイスに支配される時が来るんじゃないかと思う。すっごく進化した携帯とかコンピューター、脳内にチップが埋め込んで何かできるようになったり、テクノロジーに今以上に頼る時代。50年くらいで、ハイブリッドな人類がコンピューターシステムで作られていくんじゃないかな。それは可能性の広がる明るい未来にもなりうるし、暗い未来にもなりうると思う。

ーーダン・カイ名義とジョーダン・ラカイ名義での明確な区別はある？（ex.制作方法、制作に向かう気持ちなど） その区別の仕方は？ ダン・カイでは、もっとダンスミュージックよりの音楽を作ってるんだ。そして、自分のエネルギーが湧くままに自然に音楽を作っているのがジョーダン・ラカイ。ダン・カイの音楽を作る時は、ナイトクラブのことを意識している。オーディエンスがどんなリアクションをとるかとか、盛り上がるベースラインはどんなのだろうとか。もっと、皆を喜ばせようと意識して音楽を作るのがダン・カイだね。ジョーダンのプロジェクトでは、もっと音楽的にリスクを冒す。そして、自分の境界線を広げるんだ。歌詞的にももっと深いしね。 ーーそれぞれの名義での活動頻度のバランスは？ ほとんどの時間とエネルギーはジョーダン・ラカイのプロジェクトに費やしているよ。で、自由時間がある時とか、飛行機に乗っている時なんかにダン・カイの音楽を作ったりする。ジョーダンとしてツアーをやって、ダン・カイとしてそのショーのアフターパーティーをするくらいが理想（笑）。それが出来たらクールだな。 ーー音楽活動をする上で、あなたに影響を与えているアートや音楽は？ 特にアーティストの名前は今思いつかないけど、僕は他のジャンルの音楽をよく聴く。僕が作っている音楽はソウル・ミュージックだと思っているけど、僕自身はソウル・ミュージックは聴かないんだ（笑）。聴くのはエレクトロニック・ミュージックやフォーク。なぜか、そういった音楽に影響されるんだよね。そこからトリックを学んで、自分の作る音楽にその要素を加えて自分独特のものを作るんだ。 ーー聴かないのに、なぜソウル・ミュージックを作るんだと思いますか？ ソウル・ミュージックは、僕が聴いて育ってきた音楽なんだ。だから、DNAの中にソウル・ミュージックが入っているんだよ。20歳くらいまで、アメリカのソウル・ミュージックにどっぷり浸かってきた。だから、それと掛け離れたジャンルを作ろうとすると、自分の中でなんだか無理やりな感じがするんだよね。 ーーダン・カイのサウンドについてはどうですか？ ダン・カイの音楽はもっとエレクトロニックだし、ダンスやハウスっぽいけど、それでもやっぱりソウルの要素が入っているんだ。もし僕がめちゃくちゃダークなテクノ・レコードなんかを作ったら、それはかなりの冒険だけど（笑）。ダン・カイとジョーダン・ラカイは違うプロジェクトだけど、僕の声とソウルの影響で繋がっているんだ。

ーーロンドンのニューカマー、ロイル・カーナーとのコラボが話題になっていますが、彼との接点は？ また共感できる音楽性は？ ロイルとは、トム・ミッシュを介して知り合ったんだ。それから4年くらい友達で、何か一緒にやろうとずっと話していたんだけど、4年越しでやっと一緒にコラボする機会が出来た。今では、彼は良い友達でもあるし、一緒に音楽を作る良き共演者でもある。彼とは本当に作業がしやすいんだ。彼と僕は、二人ともオールドスクール・ヒップホップを聴いて育ってきたから、そこが共通点かな。ア・ドライブ・コールド・クエスト（A Tribe Called Quest）とか。ティーンの時は、90年代のヒップホップを沢山聴いていた。彼と作業している時も、お互いジャズに影響を受けたヒップホップが好きだから、そういった音楽にインスピレーションを受けて曲を書いたんだ。 ーー今後共演したいアーティスト、期待したいアーティストは？ フランク・オーシャン（Frank Ocean）、ボン・ミゲル、H.E.R.、ジェイムズ・ブレイク（James Blake）……沢山いるよ。あと、映画音楽の作曲家とも共演してみたい。期待したいアーティストは、マット・キャルバート（Matt Calvert）かな。ジャズっぽい音楽で、すごく素敵なんだ。僕は普段はあまり新しい音楽は聴かないんだけど、彼の音楽はすごく良い。 ーー最近、アーティストとの交流の中で一番印象的だったことは？ 一つの交流ではなくてこれまでの全体的な交流を通しての話だけど、相手のミュージシャンに自由に任せ、そこに自分のサウンドが混ざり合うことによって、レベルアップした新たなサウンドが生まれるということを大きく学んだんだ。それが一番印象的なこと。ロンドンに来て、多くの素晴らしいクリエイティヴィティに出会って、それをすごく感じるようになったね。 ーーアルファ・ミストとはどんな風に生活をしているの？ 彼とは同じスタジオをシェアしているんだ。彼は夜型で僕は昼型だから、それがうまく機能してる。ツアーでも一緒だから、しょっちゅう会ってるよ。彼のファンでもあるし。一緒にいるときは、ゲームしたり、音楽の話をしてる。食事にも行くし、彼と会う時はトム・ミッシュも来たりするよ。グループで会うことが多い。皆でモノポリーとかやってる（笑）。 ーー最近のお気に入りの写真をください。

ーー今日はありがとうございました。 ありがとう！　またね。