偶然にもイベントのタイトル通り、雨が降りしきるなか、LINE CUBE SHIBUYAにはReiと〈QUILT Friends〉たちの勇姿を観に、多くの人が押し寄せていた。会場内を見渡すと、老若男女、実に幅広い客層が集っていることがうかがえる。 開演時間。雨のSEとともに傘をさして現れたのは、雨合羽をモチーフとした衣装をまとったRei。弾き語りの“Rainy Monday Blues”で静かに幕をあける。ここまでは、ある意味でいつもの「Reiのライブ」らしい光景だ。

しかし、静けさを突き破るようにバックバンドのジャムセッションがスタート。アルバムの表題曲である“QUILT”のイントロが始まると、舞台袖からは〈Friends〉のトップバッターであるRyohuが登場。会場全体が大きく波打つ。気づけば着席していたオーディエンスもほぼ全員が立ち上がっていた。 Reiに限らず、ミュージシャンがゲストを招きライブパフォーマンスを披露することは珍しくはない。だが、まさか冒頭からゲストが登場するとは。まさにアルバム『QUILT』の一曲目を再生した時の「序盤からここまで飛ばしていいの？」という衝撃を思い出す。

通常時はゲスト1名とReiのツーマンで開催される＜Reiny Friday -Rei & Friends-＞。今回はさまざまなアーティストとのコラボレーションが織りなす「QUILT」をもとにしたイベントだからこそ、彼女の“QUILT Friends”が次々と登場する。 藤原さくらとはプロジェクトで共作した“Smile!”と藤原のオリジナル楽曲である“Super good”を2人で。カントリー要素満載の“Don’t Mind Baby”、“STAY AWAKE”、Reiのデビュー作 “BLU” に収録され、二人の思い出の曲である“Long Way to Go”を長岡亮介と。Reiは彼女・彼らが登場するごとに、プロジェクトで楽曲を制作する際のエピソードを織り交ぜる。 この日はRei曰く「直接ご本人とコミュニケーションをとりながら、ゲストによっては思い出深い楽曲も演奏させていただいた」という。藤原とのセッションでは「夕ご飯を食べた後に一緒に歌ったこともある」（Rei）という大瀧詠一の名曲“君は天然色”をカバー。長岡との“STAY AWAKE”の時は、バンドメンバーがウッドベースやアコーディオンの音色で鍵盤を演奏するなど、スペシャルなセットが用意されていた（ちなみにバンドのBa担当であるハマ・オカモトが、ステージでウッドベースを披露するのも初だった）。

冒頭のRyohu然り、ゲストが入れ替わるごとにステージの空気が変化する。まさにアルバムの体現する、様々な布がつなぎ合わされて、一つのキルトが生まれていく世界観が再現されていた。 〈Friends〉としてプロジェクト「QUILT」に参加し、舞台上でのセッションを終えた3人は終演後、次のようにイベントに対する感想を述べる。 Ryohu　さまざまなアーティストの客演に参加したことはあるのですが、スタートから出演したのは初めて。Reiちゃんのイベントだけど、あたかも自分のイベントかのように緊張していました。ただせっかく唯一のラッパーとして出るからこそ、スタートを勢いよく切れるようにしました。 その後、（藤原）さくらちゃんでステージも華やぎ、（長岡）亮介さんのギターは存在感がある。特に亮介さんとReiちゃんのコラボは、2人がステージに立つ姿を前から知っていたからこそ、微笑ましく観ていました」 藤原さくら　かっこよかったですね、夢が叶う素敵な瞬間を見させてもらいました。アンコールの前、舞台袖でフラっとなりながらも、自分を鼓舞して、みんなの前に立って。呼んでもらえて幸せなライブでした。友達がキラキラと楽しそうに歌う姿が見れて嬉しかったです 長岡亮介　慌ただしく終わった感覚です。解放されたと思ったら、また引き戻されていくような感じ。何より、大きなステージでReiちゃんとやるのは初めてなので、不思議な感覚でした。そして僕の前にゲスト出演した2人だけではなく、みんなが緊張感を持っている印象がありましたね」

この日は思いがけないサプライズもあった。プロジェクト「QUILT」にも参加した細野晴臣が、急遽ゲストとして登場したのだ。会場を見渡し「年齢層が幅広くて素晴らしい。ここからは老人のコーナーとなります」と笑う細野。MCでは細野のラジオに呼ばれ、その後、細野の活動50周年を記念したイベントにReiが出演することになったエピソードが、彼女の口から語られる。 披露されたのは、Bing Crosby And The Andrews Sistersの名曲であり、細野も「HARRY HOSONO & THE WORLD SHYNESS」名義でリリースした“Pistol Packin' Mama”。Rei が細野のイベント出演時に共演した、2人にとって思い出深い曲だった。

また、Rei自身が仕掛けるサプライズも。MIKEY（東京ゲゲゲイ）とのコラボレーション“CRAZY! CRAZY!”では、Reiがバックダンサーとともに踊ったのだ！ 従来のライブにはなかった演出に、オーディエンスも湧き上がる。そして歌いながら、ステージをセクシーに闊歩するMIKEY。まるで嵐のような数分間だった。終演後、MIKEYは次のように語る。 MIKEY（東京ゲゲゲイ）　Reiさんは『音を楽しむ』という感覚のもとパフォーマンスをされている。こういった自由度の高いステージに立つのは久しぶりでした。特に東京ゲゲゲイでずっとやってきたのは、カチッと決められた演出。立ち位置も決まっていない空間でパフォーマンスするのは新鮮で楽しかったです。

実はこのイベントは、誰もが喜べるサプライズだけではなく、思わぬハプニングにも見舞われていたのだ。 イベントが開催される数日前、サポートドラマーを務める予定だった、澤村一平（SANABAGUN.）が体調不良によりキャンセル。大急ぎでReiは、HAZE (大宮洋介)、岡本啓佑の2人に代打をオファーする。イベントの前半をHAZE、後半を岡本が担当するという分担で、3時間弱の長丁場を乗り切った。 アルバム『QUILT』でもサポートとして参加した渡辺シュンスケ（key）、ハマ・オカモト（ba）に加え、2人交代制のドラム。ReiはMCでも「ドラムレスにするか、延期するか。いろんな選択肢が頭の中を巡ったが、チームメイトのサポートもあり無事開催できた」と語っていた。このメンバーだからこそ乗り越えられたアクシデントだった、と言っても過言ではない。バンドで参加した4人は次のように振り返る。 HAZE　すごい経験をさせてもらいました。オファーを受けたのは、2日前の夜23:00頃。連絡が来て『マジですか？』って震えましたね。やる前は、文字通り悪夢のような経験。でも、無事に終えられて、ホッとしています 岡本啓佑　最初はどうなるのか心配だったのですが、ステージに立ったら楽しくて。ハマくんもシュンスケさんもよく一緒にやっているし、安心感はありました。実は、リハーサル中にReiちゃんから『けいちゃん、今は優しくしてるけど、本番は厳しいからね』って（笑）。実際Reiちゃんは厳しかったのですが、時折優しい眼差しもくれて、頼もしかった 渡辺シュンスケ　いろんなハプニングがありましたが、みんなで乗り切って、全力でやりきったような感じです。こんな豪華な3時間があっていいものかと。すごく楽しくて、忘れられない日になりました ハマ・オカモト　セットリストのようなシンプルな準備だけならまだしも、フライヤーから映像まで、全部自分で作っているんです。並の人では抱えられないほどのタスクをこなしながら、歌うし弾く。バンドメンバーとして横で見続けていて、純粋に感動しました。ウッドベースもReiちゃんの提案が無かったらやらなかった。いいきっかけを与えてもらいました

アンコールでは、今回出演したRyohu、藤原さくら、長岡亮介、MIKEYとバックダンサーのSYUHEI/MIKUが舞台袖から登場。舞台上で〈QUILT FRIENDS〉に見守られながらReiが“BLACK BANANA”を演奏し、大団円を迎えた。 上京して以降、“Reiのキャリアにおける重要人物”であるゲストたち。この日、ステージのキャパシティは＜Reiny Friday -Rei & Friends-＞シリーズの中では最大面積を誇っていた。 しかし最後のアンコールで、Reiが仲間たちと文字通り“ワチャワチャ”しながらカオティックに演奏する様子を見て、彼女が昔、気のおけない友人たちと小さなスタジオでセッションしていた頃の姿を想起させられた。 「音楽さえあれば良いんだ！と意固地になって生きてきましたが、今回を通し、音楽が大好きになり、人に生かされていることを感じました。人に生かされて音楽が生まれた。気づくのが遅かったけど、感謝しています」。アンコール前のMCでそう感想を述べたRei。彼女の眼差しからは、今回生み出された一枚の大きなキルトが、これからもさまざまな才能と重なり合いながら、徐々に広がっていくことを感じさせられた。

終演後、彼女は次のように我々のもとへコメントを寄せた。 Rei　このイベントは『雨の金曜日、外には遊びに行けないから、お家でお友達を集めて音楽を 奏でよう』というコンセプトのもと、今回で14回目の開催となりました。 毎度ゲストこと〈フレンズ〉をお招きしてライヴを行っているのですが、〈ホストとゲスト〉という関係性より、より相互関係がフラットな〈フレンズ〉が私らしいと思い、こだわって 〈フレンズ〉という呼び名を使っています。 このライヴのコンセプトは、実際に雨が降っている日にお家で演奏する、という具体的な情景描写でありながら、『大変な時も、辛い時も、大切なひとと肩を寄せ合い、手を取り合って生きていこうね』というメッセージでもあります。 クラシックギターやブルーズなど、独奏を中心とする音楽ジャンルに親しんできた私にとって、人と演奏することや、人との深い繋がりを感じることは、とっておきのご褒美。いつも瑞々しい喜びを与えてくれます。 それぞれが、それぞれに、インディペンデントな精神で自世界を確立しているからこそ、交わることがより一層楽しくなる。今回のイベントではそんなことを再確認しました。またいつか、みんなで集まって再会を祝えるように、これからさらに自身の音楽を求道していきたいです。次は野音でやりたい！

━━お二人は最初どういうきっかけで知り合われたんですか？

海野雅威（以下海野）　僕は村本さんと同じ1980年生まれなのですが、以前からテレビで拝見して面白い方だなと思っていました。自分の体験をああいうふうに語って笑いにできる人ってあまりいないし、政治的な発言も含めて勇気あるなと尊敬していました。その村本さんがニューヨークに来たいということで僕に連絡をくれて。

村本大輔（以下村本）　2年前に海野さんがヘイトクライムに遭ったニュースを見て、ショックを受けました。えっ、日本人がニューヨークの地下鉄の通路で襲われた？　ピアニストなのに指とか大丈夫かな？って心配になって。

それから１年ぐらい経った頃、あのピアニストの人、今大丈夫かな？と思って、SNSで調べたら「フォローされています」って出たんです。えっ、俺のこと知ってくれてるの？って慌ててフォローして「すみません、村本といいます」って自己紹介から始まるメッセージを送りました。坂本龍一さんにも海野さんのことをメールしたら「彼のことはよく知ってるよ」と返信をくれて。

海野　坂本さんはニューヨークでお世話になったことがあるんです。ご自身の作曲した作品のデータベースを作りたいということで、知人の紹介で資料整理のお手伝いをしました。坂本さんは闘病中にも関わらずたいへん僕のことを心配してくださって、今回の僕の新しいアルバムもいち早く聴いてコメントをくださったり、本当に素晴らしい方です。坂本さんと村本さんが接点あることも何となく知っていました。

━━2020年9月、地下鉄の通路で海野さんが若者8人に暴行を受け、ピアニストの命とも言える右肩を複雑骨折した事件は日本でも大きく報道されました。長いリハビリ生活の中で「復活することは僕の新しい使命だと思った」とお話しされていました。

海野　本当に忘れたい記憶だし、二度と体験したくない恐怖だったとしか言い表せませんが、村本さんのように直接の面識がなくても僕のことを心配して、心を痛めてくださる人たちの思いが勇気を与えてくれました。

同じ時期にアジア人が襲われたり暴言を吐かれたりしていることをニュースで僕も知っていたので、いざ自分の身に起こった時も、これが聞いていたやつかという感じでしたね。心の準備もないまま理不尽に襲われることの悲しさだったり、なんでこんなことするんだろうっていう切なさだったり。

アメリカ大統領選挙前で、その後も連邦議事堂乱入事件が起きたり、社会の歪みや分断された世界を象徴する事件だったなって自分のことながら思います。でも、同時に温かい声もたくさんいただきました。闇と光を両方見て、なるべく光の方にフォーカスするようにしていたので、どうにか絶望しないで済んだと思います。

村本　海野さんこそ僕にとっての光でしたよ。悪いニュースばかり見て、アメリカに行くのが怖くなった時期もありました。その中で海野さんがアメリカで再び立ち上がってピアノを弾く姿に震えちゃって。怖がってちゃダメだ、アメリカに行ってスタンダップコメディで俺も負けずに戦ってきたいと思えたのは、同い年の海野さんの姿に光を見たからです。カムバックできて素晴らしいと思いますし、その物語を運んできてくれたことに感動しました。

海野　嬉しいです。ハッピーなニュースってネガティブなニュースにかき消されがちですけど、日常に目を向ければ、すごく幸せなこともいっぱい起きているわけです。だから僕もリハビリを積んで、いろんな人の復帰の願いを受けて、なんとかいいニュースにできないかなと思ったし、ここで終わらせたくない、負けたくないと思えたのはそうやって心配してくださる方がいたからです。日本人のピアニストが襲われて悲劇だったね、で終わらさず、それをなんとかバネに明るいニュースに変えてやろうと思いました。

村本　今日はニューヨークの話をいろいろ聞かせてもらいたいのですが、海野さんはアメリカに行ったばかりの頃はギャラがハンバーガーだったとか？

海野　そうそう。あと、ピザのときもありました（笑）。

村本　俺もありがたいことに日本で毎日仕事がある中、それを一旦ゼロにしてニューヨークのオープンマイク（飛び入りのアマチュアに店のマイクを開放するシステム）からスタンダップコメディをやりたいと思っているのですが、海野さんはなぜ日本で築き上げてきたものをいったん置いてニューヨークに行こうと思ったんですか？

海野　それは逆に村本さんに聞きたいところでもありますね。僕も日本で活動していた頃は結構忙しくしていました。365日のうち350日は演奏していたような年もありましたし、それだけ必要とされていることが嬉しくて、日本全国どこでも出かけていました。オーディエンスの人たちやジャズクラブに受け入れてもらったり、先輩ミュージシャンに可愛がってもらいながら、いろんな経験を積んで。でも、そういう生活を始めて10年経った27歳の時、もっと想像できない世界に飛び込んでみたくなったんです。

そもそもジャズはアメリカで生まれた音楽だから、本場の人と演奏してみたい。それができなければミュージシャンとしてはまだまだジャズを深く理解していることにはならないと思うし、胸を借りますとかじゃなく、日本でやってきたように対等に僕を必要としてもらいたい。それができなければ、ハッピーになれないと思うようになりました。

村本　そう思い始めたのはいくつぐらい？

海野　24歳か25歳の頃から思っていました。自分が尊敬する80歳、90歳のレジェンドがニューヨークで現役で頑張っているのに、会えないままだとすごく後悔するんじゃないかって。僕の場合ジャズだからアメリカっていうのは自然な繋がりだと思いますが、村本さんはどうしてアメリカに行きたいと思ったんですか？

村本　僕もコメディです。子供の頃から日本の好きな芸人さんがいて、高校生になっても毎日テレビを見て、お笑い芸人の世界に飛び込んで仕事をしているうちに、だんだんと子供の頃のように腹抱えて笑っていた興奮がなくなっていって。そんな時、たまたまある人にジョージ・カーリンというアメリカのコメディアンを教えてもらって、そこからアメリカのコメディを見るようになりました。

ロサンゼルスのコメディクラブに行ったら日本の劇場とは全然違っていて、みんな野球を見に来る感覚でスカッとしにビール片手に観ているんですよ。若い女の子の出待ちもないし、大笑いしたら気持ちよく帰る。

アメリカの笑いは考え方としてinterest（興味）の先にfunny（面白さ）があって、人種についてとか広いテーマで笑いを取っているから、彼らと横並びでコメディっていうのをやってみたい。人生一回だったら彼らと同じ土の中に埋まって自分がどんだけ育つのか体験したいなと思うようになりました。

海野　 僕もまったく同じで、ジャズが好きだから憧れていた人たちと演奏できたり交流できるだけで最高に幸せなんです。収入が増えるとか有名になるとか全く考えてきませんでした。

人によっては「勇気あるね」とか「無理じゃない？」とか言われたこともあります。「日本でせっかくやっているのになんで捨てちゃうの？」とか。一緒にやってきた人に言われてショックだったこともありますが、自分の心に正直に生きることが何よりの幸せだから、一度そう思ったら止まらないですね。レジェンドが同じ空間で演奏しているのを耳で聴いて、細胞レベルで吸収した気になるだけで行ってよかったと思っていました。とにかく憧れの気持ちがあったから行けたとも言えますね。

村本　ニューヨークは今年で何年目ですか？

海野　15年目です。

村本　向こうに行って、日本との環境の違いでは何を一番感じました？

海野　 さっき村本さんが言ったことと似ていますが、ジャズの世界でも日本だと内輪でウケれば満足みたいなところがあって、それで収入も得られれば安泰だし、年を取ればそれなりのポジションを得られるという日本の社会の仕組みみたいなものがあると思うんです。

駆け出しの頃はお互い切磋琢磨しながら成長していく仲間がいても、ある程度仕事ができるようになると我関せずで、あまり他者と交流しないミュージシャンもいることを感じてました。

だけどアメリカでは、畏れ多くて近づけないと思っていたレジェンドもとてもフレンドリーだし、僕のことを同志として受け入れてくれました。素晴らしいミュージシャンであるほど、新人に対して俺が先輩だみたいな態度は絶対しません。ジャズピアノの神様、ハンク・ジョーンズ（Hank Jones／1918-2010）は当時90歳近くでしたが、6時間以上も一緒にセッションしてくれるなんて思ってもいなかったですし。僕は本当に恵まれていて、素晴らしい人たちに会えたなと思います。

一緒にアメリカに行ってくれた妻にも感謝していますし、とにかく自分の信じることをやったおかげで、思ってもいなかったような夢が少しずつ叶った15年でした。2年前の事件はほんの一部であって、受けてきた愛の方が断然大きいんです。だから“いいこともあれば悪いこともあるさ”みたいな気持ちになれたってこともあります。

村本　なるほど！

村本　そもそも海野さんは何がきっかけでジャズに魅了されたんですか？

海野　小さい頃、父親がアート・ブレイキー（Art Blakey）とかオスカー・ピーターソン（Oscar Peterson）といったレジェンドが来日するたび連れてってくれました。子供だからただピュアに“この音楽かっこいい、ウキウキする”みたいな感じで9歳からジャズピアノを始めて、今に繋がっています。

ジミー・コブ（Jimmy Cobb／1929-2020）とかロイ・ハーグローブ（Roy Hargrove／1969-2018）のバンドで日本人初のレギュラーメンバーになることができて、ディープなところに行けば行くほど──例えばロイのグループだと黒人の歴史をちゃんと理解していないと恥ずかしい気持ちになるし、彼らが誇りを持って演奏している中に僕を迎え入れてくれているわけだから、今まで以上に彼らの歴史に対してリスペクトが増してきて。頭では理解していたつもりだけど、実際の現場で僕を必要だって言ってくれる人たちの中に入ると、さらにいろんなことに共感できるようになりました。アメリカに行ってよかったなと思えたのはそこなんですよ。黒人が作った音楽というものを、ひしひしと感じました。

━━海野さんがハンク・ジョーンズ、ジミー・コブ、ロイ・ハーグローブといったレジェンドたちのバンドで演奏できたことは、何事にも変えがたい経験ですね。

海野　そうですね。彼らが亡くなってしまった今となっては、経験したくてももうできないことなので。

村本　僕がアメリカに行きたいと思った理由のひとつに、日本は「誰に言ってるんだ？」って言葉がすごく多いんです。これが「何を？」ならまだ分かるけど、「誰に？」は権威だったり目上の人に文句を言うな、みたいな意思を感じるんです。

海野　村本さんは、針が振り切れた感じのスタンスが非常にアメリカっぽい（笑）。そういうことを言ったら相手が傷つくかもしれないような発言でも、果敢に笑いに変えていきますよね。人を批判して憎しみを増幅するようなやり方ではなく、ユーモアで包むことでタブーとされている話題に触れつつ、嫌な気持ちにさせない笑いというのもあると思うんです。日本じゃあまりそういうのはないですけれども。

村本　勇敢と無謀が一緒になった感じで、日常では喧嘩になっちゃうからテーマにしない題材にあえて手をつけて、さらに笑いを取るのがコメディアンであるべきだと思うし、常に社会の外にいて何かに属したくないという思いもあります。

“みんなに好かれる”というと肯定的な概念に見えますが、コメディアンは敢えてその外にいてほしいなと僕は思うんです。例えば「それ言ったらあかんで」の「それ」がすごく狭いじゃないですか？　内輪の悪口とか楽屋話に終始するんじゃなく、もうちょっと広い「それ」に触れて爆発を起こしてみたいと思うようになりました。

以前、原発のネタをやった時、ある先輩芸人に「村本、それテレビで使われへんやつやで」って言われたんですけど、彼はこれまで一度もテレビに出たことなかったんです（笑）。出たことないし、テレビ番組を作ったこともない彼がなぜ「テレビで使われへん」という言葉を使ったんだろうと思うと、すごく面白くて。

海野　あはは！

村本　一般の人も「それ言うたらあかんやつ！」とか「アブない！」とか結構使うじゃないですか？　空気を読み過ぎて。そういう会話を意味も分からずにしているせいで、言論の自由の輪がどんどん狭くなってきている感じがします。

さっきの話の続きですけど、俺、笑っちゃったから我慢できずに「いや、あなたテレビ出たことないじゃないですか」って言ったら、横にいた芸人が「言うたらあかんやつ！」って（笑）。それが一番のタブーだったという。タブーは身内の中に潜むというけど、身内の範囲が狭い。もっと世界が広がればいろんなものを多角的に捉えたうえでコメディとしてひと刺しすることができると思うんですけどね。

海野　 なるほどね。

━━村本さんから海野さんに聞いてみたいことは？

村本　ジャズはアメリカで生まれたものだって普段実感することはあるんですか？

海野　正確に言うとアフリカから連れてこられた奴隷が生まれ持っていたリズムやメロディー、ハーモニーが、ヨーロッパから来た白人たちの持ちこんだ音楽と混ざって洗練されてジャズになったという歴史があるから、原点を正すと人類の起源だってアフリカだし、アフリカ抜きにしては何も語れません。

ある日突然奴隷船に乗せられて知らない国に連れて行かれるって、そんな理不尽なことはないし絶対あってはならないことだけど、皮肉なことにそういう悲しい歴史があったことによって音楽的には人種が混ざり合って豊かなものが生まれた。悲しみの中から唯一花開いたものが、ブルースだったりジャズなんです。

村本　うんうん。

海野　苦労を重ね、自由や発言を奪われてきた黒人の人たちが、これだけは絶対渡せないと思った魂の音楽。ジャズがアメリカで生まれたとされているのは、そういう土壌ですよね。混じり合うための要素としてアメリカが必要だったわけで。実際にニューヨークに行くと、いろんなことを感じますよ。このバンドは白人しかいないなとか、黒人しかいないなとか。アメリカに行ってもやっぱりグループに分かれているんだと思いつつ、他のバンドを見たら、あっ、混ざっているなとか。それはお客さんを見ても分かります。

せっかくジャズという音楽は人種を超えると思って来たのに、結局分かれているんだと思うと悲しくなるけど、考え方によってはそれぞれの人種が楽しめる何かがあるんだとも言えるし。

僕はロイ・ハーグローブのバンドだったら黒人の中で一人だけ日本人、ジョン・ピザレリ（John Pizzarelli）のバンドだったら白人の中で一人だけ日本人なのですが、日本人の利点でどちらにいても違和感がない。言い方は変だけど、どちらにも属さないお客さん的な民族なので、アメリカで生きていくうえでは入っていきやすいという面もありますね。

村本　ああ、なるほど。無垢としてそこにいる。

海野　そう。ただ、僕の事件の犯人が黒人8人の少年少女たちだったという事実だけを捉えて「だから黒人は怖い」的な主義主張する人がすごく多いことです。それは間違っていますから。一時期あった大坂なおみさんへのバッシングも、もともと彼女のことをよく思わない人が声高に叫んだだけで。

村本　BLMに被せて、ネガティブなイメージのニュースに使われたということですよね。

海野　 その通りです。BLMには賛同しながら、同じ日本人が襲われているのに何も発言しない大坂さんは偽物だみたいなことを言う人がいましたけど、もともと彼女のことをよく思わない人が言ってるだけです。大坂さんからしたら全部のニュースなんてチェックできないし、僕のことを言うのも言わないのも彼女の自由だから全然構いません。

今もウクライナがこういう状況になって、ロシア人すべてを悪だと思う人がいることが本当に悲しいです。ロシアでも反対している人、抗議して逮捕される勇敢な人が大勢いる中、ロシア人全体が世界から非難を受けて、個人レベルで非難されているのを見ると、本当に切ないですよね。

━━アルバム『Get My Mojo Back』は、療養中のピアノを弾くことができなかった時期に作曲されたそうですが、生命力に満ちた演奏がふんだんに収められた素晴らしい一枚ですね。ヴィクター・シー・ユーエン（Victor See Yuen）のパーカッションも、いいアクセントになっていました。

海野　 ありがとうございます。録音が全部終わってから1曲目をどの曲にするか考え他のですが、僕はピアニストだからみんなピアノの音が最初に聴こえるのを期待しているだろうなと。だけどやっぱりジャズの原点はアフリカのリズムだから、原点回帰という意味でもヴィクターのコンガから入ってほしいと思いました。

━━タイトルの“Mojo” は「魔力」とか「もともとその人が持っていた力」という意味ですね。

村本　僕は音楽にまるで疎くて、ジャズについても『ラ・ラ・ランド』のライアン・ゴズリングが演じたジャズ好きの主人公から教えてもらっただけなんです（笑）。何年か前にマイルス・デイビス（Miles Davis）を知った時、感動して坂本龍一さんに「マイルス・デイビスって知ってます？」って聞いたぐらい。みんなに当たり前だろってめっちゃ怒られましたけど。

海野　あはは！

村本　そこから『バード』という映画を観て、チャーリー・パーカー（Charlie Parker）を知ったのですが、いつもジャズを聴くと夜のイメージというか、暗い中にバーっと連れていかれる感じがするわけです。だけど海野さんのこのアルバムを聴いた時は昼のイメージで、心が軽快になりました。朝からずっと１日中聴いて、ジム行く時も、ランチの時も、夜の闇に連れていかれないというか。太陽も似合うし、昼から飲むビールにも合うし、すごくいい気持ちになれて。

ちょうど今日、報告会みたいな感じで定期的に会社に呼ばれてとうとうクビになるのかってドキドキしながら行ったのですが（笑）、このアルバムを聴いてたら結構痛み止めみたいになって（笑）。心がすごく軽くなったから、楽しく会社に行けました。

海野　 よかったです。生活の中でいろんな方が思い思いに捉えてくれたら嬉しいです。一人一人違うように受け止めたとしても、そこで何か化学反応が絶対生まれているわけだし、それが嬉しくてたまらないですね。

僕は本当に大変なことを経験してレコーディング中も腕が痛くて辛かったのですが、完成したこのアルバムを今ヘビーローテーションで聴いています。よくこんなに飽きずに聴けるなってくらい。よくこんなソロを弾けているなとか、腕が痛いとか音からは全然分かんないなとか、自分自身が勇気づけられていて。

村本　へ──っ！

海野　今までそんなふうに思った作品は実はあまりないんです。ここ、もっとこうしときゃよかったなとか結構反省モードになるのですが、あの時できる最高の何かが生まれたなってことにすごく自信があって。それに腕の痛い中だからこそ生まれたって思いもあります。

村本　それはどういうことですか？

海野　絶好調だったら余計なことをやって、もしかしたら、よく思われようという演奏もしていたかもしれないけど、そういう余裕もないから逆によかったなって。

村本　できることを一生懸命やったと。

海野　そうです。できることにフォーカスして、持てる力の中で最大に爆発させる表現ができたなと思えるアルバムです。

━━その後、腕の回復具合はいかがですか？

海野　 今もリハビリを積んでますが僕は結構ポジティブに受け止めて、前はこれだけ弾けていたのにとか比べることはしません。とにかく今ピアノを弾けている、生きているだけでよかったって。いろんな人も復帰への願いも力になったし。もともとそういうふうに考える性格だったので、よかったなと思っています。

村本　ジャズって歴史があるじゃないですか？　例えば寿司だったら江戸前寿司みたいな伝統に対して、それを壊していくべきかどうかについては、どういうふうに考えているんですか？　『ラ・ラ・ランド』の中でも、ジャズはこうあるべきだ、いや変化させていくもんだってくだりが描かれていましたけど、時代に合わせていくべきなのか、それとも守るべきなのか？

海野　一般的にジャズって自由な音楽だと思われていますよね。もちろん自由に表現することはジャズの核だし、すごく大事な部分なのですが、自由ってそんなに甘くなくて。本当に自由に表現できる人はジャズの歴史をちゃんと踏まえているし、それが血肉となってもまだまだという思いで先人たちをリスペクトしています。それなのに昔の人の音楽は古いと思い上がったり、“俺は今を生きるから俺の時代の音楽をやるんだ！”って、まったく歴史を振り返らない人は、僕はジャズミュージシャンとは言えないと思っています。

ジャズって便利なワードで、何をしてもいいと勘違いしている人もいますが、そんな甘いものではありません。自由を得るためには、ジャズとどうやって向き合っているかを問われます。とにかくディープな音楽だし、僕自身、先人たちが苦労して築いてきてくれたおかげで好きになってやっているんだという気持ちを常に持っているから、そういう歴史を顧みないで俺はジャズミュージシャンですって言っている人がいると、腹立つこともありました（笑）。最近はあまりなくなってきましたけど。

村本　いっときあったけど、今はなくなった？

海野　ジャズをわかったつもりで、新しいことやりたいみたいな人がいるおかげで、自分が地に足つけてやってきたことが逆に際立つなと思うようになりました。聴く人が聴けば絶対分かることだから。

村本　確かに。お笑いでもみんな一生懸命いろんなものに手つけていった結果、芸人の定義がブレて、ぼやけちゃってるいる部分もあるんですよね。本来はマイク１本で笑いを取ることだったのに。でも、だからこそ自分のやっていることが逆に色濃くなるなと思います。

海野　別に人と違うことをやろうとしなくても、周りが全然違うことをやってくれているおかげで、自分の個性が引き立つことってあると思います。そういう意味では誰が何をやってようが関係ないし、心がハッピーで、自分がやりたいことを表現するのが一番なので、それで周りに左右されちゃうようだったら、まだ弱いと思います。そういう意味では村本さんとても強いと思います。今までも貫いてきているから、アメリカでもきっと大丈夫だと思うし。

音楽やってて何がよかったですか？みたいな話になる時、やっぱり音楽に自分が導かれたおかげで人と繋がったときが一番嬉しい。村本さんと今日こうしてお話しできたのも音楽をやってきたおかげだと思うし、村本さんもコメディをずっとやってきたから、こうして出会った。それも“Mojo”なんです。導かれるようにして会うべき人は会うし、偶然も実は必然だったりします。だから新天地でも会える日を心から楽しみにしています。

村本　ありがとうございます。……僕、なんでアメリカ行くの？って聞かれた時、「ちょっと差別されてみたい」ってことをずっと返していました。差別されたこともないし、日本で在日朝鮮人の人たちがヘイトクライムに遭っているニュースを見ると、自分も差別されたいなと。黒人の芸人が差別をネタにしてめちゃくちゃ面白かったことをなんとなく想像してました。

だけど海野さんの記事を見た時、これがリアルだと思いました。差別されてみたら面白いコメディができるんじゃないかという俺の絵空事が一気に吹き飛んで、恐怖に思えてきた。海野さんはまだアメリカでやっていくと言っていますが、どこかでもしまた万が一という怖さもある。

だけど俺はそれらと向き合いながら本当の痛みや不安を感じた時、いいコメディができる気がするんです。

海野　まったく同感で、いろんな人が心配してくれた中には僕のことを不幸だっていう人もいました。ただ、不運だったかもしれないけど、人からあなた不幸ですって言われるのは絶対違うと思います。幸せか幸せじゃないかは本人が決めることだから。僕は不運だったかもしれないけど不幸じゃなかったと思えるのは、自分の経験を音にできているから。何もかも恵まれて安定している人には出せない音を自分は出せると信じていますから。村本さんも同じで、いろんな経験をした人のやるコメディは、それだけいろんな人に必ず届くと思います。

海野雅威 1980年、東京生まれ。 4歳からピアノを弾き始め、9歳でジャズピアノを始める。 東京藝大在学中の18歳からミュージシャンとして活動を始める。鈴木良雄・伊藤君子・大坂昌彦らシーンを支える多くのミュージシャンと共演し若い世代の旗手的存在であったが、さらにジャズのルーツや文化に触れる為、2008年にニューヨーク移住。ゼロから新たにスタートした新天地でもトップミュージシャンに認められ、故ジミー・コブ (ds) クリフトン・アンダーソン (tb) ウィナード・ハーパー (ds) 故ロイ・ハーグローヴ(tp) ジョン・ピザレリ (gt,vo) ジャズミーア・ホーン (vo) 等のバンドでの活動の他、自身のトリオでも演奏を行っている。

2013年にはヴィレッジ・ヴァンガードでジミー・コブ・トリオのピアニストとして 日本人初出演。その一週間公演は、オーナーであった故ロレイン・ゴードンをはじめ、耳の肥えた地元ジャズファンを唸らせ本場ミュージシャンの仲間入りを果たす。

2014年、敬愛する名ジャズピアニスト、故ディック・モーガンのトリビュートコ ンサートのピアニストに推挙され、古くからの地元ファンに歓迎された。以降ワシントンD.C.を中心にかつてのディック・モーガンのバンドメンバーと共に演奏活動も行っている。

2016年6月、ジミー・コブ・トリオのレコーディングで訪れた伝説のヴァン・ゲルダー・スタジオで、レコーディングエンジニアのパイオニア、ルディ・ヴァン・ゲルダー(当時91歳)にその才能を称賛される。その二ヶ月後、8月25日に惜しくも逝去され、ヴァン・ゲルダー氏の生涯最後のレコーディングピアニストとなる。 同年10月、現代の音楽界を支える多くのミュージシャンを輩出している名門ロイ・ハーグローヴ(tp) クインテット日本人初のレギュラーメンバーに抜擢され、ロイが亡くなるまでの2年間世界各地を回るツアーを行う。

2020年9月27日、コロナ禍のニューヨークにてアジア人ということだけで襲われ、重傷を負う。緊急手術後に一時帰国し、約半年に及ぶ治療を行った後、アーティスト活動を再開すべく、2021年に再度ニューヨークへ渡航。8月にブルーノートNYでジョン・ピザレリ・トリオで演奏に復帰、秋には日本でも「奇跡の復活ツアー」を敢行し、ブルーノート東京で千秋楽を迎える。差別や暴力に屈せず、混沌とした時代だからこそ音楽の力を信じる姿は、NHKスペシャル「素晴らしき世界~分断と闘ったジャズの聖地~」でも取り上げられ、大きな反響が寄せられる。

また、惜しまれつつ世を去った日本の名ジャズ・ピアニスト世良譲、ジャズ・ピアノの巨匠ハンク・ジョーンズ、テナー・サックス & フルートの巨匠フランク・ウェスが、晩年最も期待を寄せていたピアニストでもあり、CDでの共演の他、音楽のみならず人生の師として交流を深めていた。2010年5月16日、世界中のジャズファンに愛され最後まで音楽への情熱を燃やし続けたハンク・ジョーンズ が 91年間の人生に幕を閉じる時、その最期に立ち会う。師の志を受け継ぎ、自己の音楽を追求することで本分を全うしていきたいと強く感じている。

これまでの主な共演者は、Roy Hargrove, Jimmy Cobb, John Pizzarelli, Frank Wess, Joe Wilder, Jimmy Heath, Houston Person, Slide Hampton, Clifton Anderson, Scott Hamilton, Harry Allen, Al Foster, George Mraz, Ray Drummond, Ralph Moore, Vincent Herring, Javon Jackson, Eric Alexander, Peter Bernstein, John Webber, David Williams, Curtis Lundy, Wallace Roney, Eddie Henderson, Hassan J.J. Shakur, Essiet Okon Essiet, Jim Cammack, Gerald Cannon, Willie Jones III, Annie Ross, Mary Stallings, Roberta Gambarini, Jazzmeia Horn, Steve Williams, Chuck Riggs, Steve Nelson, Dave Pike, Chuck Redd, Nicki Parrott, Russell Malone, Eddie Allen, Patrick O'Leary, Peter Washington, Kenny Washington, David Wong, Yasushi Nakamura, Jerome Jennings, Dezron Douglas, Jovan Alexander, Jonathan Barber, Ben Solomon, Kojo Roneyなどで、幅広い世代のミュージシャンに信頼を置かれている。演奏を通して様々な人と出会い、その人柄に触れながら日々学んでいる。

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村本大輔（ウーマンラッシュアワー） 1980年生まれ。 お笑いコンビ、ウーマンラッシュアワーのネタ作り、ボケ担当。 2008年に中川パラダイスとコンビを結成し、「THE MANZAI 2013」チャンピオンに輝いた。

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JINTANA & EMERALDSが結成10周年で初のワンマンライブをBlue Note東京で開催。この度、まるでエキゾな海外旅行をするような夢見心地なライブのレポートが到着！

1月14日、BLUE NOTE TOKYOにて、横浜のレーベルPan Pacific Playa発のネオ・ドゥーワップバンドJINTANA & EMERALDによる初のワンマンライブが開催された。1stアルバム『DESTINY』がミュージックマガジン誌の2014年ベストアルバムJ-POP／歌謡曲部門1位に選ばれるなど大いに話題になった彼ら。そこから7年のブランクの末、昨年ついに2ndアルバム『エメラルドシティ・ガイド』をリリース。架空のリゾート都市エメラルドシティへの旅をテーマにしたこのアルバムも、シングル曲“Love Again feat. Los Retros”がクレイジーケンバンドによる本牧レコード大将に選ばれるなど話題になり、ついに満を持してリリースパーティがブルーノート東京で行われた。

コロナ対策により席は減らされつつも、1stステージは大盛況、2ndステージもソールドアウトとなり大いに期待感が高まる中、ブルーノートの階段を降りると、そこはすでに架空の街、エメラルドシティに訪れたような気分にさせられる装飾で彩られていた。

ステージの右には、植物の中からエメラルドの光が漏れる、オブジェともいえるスチールギタースタンドが設置。これはアルテ・ラグーナ国際美術賞（イタリア・ベネチア）なども受賞し国内外で活躍するアーティストYU KATO（加藤ユウ）とNEST DESIGN STUDIOにより制作され、南洋の花々の中で光るエメラルドが浮遊し回転するという不思議なものであった。このスタンドは、カットされたエメラルドをイメージし、三角形だけで構成されたもので、その上にスチールギターも三角形に配置された神秘的な造形に。さらにステージにはYU KATO（加藤ユウ）による花の造形も添えられ、ステージ全体が、ビーチサイドのエキゾチックな都市のライブショーのような様相を見せていた。そして、JINTANAによる甘美に歪んだスチールギターソロが始まると、スクリーンには、物語を始めるように、テロップが現れた。

そのテロップが終わり、会場は船が出航するかのような高揚感に飲み込まれていくと、エメラルド色のドレスに身を包んだ、TOI EMERALDS a.k.a. 一十三十一、CAO EMERALDS a.k.a. カミカオル、HIKARI EMERALDS a.k.a. ひかりがステージに登場。そしてTOI EMERALDSが「恋人への想いを風にのせて届けたい」と願う“Oh! Southern Wind”が始まる。まるでヴィンテージな映画の世界に迷い込んだような没入感に浸っていると、1stからの代表曲“HONEY”のスウィートな声に魅了される。3曲目では、新メンバーHIKARI EMERALDSによる“太陽のせい”。エモーショナルな歌声が、今回ミキシングを担当したDUB MASTER Xによるダビーで浮遊感溢れる音響演出により、夢の中のような雰囲気となって会場に響き渡っていく。

そして、CAO EMERALDSによる“Emerald Lovers”では、懐かしさがこみ上げるオールディーズ調のメロディに酔いしれる。続く“DESTINY”ではKashifのトークボックスに会場が湧いた。南條レオの生ドラムでよりグルーヴィに進化した“Summer Begins”のあと、ボーカル三人は椅子に座り、アコースティックパートへ。ボーカルとギター・ベースだけの研ぎ澄まされた構成で披露された“Moon”“Let it be me”は、歌のハーモニーの美しさがより際立って会場を魅了した。

ここでスペシャルゲストのsauce81が登場。ソウルフルに歌い上げる彼の美声と、TOI EMERALDSの声のデュエット。ギターKashif、ドラム南條レオの熱い演奏がグルーブし、会場の興奮は最高潮へ。続く“Mirage”では、JINTANAのスチールギターが煌めく。JINTANAは今回のライブに向け、戦中・戦後に活躍したスチールギタリスト、バッキー白片に所縁のあるハワイアンミュージックバー「バッキー」で研鑽を積んだとのことで、魅惑的な音色が冴え渡っていた。そして、La’sのカバー“There She Goes”、サックスの浦野紘彰を迎えた“Emerald Glass”、ラストのダンサンブルな“18 karat days”で会場が熱を帯びたまま本編が終了。

アンコールは、HIKARI EMERALDSによる“RUNAWAY”とCAO EMERALDSによる“Drip Trip”のメドレー。ひかり a.k.a. HIKARI EMERALDSは、今回のステージが初参加となる新メンバー。MimeやTokimeki Recordsなどで活躍する注目のシンガーだ。彼女の歌う“RUNAWAY”は、その歌詞で歌われている、迫り来る爆破から銀色に輝くハーレーに乗った男女がビーチサイド・ハイウェイを逃げていくストーリーが眼に浮かぶような迫力に満ちていて、会場はその世界観に心打たれた。

そして、メドレーで続く“Drip Trip”では、CAO EMERALDSの歌声と、Kashifの怒涛のギターソロが観客を魅了。

最後の曲は、愛奴のカバー“二人の夏”。三人の歌声に加え、再登場したsauce81が美しいハーモニーを重ねる中、サックスの浦野紘彰の波のような穏やかなメロディーが鳴り響き、客席はエメラルドのビーチサイドのような多幸感に包まれながらフィナーレへ。

ドリーミーでスイートでエメラルドなボーカルにメロディとリズム。それらを時にダビーに、時に幻想的に響かせるDUB MASTER Xのミキシング。そして終始会場を包み込んだVIDEOTAPEMUSICの光と風と夢のような映像と、YU KATO（加藤ユウ）＋NEST DESIGN STUDIOによる幻想的な舞台装置。

ブルーノートの仄暗くラグジュアリーな階段を降り、案内された席に着いてからライブが終わるまで終始、架空の街＂エメラルドシティ＂にあるライブハウスを訪れたような、本当に夢の中でライブを観ているような感覚だった。何よりも、Hikari Emeraldsの参加と南條レオの生ドラムのサポートによりライブバンドとして進化を遂げた、新生JINTANA & EMERALDSの音楽とパフォーマンスをライブで直接観れたことの嬉しさとライブ後の幸福感は、何物にも変え難い貴重で素敵な体験だった。

最後に舞台装置を作ったYU KATO（加藤ユウ）のコメントを紹介したい。

━━今回のコラボレーション相手である長岡さんは、2014年にリリースした1stミニアルバム『BLU』でプロデュースに入って以来、数年ぶりのタッグとなりますよね。

再会した気持ちです。私にとってすごく特別な人ですし、次もまた「自分にとって分岐点になるようなタイミングでご一緒したいな」とずっと思っていました。

━━最初の出会いはいつだったんですか？

私が出入りしていたライブハウスの楽屋に（長岡）亮介さんがよくいらしてたんです。2人ともフランスの旧車・シトロエンが大好きなので、それで話を聞くうちに、蓋を開けてみたらずっと学生時代から慣れ親しんでいたアーティストの長岡亮介だった、という。運命のいたずらみたいな出会いでした。

━━もともと彼の音楽は聴いていたんですね。

そうです。そこからずっと亮介さんの背中を追ってきました。ギタリストの部分に焦点を当てられている場面が多いと思いますが、佇まいや物事の考え方、そして歌詞の言葉選びや、メロディラインなどは以前から共鳴するところがあって、それで『BLU』を一緒に制作しました。

━━じゃあ、そのライブハウスでの出会いが、本当にエポックメイキングな出来事だったと。

そういう出会いがたくさんあったので、私にとって、そのライブハウスは大切な場所なんです。東京で思い出深い場所といえば、そこが浮かぶくらいに。

長岡さんも然り、そこで生まれたコミュニティは今でも続いています。藤原さくらさんとコラボした前作に参加したハマ・オカモトさんもそうだし、赤い公園やGLIM SPANKY、Suchmos、Base Ball Bearも。それまでの音楽人生はたった一人で活動してきた気持ちが強かったので、同じ志を持った人にやっと出会えた感覚がありました。

━━以前『BLU』でも共作した長岡さんを、なぜ今回プロジェクトのコラボ相手として再びオファーしたのでしょうか？

彼と久々にタッグを組み、改めて自分が今まで培ったものを表現したいと思ったからです。『BLU』をリリースして以降はセルフプロデュースで自ら舵をとって活動していたので。

もともと『BLU』という私の処女作も表向きは“プロデュース”という表現を取っていましたが、厳密には関係の優劣なく対等に扱っていただけました。今回もイーヴンな関係性はそのままに一緒に曲を作りたかった、というのがあります。

━━Reiさん自身が『BLU』の時期から成長しているのでは、と思います。実際に数年ぶりに長岡さんと共作してみて、変化を感じる瞬間はありましたか？

いろんな活動を経て視野が広がり、亮介さんのすごさに改めて気づきました。凛とした佇まいだけど、とても気さくで気配りができる人。クールなので、初めて会った時は「何を考えているんだろう」って分かりにくかったけど（笑）、今は内に秘めた音楽、大切な人に対する情熱を感じ取れます。そういうところは私が大人になったからわかるようになったのかもしれません。

印象的だったのは、最初にデモ曲を共有した時に「イイね！」とか「他の曲はないの？」という感想ではなく早速「じゃあこの部分はジョニー・キャッシュ（Johnny Cash）みたいなアレンジにしようか」という提案から入ったことです。それって言わずして認めてくれた、ってことなのかなと。態度としてそれが伝わってきたのは嬉しかったです。

あと、『BLU』の時は私も「自分が鳴らす音楽はこうあるべき」という固定観念があって、そこから逸脱することを恐れていたんだなと実感しました。年数を経て、臨機応変に柔軟に応えられるようになったことは、私にとって一つの成長だったかもしれません。

今でも臆病なタイプですが、当時、亮介さんが「違和感って必ずしも悪いものではないんだよ」と教えてくれて。それがその後の活動においての礎になっているんだなと感じました。

━━では、実際にレコーディングに入ってから感じた「長岡さんのすごさ」は？

亮介さんはどんな場所でもフィットする演奏力を持ち合わせているけど、どこにいっても揺るがない長岡亮介イズムがある。みんな、そのイズムを求めてオファーしているんだろうなと感じました。

しなやかだけど強さもある。ゴムみたいですよね（笑）。曲げて形は変わるけど、折れはしなくて。逆に硬すぎると折れたり砕けたりするじゃないですか。その根幹はカントリーというルーツや、物事への考え方・価値観ありきで形成されているんだと思います。

実際にレコーディングに入った時、ギターソロのアプローチで私の考えていたアイディアがあって。レコーディングで亮介さんに「こうしたらいいんじゃない？」と別アプローチの提案をいただきました。亮介さんは曲の重要な場面で、大切なアドバイスをくれる。それは「柔軟さ」ありきだなと感じました。

何より亮介さんのギターの音色は、「ザ・長岡亮介のギター」なんですよね。シグネチャートーンを持っていて存在感があります。ギターの音色は私と亮介さんで全然違うので、ぜひ聴き比べてもらいたいです。

━━今回、楽曲になぞらえて、カントリーハウスで取材と撮影をさせてもらっているのですが、Reiさんが初めてカントリーハウスを訪れたのはいつですか？

初めて来たのは亮介さんと『BLU』を作っている時です。亮介さんがライブをする時に何度か観に来ました。 実は、今回の曲もリハーサルでここを使わせていただいたんですよ。それで久々に訪れました。

━━この場所は、長岡さんのホームでもありますからね。

だからこそ、今回のコラボでは赤坂カントリーハウスのバンドの方々に対する情熱も感じました。カントリーハウスは亮介さんが学生の頃から出入りしている大切な場所。彼がお世話になっている方を私に紹介し「私の曲を一緒に演奏しよう」と言ってくれたのは嬉しかったです。

実は、カントリーハウスが45周年を迎える、というのもオファーした背景の一つです。3者のメモリアルな曲になったと思います。いつかこの箱で今回の楽曲が演奏できたらいいですね。

━━今回、赤坂カントリーハウスに出演しているプレイヤーがセッションに参加していますが、彼らと演奏した印象をぜひ教えてください。

実は『BLU』に収録されている“my mama”という楽曲に長坂勇一郎さん（Ba）は参加していただいています。彼は2021年のグッドキャラクター賞！　洋服も可愛いし人情深くて、ベースも個性のある演奏をされます。

そして今回、初めてご一緒した尾崎博志さん（Gt etc.）や河崎真澄さん（Dr）、手島宏夢さん（fiddle）もキャラクター、演奏いずれも個性が強かったです。博志さんはカントリーマナーへのアレンジメントをご一緒させていただいたのですが、彼のペダルスチールやバンジョーで世界観が広がりました。

真澄さんのドラムは、プレイもそうなのですが、風通しの良い音色が好き。宏夢さんのフィドルも、軽やかさがありながら歌心もあって、尊敬できる方ばかりでした。おかげで、自分の曲になかった、奥行きのある曲に仕上がりました。

今回の曲は「カントリー・ロック・チューン」と呼んでいるのですが、まさにそのミクスチャー具合は聴き応えがあると思います。

私のルーツであるブルーズって発祥を辿ると、いわゆる“ぼっち音楽”なんですよ。一人のブルーズマンが自分の憂鬱や記憶を歌い始めるところからスタートしていて。

でもカントリーは私の中でファミリーミュージック。みんなで一緒にやる音楽なんです。風通しがよくて、明るくて爽やかなイメージ。あと、ブルーズは元々黒人文化で、カントリーは元々白人文化。カルチャーの背景にも対比があって、その音楽性がクロスするのは面白いですよね。

━━そこである意味、対照的な2つのジャンルがクロスするのは確かに面白いですね。

亮介さん自身にシンパシーを感じることがいっぱいある、というのも大きいかもしれません。私が関西のブルーズコミュニティを心の故郷だと思っているように、亮介さんもカントリーミュージックを自分のルーツに持ち続けている。そのシンパシーはあります。

━━Reiさんがカントリーに興味を持ったのは？

亮介さんにドワイト・ヨーカム（Dwight Yoakam）を教えてもらってからですね。最近はブラッド・ペイズリー(Brad Douglas Paisley)というシンガー・ソングライターにハマっています。彼の影響でカントリーを聴くようになったし、ギターのフィンガリングをはじめ、新しいカルチャーに出会えたことは嬉しかった。もっとカントリーを知りたいと思いました。

━━“変化”という点でいうと、今回の“Don’t Mind Baby with 長岡亮介”では、日本語と英語のミクスチャーが『BLU』よりも、しなやかになっている印象がありました。そういった言葉の変化の違いを、Reiさん自身が感じることはありますか？

違うと思います。歌詞の面でいうと、この7年間は“日本語との格闘の7年間“だったので。英語と同じくらい、日本語で表現することに執着がありました。

英語と日本語は隣同士の部屋なんだけど、扉も窓もない分厚い壁で隔てられていて。遠回りしないとたどり着けない。でもこの数年をかけて、細い釘でずっと壁を崩していて、そこにやっと穴が空いたのが今。近いのに遠い、という言語のハードルが、徐々に無くなってきたので、歌詞もあわせて読んでもらいたいです。

━━それは、先日開催されたブルーノート東京でのセッションライブ＜JAM! JAM! JAM!＞でも感じました。そして今回の歌詞は、出会いありきの別れをテーマとした楽曲ですよね。

「出会い」には必ず「別れ」がある、というのがドライブのようだと思って。車に乗り込むということは、目的地にたどり着いたら必ず降りなければいけないわけで。でも、別れを知っているからこそ、今一緒にいる時間を大切にしたくなる。

今回、バンドの録音をした日にいろんな感情が入り乱れて。深夜2時に私のソロを録って、その日は終了だったのですが、最後は鼻水垂らして泣きながら録っていました（笑）。

━━なぜですか！？

感謝もありましたし、音楽を続けられていること、お互いがそれぞれの道を歩いていて再会したことの感動もありました。自分がちょっと大人になったからこそ話してくれたのかな、という亮介さんとの会話もあって。認められたじゃないですけど、自分がやっと対等になれた気がしました。

曲の内容と亮介さんと音楽を作る時間が、また再会するまでに出会いと別れを繰り返したことが走馬灯のように巡って。亮介さんには「なんで泣いてんの！」ってツッコまれましたけど（笑）。

━━ちなみに今回の楽曲のテーマは長岡さんとのコラボありきで決まったんですか？

曲自体は亮介さんをイメージしたのですが、歌詞は自分の大切な人が別れに心を痛めていて、その人に元気を出して欲しいなと思い書きました。

ただ、前作の（藤原）さくらさんとの楽曲でもそうでしたけど、今回の“QUILT”プロジェクトは何かを断定するのではなく、想像の余白を作るような曲にしたいんです。

離れ離れの恋人について歌った曲にもなるかもしれないし、友達の曲かもしれない。どちらかというと、私はこの世にいない人が助手席に座っていて、運転している誰かを見守っている気持ちで歌詞を作りました。カジュアルにも聴こえるし、死生観についての曲にも聴こえる。いろんな人のパーソナルな気持ちを受け止めるような、ゆとりのある曲ができたと思います。

━━それはジャケットで女の子の隣に乗っているのが、犬であるのも関係してきそうですね。

男性にしちゃうと亮介さんだって断定することになるし。見ている人が自分の大切な人と置き換えられるようにしたかった。亮介さんが白いシトロエンでよく現場にきていたので、その車に乗った女の子と犬。今回もバイカラーにして、私は「青」、亮介さんは「緑」で表現しました。亮介さんが愛用しているV型のギターも緑色だし、ペトロールズのアー写でも緑色のシャツを着ているから。

━━過去のインタビューで「パーソナルな曲を作りたい」とReiさんが言った直後、キャリアの中ではもっともパーソナルな感情を描いたアルバム『HONEY』が完成しました。今回はそれ以上に、人々にとっての“パーソナル”に触れるような作品になったのではと思います。

確かに『HONEY』での気づきはありました！　 私は自分のことしか歌えないと思ったし、自分が強く信じている感情を描くべきだなって。

今回、亮介さんと対話を重ねる中で言われた「（Reiは）スマッシュヒットしたいわけじゃないじゃん。いい音楽を作りたいタイプじゃん」という言葉に救われました。

私は「売れたい」という気持ちも人一倍あるタイプだけど、その「売れる」っていうのは、良い音楽を愚直に作り続けた結果の1つじゃないですか。

私が「いい音楽をやってる人」として亮介さんに認定されているという嬉しさもあったけど、同時に「世の中に迎合して音楽をやるのではなくて、自分の信念を持ちたい」ということを再認識させられた瞬間でした。『BLU』が今までの私にとってそういう作品だったように、これからもこの作品に立ち返ると思います。

石若による切れ味鋭いドラムソロによって、華やかに幕を開けたブルーノート東京・1日目。まるでウォームアップをするかのようにメンバーが一人ずつハーモニーを重ねていき、徐々にグルーヴが整っていく。最後にReiが壇上へ上がると、客席からは歓迎の拍手が湧き上がった。 この日に演奏されたのは、Reiのオリジナル楽曲を中心に構成されていた。セットリストだけを見ると、普段の彼女のソロライブとはさほど変わらないかもしれない。しかし、この日は確実に普段のライブと一線を画す点があった。なんと、ほとんどの曲で＜JAM！ JAM！ JAM！＞向けのアレンジが施されていたのだ。

ファンキーなグルーヴにはじまり、しっとりとしたブルースを経て、終盤に向け一気に加速していくように構成された今回のセットリスト。なかには限りなくオリジナルに近い状態で披露された楽曲もあった。 しかし、鉄板のキラーチューンがいつもよりジャジーになっていたり、緩やかなダウンテンポの楽曲はメロウさが増していたり……と、まさに“ブルーノートらしさ”をアレンジのなかで垣間見る瞬間が多々あった。 同時にこれらのアレンジは、今回集まった吉田、TAIHEI、石若という“シーンきっての個性派”とのコラボレーションが実現したからなし得たのだ、と痛感。各々のバックグラウンドやルーツが異なっているからこそ、ジャンルを横断する複雑な味わいのフュージョンが生まれていた。

「お客さんやサポートミュージシャンと目があう時『以心伝心してる』と思う瞬間があるんです。それが生々しく伝わるよう、ブルーノートと相談しながら準備を進め、今日に至りました」 ReiはMCでそう述べていた。実際、その日は目を背けられなくなるほどの生々しさをステージから感じ取った。

私はステージから見て後方寄りに座っていたが、それでもReiたちの様子はディテールまで――アンプを通らない弦をキュッと擦る音やライトで反射する汗、メンバー同士のアイコンタクトなど、ほんの僅かな情報すら掴み取れた（セッション中の「次俺？」「ごめん！」といったマイクを通さない会話が聞こえた時には、さすがに驚いた）。 というよりも、今回のライブは普段に比べ“観る側／観られる側”の境界が曖昧だった。それは、単純に普段彼女が出演するようなベニューよりもステージが低いから、といった構造上の問題だけではなかったように思う。 Reiは客席にクラップを求める際「ジャムセッションっていうのは、演者がセッションするだけでは成り立たないんですよね」とフロアを煽っていた。この言葉の通り、オーディエンスに座る我々ですら、セッションに参加するメンバーの一員になれていたのだ。物理的に、心理的に距離が近かった。

最後のアンコール曲では思わず観客がスタンディング、私が今までに観たどの現場よりもフロアが波打っていた。声は出さずに各々が自由に踊る情景。誰もがマスクの下では満面の笑みを浮かべていたと思う。 Reiにとっては昨年9月、GLIM SPANKYとのオンラインライブ「Reiny Friday -Rei&Friends- Vol.11 Net Surfing!」を実施して以来となるブルーノート東京での公演だった。ブルーノートは彼女自身も観客として何度も足を運んだという、思い入れの強い場所だ。舞台上で楽しそうに暴れるReiを観るうちに、ふと昨年実施したZoomインタビューで彼女が言っていたことを思い出した。

ライブしたい！ お客さんと騒ぎたいのもあるけど、好きなミュージシャンと一緒にステージで演奏したいです。ステージの上で一緒に演奏している感覚が尊くて、恋しい。

引用元：2020年5月 インタビュー

ちょうど＜JAM！ JAM！ JAM！＞の初日は長岡亮介との楽曲“Don’t Mind Baby”リリース日だったこともあって、12月10日は彼女にとって「記念すべき日」だったそうだ。様々なアーティストとのコラボレーション楽曲を発表していくプロジェクト“QUILT”も然り、また＜JAM！ JAM！ JAM！＞も然り、現在の彼女は昨年に引き続き、人との “化学反応”を渇望しているように思う。 これからその意欲が加速していくかもしれないし、一周したのちにソロ活動へと帰結するかもしれない。ただ、確実に「今しかできないこと／今だからできること」を彼女は追求し続けるだろう。これからもインタビューやライブを通し、動向を追い続けたい。

最後に、12月10日終演直後の楽屋を訪問。白熱のセッション初日を終えた彼女・彼らに感想を聞いた。 Rei 異種格闘技という感じがして楽しかったです。3人に共通しているのは、セッション中にお互いのことをよく見ていること。そして自分のやっている音楽に誇りをもっていることでした。迎合していないし。そういうところが信頼できる。今日のライブで歌いながら3人のことを見て、それを強く感じました。 吉田一郎不可触世界（Ba） すごく今、感動しています。このメンバーは僕にとってすごく特別。大事な音楽の友人なんです。だからサポートメンバーとしては良くないかなと思いつつ、つい感情的に演奏してしまいました。まだ初日なので、ちょっとずつ平常心を取り戻して大阪を迎えたいです。 TAIHEI（Key） 初日、走りきりました。大阪もみんなで一緒に走りきろうと思います。最高のバンドです。 石若駿（Dr） 楽しかったです。タフなバンドだなと思いました。あとはReiちゃんが最強だった。エネルギーとアイデアと瞬発力があって。プレイヤーもそうですけど、観客の皆さんにも、もっとReiちゃんのヤバさを体感してほしいです。「一緒にやったらやべーぞ」っていうのを知ってもらいたいですね。

12月23日（木）にはビルボードライブ大阪にて同様のメンバーによる＜JAM！ JAM！ JAM！＞を開催予定だ。場所と地域が変わるぶん、ブルーノート東京とはまた異なる雰囲気を楽しめるはず。チケットは発売中となっているので、チェックしてほしい。