──まずはRISAさんが楽器を演奏したり歌ったりするようになったきっかけを教えていただけますか？

RISA　3歳くらいのときに失明したことが最初のきっかけです。そこから少し視力が戻ってきた頃に、弱視なぶん聴覚に特化したほうがいいと、音楽好きの両親がピアノを習わせてくれたり、いろんな音楽を聴かせてくれたりしました。その頃はオールディーズ、なかでもバラードやラバーズレゲエなど、リラックスできる音楽が好きで、そこからさらにいろいろと聴き進めていくうちにジャンルを発見する喜びを知ったんです。「こういうテイストもあるんだ」、「こんなリズムもおもしろい」とか「言い回しにもいろいろあるんだな」といった感じで、新しい作品に出会うことがほんとうに楽しかった。

──なかでも印象的だった作品は何ですか？

RISA　音楽作品ではないのですが、小学校から中学に上がる頃に、映画『天使にラブソングを 2』を観てローリン・ヒル（Lauryn Hill）の歌声を聴いたことですね。すごくソウルフルで大きなパワーを受け取ったような感覚になって、全身に鳥肌が立ちました。そして劇中でフィーチャーされていた、ゴスペルやR&B、ヒップホップというジャンル／カルチャーを好きになったことで、子供の頃から家で流れていたそれらと繋がりの深いレゲエやジャズなどもさらに掘り下げるようになりました。自己主張のある音楽、伝わるソウルを持っている音楽に惹かれるんです。

──歌を始めたのはいつ頃からですか？

RISA　歌うことはずっと好きでしたが本格的に始めたのは高校に入ってからですね。音楽科がある学校で最初はピアノを専攻していたんですけど、自分のなかで「歌うことのほうが好きかも」と思うようになってきて。とは言えクラシックの学校だったので私の好きなR&Bなどを学校で学ぶことはできず、声楽を選びました。

初めて人前で歌ったのもその頃で、友達がピアノを弾いてくれて、マライア・キャリー（Mariah Carey）の曲を披露しました。あと、私の地元長崎県の佐世保はアメリカのカルチャーが根付いていて、ジャズなどを演奏している場所がけっこうあったので、私もバンドに混ぜてもらって歌っていました。

──佐世保はどのような町なのですか？

RISA　日本でいちばんベース（米軍基地）の人と地元の人の仲が良いと言われている町です。長崎は歴史的にカトリックが多いということもあると思います。海軍のビーフシチュー、レモンステーキ、全国的にもご存知の方も多い佐世保バーガーのもとになったハンバーガーなど、アメリカの食べ物も子どもの頃から食べていました。2kmあるアーケードや公園にはブロックパーティーじゃないですけど、ダンサー、スケーターやBMXをやっている人などが集まっていて、DJが音楽をかけている。私もそこでよく歌っていました。

──その後の渡米もある意味必然だったと言えますね。

RISA　私がいた高校の音楽専攻の人は基本的に音大に進むんです。でも私はクラシックを音大で学ぶより、並行して学んでいたフラワーアレンジの専門学校に進むことにしました。両親がお花関係の事業をしていたのもあり、お花や植物は私にとって音楽のように自然なもので好きだったんです。そこで両親の勧めもあってオランダ留学の話が出てきたんですけど……。

──長崎と言えばハウステンボス（オランダ村）、花ということですか？

RISA　そうですね、父もオランダにネットワークがあって、でも私は留学をするなら英語を勉強したいから、アメリカに行きたいと話しました。

──そこでなぜLAだったのですか？

RISA　NYと迷ったんですけど母がNYは大都会すぎて心配だって。とりあえず行くならLAに3カ月ほど、ということになりました。でも3カ月では足りるはずもなく、いったん帰国するもすぐに戻って3年くらいいました。結果、LAでよかったと思います。私は長崎という西の出身。アメリカの西と東も日本の感じと似ているんですよね。西のLAは九州のようにレイドバックしていて過ごしやすい。フレンドリーな人も多い。東のNYは大雑把に言えば東京みたいで、街も人も忙しいイメージですね。

──音楽性の違いもありますよね。

RISA　そうですね。ウエストはレイドバックしていて開放的。イースト／NYはコンシャスとかスタイリッシュといった言葉がはまるような音楽が多い。サウスはベースが強くて跳ねていてダンサブルみたいな。

──LAではどんなことを学んでいたのですか？

RISA　大きな音楽学校ではなくパサデナにあるプライベートスクールに通っていました。音楽の理論的なことはクラシックを学んだ段階で程度わかっていたので、自分の好きなジャンルにおける実践的なことを勉強しました。K-Ci & JoJoのバンドメンバーに作曲のディレクターとしてついてもらい、曲をコンポーズするやり方を教えてもらったり、現役のゴスペルシンガーからパフォーマンスやボーカルアレンジについて学んだり、とても充実していました。

──帰国後ともに〈R2 Recordz〉を立ち上げたROROはサウスのフロリダ出身ですが、どこで出会ったのですか？

RISA　ROROとは沖縄で出会いました。ミックスの孤児をサポートするチャリティーイベントがきっかけで、出演者同士音楽の話をしていたらすごく気が合ったんです。ROROはプロデューサーで私はシンガーソングライター。じゃあ一緒に何かしようという話になり、曲製作や共演しているうちに自然の流れで〈R2 Recordz〉を立ち上げました。

──ROROとは好みが似ていたのですか？

RISA　好みもそうですけど、音楽と向き合う感覚が近かったんです。ちょうどそのときソウルジャ・ボーイ（Soulja Boy）がヒットしていて、ROROに「どう思う？」と訊かれたことはよく覚えています。ソウルジャ・ボーイが世に出てきた頃、彼のスタイルはヒップホップやラップの歴史・カルチャーと向き合い、コンシャスな表現している人からすると異質というか、受け入れ難い存在でした。

──ネタみたいな感じですよね。

RISA　そうですね。子供向けでダンスも誰でも真似できるようなことをやっていた。それに対して私は「彼が受け入れられない理由はよくわかるけど、自分の個性をうまくマーケティングしていると思う」と答えたら、「そういうところまで見ているんだね」と言ってくれました。お互いどこかに偏ることなく、一つの物事をいくつかの角度から見るタイプなんです。そしてソウルジャ・ボーイが来日した時に私たちがオープニングをすることになったところまで、今思うと我がことながら興味深い展開だったと思います（笑）。

──そして2013年にはRISAさんも共作者に名を連ねるROROのファーストアルバム『Road To Success』をリリース。ミュージックビデオにもなっているRISAさんがフックを歌う“Doesn't Mean I'm Lost”は、熱のこもったROROさんのラップとスムースなRISAさんの歌のマッチが印象的なヒップホップとR&Bのコラボナンバーです。

RORO　この曲は私がまだアメリカと日本の間を行ったり来たりしていた頃にビートを作って、フックのメロディをRISAに歌ってもらうようにお願いして、というやり取りを繰り返して制作しました。「ネバー・ギブ・アップ！」と叫んでいるところは、実際に釣りの大会で大逆転優勝して興奮している人の声を録って使っています（笑）。

RISA　負けそうな状況でもまだ負けと決まったわけじゃない。その熱がユーモラスに、表現できていると思います。

──そういった作品のリリースだけでなく、『R2 RADIO』のような、カルチャーを伝える取り組みもされています。

RISA　『R2 RADIO』はもともとROROが福岡のLOVE FMでやっていた番組「RORO RADIO」の延長版です。

RORO　エンターテインメントは音楽を作ることだけじゃない。アーティストから見た音楽やアートの魅力を伝えることができたら面白いと思いました。

RISA　例えば、かつてのヒップホップのファッションと言えばオーバーサイズというイメージがあるじゃないですか。それは誰かのおさがりだからとか、帽子の被り方は気分のサインだったりチームの分け方だったりするとか、そんなHIPHOPカルチャーの話をしていました。

RORO　あとは日本人が持っていたヒップホップに対する固定概念を崩したかった。声の大きな人が「Yo! Yo!」みたいな。

RISA　実際ROROはラップもするけどすごくチルな性格ですし。そういうウンチクって、私もそうなんですけどけっこうみんな好きじゃないですか。だから番組は好評で、東京のInterFM897でやることになったんです。そしてROROは引き続きヒップホップやトレンドの話、私はソウル、R&Bやジャズの話をよくしていました。

──そして、その『R2 RADIO』をLAのヒップホップレジェンド、The Pharcydeの『Pharcyde TV』からも発信するようになりました。彼らとの出会いはもしかしてRISAさんがLAにいた頃ですか？

RISA　いいえ。日本に帰ってきてからです。彼らがBillboard Live TOKYOに来た時に、『R2 RADIO』でインタビューさせてもらったんです。そこで、『Pharcyde TV』はUKやオーストラリアで作った番組も流していたので日本でも何かやろうという話になり、『R2 RADIO』を映像化することになりました。

──アメリカのミュージシャンは、音楽を作ること以外の企画やビジネスを考えることも上手なイメージがあります。

RISA その背景にはアメリカの環境やカルチャーが影響しているように思います。日本では私たちの時代も、たぶん今もまだ、個性を出さないように教えられる、というのは言い過ぎかもしれませんが、普通に、安全に敷かれたレールの上をみんなで歩くことが正しいという風潮は強いと思うんです。一方、アメリカは、多民族の文化からか、独自性や個性が注目されますし、互いに意見を発言しあう教育をします。だから個性や独自のアイディアや発言が尊重されますし、逆にそれが出来ないと置いてけぼりになる。その分、発言や行動の先は自己責任という厳しさはありますが、自分で考え、納得した道だからこそ自信を持って実践していける。ミュージシャンの場合、誰かについていくのか、自身で道を作るのかの選択になったときに音楽だけのことを考えていては可能性が限られてくる場合が多い。成功のためにとるべき行動を考えれば、もっと広いビジョンを持って可能性を広げていく行動や思考は自然の流れになるのでは？と思います。特にアーティストは表現者であることから自由な発想も得意ですしね。

──RISAさんは海外のアーティストやROROとのコミュニケーションのなかで、どんなことを得ましたか？

RISA　私は両親から音楽がある環境を作ってもらい、佐世保出身でインターナショナルな交流の場もある環境で育ちましたが、同時に子供の頃から学校や世間での日本独特な常識や規則に対して疑問を感じることも多くありました。ありがたいことに、進学や留学することに対して私の意思を尊重してくれる両親の理解があったので、世界に出て物事をみるしかないと思い、新しいことに一人でチャレンジすることにしました。 そこでLAで出会った人達や経験から多くを学んだんです。私の場合は、型にはまらない、自由な表現者であり集団行動に向いていない事から、私がやりやすい方法で、私に向いた思考で活動をすることで自分が何者かを受け入れるようになりました。独自の道づくりは楽ではないけれど、チャンスやチャレンジをいかにプラスに変えていくか、ということを常に考えるようになりました。その面は、ROROとも意識が似ていますね。自身を受け入れ、個性をプラスに伸ばす。皆と違うことは短所ではなく個性である。

RORO　話は少し逸れるけど、外国人という目線から、日本人はもっと日本らしさを世界に打ち出していって欲しいと思います。その余地が、まだたくさんある気がするんです。と言うのも、私のような外国人が日本にしかない素晴らしい文化や音楽に興味を持っても、あまり知る術が少ないと感じます。日本らしさを大きく堂々と海外に見せつけて欲しいですね。

RISA　そこで私の最新シングル“Free”では、衣装やミュージックビデオから和やアジアを感じられるようにしました。

──『Pharcyde TV』でも和楽器をフィーチャーしていましたよね。今回はなぜ“Free”を選んだのですか？　原曲はデニス・ウィリアムス（Deniece Williams）で、多くのアーティストがカバーしていますが。

RISA　私はシャンテ・ムーア（Chante Moore）のバージョンから入って、原曲もよく聴いていました。提案してくれたのはROROで「RISAに合うんじゃない」と言ってくれたんです。選曲を決めている時期がちょうど緊急事態宣言中だったので、“Free”というタイトルや私のパフォーマンスから心の解放を感じてもらえたら嬉しいなとも思っていました。

そこからミックスやマスタリングにもとことん拘りたくなって、アメリカのリスペクトしているエンジニア達にお願いしたんです。ミックスはちょうど今年にグラミー受賞されたIrko（註：2022年度グラミー受賞ミキシングエンジニア（アルバム“Donda” by Ye (カニエ・ウェスト)）に、マスタリングはローリン・ヒルやTLC、アリシア・キーズ（Alicia Keys）など多くのスター達の作品を手掛けたベテランのHerb Powers Jrです。ミキシングが大変だったんですが、最終的には先ほどお話したROROと私の共作“Doesn't Mean I'm Lost”でご一緒した方がうまく仕上げてくれました。

──原曲のテイストを大切にしつつ、お二人ならではのグルーヴが出ている。そしてRISAさんの歌声がシルクのように美しく、包容力があってまさに心が解放されます。

RISA　まずは原曲の浮遊感から感じる自由を膨らませたかった。そこにちょっとジャジーなピアノアレンジを入れたり、グルーヴを出すためにベースを上げたり、細かいところにこだわることで私たちらしさを出していきました。

──私たちらしさとは？

RISA　私たちはいつも、曲の発するバイブスや波動を大切にしています。なぜならクオリティタイムに聴いてほしいから。今回は、誰かの大切な時間を邪魔しない角のないウェーブと、それでいてしっかり伝わる強さを両立できたように思います。

RORO　RISAの声はバラエティ豊かなところが魅力。それに対して今までの曲は、比較的トーンが安定的だったというか、もっともっと彼女のボーカルとしてのポテンシャルを引き出せると思いました。そこでしっとり歌っているバックグラウンドに高音を入れるなどの工夫を凝らし、すごく豊かな声が堪能できるシングルになったと思います。

──音源については、2016年の『Christmas Covers』と今回の“Free”、あとはYouTubeで聴けるカバーなど、ゆっくりマイペースにリリース／公開されていますが、ここから先、考えていることはありますか？

1991年という時代において、京都のクラブシーンからスタートしたMONDO GROSSOが早い段階でUKのアシッドジャズのムーブメントと共振したことは稀有なことだった。70年代末から80年代初頭に興隆したブリット・ファンクとあわせ、近年ではアルファ・ミスト（Alfa Mist）らUK新世代ジャズシーンともパラレルに共振するこのムーブメント。その語り手として再び名前を見ることの多いジャイルス・ピーターソン（Gilles Peterson）がハブとなったことで、ヨーロッパでのMONDO GROSSOのツアーが現実のものとなった側面は大きい。

アシッドジャズという当時の世界的なムーブメントに対し、京都というローカル発のバンドが共振したという点は、海外の現行のシーンとリンクする日本人アーティストの先行事例として見ることも可能だ。例えば名古屋のローカルシーンから世界に飛び出し、今やインディーシーンのみならず現行のダンス／エレクトロニックなポップシーンで評価されるCHAI。加えて、自身がシンガーソングライターでもあり、プロデューサーの小袋成彬。大沢がプレイヤー（ベーシスト）としてキャリアを経て、トラックメイカー、プロデューサーとして活動している点からも重なって見える。

さらにユニークなのは、MONDO GROSSOが2017年にリリースした6枚目のアルバム『何度でも新しく生まれる』の制作時期から大沢は再びベースやギターを演奏し、バンドでのライブ活動も行っている事実は、20〜30代のコンテンポラリーなアーティストと共通する。改めて今回のベストアルバムでの細かなリアレンジやリエディットはMONDO GROSSOが現在進行形である証左だろう。

ベストアルバムのDisc2の12曲中９曲が『何度でも新しく生まれる』以降の楽曲であることも興味深い。だが、J-POPシーンに飛び込み、内部から地殻変動を起こした、2002年リリースの“Everything Needs Love feat. BoA”に象徴される楽曲はMONDO GROSSOのグルーヴ史の中でも特にキャッチーだ。ソニーミュージック時代のヒットアルバム『NEXT WAVE』には今回のベスト盤にも収録されている“SHININ’ feat. Kj”や“光 feat. UA”などが収録されている。クラブミュージックとしては異例の15万枚のセールスを記録した同作のタームで、疾走するBPMに乗る英語詞、日本語詞双方のという、新たなヒットナンバーのスタイルを確立したと言えるだろう。

その後、14年の空白期間の後に大きくサウンドスケープが変貌したのが、2017年のアルバム『何度でも新しく生まれる』だった。“ラビリンス[Vocal:満島ひかり]”は4つ打ちでありつつ、淡い音色のループ、“惑星タントラ[Vocal:齋藤飛鳥(乃木坂46)]”の圧のないビート、エアリーなシンセ、また、同志であるbirdが歌う“TIME”のベースの生音の活きるアレンジ。さらに現時点での最新作『Attune ／Detune』収録の“偽りのシンパシー[Vocal:アイナ・ジ・エンド(BiSH)]”のセンシュアルな空気感を上品に聴かせる静謐なアンビエンス。無機的なものと有機的なものの融合という単純なものではなく、架空の空間に誘うような深淵なサウンドスケープで、2010年代後期に新たなディケイドに入ったことを実感させた。再び、大沢自身がレコーディングでベースやギターをプレイしていることも興味深いが、その効果はあくまでもトラックを構成するサウンドとしての意味合いが強い。近作でのMONDO GROSSOのシグネーチャーサウンドの傾向はビートの組み方、ボーカル処理など、アレンジもミックスも細部までエレガントで知的である。

細かなリニューアルが施されたベスト盤の中でも、聴きどころとなる楽曲を挙げてみよう。2002年当時、15歳だったBoAをフィーチャリングしたハウスの名曲“Everything Needs Love feat. BoA”が19年の歳月を経て、トラックが一新されたバージョンと日本語詞のバージョン2曲を収録。突き抜けるサビの爽快さは不変だが、オリジナルで印象に残るピアノハウスとストリングスの成分以上に、新しいバージョンではベースラインの太さが特徴的だ。シンセベースと生ベースを重ねているようにも感じられるが、ベースミュージックを通過してきたアレンジには違いない。日本語はオリジナルの訳詞に近い印象だが、現在の状況で聴くと自然と前向きなマインドが呼び起こされる内容になっている。“SHININ’ feat.Kj”はボーカルリフとアコギが作るループ感が当時全盛期だったダンスアクト、ケミカル・ブラザーズ（The Chemical Brothers）やアンダーワールド（Underworld）との符丁を見せたが、新しいリミックスには、大沢がTwitterで発見し、フックアップしたTHE FLYING BEDがギターで参加。ビートもハウスからアブストラクトなベースミュージックの様相へと変化したアトモスフェリックな仕上がりに。

さらに近作でもある2018年にリリースした7枚目のアルバム『Attune／Detune』にACOが歌う日本語詞と、2019年頃から大沢とRHYME SOでの活動をスタートさせた、オーストラリア出身の詩人／ソングライター／モデル／DJのRHYMEが歌う英語詞の2バージョンが収録されていた“KEMURI”は、オリジナルトラックはセンシュアルなエレクトロニカが際立つ楽曲だ。一方、ベスト盤では、RHYMEバージョンをピアノと最低限のビート、SEで構成。大沢のツイートによるとライブセットからの初蔵出しの楽曲となっている。そして、大きなトピックは今年1月に急逝したBig-Oことオオスミタケシが10年ぶりにラップを披露した“One Temperature”の収録だろう。オオスミ最後のスタジオ録音となったトラックのリリースに際し、細部のミックスを手直ししたという大沢。夜が明けていく人のいない渋谷の街に立ち、ゆっくり動き出す魂というラインの美しさはもちろん、リリックの中にごく自然に《何度でも新しく生まれる》という、大沢への共感ととれる。聴くだけでこみ上げるものがあり、言葉を操るアーティストとはクールに接している印象があるが、細部まで妥協のない仕上げにはオオスミへの敬意を感じさせる。MONDO GROSSOらしさの究極はこのトラックかも知れない。

このベストアルバムはMONDO GROSSOが残した遺産ではなく、今後への布石になるだろう。RHYME SOでのライブが反映されたトラックが収録されていること然り、大いなるビートの変更然り、31年目以降のMONDO GROSSOのサウンドスケープは既に描かれ始めている。

──エマさんの新曲“Here Forever”は、コロナ禍でいつものクリスマスを過ごせない人たちを前向きにさせてくれるような内容です。曲作りはどのように行いましたか？ みんなが元気になるような、アップテンポの曲にしようと思いました。クリスマス・ソングなので、改めていろんなクリスマス・ソングを聴き直してみました。特にインスパイアされたのは、シーア（Sia）の“Snowman”。他にもマライア・キャリー（Mariah Carey）の“All I Want for Christmas Is You”や、アリシア・キーズ（Alicia Keys）の“The Christmas Song”などを聴いて、参考にしました。曲作りはいつもソングライターさんとのコライトだったり、曲のイメージをリクエストして作ってもらったりしていたのですが、今回は自分が中心になって曲も歌詞も書いています。 ──“Here Forever”は、渋谷区公認配信プラットフォーム『バーチャル渋谷』で行われるクリスマスイベント＜バーチャル渋谷 au 5G X’mas＞のための書き下ろし曲で、歌詞の中には《Let's dance in Shibuya》というフレーズもあります。MVでは、実際にエマさんが渋谷の街を歩いていますが、エマさんにとって「渋谷」はどんなイメージですか？ いつもキラキラしていて、ユニークな人がたくさんいて……。日本だけじゃなくて、世界中でも知らない人がいないくらい有名な場所というイメージです。これまで世界中の都市をいろいろ見てきたけど、どこよりも「futuristic（未来的）」というワードがぴったりの街ですよね。 ──ちなみに「クリスマス」というと何を思い浮かべますか？ ぱっと頭に浮かぶのは「クリスマスプレゼント」「サンタクロース」「暖炉」ですね（笑）。ちょっと前までサンタクロースの存在を信じていたんですよ。毎年、どうやってサンタさんからプレゼントが届けられるのか不思議で仕方なかったんですけど、ある年のクリスマスシーズンに母親から、「今から弟のクリスマスプレゼント買いに行くよ〜」と言われて全ての仕組みがわかってしまいました（笑）。ちなみに弟はまだサンタを信じています。 ──エマさんは多国籍なルーツをお持ちなんですよね？ 父がスウェーデン人で母が韓国と日本のハーフです。3、4年前にアメリカに引っ越して音楽の勉強をしていたのですが、今はコロナの影響で日本にいるんです。 ──お父さんの仕事の関係で、幼い頃からいろんな国を訪れていたそうですね。 毎年、夏には必ず家族旅行でスウェーデンに行っています。それからフィリピン、韓国にも何度か行きましたね。住み心地がいいのはやはり日本ですが、たくさんの自然に触れ合えるし落ち着くのはスウェーデン。「みんな自由に生きていていいなあ」と思うのはアメリカです。

──歌に目覚めたきっかけは？ もともとはダンスをやっていたんですよ。母がバレエをやらせたかったみたいで、そこからヒップホップ、ジャズダンスと習いました。そこで、一緒に習っている友達に「ミュージカルをやらない？」って誘われて、オーディションを受けに行きました。ミュージカルのレッスンを受けているうちに「私、歌うのが好きなんじゃないかな」と気づいたんです。 ──ダンスを習っていたことは、歌にも活かされていますか？ そう思います。他の人よりも、体でリズムや音が取れるのはダンスのおかげじゃないかな。 ──好きなアーティストは？ 一番好きなのはセレーナ・ゴメス（Selena Gomez）です。小さい頃からディズニーチャンネルを観て育ってきたのですが、セレーナが主人公の『ウェイバリー通りのウィザードたち』シリーズが大好きで。「演技ができて、歌も歌えるなんてすごい！」とずっと思っていました。 それからレディー・ガガ（Lady Gaga）にも憧れています。歌ももちろんカッコいいのですし、自分の道を貫いている姿に憧れます。他にもクリスティーナ・アギレラ（Christina Aguilera）やメラニー・マルティネス（Melanie Martinez）など、主に海外のアーティストが好きですね。同世代だとビリー・アイリッシュ（Billie Eilish）をよく聴くのですが、歌詞の中にいろんな意味を込めているところなどすごく尊敬しています。 ──いつも音楽の情報はどうやって集めているのですか？ 高校のクラスメートに教えてもらったり、TikTokで見つけたり……最近だとセイレム・イリース（salem ilese）の“Mad at Disney”が良かったです。

──音楽以外で夢中になっていることはありますか？ 絵を描くことです。学校でも美術の授業があって、先日油絵が終わったところです。我ながら本格的に取り組んでいる方だと思いますね。ちょっと前まで抽象画をメインで描いていたのですが、今は写実的な絵を描いたり、好きなアーティストさんの作風を真似てみたりしています。お気に入りの絵は、グスタフ・クリムト（Gustav Klimt）の『接吻』です。 それと、ファッションが大好きですね。普段は両親と服を買いに行くことが多いのですが、家にあるのはACNE STUDIOS（スウェーデン発のファッションブランド）の服が多いかな。他にも色んなジャンルの服が好きですし、自分が着るかどうかは別としてハイブランドのコレクションを観るのも楽しいです。 ──オランダの人気DJ、シック・インディビジュアルズのプロデュース曲“Can`t Have”でデビューすることになった経緯は？ Facebookにアップしていた私のデモ曲をレコード会社の方が聴いてくださったみたいです。あまり詳しい経緯は知らないのですが（笑）。シック・インディビジュアルズさんの曲は何曲か聴いてとても好きだったので、お話をいただいた時は「ぜひ」と思ってご一緒させていただきました。

──今や本当に多くの人たちがエマさんの歌を耳にしていますが、ご自分ではどんな心境ですか？ ありがたいのと同時に、ものすごく驚いています……（笑）。ただ、周囲の変化に流されないよう、これからも自分らしくいられたらいいなと思っていますね。 ──コロナによるステイホーム期間はどのように過ごしていましたか？ 人と直接会えなくなったのはとても辛かったですね。今は普通に学校に通っていますが、緊急事態宣言の前後は授業がオンラインになって、それが個人的に合っていませんでした。もともと自分から人に連絡を入れるタイプではないのですが、友人に連絡をしたり、「ビデオ通話しない？」と言ったりするようになったのは、個人的にはかなり大きな出来事でした。 そのうちに、友人を介して今まで一度も会ったことのない人とリモートでの会話をきっかけに仲良くなって。その中には音楽をやっている人が数人いるんですけど、私から連絡を入れて「一緒に音楽を作ってみない？」と誘ったこともあります。 ──それは大きな進歩ですよね。映画を観たり音楽を聴いたり、普段よりもインプット量も増えましたか？ 映画はたくさん観るようになりましたね。一番多いのはNetflixのオリジナル映画。『好きだった君へのラブレター』や『キスから始まるものがたり』が面白かったです。音楽も、今まで聴いたことのなかったようなジャンルも聞くようになりました。ジャズっぽい雰囲気で始まって、途中からヒップホップっぽい展開になっていく曲があって、「こういう音楽もあるんだ！」と思いましたね。

──ステイホーム期間が続いて精神的に辛くなったときなど、エマさんはそれをどう乗り越えていますか？ 自分で疲れたなと思ったり、精神的にしんどくなったりしたときは、いつもノートに自分が思っていることをガーっと書き殴っています。そうすると、そこから「これを曲にしたいな」と思えるフレーズが見つかったりするので（笑）。 ──文字にしてみることで、自分の気持ちと客観的に向き合えるようになることはあるかもしれないですね。 そう思います。 ──それを作品にすることで、セラピー的な効果もあるだろうし、その曲を聴いた他の人の心を癒すことにも繋がるし。 はい。そうなったら嬉しいですね。 ──まだまだ大変な状況が続きそうですが、そんな中でエマさんはどういう活動をしていきたいですか？ 今はライブなど表立った活動ができないのはもどかしいですが、この期間にたくさん曲を作ったり、歌の練習をしたりして、状況が良くなった時にたくさん披露できたらいいなと思っています。それに、歌だけでなく演技やダンス、絵画など様々な表現にこれからもチャレンジしていきたいですね。

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