──コロナ禍が始まって決まっていた就職を断念するところからidomさんは音楽活動をスタートしています。改めてそのキャリアの始まりについて、そのときの心境も含めて教えてください。

不安がずっとつきまとっていたというか、周りと比べたりもしてしまって。元々やりたかったことがあって、その道で進もうと思っていたことが目の前で無くなってしまって、先が見えない状況だったんです。そもそも海外に目を向けていたので、国内で何かをする準備もできていなかったんで、この先どうしようという不安はずっとありました。

当時は、何かするにも難しいし、動くのも難しい時期で「ちょっと休む期間かな」と自分で区切りをつけていたんですけど、そこで身近な人の不幸だったりいろいろあって、心境に変化がありました。しんどかったのはしんどかったんですけど、ここで前を向く方法は何か考えたとき、今までの人生で経験したことのない、やろうとも思っていなかったことをゼロからスタートしてみて、そこに対する熱量とかに持っていけたら意外としんどいことを忘れる時間が作れるんじゃないかと思ったんです。たまたま知り合いで音楽をやっている人だったり、音楽が好きな友達も多かったので、ちょっと話のネタになるかなという感じで音楽を選びました。

最初のきっかけは知り合いの音楽をやってる方が、僕が落ち込んでいるときに「やってみたら？」と勧めてくれたタイミングで。その場でDAWのソフトを買って（笑）。その日に何か作ってみようって、お互い何かとりあえず作って聴かせ合ってみよう、夜中に始めて朝方に聴かせ合ってみようよって話になって。それでできたのがYouTubeの1本目の曲なんです。彼は一個上の先輩だったんですけど、完成して朝聴かせたら「お前才能あるぞ！」って言ってくれて。それで、どうせだったらみんなが観れる形でどこかのプラットフォームにUPしようとなったときに、動画は元々作ったりもしていたのでYouTubeにアップしてみたんです。

──音楽活動をするイメージは全くなかったんですね。やりたい気持ちが元々あったわけでもなく？

考えた事もなかったですね。その場のノリというか、新しい趣味のような感じで。その時期っていわゆる自粛期間中でみんな家にこもっていたから昼間から音楽が好きな友達と連絡を取り合っていて。「ちょっと新しいの作ってみたんだよね」ってすぐに送れるような状態だったから、そこでみんなと話して「いいじゃん！」みたいな、遊びの感覚に近くて、音楽やりたいっていうよりも本当に話のネタでしたね、最初は。

──音楽が遊びじゃなくなった瞬間は明確にありましたか？

うーん、一番最初に「ん？」って思ったのは、SNS上に載せて反応がパッと見えたときで。最初に載せたものがTwitterで拡散されて、1日でフォロワーが100人くらい増えたことがあって、「次の曲も楽しみにしています」とかコメントしてくれている人もいて。自分の友達とか身内の中だけじゃなくて、全然知らない人とも繋がれるツールなんだと思ったらそれが楽しくなりました。プロとしてやるというより、ネット上にいるいろんな人と繋がれることに楽しさを感じてから、集中してやってみようかなと思うようになりました。

──制作の環境は徐々に整えていったんですか？

僕は思い切ってポンポン買っちゃうタイプなんです、「やってみっか、とりあえず買おう」って感じで。でも全然安いもので最小限必要なものって感じで、テーブルの上に収まる程度のものしか揃えていないんですけど。それでも全然やれているので、今っぽいっと言えば今っぽいのかなと思ったりもします。

──近年はベッドルームから発信しているミュージシャンも少なくないですよね。誰か参考にしたアーティストはいますか？

いや、誰かを参考にしたりすることはほとんど無かったですね。当時は何もしていなかったんでお金も無かったし、できる範囲で必要最低限の機材を揃えて。あとは、まず知識が足りないからとりあえず知見を深めようというのが先でした。

──たくさんある肩書きの通り、動画やデザイン、音楽とクリエイティブな領域でたくさんできることがあるidomさんにとって、創作はどのような位置付けですか？

とりあえず暇があったらどれかやっています。何種類かある中でこれに行き詰まったら違うことをやってっていうサイクルが回っていて、自分の一部というか、それをやっていないと落ち着かないのかもしれないです。

──制作のルーティーンはある程度決まっているんですね。

最近は音楽ばっかりやっているんですけど、ルーティーンというか、起きる時間からやることは決まっていて。ここまでは今日中にやって、あとは次の日にやろうって分配するような形で、割と時間を決めてやっていますね。

──自分でオンオフの切り替えをしっかり管理できるのはすごいと思います。

でも最近はそうでもないかもしれないです（笑）。ちょっと無茶したりしてますね。でもそれも楽しんでやっています。

──YouTubeなどにたくさん曲のカヴァー動画を投稿していますが、これはスキルを習得する学習的な側面もありますか？

普段自分がリスナーとして聴いていたときと違う聴き方ができるという意味でカヴァーはだいぶ勉強にはなっています。「ああ、ここの音はこうやってバランスとってたんやな」とか、ちゃんと聴き込めば聴き込むほどわかってくるのでそれはすごく勉強になりましたね。

──幼少期によく聴いていた音楽などあれば教えてください。

もっぱら洋楽ばっかり。特にR&Bとポップス、あとロックを小さい頃から母親が聴かせてくれていて。当時CDのプレイヤーでウチのおかんがよく僕にイヤホン貸して、曲を流してくれてたんです。自分でよく聴いたのはR&Bでしたね。僕が小学生くらいのときに自分でディグリ始めて。

──ちなみに最初に買ったCDは？

最初に買ったのはアヴリル・アヴィーン（Avril Lavigne）ですね。

──音楽が好きな自覚はそのとき生まれたんですか？

好きというか、親の影響も強かったのであんまり周りと趣味が合わないのもあって、「自分の好きなものだけ聴いていればいいか」と小さい頃から思っていました。あと小学校3年生くらいのときにNe-Yoに出会ったんです、ゲームの中で。グラセフ（『グランド・セフト・オート』）…たぶんリバティーシティかな。

出たばかりの時期に近所のお兄ちゃんが持っていて、「これ18禁だから親父に言うなよ」とか言われたりしながらやっていて。そこで初めて聴いたNe-Yoがめちゃくちゃかっこよかったんです。帰って調べてみたら「あ、この人だ」ってわかって。YouTubeで探したりもしていたから、その関連動画を辿って他のR&Bアーティストも聴くようになったので、そこが最初だった気がします。親に隠れてコソッと聴いていましたね。

──そのお話は現在のidomさんの楽曲の持つグルーヴ感にも繋がっている気がします。

なんていうか、ブラック・ミュージックのグルーヴ感のようなものが小さい頃からすごい好きだったので、親しみがあるんですよね。

──今でもidomさんの中心にあるのはブラック・ミュージックのグルーヴですか？

そこが音楽を好きになったきっかけだから根幹にはあるのかもしれないですね。日本にもたくさんそういうグルーヴを出しているアーティストさんはいるんですけど、僕もそういうグルーヴをしっかり出せるようなアーティストになれれば良いなという想いがあります。

──ちなみに今は岡山県に住んでいるんですよね？

今7年目ですね。だいぶ慣れて、というか地域の方たちともすごく良い関係で、だいぶ根付いてる感じです。

──音楽を作るにもやりやすい環境ですか？

だいぶやりやすいですね、田舎なので街自体が静かで。

──大きい音を出しても問題ないんですか？

基本一軒家しかないような地域で、僕が今いるのも一軒家というか、古民家を自分と仲間たちで改築した場所なんです。

──すごい。制作環境として作ったんですか？

いや当時は全くそういうことを考えていなかったので、なんとなく自分たちで一つ遊び場を作りたいよねって話になってできた場所で。そこが今、一応作業場というか仕事場になっている感じです。

──ここからはこれまでの楽曲についても伺っていきたいと思います。“Awake”は新章開幕といった印象を受けました。この曲に特別な想いはありましたか？

“Awake”のタイミングで、音楽に対して踏み切っていこうという決意が固まったというか、趣味の延長だった音楽をちゃんと作品として残していこうというスタンスになったんです。一年経ったタイミングで“二人”という曲を出して、そこまでは自分の中の実体験だったり、心情を曲に出したりしてきたんですけど、“Awake”では自分がこれから進むべき道を示したいと思って。最初の1年は見つけてもらう年にしたくって、“Awake”を出した去年は気づいてもらう年にしたかったというか。見つけたけど「ふーん」くらいだった人を「こいつなんや？」と驚かせたかった。“Awake”では僕の今まで見せていなかった世界観をしっかり表現したかったんです。

──音楽を通して社会に対して何か伝えたいという使命感のようなものを感じました。

1年目は自分の音楽を初めて聴く人がライトに聴ける曲を作っていた印象なんですが、“Awake”は自分の人生観だったり、「なぜ自分は音楽をやるのか」という自分に対しての問いかけにもなっていて、使命感というか、自分が持っているヴィジョンはこういうものですってオーディエンスに見せるべきかなと思って作ったんです。

──それから“Freedom”“Moment”とアグレッシブな曲、そしてシネマティックさの際立った曲をリリースしました。新曲の“GLOW”にもシネマティックさは引き継がれている気がしますが、こういったサウンドに映画やドラマの影響はありますか？

映画は一時期めちゃくちゃ観ていて、週に10本くらい観ている状態が1年間続いた時期もありました。観ていたのは海外のものがほとんどで、そういうサウンドの感覚はそこで備わったのかもしれないです。あと僕は神戸の高校に通っていたんですけど近くにインターナショナル・スクールがあったから外国人の友達も多くて......神戸自体が外国人の多い街だから、そういう子たちと遊んでいると自然とそういう音楽が流れているし、週末になったら教会に行ってみんなで遊んだりボランティアしたり、火曜日になったら誰かの家に集まって映画観ながらお菓子食べて、という感じで。そういう経験がシネマティックな音楽が身近になるきっかけになっていたかもしれないです。

──そのときに海外のブラック・ミュージックやカルチャーをたくさん吸収したんですね。

そうですね。僕の知り合いや友達が割と自由でリベラルな感じの子ばかりだったので「遊びにおいでよ」って気軽に言ってくれて。それがすごく良くて、どういうスタイルでもOKみたいな。ゴスペルの映像なんかも一緒に観たりしていたので、そのときの影響は大きいかもしれないです。

──なるほど。話を戻すと、その後EP『i's』に収録された“帰り路”はすごく内省的な楽曲になっていてまた驚かされました。

“帰り路”は実のところ“Awake”より全然前に作っていた曲で、然るべきときに出したくて温めていた曲なんです。それこそまだこんな風に活動していない時期に、自分の仲間や友達と会っているとき、僕は音楽を始めたばかりでしたけど周りのみんなはちゃんと働いているということに葛藤もあった中で、僕が大事な仲間に対して何か贈りたいと思って作った曲だったんです。そういう意味では内側の部分を表現したものではあるんですけど、飾っていないというか等身大な表現ができたのが良かったのかなと思います。そういう曲を出すタイミングをずっと見計らっていたのもあって、あのタイミングで出したかったんです。

──“Awake”以降の壮大さやアグレッシブさを感じる曲からのギャップもありグッと惹きつけられます。TikTokでも“帰り路”はたくさん使われていますね。そういった反応を見ていかがですか？

自分の思っていた以上の反応が返ってきて良かったです。“Awake”、“Freedom”、“Moment”の並びはライトに聴くのはなかなか難しいけど、音楽が好きな人からしたら面白く聴ける曲に仕上げたつもりで、ただこの3曲で「idomってアーティスト面白いよな」とは思うかもしれないけど、プレイリストに入れるとなると何のジャンルに当て嵌めていいかがわかりにくい雰囲気があった。そこで“帰り路”のようにみんなが言葉を聴きやすい曲を持ってこれたのは、気になっていたところから曲でグッと引き込めることができたかもしれないなと思いました。みんなの反応が見れて良かったです。

──そして新曲“GLOW”が月9の主題歌に決定という流れですが、驚きましたか？

そうですね、「え、マジか」みたいな（笑）。

──ドラマに合わせて曲を書く形でしたか？

今回に関してはドラマに原作もあったんですけど、原作も読んで。ドラマと原作ではストーリーの作り方やキャラクターの描き方が違っていたので、そこの噛み合わせについてもちゃんと把握できるようにしました。ドラマの制作側からのリクエストとしてもドラマやそのキャラクターたちとマッチするように作って欲しいというリクエストがあったんでかなり読み込みました。

──リリックの書き方はこれまでとかなり違っているように感じました。

変えましたね。今までは自分自身に対して書いていたり、自分の心情だけを描いていて、独りよがりな歌詞に持っていきがちだったんですけど、今回は主人公のキャラクター性や、ドラマの軸にあるチーム感のような、いろんなメンバーがいるチームで戦っているという部分を表現して欲しいという要望もあったので、僕だけの目線じゃないものがそこで入ってきて。だからどうこの主人公に感情移入したらいいのかで迷いがありました。

──過去の暗い部分も見方を変えたら強さに変わるというメッセージはドラマを見ていてすごくマッチしているなと思いました。

内容をかなり読み込んで、キャラクターに対して制作側がどういうコンセプトを持っているのかを大事にして、それこそドラマに「弱くても戦う」というテーマがあったので、そこは僕もしっかり出していきたいと思っていました。公正取引委員会のキャラクターたちも年上だし、主人公も30代だし、30代の人やそれ以上の人が見て元気や勇気が出るものとなると、あまり若者のフレッシュさというよりは挫折を何度も経験した人だからこそ出てくる強さというものを描かなきゃなと。僕はまだ20代なんですが、その中でもコロナのことを始めいろんな今までの経験した失敗や挫折を思い返して。それを乗り越えようとした過程を描こうと思ったところで、はじめてキャラクターとの親和性が自分の中で生まれました。

──サウンド面では強度のある歌モノポップスに仕上がっています。これまでと違った側面が見えた印象ですが、そういった意識はありましたか？

今回の楽曲に関して言うと、普段僕がやっているスタイルとは違った部分の戦いもあって。ドラマの監督からリクエストもいただきながら詰めていきました。

──監督とのやりとりは多かったんですか？

めちゃくちゃさせていただきました。3週間で15曲くらい書いて、僕もちょっと迷走したりもしちゃって（笑）。やっぱりドラマの映像と合わさったときにどれだけリンクするのかと、力強さのような部分が残る楽曲で、なおかつボーカルが立つ曲調を求めてくださっていたので、そういう意味で今回の構成は意識しつつ……あと公正取引委員会の持つイメージともマッチするようなサウンドになっていると思います。

──“GLOW”の制作は今後どのように影響してきそうですか？

今回の制作は結構ハードでしたし、自分の持っていない世界観を合わせつつ作らなきゃいけないというあまりやったことがないことでもあったので、そこを乗り越えられたことは一つ自信になりました。より一層自分自身のスタイルを作り込んでいきたいとも思うようになったので、ちゃんと自分のスタイルを確立していく上でとても良い経験になったと思います。今まで自分が出した曲の中で“GLOW”は一番ジャンルでいうとJ-POPに寄ったものになったので、今後こういったJ-POP的なスタイルも一つの選択肢に思えるようになった気がします。

──J-POP的なスタイルをやる上で葛藤はなかったですか？

子どものころから好きだったR&Bはベースにしたいなとは思っているので、そこは残せるように意識しました。一方で日本人にとって耳心地がいいサウンドを作る難しさもわかって、それをすごく考えながら作った作品になりました。

──この先、具体的にこういう楽曲を作っていきたい、こんなスタイルで音楽を続けていきたいというイメージはありますか？

僕はDAW上で、DTM！という感じで現状制作していってるので、もうちょっと楽器のスキルも身につけた上で、元々のスタートがベッドルーム・アーティストというところだから、自分の家でしっかり作り込めるスタイルは持っておきたいです。それを軸に、プラスで別のプロデューサーともコライトしたりするのが僕にとってはバランスが良い気がしているので、その二刀流の形でちゃんとやっていきたいですね。それこそビリー・アイリッシュ（Billie Eilish）とお兄さん（フィニアス）がいっしょに部屋でやっていたり、ラウヴ（Lauv）やリッチ・ブライアン（Rich Brian）がやっているような、自分の部屋の中でちゃんと作れる環境は音楽を続けていく上で精神的に必要なのかなと思っています。ジャンル的に言えばアンビエントとR&B、ポップス、それにオルタナが少し混ざったようなものが一番やっていて楽しいのでそこは大事にしたいですね。

──idomさんのボーカルは“GLOW”でより存在感が増していますが、ボーカルのトレーニングだったりはもともとしていたりしたんですか？　それともカラオケが好きだったとか？

全然やっていなかったですね。カラオケにもほとんど行っていなくて、自分が歌いたい曲が入っていないことも多かったですし。あんまりこんなこと言うと良くないかもしれないですけど、昔から人前で歌うのが恥ずかしかったんです（笑）。

──ちなみに今の状況は音楽活動をはじめたとき想像していましたか？

いやタイアップとかまでは全く想像していなかったです。自分が想像もしていなかったところにいる感じはあって、もうちょっとニッチな、アングラなところでやっていくかと思ったんですけど、こうしてたくさんの人に聴いてもらえる場所に来ることは自分では予測できなかったですね。

──今後ライブなど人前で歌う機会も増えていくと思います。ライブについて何か考えていることはありますか？

さっき話したカヴァーもそうなんですけど、現状は練習して学んでいっている感じですね。ライブってなるとどうなのかな？っていう不安はまだあります。ずっとネットでやっていた人間で、今はテレビとかから僕の声だけが出ている状態なので、自分のリスナーというかオーディエンスがどういう人たちなのかをまだ見たことがないから、実際に僕が自分の身体といっしょに歌ったときにみんながどう反応するのかはすごく楽しみですね。それを経たら僕の曲作りのスタイルもちょっとずつ変わっていくのかもなとも思っています。

僕の今までのやり方的にも、できないところからというか、本当に始めたばかりの状態からYouTubeに載せているから、idomくんてこういう風にいろいろやっていて、こういう風に成長しているんやっていうのがYouTubeを観れば順を追ってわかるようになっているので、ライブに関しても「idomくんの初めてのライブこうだったね」ってみんなが言えるような形でもいいと思っていて。もちろん完璧を目指すけど、不完全な状態が美しいというか、僕のスタイルかなって。その不安定さも含めて成長していく姿をオーディエンスの皆さんにいっしょに楽しんでもらえたらいいなと思っていますね。

──TikiTokでバズっていましたが、それでもidomさんはあまり無理せずにSNSと付き合っている印象があります。

SNS上で何か発信するのってやっぱり難しいなと思いますね。出来すぎているものを演じ切れない部分があって、頑張ってそういうものが好きな人のために演じようと思うこともあるんですけど、最終的に自分になってしまうんです。SNSに向き合いすぎるとそこに対してのストレスが生じてしまうから、自分との良い距離感を保つためにもあまり演じ過ぎないように意識していますね。

──俯瞰して見ることができているんですね。

そこに執着しすぎると危ないと思っていて。やっぱり僕が一番大事にしなきゃいけないのは曲とそれを聴いてくれる人だと思っているから、SNSはその接点として大事にしているけど、あんまりここでカッコつけ過ぎないようにしよう、カッコつけるのは曲でやろうと思ってます。

──今後描いているヴィジョンはありますか？

現段階でいうと、まだまだ楽曲制作に対して未熟なので、まずはスキルだったりを身につけていくことに集中しているんですけど、もともと始めた当初思っていたのは音楽以外の部分でも音楽を盛り上げたいなとす。デザインや映像、そこでいかに音楽をより良く見せられるかも考えていきたいと思います。今は音楽に集中していますが、そういうもともと自分の持っているアイデンティティやアート性の部分も徐々にしっかり出していけたらいいなと思っていますね。

──これからもっと別の側面も見せていくということですね。

それこそライブをやったりこうしてテレビで使っていただいたりすることでもっとみんなの前に出ていく機会が増えていけば、より活動の幅も広がるんじゃないかなっていうのは今後の考えとしてありますね。

──今回リリースされる『surrearhythm』は2ndアルバムで、自分のスタイルを提示しやすい1stアルバムに比べて、変化を求められると同時に評価が分かれやすいものだと思います。 そうですね。今回のアルバムはコンセプトがなかなか決まらなかったんですが、ざっくり制作のテーマは決まってたんです。「なるべく打ち込みにしたいな」とか、あとは「2枚目出したいんだよね」って言ったときに二つ返事で「やらせてよ」って言ってくれる人を誘ってる。そういうのはあったんですけど、内容的なコンセプトが決まらなくて悩んでる時期はありました。 ──音源制作の面では、多くの経験を通してどんどん新しいやり方が構築されていると思います。そうなってくるとこのアルバムで何を提示するのかがより大事になってきますよね。 模索しながら曲はいくつか作ってたんですけど、ずっと悩んでて出てこない時期がありました。年明けから本格的に作り始めて、ずっとアルバムのタイトルになるようなワードを考えてたんですよ。結果そうなってないんですけど、できればみんなの身近にある言葉がいいなとは考えていて。あるときに「みんなシュールって使うよな」と思って、語源を調べたら“シュールレアリスム”、1920年代の芸術運動の１つの名称っていうのが出てきた。普段はみんな非日常の意味でシュールって言ったり、本来の意味と異なった意味で使ったりしてる。ただ元々の意味では“超現実主義”。そんなとこからも今回のテーマである事実と真実の違いも表現できるかなと。その言葉と芸術運動っていう部分をうまく自分のアートと組み合わせられたらいいなと思ったのがきっかけで、シュールレアリスムっていうワードに行き着きました。そこから“リスム”を“リズム”って言う場合もあることから、“リズム”をビートの方のリズム（rhythm）と捉えて、自分なりの芸術を提示しようと思ったんです。

──その深いコンセプトをどう伝えるかはリベラルさんの腕の見せ所でもあったのかなと。まずはサウンド面で、＜フジロック＞前のSANABAGUN.のインタビューでも作り方に変化があったという話がありましたが、ソロに関しても変化はありましたか？ 前回の『I.MY.ME』は生バンドで演奏したものを打ち込みっぽく録ってて。基本的には生音でそんな豪華なアルバムを作ってる人いないでしょっていう作り方だったんです。そういう部分でサナバと違うことをしたかったし、バンドサウンドとHIPHOPの面白さみたいなものを融合して作ってた。今回に関してはバンドサウンドでは無く、いわゆるDTMトラックメインで作りました。 ──前作をリリースしたときに、あるインタビューで「トラックはシリアスなものを選びがちだから、あえてそうじゃないものを選んだ」というような発言を目にしたのですが、わりと今回のアルバムはシリアスなトラックが多いように感じました。 わりと……シリアスですね。今回はシンプルに自分がラップを乗せたいトラックを選びました。あと今回は一貫した作り方では無くて、トラックメーカーが「リベラルの2ndに参加したい！」って言ってくれたら「デモありますか？」って聞いていく感じで作っていった。大きく違ったことは、YouTubeとかにたくさん載ってるタイプ・ビート（Type Beat）で仮のビートを組んでデモを作ったことです。絶対にラップしないような変態のビートの上でまずラップをして、BPMとアカペラだけをトラックメーカーに投げるみたいな作業を3曲ぐらいしました。そうするとまた違ったグルーヴが出たりしたし、そういう試みは個人的にやったことが無かったです。 ──ではサウンド面はわりとトラックメーカーにお任せで？ はい。前回は自分が作りたい世界観の背景を凄腕のミュージシャンを集めて作ってもらった。今回はストーリーだけを渡して、トラックメーカーのセンスで背景をつけてもらったイメージです。 ──あと楽曲制作に限らず、自分でトータルプロデュースするのは合っていると思いますか？ 合ってる……と思います。けど、周りにプロデュースしてくれる人がいるんだったら、それはそれで楽ですね。ただそれだけじゃないっていうか、HIPHOPってそもそも音楽のジャンルじゃなくて、カルチャーであり、俺は生き様みたいなものだと思ってます。自分のHIPHOPを体現するにあたって、自分がにじみ出ててないと意味がない。例えば予算が全然無いとか、いろいろな状況はある中で自分のキャラの許される範囲というか、自分のキャラだから許されることとか、プロデュースはその都度の環境の中で自分のベストを尽くすことだと考えてます。

──前作からここまでの道のりを振り返ると、SANABAGUN.としても個人としても新しいことへ挑戦して自分の中で変化があっただろうし、それがリリックにも現れていると思います。 僕は生々しいリリックを書いちゃう人間なので、ぼーっとしてない限りは、そのとき置かれている現状について言いたいことが出てきます。 ──リベラルさんの表現自体はとても等身大のような気がします。ただそれは「コンビニ前でイエーイ」みたいなものではなく、もっと日常の中で向き合うことに力を使っている。 みんな日常を見ないようにしてますよね。本当はもっと人の愛に気づけたりとか、でもそれってすごくカロリーを使う。日常のフラットな部分というか……大事なことを見て見ぬふりする人が多い気がします。 ──あと本作において重要だと思う言葉があって、それは「事実よりも真実」。“surrea-lism”には「事実より真実 事より真相」、“surrea-rhythm”では「事実をもって 真実を見る眼」、そして“Cider feat.Shunské G”でも「目の前の事実だけが いつも真実とは限らない」というリリックが出てきています。これらの言葉に込めた想いを教えてください。 最近、Twitterを見てて気持ち悪いなと思うことがあって。具体的に言うと何か1つのトピックが上がったときに、それをめちゃめちゃ叩くことに対して気持ち悪いというか違和感を感じる。本来だったら本人が伝えたいことがあって、そのツイートをするまでにいろんな経緯があるじゃないですか。でも、ツイートした理由を考えずに、単なる揚げ足の取り合いみたいに叩く。そういう今の時代性に悲しくなっちゃって。そういうところにみんな気付いてほしいっていうのはありました。ツイートだけじゃなく、ワードを引っ張ってきて叩くのも同じだし、メディアのトピックだけを引っ張ってきてそれに賛否両論言うみたいなのも。それって話題を生みたいだけで、真実の追求じゃない。何も建設的じゃないんですよ。

──そういう部分はアーティストとしてもやりづらさは感じますか？ 感じますね。しかもそういうTwitter上の評価がくだらないものだってわかっていたとしても、わかってる頭のいい人間ほど我慢できなくなって1つ1つ戦いにいってる人も多い気がして。そういうのはアートとしてすごい窮屈だなと思うし、頭のいい人ほど損するというか、そういう場面では出る杭は打たれるみたいになっちゃう。 ──有名人にとっては、SNSはもうそういうものだと割り切って付き合っていくしかない状況がありますよね。ただし、表舞台で戦う人にとって“共感”は得なければいけない。 そうですね。ただ脳みそを使わない共感を求めるのってアートじゃないと思っていて。それは音楽としても現代の雰囲気にハマってるかもしれないけど、表現者としては違うかなって思うんですよ。“surrea-lism”にも「芸術は武器だ 文化は戦うものの足跡」って書いたんですけど、不満なこととか自分の中で知ってほしいことを表現していないと、そもそも表現者としてクリエイティブしてないというか、アートとして成り立ってないというのが僕の考え方で。今の時代は共感を受けるんだったら、なるべく「共感を受けるところにはこういう感情があるんだよ」「もっとこういう感情を見てあげなきゃ」とか、そういう部分をなるべく溶け込ませようとしてます。 ──今回のアルバムの“start feat. Ryohu”では「当然だ 応戦だ 表現者は常に正念場」と宣言し、“Let Me Show”では「アーティストはアーティストでいることを選択し続けれるからアーティスト」と謳うなど、表現者としてのスタンスを提示してる曲も核になっていますね。 曲によっては対アーティストに言ってることもあります。シュールレアリスムは芸術運動でもあったので、これに「賛同してくれない？」みたいなノリではあるんですよね、僕1人ではまだそれほど影響力はないし、1人で戦うのはしんどいですけど、周りに僕と同じような疑問を持ってるミュージシャンやアーティストはたくさんいるので。そういう人たちがもっと「今のこれはおかしいよ」みたいなのを言っていいと思うし、何かに例えてうまく言わなきゃいけないみたいな風潮も「もう違うんじゃない」「ダイレクトに言えよ」みたいに思うこともあります。

──喜怒哀楽で言うと、やはり“怒”とか“哀”の方がリリックは降りてきやすいですか？ そうですね。僕の性格的に、怒りに対しての提案とか問いかけではあるんですけど。今のラッパーのチルっぽい曲で「俺らってコンビニ前で缶ビール買ってたむろしてるけど、まあそれもHIPHOPだよね〜」みたいなのとかはシンプルに好きじゃなくて。あまり浪漫が無いなと。こういうことを言うとそういう奴らに「古臭いこと言ってるよ」みたいに言われそうだけど、僕が見てきた、聴いてきたHIPHOPってやっぱ浪漫なんですよ。夢をもらったり、超シリアスなことを教えてもらったり、あとは非日常を知れたり、憧れをもらえたりとか。Zepp Tokyoでキングギドラがライブするときもジブさん（ZEEBRA）がゴールドのエスカレードに乗ってきて「ワッサー！」とか言って、「かますぜZeppTokyo！ 最終兵器！」みたいなのが俺はめちゃ好きなんですよ。 ──あのときのライブに食らったラッパーの話ってけっこう聞きますね。 僕にとっては夢を与えたり、浪漫があることがHIPHOPだと思ってて。JAY-Zとかもそうだし、『8Mile』もゲストからMCバトルでのし上がるみたいな。でもなんか最近はそうじゃないですよね。 ──ただ“にぎりっぺ”みたいなとても人間臭い曲も本作にはあって、あれはあの形で自分を取り巻く現実から逃げて無いですよね。日常にある哀愁が伝わってくるし、「プチョ 便座 上げたら下げて」みたいな口に出したくなるパンチラインも。 アハハハ、めっちゃ嬉しいです。あの曲は自分の言葉遊びというか。「俺らってこの身の丈の感じいいよね」っていう現状満足みたいな曲で終わりたくないなって、自分の日常とかで既視感が生まれるものが作れたらいいなと。

──現代の風潮に対する提示という部分がとても伝わってくるアルバムですが、その中には音楽業界に対してのメッセージもありますか？ ありますね。実際にあるレーベルの力とかにも言いたいし、全般的に、事実と真実は違うってことに関して、日常において自分が違和感を感じてることを言ってます。でも言うからにはそれで自分がめっちゃお金を出してもらってたら説得力が無いので、自分のレーベルでリリースしようと思いました。 ──そのリベラルさんが立ち上げる〈slugger PRODUCTION〉について教えてもらえますか。 ※〈slugger PRODUCTION〉は2019年10月に始動。業界の形式にとらわれないアーティストファーストを目指すプロダクション。インタビュー時には正式なローンチ前だった。 サナバで見てる世界とソロで見てる世界は違くて、前者はメジャーのオーバーグラウンドな世界なんですけど、そこで違和感を感じることもたくさんあるんです。メジャーがダメとかではもちろんないんですけど、音楽業界に限って見るとあやふやなことが多いように感じて。例えば取り分とか、どっちの担当の仕事とか、そういうのがちゃんとわかってないのに自分の音楽売れるのかなって疑問があって。あとこれはレーベルをやる一つの理由でもあるんですけど、盤権をアーティストが持っていないのは健康的じゃないなと思っています。

──思い返せば『I.MY.ME』のときはスポンサーをリベラルさん自らが営業して集めて、賛同してくれた企業のプロモーションをラップでするっていう試みもしていました。そういう意味で自らを取り巻くシステムを変える、より良くする意識がリベラルさんは強いですよね。 あれも制作費が限られていたので、「自分でお金を集めてくるんで」って言ってマイスポンサーズっていうのをやりました。各企業、音楽業界とはまったく関係のない会社なんですよ。前から思ってたのは、企業が抱えてるアーティストがいて、本当にクリエイトしてるアーティストを抱えることで、それぞれの会社がセンスや社風をアピールし合うみたいなことがあったら面白いなと。それが行政でも良い。個人の100万と法人の100万って感覚が違うし、そういうことができたら単純にお金の面でもっといいアルバム作れるんじゃないかと思う。それは音楽となるべく離れてる業界の方が面白いんですよね。 ──リベラルさんのようなことを思ってるアーティストは少なからずいるだろうし、自分でレーベルをやるって決めて勉強すればするほど、業界の矛盾点はより感じるでしょう。 自分でやることに意味があるのかなと思います。もっとその違和感を知るために経験しないと語れないと思うので。自分はストイックな人間じゃないので、ストイックにならざるを得ない環境を作るっていうのは今までの傾向としてもあって、「アーティストのためのシステムって何だろう？」っていうのを知るためには、自分が先頭を走ってないとわからない。戦場で戦ってないのにこの武器が必要って言っても説得力が無い。金銭的な事情はありますが、作品を出し続けられたら理想です。今までの常識じゃないやり方でも続けられるイメージはあります。 ──プロダクションをやるに当たって、ブランディングで気をつけていることはありますか？ 入り口を広げるために、なるべく自分のカラーを出さないようにしたくて。岩間俊樹って良くも悪くもやっぱあのVRオチ（※“LiLiA”のMV）で「やっぱそうだよね！」みたいな感じになるし。それは僕が作ってきたものなのでしょうがないですし、それを望んでるところもある。ただプロダクションとしていろいろなところと共存していかないといけないときに、オシャレなイメージが必要な場面もあるだろうし、ファッション的なところへアプローチしたいことも出てくるだろうから、そういう体制は作らなければいけないなと。ロゴもそうだし、名前の〈slugger PRODUCTION〉も「ここ岩間俊樹だったら全部大文字にするだろうな」ってところも「小文字にしよう！」って。 ──ハハハハハ！

あと“Music”とか“records”にしなかったのも、音楽だけじゃないアート全般で考えているから。僕がたまたま最初に音楽だっただけで、クリエイティブしている人全員が参加できるプロジェクト、プロダクションにしたい。“slugger”っていう名前は、野球絡みにはあまりしたくは無かったんですが、強打者ぞろいにしたいっていうのと、ほかにもいろいろな能力を持ってるアーティストたちと運営していきたいっていう気持ちから。今は文章を考えられる人間と写真を撮れる人間にスタッフで入ってもらってます。あと次にうちでリリースしたいって言ってくれてる子はWebのデザインができて、プロダクションのホームページを作ってくれてて。 ──日本でもインディペンデントでたくましくやっているところはありますが、でもまだまだ全体としてアーティストを取り巻く環境の中で、変えられるシステムはありそうですよね。 これが軌道に乗ればアーティストのための環境が整うんですよ！ちゃんとレーベルが回ってもっとやりたいことができる。そこをまず目指してやってこうかなと考えてます。 ──〈slugger PRODUCTION〉のクリーンナップがまずは揃ってくれば……。 3・4・5番が活躍する。全然いける話で、目の前にあると思ってます。 ──海外ではアーティストがエージェントを雇うことがもはや一般的になっていますが、日本では音楽に限らず「事務所に入らなきゃ売れない」みたいな風潮がいまだにある。その中で、〈slugger PRODUCTION〉がクリエイティブかつ面白いやり方で売れたら夢があります。 僕は1つの基準、アーティストのための基準を作りたいんですよね。今は会社のための基準や利益のための基準だったりと動かせる余白がいっぱいあるんですけど、アーティストがそもそももらってる印税も、めちゃめちゃCDが売れてるときの基準ですよね。じゃあ今のミュージシャンはどうやってサバイブして行くかを含めて、資本がない中でどうやるか、そのやり方も含めて新しいアーティストのための“物差し”みたいなものを〈slugger PRODUCTION〉でつくれたらいいなと思います。