何があっても、結局ここに戻ってきてしまう。苗場での25回目の開催となった＜FUJI ROCK FESTIVAL '24＞（以下、フジロック）は、多くの忘れ難い場面を振り撒きながら幕を閉じた。

久しぶりのフルスペックでの開催となった昨年度が盛況に終わり、いよいよ今年は＜フジロック＞が＜フジロック＞として、そのブランドを存分に世界へ誇る3日間となった。国内外問わず、MCで苗場の森への愛を語ったアーティストが多かったのは気のせいだろうか。例えばDAY 2のWHITE STAGEに登場した折坂悠太のように「大好きです！」とストレートに表現する者もいれば、同日のGREEN STAGEに出演したMAN WITH A MISSIONのように、連綿と続くフジの歴史に思いを馳せながらしみじみと感謝する者もいた。

一時は荒天が予想されたものの、始まってみればライブが危ぶまれるほどの降雨はほぼなく、快適な環境下での開催となった今回の＜フジロック＞。インバウンド需要の高まりによって増加した外国人観光客や、ここ数年ですっかりスタンダードになったファミリー層など、まさに老若男女が参加できるお祭りだ。

ヘッドライナーのザ・キラーズ（The Killers）、クラフトワーク（Kraftwerk）、ノエル・ギャラガーズ・ハイ・フライング・バーズ（Noel Gallagher's High Flying Birds）をはじめ、それぞれのアクトにそれぞれの物語が用意されており、オーディエンスは万感の思いを託しながらステージに浸っていた。

さらに、シカゴの新星ロックデュオ・フリコ（Friko）や本格的なリリースを待たずしてローリング・ストーンズのロンドン公演の前座を務めるなど話題を呼んでいたザ・ラスト・ディナー・パーティー（The Last Dinner Party）がGREEN STAGEに登場するなど、パンデミック後に大きく才能が花開いたフレッシュなアクトの躍動も目立った。

国内からも、多数の客演をGREEN STAGEへと招聘したAwichや豪華セットで苗場の森を舞台装置に変えたずっと真夜中でいいのに。、4月に開催されたキックオフイベント＜Smash Go Round FUJI ROCK NIGHTS＞に出演したOriginal Loveとbetcover!!、そしてWHITE STAGEを入場規制にしたくるりなど多数のアクトが出演。今や全国各地で開催されている夏の野外フェスティバルだが、歴戦のミュージシャンたちが＜フジロック＞にかける期待と熱量はフロアから観ても伝わってきた。

深夜らしからぬ大観衆にヒットチューン連発で応え、RED MARQUEEを揺らした電気グルーヴ。そしてその明け方に最高にハッピーな“バカ騒ぎ”でフロアを沸騰させたgroup_inou。「真夏のデンデケデケデケ」という名前で密かに苗場食堂へと潜り込み、サプライズでライブを披露したnever young beach。多数のフジロッカーをダイブ／モッシュに巻き込み、最後には観客にステージを囲まれながら祝福のハードコアを天に掲げたターンスタイル（Turnstile）。常識を覆すアクトが連日現れ、絶えず転がり続ける＜フジロック＞の歴史にまた新たな1ページが加わった。

さらに、「世界一クリーンなフェス」としても名を馳せている＜フジロック＞。今年から登場した新サービス「金曜ナイト券」や「FUJI ROCK go round」など、そのホスピタリティはより一層向上しているように見えた。特にDAY 1の金曜18:00から明け方まで入場可能な「金曜ナイト券」を利用した友人とバッタリ会う機会が個人的には多かった。Amazonでの無料ライブ配信が合わせて行われるなど、入り口はライトだが体験はヘビーな＜フジロック＞の魅力にノックアウトされ、来年度以降の参加を心のうちに決めた者も多いはずだ。

予定されていたSZAの出演キャンセルや、円高傾向にある国際情勢を鑑みても、決して追い風ばかりの開催ではなかった今年の＜フジロック＞。しかし──毎年通っているようなフジロッカーにとっては分かりきっていたことなのかもしれないが──、ひとたび苗場の緑に包まれてしまえば、目の前の宴に心を奪われてしまう。あの場所がもたらすマジックに包まれた25回目の＜フジロック＞、次はどんなところまで連れて行ってくれるのだろうか？

韓国インディー・シーンきっての鬼才、キム・オキ（Kim Oki）。彼はサックス奏者／ソングライター／プロデューサーとしてジャンルレスな活動を展開しており、これまでリリースされた作品は2013年のデビュー作『Cherubim’s Wrath』をはじめとして20枚以上におよぶ。そのディスコグラフィーはアンビエントのニュアンスも色濃い『Saturn Meditation』（2018年）や、フリージャズ直系の『About Prejudice』（2021年）、ナクサルやDJソウルスケープが参加した『Everytime』（2021年）、イ・ハイなどのシンガーをフィーチャーした『Greeting』（2022年）など、まさに縦横無尽。ジャンルの垣根が曖昧な現代ジャズの潮流ともリンクした活動を続けている。

そしてこの3月、そのキム・オキが自身のリーダーバンドであるキム・オキ・サターン・バラッド（Kim Oki Saturn Ballad）で初のジャパンツアーを行う。各地のゲストに迎えるのは折坂悠太、角銅真実、角舘健悟、maya ongaku、Shhhhhという個性的な面々。また、来日に先駆け、近作からセレクトした日本独自編集盤『Love Japan Edition』が配信（3月1日（金）解禁）とレコード（5月1日（水）発売）でリリースされる。こちらには比較的メロウな楽曲がセレクトされており、キム・オキのメロディーメイカーとしての力と現代的なセンスを感じ取ることができるだろう。

シーンの異端児、キム・オキ。その音楽世界に迫るべく、リモート・インタヴューを行った。

──音楽に関心を持ったきっかけは何だったのでしょうか。

もともとダンサーをやってたんですよ。アシッドジャズやヒップホップで踊ってたんですけど、そういう音楽には管楽器が出てくることが多いので関心を持つようになりました。そのころよく聴いていたのがキャノンボール・アダレイ（Cannonball Adderley）の『Somethin’ Else』。1曲目の“Autumn Leaves”が好きでした。この曲の最初のメロディーはマイルス・デイヴィス（Miles Davis）が吹いてるんですけど、トランペットの音をサックスと勘違いしてしまって。それで「この楽器を吹いてみたい」とサックスを手にしました。

──それはいくつのころですか？

兵役が終わってすぐだったので、23歳ぐらいだったと思います。

──ダンサーだったことを知って少し驚いているんですが、どんな活動をしていたのでしょうか。

ブレイクダンスから始まって、ハウスやタップダンスもやってました。クラブで踊ったり、ジェクスキス（Sechs Kies）やク・ボンスン（Koo Bon Seung）、トゥトゥ（Two Two）、イム・ソンウン（Lim Sung Eun）のバックダンサーをやったこともあります。

──えっ、ジェクスキスのバックで踊ってたんですか！

そうなんですよ（笑）。19歳から21歳ぐらいまでダンサーをやり、兵役に就き、戻ってきてからサックスを吹き始めたという流れです。

──では、どうやってサックスを学んだのでしょうか。

スクールで2か月だけ学んだあと、個人レッスンを受けていました。一番助けになったのは、クラブ的な集まりのなかで組んだグループでアンサンブルの練習をやったことです。そこにはもともと大学の音楽サークルでやってた人もいたし、実用音楽学科（註：プロフェッショナルなミュージシャンや作曲家になるための専門的なコース）を専攻してきた人もいたので、彼らから学んだことは多かったんです。あと、当時アメリカから英語教師として韓国にやってきた人たちが周りにいたので、彼らからも多くのことを学びました。

──その後にリリースされた2013年のデビュー作『Cherubim’s Wrath』には、2008年に旅行で沖縄を訪れたときの体験が色濃く反映されています。沖縄でどんな体験をしたのでしょうか。

人生で初めてのひとり旅として、2008年に沖縄へ行きました。それで那覇の国際通りを歩いていたら、カホンを演奏してる人をたまたま見かけたんです。自分も楽器を持っていたので、夜の8時ぐらいから朝まで一緒に演奏することになって。彼と仲良くなって、その2年後ぐらいにあらためて沖縄を訪れたんです。そのときは一週間ほどゲストハウスに宿泊していたんですけど、沖縄の伝統音楽をやってる人とも知り合いました。そこで初めて沖縄の音楽に触れたんですが、自分に合う感じがしました。『Cherubim’s Wrath』には“Orion Star House”という琉球音階を用いた曲が入ってるんですが、曲名は那覇のゲストハウスから取りました。

──沖縄の旋律のどういう部分に惹かれるんでしょうか。

映画の影響が大きいのかもしれないです。20代の頃に日本映画をたくさん観ていて、その中に沖縄を舞台にした作品があったんですよ。岩井俊二監督の『リリィ・シュシュのすべて』、土井裕泰監督の『涙そうそう』、中江裕司監督の『ホテル・ハイビスカス』とかですね。そこで流れる沖縄的なスケールが好きだったことも関係していると思います。

──オキというアーティストネームは「沖縄」から取られているという噂を聞いたことがあるんですが、本当ですか？

そうです、本当です（笑）。

──キムさんの音楽にはR&Bやヒップホップ、アンビエントなど多様な要素が混ざり合っていて、ジャンルの垣根がさらに曖昧になっている世界的な音楽の流れともリンクしているように感じます。

自分は決して新しい音楽を探して聴くほうじゃないんですよ。好きなものだけ聴き続けているというか。なので他のミュージシャンがやっていることはあまり把握していないんですよ。最近は何を聴いているのかな…ラヴィーナ（Raveena）は好きでよく聴いてますね。

──キムさんは自分のことをジャズ・ミュージシャンだと思っていますか。

そう意識したことはあまりないですね。もちろんジャズから学んだことは多いですが、ジャズ・ミュージシャンというとスタンダードやビバップを演奏している人というイメージがあるので。それに、自分はジャズ・シーンの外で活動してきたので、まだわからない部分もあるんです。

──一方でキムさんが吹くサックスのメロディーはブルージーで、どこか歌謡曲的なテイストも感じます。それは意識的なものなのでしょうか。

ジャズはもちろん好きなんですけど、自分は正統な音楽教育を受けたわけでもないので、ビバップやハードバップを突き詰めることで優れたプレイヤーになれるとも思っていなかったんですよ。その代わり、歌謡曲のようにメロディーがシンプルで抒情的なものを指向してきた部分はあるかもしれない。実際、歌謡曲を吹く練習もしてきましたし。

あと、僕はファラオ・サンダース（Pharoah Sanders）が大好きなんです。ジャズ・ミュージシャンとして優れているのは言うまでもないですが、ブルージーでスピリチュアルな彼の音楽のなかにはルーツ・ミュージック的なものも感じます。ファラオ・サンダースからの影響は強いと思いますね。

──2022年の9月にファラオ・サンダースが亡くなった際、インスタグラムに写真をアップして追悼していましたよね。

そうですね。ファラオ・サンダースがいなかったら今の自分はなかったんじゃないかと思うぐらい影響を受けましたから。もともと自分はジャズのスタンダードを中心に演奏していたんですけど、ファラオの“You’ve Got to Have Freedom”がきっかけで自分のスタイルが変わりました。

──実は、明日カデホ（CADEJO）のイ・テフンさんにリモート・インタヴューする予定なんです。カデホもソウルのインディー・シーンで活動していて、キムさんとも近いプレイヤーですよね。彼も決してスタンダードだけを演奏するジャズ・ミュージシャンではありませんが、ジャズから強い影響を受けていて、キムさんとの共通点も多いように感じます。

テフンは昔に比べるとずいぶんギターが上手くなりましたよね（笑）。彼が以前やってたヘリヴィジョン（Hellivision）のライヴを観たことがあって、それをきっかけに一緒にやるようになりました。彼もいわゆるスタジオミュージシャンとは違う自分独自の表現を突き詰めていて、音楽的にも常に開かれている。そこにシンパシーを感じています。

──今回のジャパンツアーはチン・スヨンさん（ピアノ）、チョン・スミンさん（ベース）とのトリオであるキム・オキ・サターン・バラッドで行われるわけですが、このグループでテーマとしているのはどのようなことなのでしょうか。

サターン・バラッドは自分の活動のメインになっているグループといっていいと思います。この編成は自分が表現したいことを一番やりやすいフォーマットでもあるんですよ。

──ドラムレスの編成にしているのはなぜなのでしょうか。

ドラマーはずっと探しているんです。現在の編成に落ち着くまで10人ぐらい加入と脱退を繰り返してきたんですけど、どうもうまくいかなくて。ドラマーの問題はいつも抱えていて、ファッキング・マッドネス（Fucking Madness）というもうひとつのバンドも、これまで13人から14人ぐらいドラマーが交代しました。

──それはなぜなのでしょうか。キムさんがドラマーに求めるものが高すぎるんですかね？

もともとダンサーだったこともあって、リズムに対して敏感ということも確かにあるとは思います。今までふたりだけしっくりきたドラマーがいて、ひとりは済州島に住んでいるということもあって、定期的に演奏することができないんです。もうひとりはファッキング・マッドネスで一緒にやっているキム・ダビンさんです。彼はカデホのドラマーでもありますね。

──サターン・バラッドはピアノとベースとのシンプルな編成ですが、曲によってはアンビエント的なニュアンスを感じることがあります。ドラムがいなくて、アンサンブルが空間的に構築されていることが理由のひとつであると思うのですが。

そこは少し意識しているんですよ。自分はアンビエントも好きですし、サターン・バラッドのときはアンビエント的な質感も少し意識しています。

──もうひとつのリーダーバンドであるファッキング・マッドネスでは、アフロ～スピリチュアル系のジャズをやっていますよね。まさにファラオ・サンダースからの影響を感じさせます。こちらはサターン・バラッドとは違い、メンバーがかなり多いですよね。

基本の編成は8人で、大きなステージでは12人でやることもあります。ファッキング・マッドネスも今のメンバーに落ち着くまで4年ぐらいかかったんですけど、結成から現在にいたるまでほぼ練習をしたことがないんですよ。いつもライヴの場で集まり、ライヴをやることでバンドとしてのスタイルを固めてきました。ただ、最近新しいアルバムを用意しているので、練習をするようになりました。

──キムさん自身は、客演もたくさんやってますよね。セイ・スー・ミー（Say Sue Me）やCHS、イ・ミンフィ（Minhwi Lee）、ローダウン30（Lowdown 30）ともやってるし、最近ではペク・ヒョンジン（Bek Hyunjin）さんのバンドにも参加しています。ジャンルがとにかくバラバラで、これだけバラエティー豊かな面々と共演しているプレイヤーもなかなかいないのではないかと思います。なぜそんなにも多くのアーティストからキムさんのサックスが求められるのだと思いますか。

そもそも韓国のジャズ・シーンが小さいということもあって、ジャズだけやっていても食っていけないということもあります（笑）。そういうこともあってホンデのインディー・シーンに入っていったところもあって。ホンデでいろんなミュージシャンに出会ったし、自分の音楽的な幅も広がったと思います。30代の多くの時間をホンデのライヴハウスで過ごしたので、芋づる式に繋がりが広がっていったんですよ。

──キムさんにとってホームといえるヴェニューはどこなんですか。

しょっちゅう演奏していたのはストレンジ・フルーツとチャンネル1969です。

──映像ディレクターとしての仕事もしているそうですが、どんなことをしているんですか？

まさに新作の映画作品を作ってるところなんですよ。もともと音楽よりも映画のほうが好きなぐらいで、音楽を作るときにも映画のイメージがどこかにあって。

──それはとてもよくわかります。

それで自分でも映画を作るようになって、最近長編を一本作り終えました。映画祭に出品することになったので、今度プレミア公開される予定です。

──なるほど。最後に、今回のジャパンツアーについてはいかがですか。

音楽を始めたころから日本でツアーするのが夢だったので、とても楽しみです。ヨーロッパで演奏する機会はあったんですけど、海外でライヴをやること自体はあまり好きではなくて（笑）。でも、今回のツアーは例外です。今まで行ったことがない街にも行くので、新しいメロディーやアイデアが浮かんでくるんじゃないかという期待もあります。今回のツアーの共演では、折坂（悠太）さんと演奏したことがあります。折坂さんギターとヴォーカル、自分はサックスで参加したんですが、すごくおもしろかった。やっていて合う感じがしましたし、今回も楽しみですね。

2001年から続く至福のオール・キャンプ・イン・フェス＜朝霧JAM＞が、今年も富士山麓の朝霧アリーナ・ふもとっぱらで10月21日（土）と22日（日）にかけて開催されました。

富士山の向こうを張ってそびえ立つ毛無山の麓にあり、毛無山の自然の恩恵を受けた広大な草原サイト「ふもとっぱら」。富士山を一望できる極上の環境の中で、最高の音楽体験、フェス体験を浴びるように体験できる（しかも大量のワンちゃんと一緒に！）。そんなフェスが＜朝霧JAM＞です。

2023年はジ・アルバム・リーフ（THE ALBUM LEAF）やカッサ・オーバーオール（Kassa Overall）、バッドバッドノットグッド（BADBADNOTGOOD）、キティー・デイジー&ルイス（Kitty Daisy & Lewis）などの海外アーティストに加え、くるりや折坂悠太（band）にtoeやOGRE YOU ASSHOLE、青葉市子、OMSB、さらさ等が出演。今年は天候にも恵まれただけでなく、オリオン座流星群が流れるという奇跡的なタイミングに遭遇。澄んだ空気のなか、そして星が輝く空の下で、体験する音楽ライブはどれも格別でした。

10月のふもとっぱらのように、東京でもかなり肌寒くなってきた今日この頃。満点の星空に囲まれていた＜朝霧JAM＞に思いを馳せながら、フェスティバルの様子を写真で振り返ります。