『Ryuichi Sakamoto | Opus』に続いて、空音央が手がけた初の長編劇映画『HAPPYEND』の舞台は、近未来の東京。しかし、そこはほとんど現在の日本と変わらない姿をしている。社会全体に組織的な差別やヘイトスピーチが広がり、あるいは地震が頻繁に起こる中で緊急地震速報が日常生活の一部となっている。

DJに憧れる幼馴染の高校生のユウタ（栗原颯人）とコウ（日高由起刀）は、たとえ同じことをしても、周囲からの扱いが明確に違うことを知る。コウは在日韓国人であるために、警察や先生から危険分子の如く逐一目を向けられるのである。作中で、政府は迫り来る地震の脅威を利用して、また公共の安全の問題を持ち出して、人々の私生活に干渉する緊急事態条項を発令し、反対派を厳しく取り締まる。それはまるで現在の日本の風潮と重なって感じられる。

ユウタとコウが通う高校は、AI監視システムを設置し、校則や秩序を乱す生徒たちを監視しては罰していく一方で、生徒たちの中にはセキュリティシステムに慣れるうちに権力的な視線や規律に従うことを内面化し、逸脱を許さないよう監視し合う世界を容認する者すらいる。『HAPPYEND』は、抑圧と不寛容が覆いながらもほとんど誰も注意を払わず、テクノファシズムに向かう社会への警告を込めつつも、それに団結して抵抗する若者の姿に変化への萌芽を見出そうとしている。正式出品されたヴェネツィア国際映画祭から帰国したばかりの空音央に話を訊いた。

──ヴェネツィアでのパレスチナへの連帯を示すお洋服、素敵でした。本日もクーフィーヤ（パレスチナの伝統的な黒と白のスカーフ）をまとわれていますね。

ありがとうございます。取材のときも常に身に着けるようにしています。

──『HAPPYEND』では地震をきっかけに日本の人々の中で反朝鮮感情が浮き上がってくる様子が描かれ、劇中で首相は当時の人種差別的な陰謀論を未だに真に受けているような発言もします。例えば近年ではミン・ジン・リー原作のドラマ『Pachinko パチンコ』（2022～）や『福田村事件』（2023）も関東大震災と日本の朝鮮差別を描いていましたが、今回の地震のモチーフには関東大震災への意識はありましたか。

もちろんです。政治的に覚醒し始めた大学生の頃に1923年の朝鮮人虐殺について知るきっかけがあって、なんでこんなことになってしまったのかと衝撃を受けました。単純に自分も日本人ですし、自分の中にもそういうものがもしかしたらあるのかもしれないとも思い、なぜ起こったのか要因を調べる中で、植民地主義の歴史や朝鮮人への差別意識が見えてきたり、もしかしたら植民地支配に由来する支配側の恐怖みたいなものもあったんじゃないかと感じました。そういうことを色々調べたのが、2014年～15年の頃でした。ちょうどヘイトスピーチのデモが盛んに行われていた時期で、未だに日本があの頃と変わらないことを目の当たりにしたんですよ。最初にこの映画を作りたい衝動に駆られた要因のひとつが、関東大震災と朝鮮人虐殺について学び始めたからでした。動機が関東大震災の歴史で、そこから自分の友情の経験を素材にして物語を考えたんです。

──仰ったように、本作は、排外主義的な考えが現代の日本にも蔓延していることに目を向けています。ウィリアム・フォークナーは「過去は死んでいない。過ぎ去ってもいない」と語りましたが、舞台を近未来の日本に設定した理由について教えてください。

近未来に設定した理由は、大日本帝国が過去に行ったこと、植民地支配の日本の歴史を反省しないまま、将来また関東大震災みたいな地震が起きたらどうなってしまうんだろうという思考実験から着想を得たからです。当時と同じことが絶対起こってはダメだという衝動から構想が始まりました。

（カール・）マルクスは、「すべての歴史的事実と人物は二度現れる。一度目は偉大な悲劇として、二度目は惨めな茶番として」という言葉を残しています。現代で起こっている政治的なスキャンダルや出来事って本当に風刺ぐらいあり得ないというか、フィクションにしたらあり得ないだろうと笑われそうなぐらいのことが毎日ニュースで起きているような感じがありますよね。

──自民党は朝鮮人虐殺の歴史や人種差別を行ってきた事実に目を背け続けていますが、本作を通して、日本のどのような空気感を捉えることを望んでいましたか。

日本含め、どこの国も右傾化やファシスト化している傾向があると思うんですけど、日本のファシズムは味が独特というか。ドキュメンタリー監督の想田和弘さんが著書で「熱狂なきファシズム」と呼んでいますが、その言葉にうまく表現されているように思います。ムッソリーニやヒトラー、トランプみたいに強権的で雄弁でもなければ、男らしさを打ち出しているわけでもなく、ウンベルト・エーコが提唱するファシズムの定義に完璧に当てはまっているわけでもない。だけど、国のリーダーがぬるっと自分のたちのやりたいことを通してしまうような隠蔽されたファシズム──政治をものすごくつまらないものにすれば、国民に気づかれないうちに色々なことができるんじゃないかという陰湿さ──があると感じています。

ひとつ例を挙げると、去年の12月に政府が武器輸出政策の転換を行い、殺傷兵器輸出の一部解禁を強行しているんですよね。そのことに対してデモも起きましたが、ほぼ誰にも気づかれずに通ってしまった。裏金の問題も含め、もし他の国で起こったら、本当に暴動が起きるようなレベルにも関わらず、日本では何も起きずにすっと忘れ去られてしまうことが独特だと思います。その理由はなんなんだろうと考えると、やっぱり無関心なのか、はたまた政治というものは自分の生活とは関わりがないから御上が勝手にやっててくださいみたいな意識がある気がします。意図的かどうかは定かではありませんが、今回それが表れているのかもしれませんね。

──仰ったような政治に無関心で、ある種音楽だけ楽しめればいいような享楽的な若者像は、ユウタに反映されていると言えるでしょうか。

確かにある意味そうかもしれません。ユウタに反映されているのは、享楽的に過ごしてればいいみたいなニヒリズムです。（スラヴォイ・）ジジェクが、「自分と世界の出来事に距離を置いた状態のアイロニー的視点はすべてを俯瞰したような気持ちにさせてくれるけど、アイロニーを持っていたとしても、切実に何かに対して向かっていかないと、それは結局ファシスト側に吸収されてしまう」みたいなことを言っているんですよね。そういうことをユウタに込めようと意図したときもありました。

ただ、コンセプトに縛られすぎずに、ちゃんとした生きてる人間として立たせてあげたいとも考えていました。ユウタにとっては、楽しむとか遊ぶことが、友達を引きつけてくれたものであって、友達が周りにいると孤独が紛らわせられるというような動機がたぶんあったのだと思います。意識的に政治活動はしてないかもしれないですが、実はユウタが、一番アナキスト的というか、反骨的な気質を自然と備えていて、率先して無駄なルールをぶっ壊しに行っている人物ですよね。

── 一方で、ユウタと対照的なのがフミ（祷キララ）で、彼女は当事者としてというよりも他者のために社会運動に参加したり、座り込みを起こし、他の生徒たちを扇動します。どちらもある種政治への幻滅が表されているかもしれませんが、フミの場合は、近未来の設定ではありますが、Z世代的な若者像にも見えました。彼女の造形にはどのようなイメージがありましたか。

フミは、金子文子を意識していました。1923年には朝鮮人の虐殺が起こりましたが、同時に方言しか喋れない日本人や中国人、障害者、そして左翼思想や反政府思想の持ち主も虐殺されたり逮捕されたわけですよね。そのうちのひとりとして、金子文子のバイオグラフィーを読んでいたので、彼女から着想を得て、フミというキャラクターを発展させていきました。

──社会的・政治的活動に積極的に声を上げる現在のZ世代をどのように見られていますか。

僕は希望を持っていますよ。本当は、30代、40代、50代が一番リスクを持って、現在の社会問題に対抗していかなきゃいけないんですけど、結局、一番若い世代に世界の色々な問題を背負わせてしまっている。それを一番精力的にやっているのが、Z世代とか、さらに下のα世代で、彼らには本当に頭が下がる思いで、申し訳ない気持ちになりますよね。

──そのような若者への見方が、『HAPPYEND』というタイトルにも反映されているのでしょうか。

そこまで深い意味はないのですが、映画の中で2つの気持ちのベクトルがあると思っていて、それを込めました。ひとつは、若者の生き生きとしたエネルギーや若い瞬発力、もうひとつは、少し引いた目線からの黙示録的なイメージがありました。単純なワードだけど、「happy」と「end」が合わさることによって、時代は変容していくけれども、若い頃の記憶、生きている気持ちが捉えられるんじゃないかと考えました。

──冒頭、高校生たちが人生を謳歌するように走っている瞬間にフリーズフレームが挟まれ、終盤、ユウタがコウにちょっかいをかける瞬間をフリーズフレームで止めています。この青春に何かが介入して終わりが近づいているような予感、あるいは劇的な変化を強調しているかのようですが、最初と最後にフリーズフレームを導入した理由について教えてください。

実は、エンディングのフリーズフレームが最初に決まったんです。ただ、撮影中は全然そのようなアイデアはありませんでした。エンディングで何がしたかったかっていうと、これで本当に物語が終わるというような感覚を作りたくなかったんです。彼らの関係性がいまはちょっと離れてしまうかもしれないけど、まだもしかしたら続いていく可能性だってあるかもしれない、映画が終わった後も変化があるかもしれない含みを持たせたかった。

個人的に笑顔になりながらでもちょっと悲しいみたいな感情が好きなので、どうにかそれを作り出せないかと色々試行錯誤していました。その中で、友達で編集者のアルバート（・トーレン）が冗談で「フリーズレームさせて、そこにわざとらしい音楽を入れてみたら」と提案したんです。それを試しにやってみたらすごくよかったので、採用しました。でも最後だけ急にフリーズフレームが来るよりも、映画の遺伝子の中に、最初の方から何かしらそのヒントを入れた方がいいんじゃないかと思って、タイトルのところにも入れました。

──地震というコントロールできないもの、あるいは人々に主体性を放棄させようとする権力者による服従、監視システムの設置が広がる一方で、アタちゃん（林裕太）とミン（シナ・ペン）、ユウタとトム（アラージ）は遠くから人を見てアテレコして遊びます。人生のままならなさに対して、若者たちの主体性への欲望が見て取れるように感じましたが、あのアテレコはどういう意図で入れられたのでしょうか。

そういう風に深く考察して読み取ってくれるのはめちゃくちゃ嬉しいんですけど、入れた意図はむしろ単純で。キャラクターの関係性とか、映画が始まる前の話はどうなっていたとかは、導入として色々説明しなきゃいけないわけです。でも、映画に説明的なシーンを入れると大体つまらなくなってしまうので、それをどうにか誤魔化したかった。あれは高校生が友達に対してやりそうなことでもあると同時に、実は物語を説明しながら関係性のレイヤーを複雑にさせていくテクニックで、反復させていくことによって、その差異からユーモアとしても機能させていく狙いがありました。

また、他の人になりきって話しているわけなので、例えばアタちゃんとミンが、ユウタとトムがちょっとギスギスした感じになっている中で、おめでとうみたいなアテレコをしているときには、実際はそうじゃなくても、そこにはそういう話をしていてほしいという彼ら自身の欲望が投影されてもいるんじゃないかと思います。

──登場人物の背景に関してですが、アタちゃんはキュロットのような制服のズボンを履いていますね。「指定外の制服」として減点の対象とされ、彼は通常の制服のズボンを履くようになってきますが、あれはどういった設定だったのでしょうか。

あれは実は、ミンの中学生の頃の制服をもらって、それを加工してズボンっぽくして履いているという設定です。最後の方でアタちゃんは服飾の道に進んでいくことになりますが、あの服装で彼にもスタイルがあることを表現したかった。でも彼は彼なりのスタイルを貫き通したいけど、それすら制限されてしまう。よくある高校のブラック校則の風刺でもあります。

──様々な国にルーツを持つ人が一緒に暮らす近未来の日本で、劇中では日本国籍を持たない生徒の排除が強まっていきます。ナショナリズムとそれに起因するゼノフォビアが台頭する中で、絶望的な未来像ではなく、抑圧の中で抵抗する若者たちが描かれていますが、ここには“生存”という実存的な主題がありますよね。

そうですね。例えば、僕は現在30代で、子どもを産むのかどうかたまに考えたりするんですが、やっぱりこういう風に世界が本当に悲観的な場所になってきている中で、子どもを作ったらもうただ不幸でしかないだろうとかすごい思っちゃうんですよね。

でも同時に、Z世代やα世代を見るとそんなヤワじゃない、放っておいたらたぶん生き残る。希望を感じたり、絶望しか感じなかったりみたいに反復してるんですけど、どんなにひどいことがあっても、やっぱり人は結局、生存しようとする力がすごいある──ひどい虐殺が毎日のように起きていて、周りにその血の匂いしか漂ってなくても、日々の生活の中で子どもたちはまだ楽しんだりすることができているような動画をたまに見るんですが、そういう状況下にいる人たちにとって、生存することが抵抗みたいに思います。社会や政府、資本主義の構造がいかに暴力的であったとしても、その中を潜り抜けてやっぱり生存していくんだという強い意志を人類にはすごい感じます。

──幼い頃から友人だったユウタとコウは、アイデンティティや政治的意識への違いから関係が変化していきます。友情は家族や恋人の関係よりも曖昧で、定義がないものですが、そのどのような側面を見たいと思いましたか

まさにいま仰っていただいたように、本当に友情って社会的規範がない関係性だと思うんですね。例えば、結婚したら税金の枠が変わったり、病院に見舞いに行っても友達じゃ会えないけど、家族になれば会わせてくれる。でも、人によっては、友達との関係性の方が家族より大切かもしれないし、例えば自分と猫の関係性の方が全然大切かもしれない。よく考えると、たぶんみんなそれぞれにベストフレンドはいるし、いわゆる性的な生産性がないような関係性の方が、婚姻関係とかよりも保てていることもあると思うんです。大事な関係性でありうる友情が、なぜそこまで社会において重要視されないんだろうみたいな問いが自分の中にあるんです。

──抑揚を抑えた中で日本の政治的、社会的状況を取り上げ、またロングショットや電球の象徴的な使い方など、エドワード・ヤンやホウ・シャオシェンを彷彿とさせるようなところがありますが、台湾ニューシネマへの意識はありましたか。

エドワード・ヤンは大好きで、本当にめちゃくちゃ影響を受けています（笑）。エドワード・ヤンの場合は個人たちのキャラクターの物語ではあるんだけども、街の物語でもあるし、彼の都市と空間の撮り方が念頭にありました。ホウ・シャオシェンはちょっと味が違いますが、例えば『悲情城市』（1989）は歴史の瞬間の物語でもある。この映画も友情の物語ではありますが、彼らの周りで起こっている政治的、社会的な出来事がその友情に影響を与えているので、それにもちゃんと焦点を当てないと、物語として立たないため、撮り方としても街に焦点を当てました。

未来の街という設定ではあるので、それにうまくリアリティを持たせながら、現実にあるような画作りをしなければいけない。なので、ロケーションにこだわりつつ、例えばなるべく空を見せずに圧迫感を感じさせるような撮り方を意識していました。また地震が来る設定なので、彼らの後ろにそびえ立つ建物がいまにも倒れてくる可能性も感じさせるような構図を撮影監督のビル（・キルスタイン）と一緒に考えながら作っていきました。

──最後に、エンドクレジットで脚本・監督の名前も他スタッフと並列に表記されるのも印象的でした。単に作品を監督だけのものに還元せず、ひとつのスクリーンに全員の名前を平等に映し出すあり方は、ある種アクティビズムを描く映画に適しているとも思います。日本映画の旧来的なエンドクレジットを採用しない考えは意図的でしたか。

ありがとうございます。それに気づいてくれた方は初めてです。実は、その着想を得たのはバス・ドゥヴォスの『Here』（2023）でした。あのエンドクレジットを観て、かっこよくていいなと思って、自分たちのなりのやり方にしました。

結局、映画を代表しなきゃいけないのは監督ではあるんですけど、映画って別に監督のものだけじゃないし、経理の人も機材車を運転する人もいないとできない。みんな同じ映画労働者なわけで、それを隔てずに見せたい気持ちがすごくありました。どうしても順番みたいなものを考えなきゃいけなくなりますが、なるべくそれを平均した方法で表現できないかと考えて、縦割りじゃなくて、ホリゾンタルな形の方がいいと思い至りました。

──謝辞に濱口竜介さんや森山未來さん、福永壮志さんらの名前がクレジットされていますが、彼らとはどういった関係性があるのでしょうか。

濱口さんは、この映画のプロデューサーの増渕愛子がずっと通訳をやっていたつながりもあって、演技未経験者のキャストが多かったので、撮影前にどうやって演技未経験者を演出できるのか、アドバイスを2時間ぐらい快くしていただきました。それ以降もめちゃくちゃお世話になっています。森山未來さんは、撮影のロケ地がほぼ神戸で、森山さんと神戸のフィルムコミッションの方たちが始めたArtist in Residence KOBEに泊まらせてもらったのと、あと現場にも1日見に来てくださって、アイスをいっぱい差し入れてくれました（笑）。福永壮志は実は一瞬、ワンカットだけ出ています。僕はニューヨークにいた頃から、『リベリアの白い血』（2015）から始まって、彼の全作品にスタッフとして関わっているんですが、毎回エキストラとして出させられるんで、今回はその仕返しとして、遊びに来てくれたときに出てもらいました（笑）。

──今回、コンテンポラリーダンス公演のための音楽を手掛けることになった経緯を教えてください。 最初にOrganWorksを主宰する平原慎太郎さんを紹介してくれたのは、OrganWorksと何度かコラボレーションをしている呂布カルマなんですよ。それ以前から僕のことを知っててくれていたみたいで、いつか一緒に何かやりましょうって、メールをくれたんです。その後、2021年に呂布さんのアルバム『Be kenja』で僕が1曲（「SAMSAVANNA」）プロデュースしたんですけど、それを聴いて、「ヤバすぎた」みたいな感じで急に連絡が来て、「次の作品でぜひお願いしたい」って。そして、そのままの流れに乗って、今回、音楽を担当させてもらった次第です。 ──これまでRamzaさんはコンテンポラリーダンスにどう触れてこられたんでしょうか？ 森山未來くんが会話しながら踊るユニット、談スのことは知ってて。後々、クレジットを確認したら、平原さんもその一員だったことが分かって、なるほど、そういう繋がりがある方なんだなって。僕は以前、森山未來くんと辻本智彦さんが2人でやってるコンテンポラリーダンスユニット「きゅうかくうしお」の2019年公演『素晴らしい偶然をちらして』の制作合宿に参加したことがあって。そこで、田植えしたり、俳句を作ったり、酒飲んだり、焚き火したりとか（笑）。それだけだとただ遊んでるだけだなと思ったので、帰る前にアンビエントの曲を数曲作って置いて帰ったんですけど、自分にはコンテンポラリーダンス界隈とのそういう経験があったので、今回の仕事をする前に、平原さんがどういうバックグラウンドの人なのか、自分のなかでなんとなく想像はついていました。 ──そして、Ramzaさんはプライベートのパートナーもコンテンポラリーダンサーでいらっしゃるとか？ そうなんですよ。だから、日常のなかで、ダンスのことを自分なりに考えたり、話したりすることはありますし、コンテンポラリーダンスの世界における音楽の扱われ方、捉え方もなんとなく。扱われているのは、分かりやすい現代音楽であるとか、ダムタイプの音楽を担当している池田亮司さんに代表される異常に電子制御された最先端のコンテンポラリーミュージックが主流というイメージで。ジョン・ケージとマース・カニングハム、スティーブ・ライヒとローザス、あとローザスと言えば、2019年にジョン・コルトレーンの『A Love Supreme』だけの面白い公演をやったりしているんですけど、そういう超有名なダンスカンパニーが現代音楽をバチバチに使っているので、一般的にコンテンポラリーダンスといえば現代音楽というイメージが強いですよね。 ──平原さんは呂布カルマとのコラボレーションしかり、ダンスを始めたきっかけがヒップホップだったりと、ルーツにヒップホップがある方ということですが、お会いしてみていかがでしたか？ 公演が終わって、飲みの時に「そういえばヒップホップ好きでしたよね」って話したくらいで、分かりやすくヒップホップで繋がったわけではなくて。それよりも喋り方とかそこから伝わっている考えが繊細な印象で、もっと言えば、僕に声をかける前に、どこかのタイミングで（Ramzaと盟友である同郷のプロデューサー）Free Babyloniaに声をかけようとしていたらしくて、自分たちと共通する何かをキャッチする感性の持ち主なんだろうなって。初めて会った時は、わざわざ、そのためだけに名古屋まで来てくれたんですけど、そこで説明された公演のコンセプトは難しくて（笑）。すごい荒い解像度で、古代ギリシャ劇で作品内容や背景を伝える役割を担った“コロス”（Chorus：合唱隊）が題材になっているんだなと理解しました。

──そこからどういう過程で音楽制作に向かっていったんですか？ 最初に説明を受けた時、「とりあえず、その説明からイメージを膨らませて、何曲か作ってみますわ」って返して、1か月くらい引きこもって作業に集中した感じです。 ──上演された『ひび割れの鼓動 hidden world code』は、ダンスに加えて、俳優2人の台詞が抽象的ながらも設定やストーリーを伝える6章からなる作品でしたが、そうした設定やストーリーありきで、音楽を制作していったんですか？ 最初の説明で、人の生死がテーマに関わっているというニュアンスの話はあったんですけど、それ以外に平原さんからの要望だったり、具体的なものは全くなかったので、人が踊っている映像を頭の中に喚起しながら作業していって。記憶が正しければ、音楽が出来上がった時点ではまだ舞台の章分けはされていなかったと思います。 ──つまり、Ramzaさんからしてみれば、音先行で自由に制作を進めることが出来たと。 それで5曲作ったのかな。その後、章分けされて、公演1か月前に「あと1、2曲欲しい」って言われて、「ええ！？ マジか……」って。そのタイミングで練習風景の映像が送られてきたので、それを観ながらまた勝手に想像して作ったら、その曲が作品構成にバチバチにハマったらしくて、向こうはかなり盛り上がったらしいんですけど、「それはよかったです」と返しつつ、あまりに情報が少なくて、こちらは何が起こってるのか全く分かってなかったという（笑）。 ──Ramzaさんは一般的にヒップホップのビートメイカーと認識されていると思うんですけど、このアルバムにはキックやスネアが入っていませんし、分かりやすい形でヒップホップとコンテンポラリーダンスのコラボレーションを意図、具現化したものでもないですよね。 ヒップホップのビートメイカーということで、もしかするとビートを期待した人もいるかもしれないですよね。でも、そもそも僕はビートメイカーのなかでも分かりやすいスネアとかキックがない方というか、特に最近は無理にビートを打ちたいとは思っていなくて、ビートのありなしを超えた次の段階でどういう音楽を作るかということしか考えていないんですよ。だから、平原さんが僕の音楽をどう捉えているのか、何を求めて声をかけてくれたのか聞いてみたいですけどね。

──単純な話として、ダンスのための音楽としては分かりやすいビートがあった方が踊りやすいと思うんですよ。でも、そういう作品にはなっていないわけで、Ramzaさんはどんなことを考えて作品を制作されたんでしょうか？ 先に述べたように、コンテンポラリーダンスで使われているステレオタイプな現代音楽や電子音楽はあり得ないというところから始まって、そんな格好つけなくていいし、普通の音楽でいいじゃんって。普通というと語弊があるかもしれないですけど、電子音楽や実験音楽に偏りすぎず、なんとも言えない音楽。なおかつ、巷にはない構成のもの。ただ、分かりやすいキックやスネアは入れなかったものの、「こういう曲で踊ったらヤバいだろうな」というポイントを自分なりに探しながら作りましたね。 ──Ramzaさんの制作手法として、2017年のファーストアルバム『pessim』をはじめ、Ramzaさんの初期の作品はサンプリング、コラージュの手法が主軸でしたよね。今回の作品だと4曲目の“immortal”がまさにそういう曲だと思うんですが、それ以外の曲はシンセサイザーで作ったご自身の音で構築されていますよね。 そうですね。今のモードになったのは2年くらい前かな。サンプリングというのは、自分でコントロールできない表現というか、偶発的な切り取り方や組み合わせで訳の分からない音が出るところだったり、サンプリングソースの年代とかジャンルによって文脈やタグが与えられたり、それを組み合わせる遊び方に魅了されてきたんですけど、シンセサイザーにはそういう記号性が希薄だったりする。今はそういう文脈やタグを必要としていないというか、もっとシンプルなもの、自分をより色濃く投影したものが作りたいということなのかもしれないですね。そして、なにより、シンセサイザーで自分だけの音を作るのもサンプリングと同じくらい面白いし、未開拓の領域ということもあって、気づいたらシンセサイザーを多用していたという感じですかね。しかも、ここ最近はソフトウェアとかプラグインの進化が著しくて、シンセサイザーもものすごい音が出るんですよ。だから、今はテクノロジーやシンセサイザーの進化を楽しんでる真っ最中でもあるんでしょうね。 ──ただ、手法の違いはあれど、ヒップホップで育まれたであろう野蛮さと独自の音を突き詰めることで生まれる美しさが共存したRamzaさんらしい作風は不変ですよね。 音楽もアートもコンテンポラリーダンスも西洋的な美意識が良さの基準になっているし、さらに学校で専門的に学んだアカデミックな表現はそうした西洋的な美意識が主体になっていると思うんですけど、自分にはどうにもピンと来ないんですよ。だから、Ramzaらしいと言ってもらえて、めちゃ嬉しいですね。

──公演を拝見して印象的だったのは、例えば、キックに近い役割を果たすベースや音の立体的なうねり、シンセサイザーのシーケンスフレーズもダンサーにとってはリズムの役割を果たしていたこと。ダンサーの皆さんは繊細な一音に体を反応させていたかと思えば、もっと大きな抑揚のある曲構成であるとかシンセサイザーで表現されたメロディアスな音色が踊るポイントにもなっていて。ダンサーの自由な身体表現に驚かされましたし、Ramzaさんの音楽は自由な身体表現を触発する音楽だと思いました。 そうなっていたらいいんですけどね。メロディアスな要素はダンス作品であるからこそ盛り込んだものであって、パフォーマンスから哀愁を感じたり、エモーショナルになるような瞬間があればいいなって。 ──今回の公演は起承転結のある舞台でしたが、終盤にあたる5曲目の“Concrete”、ラストの“Dithurambos”はとりわけエモーショナルで、パフォーマンスのクライマックス感と一体になっているように感じました。 でも、実は僕が想定した順番とは違う順番で使われたんですよ。自分のなかで「この曲が最後だな」と思っていた“Nostalgia”は1曲目に来ましたからね（笑）。まぁ、でも、1曲1曲それぞれに流れや雰囲気があったので、起承転結はどうでもいいかなと思っていましたし、実際、舞台構成と曲は上手くハマっていたんじゃないかなって。 ──自分が作った音楽でダンサーが踊っている舞台を観て、どう思われました？ 初演の神奈川芸術劇場での公演はサウンドシステムが良くて、理想的な音が出ていたし、素直に感動しましたよ。OrganWorksの方たちは体の可動域もすごいし、パフォーマンスのレベルが飛び抜けていて、ただただすごいと思ったし、そういう飛び抜けたダンサーが自分の音楽でガチで踊ってくれていること自体、本当に嬉しいなと思いました。 ──個人的に、ヒップホップの枠にとらわれない表現の可能性を追求しているRamzaさんと第一線で身体表現の可能性を追求しているダンサーとのコラボレーションは、舞台を観ていて、聴いていて、非常に刺激的な経験でした。 自分としては、何かに対するアンチ、破壊であるとか、新しいことをやってやろうみたいなことではなく、日々生活しながらも吐く息がヤバい、みたいな感じで自然に生まれる“生活に従順な音楽”を目指したんですけどね。 ──ヒップホップ、ラップって、そういう音楽ですもんね。 ああ、近いかもしれない。CampanellaやC.O.S.A.だったり、自分の周りにいるラッパーはそういうやつらばかりですしね。 ──ちなみに今回、作品としてリリースするにあたって、手を加えたりはしましたか？ そもそも、この作品はリリースしようとは微塵も考えてなくて、声をかけていただいたことで作品化が実現したんですけど、さらに手を加えると色んな人に迷惑をかけるだろうなと思ったので、音のバランスだけ調整しました。というのも、本番2日前に、曲を短くしたり、音を抜いたり、めっちゃ変えたことで、皆さんをびっくりさせてしまったので。「あ、これ、やったらヤバいやつだ」と思って、今回は気を遣いました（笑）。

今年のラインナップのなかでも必見のパフォーマンスが、音楽家・原摩利彦による＜A／Visions2＞だ。今回、ピアノ、シンセサイザー、弦楽アンサンブルに加え、ペルシャの楽器サントゥールを導入した特別編成でのライブコンサートが執り行われる。 本プログラムは、プログラマーの白木良が手がける映像も見どころのひとつだ。ともにアーティスト・コレクティブDumb Typeに参加するふたりは、さまざまな場面で共演を果たしてきた。今年開催されたアートフェスティバル＜ALTERNATIVE KYOTO−もうひとつの京都−＞でも、ともにオーディオビジュアルインスタレーションを制作。また、彫刻家である名和晃平の展覧会＜名和晃平「TORNSCAPE」＞のサウンドスケープとプログラムを共同で手がけるなど、互いに作家性を通わせてきた。そんな両者によって、今回新たにどんなシナジーが生まれるのか期待が高まる。

また今回のライブでは、サントゥール奏者の岩崎和音も参加。テヘラン大学で最優秀国際学生賞を受賞し、＜日・イラン国交樹立90周年記念式典＞での演奏など、テヘランや日本国内各地で演奏活動を行う期待の音楽家だ。他にも、UA、蓮沼執太フィルなどで活躍する千葉広樹（コントラバス）や、宇多田ヒカルの“真夏の通り雨”をはじめ、さまざまなレコーディング・ライブに参加する須原杏（バイオリン／ビオラ）、そしてザ・なつやすみバンド、ceroなど多数アーティストと共演する関口将史（チェロ）、角銅真実のアルバム・ライブ参加などで活躍する巌裕美子（チェロ）といった豪華な面々もステージに登場する。 Qeticでは過去に、原摩利彦の楽曲“Passion”のミュージックビデオ撮影に密着したレポートを実施。本ミュージックビデオは俳優・森山未來がダンサーとして参加したことでも話題となった作品だ。原摩利彦の魅力の一端に触れられる本レポートをチェックすれば、＜A／Visions2＞でのパフォーマンスへの期待もいっそう膨らむはずだ。

＜A／Visions2＞が実演される12月9日（木）には、ダンサー・東野祥子と現代音楽家・カジワラトシオが率いる京都拠点のパフォーマンスアーティストコレクティブ・Antibodies Collectiveによる舞台芸術作品『あらゆる人のための、誰のためでもない世界』も劇版として披露される。本公演は、淡路島の巨大工場にて発表した作品を劇場空間に再演出するというもの。淡路島での公演にも参加したケンジルビエン、吉川千恵、矢島みなみ、加藤律、ミナミリョウヘイ、尾身美苗、菊池航、鈴木春香、泊舞々、鶴家一仁が本公演にも登場し、アバンギャルドなダンスパフォーマンスで魅了する。 また追加ラインナップとしてコムアイがダンスパフォーマンスに参加することも話題に。YAKUSHIMA TREASUREのメンバーとして、鹿児島県の世界自然遺産「屋久島」にインスピレーションを受けた音源やライブを展開している。近年は民謡や能といった日本の伝統芸能、さらにはミャンマーなど海外の民族音楽への関心を煽る活動を続けている彼女だけに、エキゾチックなダンスでオーディエンスを異世界に誘ってくれるはずだ。 本公演で映像を担当する斉藤洋平（rokapenis）は、大阪・東京のアンダーグラウンドシーンでVJを務め、world's end girlfriend、DÉ DÉ MOUSEといったアーティストたち、そして鬼才KILLER-BONGを擁するレーベル〈BLACK SMOKER RECORDS〉の専属VJとしても活動。他にも、UKの名門〈FAT CAT〉からデビューを果たしたCOM.Aや、青葉市子とGEZANのマヒトゥ・ザ・ピーポーによるユニットNUUAMMをはじめ、多くのミュージシャンのミュージックビデオも手がけている。そんな斉藤洋平が、Antibodies Collectiveとのタッグでどのような映像表現を見せてくれるのか。さらに本公演では、12月11日（土）の＜Nocturne 2＞にも出演する日野浩志郎が音楽を手がけており、＜Nocturne 2＞とは異なったアプローチを見比べることができるのも楽しみ方のひとつだ。

そして、12月10日（金）、11日（土）、12日（日）の3日間は「渋谷ストリームホール」で、オーディオビジュアル、サウンドインスタレーション、アンビエント／エクスペリメンタルミュージックのライブパフォーマンスを大音量＆スタンディングで堪能できるイベント＜Nocturne＞が開催される。12月11日（土）の＜Nocturne 2＞では、日野浩志郎によるソロプロジェクトYPYのライブに加え、今年デビューアルバム『Orca』をリリースしたミュージシャン・NTsKiと映像作家・Saeko Eharaのコラボレーションライブが実現することに。 バンド・goat、bonanzasのプレイヤー兼コンポーザーとしても活躍する日野浩志郎は、クラシック楽器と電子音を融合させたハイブリッドオーケストラ「Virginal Variations」や、 全身聴覚ライブ「GEIST（ガイスト）」の作曲・演出も手がける音楽家だ。今年Qeticでは、日野浩志郎が佐渡島の太⿎芸能集団 ⿎童とコラボレーションを果たした映像作品『戦慄せしめよ』の対談を実施している。 当時、日野浩志郎は自身の音楽がクラブミュージック的な解釈をされることに対して、「快楽的に受け止められることについての葛藤は一切ない。僕自身、快楽に忠実に作っているつもり。でも、それは自分にとっての快楽であって、最優先するのはお客さんではなく自分。誰かに合わせるのではなく自分がまず楽しめるものでないとクリティカルなものは作れないと思っている」と音楽に対する捉え方やアプローチについて語っていた。本イベントのライブでも、ダイナミックな音響が体感できる＜Nocturne＞ならではのパフォーマンスに期待したい。

さらに、12月11日（土）には、ビジュアルプログラミングのワークショップ・イベントを開催しているクリエイターコミュニティ、TDSW （Tokyo Developers Study Weekend） のキュレーションによりMasayuki Azegami＆komakinex、dhrma＆Yuki Ishidaの2組がオーディオビジュアルライブで参加。 今回注目したいのが、ともに1996年生まれの新鋭アーティストdhrma＆Yuki Ishidaのふたりだ。スウィングしたブーンバップスタイルを主に、インダストリアルなビートメイクでも定評のあるビートメイカー／ラッパーのdhrmaと、リアルタイムレンダリングを用いた表現手法で藤井風やPUNPEEのライブステージ演出のほか、ミュージックビデオ・VJ・インスタレーション・ARなど多岐に渡る映像制作を行うYuki Ishida。各方面でプロップスを得るユースの旗手ふたりが、今回の初共演でどんな化学反応を生み出すのか必見だ。 また今年Qeticでは、dhrma、荒田洸（WONK）、SILENT KILLA JOINTの鼎談を実施。フライング・ロータス（Flying Lotus）やマッドリブ（Madlib）といったLAビートシーンを代表するアーティストの影響や、自身のビートライブのスタイルについても語られている。日本のビートシーンの在り方を模索する彼が、Yuki Ishidaとともに体現する新たなビートライブは見逃せない。

12月10日（金）〜12日（日）の3日間、渋谷ストリーム前の渋谷川にプロジェクションマッピングで没入体験できるアートインスタレーションが実施されることに。渋谷川に映し出される作品には、2022年夏公開予定の、名画の世界に没入する美術館「IMMERSIVE MUSEUM（イマーシブミュージアム）」の印象派からダイジェスト映像が初公開される。さらに、VJとしての活躍だけでなく、液体から固体までさまざまな材料を相互に反応させて絵を描く「Alive Painting」シリーズを手がける画家・中山晃子が、池袋西口公園「Global Ring」のために制作した作品を改変した特別編集版を披露する。 中山晃子はこれまでにも色彩の差異を即時的に画像解析させてデジタル処理することにより、音を発生させるカラー・オルガン・システム「Fluid2wave」をエンジニアと共同開発し、音と絵を同時に奏でるソロ・パフォーマンスを実施。くわえて、GEZANと不破大輔（渋さ知らズ）とのコラボレーションや、アルス・エレクトロニカをはじめ海外のアートフェスでもパフォーマンスを披露するなど表現活動は多岐にわたり、彼女の深淵な世界観は国内外で評価を集めている。 昨年の＜MUTEK.JP＞では、ピアニスト・Eiichi Sawadoとのコラボでライブペインティングを渋谷ストリームホールで披露。今年は屋外のインスタレーション作品となり、また違った世界観が堪能できるはずだ。