2024年10月19日（土）、20日（日）に福島県あづま総合運動公園で開催された音楽フェス＜LIVE AZUMA 2024＞。今年で3回目を迎え、2日間で49組ものアーティストを迎えるこの福島県最大級の音楽フェスには、音楽以外にもアート、地元をはじめ東北に縁のある約100店舗が軒を連ねるマーケットが展開され、さまざまなエンターテイメントが楽しめる複合的な催しとなっている。本稿では両日でのべ3万7000人もの動員を記録し大きな盛り上がりを見せた＜LIVE AZUMA 2024＞のハイライトを振り返ってみよう。

＜LIVE AZUMA 2024＞は福島あづま球場をステージとしたAZUMA STAGEと、隣接する緑豊かなPARK STAGEのふたつの会場でライブが行われる。AZUMA STAGEのトップバッターを飾ったのは、６年ぶりの再結成を果たしたAqua Timez。「虹」、「千の夜をこえて」、「決意の朝に」といった往年のヒット曲で、早くから会場に集まったファンを魅了していく。続く水曜日のカンパネラは、福島県在住の小中学生からなるダンスチーム約40名をバックダンサーに迎え、「たまものまえ」で“コンココンダンス”を披露。

突如降りだした雨にも負けずオーディエンスを盛り上げたLucky Kilimanjaro。昨年に続いての出演となったフレデリックは、新曲「CYAN」で進化を遂げたバンドサウンド、そして美しいロングトーンで成長した三原健司のボーカルを証明して見せた。大きな歓声に迎えられ登場したJO1は、デビュー曲「無限大」をはじめ、「WHERE DO WE GO」といった最新のナンバーで、11人のエネルギッシュな歌とダンスを披露する。

スチャダラパーは“心のベストテン第１位”、「今夜はブギー・バック」を歌唱し老若男女のシンガロングを誘う。グルーヴィーなサウンドで降り出した雨の滴りさえも音楽体験に変えてしまうgo!go!vanillasも強い印象を残した。＜LIVE AZUMA 2024＞DAY 1のヘッドライナーを務めたクリープハイプは、尾崎世界観によるアカペラではじまる「ナイトオンザプラネット」でライブをスタート。「HE IS MINE」、「栞」といったキラーチューンのほか、尾崎が福島の銘菓をもとに作ったという「愛の標識」では、〈今週君は帰る／生まれ育った福島へと〉と歌詞を変え、大きな歓声を誘った。

DAY 1のPARK STAGE、口火を切るのはU-zhaan×環ROY×鎮座DOPENESS。インド発祥の打楽器タブラとラップの掛け合いが心地よい。注目の新鋭MFSは最新作より「Combo」などをパフォームし、ダンサブルで迫力のあるライブを見せた。続いて登場のCampanellaは全14曲の濃密なパフォーマンス。「I DON’T KNOW」には客演にMFSを迎え、オーディエンスを沸かす。

昼下がりの時間帯に出演したのはTENDRE。人気曲「DOCUMENT」などを披露し、屋外ならではの気持ちよさを演出した。急遽出演が決まったVaVaはアグレッシブなステージングで観客を魅了。観客にコール＆レスポンスやジャンプを促し、ライブ巧者としての面目躍如だ。

PARK STAGEが翳る17時すぎに登場したのはEGO-WRAPPIN’。この日は中納良恵と森雅樹のふたりのみのアコースティックセットだ。ギターと歌声のみで豊かな歌世界を表現するさまはこの日の白眉であったろう。そしてトリを務めたのは、昨年は電気グルーヴとしても出演した石野卓球によるDJセット。アップリフティングなテクノのグルーヴにフロアは大歓喜。PARK STAGEを一瞬でレイヴ会場に染め上げた。

2日目のAZUMA STAGEのオープニングを飾ったリーガルリリーは、代表曲となるオルタナティブ・ロック「リッケンバッカー」でバンドの核となる衝動を見せつける。「swim」を筆頭にメロディックパンクで集まったオーディエンスを激しく揺らした04 Limited Sazabysも強い印象を残した。

indigo la Endはノスタルジックな「夏夜のマジック」をパフォーマンスし、しっとりとした空気を作っていく。続く堂本剛によるクリエイティブプロジェクト.ENDRECHERI.では、壮大なファンクネスを展開。堂本の「福島の風と一体化して楽しんでもらえたら」というMCからはじまった20分に及ぶフリーセッションは圧巻の一言。

2年ぶりの出演となるDragon Ashは、Kjが「Straight Up」でThe BONEZのJESSEを呼び込み、続けて「Fantasista」では2022年と同様にJUBEEのゲスト参加が実現し、会場をこれでもかと揺らす。HYDEは「PANDORA」や「夢幻」などの最新楽曲に加え、L'Arc〜en〜Ciel「HONEY」のほか、「GLAMOROUS SKY」といったヒット曲をヘビーなサウンドにアレンジして圧倒的なパフォーマンスを見せた。

MAN WITH A MISSIONは、代表曲「FLY AGAIN」のほか、「Raise your flag」、「Take Me Under」、「絆ノ奇跡」、「I'll be there」といった鉄板のセットリストを披露し福島の聴衆を沸かす。そして＜LIVE AZUMA 2024＞の大トリを飾ったのは、昨年に続き2度目の出演となる羊文学。海外に活躍の場を広げている彼女たちが、さらに飛躍して福島の地に戻ってきた。「more than words」や「Burning」といった代表曲で、シンプルでありながら力強いオルタナティブサウンドを星が煌めく福島の夜空の下で響かせた。

PARK STAGEの2日目は今年7月にメジャーデビューアルバムを発売したばかりの新鋭、Newspeakからスタート。爽やかでパワフルなサウンドが鳴り響く。勢いそのままに登場したのはこちらも若きスリーピースバンド、LET ME KNOW。「偽愛とハイボール」のヒット曲などをパッションフルに演奏し観客にアピールする。福島でははじめてのライブと語るMONO NO AWAREは朗らかなバンドカラー同様、ピースな空気感でPARK STAGEを彩った。

昨年はSTUTSの客演として＜LIVE AZUMA＞に出演したdodoがソロで出演。前年からの延長線でラインナップを楽しめるのもこのフェスの魅力だろう。ヒット曲「Im」では多くの観客が集まりステージを盛り上げる。快晴のなか、ジャジーでスウィートなサウンドを響かせる鈴木真海子。chelmicoでのはつらつとした印象とはまたちがう大人なライブで午後のまどろみに華を添えた。

オープンリハーサルからサービス精神を見せてくれたKan Sanoによるバンドセットライブも素晴らしい。音楽を通して聴衆とさまざまなコミュニケーションを取ろうとする姿が印象的だ。夕方過ぎに登場したRyohuは「All in One」や「Forever」、「Thank You」など代表曲をバンドセットでソリッドかつアグレッシブに披露。PARK STAGEの大トリを任せられたWONKは11月に発売が迫る最新作、そしてリリースツアーの片鱗を垣間見せるような新鮮なパフォーマンス。バンドの充実っぷりを見せつける演奏でラストを見事に締め大団円を迎えた。

さて、この２日間の＜LIVE AZUMA 2024＞を早足でレポートしたわけだが、いかがだっただろう。上記のライブアクト以外にも、会場入り口付近の入場無料のPARK LIFE DJステージにオカモトレイジ、ZEN-LA-ROCK、JUBEE、grooveman Spot、セク山、okadada、Shōtaro Aoyamaら豪華なDJ陣が出演し、ヒップホップやハウス、テクノ、ロックなどさまざまなジャンルの音楽が鳴り響き、聴衆の耳を引いた。

そして11月19日の深夜には＜LIVE AZUMA＞と連動したイベントが福島Club NEOで開催されるなど、さまざまな楽しみ方が提案された音楽フェスであった。

地産の料理が楽しめるフードエリアは今年も大盛況。なかでもラーメン女子の監修による東北拉麺屋台村はどの時間帯も行列ができる人気ぶりであった。そのほか、さまざまな飲食店が並ぶ東北市場酒場、緑に囲まれた敷地で福島牛のBBQが味わえるAZUMA Terraceなど、友達やカップル、家族同士など、多様な層が楽しめるエリアとなっていた。

また、金子潤やHEART BOMB、Hirottonら、地元にゆかりのあるアーティストによるアート作品の掲示、アパレルや書籍、陶器など多彩な商品が並ぶマーケット、ここでしかできない体験ができるワークショップなど音楽以外のトピックも豊富で、地元近郊以外の人にもおすすめしたいイベントだ。ひとまずは＜LIVE AZUMA 2024＞の余韻を噛み締めながら、来年の開催を楽しみに待ちたい。

idomが、10月6日（金）に新作EP『Who?』をリリースした。pekoと鈴木真海子が参加した“あなたを愛するように”、Kvi Babaの参加した“ミニマリスト”、Nakajin、SO-SO、NUU$HIが参加した“堂々迴”と幅広いコラボレーションを実現した3曲に加え、『イヴ・サンローラン展　時を超えるスタイル』のテーマ・ソングとなったソロ曲“Knock Knock”も収録。これまで孤高のイメージも強かった彼が、何を求めてこのような作品を作り上げたのか、たっぷりと語ってもらった。

──EP『EDEN』リリース時のインタビューで「今までずっと一人でやってきたのもあるんで、いろんな方とも交流したいという気持ちもありますし、それこそ一緒に歌ったりしてみたい」とおっしゃっていて、今回のEP『Who?』ではまさにそれを実行した形になりました。『EDEN』を4月にリリースしてからすぐに動き始めていたんですか？

早かったですね。前々から交流のあったアーティストや、自分が何か吸収したいと思えるような、自分が尊敬するアーティストとやりたいなとその段階で考え始めていましたね。

──『Who?』に添えられたコメントには「アーティストとしての変化を求め生まれたEP」とありますが、どうして「変化を求めた」のか教えていただけますか？

『GLOW』『EDEN』と作ってきて、デビューからちょうど1年経ったタイミングだったというのもあり、新しいステップも踏みたいと思ってもいて。これまでの1年で自分のスタイルが掴めてきて、何か新しいエッセンスが欲しいと思ったとき、やっぱり自分に無いものを持っていると思えるアーティストの方たちと一緒に作ることで何か自分が吸収できる、彼らのスタイルというのを自分に取り込めるんじゃないかと考えたんです。

──外部からの刺激が自分をさらに活性化させてくれるんじゃないかと。

そうです、本当にその通りで。『EDEN』には『GLOW』からの自分に対してのデトックス的な部分があったというか、「やりたいことやろう」という部分がやれたので、もう少し次は自分がこれまでちょっと避けてきたことに触ったり、音楽の幅を自分のルーツだけに狭めたくないなという想いが徐々に出てきていました。

──なるほど。では早速1曲ずつお話を伺っていこうと思います。“あなたを愛するように”にはpekoさんと、鈴木真海子さんが参加していますね。このお二方に声を掛けたのはどうしてですか？

pekoさんに一番最初に会ったのは年末のTBS『CDTVライブ！ライブ！』のときで、そのときは少しお話したくらいだったんですけど、pekoさんはなぜか僕が音楽を始めたときから知っていてくれたらしいんです。

──それは嬉しいですね。

本当に！　自分はもちろんpekoさんの曲を聴いてましたけど。この前会ったときに「YouTubeに投稿し始めたばっかりのときから聴いてたよ。たまたま見つけたんだよね。すごく良い子がいるなと思ってたんだよ」とお話してくれて。

真海子さんも、僕が音楽を始める前からリスナーとしても好きでしたし、真海子さんが出しているPodcastや企画などコンテンツも共感できる部分もあって。それまでお二人と密接な交流があったわけではないですけど、今回の制作をきっかけにお声がけしましたね。

──掛け合いのパートも印象的です。制作はどのような流れでしたか？

スピーディーでしたね。pekoさんに楽器の構成やBPMのテンポやコード感、音色の話をしたら、pekoさんに何パターンか送っていただいて。イメージしていた曲が送られてきた次の日には、僕がサビの部分のメロディと歌詞を入れたものをお返ししたんです。それからpekoさんが1日くらいでヴァースを8小節パンと蹴ってくれて、そこに真海子さんがほぼ同時くらいでヴァースを送ってくれて。

3人で擦り合わせができた段階で、その先の歌詞に関しては僕が3人で掛け合いたいなと思い、全部お伝えして3人で作りました。どちらのスタイルも好きだからこそ、ファン目線で見たときに「こういうものやってほしい」「やっていそうでやっていないようなもの」という僕なりに考えて出した結果がこういう感じなんです。

──曲のタイトルにも表れていますが、この曲ではセルフラブについて歌っています。このテーマをお二人を招いた曲で選んだのはなぜですか？

僕の普段からの想いが強いと思います。自分自身を許せないタイミングがきっと誰にでもあって、僕自身も友人や家族のことは本当に心から大切に思うのに、自分のことを大切にできていない瞬間はたくさんあるなと思って。

自分に対して厳しくなって、それで自分がどんどん傷ついたりしてしまっていたので、そういうところを見直したかった。僕が大事に思う人と同じくらい自分のことを赦して愛したい。だからこのテーマは本当に自分自身の中から生まれたものですね。

pekoさんと真海子さんが僕の考えを汲み取りつつもそれぞれのセルフラブを歌ってくれたおかげで、さらに気づきの視点が増えて、世界が広がっていきました。

──“ミニマリスト”にはKvi Babaさんが参加しています。BACHLOGICさんが“Awake”のリミックスも手がけていたので、間接的に繋がっていたのかなと推測していますが、Kvi Babaさんとはどのように出会ったんでしょうか？

2年半ぐらい、僕がデビューする全然前に、彼から最初にSNSでメッセージを送ってくれて。そこから交流があったので付き合いは長いですね。僕の曲が好きと言ってもらっていたし、僕も彼の曲や歌詞の書き方が大好きで。こんな風に書けたら面白いのに、自分はなかなかできないなと思うことがあるくらい。彼の方からもずっとラブコールしてくれていて。今回EPでコラボをする話になったとき、真っ先にKvi Babaくんが思い浮かびましたね。

──idomさんから見て、具体的にKvi Babaさんの魅力はどこにあると思います？

彼もどこか赦しを求めているというか、日常の中にある気づきから、自分自身の弱さを歌っているんですよね。平凡な自分に対しての劣等感を表現していたり、その弱さをみんなにさらけ出している。「俺もお前らといっしょで弱いぜ」という感じで、それにすごく愛に溢れていて、そこが彼の魅力ですね。人柄もすごくピュアですし、僕からすると「どうしてそんな言葉がなんで出てくるんだろう」と感じるような言葉選びもずっと魅力に感じていましたね。

──制作はidomさん主体だったんですか？

この曲に関しては、まずKvi Babaくんからも構想があって、僕と合うところを探して、TOMOKO（IDA）さんに曲調などを伝ました。TOMOKOさんといっしょにトラックを仕上げたタイミングで、僕がある程度最初にラフの歌詞を書いたんです。そこからKvi Babaくんと一緒にスタジオに入って、その日に丸っと変わったんです。

──つまり1日で書き直したということですか？

書き直したというか、何にもないところから作るつもりだったところに僕があえて持っていった感じだったんです。「この中で引っかかるフレーズある？」というところから始めたら、Kvi Babaくんがすぐ「ないもんねだりの日々」という部分をとても気に入ってくれて。そこから連想しようぜという話になって。

──Kvi Babaさんといっしょに歌詞を書いたんですね。

めちゃくちゃ楽しかったです！ 僕は普段、歌詞を書くとき迷うし、すごく悩むタイプで、彼もソロのときはすごくいろいろ考えてやるタイプのようなんですけど、彼曰くこうやって一緒にやるときはアイディアマンになれるタイプらしいんです。連想を2人でずっと会話しながらやって。会話している感覚で曲を作るのは初めてのことで、僕もすごく新鮮でした。

──刺激的な制作だったんですね。

はい。《何でも聞きたい／君にとっての一番でありたい》という部分を録っていたら、Kvi Babaくんが後ろで《idomの美学と同じの抱く》と何も言わずに急に歌い出して。「うおー！　面白い！」みたいな。そのときはみんな思わず振り返っていましたね。

──テーマ的には老子の言うところの「足るを知る」に近いマインドがある曲だと思うのですが、idomさんご自身は物質主義的な、モノに溢れた今の世の中に対して疑問を抱いたりしているのでしょうか？

自分にとって必要なものを見極めながら持ちたい。それはモノに限らずヒトもそうで、人間関係においても自分にとって誰が大切な人か、というのをすごく考えていたりしますね。モノには価値やストーリーがあるので、それを理解した上で持つことは素敵だと思いながらも、自分にとって本当に一番最後に残したいものってなんだろうというのを改めて考えていたんです。だからそういうメッセージが込められたらいいなと。

──“堂々迴”はヒューマンビートボクサーのSO-SOさん、SEKAI NO OWARIのNakajinさんジャマイカ、中国、日本という多様なバックグラウンドを持つエレクトロニック・アーティスト／コンポーザー／DJのNUU$HIさんとさまざまなシーンをまたぐコラボレーションとなっています。それぞれがプロデューサー的視点も強いお三方だと思うのですが、どのような流れで制作していったんですか？

もともとはSO-SOくんのお家でお三方がDTMの座談会をしてたらしく、軽くセッションをしてたようで。Nakajinさんがその場にあったギターでフレーズを弾いて、SO-SOくんがビートボックスを入れて、NUU$HIさんがパッド等で音を足して、なんとなく1コーラスできたときに、「これにボーカルの人がトップラインを入れてくれたら超楽しそうだよね」と話になって。そのときSO-SOくんが「すごくいっしょにやりたい人がいて、これに合いそうな人がいるんですよ」と言って、僕の名前を挙げてくれたらしいんです。

そこでみんなで僕の曲を聴いてくれて「めっちゃ良さそう」となった流れでそのまま僕に電話が掛かってきて、僕も合流したんです。夜10時くらいだったかな、そのタイミングで電話が来たので、「今ちょうど東京いるから、会おう」と。

そこで完成した現在の“堂々迴”にも残っているメロディを乗せたんです。お互い忙しいし、本当にリリースできるかわからないけど、こういうのもできたらすごく楽しいよね、と話をしていたら1年近く過ぎていて、やっとこのEPで実現できた感じですね。

──タイミングも奇跡的だったんですね。

ありがたいです、本当に。

──idomさん以外は繋がりがあったんですね。

僕が初めてお会いしたときはお三方とも繋がってはいたけど、ちゃんとセッションのようなものをするのは初めてだったんじゃないかと思います。

──ラップのパートも後から加えたんですか？

最初は1コーラスだけ作ったんですけど、僕がラップパートを提案したら、みんなが「おー！（拍手）」という感じで。Nakajinさんがウッドベースのフレーズを弾いたら「おー！（拍手）」、NUU$HIさんがドロップのえぐいビートを作ったり、ミックスの部分で手を加えたりしたときも「おー！（拍手）」、SO-SOくんが目の前でビートボックスをやってくれて「おー！（拍手）」みたいな。みんなで感動し合いながら作っていって、すごく楽しかったです。

──アウトテイク的なアウトロも聴いていて楽しいです。

あれはみんなで最後にアレンジの部分を合わせたときにできたんです。他の楽曲は僕が普段やっているスタイルでミックスしていたんですけど、今回は参加した全員が同じ場所に集まってミックスの作業をしていて、ある程度固まった段階で、SO-SOくんが「マイクじゃなくてこれで録った方が面白くないですか？」と提案してくれて、スマホで録ったんです。

──楽しい制作現場がサウンドから見えてきます。

そうですよね、ここまで遊び心だけで作れる曲というのもなかなか無いんじゃないかな。

──以前「（『EDEN』収録の）“Loop”は1,000テイク以上録った」とおっしゃっていたのが印象的でした。歌のディレクションは今回のようなコラボレーションでもご自身でやっているんですか？

今回も歌のディレクションは自分でやらせてもらっていますね。急いだりすることはありましたけど妥協はできないタイプなので、だったらどこかの時間を削ってでもやろうという感じで。寝る時間も削り、これと同時にライブのグッズのデザインだったりいろんなことを抱えながらやっていたので、どういう風に自分のボーカルを録るかというのは自分で管理していましたね。

──大変ですよね。

大変だなとは思ったんですけどストレスは無かったですね。楽しいコラボレーションだったのもありますし、だんだん自分のスタイルがわかってきている中でやっていたので、そこに関しては自分が疲れていることすらすごく楽しいと思える制作でした。

──こういった他者とのコラボレーションはidomさんの新たな一面を引き出すのと同時にご自身の特徴やスタイル、考えをよりはっきりと浮き彫りにするという面もありますよね？

めちゃくちゃありましたね（笑）。自分の伝えたい本質の部分を伝える方法がこんなにたくさんあるということに気がついたというのもありますし、1人だと悩んでいたことが、みんなと制作しているとすごくクリアに見えてきて。自分はよく失敗もしますし、完璧ではない存在だなというのは常に感じているんですけど、だからといってダメというわけではなくて、自分は誰かを愛したいと思っているし、愛情を届けたいと思うし、自分が良い人間でありたいと思っているということを強く実感しているので、そういうものを音楽の中でやりたいという気持ちがより明確になったように感じます。

──新しく出てきたidomとは、ご自身から見てどのようなものでしたか？

なぜか「クールなidom」というのがいつも皆さんの中にあるような気がしていたんですけど、そうじゃない自分というのをもっとさらけ出せるようになりました。あと自分のスタイルをこれまで以上に考えるようになって。もちろん皆さんにたくさん届けたいという想いがありながらも、僕は誰かのスタイルではなく自分のスタイルを持ちたいと思う人間なのだなと今回のEPですごく身にしみて感じましたね。

──コラボレーションをするに当たって意識を変えた部分はあったんですか？

今回は僕が本当に好きなアーティストの方々だったからこそ、彼らの意見をとにかく聞きたいというか、彼らの言った意見を絶対に否定しないということですね。ただ、悪いと思う意見が全くなかったので、そんな心配はいらなかったんですけど（笑）。新しい意見を取り入れてこそ新しい自分が見えてくると思っていたので、ディスカッションはすごく大事にしていました。

──コラボレーションするに当たって東京に拠点を移したことも大きいですか？

フィジカル的な部分でのフットワークの軽さはこっちにいてすごく感じますし、今回のコラボもすごくテンポ良くできたのを感じましたね。でも岡山にいたときの制作環境からバイブスを変えたくなくて、問題ないことはないんですけどなんとか頑張っています。ぼちぼち自分の環境を整えようと頑張っているところです。

──そして“Knock Knock”は今作で唯一のソロ曲で『イヴ・サンローラン展 時を超えるスタイル』のテーマソングにもなりました。“モードの帝王”などと呼ばれたイヴ・サンローランへの想いが歌詞にも落とし込まれていると思うのですが、どのように制作していきましたか？

まず彼という人物と彼の持っていた理念を理解したくて。もちろん彼の手がけてきた作品も含めて、彼のドキュメンタリーや文献を何から何まで調べて、とにかくイヴ・サンローランとはどういう人物なのかを研究するところから始めましたね。じゃないと僕は書けないと思ったんです。

今回の展示について説明を受けたときに、ただ歴史を見せるわけではなく、彼の持っていた考え方や理念を伝えていく展示になるように感じて、過去の栄光ではなく、これからに繋がると思ったので、そこを僕も強く意識しました。

その中で、彼の独自のスタイル、迎合せず自分自身を貫くという部分が僕に刺さって。「時を超えるスタイル」というサブタイトルもある通り、展示会場に入ると、彼の言葉がすごく大きく書いてあるんです。「ファッションは廃れる。だがスタイルは永遠だ（Fashions fade, style is eternal.）」という彼の言葉があるんですけど、そこに僕は彼の全てが込められている気がしています。それに彼自身は自分のスタイルを貫いているけど、決して独りよがりではない。世の女性の解放のためだったり、何かの理念を持って自分自身のスタイルを流行に流されることなく作るという、そういったところも素晴らしい。だからこそそんな内容の曲を作れたらと思いました。

──ここまでお話いただいたように、“Knock Knock”の歌詞のテーマは「自分自身のスタイルを貫く」ということですよね。それに「周りに流されない」というのはidomさんのこれまでの楽曲の中にもあった重要な考え方なのではないかと思います。現代社会では自分を貫く難しさに直面することも少なくないと思うのですが、自分を貫くためにidomさんが気をつけていることはありますか？

僕はむしろ自分のスタイルを貫き続けて生きてきたタイプなんです。それがご迷惑をおかけすることが多いというか、わがままになってしまうこともあったりもします。でも僕はこれまで生きてきた中で、自分の育ち方も含めてこういう考え方になったと思っていて。

僕が音楽を始めるきっかけになった友人もそうなんですが、彼の短い人生が終わってしまったとき、自分自身の人生を深く考えました。僕の人生ももしかしたら今日で終わりかもしれない。だからやっぱり自分らしく生きたいなと毎日考えるんです。それが正しいか正しくないのかは別として、誰かのためにあるというのが自分のためにもなっているし、でも最終的には自分のために自分らしさを貫くことが、自分自身の人生において生きている意味をもたらしてくれると思います。それに失敗したとしてもちゃんと自分の糧になると僕は信じているので、あまり失敗は怖くないんです。

──『Who?』というタイトルはこれまでの作品のタイトル『GLOW』や『EDEN』に比べて視線がご自身に向いているようにも感じましたが、意識の変化はあったのでしょうか？

今まで作ってきた曲たちには自分がこういう方向にみんなを導きたいというニュアンスがあるものが多かったので、それもタイトルに影響していたと思います。今回の『Who?』に関してはすごく自分の内面的な弱さのようなものをさらけ出しながら、自分を救いたいという気持ちが強くあったので、導きというニュアンスからは離れていっていて、自分自身を探す旅というか、みんなに自分を見つけてもらおうというイメージがあったのかもしれません。自問自答というニュアンスが強いと思います。

──キャリアの始まりもそうですが、これまでもドラマ主題歌などを手がけたり、今作では幅広いコラボレーションに挑んでいたりと、idomさんはこれまでもたくさんの挑戦を積み重ねてきました。今後はどんなことに挑戦していきたいですか？

とにかく皆さんともっと繋がりたいというか、僕のことをまだ知らない方がたくさんいるので、そこにしっかり届けられるようなアーティストになりたいと思っています。あといろんな自分のスタイルとかを考えていく中で、皆さんと共感できる部分が僕の中にも確かにある、という想いが強くあるのでそういう曲作りに挑戦していきたいなと思います。

──コラボレーションについては今後も前向きですか？　「いつかこの人とやってみたい！」というアーティストはいらっしゃいますか？

そうですね。そこをメインにしたいわけではないですけど、新しい刺激が欲しいときや、「僕が彼と一緒にやったらもっと良い曲が生まれる！」と思うような出会いがあれば今後もやっていきたいです。曲を一緒に作るという意味では、恥ずかしいんですけど、プー・ベア（Poo Bear）。彼がすごく好きで。あと藤井風さんとか、会ってみたいですね、大好きなんで。本当におこがましいんですけど（笑）。彼の作るメロディも好きですしサウンドもすごく好きなんで、アレンジはYaffleさんがやっていたりすると思うんですけど、お二方の作る音楽が僕は大好きです。

美らSUNビーチに広がる美しい海と青い空の下、コロナビール片手にグッドミュージックを楽しめるフェス＜CORONA SUNSETS FESTIVAL＞が7月15日（土）、16日（日）に沖縄・豊崎海浜公園で開催される。 4年ぶりのカムバックとなる今回は、トリップ＆チルアウトミュージックのレジェンド、ナイトメアズ・オン・ワックス（Nightmares On Wax）に加え、ムーンチャイルド（Moonchild）やドラン・ジョーンズ（Durand Jones）といったソウルアーティストを海外から迎えるほか、国内からもyonawo、Nulbarich、平井大、離婚伝説、SAIRUといったアーティストたちが出演する。今回はyonawoとともに＜CORONA SUNSETS FESTIVAL＞の魅力を深掘りしていく。

──気づけば＜CORONA SUNSETS FESTIVAL＞まで残すところ半月ですね。 荒谷翔大（Vo｜以下、荒谷）　あんまり沖縄に行ったことないから楽しみなんですよ。 斉藤雄哉（G｜以下、斉藤）　俺はプライベートで何回か行ったけど、yonawo全員で行ったのは去年とか？ 田中慧（B｜以下、田中）　うん。＜Music Lane festival Okinawa 2022＞に出たんです。米軍基地があるコザのほう。 野元喬文（Dr｜以下、野元）　あと“Falling”のMV撮影くらいだよね。

──もしかしてyonawo全員でビーチには行ったことない？ 荒谷　そうなんですよ。美らSUNビーチも今回の楽しみポイントのひとつなんです。サンダルと海パンでザブーンと行っちゃいたい（笑）。あとたしかいろんなワークショップがあるんですよね？ ──オフィシャルTシャツを購入された方向けのカスタムのワークショップや無料のヘアカットサービスもあります。さらに「TTNE」監修のフィンランド式サウナもあります。運が良ければとととのえ親方に会えるらしいです。 野元　サウナには水風呂もあるんですか？ ──はい。テント型のサウナスペースが用意されてます。 荒谷　それはすごいですね。 ──と、言いつつ僕自身はあまりサウナのこと知らないんですが、こういうフェスだとどんな時に体験するものなんですか？　ライブ前とか？ 荒谷　演者目線で言うなら、ライブ前は絶対ダメですね。何もしたくなくなっちゃうから（笑）。お客さん目線だとエネルギッシュなアーティストのライブ前にサウナはオススメしないけど、今回みたいなチルな音楽性の方だったらライブ前のサウナはありかもしれない。たぶんめっちゃリラックスできると思いますよ。 野元　サウナがあるフェスって冷静に考えてすごいですよね。 田中　いろいろあるからスタンプラリーみたいに全部一通り満喫したいよね。あと沖縄だから島ぞうりを履きたいんですよね。 荒谷　島ぞうりって何？ 斉藤　俺がよく履いとる沖縄のビーサン。普通のと比べて滑らないし、履きやすいし、めっちゃいいんよ。600円くらいで買える。 田中　雄哉が履いてるのを見て、ずっと欲しかったんですよ。通販もできるだろうけど、どうせなら沖縄で買いたいじゃないですか。 荒谷　え、それめっちゃいいね。俺もゲットしたいな。

斉藤　でもやっぱ酒じゃない？　夏だし、コロナビールだしさ。泡盛とかハブ酒とか。すぐ潰れちゃうんですけど、いつも調子に乗って飲んじゃうんですよね（笑）。 ──コロナエキストラと泡盛を混ぜたカクテルとかもあるみたいです。 斉藤　それはうまそうですね……。 野元　ライブ終わった後にビーチで飲みたいね。自然も楽しみたい。 ──yonawoはアウトドア好きですか？ 斉藤　俺はすごい好き。最近キャンプにハマってます。あと昔から釣りが好きなんですよ。海も川も結構行ってますね。 荒谷　雄哉は一番最初に川に飛び込むもんね（笑）。 ──他のみなさんは？ 田中　……あんまり。普段は散歩とかはします（笑）。 ──フェスはどのように過ごされますか？ 田中　出番が終わったら完全にいちお客さんになりますね。いろんなライブ観たり、いろいろ食べたり、飲んだり。 ──「Yonawo House」の印象が強いので、勝手にインドアなタイプなのかと思ってました。 野元　近くにないから行かないだけかも。中学生の時は近所の川で毎日遊んでましたし。本来はそういうタイプですね。実はすごいウズウズしてるっていうか。それに毎日の生活の中で遊びまくるのも大変な感じがするので控えてます。実は（遊びたい気持ちが）すごく溜まってますよ（笑）。

──今回の＜CORONA SUNSETS FESTIVAL＞の前にSkaaiさんと鈴木真海子さんとの3マンツアー＜yonawo presents tokyo＞を開催されますよね。アーティストじゃない人間からするとツアーの裏側が気になるんですよ。ある種の旅みたいにも思えるし。 斉藤　今回の3マンは現地集合なんですけど、去年の秋のツアーは全員で車で移動してましたね。

──ちなみに運転は？ 斉藤　マネージャー、俺、のもっちゃんが交代で（笑）。 ──運転は嫌いじゃない？ 斉藤　うん。俺は好き。キャンプも車で行くし。 野元　僕は慣れました。好きではないというか、最初はむしろ嫌いだった。 ──車中は音楽かけたり？ 荒谷　前はバンドで移動すること自体が新鮮だったので、みんなで音楽かけて、旅っぽく過ごしてましたね。でも今は結構みんな自由に過ごしてます。のもっちゃんはこの前、英会話をかけてたよね（笑）。 野元　運転しながら一緒に発音練習して（笑）。 田中　あと芸人さんのラジオとか。ポッドキャストを聞いてますね。

──会場に到着してからは？ 荒谷　ずっと中にいると落ち着かないので、リハが終わったら出番までは結構その土地を散歩します。俺らみんな古着が好きだから、事前にお店を探しておいてみんなで見に行ったり。この前、神戸のフェスに出た時は友達に教えてもらったお店に行きましたね。 野元　あと僕はサウナ。現地に着いたら、まず一帯のサウナを調べます。近所だったら僕は結構行きますね。 ──サウナは野元さんがよく行く感じですか？ 斉藤　そういえば最近俺全く行ってないな。 野元　（サウナに）ハマりたての時はみんなで行ってたんですよ。最近は僕を中心にちらほらって感じ。 ──じゃあ今回の＜CORONA SUNSETS FESTIVAL＞は久々みんなでサウナに行けそうですね。 荒谷　ほんとですよ。久しくみんなで行ってないから、サウナも楽しみかも（笑）。

斉藤　俺、今回食べ物にも期待してるんですよね。ツアーだと翌日の早くから移動しなきゃいけないこともあるから必ずしも毎回打ち上げがあるわけじゃないんですよ。でも俺は一人でも必ず飲みに出る。常日頃から日本中の飲み屋をディグってて。土地によってお酒も食べ物も全然違うんですよ。そこが結構楽しい。 ──そういう意味だと＜CORONA SUNSETS FESTIVAL＞は国産食材は全体の50%以上が地産地消なので、かなり期待していいかもしれないです。 斉藤　ビーチでうまい酒と飯、いい音楽なんて最高以外の何物でもない。 ──さらに言うと今回のフェスは国際的な環境NGO団体「OCEANIC GLOBAL」とパートナーシップを組んで、あらゆる使い捨てプラスチックを使用しない、再生可能エネルギーを活用する、フードロスの削減など、高いサスティナビリティ基準を取り入れているんです。 田中　俺らはそこまで意識高いわけではないけど、コンビニとか近所のスーパーに行く時はいつも雄哉が作ったトートバッグを持っていってるよね。 荒谷　うちら基本的に自炊なので、フードロス的なことはないかも。食に関しては結構サスティナブルかもしれないです。 野元　ピリカってアプリ知ってます？　ゴミを拾ってSNSでシェアするアプリなんですけど、ゴミ拾いの善意ってなかなか見えづらいじゃないですか。ピリカだと誰がどれくらいゴミを拾ったかが可視化されて、いいねがもらえるんです。僕はめっちゃライト層ですけど、ガチ勢は朝からゴミ袋もってがっつりゴミ拾いされてて。 ──野元さんは結構フットワーク軽くいろんなことに挑戦されますね。 野元　エンジニアのzAk さんに教えてもらいました。 ──yonawoはサウンド的にもライフスタイル的にも＜CORONA SUNSETS FESTIVAL＞にぴったりかもしれないですね。では最後に、今回はどんなライブになりそうですか？ 田中　一概に言えないんですけど、ライブってその場の雰囲気やいらしたお客さんによってもかなり変わるものなんです。そこから俺たちも影響を受けるし。今日はちょっと熱くいきたいとか。 荒谷　フェスの色もあるしね。 田中　うん。夏の沖縄だし、ビーチだし、そういったことも影響してきそうだよね。 荒谷　そうだね。セットリストもそこに合わせて組むし。今回はたぶんリラックスして楽しめる感じになると思います。 ──yonawoが好きな人にとって＜CORONA SUNSETS FESTIVAL＞はいい感じの夏休みのスケジュールになりそうですよね。 荒谷　うん。僕らもいい演奏を聴いてほしいですし。ぜひ沖縄観光がてら遊びに来てほしいです！

5月13日（土）・14日（日）に埼玉・秩父ミューズパークにて＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞が開催された。

「新世代ジャズフェスティバル」を掲げ、全20組のアーティストが登場した2日間。荒天が予想されたものの、パフォーマンスを阻害するほどの雨が降ることはなく、むしろ秩父の青々とした草木が会場全体を取り囲むような効果を感じられるほどには、ライブ体験とライブ環境が調和していた。

この2日間で強調されていたのは、広い意味での「クロスオーバー」だったように思える。演奏される音楽はもちろん、会場内でのコミュニケーション、そしてアーティスト同士でさえもそうだ。領域と領域が渾然一体となり、一つのグルーヴへと収斂していく光景がいくつも見られたのだ。

例えば初日に登場したドミ＆JD・ベック（Domi & JD Beck）。昨年発表したデビュー作『NOT TiGHT』が絶賛の嵐、先月開催された＜Coachella Festival 2023＞でのパフォーマンスで成功を収めるなど、ジャズシーン周辺で最もホットな2人組と言っても過言ではないだろう。

眩暈がするほどの超絶技巧と、2人の波長が通じ合う様に驚嘆させられっぱなし、圧巻のステージ。観客は息を呑む者とリズムを掴まえて踊り続ける者に分かれていた。その両者を掛け合わせたのは、トリビュートを盛り込んだ絶妙なセットリストだ。ウェイン・ショーター（Wayne Shorter）への追悼の意を込めて披露された“Endangered Species”からウェザー・リポート（Weather Report）“Havona”のカバー、そしてマッドヴィレイン（Madvillain）のトリビュートと、彼らがこれまで取り込んできたあらゆる年代の名プレーヤーに向けられたリスペクトが表現されていた。それは2人のプレーヤーとしての姿勢とオリジナル曲と地続きなものであるし、絶えずクロスオーバーしていた2日間のハイライトでもある。

＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞のレジデンシャルバンドとしてフル稼働したSOIL&”PIMP”SESSIONSは、多種多様なゲストボーカルを迎えてフェスに彩りを添えた。

初日にはAI、bird、家入レオが登場。3人はスタイルを崩すことなく歌いあげ、その上でSOIL&”PIMP”SESSIONSのパッショネイトな演奏がアクセントになったり、前面に出てソロをとったり、様々な表情があらわになった。各々の代表曲からジャズのスタンダードナンバーまで、ここでしか見ることのできなかった贅沢なステージである。

レジデンシャルバンドとしてその牽引力のさらなる展開を魅せたのは、SKY-HI & BMSG POSSEが登場し、卓越したステージングを炸裂させた2日目。Aile The ShotaとBE:FIRSTとして活躍するMANATOとSOTAによって結成されたShowMinorSavageに加え、トレーニーのREIKOも参加。2人の「社長」を交えながら、彼らは熱狂するオーディエンスをグイグイと惹きつけていく。舞台上でワインを酌み交わしながら、最後にはフリースタイル合戦まで披露した姿は、フェスティバルの提供する自由な体験と完璧にマッチしたものだった。

SOIL&”PIMP”SESSIONSのステージに象徴されるように、今回の＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞ではアーティスト同士のコラボレーションが盛んに行われていた。

ロンドンを拠点とするビート・メイキング・デュオのブルー・ラブ・ビーツ（Blue Lab Beats）が黒田卓也と西口明宏、ボーカルとして鈴木真海子（Chelmico）とARIWA（ASOUND）、さらにはPenthouseでもソウルフルでカラフルなステージを披露した角野隼斗を迎えた豪華編成のステージをはじめ、ここでしかあり得ないコラボレーションが次々と繰り広げられる。

Answer to Rememberのステージには、事前にアナウンスされていたHIMIとJuaに加えてermhoiが登場。そのermhoiは2日目にAnswer to Rememberのメンバーでもある馬場智章のリーダーバンドにもゲストボーカルとして参加し、その馬場智章は2日目のTHEATRE STAGEトップバッターであるPenthouseのステージに顔を出し……といった交流が積極的に巻き起こっていた。

中でも最も衝撃的なコラボレーションは初日のヘッドライナー、ジョージ・クリントン＆パーラメント・ファンカデリック（George Clinton & PARLIAMENT FUNKADELIC）の舞台で実現した。

登場からノンストップでファンク・ナンバーを投入、「総帥」自らがハンズアップをオーディエンスに煽り続け、ボルテージは早速最高潮に。そしてライブ中盤、満を辞してステージに呼び込まれたのは、なんとあの.ENDRECHERI.。

Pファンク軍団の一員としてスパンコールスタイルのタイトな衣装で彼は登場。かねてからその影響を伺わせていた.ENDRECHERI.が、生ける伝説であるジョージ・クリントン総帥に至近距離で見守られながら往年の名曲“FlashLight”のソロを長尺で弾き倒す場面（あれは幻ではなかったはず）には、あの日あの場所にいた誰もが心奪われたはずだ。ソロをとった後にもバッキングギターで参加し、自身の演奏終了後にもステージにとどまってパフォーマンスを堪能するなど、溢れんばかりのラブとリスペクトがそこにはあった。

数々のコラボレーションに加え、野外フェスらしいゆとりある空間設定も特徴だ。フリーエリアに設置されたDJブースでは、ジャズに限ることなく広義の「ダンスミュージック」がドロップ。来場者は同じくフリーエリアに出店している秩父名物に舌鼓を打ちながら、これまた自由に楽しむことができる。

「新世代ジャズフェスティバル」というコンセプトが導いたのは、ジャンルごとに設定されがちな敷居の再考だ。それは「敷居を跨ぐ」というより、気づけば敷居の向こう側にいるようなさりげなさでもって、体現されていたように思える。誰でも訪れることが可能な、文字通り敷居のないフリーエリアは、ステージで演奏される音楽と同等かそれ以上に2日間の成果を雄弁に語っていた。

そんな2日間を大団円で締め括ったのはロバート・グラスパー（Robert Glasper）＋カマシ・ワシントン（Kamasi Washington）＋テラス・マーティン（Terrace Martin）といったスターたちをフィーチャーしたスーパーユニット、ディナー・パーティー（Dinner Party）だ。

定刻の少し前、他のメンバーに先んじて登場したジャヒ・レイク（Jahi Lake）のDJタイムから、既にディナー・パーティーのクロスオーバー感覚はまざまざと表現されていた。この2日間にうってつけな名曲、ア・トライブ・コールド・クエスト（A Tribe Called Quest）の“Jazz（We’ve Got）”からローリン・ヒル（Lauryn Hill）“DooWap“まで、彼らが今年発表した最新作『Enigmatic Society』で飛び交っていた数多のルーツをパチパチと接続していく。

DJタイムの終盤には前日のヘッドライナーを務めたジョージ・クリントンへのリスペクトを込めてパーラメント“Flash Light“をドロップし、大盛況のフロアをクールダウンさせることなく極上のセッションへとバトンを繋いだ。

ロバート・グラスパーやカマシ・ワシントンの長尺ソロの連打から、思わずハンズアップしてしまうようなミドルテンポのソウル〜R＆Bチューンまで。楽曲構成からビートの組み方、そしてオーディエンスの反応まで含めて、ディナー・パーティーの体現するクロスオーバー感覚は継ぎ目なく会場の隅々にまで浸透していた。敷居を意識させず、音に惹かれるままに体が動いていってしまう感覚。そのシームレスな鑑賞体験こそ、ディナー・パーティーの、そしてこの2日間の、最もプレシャスな時間の一つだった。彼らが＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL 2023＞の大トリを務めることは、必然だったとしか思えない。

様々なジャンル／歴史の交錯を「新世代ジャズフェスティバル」の名の下で実現させた2日間。気づけば敷居の向こう側にいるような感覚を、出演ミュージシャンたちと共に並走した参加者は、今やどこへだって向かうことができる。自由な鑑賞スタイルの妙味を日常の中でも探しながら、来年度の開催にも最大限の期待をしたい。

「音が聞こえるジャズ漫画」として人気を博している『BLUE GIANT』が映画化され大ヒット。“ジャズ”という音楽全体に注目が集まっている中、＜Love Supreme Jazz Festival 2023＞（通称、ラブシュプ）が5月13日（土）・14日（日）埼玉県秩父ミューズパークにて開催される。

『BLUE GIANT』の主人公・宮本大としてテナーサックスを演奏した馬場智章も、Answer to Remember with HIMI, Jua、Penthouse with 馬場智章、そして自身のリーダーバンドで出演することが決まっている。ラブシュプの出演を直前に控える馬場に、これまでの歩み、作り上げてきた2つの作品、日本のジャズシーンを巡るあれこれについて、たっぷりと話してもらった。

──馬場さんのこれまでのことから伺っていけたらと思います。初めて演奏した楽器がテナーサックスだったんですか？

紆余曲折あったんです。母が昔エレクトーンを趣味でやっていたみたいで、それもあってか、幼稚園くらいのとき、いわゆる街の音楽教室でエレクトーンを習っていました。よく辞めるきっかけになる話だと思うんですけど、先生が「練習してきなさい！」という感じの方で、あまり楽しめなくて。小学校に上がるくらいにはもう辞めていました。もともと音楽に全く興味がなくてエレクトーンは完全にやらされていた感じだったので、むしろスポーツの方が好きで、小さいときはずっと水泳をやっていましたね。

きっかけは無理矢理連れて行かれたビッグバンドのコンサートなんです。僕の叔父が札幌でジャズの社会人ビッグバンドに参加していて、ホールを借りてコンサートをする機会があったのですが、アマチュアなので自分たちでチケットを捌かなきゃいけなくて、叔父がそれに苦戦した末、結局、僕の家族にチケットが流れてきて。それを観に行って「面白い！」「やりたい！」と思ったんです。

ちょうど僕が「やりたい」と思ったとき、僕や石若駿が小学校、中学校で所属していた札幌ジュニアジャズスクールが始まったんです。最初家族は「サックスは（金額的にも）高いし、続くかわからないものにお金出せない」という感じでした。そのジャズスクールには、叔父のトロンボーンを借りて、始めの1年間だけトロンボーンで参加していました。でも、周りでサックスをやってる同級生くらいの子もいて、見た目もかっこいいからずっとサックスをやりたくて。1年後に同じジャズスクールにアルトサックスで参加したんです。少ししてから、当時は小学生にしては体格的に大きめだったのでスクールから「テナーサックスをやってくれませんか？」と言われて、「ああ、じゃあやります」という感じでテナーサックスを始めました。

でも日本で有名なテナーサックスプレイヤーを当時は知らず、DIMENSIONさん、本田雅人さんあたりが特に好きだったのでアルトがやりたくて。テナーになっちゃって少しガッカリしましたね。身体が大きめとは言え小学生なので重いですし（笑）。そんな中、あるとき駿が「かっこいいプレイヤーいるよ」とマイケル・ブレッカー（Michael Brecker／2007年没）という世界的なプレイヤーを教えてくれたんです。彼を聴いた時にテナーの魅力に気が付きました。そこからずっとテナーが好きで、今に至ります。

──札幌ジュニアジャズスクールはどのような雰囲気でしたか？

スクールといっても「ジャズはこうだよ」「サックスはこうだよ」と教える感じではなくて、とにかく普段通う学校も全然違う人たちが週末に集まって「音楽を通してコミュニケーションを図っていきましょう」という、どちらかと言えば楽しくやるのがメインのスクールでした。演奏活動もたまにあって、ショッピングモールで演奏したり、今も続いている札幌のジャズフェス（＜サッポロ・シティ・ジャズ＞）の前座で出たり、道内のジャズフェスに出たり、＜横濱ジャズプロムナード＞に出たり、老人ホームに行って演奏しておばあちゃんおじいちゃんと遊んだり......。やらされてる感は全く無く、無理なく続けられた気がしますね。空き時間になってもみんな自然と演奏していたりしました。そのうち音楽業界というか、プロのプレイヤーというものにちょっとずつ興味が出てきました。

──開けた環境だったんですね。

だからこそ、ここまで続けている気がします。クラシックのヴァイオリンの方が幼少期からとんでもないレッスンを受けている話とかあると思うんですけど、ああいうことは全くなかった。楽しくやっているうちに自分がステップアップしたいなと思っていたタイミングで、バークリー音楽大学の教授のタイガー大越さんが札幌でワークショップやっていたり、そのワークショップで賞をいただき副賞としてバークリーの夏のプログラムに参加したり、徐々に楽しくステップアップしていったんです。じゃなかったらどこかで辞めていると思います（笑）。

──『BLUE GIANT』の雪祈の台詞でもありますが、今振り返って、どうしてジャズだったと思いますか？

たまたま最初にちゃんと聴いたのがジャズだったんです。それも最初に観たのが「ドーン！」っていうビッグバンドのコンサートで。だからすごく新鮮だったというのが一つですね。

今でこそファストフード店はじめ、いろんなお店でジャズのコンピレーションアルバムのようなものがずっと流れていたりするんですけど、当時、20年以上前なので、あんまりジャズを聴く機会もなかったんです。コンサートにも音楽にも全く興味なかったですし、音楽に興味のある家族でもなかったから家で常に音楽が流れているような環境でもなかった。聴いていたのは“だんご3兄弟”とか『ポケモン』の曲とかそのくらいなので（笑）。

あと、ジャズだからこそいろんな人とコミュニケーションを取れたのかなとも思います。スクール時代に日豪でやっている音楽フェスのようなものがシドニーであって、僕も駿もメンバーに選んでもらって行ったんです。オーストラリアの原住民（アボリジニ）の文化を引き継いだディジャリドゥという楽器があって、ディジャリドゥ奏者の方とセッションする機会があったんです。言葉は通じないけど、いっしょに演奏していてすごく楽しいなって感じて。

それに僕が縛られるのはあまり好きじゃない性格なのもあって、ジャズのような発想力をすごく重視する音楽が、自分の面白いと思うこととすんなり一致したのかなと思いますね。今はジャズ以外もよく聴いたりしますけど、その自由度もジャズを選んだ理由ですね。

──そうなんですね。さきほど楽器の金額も話に上がっていましたし、音楽が日常にない家庭だったというお話もありました。音楽を仕事にすることに対して家族の反対はありませんでしたか？

中学1年のときに北海道グルーブキャンプというタイガー大越さんが開催しているワークショップで賞をいただいて、中学3年のときに初めてアメリカに行きバークリー音楽大学のサマースクール(高校生向けのプログラム)に参加しました。それから4回、毎年夏の期間だけアメリカに行っていて、そうしているうちにアメリカに行きたいと思うようになりました。ただやっぱりバークリー音楽大学ってすごく授業料が高いんですよ。サラリーマンの平均年収を超えてしまうくらい。

ウチでは到底無理な金額なんですけど、奨学金制度が貸与型ではなく給付型だったりとすごく充実していて。自分の中でもアメリカにまで行くならより高いレベルでやりたいと思っていたので、家族を納得させる意味でも全額分の奨学金が出ないのなら行かないということを、なんとなく高校のときから考えていました。その後、ありがたいことにその奨学金をいただけることになったので、まずは行こうと。

でも家族はしぶしぶというか（笑）。高校受験も割としっかりやったんですけど、第一志望の進学校には落ちてしまっていたこともあって。そのとき、自分の中では「やっぱり音楽をやりたい」と思っていて。中3でアメリカ行っている時点ですでに進学校に行きたくないというのはなんとなくあった上で、高校受験に失敗しました（笑）。家族はかなりがっかりしてましたけど（笑）。結局徐々に家族を納得させていった感じですね。

でもプロになるっていうのはみんな反対していたかなと思います。口には出さないですけどね。母は割と「やりたいことやったら？」という感じでしたが、母以外は遠回しに「そんなことやって、、」と思っているのが伝わってきて。アメリカ行く頃には髪も長くて毛先を金髪とかにしてたから、法事などで親戚に会うと「この子大丈夫かしら？」って顔で見られましたし、「まだミュージシャンになるとか言ってるの？」という感じで。

少しみんなが賛成モードになるきっかけは『報道ステーション』のオープニング曲をJ-Squadで手掛けてからですね。報道番組で僕らが生中継で演奏して、それを観た親戚から実家に電話があったみたいで。「頑張ってるみたいだね」って（笑）。そこでようやく親戚や祖父母も「いいんじゃない」と。

──地方だと特にそういったハードルもありますよね。

ありますよー！　ミュージシャンというものに対する風当たりは強かったです（笑）。

──初めて録音したのはいつ頃だったんですか？

本当にしっかりしたプロと同じ現場でレコーディングをしたのは僕が高校生のときです。サッポロ・シティ・ジャズの企画です。北海道っていろんなところに湖があるんですけど、道内のサックスプレイヤーが一人ずつそれぞれの湖にフォーカスした曲を作ってコンピレーションアルバム※として発売しようっていう。（※『Driving Jazz Hokkaido Second Impression Lake』）道内で活躍しているプロの方に混じって、僕と寺久保エレナという同い年のサックスプレイヤーが若手で参加する形になりました。

──そのときはどういった感覚でしたか？

今でこそ曲を書くのが好きになって、よく書いたりしますけど、当時は作曲もよくわからなくて。それに収録した曲が絶対オリジナルじゃないとダメだったので、はじめてしっかりした作曲をしたのがこの曲でした。振り返って考えると、周りの大人はすごく長い目で見てくれていたというか、すごくハードルを下げてやってくれていたんじゃないかなと思います。

まずリーダーライブをやったりするのもドキドキというか、高校時代から地元のジャズクラブは出ていて、いろんな方に誘っていただいたりSIT-IN（飛び入り演奏）したりとか、たまに「やってみる？」って感じで自分のリーダーライブをやったりしていたんです。今でもリーダーライブの企画をやると資金面はどうしようとか、事前にイベントの詳細をシェアするとか、曲をやってもらうのにメンバーに何日前に送って確認してもらおうとか、そういった細かい配慮をしないと大変だと思うんですけど、当時はそんなことわかっていないので、周りの人は優しく見守ってくれていたんじゃないかな。良い大人に囲まれてたんじゃないかと思いますね。今だからわかりますけど（笑）。

──そこから作曲へと本格的に向かうんですか？

当時は作曲するのは好きという感じではなかったので、あんまりしてなかったんですけど、大学に入ってから、タイガー大越さんから「馬場くん、もうちょっと曲作った方がいいよ」というアドバイスがあって。「自分の曲を作ることで、自分のやりたい音楽が見えたり、プレイに反映されたりするから、自分がもっと上手くなりたいと思うなら曲を書いた方がいい。それに今後リーダーとして活動していくんだったら、ずっと誰かの曲をやっていても、馬場智章って人を見たいとは思われないよ」とおっしゃっていただいて。大学では自分のリサイタルもやらなきゃいけないので、そういったことをきっかけに曲を書こうと思うようになり、徐々にハマっていきましたね。

──大学時代が作曲において重要だったんですね。

それこそ宮本大じゃないですけど、サックスプレイヤーとして上に行きたいと思ってずっとやっていたんです。アメリカに行ったときは自分が憧れていたプレイヤーが意外と身近にいて興奮しましたね。でもアメリカに行ったらアメリカンドリームじゃないですけど、すごいものが待っていると思っていたら、実際は意外とアメリカのジャズシーンもこんな感じなんだって逆にちょっと落胆してしまって。2年目か3年目で「自分が本当にやりたいことってこういうことなのかな？」「ジャズのプレイヤーとしてやりたいのかな？」って、ちょっとわからなくなってしまったんです。

そこで、自分は高校時代から音楽ばかりやっていたので、音楽以外の自分が関わる世界をもうちょっと見てみたいと思って。しばらく学校以外のセッションやライブの仕事を一度全部断って、音楽は学校のことだけをやるようにしました。

そのときたまたま新たに出会った人たちがファッション系の人が多くて、その人が個人的にやっているファッションマガジンの手伝いをしたり、その人はアメリカ人なんですけど、取り上げたブランドが日本のブランドで、だからアジアの人を使いたいとのことでモデルをやったりもしましたね。ファッションショーの音楽にもすごく興味が湧いて、DiorやTHOM BROWNEだったりの音楽とファッションショーの総合芸術がすごく好きになって。シルク・ドゥ・ソレイユも観に行ったりもしたりして、音楽という聴くものと目で見るアートを総合芸術としてやりたいなと考えるようになりました。

そういうことをやろうと思ったら、なおさら作曲をしなきゃいけないなと。それこそ、僕の一作目の『STORYTELLER』は視覚的な、例えばVJのような人とコラボしたいと思って作った曲が多いんです。実際にアルバムが出る前に日本橋のTHE A.I.R BUILDINGで友達の映像作家に映像を作ってもらってVJと共にライブもしました。その一部がYouTubeにあげている“Voyage”という曲ですね。それはそのとき写していた映像をUPしています。

──ファッションショーのような空間演出音楽にインスパイアされていたという背景を伺うと、『STORYTELLER』を聴いた印象と腑に落ちる部分があります。具体的にどんなショーに刺激を受けたか教えていただけますか？

Dior Hommeで楽器奏者の方が並んでいたものや、Thom Browneの劇仕立てのモノクロのものとか…ですね。

今、音楽の部分が軌道に乗ってというか、ミュージシャンとしてやっている部分も多いですが、今後多方面の方に僕の名前を知っていただけたら、そういうコラボというか、ファッションショーで使う音楽の制作なども近い将来できたらすごくいいなと思っています。同世代の別ジャンルのアーティストといろいろコラボとかもしたいです。それをきっかけに音楽だけじゃなく他のシーンもいっしょに盛り上がっていくと良いなと常々思っていますね。

大学卒業後にNYを選んだ理由もそこなんです。誰かとコラボするなら自分の武器は音楽しかないから、そこをもっと追求していかなきゃいけないと思って。やっぱりNYは音楽的にも最先端だし、他のアートのシーンも充実しているので。僕が求めているものはNYが多いんじゃないかなと。LAはもう少しハリウッドだったり映画よりのイメージで。もちろんLAにも面白い人はたくさんいると思うんですけど、NYのその雑多な感じの方が僕には合っているんじゃないかなと思って。

──『STORYTELLER』には、即興を元につくられたアンビエントなナンバーなども収録されています。近年ではファラオサンダース（Pharoah Sanders）とフローティングポインツ（Floating Points）による『Promise』やサム・ゲンデル（Sam Gendel）など、アンビエントジャズ、PCとの組み合わせた制作が様々に発表されています。馬場さんはどのように制作されたんですか？

そうですね、僕が演奏したものをパソコンで編集するっていう。サウンドアーティストの國本怜と一緒に作りました。彼の自宅で何パターンか演奏を録音して。あとは楽器の音や息の音まで様々な音をいじっていくっていう制作行程でした。

坂本龍一さんのアルヴァ・ノト（Alva Noto）との作品やあと、久石譲さんもとても好きですね。坂本龍一さんはNYにもいらっしゃったので、『STORYTELLER』とか出した後、なにかをきっかけに話来ないかな、繋がったりできたら嬉しいなと思ってました。

──『BLUE GIANT』で馬場さんの音に初めて触れた方は馬場さんの別の作品を聴いて驚くかもしれませんね。

ちょうどBRUTUSさんのイベント（「BRUTUS JAZZ WEEKEND 2023」）が南青山であって、その一環で僕と『BLUE GIANT』の作者の石塚さんとユニバーサル ミュージックの五十貝一さん（※クラシックス＆ジャズ マネージングディレクター／Export Marketing ゼネラルマネージャー。『BLUE GIANT』にも登場するレコード会社のスタッフ「五十貝」のモデルにもなっている）でトークイベントがあって、そのとき聞いた話なんですけど。

『BLUE GIANT』の宮本大の演奏の役はオーディションだったんです。もともと海外の方を採用しようと動いていたらしいんですけど、コロナの関係もあったのと、大っぽい、ひろみさんがあまりピンとくる人がいなかったらしくて。日本のアーティストも視野に入れ、多方面のプレイヤーをリストアップしていく中に僕の名前も入れていただいたらしいんですけど、五十貝さんは元々僕の作品を聴いていてくれていたようで、そのイメージから「え、馬場さんですか？　宮本大じゃないのでは」となっていたらしいです（笑）。だから『BLUE GIANT』では、役をやるにあたって宮本大を作った感じですね。

──オーディションで選ばれた理由は説明がありましたか？

最近になって聞きました（笑）。ひろみさんの書く曲って結構難しいんですよ。だから宮本大っぽい音を出すだけでなく、ひろみさんの曲をしっかり吹けないといけない。映画を作っていく中で要求もどんどん出てくるだろうから基礎がしっかりしている人で、音をいっしょに作れる人がいいんじゃないかという方向になったみたいです。すでに大のようなサウンドを持つプレイヤーもいたようですが、それで選んでいただいたようです。

ただオーディション中から何度も「もうちょっとこういう音出ますか？」っていうやりとりはずっとしてました。録音前に僕とひろみさんの2人で作者の石塚さんや脚本の方がいらっしゃる中で演奏して「ちょっと違うので、こういう風にできますか？」って何回も言われる恐ろしい会もあって。ひろみさんが後ろにいる手前「いや、できないです」とは言えず「はい！　やります！」ってやり続けた末に「その方向へいきましょう」と少しずつになっていった感じですね。

──作品単位で言うと『STORYTELLER』のあとにコードレスで馬場さんと西口明宏さんの2本のテナーサックスが絡み合うコンセプチュアルな作品『Gathering』を発表しています。『Gathering』は西口さんありきで考えた作品だったんですか？

そうですね。コロナが始まって、お店もお客さんがなかなか入りにくい状況になってきて、やっぱりギャラが出せないからお店側からなるべく出演するメンバーを減らしてくれと言われていて。最初はドラムとベースを入れてトリオでのライブやピアノとデュオのライブをやっているうちに、『Gathering』を出した〈Days of Delight〉さんから作品を「作りませんか？」というお話をいただきました。アルバム制作を視野に入れながらトリオでライブを演奏していくなかで、自分がかっこいいと思う曲を書いていったらどうしても人が足りない、でもコードレスというコンセプトは崩したくありませんでした。

僕は『Gathering』を作るにあたってライブをとにかくやっていたんです。月イチくらいでリーダーライブをやって、いろんな編成、いろんな人選を試して。このドラマーとベーシストだったらどうだろう、トランペット入れようかと悩んでいる中で、黒田卓也（トランペット）さんきっかけで、西口さんと何度かいっしょに演奏するようになり。一緒に演奏していくうちに音楽的にも音色的にもすごく相性がいいな、面白いなと感じていました。そのときにNYでやっていたころに観たアントニオ・サンチェス（Antonio Sánchez）がコードレスのテナーサックス2管のライブをパッと思い出したんです。「あのライブめちゃくちゃ楽しかったな。そっちの路線でいこう」となりました。

西口さんとやりたいと思うようになって、そう決めてからは曲もスイスイ書けましたね。『Gathering』に入っている曲はあのメンバーの音色やプレイを想像して書いた部分が大きいので、出来上がったときにサウンド的にも「ああ、狙い通りだな」と思いました。

──西口さんはバークリー音楽大学の先輩でもありますよね？

ほぼ12歳離れていて、初めて会ったのは僕が中3の夏にバークリーに行ったときです。西口さんがまだ在学中で。「グッチー！　案内して！」とか「お腹すいた！」と言って、そのときは本当にめちゃくちゃ失礼だったと思うんですけど（笑）。それからたまに会ったりはしていたんですけど、テナーサックス同士でライブがいっしょになることって結構少なくて、なのでそれ以来久々に会ったのはジャズドラマーの大坂昌彦さんのイベントライブで、西口さんと吉本章紘さんと3管で演奏したりして、やっぱり西口さんかっこいいなと思って。

──じゃあNYで何かあったわけではなかったんですね？

そうですね、僕がアメリカに行った頃には西口さんはアメリカにいなかったので、ちょうど入れ違いで西口さんは日本に帰ってくるくらいのタイミングだったのかな。もちろん西口さんがアメリカに遊びにきているときはよく会っていました。

──石若さんは北海道から東京に移り音楽を学んでいましたが、馬場さんは東京を経由せずにアメリカに渡りました。アメリカにいらっしゃるとき、日本のジャズシーンはどのように見えていましたか？

それこそ、僕は20年以上、石若駿といっしょにやっていて。アメリカから帰ってくるタイミングで東京にもたまに来ていて、そのときに駿がライブに誘ってくれていっしょに演奏したりすることもありました。だからアメリカからは、駿の活動を通して日本のシーンを見ることがすごく多かったんです。駿はそれこそ日野皓正さんとかレジェンドプレイヤーの皆さんとも共演していたりしますけど、僕が面白いなと思っていたのは駿まわりの新進気鋭の、若い世代の面白そうなアーティストとの繋がりでした。

もちろんプレイヤーとしてもなんですけど、例えばWONKだったら料理のプロデュースをしている長塚くんや、そういうジャズシーンだけではない他のアートシーンの人たちと関わっているのが、僕が他のアートシーンの人たちと関わりたいと思っているタイミングだったのもあって、すごくいいなと思ってました。だから僕も日本に帰って来ているタイミングで、イベントで当時はSrv.Vinci（King Gnuの前身バンド）と遊ぶようになったり、2015年に日本に帰ってきたときは駿とWONKの江崎文武、東京塩麹の額田大志、中山拓海を中心にやっているJAZZ SUMMIT TOKYOに参加させてもらって、ファッションブランドのサルバム（sulvam）とSrv.Vinciと僕と中山拓海いうコラボのようなこともやりましたね。

NYで僕は音楽だけをメインにやっていたので、周りもオタクみたいなミュージシャンばっかりで。もちろんトッププレイヤーが集まるんで、そっちで必死だったんですけど、日本のシーンを見ていると自分がやりたいことを駿がやっているような気がして。すごい面白そうだな、若い世代が生き生きしてるなって。

──場所は違っても馬場さんと石若さんは近いことを考えていたのかもしれないですね。

かもしれないですね。駿の関わっているもので自分もすごく興味があったのが山口県のYCAMで細井美裕ちゃんとやっているプロジェクト（※）ですね。いいなーと思いながら見てました（笑）。

※山口情報芸術センター［YCAM］にて、音と響きによって記憶を喚起させることをテーマに、細井美裕+石若駿+YCAM新作コンサートピース「Sound Mine」を発表。YCAMではさらに石若駿とAIとのコラボレーションによるプログラム「Echoes for unknown egos―発現しあう響きたち」も発表された。

──新しい試みもどんどんやっていきたいということですね。

ありがたいことに『BLUE GIANT』をきっかけにミュージシャン以外の方ともお話する機会も増えたのでそういう人たちと何かできるなら是非、やりたいです。それこそ『STORYTELLER』や『Gathering』でやっているように、ジャズってすごく幅が広いので。作曲するのが好きですし、他のものとコラボするときにそれを想像して作曲することもできます。いわゆるライブというものと並行してやっていきたいなと思います。

──バンドの捉え方についても伺いたいです。ポップスやロックと比較するとジャズのバンドという概念は違いますよね。『Gathering』はメンバーをイメージして作られたとのことでしたが、その違いをどう考えていますか？

それがジャズの良さでもあると思います。僕自身は『Gathering』のライブをやって欲しいと依頼がきたときは、その人のサウンドが欲しくて書いた曲なので、その人のサウンドが出せるのはその人だから、できるだけあのメンバーで演奏するというのは決めています。ただ同じ曲をやったとしても別のプレイヤーがやったときには別の曲にどんどんなっていく面白さもあります。なので、この曲はこの人たちというこだわりがないものに関してはいろんな人がその曲をやる意味がある。そこがジャズ特有というか他のジャンルではなかなかできないことかなと思うので、それは良さですね。

一方で日本のジャズライブハウスではセッションライブのようなものが多くて、音楽のクオリティを維持するのが難しいのかなと思います。良いプレイヤーであればあるほどどこに行ってもその人がいる。どこでもその人がいるということはその人の月のライブの本数もすごく増えるじゃないですか。だから自分がやりたいプロジェクトに関して、自ずと準備も少なくなって、やっぱり全力ではできないことが多くなっていくのではと思うんです。

セッションライブのときは、だいたいその日の当日の早い時間に集まって、リハをやって、そのままライブをやる流れで。それが普段からいろんなところでいっしょにやっているメンバーがぎゅっと集まって、この組み合わせは久しぶりだねっていうのはアリだと思うんです。でも「はじめまして」な人の多い現場でその日にリハをやってライブしてというのは、音楽のクオリティがすごく低くなってしまう可能性があると思うんです。だってその人がどういうプレイヤーか知らないと、その人を生かすことはできないから。自分がリーダーだったら自分が演奏したいと思うプレイヤーを呼んで、初めての組み合わせでも事前に想像してこの2人だったらハマるなと考えたりするんですけど。僕自身はそれができないライブの本数を減らしています。

日本はNYに比べてもジャズクラブがすごく多いので、正直そういったセッションライブの多さが日本のジャズシーンの足を引っ張っているような気もしているんです。アメリカで見ていても、例えばロバート・グラスパー（Robert Glasper）はいろんなところで活躍している人ですけど、基本的にロバート・グラスパーのバンド自体は固定で、いろんな人が参加するにしても、グラスパーのバンドとしてライブで動くじゃないですか。グラスパー自身が、今度誰々のバンドで演奏してとか、こっちのバンドにいってあっちのバンドいってとはならない。そうするとその人のアーティストとしてのセルフプロデュースもブレてしまう気もします。

それにやっぱり同じバンドでよく知った曲をやることでクオリティは高くなると思うんです。ツアーを回れば1日目と後半ではまた曲も進化していたりどんどん変わって面白くなっていく。基本的にSIT-INもあまり好きじゃない。お客さんはこのバンドを観たくて来ているのに、変な人、いやもちろん変ではないですけど（笑）、全然違う人が入ってきてガーッと吹いて。もちろんその人がすごく良いときもあるけど、バンドのサウンドも変わってしまいます。近年、日本でもバンド形態も増えている傾向は、音楽のクオリティもどんどん上がり、個性豊かなバンドも増えているので、日本のシーンもどんどん面白くなっているなと思います。

──なるほど。

やっぱり『BLUE GIANT』をきっかけにいろんなライブに来てくれるお客さんが増えたと思うんです。別に『BLUE GIANT』に関わっているミュージシャンがそこで演奏していようがしていまいが、そのジャズクラブに行ってみようと思ってそこで初めていろんなジャズを見ましたっていう人もすごく増えている中で、例えばたまたま初めて行ったライブがセッションライブで、ごちゃっとしていて、クオリティがあんまり高くないものを観ても、ジャズって面白いですねとはならないじゃないですか。どこのライブを観てもクオリティの高い音楽をどんどん見せていかないと。

実際にジャズミュージシャンは、楽器の技術においてはすごくレベルが高いと思うんです。いろんなジャンルで引っ張りだこの人もいる。だからこそ駿がいろんなポップスの現場にも呼ばれていると思うんですけど。その技術力をシーンとして生かしきれていないんじゃないかなとはすごく前から思っていました。もうちょっとみんな丁寧にやったらいいんじゃないかなって。ただコロナ禍でやることが制限されたときにそれがシュッとした感じもしていて、余分なものをみんな整理していこうとしていて、バンドで動く流れがより出てきた。コロナ禍で、今まであんまり日の目を浴びなかった人もフィーチャーされたり、一つ一つのライブ演奏もより丁寧になったのではないかな。ミュージシャンはライセンスがいらないから、誰でもミュージシャンと名乗ればミュージシャンなので、だからこそもっと真摯に音楽に向き合いたいと思っています。

──間口が開かれた中で、よりクオリティが重視されるということですね。そういった状況で今週＜Love Supreme Jazz Festival 2023＞が開催されますが、このフェスの意義や価値はどこにあると思いますか？

海外のフェスで、例えば＜ニューポート・ジャズ・フェスティバル＞という大きいフェスがありますけど、バックヤードでミュージシャン同士が「さっきの良かったよ」とか飲みながら話していて、そういう環境がすごく良いと思うんです。これまで日本のフェスでは海外の人と日本の人が同じようにバックヤードで話したりする環境ってあまり今まで無かったと思うんですよね。今回のラブシュプは、海外のアーティストがだいぶ増えていてすごく面白い。「さっきの演奏良かったよ」とか「次は何かいっしょにやる？」とか「また日本来るときは教えて」「LAに行くとき連絡するよ」とか、ミュージシャン同士が繋がれるきっかけになると思います。次に来日するときコラボで何かやるとなったらさらに面白いと思いますし。

なんというか、海外に住んでいる日本人も含めて、日本のアーティストって海外の人に対して劣等感があるというか、同じフェスに出ていて、同じステージを踏んでいるんだったらグラスパーに「よお！」って話しかけていいと思うんです。だからラブシュプは日本のミュージシャンたちが海外アーティストと同じ立ち位置であることをもっと自覚できる環境でもある。お客さんにも日本のジャズアーティストも観ていただくきっかけにもなったフェスだと思います。

それに今でこそたくさんネットに動画がありますけど、それを観て「ヤバイよね」と言い続けていても、日本から海外に出ていくきっかけにはならない。僕としてはラブシュプはすごくチャンスだとも思うんです。例えばAnswer to Rememberを観た海外アーティストが「このバンドかっこいいじゃん！」と認めてくれて、誰か海外のプロモーターに「日本に面白いバンドがいたよ」とか話してくれたらAnswer to Rememberが海外に行けるかもしれない。だからたくさんの意味で今後、日本のミュージシャンの価値は上がっていく可能性があるんじゃないかな、コミュニティがもっと楽しくなるんじゃないかなと思っていますね。

ちなみに1日目のDOMi & JD BECKのDOMiは大学の後輩で、僕が大学を卒業する前に入ってきたので、1年くらいいっしょで、向こうも1年だけだったんで覚えてるかわからないですけど、セッションとかライブをいっしょにやっていたから久しぶりって感じですね。

──ラブシュプはリスナーにとってもミュージシャンにとってもチャンスの場ということですね。

自分もアーティストとしてどんどん海外に出て行きたいです。それこそいつかイギリスのラブシュプにも呼んで欲しいとも思っています。アメリカのフェスは海外のプロモーターがたくさん見に来るんですよ。それこそブルーノートの人だったりブッキングをする人たちがいろんなアーティストを見に来る。関係者にとってもショーケースなんです。このアーティストが今面白いから来年自国でやるフェスにブッキングしたい、オファーしてみようという流れが当たり前で。

ただ現状日本のフェスに海外のプロモーターたちがあんまり来てない気がするんですよ。プロモーターが来て日本人アーティスト面白いから連れて行こうという流れになってないから日本のアーティストも海外に出れていないと思うので、今後ラブシュプはこれだけ海外にも注目されるアーティストも出ているので、今後もっと大きくというか、長寿イベントになれば海外からプロモーターも呼んで、業界としてのショウケースにもなりうるんじゃないかなと、そうなってくれたら日本の音楽もさらに盛り上がるかもしれませんね。

昔は＜マウント・フジ・ジャズ・フェスティバル＞があって海外の名だたるジャズプレイヤーが来て、お客さんも熱狂していたじゃないですか。今も大規模な音楽フェスはありますけど、ジャズフェスでそれだけの規模感でやるのはすごく難しいと思うんです。ジャズってこういう音楽だし。そういう意味ではこういう大きいフェスが日本にあるのはすごく嬉しいですね。今後さらに浸透していって、もっと大きくなっていって欲しいですね。

──現在ポップスの中でもジャズの存在感はどんどん増しているので、現実になりそうです。

駿のおかげもあると思います。本当にありがとうございますという感じ（笑）。僕もルイス・コール（Louis Cole）のバンドに参加したときにはいろんなポップスの方も観に来ていたりして。去年はDREMS COMES TRUEさんと共演させていただき、それをきっかけに僕のことを知っていただく機会も増えたと思いますし、すごく有難いなと思いますね。僕もドリカムさんのオファーをいただいた時は母も喜んでいました（笑）。

──最後に音楽制作がラップトップで完結するこの時代に生の楽器に触れる豊かさがどこにあるのか教えてください。

こんな言い方をしたら元も子もないですけど、パソコンで作る音楽とライブ音楽はジャンルとして全く別だと思ってます。だからパソコンで全てを作る人はパソコン自体がその人の楽器だと思うんです。パソコンで誰でも作れるような時代でも、トラックメイカーたちは無限にある音をどうやって選んで、そこにエフェクトを加えてたりしていって、結局は自分のスタイルや音を確立して行くわけじゃないですか。だから僕がサックスやってます、駿がドラムやってますというのと同じように彼らはパソコンでやっているくらいのものだと僕は考えているんです。

サックスを始めた人が最初うまく演奏できなくて、ちょっとずつ上手くなって割と聴ける演奏になりましたっていうのと同じ。僕もDAW（音楽制作ソフト）でデモを作ったりするんですけど、最初にDAWを触ったときはなんじゃこれと思ったんです。まずどうやってもかっこよくならない。打ち込んでるもの、ピースはかっこいいはずなんですけど、全体で聴いたら「うわダッサー」みたいな。実際トラックメイカーの方の作る音楽も好きですし、シゲト（Shigeto）やNujabesもそうですけど、たくさんかっこいいアーティストがいてかっこいい曲がある。それって彼らのセンスがあって、技術があって本職としてそういうことをやっているからなんです。だからマルチインストゥルメントというか、それをフィジカルでやるのかパソコンでやるのかの違いだと思ってます。

それを大前提にした上で、誰かシンガーの人のトラックを作ります、となったときにホーンを生で入れるのか、打ち込みで入れるのか、それは本当にプロデューサーや作曲者のセンスや予算だと思うんですけど、ただ生楽器に近づけようとして作っていて、それが生と同等のものですよという感じの音楽に関しては、それは生の方がいいよと思います。全く空気感が違うので。そこで録ったものというか、ナチュラルな空気の振動があって、人間の誤差があって、そういうものがグルーヴとしてかっこいい。そうして人間が作るものがかっこいいからトラックメイカーもサンプリングしたりすると思うんです。だから日本のポップシーンでなんでも生の音っぽいものをパソコンで作って歌だけ乗っけようみたいなものを僕はあまりかっこいいとは思わない。逆にいいなと思うものは誰かがちゃんと生で録ったものだったりしますね。

僕もCDを出していますけど、誰かが言っていたことの受け売りなんですが、音源を作ることは招待状を出しているような感覚なんです。こういうことをやりますよっていうパッケージではあるけど、実際にライブ会場で聴くと全く別のもの。ことジャズにおいてはやっぱり音源で何かを聴くよりも、そこにお客さんがいて、生の空気感があってという良さがすごくある音楽なんです。もちろんパソコンで作る音楽も、それはそれで良いと思うんですけど、生の音楽を同じように、例えばiTunesで聴いて良し悪しを決めるというよりは、現地でとれたてのものを体験してもらった方がいいと思いますね。