今回は26日のWHITE STAGEに登場した、UK発の新星プロデューサー／DJ、バリー・キャント・スイム（BARRY CAN'T SWIM）。ハウスやジャズ、ブロークンビートを縦横無尽に行き来する独自のサウンドで注目を集める彼にとって、これが待望の初来日となった。煌めくビートが放たれた瞬間、フロアは歓声と熱気に包まれ、観客は次々と身体を揺らし始める。クラブとフェスの境界を軽やかに飛び越えたパフォーマンスは、WHITE STAGEを一夜限りの祝祭空間へと変貌させ、オーディエンスを完全に魅了した。

今回は、25日のWHITE STAGEに登場したエムドゥ・モクター（MDOU MOCTAR）のフォトレポートをお届け。「砂漠のジミ・ヘンドリックス」と称されるギタリスト・エムドゥ・モクター。伝統的なトゥアレグ音楽にロックやサイケデリックの要素を融合させ、アフリカ音楽の新境地を切り拓いてきた彼らが、ついにフジロックで日本のオーディエンスと邂逅した。苗場を熱狂で包み込んだそのステージを振り返る。

今回は、最終日27日のGREEN STAGEに登場し、UKヒップホップを語る上で、いまや欠かすことのできない存在となったリトル・シムズ（LITTLE SIMZ）。2021年の『Sometimes I Might Be Introvert』で世界的評価を不動のものとし、類まれなリリックとソウルフルかつ鋭いフロウで、シーンの枠を軽やかに飛び越えてきた。そんな彼女がついにフジロックのグリーンステージに降臨。キャリアに裏打ちされた圧巻のステージングと、観客を鼓舞するパフォーマンスで、ヒップホップというジャンルの枠組みを超えた“表現者”としての真価を見せつけた。

7月25日（金）、26日（土）、27日（日）の3日間にわたり開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL’25＞（以下、フジロック）。Qeticでは、＜フジロック＞現地にて、出演したアーティストのインタビューを実施。今回は、25日のRED MARQUEEに出演したパフューム・ジーニアス（PERFUME GENIUS）のインタビューをライブフォトとともにお届けする。

マイク・ハドレアスによるソロプロジェクトとして2010年にデビューアルバム『Learning』を発表して以来、アート・ポップやロック、エレクトロニカなど多彩な要素を取り入れ、儚くも力強い歌声と大胆なステージングで世界を魅了してきたパフューム・ジーニアス。今年3月にリリースされた最新作『Glory』を携え、実に11年ぶりとなる来日を果たしたマイク・ハドレアスに、最新作への想い、フジロックへのイメージ、そして人生を導く座右の銘を聞いた。

──音と動きが一体になったステージはまさにアートだと思うのですが、ライブにおける演出の構想はどのように始まるのでしょうか？

（演出の構成は) 時にすごくシリアスで、心の奥深くから湧き上がってくるものもあれば、ただの冗談みたいな、楽しい感じのものもあって、ふと目に入ったものから浮かんできたアイデアから生まれることもあります。ただ、毎回のライブで自分が探検できるようなちょっとした世界を作れたらいいなと思っていて。毎回違うものにしたいなと思っていますが、すごくうまくいく時もあれば、逆にひどい時もある。瞬間ごとに良かったり悪かったりするけど、そういうリスクも楽しみたいと思っています。

──日本のオーディエンスの印象と、フジロックのイメージを聞かせてください。

日本でライブをするのは13年ぶりなんです。正直、今はもう何を期待すればいいのか分からないって感じですね。でも、とにかくみんなと音楽を分かち合えるのが楽しみです。前回来たときから何枚もアルバムを出してきたし、ようやく日本の皆さんと共有できるのが嬉しいです。ここは本当に美しい場所ですね。暑いけど、それでもやっぱり素晴らしい。みんなが涼しく過ごせるといいなって思うし、ずっと聴きたいと思ってくれていた曲たちを、今日はちゃんと届けられたらいいなと思っています。

──最新作『Glory』ではより抽象的で身体的なアプローチを感じました。制作プロセスでも変化がありましたか？

このアルバムは、すごく“今”を反映した作品だと思っています。自分自身、まだプロセスの途中にいて、答えが出ていないことも多くて。たくさんの問いがあって、混乱もあるし、探っている最中なんですよね。でも、長年やってきた中で、そういう状態こそが何かに辿りつくための方法になり得るのだと学んできました。言葉にしづらい感覚を、なんとか表現しようとすること。それは詩で表すこともできるし、身体的な表現でもできるし、あるいは夢のような形でもできる。特に、どうしてもストレートに言葉では説明しきれないようなことほど、そういうやり方が必要なんだと思います。

──日本の文化や習慣で、自分の国でも取り入れてほしいと思うことは何ですか？

まちがいなく、エスカレーターで立つ側と歩く側がちゃんと分かれているところですね。特にアメリカの混雑しているエリアでは、ああいう効率の良さが全然ないです。都市部ではスピードが大事だから、少しでも足止めされると本当にイライラするんです（笑）

──あなたの座右の銘（一番好きな言葉）は？その理由も教えてください。

座右の銘っていうほどじゃないかもしれないけど……。「人は壊れない」ということを信じています。どんなに大変なことがあっても、人って回復できる。もちろん、その渦中にいるときは、もう立ち直れないって感じることもあるし、自分が完全に壊れたように思えることもある。でもそこには、奇跡みたいな回復の力がいつもあると思っています。回復した先は、前と同じじゃないかもしれない。前より悪いかもしれないし、逆に良くなることもある。でも確実に、“何かが変わる”んです。だから、自分が完全に終わってしまうなんてことは、ないんだって思っています。

7月25日（金）、26日（土）、27日（日）の3日間にわたり開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL’25＞（以下、フジロック）。Qeticでは、＜フジロック＞現地にて、出演したアーティストのインタビューを実施。今回は、25日のRED MARQUEEに出演したティコ（TYCHO）のインタビューをライブフォトとともにお届けする。

2度のグラミー賞ノミネートも果たし現代のエレクトロニカ/ポストロックを代表するアーティストの1人でもあるティコことスコット・ハンセン。今年1月、8年ぶりに実現した来日公演では、生楽器とエレクトロニック／DJ的手法を融合させたサウンドに加え、ビジュアルやライティングを含めた“総合芸術”としての完成度が大きな反響を呼んだ。今回のインタビューでは、彼の音楽観はもちろん、日本の印象やグラフィックデザイナーとしての顔を持つ彼ならではのエピソードを語ってもらった。

──ティコの音楽は“時間”や“記憶”のようなテーマを想起させます。今回はどんな時間軸を描いているといえますか？

これまでのアルバムの多くは、過去を題材にしていて、すごくノスタルジックで自分の青春時代の記憶に基づいたものだった。でも今回のアルバムは、少し先を見据えた、より現代的で、過去よりも未来を感じさせるような音の空間を追求したんだ。とはいえ、たとえば「Green」などは、ノスタルジックな曲だね。結局、何曲かはどうしても懐古的になってしまって、わりとベーシックな作りになったね。

──新楽曲ではバンド的なグルーヴとアンビエンスの融合が素敵です、制作の鍵（ポイント）はなんでしょうか？

今回のアルバムでは初めてGrizzly Bearのクリス・テイラーと共作し、彼がアルバムのミックスを手がけたんだ。僕はこれまでも、自分の音楽を主にエレクトロニックな要素とギター、それにちょっとした有機的な要素を交えて作ってきた。いつも心がけていたのは、電子的なサウンドをできるだけ“オーガニック”に聴かせることだった。でも、クリスと一緒に作業を始めたとき、僕としては「これはすごくオーガニックに仕上がった」と思って彼に渡したんだけど、「いや、すごく人工的な電子音に聞こえる」と彼に言われた。僕は「えっ、そうなの？」と驚いたけど、彼がミックスを送り返してきたのを聴いたとき、まるで森の中にいるような雰囲気で更にオーガニック感が出ていたんだ。彼がロックのレコードを手がけてきた経験や、より伝統的なテクニックを今回のアルバムに応用してくれたことが、結果として新たな音の世界へ導いてくれたと思う。

──自然との調和を感じさせるティコのサウンド。この苗場の山々を背景にどんなステージにしたいですか？

最高だね。ほんとに完璧なステージだと思う。僕はカリフォルニアのサクラメントという山と海の中間にある場所で育ったんだ。家から1時間くらいの距離にレイク・タホがあって、よく行っていたよ。ここの木とは少し種類が違うけど、あの場所で感じた空気やエネルギーにすごく似ているね。山の中にいるときに感じるあの感覚が、ずっと自分の音楽の中に流れている気がしていて、ある種 “アルパイン（山岳）的な美意識”というのが根っこにあるんだと思う。だから、今日みたいな自然の中でのライブは、自分たちにとっては最高の環境だね。

──日本に来て言葉や文化の違いで起きた、一番面白かった、または恥ずかしかったエピソードはありますか？

前回フジロックに出た2019年、ポスターを自分で作っていて、苗場に向かうバスの中でデザインしていたんだ。「フジロック」とカタカナで書きたくてネットで調べて、自分で書いて、それをプロモーターの女性に見せたら、急に笑い出して。どうやら僕が書いたのは「フジコック」だったらしくて（笑）。彼女に「それは投稿しない方がいいよ」と言われたよ。もし彼女に見せずにそのままInstagramにアップしてたら、みんなに大笑いされてたね（笑）。

──日本の文化や習慣で、自分の国でも取り入れてほしいと思うことは何ですか？

僕が住んでいる地域では、盗難とか空き巣が本当に多くて。2008年に初めて日本に来たときに、カメラ機材をいっぱい詰めていたバックパックをうっかり地下鉄に置き忘れてしまって……1時間後くらいに戻ったら、そのまま残っていたんだよ。これは、本当にすごいことだと思う。誰も物を盗まないって、すごく安心できることだよね。僕の地元だったら、車の中にサングラスを置いているだけで、窓を割られて盗まれちゃうから。だから、こういう文化がアメリカにも広まってくれたらいいのにと本気で思うね。

7月25日（金）、26日（土）、27日（日）の3日間にわたり開催された＜FUJI ROCK FESTIVAL’25＞（以下、フジロック）。Qeticでは、＜フジロック＞現地にて、出演したアーティストのインタビューを実施。今回は、26日のFIELD OF HEAVENに出演したアフリカン・ヘッド・チャージ（AFRICAN HEAD CHARGE）のインタビューをライブフォトとともにお届けする。

2023年に12年ぶりの新作『A Trip To Bolgatanga』を発表し、フジロックには2011年ぶりの登場となったアフリカン・ヘッド・チャージ。40年以上にわたり唯一無二の音を紡いできたフロントマン、ボンジョ・アイヤビンギ・ノアに創作の源泉、フジロックへの思い、そして人生を導く座右の銘を聞いた。

──40年を超える活動になりますが、最も創造力が刺激されている瞬間とはどんなときですか？

私は常にクリエイティブであると感じている。11歳で学校を辞めてからというもの、ほとんど学校には通わず、ずっとドラムに打ち込んできた。だから、創造力というのは、私の中で常に流れているものなんだ。また、裕福な家庭ではなかったので、子どもの頃はおもちゃも買ってもらえず、自分で工夫して作っていたよ。そうした経験も、創造力を育んでくれたと思うね。

──新作ではインプロヴィゼーションの比重がより高まっている印象を受けましたが、その“流れ”をどう設計し、導いているのでしょうか？

もちろんリハーサルもやるが、それ以上にドラムは「言語」であり、「コミュニケーションの手段」なんだよ。アフリカでは、ドラムを叩くこと自体が会話なんだ。ドラム同士で対話するように演奏をするし、昔からドラムには「何かを伝える」意味が込められてきた。たとえば「あっちは危険だ」とか「あっちは安全だ」とか、そういったメッセージを伝えるための手段だった。私自身も、リズムだけでなく、”会話”としてのドラムを大切にしている。アフリカにはたくさんの言語があるように、それぞれの言語に対応するようなドラムの“話し方”もまた異なるんだよ。なので、特にその”会話”の要素を演奏に取り入れているね。

──2011年以来のフジロック出演。こうした自然の中でのライブは、アフリカン・ヘッド・チャージにとってどんな意味を持ちますか？

フジロックに出演できると決まったときは本当にうれしかったよ。フジロックだけでなく、日本が大好きなので来られること自体がとても嬉しい。というのも、日本人は、互いを尊重し合う文化があり、本当に素晴らしく感じているからね。

──あなたの座右の銘（一番好きな言葉）は？その理由も教えてください。

すべての人が幸せに暮らし、良い人生を送れるようにすること。それが一番大切なことだと思っている。たとえば、自分が何かを持っていて、他の人がそれを欲しがっているときに、いきなり奪うのではなく、まずは話し合うことが重要だ。そうすれば、分け合ったり、物々交換をする方法が見つかるかもしれない。暴力や力で奪うのではなく、きちんと向き合う姿勢こそが大切だと思っている。 以前、西アフリカにある「ブルキナファソ」という国を訪れたことがあるんだ。当時は軍事政権下でクーデターが起きていて、貧困も深刻だった。まだ小さな子どもたちが、食べ残しを袋に入れて家に持ち帰る姿を目の当たりにして、とても悲惨な状況だった。その後、政府の体制が変わり状況は大きく改善されて、国の資源が人々のために使われるようになり、医療が無料になるなど、人々が安心して暮らせるようになったんだ。もちろん、地方ではいまだに水不足や衛生面の問題もあるが、それでも軍事政権時代に比べて、国が「人のために資源を使う」ようになったことで、国民の暮らしは豊かになり、希望が生まれた。 人々が幸せに暮らせるようにすること。そのために、話し合い、分かち合う。そんな考え方を大切にしている。