「キョウ ナニカガ オコル？」──はて？　まったく検討がつかない。yamaが来る1月24日に新アルバム『awake＆build』を発売すること。そのうち、この日の翌日にあたる1月17日に収録曲“偽顔”が先行リリースされることは、うっすらとだが頭にはあった。が、このとき、なにが起きていたのか。おもしろい企画に、偽物に、サプライズ。そのいずれの片鱗にすらも、まだ気がつくことができなかった。一体、なんのこと？

ただ、若干の違和感があったのも事実。いつもとなにかが違う。そう思いながら、とあるアーティストの取材のため、渋谷の街を歩いていたのが午前10時すぎ。約束の時間まで少し余裕があるため、優雅に朝食でも…と思っていると、普段でも異様さを感じる渋谷に、普段以上に異様な光景が目に飛び込んできた。yamaがいたのだ。しかも、5人も。

奇妙さを抱いていたのは、筆者だけではない。「変な奴がいる」「髪色がさ〜」など、通りすがりの人々から、ちらほらと心の声が風にのって届いてくる。たとえyamaを知らずとも、さすがに注目の的にならざるを得ないだろう。先頭から順に、グリーン、パープル、ピンク、イエロー、レッドと、ビビッドな髪色。全員が純白かつ、胸元に“Deepfaker”とプリントされたフーディで衣装を揃え、仮面を付けている。いくら渋谷といえ、朝の網膜にはインパクト大だ。

日本の一大観光地＝渋谷のスクランブル交差点で信号待ちの先頭に立ちながら、明らかに周囲の人間が寄りつこうとしていない。どこか神聖で、どこか不思議で、微妙な距離感。そんな集団に、海外観光客もしきりにカメラを向けていた。日本旅行の土産話にでもなるのだろうか。動画サイトの“実況主”らも、突然の“ネタ投下”に駆けつけて、自身と同じフレームにyamaの集団を収めようとする。いずれにせよ、まだ時間に余裕はある。おもしろそうなので、遠巻きに見守る形で、yama隊列の後ろをつけてみた。

5人のyamaが巡ったコースは、改装中のSHIBUYA TSUTAYAをはじめ、渋谷センター街と、同エリア内のマクドナルド、CLUB QUATTROなど。各スポットではわずかな時間ながら立ち止まり、建物を見上げながら、一人ひとりが胸の前で三角形を作るyamaポーズを見せていた。マクドナルドでは、2階席窓側の客が一斉にスマホでカメラ撮影を始めたのが、遠くから眺めていておもしろかったし、CLUB QUATTROは、かつて対バンライブなどでも訪れた思い出の地。あのサインにも、なにか意味があったのだろうか。

さて、前提の話に戻るが、yamaの集団の正体と、その目的は一体？　通りすがりの人々が“んんっ？”と、お手本のような二度見を繰り返すなかでも、若者が出会い頭に「yamaやん」とツッコミを入れていたり、反対に「yamaかと思ったら“偽物”だわ」と残念そうに呟いたりと反応はさまざまだったが、やはりわかる人は、yama、あるいはyamaに近しいなにかだと認識するらしい。たしかに、あの5人のうちに“本物”が紛れているにしても、全員が同じような身長。歩き出す際にも一列に並び、隊形は乱れない。唯一違うのは、トレードマークの髪色のみ。

結果的に、あの集団の正体、ならびに本物のyamaがいたのかはわからず終いだった。不思議なオーラを感じたのだろう。30分間ほど渋谷の街を歩いたにも関わらず、話しかける人間はほとんどおらず。唯一、筆者が見かけたのは、センター街にいたギャル集団。通りすがりに「やぁ！」と投げかけていたが、yama軍団は華麗にスルー。その反応に爆笑を見せる一同。ギャルの辞書に、“物怖じ”の3文字はない。

その後、昼頃まで仕事に臨んだわけだが、正直に言うと、明け方に見た光景を忘れられず、yamaの存在が頭から離れなかった。気になって、改めてyamaのスタッフ公式Xを眺めていると、明け方に感じた“違和感”の答えにようやく気がついた。というか、なぜ最初に気がつかなかったのか。アイコンに映るyamaの髪色が、渋谷で目撃した集団のように、ブルーからグリーンに変わっている。

加えて、これまで投稿されてきたYouTube映像のキャプチャ画面もタイムラインに流れてきた（しかも、YouTubeのアイコンをはじめ、動画サムネイルも髪色がピンクやグリーンなど“あべこべ”になっている）。また「[dialogue 1/3] yamaって、何？」に「#Deepfaker」、「[dialogue 2/3] 孤独な過去、本当のyama」には「バグだらけのアルゴリズム」など、数えてみると全部で19本の動画に、yamaが当日に投稿したばかりのコメントが固定表示されている。いくつか抜粋してみよう。

「UNIX=1705402800」

なるほど、前述した「バグだらけのアルゴリズム」とは、こうした暗号を指し示していたのか。ひとつずつ見ていこう。まずこれは、“UNIX時間”を使えば簡単だ。UNIX時間とは、UTC時刻における、1970年1月1日午前0時0分0秒からの経過秒数を表すもの。この数字が示すところは、2024/01/16 20:00:00だった。

「139.698995」「35.66254」

これは簡単。日本の緯度経度を知っていれば、130×30台の数字の組み合わせでピンとくるはず。Google マップなどの検索窓に数字をコピペすれば、この緯度経度にある場所がヒットする。

「🟢🔴🟢🟢　🔴🔴　🔴🟢🔴🟢🔴　🔴🟢🔴🟢🟢　🔴🟢」

少し難しかった。モールス信号の短点（・）と長点（ー）を絵文字で表したのだろう。信号の意味は「ゲンテイ」。

暗号すべての解法は割愛するが、要するに、だ。

2024年1月16日の20時、yamaは渋谷のライブハウス・TOKIO TOKYOにて、先着限定100名でゲリラライブ＜yama Special Live "Deepfaker"＞を敢行する。さらにその模様は、YouTubeでも生配信がなされる（xqnhmaeygNc->d8aIrbYAcE4の暗号は、YouTubeのURLにある動画IDを置き換えると、その先に配信リンクが待っているというものだった）。なんとも手の込んだ、それでいて非常におもしろいサプライズ。

陽も傾いてきた頃合い、Xでもyamaのファンである同志たちの反応を眺めていると、この暗号に気がついた切れ者を中心に、暗号の答えが徐々に解き明かされていた。また、yamaの集団が渋谷を歩いていることも拡散され、同時多発的に“おもしろいこと”が巻き起こっている。

このふたつを同時体験するには、たまたま渋谷に居合わせて、かつyamaのSNSをチェックするほかない。少なくもなく、多くもない人間しか当てはまらないだろう。つまり、離れた場所にいる渋谷サイド、そしてSNSサイドの人間が、yamaという同一の話題を挙げながら、お互いに“どういうこと？”や“そっちはなにが起きてるの？”と、疑問をぶつけ合う感覚。これこそ、冒頭に記したような、我々の手ではもう制御できない、気づいたときにはもう“始まり”を迎えているということにほかならない。本当におもしろすぎる……とか言ってないで、TOKIO TOKYOまで急いで向かわねば！

約束の午後8時（20時）。あの暗号を解いてきた強者たちがすでに、フロアを満杯にしていた。到着から間もなく、“本物”のyamaがステージに。1日がかりのサプライズ。その“答え合わせ”と言わんばかりに、開幕から新曲“偽顔”をライブ初披露する。曲中には《Deepfaker》という、この日何度も見かけたフレーズや、《バグだらけアルゴリズム》のフレーズも。やはり、この楽曲に絡めた暗号企画だったのだと、ようやく納得感を抱くことができた。 よくも悪くも、世間で取り沙汰される“ディープフェイク”。この楽曲では、自身の本心と裏腹に、都合のよい表情を演じることで、皮肉にも“コト”が上手く運ばれてしまう。そしてそのうち、本当の自分と、見破るのが難しい“ディープフェイク”な感情の境目が薄れ、どちらが“本物”なのかわからなくなってしまうという感情が歌われる。静かながらもグルーブ感は抜群なトラックに、yamaのボーカルが一音一音、細かなタッチで重なり合う。

1番の間奏では、音に合わせて腕を流す形で踊らせたり、終盤に挿入されるボーカルサンプルのカットアップでは、まさかの生歌で再現をしてみせたりと、初披露とは思えぬチャレンジングな場面も。その様子を目と耳に焼き付けようと、フロアが真剣に聞き入っていたのが印象的だった。

MCを挟みつつ、楽曲が進むにつれて、フロアからyamaの方にどんどん手が伸びていった “slash”や、カラフルなエレクトロポップ“色彩”を歌い終えると、またしてもライブ初披露曲が続く。“沫雪”は、この日最も低音の鳴りが桁違いだったガラージ調の一曲で、歌い出しから普段のyamaとはよい意味で異なるイメージを与えるのも大きなポイント。終盤に、シーケンサーと生声でのフェイクが絡み合うところまで、真っ白で、タイトル通り“沫雪”な表現だったといえる。

そのほか“新星”、“パレットは透明”、“ストロボ”の3曲をもって、合計7曲でライブは終了。1時間に満たない、“もう少し観たくなる”ライブだったものの、yama自身もそのくらいが最も綺麗に記憶に残ってくれると、微笑みながら語っていた。当日発表のゲリラライブ。本人にとっても、あまりに突然のイベントすぎて、会場が埋まるとは思っていなかったとのこと。「本当に自分で解いてきた？」と、いたずらっぽく笑いながら、フロアに集まったのが5名ほどだったら、一人ひとりに暗号の解法を尋ねて回ろうと本気で決めていたという。

また、この日は普段のステージと異なり、歌っているyamaが誇張抜きで至近距離にいたことまでを総括して、さまざまな特別感によって、新アルバム『awake＆build』の発売当日に向けて、期待感を煽ってくれた贅沢なゲリラライブだった。まだ解禁していない“あんな曲”や“こんな曲”を楽しみにしつつ、どれだけ疑っても“フェイク”じゃない、本物の興奮を覚えた渋谷の夜の余韻に、しばらくは浸っていようと思う。

──NAOさんは小さい頃はダンスを習っていたとか。

NAO AIHARA（以下、NAO）　そうですね。友達に誘われたのがきっかけで、小学4年ぐらいにジャズダンスみたいなところから始めて。高校からダンスの専門学校に行って、そこでヒップホップ、バレエとか基礎からいろいろ練習していました。

──音楽的な興味はどうだったんですか？

NAO　歌を始めたいと思ったきっかけは映画『バーレスク』を観たことです。そして、そのあとに『ドリームガールズ』を観て、「歌ってこんなに伝えられるんだと」思ったんです。もともと文章で自分の気持ちを伝えるのが好きだったんですけど、歌で伝えられたらいいなというのはその時に思いましたね。

──『ドリームガールズ』の特に誰からの影響が大きかったんですか？

NAO　どちらかというとビヨンセ（Beyonce）より、ジェニファー・ハドソン（Jennifer Hudson）に私は近しいものを感じました。今だったらビヨンセの“Listen”のを歌いたいって思うんですが、当時は、“Listen”よりジェニファー・ハドソンの“And I am Telling You I’m Not Going”を練習してた記憶があります。そこから掘り下げて、ジェニファー・ハドソンの曲を聴いたり、映画を観たりしましたね。またアレサ・フランクリン（Aretha Franklin）を聴き始めて、そこから『ブルース・ブラザーズ』を観て衝撃を受けたりもしたので、そこは今も繋がっているルーツだと思ってます。

──そこから具体的にはどういう活動を？

NAO　オーディション受けるまで、個人的に活動してたときはR&Bとかの洋楽をピアノやギターの方にサポートしてもらって歌ったりして、ライブに出たりしてました。でも、やっぱり『バーレスク』の印象が強すぎて、ダンスがやりたい気持ちがあり、ダンスもできるような曲もどんどん聴くようになっていました。それこそ『ヨルヤン』のオーディションの曲を聴いた時に、ソウルっぽさのある深い感じで歌えるような低音から始まり高音もあって、みたいな私の好きな要素が詰まってましたし、同時に行われていたダンサー・オーディションのダンスの振り付けもかっこよかったですし、自分がイメージできるところにハマってたんですね。密かに自信もありましたね（笑）。

──自信もあったので、って力強いです。話を戻しますが、ハイティーンの頃はどんなアーティストを聴いてたんですか？

NAO　洋楽で歌える曲が何曲かあったほうがいいなと思って、アリシア・キーズ（Alicia Keys）の“If I Ain’t Got You”とビヨンセの“Listen”、あとPiNKはめっちゃ練習しました。“Listen”は今も歌い上げられるまでになりたいなという目標があります、けど、やっぱり難しすぎて（笑）。

NAO　たしかに。歌詞を書かれたEmyliさんが課題曲ではボーカルとしても歌ってらっしゃって、それがうますぎて感動して、まず真似しようと思って練習しました。それから自分らしさをプラスできるところが割とスッと入ってきて、それですぐ歌えたというか。「あ、これ得意かも」と。だからちょっと自信があったんじゃないかな。

──そこで残れたんだと思います。ヴァースが得意な人とサビが得意な人に分かれそうな曲ですし。オーディションの課題曲としては、Aパート、Bパートという送り方になってて、デュオで歌う複雑な作りになっていましたよね？

NAO　そうなんです。「こんな曲、誰が歌えるんだ？」って、オーディションに来てた子がみんな言ってました。初めて聴いたとき「こんなん歌える人いないでしょ」「ガイドボーカル、越えられないでしょ」って（笑）。

──作家、プロデュサー、アーティストとしてのSOCIAL HOUSEに対するイメージはありましたか？

NAO　アリアナ（・グランデ）のイメージがすごくあって、強いトラックのイメージがすごくありました。“lighthouse”はSOCIAL HOUSEらしく、トラックがすごく重たくて心臓にくるような感じがあって、歌詞も相まって響くものもあるんだろうなって思います。

──トラックの強さも意識してオーディションで歌ってましたか？

NAO　そうですね。歌ってる時にトラックとか歌詞に引っ張られる部分は絶対ありますし、強い気持ちにさせてくれる曲だなというのは歌っていて感じていたことでした。

──歌詞についても訊かせてください。NAOさんが書き加えた部分はあるんですか？

NAO　 2番の歌詞は私の書いたものがベースとなっています。オーディションの合格が決まって、改めて1番の歌詞を聴いた時に、自分なりの歌詞の解釈で、“悩みもがいている先にあるもの”みたいなイメージが浮かんできたんです。自分にもその状況によく似てる時期があったので。普段から思ったことを歌詞のようにして書き溜めていたんですが、当時書き溜めてた歌詞を読み返して、それを少しずつ書き直しながらEmyliさんと一緒に書かせていただいた感じですね。

──《耳を塞いでも聞こえてくるの 言葉と視線のナイフ》以降ですね。人からの意見や視線を気にしなくてもいいのに、気にしてしまう、そんな内容ですが、「その状況」というのはアーティストとしての活動の前ですか？

NAO　そうですね、過去にグループで活動してたときに、自分がやりたいこともできず、意見も届かず、ずっとズレを感じている中で、もがいてるような時期があって…。そのときに苦しくて書いた歌詞なんですが、当時は、一番迷ってた時期なんですよね。だからその状況と合うなと思って、もう一回書き直してみようと。もがいているだけじゃなく、今、掴み取るものというか、目指すところがあるよっていうことを伝えたかったので。

──グループではどんな活動をしていたんですか？

NAO　演技やダンスの舞台をやっていました。そこでいろんな方々と関わったり、話を聞いたりして、それが自分の考え方の広がりにもなったと思います。人との関係性の持ち方とか、コミュニケーションという点では学んだ部分はとても大きかったし、そこがきっかけで全てが始まってはいるんですね。

R＆B、ソウルといった音楽や、好きになったミュージカルや映画も、その活動の中で巡り合ったものですし、歌もそこがあったから始めているのは絶対的にあるので、そのルーツには感謝しつつ、今の自分に繋げていけたらいいなって一番思ってますね。

──そのエネルギーを溜めて、今こういった形に。曲にマッチするわけですね。

NAO　だからこそ、ダークな部分も書きたいなと思って、曲もそういうイメージを汲み取ったので、自分の中で。だから繋げていきたいなと思います。

──そして、今回、s**t kingzのkazukiさんによるのコレオグラフですが、グループなのでストーリーがある感じですね。

NAO　kazukiさんは歌詞を汲み取って、振りを考えてくださった部分が多かったので、ダンスプラクティスの時には鳥肌と涙が止まらなくて。全部がフラッシュバックしたというか、ほんとに特別なものだったんだなと思いました。私が歌詞を書かなかったら今の振り付けになってなかったし、全てが重なってこの作品ができたというのはすごく嬉しく感じてますね。

──s**t kingzのダンスも観ていたんですか？

NAO　過去にkazukiさんのレッスンも受けたこともありました。もともとダンスから入った身なので、今回のことに関して言うとkazukiさんが振り付けすることが一番「ヤバい！」みたいな（笑）。

──高校生の私からしたら？

NAO　向こう側でしか見たこがとないkazukiさんがこっち側にいるっていうのが、もう感動したというか、それが一番「ヤバい！」って一番思ったところですね。

──オーディションで勝ち抜いて、この楽曲でデビューすることになってからの意識は変わりましたか？

NAO　はい。私自身、ダンスをしているということもあり、周りのダンサー子たちとも仲がいいんですが、今まで一緒にダンスをやっていて出会った子たちと、今の自分として出会うダンサーの子って全然解釈が違うなと感じています。当たり前なんですけど、ダンサーのみんなを引っ張っていかないといけないし、全体の中で突き抜けてないといけないというか、そうありたいと自分も思いましたし、いい意味で背筋が伸びた感じはしてましたね。

でも距離感として自分が「アーティスト！」みたいになりたくなかったんです。作品にも絶対、気持ちが入ると思ったので、ダンサーのみんなとは、一人ひとりとちゃんと話して。「こういう思いがある」という話は意識してやってたところはあると思います。

──ダンスにも重きを置いてるんですね。歌と同じぐらいやっていきたい？

NAO　やっていきたいですね。ずっとそうなんですけど、今またダンスに結構メラメラしてるので。ずっとダンスをやってた身として、「ダンス」でしか表現できないものっていうのも絶対あると思っています。私もそれで感動することが多かったし、今までいろんな人が作る「ダンス」で表現された作品を観て心動かされることが多かったので、そこの要素も自分の中に取り入れてやっていけたらいいなっていうのはすごく思います。

──NAOさんがここまで話してくれたことががほぼそうだと思うんですが、改めて目指したいアーティスト像はどんなものでしょう。

NAO　自分が表現したいことを自分らしい表現の仕方と言葉で、寄り添えるような、近すぎず遠すぎずのアーティストになっていきたいなと思います。あと、エンターテイメントが好きなので、単純に観て楽しいってだけじゃなく、「感動したなー」って思ってもらえるような、そんな存在になりたいですし、歌う歌にも説得力を持ちたいので、言動もそうだし、人間としての厚みを持って、自分の人生を歌っていけたらいいなと思います。

――前作から、新曲の“Essentially”がリリースされるまでの2年間はどのような日々を過ごしていましたか？ とにかくツアーをたくさんしていたかな。他には、『Sable』というゲームのサウンドトラックを作ったし、VICEの『MUNCHIES』という料理番組のシリーズにも出演したし。Better Oblivion Community CenterやCharly Blissのミュージックビデオを作ったりね。今は、ちょうど本を執筆しているところ。少し前にThe New Yorkerに寄稿した『Crying in H Mart』というエッセイを基にした私小説を出版をする予定なの。 ――音楽以外にも、かなり色々なプロジェクトに携わっていたんですね。かなり忙しそう。 確かに、忙しい毎日だった。今思えば、与えられた機会をなるべく利用するようにしていたんだと思う。今回リリースした“Essentially”はずいぶん久しぶりの作品なんだけど、このアジアツアーが終わればオフの時間がたっぷりあるから、やっと次のアルバム制作に取りかかれそうで、今からすごく楽しみにしているの！ ――それはうれしいお知らせですね。新曲“Essentially”は、どのようにできた曲なんですか？ あの曲は、バリのＷホテルに到着してから書いたの。今までは完成した曲を持ち込んでレコーディングをすることが多かったんだけど、今回は滞在しているうちに新しい曲を作りたくなってね。スタジオがエレクトロ向けの設備だったこともあり、いざ目の前にしたらもっとアップビートで踊れる曲を作りたくなって、できた曲が“Essentially”だった。 私のなかで、次のアルバムを作るのを少し恐れている部分があったの。なぜかというと、最初の2枚のアルバムが「悲しみ」をたくさん歌った作品だったから、次に進んで新しいものを作り始めるのが怖かった。悲しみを手放す準備ができていなかったのかもしれない。でも、本の執筆を通じて気持ちと記憶の整理をしたことで、やっと前に進む準備ができたの。次はもっとアップビートなものにしよう！ってね。なのに、何も悪いことが起こらない生活のなかで曲を書くのって結構大変で（笑）。ここ3年くらいはかなりポジティブな気持ちで過ごしていたから、新しい曲を作るのはチャレンジでもあるの。 ――では、“Essentially”は、前に進むための大きなチャレンジになったんですね。 そう。“Essentially”は、「また音楽に惚れ直す」っていう、その新しいチャレンジについて。音楽には今までたくさん救われてきたけど、今は私の仕事にもなっているし、パーソナルな部分をたくさんの人が見ているから、少し気持ちが離れちゃっていたのかも。だから、また音楽に惚れ直すことが重要で、今はじっくり時間をかけて、また次の作品を作ることに純粋にワクワクしたいと思っているの。これまでは、リリースとツアーを繰り返していたけど、次ははっきりと理由を持って作品作りに挑みたい。周囲に期待されているからとか、仕事だからとか、レーベルに言われたからとかではなくてね。よりパーソナルなものを作りたいし、伝えるべきことを持っていたい。“Essentially”は、そのプロセスを見つけ出すことについての曲なの。

――Japanese Breakfast以前に、Little Big Leagueというバンドもやっていると思うのですが、制作をしていくなかで、新たに発見したバンドとソロの相違点はありますか？ 以前にもバンドを組んだことはあったけど、初めて真剣に打ち込んだのがLittle Big Leagueだったの。主に私が曲を作るけど、みんなそれぞれのパートを作るっていう作曲方法だったから、他のメンバーが納得していたら、気に入らなくてもOKって言うしかなくて。他にも、アーティスト写真や物販、アルバムジャケットとか……話し合うべきことはたくさんあるけど、妥協や衝突が多かったかな。その点、Japanese Breakfastは、私がプロデューサーであり、制作者であり、ビジュアルも含めたすべての世界観の責任者でいることができる。Japanese Breakfastがより多くの人の心に響いているのは、統一した見せ方を徹底しているからだと思う。このプロジェクトの方が、衝突も少なくて、楽しめている気がするの。ひとつのプロジェクトに対して4人全員が大切に思うことって素晴らしいことだと思っているし、人と共同で何かを作ることもたまに恋しくなるけど、バンドはよくも悪くも民主主義だからね。 ――2018年は、コーチュラ・フェスを筆頭にさまざまなフェスに出演されていましたが、普段の公演とはどこが違いましたか？ 音楽フェスは本当に大好き！好きな理由のひとつとしては、セットリストの組み方が普段とは違うこと。普段の公演は、もっと長いセットを通じて来てくれた人のさまざまな感情を導かなければいけないけど、フェスはずっとワオ！ワオ！っていう明るい感情だけでしょ？盛り上がる演出が好きだから、フェスってすごく楽しいの。見栄を張って一番よく見せようとしている部分もあって、自分の幅が広い曲のなかから盛り上がるセットにして、突き抜けて楽しむことができるし。サウンドチェックの時間が短かったりして、たまにカオスなときもあるけどね！（笑）でも、そういう衝動的なのも含めて好き。 ――自身が楽しんでいるからこそ、お客さんにも楽しさが伝わったのかもしれないですね。普段の公演以上に、大勢の前で演奏した体験はどうでしたか？ 大勢の前で演奏するのも好き！　これまで出演したどのフェスも、たくさんの人が見てくれたことも本当にラッキーだったと思ってる。有名なバンドの裏になってお客さんが誰もいなくて残念な気持ちになることもあるっていうけど、私たちはなぜかいつもいい位置で、かなりラッキーだったの。すごくいい経験になったと思う。 ――最後に。先ほど、現在は次回のアルバムを制作中と言っていましたが、どのような作品になりそうですか？ 今はまだわからない！（笑）いざ、スタジオに行くと足が撃たれたようにフリーズしちゃって。どこを目指したいか、っていうアイディア自体はあるんだけど……。私にとって一番の試みは、悲しみや母を失ったことについてをテーマにした2枚のアルバムだったから、3枚目はもっとアップビートでハッピーな作品にしたいと思っているの。でも、実際にスタジオに入ってみるまでどうなるのかわからない。 ――また、新しいJapanese Breakfastの側面を見ることができそうですね！今から楽しみにしています。 多分私は、以前よりも自信に満ち溢れたソングライター・プロデューサーになったから、もっと鮮やかで堂々とした作品を作るために、自分の背中を押してあげられると思う。だから、アップビートでフェスっぽいものをできれば作りたいね。全曲フェス！みたいな（笑）。