7月24日（金）、25日（土）、26日（日）に新潟県湯沢町・苗場スキー場で開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL ’26＞（以下、フジロック）。そのキックオフイベントとなる＜SMASH Go Round FUJI ROCK NIGHTS 2026＞。昨年も大好評だった本イベントが4月3日（金）にSHIBUYA CLUB QUATTROで開催された。フジロックを身近に感じられる催しと一夜限りのスペシャルライブで、今年も渋谷が大いに盛り上がった。

17時より無料開放された4Fエリア。1997年から現在までの歴代ポスターや多彩なアートワーク、貴重なライブ写真がずらっと展示され、置かれているブックレットを夢中で読むお客さんや、過去のポスターやライブ写真を見ながら歓談するお客さんなど、フジロックの歩みを振り返るこの空間は、多くの方で賑わった。

さらに、ところ天国名物「玉子サンド」と、iichikoによる特製「いい茶こ」の販売など、フジロックならではのフード＆ドリンクも登場。大人だけでなく子供にも大好評だったのは、1回100円で挑戦でき、フジロックの森ステッカーや定価500円〜5600円のグッズが当たる「フジロックの森 ハズレなしガチャ！」だ。THERMOS（サーモス）とのコラボボトルなど豪華賞品に大人も子供も大興奮。終演後には、置かれたカゴが空のカプセルで埋まるほどの人気ぶりであった。 今年のフジロックのチケットやオフィシャルグッズの対面販売、オフィシャルツアー相談所では、客とスタッフのコミュニケーションの場となり、わからないことを聞いたり悩みを相談したりする人々で賑わいを見せた。

5Fエリアでは、2026年のフジロックを盛り上げる2組のアーティストとDJによるスペシャルライブが開催された。

リトル・リチャードの有名曲カバー“Good Golly Miss Molly”からスタートしたライブで、フロアのボルテージは一気に加速した。踊るような鍵盤の音色とトランペットのアクセントが軽快で、オールディーズにそれほど詳しくない人も思わず身体を揺らしてしまうほどである。“Whole Lotta Rosie”や“Sympathy For The Devil”など、往年の人気ロック曲を披露するタニーのシャウトは力強く心地よい。

歪んだギターが鳴り響くと、フロアの空気は一変する。ヤマジにメインボーカルが移り変わった“I Wanna Be Your Dog”は、ザ・ストゥージズの原曲よりもはるかにハードロック寄りで、もはやヘヴィメタルのようなアレンジであった。ヘッドバンギングを繰り返し、メロイックサインを掲げるオーディエンスの姿も見られた。

ここで、ゲストの浅井健一が登場。「久しぶりにフジロックに呼んでもらえて嬉しいです。ありがとう」と語り披露した楽曲は、JUDEで知られる“シルベット”。アコースティックな演奏と浅井の歌声からは、澄んだ青空がイメージされ、苗場で聴く光景を想起させるものであった。 続いて披露されたのは、BLANKEY JET CITYの名曲“DERRINGER”と“ガソリンの揺れかた”。浅井の独特なワードセンスとウッドベースの音が光る“DERRINGER”、そして2000年のフジロックでも披露された“ガソリンの揺れかた”。開演前から多くのブランキーファンの姿が見られたが、どちらの楽曲でもフロアは大きな熱狂に包まれていた。

「Thank you everyone!!!」 多くを語らずとも、その一言だけで場を圧倒する。ロックミュージシャンの放つ輝きを見せつけ、ステージを後にした。 なお、この日は『じゃんけん大会』も開催され、優勝者にはメンバー全員と浅井のサインが入ったTシャツがプレゼントされた。ハードボイルドな風貌とは裏腹に、遊び心と和やかな雰囲気も苗場音楽突撃隊の魅力である。

ゆるやかな雰囲気でスタートしたネバヤンの1曲目は“らりらりん”。 “らりらりらりらら”のパートでは、手を振りながらオーディエンスもシンガロングし、会場に一体感が生まれた。“気持ちいい風が吹いたんです”では、今の季節を象徴するような穏やかな空気が広がる。 キャップにスタジャンを纏った安部（Vo／Gt）はゆらゆらと踊りながら観客を煽り、フロアを温めていく。今年に入ってから初めてのライブだという彼らは終始ご機嫌な様子で、時折トリプルギターの音圧を炸裂させた。安部愛を叫ぶファンの声に対して「打ち上げ花火みたい」と応える場面もあり、会場は和やかなムードに包まれていた。

フジロックのロゴがあしらわれたフラッグを「速い車のレース（F1）の旗」とメンバーが盛り上がる場面では、笑いが巻き起こるなど、終始リラックスした空気の中でライブは進行。 “こころのままに”では一転して静寂へ。ノスタルジックでサニーデイ・サービスを彷彿とさせる同曲は、まるで静かな夜の海を眺めているかのような余韻を残した。

ラストは“明るい未来”、“夏のドキドキ”で心地よいグルーヴのまま終演……かと思いきや、鳴りやまないアンコールに応え“帰ろう”をサプライズ披露。あたたかい拍手に包まれながらステージは幕を閉じた。

実験音楽とダンスミュージックのはざまを開拓するプレイを得意とするDJ POKASKAが、シンセサイザーを用いた豊かな音色で、ライブのスタート前や転換時間、終演後の空間を彩った。時にはフロアをほどよくクールダウンさせ、時にはお酒片手に踊れるエレクトロニック・ダンスミュージックを披露するなど、その場のオーディエンスを大いに盛り上げた。

ジャンルレスな音楽やアクティビティ、美味しいグルメが楽しめる、フジロックの空気感が凝縮された＜FUJI ROCK NIGHTS＞。和やかなムードで幕を締め、7月に向けての華々しい幕開けとなった。

Text by Yuika Yamazaki Photo by Kosuke Kobayasi Edit by Qetic編集部

フジロックの記憶は単なる音楽体験ではなく、音・ビジュアル・ライフスタイルが交差する場として、時代の痕跡が同居している。PARCO MUSEUM TOKYOで2025年12月26日から2026年1月12日にかけて、フジロックのオフィシャルショップ＜岩盤/GAN-BAN＞の25周年を記念して開催される『TIME CAPSULE 2025 : A FUJI ROCK Odyssey -時空を超えるフジロック展-』は、その記憶をアートの文脈で再構築し、来場者の既視感と共感を呼び起こす場となるだろう。

この展覧会はディレクションを担うキュレーター・半田淳也の視点により、来場者自身の感覚を刺激する“時と記憶の空間”として設計されている。遡ると半田淳也は、N.HOOLYWOOD 在籍時の2007年にフジロック・コレクションの制作依頼を受け、独立後の2017年からもGAN-BANのショップデザインやフジロックのグッズデザインなどを数多く手掛けている。展覧会のロゴは、NASAのボイジャー探査機に搭載されたゴールデンレコードがインスピレーションの元。音声波形と映像データを象徴するふたつのカプセルは、観る者を「夏の回想」と「音の宇宙」の旅へと誘う。

展示の始まりは〈記憶への入口〉。初代GAN-BAN NIGHTのVJで映像監督の関和亮による作品が、来場者を迎え入れる。印象的な光と影の反復とともに映し出されるフジロックの映像は、記憶の奥底へと沈み込むような感覚を与え、観客の身体は共鳴する余白が生まれる。関和亮は、音楽と映像の融合をひとつの芸術形式として昇華してきた映像作家だ。彼の映像はフジロックという野外フェスティバルの体験を、身体的記憶から普遍的なヴィジュアルへと転換する力を持っている。 その映像が流れる向かいの壁には、2017年のポスターからフジロックに関わり始め、直近では2025年のキービジュアルも手掛けるデザイナー＆アーティスト・渡辺明日香の作品が大胆に描かれている。それらの作品を見た時点で、渋谷にいながらも“夏への扉”はゆっくりと開いていった。

展示の中心となる＜タイムカプセル＞は、観る者の探究心を刺激する空間だ。過去へと遡る旅を示すかのように電車を模した導線が空間を貫き、歴代フジロックのビジュアルをプリントした232枚のTシャツ（非売品）や、膨大なオフィシャルグッズが無造作に配置されている。来場者はそこに散りばめられた展示物をじっくりと探索しながら、記憶の断片をひとつずつ紐解いていく。 このセクションを担当する美術作家・松本千広による乱雑なモノの配置は、いわゆる一般的な展覧会の形式からは逸脱し、空間全体を1枚のコラージュとして捉えていたように感じる。同時に、この空間の世界観は観る者の内的時間を刺激し、それぞれの記憶と現在を同時に立ち上げる装置としても機能していた。

＜タイムカプセル＞に関しては、とりわけ生で見た方がいい。ベンチにもたれかかる人、落ちたリストバンド、フジロック記事の切り抜き、色褪せたオフィシャルグッズなど、いくつかのキーワードだけを残そう。この空間には、あの夏の“わたし”や“あなた”が確かに存在しているはずだ。

展示空間では、GAN-BAN NIGHTを象徴するDJ・プロデューサー・ミュージシャンのSUGIURUMNが音響演出を担当し、音と記憶が交差する展示体験に重要な役割を担う。そして彼がメンバーであるTHE ALEXXの新曲“Beautiful Surrender”は、この展覧会のテーマソングとして制作された。ちなみに会場内で流れている音には、2025年のフジロック会場で収録した音が含まれているという。聞き当てるのはなかなかの無理難題だが、ぜひあなたの記憶と耳を頼りに探してほしい。

最後の展示ゾーン＜現在、そして未来へ＞では、GAN-BANの初代店長であり現代美術家のShohei Takasakiによる、大胆なキャンバスコラージュ作品が眼前に広がる。過去のフライヤーやTシャツを重層的に取り込むことで、GAN-BANの歴史をひとつの絵画として表現していた。

そしてその向かいには、本展覧会のティザーを制作したグラフィックデザイナー・Kamikeneによる音波のインスタレーション作品が配置。形態と音響の関係性をアナログなギミックで探る作品は、不思議なほどに親和性を持っている。

展示の最後は、ビデオチーム・最後の手段による映像作品。現代のフジロックから未来へと視線を向ける効果を果たしており、音楽史と未来志向が同時に立ち上がる空間として巧みに設計されていた。そして、2025年のORANGE ECHOで木工ステージを制作したZERO ACTION ARCHITECTによるオブジェとともに、オリジナルグッズが並ぶミュージアムショップへ。ここではBLANKEY JET CITYやTHEE MICHELLE GUN ELEPHANTの限定Tシャツや、2018年から2025年までのフジロックコレクションなどが販売され、物販空間自体が展示作品として機能していた。

ミュージアムショップを巡り終えた先には、「フジロック・オフィシャルショップ岩盤/GAN-BANはみんなの夢を叶えます。」というメッセージが掲げられていた。それはフジロックにまつわる夢を書き込むことで応募できる企画であり、その想いに応える形で特別な何かが用意されているという。展示の余韻を胸に夢や想いを書き残してみるのも、この空間ならではの楽しみ方だ。 『時空を超えるフジロック展-』は単なる懐古的展示ではなく、映像・音響・グラフィック・空間デザインなど多様な表現が不思議な共存を果たし、観る者の身体感覚を刺激する場として存在していた。そしてその“実験性”や“遊び心”こそ、GAN-BANがGAN-BANたる所以なのかもしれない。

25年にわたってGAN-BANが築き上げてきた“音の磁場”は、渋谷の地で新しい形として再演された。来場者はこの展覧会を通して時空を越え、その先の未来、そう来年の苗場で会おう。

Text by ラスカル （NaNo.works） Photo by SOUTARO SHIMIZU

SISの皆さんにとっては今更かもしれませんが、Schottの印象を改めて教えてください。

TxBONE：Schottは革ジャンの最たるブランドの一つというか、昔から憧れがあって。最初に買ったのは18歳、近所の古着屋で売ってた革ジャンだったかな。肩にスタッズを打って、今も大事にしています。そんな大好きなアイテムに囲まれて演奏する機会をいただけて光栄です。

UJI：僕もずっと大好きで、普段からバンバン着てます。

沢庵：憧れてたけど、辿り着けない時間が長くて。でもメルトンウールのアイテムとかピーコートを背伸びして買ったりしてたんです。どれも最高でしたね。着てると強くなった気になれるというか、マッドマックスみたいな気持ちになれます（笑）。

TAKAYA：僕はこれまで着たことはなかったんですけど、新しい季節に合うというか。やっぱり、すごくかっこいいですよね。

匠：僕もレザージャケットは持ってないんですけど、機会があればライブとかでも着てみたいですね。それと、すごく暖かいです。

今回演奏を収録した「Schott Grand Store TOKYO」の印象はいかがでしたか？

TxBONE：めちゃくちゃ楽しかったです。こんな革ジャンに囲まれてバンド演奏できるなんて幸せです（笑）。とにかくこの空間がカッコいい。

バンドの中でも、特にTxBONEさんはブランドとも長い付き合いがあるとお聞きしました。

TxBONE：長いですね。あるブランドで働いていたときに、明治通り沿いにあるSchottの店舗が近くて。休憩時間になるたびに、そこで働いてた友達のとこに行ってアイテムに袖を通してみたり。彼は辞めちゃったんですけど、その他にも色々な友達ができて、今でも縁があります。

昨年は大阪で開催されたブランドの110周年イベントにも出演されてましたよね？

TxBONE：それも一緒にイベントを開催してた大阪のセレクトショップ「AMERICAN WANNABE」との繋がりのおかげで。関西の大親友が働いていて、そこからSchottさんとの関わりもより深まりましたね。東京とか福岡とか、色んなとこから友達が遊びに来てくれて。同窓会みたいな（笑）。

沢庵：すごく温かいイベントでしたね。

レザーアイテムの中でも、Schottならではの魅力は何ですか？

UJI：やっぱりワンスターじゃないですかね。

TxBONE：往年のロックスターが着ててね。ラモーンズとかセックス・ピストルズとか、あとBLANKEY JET CITYが裸で着てたりとか。

UJI：ロカビリー／サイコビリーのミュージシャンも着てたりしますよね。エルヴィスも羽織ってたイメージです。

沢庵：あと、Schottってランドセル作ってますよね？

TxBONE：マジ！？　欲しい！

沢庵：めちゃくちゃカッコイイんですよ。しかも黒1色の展開で、モデルとしては男の子が使われているけど、女の子も全然使えるというか。女性もレザージャケットとか全然着るじゃないですか、それに近い雰囲気というか。すごいアツい展開だなって思いました、甥っ子に買ってあげたい（笑）。

普段からチェックしてるんですね。Schottのアイテムはどんなシーンで着ることが多いですか？

TxBONE：俺はライブの時に着てます。あと、今は壊れちゃったけど、バイク乗ってる時にも着てましたね。

UJI：僕は今もバイクに乗ってるので、その時に着てます。それ以外にも普段着で使ってて、どんどん自分らしくなっていくのを楽しんだりしてます。やっぱり着込むと革の味が出るというか。あと、スウェードのアイテムも持ってて。それも育てるとカッコいいんですよ。

TxBONE：元々は生き物だからね。汚れると、また一段とカッコいいんだよね。

UJI：そうそう。汚れた方がむしろ良いっていうか。あえて汚れたい（笑）。

まだアイテムをお持ちでないTAKAYAさんと匠さんはどのようなシーンで着てみたいですか？

TAKAYA：今日みたいにスニーカーと合わせても馴染みますし、ちょっと柔らかくしたらライブでも着てみたいですね。

沢庵：セクシーだね、アイリッシュ・パブって感じ（笑）。

匠：僕もライブで着てみたいっていうか、とにかく暖かくてビックリしてます（笑）。

TxBONE：いいね、似合ってる。

ここからは最近のバンドの活動についても伺いたいです。SISは今年UJIさんと匠さんが正式にメンバーとして加入し、新体制としてライブとリリースを重ねています。まず、どのような経緯で加入したのでしょうか？

TxBONE：SISは俺と沢庵の2人から始まって、その後にTAKAYAが加入してくれたんです。その頃は1ボーカル1MCにカホン、みたいなアコースティックセットがベースで。それからTAKAYAが「ドラムを叩きたい」ってことでバンドセットになって、それがしっくりくるようになったんです。その流れで曲をレコーディングして世に出すって過程で、今日の演奏のサポートにも入ってくれてる大夢にも手伝ってもらったら、「小さな枠の中に囚われる必要はないんだな」って気づいて。それで近い関係の2人に正式に入ってもらったんです。

2人ともずっと近い関係なんです。匠は地元の後輩で、沢庵と3人でバンドをやっていたこともあったし、UJIとは同い年の友達で共通の知り合いも多くて。その縁で今年から正式に新体制として活動しています。

新体制になってからは立て続けにシングルをリリースしています。これまでの制作と新たなメンバーが加わってからの制作で違いを感じることはありますか？

沢庵：僕がアイデアをまとめて、メンバーに投げるのが基本的な流れです。自分の頭の中で鳴ってる音を出す時に、TxBONEに投げて歌詞とメロディを組んだり、TAKAYAがドラムで合わせてくれるのが楽曲の骨組みになっていて。

TxBONE：そこに新しい2人も絡んでくれて。UJIも曲の卵を持ってきてくれたり、匠は「Hagoromo Beats」という名義でビートメイカーとしても活動しているので、MPCを使って参加してくれたり。こんなフォークバンドって、いなくないですか？

TxBONE：色々な才能が集まったオルタナティブなフォークバンドになれば、フロンティアとして世の中に提示できると思うんで。次に出すシングルも、フォークでありながらダンスチューンっていう新しさがあるんで、ぜひ聴いてほしいですね。

今回演奏していただいた曲についても教えてください。まずは“ケレモ”、SISが3人体制の時から演奏している代表曲ですよね。

TxBONE：フックの「ケレモ」は「Kill 'Em All」、つまり“皆殺し”って意味で。それで沢庵のヤバいラップに合わせてもらったら、リリックがめちゃくちゃ怒ってて。

沢庵：すごい怒ってますよね。

沢庵：「Kill 'Em All」ってメタリカのアルバムのタイトルなんですよ。凄い怒ってるし、その怒ってることにも限界がある感じがあって。その時のTxBONEは酔っ払った時に「ケレモ！」って叫んだりしてましたね（笑）。

TxBONE：はじめてANARCHYさんとお会いしてから、結構な時間が経ってたんですよ。すぐに意気投合して、2人でたくさん遊んだりしながら「いつか曲作りましょうね」って話してて。そしたら、ある時急に「TxBONE、そろそろやろか」って言われて。それで“ケレモ”のリミックスをお願いしたんです。ヴァースを録ってる時にも立ち会わせていただいたんですけど、鳥肌全開でしたね。

今回もう一曲披露していただいた“腐る”は、新体制になってからのリリース第一弾ですよね。

沢庵：楽曲自体は新メンバーの加入前、コロナに突入した時期に書いたんです。僕らのホームで、TAKAYAが店長を務めていた、浅草のゴールデンタイガーっていうライブハウスがあったんです。パンデミックの時期に、その他多くのベニューや飲食店と同様にゴールデンタイガーも営業停止を迫られて、結局無くなってしまったんです。それでバンドの活動も止まってしまった時に……やっぱりイライラしてたんでしょうね、何とか曲にして昇華しないとやってられない状況になって作りました。

初の5人でのレコーディングはいかがでしたか？

UJI：実は“ケレモ”のMVに友情出演していて、ずっとバンドには関わっていたんです。それでついに一緒にレコーディングすることになったので、不思議な感覚で面白かったですね。

匠：僕もお客さんとして遊びに行ってた時期が結構長かったので、実際に曲を作って参加してるって実感が沸いた時は嬉しかったですね。

TxBONE：新しい風がバンドに吹いてきてくれてるというか、今日もサポートで参加してくれている大夢とRyochiくんの他にもベーシストのyoudogがいたり、最近は照明を担当してくれる仲間が新たに加わってくれたりして、どんどん輪が広まっています。なので今日みたいなセットをはじめ、色んなスタイルにどんどんトライしていきたいですね。

既にリリースの予定などは決まっているんですか？

TxBONE：いまは5作連続リリースの真っ只中で、その後には完全自主制作のフルアルバムが出る予定です。そこからリミックスをリリースする予定で、制作も進めています。3年間貯めてたので、ようやくみなさんに届けられるって感じですね。

TAKAYA：曲の卵もどんどん出来てるし、できれば来年の終わりくらいにはEPをまた出したいですね。

沢庵：本当にバラバラな人間が集まってるんです。だからこそ普遍的な、誰にでも届きそうな曲を作ろうっていうマインドセットになるというか。

TxBONE：俺らも好きだし、みんなも歌えるような曲を育てていければね。

UJI：革ジャンと一緒ですね！（笑）

ありがとうございます（笑）。では最後に、本日演奏いただいた「Schott Grand Store TOKYO」に訪れるSchottファン、SISファンの方々へ一言お願いします！

TxBONE：本当にカッコいいレザーアイテムがたくさんあるので、期待を膨らませて、札束握り締めて（笑）来てください！

シンガーソングライターのさらさが、昨年12月にリリースしたファーストアルバム『Inner Ocean』が話題を集めている。「ブルージーに生きろ」をテーマに、自身の悲しみや孤独、生きづらさを赤裸々に綴った歌詞と、スモーキーかつ包み込むような優しさを帯びた歌声は、コロナ禍で生活が一変してしまった私たちの心にそっと寄り添うかのよう。

ヒップホップやR&B、ジャズ、シティポップなど様々な音楽を取り込みながら、音数を絞り込んだシンプルなサウンドプロダクションには、彼女の一貫した美学や哲学が感じられる。

高校時代はセッションボーカリストになることを目指し、横浜のライブハウスで開催されていたジャムセッションに通い詰めていたというさらさ。今回Qeticでは、そのジャムセッションで準レギュラーを務めていたKing Gnuのベーシスト・新井和輝との対談を敢行。当時のエピソードを振り返りつつ、アルバム『Inner Ocean』の聴きどころについてなどじっくりと語り合ってもらった。

━━お二人が出会ったのは、横浜・関内にあるライブハウスでのセッションだったそうですね。

さらさ　はい。私が高校生の時に入った軽音楽部が、いわゆる「ジャムセッション」を定期的にやっていて。そのうち「部活以外のジャムセッションにも参加してみたいな」と思うようになって、高三の時に初めて行ったのが＜Battle of Study＞という、関内のライブハウス「KAMOME」で月に2回開催されていたセッションだったんです。主催は元SOIL & "PIMP" SESSIONS（以下、SOIL）の元晴さんで、新井さんもホストとして参加していたんですよね。

新井　そうなんです。僕と、後にKing Gnuのドラマーになる勢喜遊も元さん（元晴）に誘ってもらって準レギュラーみたいな感じで出ていたんです。そこにはSOILのみどりんさん（ドラム）や秋田ゴールドマンさん（ベース）もいたし、他にもPOLYPLUS / Calmeraのつーじーさん（サックス）やEMPTY KRAFTの永田こーせーさん（サックス）、それからSWING-Oさん（キーボード）も時々加わっていて。

毎回、元さんがお題を決めるんです。例えば今回は「ディアンジェロ」がテーマとか、「ビートルズ」がテーマとか。そのことについて掘り下げていくから＜Battle of Study＞というタイトルが付いていて。毎回その日のMVPを決めて賞金も渡していた。最近さらさちゃんと再会した時、「そういえばボーカルでMVPをもらっていた高校生の女の子、いたかも……」っておぼろげながら思い出したんですよ（笑）。当時は僕たちもセッションについていくのに必死すぎて、あんまり人のことを気にしている場合じゃなかったんです。だから、さらさちゃんに言われるまで、その時のことを全く覚えてなかった。

さらさ　そんな必死だったなんて全然わからなかったです（笑）。私からしたら、ライブハウスの扉を開けるのすら怖かったくらい。友人と「KAMOME」の前まで行って、「どうしよう、帰ろっか……」「でも、ここまで来たんだし」みたいなやりとりをしていました。

新井　＜Battle of Study＞、怖かったよね？（笑）　ホストの人数もやたら多いしさ。あそこまでしっかりしたセッション、他にあまりないと思う。オーディエンスも楽しめるような工夫もしっかりしていたしね。そういう、オーガナイザーとしての手腕が元さんにはある。めちゃめちゃ偏った内容ではあったけど（笑）。

次に会ったのは、『PERIMETRON HUB』というinterfmで放送しているラジオ番組。メインパーソナリティは「PERIMETRON」のクリエイター佐々木集と神戸雄平で、たまたまその番組の収録現場に遊びに行ったらゲスト出演することになって（笑）。僕の収録の後に来たのが、さらさちゃんだったんだよね。で、「実は＜Battle of Study＞の時に……」って話をされて「ええー！！」って（笑）。

さらさ　そのあと、新井さんの番組（『SPARK』J-WAVE）でも私の“ネイルの島”という曲をかけてくださったんですよね。

新井　そうそう。（佐々木）集が「すげえいい感じだよ、聴いてみてよ」という感じでさらさちゃんのことを推してくれたのもあって、聴いたらすごく良くて。すでにアーティスト像みたいなものが固まっていて、サウンドも然りで。これは是非ともかけたいなと。

さらさ　ありがとうございます。実は、＜Battle of Study＞でMVPをいただいたあと、いろんなセッションに顔を出していたんですよ。でも、元さんに紹介してもらったセッションはどこもストイックで厳しくて。1年頑張ってみたけど心折れてしまって……（笑）。「音楽聴くの、楽しくないかもしれない」と思ってしまい、一度は音楽活動を辞めていたんです。

新井　そうだったんだ。

さらさ　でも1年くらい歌わずにいたら、やっぱり歌いたくなってきちゃって（笑）。とはいえ、セッションは自分には向いていないから、他のことをやろうと思って作った最初の曲が“ネイルの島”でした。

新井　それはすごいね。

さらさ　一度挫折しているのもあって、「もう誰にどう思われてもいいや」「誰にも評価されなくてもいい」みたいな気持ちが強かったし、実際にそういうことを歌った詞なんです。でも、あきらめたり手放したりする方が、実は届きたいところに届くこともあるんだなと、この曲のおかげで気づくことができました。あの時の経験があって本当に良かったなと今では思っています。

━━お話を聞いていると、セッションはスキルを磨く場所でもあり、ミュージシャン同士の交流を深める場所でもあるのですね。

新井　そう思います。特に元さんは、人を惹きつける「引力」みたいなものを持っているんですよ。それこそ僕と（常田）大希を引き合わせてくれたのも元さんですし。さらさちゃんのバックを務めているメンバーにも、どこかのセッションで知り合いになった人が多い。

━━新井さんは、これまでの音楽活動で壁に当たったり、挫折のようなものを味わったりしたことってありましたか？

新井　壁はもう常にありますよ。僕には師匠が二人いて（日野賢二、河上修）、そこでかなり厳しく鍛えられていたので「行きたくねえなあ」と思ったことも何度もありました。ただ、「辞めよう」と思ったことはなかったかな。ただ思い返してみると、ここがターニングポイントだったなと思う時はいくつかありました。それこそさらさちゃんみたいに「KAMOME」の前まで来て、入るか入らないか迷った末に飛び込んだ、みたいなことは僕も何度かあるんですよ。

さらさ　それはいつですか？

新井　ひとつは高一の時。地元にあるライブハウスに遊びに行ったら、そこでPAをやっていた先輩に「出てみる？」と言われてセッションに飛び入りで参加したんですよ。それは自分にとって、大きなターニングポイントだったと思う。あとは、高校2年のタイミングで日野さんの弟子になった時も、大学卒業が決まってすぐ河上さんのところで住み込み修行をした時もそう。バンドを組む時もそうだな。飛び込むかどうしようか、基本的に迷ったら飛び込む道を選んできたからこそ、今があるんだなと思う。

━━岐路に立った時に、とにかく一歩踏み出すことが大事だと。

新井　そう思います。セッションって、基本怖いですから。

さらさ　怖いですよね！？（笑）　セッションより怖い瞬間って、シンガーソングライターになってから経験したことがないくらい。

新井　さらさちゃんの音楽の原体験というと？

さらさ　私は物心つく前からフラダンスをやっていて、母親が先生だからいまだに続いているんですよ。3歳で初舞台を踏んだのですが、小学校1年生から高校1年生まではストリートダンスを習っていました。R&Bとの出会いはそこなんですよね、パティ・ラベル（Patti LaBelle）などに出会って「やばい！」と思ったりして。それと、ディズニーチャンネルでミュージカル映画を見るのが子供の頃から大好きで、自分でもやりたくなって小学校の頃は劇団に入って子役もやっていたんです。

新井　へえ！

さらさ　2018年くらいに一度舞台に出て「やっぱり違う」ってなって。そこで完全に辞めちゃったんですけど、歌ったり踊ったりするのはずっと好きなんですよね。今につながるような音楽活動を本格的にやり始めたのは、最初に話したように高校で軽音部に入ってからです。

新井　でも、高校の部活でセッションに重きを置いているのって珍しいよね。普通、軽音部というといわゆる「コピバン」が中心だと思うけど。

さらさ　顧問がベーシストで、セッションミュージシャンみたいなこともやっていたらしいんです。だから活動内容も本当に独特で。ディープ・パープル（Deep Purple）の曲だけ1日中やったり、「今日はジャズ祭りだ」みたいな日もあったり。部活で選抜されたバンドを結成し、それで校外の催し物にも出ていたんです。それこそシーナ＆ロケッツやBLANKEY JET CITYをやることもあって。昔の音楽にどんどんハマっていったのは、そういう環境で過ごしたのが大きいかもしれないです。

新井　「ONE OK ROCKやりたい！」と思って入部した人とか、それで1日中ディープ・パープルやらされていたらキツいよね？（笑）

さらさ　そう、入部して最初の夏に「ディープ・パープル祭り」があるので、そこで半分以上辞めていくんです（笑）。まだ何も分からない高校生たちが、あっつい部室に押し込められて“Smoke On The Water”のリフとか弾かされるんですよ？

新井　あははは。ふるいにかけられて、残った精鋭たちで構成されているんだね。

さらさ　すごいですよ。PAも自分たちでやるし、配線から何から叩き込まれる。ストップウォッチ片手に、「何分でセッティングできるか？」を競わされたりして。モタモタしてると「お前、おせえぞ！」って怒鳴られるし……もう昭和のスポ根なんですよ（笑）。そこで学んでいれば、音楽の趣味がどんどん偏ってくるのも当然というか。でも先生はみんなに慕われてるんですよね。今もたまに連絡を取るんですけど、そうすると喜んでくれます。不思議な部活でした。

━━では、昨年11月にリリースされたアルバム『Inner Ocean』についてもお聞かせください。本作は、「これまで以上に内省的な作品になった」と様々なインタビューやインスタライブなどでも語っており、実際サウンド面でもトラックや弾き語りなど様々なアプローチを行う多彩な内容となりました。リリースから2ヶ月が経ちますが、手応えはいかがですか？

さらさ　これはアルバムを出してみて初めて味わった感覚というか、そんなつもりで作り始めたわけじゃなかったけど、「確実に一つの区切りになったな」と思います。自分たちはサブスク世代と言われるように、あまりCDで聴くことをしないんですけど、それでも「アルバム」として作品を世に出すのはすごく大事なことだなと実感しました。聴いてくださる方も、すごく増えましたしね。

━━新井さんは本作を聴いて、どんな感想を持ちましたか？

新井　さっき話したように、僕は“ネイルの島”を聴いた時から「彼女はアーティストとしての軸がしっかりあるな」と思っていて。きっと彼女の中で「これは『あり』で、これは『ない』」みたいな基準がちゃんとあるんだろうなと。だからこそ、いろんなチャレンジに挑戦していても、一貫したものが流れているのだなと今作を聴いたときにも感じました。前回のEPには入っていなかった要素も今回は入っていて、それもすごく新鮮でしたね。本筋の幹の部分は変に捩れたり捻れたりせず、そのまま真っ直ぐに大きく成長しているなと。

それって今まで聴いてきてきた音楽の中から、自分が感動するポイントを抜き出し積み上げてないと出来ないと思うんですよ。例えば、「自分よりも偉いプロデューサーがこう言ってるのだから、まあいいかな」みたいに判断してしまうアーティストってきっといると思うんです。例えば、自分のやりたいことを達成するための「手段」としてプロデューサーを起用するのではなく、そのプロデューサーと一緒に作ることが「目的」になってしまうと、往々にしてそうなりがち。

でも、彼女の場合はおそらくそうはならないと、作品を聴いていてもわかる。理論など専門知識がなかったとしても、感覚として「これはいい、これは違う」を判断できる人だと思うんですよね。そうじゃないと、こういう作品にはならないんじゃないかなあ。

さらさ　嬉しいです。おっしゃるように、「アーティストとして何を大事にしているのか？」はブレないように気をつけていますね。「こういう曲を作りたい」というのがまずあって、「だったら、どんな人に（プロデュースなどを）お願いしたら理解してもらえるかな？」というところを大切にしているというか。しかも、最終的な判断は自分で行うようにしているんです。

それに、「なるべく音数を増やさない」ということを今回も意識しました。トラックを「引き算」で作っていくというか。バンドでレコーディングするときも、まずは「盛り盛り」で演奏していただいて、ミックスの段階で私とマネージャーでどんどん引き算していくんです。

━━それってある意味「リミックス的な発想」といいますか、トラックメイキングに近いものがありますよね。

さらさ　確かに。なのでバンドでもトラックでも、最終的に出来上がった音像は似たものになりました。例えばアルバムのリード曲“太陽が昇るまで”は、最初トラックが送られてきたときイントロだけに入っていたギターリフがすごく良かったので、それをサビにも入れてもらいつつ、もともとあった弾き語り音源のサビのメロディを書き換え、リフが主役になるような曲にブラッシュアップしています。

━━歌詞にはコロナ禍で考えていたことも反映されていますか？

さらさ　私はデビューしたのがコロナ禍だったので、思うようにライブもできず前に進んでいけない感覚がずっとあったんですよ。ファンの方にお会いすることもないし「なんだかなあ」って。基本的に私は、ライブでお客さんに歌を聞いてもらうためだけに曲を書いていたタイプなので、別に曲作りそのものが好きなわけでもないんですよ（笑）。コロナ禍では目的を失い、現状が変わらないことへの焦りから生まれたのが“午後の光”で。

今までももちろん、ネガティブな気持ちにとらわれたことはあったんですけど、常に俯瞰で見る第三者的な視点があったからこそ“ネイルの島”のような曲が書けたんです。でも、本当に落ち込んでいる時って、そういう多面的な視点が持てなくなるのだなということを痛感しました。それで、今まで人には見せたくなかったようなエネルギーの強さ、激しさ、孤独とか、そういうぐちゃっとしたものを出さざるを得なくなって。

こういう“午後の光”みたいな曲が、人にどう伝わるのかはちょっと怖くもあったんですけど、逆にそういう曲の方が人と繋がれることもあるのだなと実感しました。アルバムを通していろいろな繋がり方ができたし、これからの人生でもっといろんなことを経験すれば、もっと繋がり方が増えていくんじゃないかと思っていますね。

新井　例えばアルバム冒頭曲“朝”みたいに、サビでは《いい感じでいたい》とリフレインしているだけ、みたいな（笑）。そういうシンプルな歌詞も僕は好きですね。もともと洋楽をずっと聴いてきた人間なので、歌詞の意味よりも語感の心地良さみたいなところに惹かれることが多くて。あまり説明的で周りくどい表現よりも、余地や余白が残されている表現の方が好きなんですよ。

そうじゃないと、作品としてあまりにも一方通行すぎるというか、作り手と受け手の間のコミュニケーションが生まれにくいんじゃないかと思うんです。今さらさちゃんが、このアルバムについて「人といろいろな繋がり方ができる」と言ったけど、それはやっぱりサウンドだけでなく歌詞の中に、受け手の想像力を投影する余白がちゃんとあるからじゃないかなと。

さらさ　おっしゃる通り、余白はすごく大事にしていますね。最初のMVは自分で監督しているのですが、とにかく「画角で余白を出したい」と思ったのも、見たものや感じたことを、なるべく抽象的に捉えたいからなんです。

例えば「悲しい」という感情を、ただそのまま「悲しい」というのではなくて、色や音で表した方が、聞いてくださった人の想像力に委ねられるんじゃないかって。もちろん、その方が自分自身にとって楽しいからやっているだけですけどね（笑）。結果的に受け取る人によって、歌詞の意味が変わっているのがすごく面白い。「この曲って、こういう意味なんですか？」と聞かれたときに「そんなこと、考えもしなかった！」ってなるのが楽しいんですよ（笑）。「さらさの曲を聴いていると、5年前のあの景色を思い出すんだよね」みたいに言ってもらえたら最高だなって。

━━新井さんは、今後のさらささんにどんなことを期待しますか？

「みんなが思っているKing Gnuってこうだよね？」みたいな理想の姿が、本来の僕たちと乖離していくというか。特にメディアに出過ぎていた頃は大変でしたね。程よく人前に出るのはいいんですよ。作品や自分について話すことでより思考が深まっていく感覚もありますし。でもテレビや雑誌に出まくっていた時は、なんかパラレルワールドみたいになっちゃって、自分がどこにいるのかさえ分からなくなってくるんです。 さらさ　へえ！ 新井　ずっと同じところにいるような錯覚に陥っちゃったというか。基本的に音楽にはずっと正直でいられたから、そこでストレスがなかったからよかったのかなと思いますけどね。もしそこでもストレスを溜めるというか、変に期待に応えようとしていたら、もっと大変なことになっていたかもしれない。だからさらさちゃんにも、「音楽」が常に「自分の戻る場所」であるようにしていてほしい。 さらさ　確かに音楽を始めたばかりの頃は、「あ、これがやりたい」「こんな曲を作りたい」みたいに自分の欲求にダイレクトだったんですけど、仕事になるとクリエイティブ以外のところでも考えなきゃいけないことも増えてくるじゃないですか。もちろん、気持ちも環境も続けていけば変わっていくのは当然なんですけど、自分が「いい」と思ったものをこれからも追求していかないと、活動自体が続かなくなってしまうよね、みたいな話はスタッフとよくしていますね。「遊んでなきゃダメだな」って。 新井　King Gnuもさらさちゃんも、きっと真面目なんだよね（笑）。もっとわがままでもいいかも、って。いつもそこは自分に問うようにしています。 さらさ　私も80歳になっても音楽をやっていたいので、そうありたい。今日はファーストアルバムを出したこのタイミングで、新井さんといろいろお話できて本当に良かったです。これからもよろしくお願いします！ 新井　こちらこそ！

──越雲さんは、デビュー前からTHE NOVEMBERSのファンだったそうですね。 越雲　はい。10代の頃、君嶋麻耶さんのブログ（ https://ameblo.jp/asayakimijima/ ）をよく読んでいたのですが、そこにTHE NOVEMBERSが紹介されていて。聴いてみたら「一体これはなんだ？」みたいな衝撃を受けたのがきっかけでした。 それまで自分は、テレビから流れるような音楽しか聴いていなかったんですけど、そこから日本のインディーズや洋楽が好きになって。小林さんがよくブログなどで、海外の音楽を挙げるなどしていたので、それを頼りに掘っていくことが多かったです。 ──お2人は共に栃木・宇都宮市出身で、地元のライブハウス「HEAVEN'S ROCK Utsunomiya」でバイトしていた越雲さんは、そこで小林さんにデモテープを渡したとか。 小林　デモを渡されたこと自体は漠然と覚えていますね。それからしばらくして、当時所属していたUK.PROJECTからpollyが音源を出すというような話を、TRIPLE TIME STUDIOの岩田（純也）さんあたりから聞いていたのかな。それと（木下）理樹さん（ART-SCHOOL）が当時、彼らのことをすごく推していて。それで気になっていたところで、『KINOSHITA NIGHT×首』（ART-SCHOOL、THE NOVEMBERS、polly、Burghが出演したイベント）が開催されることになり、初めてちゃんとライブを観ました。 ──どんな印象を持ちましたか？ 小林　とにかく理樹さんが、彼らのことを気にかけてるというのがよくわかりました。THE NOVEMBERSがART-SCHOOLの直系のフォロワーであることは自分でも自覚していて、そう見ている人も多いと思うんですけど、ことパーソナリティの部分に関しては、僕と理樹さんはかけ離れているというか。そこは、僕がどれだけ彼に影響を受けようが、持っているものが違うんですよ。 ──よくわかります。 小林　その点に関していえば、同じく理樹さんが当時ものすごく推していたきのこ帝国もそうだったと思うんですけど、pollyの場合……主に越雲くんの存在というのは、理樹さんがもっともコアな部分で共感したというか。自分とものすごく近い場所にいる人、と思ったんじゃないですかね。

──『KINOSHITA NIGHT×首』に先駆けて行われた鼎談（ http://mikiki.tokyo.jp/articles/-/11522 ）が、小林さんと越雲さんが初めてちゃんと話をした場だったそうですね。その時の小林さんの印象はどうでしたか？ 越雲　すごく紳士的な人だなと思いました。でも同時に、人を見透かすような目の力があって、「これは迂闊なこと言えない」というか。自分の思っていることをしっかり伝えなければいけないなと思って緊張しましたね。 ──それも分かる気がします（笑）。今回、小林さんがpollyをプロデュースすることになった経緯も教えてもらえますか？ 越雲　前作『Clean Clean Clean』をリリースしたときに、個人的には色んなことがものすごく大きく変化すると思っていたんです。自信作でしたし、周りの評価なども圧倒的に変わるだろうと。でも、いざ蓋を開けてみたら思ったほどのリアクションを得る事ができなくて。見える景色も、自分が期待していたほど変わらなかったことに、とても落ち込んでしまったんです。一時期は、もうバンドを辞めようかなとすら思っていました。そんなときにレーベルのスタッフから、「小林さんと3人でご飯でも食べながら話そうよ」と提案してもらって。

──越雲さんがそんなふうに悩んでいたのを、小林さんは知っていました？ 小林　会話の端々から、自分が音楽を通して世の中で何を成し遂げたいのか、自信を取り戻すにはどうしたらいいのかについて悩んでいるというのは感じました。結局、バンドのことを越雲くんが全て抱え込んでしまっていて、その中で、自分の中にあるルールのようなものを「世の中のすべて」だと思ってしまっている。それって「最強」でもあり「最弱」でもある状態じゃないですか。自己完結できる世界の中で、立ちいかなくなった時の脆弱性がどういうものなのか、僕自身もそういう時期があったのですごくよく分かったんですよね。 ──小林さんも、そういう時期があったのですね。 小林　なので、メンバーでもマネージャーでも誰でもいいから、いったん誰かに委ねてみるのもいいんじゃないかなと。陳腐な喩えですが「自分の殻を破る」というのは、そういうことから始まるんじゃない？　という話はしました。誰かを信頼し、身を委ねてみるということが、自分にも周りにもいい影響を与える。そんなコミュニケーションのあり方を、一度試してみたらどうだろう、と。 僕もpollyの前作はすごく良いと思っていたし、エンジニアの岩田さんはTHE NOVEMBERSの作品でもずっとお世話になっている人だから、僕に手伝えることがあったらなんでも言ってねって。その流れで今回、正式にオファーをいただきました。 ──小林さんは、pollyのプロデュースについて以前から具体的に考えていたのですか？ 小林　いや、僕自身プロデュースってCHARAの『Jewel』しかやったことがなかったんです。しかもそれは、CHARAという強烈な存在を前に、「好きなことをやっていいよ」と言われ、そこにCHARAが乗っかってくれるという、ある種「大喜利的なプロジェクト」だったんですよね。プロデューサーというよりは「アイデアマン」の一人として起用してもらった、力を引き出してもらったというか。 その後は自分の作品に集中したかったので、プロデュースの依頼をいただいても全てお断りしてきたんです。でも今年、自分たちのアルバム『ANGELS』を作り上げたことによって、ようやく「今なら何かやってもいいかな」という気持ちになれたというか。そのタイミングで越雲くんの話を聞いていたら、自分も『Elegance』の頃に同じことで悩んでいたし、何かしら力を貸せるかもしれないと思ったわけです。 ──『Elegance』は土屋昌巳さんがプロデューサーとして参加していましたよね。そのことも影響を及ぼしていますか？ 小林　それはものすごくありました。昌己さんが当時おっしゃってくださったことの意味が、ある程度時間が経ってから分かったり、自分があの時やりたかったことを、昌己さんがこんなふうにトリートメントしてくれたからこそ、時が経っても自分の好きな作品であり続けているのだなと理解できたり。同じように、越雲くんが自分の作品をどんなふうに人に届けたいと思っているのか、それを理解し具現化することが、今の僕ならできるんじゃないかと。

──では実際の制作についてお聞きしていきます。小林さんは、曲決めの段階から関わったのですか？ 小林　そうです。最初にまとまったデモ音源をもらい、そこから随時アップデートされたヴァージョンを聴きつつ越雲くんと2人でスタジオに入って色々アレンジを試しました。 それと同時に、pollyの他のメンバーとスタッフを交えたミーティングをする機会があって、そこで新作に向けての指針やヒントをたくさんもらいました。前のpollyはこうで、今の自分たちのモードはこう、とかとりあえず自由に言葉を投げ合ってもらって。今回の作品を出すことで「pollyの未来がこうなっていったら素敵だな」という話を進めていきました。 ──今回、お2人にインタビューするにあたり、まさしくその部分を聞きたかったんです。つまりバンドのメンバー全員へのケアはどうしたのかなと。pollyは越雲さんがメインソングライターであり、バンドの顔だとは思うのですが、小林さんと越雲さんのやり取りがディープになればなるほど、他のメンバーが取り残されてしまうのではないか、という気もしていて。 小林　おっしゃる通りで、メンバーとのコミュニケーションは大切にしました。僕と越雲くんだけでやり取りしていては思いつかないようなアイデアをメンバーにはたくさん出してもらいました。「（高岩）栄紀くんどう思う？」とか、「須藤（研太）くんはこういうのが得意じゃない？」とか、とにかくアルバム作りに自分たちも関わっていて、アイデアを出し合うことによって、たとえそれが採用されなかったとしても未来が大きく変わっていったことを、ちゃんと実感してもらうというか。大事なのはプロセスだから。 メンバーにとっては、自分たちが関わった大切なモニュメントだと思えなければ、リリースしても「あれは越雲くんが作った作品だから」みたいな気持ちになりかねないですからね。メンバー全員、自信を持って勧められるアルバムにすることも大きな課題の一つでした。 ──サウンド・プロダクションに関しては、資料によれば「和製4AD」というキーワードが上がっていたそうですね。 越雲　はい。個人的にはコクトー・ツインズの“Heaven Or Las Vegas”や、ペイル・セインツの“Flesh Balloon”のような質感を持った作品にしたいという気持ちがありました。それで、小林さんと一緒に80年代後半から90年代前の〈4AD〉について、あれこれディスカッションをさせてもらいました。〈4AD〉が持つアンニュイだったり耽美だったり、フェミニンだったり、そういうところに魅力を感じているのであれば、今回とことん追求してみようと。小林さんにそう言ってもらえたことで、自分が求めていたサウンドを色濃く出せたなと自負しています。

──越雲さんが、〈4AD〉のそうした魅力を自分たちのバンド内に取り込みたいとまで思うのは、一体なぜなのでしょうね。 越雲　うーん……、自分の性に合っているのかもしれないです。人間というのはポジティブな部分とネガティブな部分、両方を持ち合わせているけど、僕はその振り幅が、他の人と比べても大きい人間だと自分で思っているんですよね。で、その振り幅や、振り切れる時の速度などが、〈4AD〉の音楽はすごくハマるんです（笑）。強制的でもなければ、妙に親密的でもない、そんな絶妙な距離感を持つサウンドスケープって、他にはなくて。 小林　越雲くんは、在り方としての“声がでかいバンド”が好きじゃないらしいんですよね。ロックミュージックというのは、声がでかいやつ、音のでかいやつこそが勝つという、謎のテーゼがあり、それってある意味では「真理」だと僕自身は思うんですよ。でも、そのレースに参加しなかったミュージシャンにこそ、共感することもまたあるわけじゃないですか。コクトー・ツインズのような、耳をそば立てないと聞こえない歌詞や繭の中に閉じ込められたようなサウンドに。そして、そういう世界観だからこそ成り立つコミュニケーションもあって。越雲くんが求めているのは、そういうコミュニケーションだと思うんですよね。それは僕の中でも重要なテーマです。

──なるほど。今作『FLOWERS』を聴かせてもらって、メロディラインからコードワーク、アレンジなどあらゆる面で前作よりも飛躍的に進化していると感じました。小林さんは、越雲さんのデモをどうブラッシュアップしていったのでしょうか。 小林　それこそ、メロディは変えずにコードワークを変えた曲もあるし、おそらく越雲くんはここで曲の雰囲気を変えてみたかったんだろうな、という痕跡をデモから感じたら、それを具現化するための方法をいくつか示してみせた曲もありました。あくまでも本人がやりたい方向性に、僕はバリエーションをいくつか提示しただけで、最終的には越雲くんのジャッジに任せましたね。 というのも、僕がやったことでpollyがTHE NOVEMBERS的になってしまったらあんまり面白くないじゃないですか。そこは岩田さんと一緒にやることで、少し懸念していたところでもあったんです。でも、僕と岩田さんで普段やっているテクニカルな「手法」を、あくまで「手法」としてとどめながらpollyのレコーディングにも用いることができたのは、実は作品として一番気に入っているところなんです。技法やテクノロジーというのは公共物なのだなって改めて思いましたね（笑）。 ──今回、“同じ花を見つめながら”と“遠く”の2曲を2人で共作していますが、それぞれどのように作ったのですか？ 小林　レコーディングを進めていく中で「共作があってもいいんじゃない？」という提案がチームの中からあって。「これまでのpollyにはなかったような曲を作ろう」という雑な動機から始まったのですが（笑）、結果的には面白かったよね？ 越雲　はい。小林さんが、僕に歌って欲しいのはどんな曲ですか？というざっくりした質問からはじまったんですけど、まずは小林さんからざっくりとしたコード進行とテンポをもらって、それをもとに僕がメロディをつけていくというやりとりを何度かしました。 小林　「越雲くんにはバラードを歌って欲しい」という提案をしましたね。で、デモのやり取りを何度かしているうちに、だんだん曲が枝分かれしていって2曲になったんです。 越雲　どちらも捨てきれないというか、両方とも歌いたかったので2曲とも残すことにしました。

──コード進行をもらって曲を作るのは、普段のように全て自分で作るのとは違いますか？ 越雲　全然違いますね。曲を作る時って、どうしても自分の癖が出ると思うんですけど、それが一切ないコード進行にメロディを乗せていくのはとても新鮮でした。 ただ、そのメロディは自分にしか作れないものにしなければ、という気持ちはいつもより強かったです。世間的にもチームにも「あ、これって小林さんの曲だよね」って思われたくなかった。越雲龍馬という人間の本質の部分をちゃんと出したかったし、それは個人的にうまくいったと思っています。 ──越雲さんの歌い方に関しても、「自分の声の良さはここにあるんだ」ということを今まで以上に確信を持っていると感じました。「歌い上げている」という意味ではなく、自分の持ち味をわかった上で声を出しているように感じたのですが、その辺はディレクションしていて感じるところはありましたか？ 小林　確かに、高い声がいつもより伸びやかに歌えているなと思いました。越雲くんは自分で何か、気づくことあった？ 越雲　これまでボーカル・レコーディングは1人でやっていたんですけど、それって主観の極みじゃないですか（笑）。自分の嫌いな部分もよく分かっているし、どういう風に歌いたいのかイメージも明確にある。それを今回、小林さんと一緒にやる上で全て捨て切らなければと思いました。 例えば、自分では全然気に入っていないテイクでも、小林さんと岩田さんからは「すごくいいよ！」と言ってもらうこともあって。そういうことを積み重ねていくうちに、以前よりは自分の声を客観視できるようになったかもしれないですね。 ──歌う時に、コクトー・ツインズのエリザベス・フレイザー（Elizabeth Fraser）を意識した曲もあったと聞きました。 越雲　“泣きたくなるような”ですね。岩田さん、小林さんからそれこそコクトー・ツインズのエリザベス・フレイザーを意識しながら歌ってみて欲しいと。「感情を殺してガラスっぽい声で歌ってみて」というリクエストに応え、自分なりの「ガラスの声」を意識しながら作っていきました。 ──小林さんは今回、久しぶりにプロデュースをしてみていかがでしたか？ 小林　とにかく、いいものが出来てよかったです。今回pollyの作品に関わったことによって、自分たちのレコーディングの進め方も少し変わってくるんじゃないかなと思います。勉強になりましたね。 ただ、作品としていいものができたという満足感はもちろんあるんですけど、どちらかというと、これをリリースしたことによってどういう未来を歩むか、それに向けてどんなビジョンを持つべきか、今はメンバーやスタッフと話し合っているところです。 ──越雲さん的には今回やってみてどうでした？ 越雲　何よりも誰よりも今までの作品よりもどこまでもpollyらしい作品になったとは思っています。小林さんと一緒に『FLOWERS』を作る期間は、人間的にも一音楽家的にもすごく大事な時間になりました。肩の力も抜けたし、僕らが音楽集団pollyとしてやり続ける未来は明るい気がしています。

polly 2012年宇都宮でバンド結成。ボーカルギターの越雲龍馬、ギターの飯村悠介、ベースの須藤研太、ドラムの高岩栄紀からなるロックバンド。 2015年6月、ファーストミニアルバム「青、時々、goodbye」をリリース。 2016年7月、セカンドミニアルバム「哀余る」をリリース。 2017年4月から2ヶ月連続で会場限定シングル「愴」と「想」をリリース。 2018年5月、ファーストアルバム「Clean Clean Clean」をリリース。2019年9月から二か月連続で「Starlight Starlight」「Hymn」を先行配信。 2019年11月6日、小林祐介（THE NOVEMBERS）プロデュースによる、サードミニアルバム「FLOWERS」をリリース。 HP｜Twitter｜Instagram｜LINE

THE NOVEMBERS 2005年結成のオルタナティブロックバンド。2007年にUK PROJECTより1st EP「THE NOVEMBERS」でデビュー。様々な国内フェスティバルに出演。 2013年10月からは自主レーベル「MERZ」を立ち上げ、 2014年には「FUJI ROCK FESTIVAL」 のRED MARQUEEに出演。海外ミュージシャン来日公演の出演も多く、TELEVISION、NO AGE、Mystery Jets、Wild Nothing、Thee Oh Sees、Dot Hacker、ASTROBRIGHT、YUCK等とも共演。 小林祐介（Vo/Gt）はソロプロジェクト「Pale im Pelz」やCHARA、yukihiro（L‘Arc～en～Ciel）、Die（DIR EN GREY）のサポート、浅井健一と有松益男（Back Drop Bomb）とのROMEO`s bloodでも活動。ケンゴマツモト（Gt）は、園子温のポエトリーリーディングセッションや映画『ラブ＆ピース』にも出演。高松浩史（Ba）はLillies and Remainsのサポート、吉木諒祐（Dr）はYEN TOWN BANDやトクマルシューゴ率いるGellersのサポートなども行う。 2015年10月にはBlankey Jet CityやGLAYなどのプロデュースを手掛けた土屋昌巳を迎え、5th EP「Elegance」をリリース。 2016年は結成11周年ということで精力的な活動を行い、Boris、Klan Aileen、MONO、ROTH BART BARON、ART-SCHOOL、polly、Burgh、acid android、石野卓球、The Birthday等錚々たるアーティストを次々に自主企画「首」に迎える。2016年9月に6枚目のアルバム「Hallelujah」をMAGNIPH／HOSTESSからの日本人第一弾作品としてリリース。11周年の11月11日新木場スタジオコーストワンマン公演を実施し過去最高の動員を記録。2017年FUJI ROCK FESTIVAL WHITE STAGE出演。 2018年2月には、イギリスの伝説的シューゲイザー・バンドRIDEの日本ツアーのサポート・アクトを務める。同年5月、新作EP『TODAY』をリリース。 HP｜Twitter