『ブラック・ミュージック』のなかには、音楽批評というものは、それが扱う“音楽”と同様激情に憑かれているように見えるものなのだという要求が、書くことの規則のようなものとして示されていた。これを書いている者もやはり、まだ若く影響を受けやすいときにバラカの格調高い詩の呪文に圧倒され、その後の職業が決定された物書きのひとりに数えられる。

「追悼：アミリ・バラカ　1934-2014」 『フライボーイ2──ブラック・ミュージック文化論集』 （グレッグ・テイト著／山本昭宏、ほか訳／ele-king books）所収

UG Noodleは音楽を作り奏でることと、音楽とその歴史を叙述する激情に同時に憑かれた男であると言えよう。両者は彼のなかで切っても切り離せないものだ。私はこの取材を通して、その創造的な結びつきが、1989年生まれの神戸在住のミュージシャン／マルチ・プレーヤーのいまを突き動かしている事実を知り、感銘を受けた。

この稀有な音楽家はこれまで、『The Indian Waltz』（13年）、『ポリュフェモス』（20年）、『Beautiful Dreamers』（22年）という3枚の魅惑的なソロ・アルバムを発表している。構成要素は、ソウル・ミュージック、カリプソやボサノヴァ、ルーツ・レゲエやラヴァーズ・ロック、スカ、ファンク、インディ・ロック、ヒップホップ、AORあるいは歌謡曲などと多岐にわたる。こう羅列してしまうと、小器用で折衷的なベッドルーム・ミュージックのように思われるかもしれない。が、じつは違う。

基地の町である山口県岩国に生まれ、バンドでの華々しい活躍を夢見て大都会・大阪に居を移し、数年後に失意のなか地元に戻り、そして新たな志をもって神戸にやって来た移動の過程において、こうした音楽はUG Noodleの血肉となっていった。故にチャーミングなサウンドとは裏腹に、特に彼のヴォーカルに顕著にあらわれた“ブルース”は灰汁が強く、色濃い。

変わってゆく同じもの（The Changing Same）──アフリカ系アメリカ人の偉大な詩人／作家、アミリ・バラカ（リロイ・ジョーンズ）が『ブラック・ミュージック』という著作のなかで黒人音楽の核心を捉えたあまりにも有名なコンセプト。つまり、アフリカ系アメリカ人のピープルの民族意識、宗教性／世俗性、（奴隷としての）記憶、ブルース衝動（インパルス）、愛、エモーションは、ブルース、ゴスペル、R&B、ジャズ、ファンクと音楽形式が変化しようとも、歌や演奏、サウンドやリリックに表出する。だから、変わってゆく同じものであるテクノやヒップホップもある、という気高く壮大な思想だ。

この話をすることに躊躇いがないわけではない。というのも、“激動の60年代”を背景に、1966年のアメリカにおいて、黒人の作家が燃えたぎる民族意識をもって提唱した思想を、自分の理屈づけのために都合よく濫用して平気でいられるほど私は無邪気ではない。が、そうした異文化／民族のコンセプトに敬意を払いつつ、新たなアイディアを花開かせることはできる。事実、UG Noodleの音楽にはそれがある。彼は、自身の感覚や経験、感情、すでにあるとされている日本の地域性や自身の肉体性のみを自明視せず、歴史を知的に捉えかえし、固有でありながら普遍的な“変わってゆく同じブルース”を深い地層のなかから採掘し、再構成しようと試みている。端的にいえば、彼がルーツに誠実に向き合った音楽は素晴らしく、西洋化された日本という国でいかに生きるかという一筋縄ではいかない問いともつながっている。私がUG Noodleという音楽家に興味をひかれ、可能性を感じる最大の理由だ。

それはまた自分がヒップホップを通して考えてきたことでもあり、3枚の作品のうち後者2作が、名古屋のストリートのヒップホップ・レーベル〈RCSLUM RECORDINGS〉から出ていることも多くを示唆している。

そして私は昨年（2023年）の夏、UG Noodleの“神戸カリプソ”の美しいギターの調べとリズムに誘われ、神戸を訪れた――そんな風に言えれば格好も付くのだが、実際はUG Noodleからトーク・イベントの出演をオファーされて新幹線で向かった。インタヴューの後半でも触れられる元町にある「楽園レコード」での「軽音楽の夕べ」に参加するためだ。そのときに初めて会って、彼の行きつけのハンバーガー屋「WANTO BURGER」で話を聞き、さらにその後のメールでのやり取りをまとめた。1万字をこえるロング・インタヴューはUG Noodleの音楽遍歴の話から始まる。

──まずUG Noodleというミュージシャンの音楽遍歴から語ってもらえますか。

10歳ぐらいでギターを始めました。父親が弾くから家にあったんです。ギターを弾くようになると音楽の聴き方も凝ってくるじゃないですか。最初はB'zが好きだったけど、それからエアロスミスやレッド・ツェッペリンにハマって。地元の図書館にはそういうロックの他に、セックス・ピストルズやトゥパックとかのCDも置いてあって、中学の頃まではそこでCDを借りて聴いたりしていました。そのうちロックを中心に体系的に聴くようになってブルースまで辿り着く。そして、ロバート・ジョンソンから枝分かれしていった音楽をさらに聴いていくと。

──それは早熟ですね。

だから、僕はブルース原理主義者やと思うんです。それにこだわって音楽をずっと聴いてきたし、だからロックもヒップホップもその他の音楽もシームレスに聴ける。

──音楽を自分でやり始めたのは？

ギターを始めた頃はまわりにプレイヤーがいなかったから、2台のマイク付きラジカセを使って原始的な多重録音をやっていました。一方におもちゃのキーボードでドラムやベースの音を録音し、それをバックで流しながらギターを弾いたり歌ったりしてもう一方のラジカセに吹き込むことで音を重ねていく、というような方法を発明したわけです。世代ではないですが、母の影響で尾崎豊にもハマり、比較的マイナーな曲ですが“坂の下に見えたあの街に”という歌を録った記憶があります。中学から高校にかけては学校の先輩たちと当時の青春パンクみたいなことをやっていました。僕はそんな聴いてなかったけど、銀杏BOYZみたいな感じです。わりと自分がどこに行っても音楽に詳しいから、「これを聴け、あれを聴け」って周りの友だちに言う側だったんですけど、そのバンドのメンバーが広島のクラブクアトロに銀杏BOYZを観に行ったとき、前座で出てきたKing Brothersっていう西宮のバンドにめちゃめちゃ衝撃を受けて、つられて自分の嗜好もそれに影響されてちょっと変わってしまった。King Brothersはザ・ジョン・スペンサー・ブルース・エクスプロージョンに影響を受けたスタイルが基調ですが、当時出した『BLUES』（04年）はガレージ・パンクの金字塔です。そうやって銀杏BOYZが好きな友だちをとおして、King Brothersに出会う、みたいなこともありました。

──いまの音楽性とはだいぶ異なる感じではありますね。

そうですね。高校の頃はまた、楽器屋さんにバンドのメンバー募集を出したり、インターネットで募集したりし始めて。そうしたら、オンラインの募集に反応してきたのが社会人のドラマーだったんです。昔のハード・ロックやレイジ・アゲインスト・ザ・マシーンとかを募集の呼びかけに書いていたから、向こうもこっちが高校生だとは思っていなくて。ともあれ、バンドを始めることになった。で、ドラマーの人に「借りている場所があるから」と連れていかれたのが、「Blue River Studio（ブルー・リバー・スタジオ）」という音楽スタジオだった。町のパン屋さんが個人的に借りていたビルの屋上のテナントにレコーディング・ブースとミキシング・ルームを手作りした場所で、地元のいろんなバンドが毎月1万円を払って決めた曜日に入れるシステムだった。

──カンパ制みたいな感じだ。

そうそう。このスタジオが決定的でしたね。パン屋の人が親切でレコーディングやミキシングのやり方の基本を教えてくれた。「基本は教えるから、その後は自分で頑張って」と。もうそれからは入り浸りましたね。空いているときはずっとスタジオにいたし、交友関係もだいぶ広がって。次第に先の高校生バンドでもバイト代を出し合って「ブルリバ」を借り、そこで知り合った先輩たちに触発されてオリジナル曲を作るようになります。最終的にはすべて自分たちの楽曲でライヴをやっていました。メンバーそれぞれが自分の曲や断片的なアイディアを持ち寄り、僕がバックの演奏を組み立てて、ヴォーカルに歌詞とメロディを考えてもらうというやり方でしたね。まわりには高校生のコピーバンドがたくさんいましたから、彼や彼女らと差をつけるためにも「オリジナルでなければ意味がない」という意識が、「ブルリバ」通いの自分らまわりには過激なまでにありました。

──「ブルリバ」にはどんなバンドが出入りしていたんですか？

The Little Elephant（以下、リトエレ）っていうオーセンティック・スカのバンドを通じてスカと出会えたこともラッキーでした。リトエレは親しいというより、憧れのバンドですね。畏れ多いというか。スカは自分のリズム感覚を作り上げていくうえでとても重要な音楽だった。いまダンス・ミュージックが好きなのもこの頃からスカのビートを聴いていたからだと思う。リトエレのように仕事や家庭を持つ社会人のバンドは、毎週平日の夜遅くに集合してリハや録音に打ち込み、年に数回は各地のパーティへ出ていく。今にしてみると、そうした先輩たちの身振りや音楽との付き合い方を見ていたという経験が、音楽そのものと同じくらい僕の音楽遍歴において重大な経験だったようにも思います。というのも、国民的規模で流行するスタイルを地方で実践すると、現実に馴染まないというか、痛々しい結果に終わっちゃうことってよくありますよね。「ブルリバ」に集まるバンドマンや音楽には、そういう不自然な政治性や違和感がそんなになかった。逆に極端な政治性があったりはするわけですが、それも含めて、価値判断のスケールを形成する過程で重要な空間でした。

──なるほど。

そういえば、先日つくば市の「Club OctBaSS」にUG Noodle楽団として訪れたときに妙な懐かしさを感じたのですが、それは「ブルリバ」に似た自治の気風があったからじゃないかな、と。知り合ったのはごく最近ですが、同じ岩国出身のCHIYORIさんもいて、不思議な時空間でしたね。ともあれ、音楽との付き合い方に関しては、自分の現在地と生活に大きな関わりがあるはずで、そういう感覚を培ってくれたのが「ブルリバ」、そして当時あった「Club SQUAD（旧Rock Bar 666）」でした。

──もちろんUGくんみずからが切り拓いたわけだけど、10代の頃からかなり恵まれた環境に身を置いていたというか、それはいろいろ揉まれるでしょうし、自然とセンスも磨かれますよね。

オーセンティック・スカのバンドもいるし、ニューヨーク・ハードコアのバンドもいるし、僕らみたいにザ・フーのようなルーツ的なヴィンテージ・ミュージックとしてのブリティッシュ・ロックをやるバンドもいて。スタジオに行くようになってからは、録音して、CD-Rにみんなで手分けして焼いて同級生とかに売りまくって、イベントも自分たちで主催していました。いま振り返ると、地元の岩国がめちゃめちゃ重要だったとは思います。やっぱり基地（米海兵隊岩国航空基地）の町だから、戦後に基地のそばにできた日本人のクラブとかが残っているんです。ライヴハウスの文化も独特なものがあって、米兵やアメリカ人も多い。高校生の頃にイベントを主催してライヴをやると、お客さんのうち20人ぐらいが米兵みたいなときもけっこうあって。高校生が6割、あとの4割がアメリカ人みたいな。もちろん、地元の先輩とかもいるわけですけど。比率で言うと、そういうことになっていた。

──それはまた鍛えられそうな環境だ。

僕らのバンドもまあまあ人気で（笑）、ライヴの翌日に町でいきなり「昨日のライヴ、めっちゃ良かった！」とかアメリカ人に話しかけられるようになって。高校卒業の時期に、スタジオのパン屋さんが「市民文化会館を借りて高校生のイベントをやったら面白いんじゃない？」って提案してくれて、実際にやったら300人近くも集まって。

──それはすごい。基地の町という話が出ましたけど、記憶にある出来事とかはありますか？

こどもの日に基地が解放されて全国から人が集まって、飛行機ショーがあったり、ビッグ・バンドのライヴがあったり。でも、そんなに面白い経験があったわけでもなくて。広島が近いのでとうぜん平和教育があって、僕はわりとそういう教育に強烈に食らっていました。ジョン・レノンのスタイルにも影響を受けて、自分がやる音楽の必然性みたいなものを追求していたから、「平和とは何か？」と言いたがるロック・ミュージシャンみたいな感じもありましたね（笑）。加えてライヴハウス界隈にはスキンヘッズもいるし、「何を信じたらええんじゃ！」という状態でした。通っていた中学校から100メートル先が米軍基地だったから、2011年に911（アメリカ同時多発テロ事件）が起きたときには基地の警戒レベルが最大になって、基地のフェンスに近づいたら銃を向けられるという噂もあった。それが事実かどうかはともかく、そういう言説にリアルに晒されるのが基地の町で生きるということでもあるので。

──僕が岩国で思い出すのは、ヒップホップ・グループのHIGH5です。『#MAJI超』（12年）は日本のヒップホップの隠れた名盤だと思うんです。その頃活動していました。知ってます？

ああ！　フライヤーで見て名前は知っていました。自分の上の世代にはヒップホップのコミュニティがあったみたいなんですが、ぜんぜん接点はなくて。でも、もしかしたら「SQUAD」のキャッシャーのバイトとかしてたかも。何せ「IWAAKLYN（イワックリン）」というコンセプトだけは強烈に覚えています。

──地域性をユーモラスに打ち出していましたよね。

自分はMTVを観たり、友だちが教えてくれるエミネム、ドクター・ドレー、スヌープ・ドッグを聴いたりして、個人的に中学の頃にヒップホップにハマりましたね。インターネットでいろいろ音楽をゲットしてCDに焼けることに気づいて、それを人に自慢していたら、当時付き合いのあった不良の友だちが基地のアメリカ人から「この曲を手配しろ」っていう曲のリストを渡されて、それが回ってきて（笑）。アシャンティとかジャ・ルールとか。「これがいまイケてるヒップホップなんだな」って思いながら聴いていましたね。知識とともにそういう経験もあった。

──いい経験だ。高校卒業後はどうしたんですか？

「ブルリバ」とは関係ないんですが、一時期いっしょに音楽をやっていた先輩が先に大阪に住んでいたので、そこに行こうと。当時は音楽で華々しく食べていきたいと考えていたし、進学校でもなかったし、周りに大学生もいなかったので、大学に行くという選択肢はなかったですね。まだ漠然と、とりあえず都会に出なければダメだろうと思っていた。それで大阪のスタジオでバイトをしながらインディ・ロックみたいなバンドをやっていた。そのバイト先の先輩が僕と同じくshe luv itのメンバーで、彼のことは実は「ギャングだったあの頃」（『ポリュフェモス』収録）という歌のなかにも織り込んであるんですが、その人を介して杉生くん（CE$）と知り合った。she luv itに出会うまでは、生粋のライヴハウス・キッズだったけど、杉生くんと知り合ってからクラブにも行くようになったし、音楽の聴き方が大きく変わりました。

──それでshe luv itにも参加すると。UGくんはCE$くんがマネージャーを務めるtofubeatsの曲に客演で参加もしていますね。

はい。she luv itってメンバーがたくさんいて実態がよく掴めないじゃないですか。「それでいいんだ！」って思いましたね。sumahama?（神戸の塩屋に集まったミュージシャンで結成された「インドアポップ共同体」）をはじめたときも、なんとなくshe luv itの組織論みたいなのを参考にしていたかも。「バンド」って言うと「絆」とか、窮屈な規範を呼び込んでしまうところがありますが、she luv itは「ポッセ」ですよね。それは後年に「ベ平連」や小田実の流動的な組織論に触れたときにも同じようなことを思いました。すこし脱線してしまいましたが、ただ音楽でなんとかしたいと考えて4年間ぐらい大阪でインディ・ロックをやったけど、行き詰まっちゃって。お客を呼べなくてノルマを払わされるライヴハウスのシステムもイヤだったし、シンプルに負担だし、辟易していた。だいたいアメリカ村にいたんですけど、わざわざそこに馴染む必要もないかと思い始めて、2010年の暮れ、22歳の頃にいちど岩国に、というか「ブルリバ」に戻ろうと決意するんです。その後も杉生くんとは連絡取り合って、いまに至りますけどね。

──そして、それからいよいよUG Noodleというソロ・ミュージシャンとしての活動が始まるわけですね。

大阪時代にパーマをかけてたんでバイト先で「ラーメン」というあだ名を付けられて、Noodleならアジアっぽいし、ゴリラズのギタリストとも同じ名前だし、いいなと思って名乗るようになりました。これは後付けですが、”noodle”という単語には「頭脳」とか「（ギターで）さりげないフレーズを即興で弾く」とか、いろんな意味があって面白いんです。ラーメンは豚骨が好きです。また話が逸れましたが、大阪時代は自分のパソコンを持っていなかったんですけれども、地元に帰る直前に手に入れて、とにかくスタジオに籠って制作していましたね。曲を書いて、演奏して、録音を重ねて、ひとり10役ぐらいやっていた。いまはDAW上で打ち込んで済ませていますが、ドラムまで叩いていましたから。そうやって、ファースト・アルバム『The Indian Waltz』（13年）を完成させた。だから、ファーストは地元の岩国で作っていて、『Beautiful Dreamers』（22年）にも地元で録音したものがけっこうある。“神戸カリプソ”とかそうですね。あれは神戸に引っ越す前に書いているので。

──当時『The Indian Waltz』はレコード屋さんのコメントか、レーベル側の公式インフォかはわからないのですが、渋谷系みたいにも書かれていました。だけど僕は、坂本慎太郎がゆらゆら帝国を解散したあとに出したソロ作品に通じる密室感があると思って。『幻とのつきあい方』（11年）ですね。

「ブルリバ」で音楽を作り始めた頃に、まさに坂本慎太郎が最初のそのソロ・アルバムを出して。実際、坂本慎太郎の作品は自分にとって大きかったんですけど、そのまま影響を受けてやったらただのパクリになってしまうから、そのエッセンスだけを抽出して自分のスタイルに反映するということを常に考えながら聴いていました。ゆらゆら帝国は聴かず嫌いをしていたけど、『幻とのつきあい方』に入っている“君はそう決めた”という曲は、サウンドやリズムはもちろんのこと、歌詞が突き刺さりましたね。大阪で挫折して、頭もおかしくなってて、大阪駅のトイレのゴミ箱に電話を捨てて逃げるように帰ってきた自分にとっては、救われるような聴取体験でした（笑）。

──そこまでの経験があったとは……！

地元ではスーパーの惣菜工場とかで派遣のバイトをして、本当に嫌な目にあったりしていたし、東日本大震災と原発事故もあったし。そんなときにラジオから流れてきたキリンジによるピチカート・ファイヴのカヴァー“陽の当たる大通り”（02年）も、本当に死ぬほど聴きました。『Beautiful Dreamers』の制作には大阪で知り合って以来いまもいっしょに音楽をやっているTakashi Kusudaがサブ・プロデューサー的な役割を果たしていますが、彼から教えてもらったニック・ドレイクやヴァシュティ・バニヤン、チェット・ベイカー、そしてキース・ジャレットの『Melody at Night, with You』（98年）とか、内省的で優しい音楽に目覚めた時期でもありました。彼の影響を受けて初めての海外旅行でインドに行ったりもして。あとは、ひとりで制作するようになったこの時期に初めてはっぴいえんどを聴いたり。

──『Beautiful Dreamers』に入っているチャーミングなリズムボックスが印象的な“アメリカは遠いから”では、インド旅行について歌ってますよね。

細野晴臣の『HOSONOVA』（11年）もよく聴いていましたね。大阪に行ってファンクを聴くようになって音楽のグルーヴにこだわり出したのも重要で。あと、自分のヴォーカルのピッチ補正はある程度しかしないので、耳ざわりがいい歌ではないと思うんです。無理やりトリートメントしてしまうと、肝心の部分が全部なくなってしまうから、たとえばちょっと音程が外れている部分も残している。グルーヴや歌い方の「クセ」へのこだわりは、高校生の頃から好きで聴いていたファレル・ウィリアムスやN.E.R.Dも影響しているのかもしれない。イントロのクセで「ファレルか！」てなりますもんね。ですが、それこそブルース原理主義者たる所以といいますか。だって、DAWでピッチ補正されたブルースなんて聞いたことないですから。もちろん、最新のテクノロジーを採り入れてジャンルをアップデートしていくことが音楽全般において重要な仕事だということは認識しています。でも、その過程で失われてしまうもの――たとえばプレイヤーにとっては「一過性の呼吸」、リスナーにとっては「寛容な耳」とでも言いましょうか――そういうものを取り戻したいという気持ちはあります。そうしたなかで、また先ほど挙げた内省的な音楽からの影響も踏まえて、声やノイズやグルーヴを含めた「クセ」とか「質感」とか「訛り」のようなものこそが、何よりも音楽家のアイデンティティであり、オリジナリティでもあると確信するようになりました。

──そう、ヴォーカルに特に顕著ですけど、UG Noodleの音楽はミキシングが面白いですよね。そこまで岩国で音楽制作に打ち込んでいたのに、どうして神戸に？

昔から海外の音楽の歌詞を写したりして英語を習得していって、英語だけはめちゃくちゃ得意だったから、それを仕事に活かせないかと考えて大学に行こうと。それで探していたら、夜間部で大卒と教職免許が取れて、しかも社会人向けの特別入試枠がある公立大学があると知り、これは「渡りに舟」だと。そんなわけで、2014年、24歳の頃に大学に入りました。同じように疲労に満ちた惨憺たる表情を浮かべて、しかし目だけは妙にギラついている社会人たちが夜な夜な集まってきて、授業が終わったらよりいっそう目をギラつかせて帰っていく、という感じでした。

──専門は何でしたか？

いわゆる英米文学ですね。ゼミの先生はアメリカ人で、ビート文学の研究者でした。アメリカのカウンター・カルチャーについてのゼミだったので、ブラック・アーツ・ムーヴメント（アフリカ系アメリカ人の詩人／作家／活動家のアミリ・バラカが牽引し、60年代中盤から70年代中盤まで展開された芸術運動）をテーマに卒業論文を書くことに決めました。音楽と文学の交差に興味があったので、W・E・B・デュボイスからアミリ・バラカ、ザ・ラスト・ポエッツに至る反レイシズムと大衆芸術運動の歴史を自分なりに解釈し、英語で書きました。

──それはとても興味深い。それこそちょっと前に邦訳が出たグレッグ・テイトの著作『フライボーイ2』に所収された「追悼：アミリ・バラカ」でブラック・アーツ・ムーヴメントについて詳述されています。そして、いまは博士課程にいると？

そうですね。博論執筆のために在学期間を延長している状態です。ざっくりと言えば、アミリ・バラカがやった仕事のひとつは、白人の視点から書かれたジャズの歴史をアフリカ系アメリカ人の大衆音楽史として書き直すべく、奴隷制とそこから生まれたブルースへと再接続する作業だった。改名前のリロイ・ジョーンズという名前で書かれた有名な『ブルース・ピープル』（63年）のことです。その仕事は、論理的客観性や歴史学の体系といった西洋アカデミズムの土俵の上で、レイシズムに与しうるジャズの言説に対して戦闘的な態度で抗っていく活動であったように思います。音楽について語るという行為が人種差別的な国家権力に結びついていく過程と、コミュニティに根差した主体的な言語やサウンド、芸術による表現を通じてこれに対抗する文化運動――そうした一連の歴史と力学に興味がある。

──グレッグ・テイトは、「“音楽”が“闘争”となるにいたった歴史と、そのことがもつ社会・文化・政治的な意味を理解しようと望む者にとって、リロイ・ジョーンズ名義で書かれた『ブルース・ピープル』（1963）が基本文献なのは間違いない」と書いています。そうしたアミリ・バラカの偉大な仕事をある意味では引き継ごうとしながら、UGくんがいま取り組んでいる研究はなんでしょう？

翻って、現代日本の主流なポピュラー音楽の動向を俯瞰していると、ときどき第二次世界大戦中の体制をいまだどこかに引きずっているように感じることがあります。まだここではっきりと言うことはできませんが、そのことについて自分の問題意識から批判的に捉え直してみる価値はあるように感じています。それでいま、淡谷のり子が歌った「別れのブルース」（37年）を起点にして、アジア・太平洋戦争、第二次世界大戦中の総力戦体制下におけるポピュラー音楽とナショナリズムの関係、その戦後社会への連続性と断絶といったことを中心に研究しています。

──それは重要な仕事ですね。そのように研究者として研究することと、ミュージシャンとして音楽を作ることは本人のなかでどうつながっているのかについても聞きたいです。

研究活動と、みんなで音楽を作ったりレコードを漁ったりパーティを開いて遊んだりする音楽実践は、フィールドが違うだけで本質的に共通する部分がいくつかあると感じています。たとえば、神戸や尼崎にそうした音楽が聴かれていたダンスホールが過去に存在した史実を知ることで、現代に生きる自分が街で行われるパーティに行くときの空間のとらえ方も変わる。街の表情が見えてくる、といった感じです。いまは無きかつての元町高架下商店街、通称「モトコー」で欲しいレコードを探していると、土や泥にまみれたレコードを見ることが何度かありました。同じような汚れ方をしているものをよく見るのでレコード屋のひとに聞いてみると、どうも阪神淡路大震災のときに被災したコレクターの方の遺品なんじゃないか、ということなんです。これは研究ではないのであくまで憶測、というか伝聞ですが、そういうことは十分にあり得ますよね。音楽を求めて歩き、思いがけず、自分の知らない街の埋もれた記憶に触れた時に感じる、現実の質感。そういう歴史の手ざわり、それも有名人ではなくて、自分のようにかつてこの道を通った普通の人の存在の痕跡を求めてのことなのかもしれません。生きていたら仲間になれたかもしれない人だって大勢いたでしょうし。だから、研究のための史料を市内で探すこともよくあります。なんと言ってもモダン国際都市ですからね、神戸は。街で遊ぶことが、近現代の日本文化史ついて研究するための手がかりを探す作業も兼ねている、というか。

──それこそ昨夜、神戸から元町の方まで歩いて案内してもらいました。

なんでしょうね、資料にあたって前後の歴史的文脈を整理しているなかで生まれてくる仮説もあれば、研究に行き詰まってクラブに行き、夢中になって踊ったり、友だちとしゃべっているあいだに思考が論理的なレベルで整理されることもある。そのうち、資料に当たるということは、クラブで誰かに会って話をするのとあんまり変わらないんじゃないかと思えるようになりました。その成果がいま自分のいる現場に少しでも貢献するようなものであればいいなという願望はありますが、研究活動ではアカデミック・ディシプリンに即した厳密さ・緻密さを心がけています。とはいえ、ひとつのアルバムを構築していく上でも、特にミキシングの段階ではセルフ・ディシプリンに即した厳密さ・緻密さが要求される過程はあり、そうなるとこのふたつの作業には、巨視的に見れば同じような局面があるわけです。「理屈と膏薬は何処へでも付く」と言われそうですが、ともあれ研究活動と音楽実践は、いずれも現時点での問題意識から出発して街あるいは言説空間の中を歩き、さまざまなアイディアを取り込み、新味をひねり出していく行為であるという点で共通しています。取り止めのない話になってしまいましたが、音楽活動と研究活動のいずれも、自分が現在地において創造的な未来を構想するために欠くことのできない重要な作業であると考えています。

──いい話だし、すごくよくわかりますね、言いたいこと。

だから今回のような「歌謡曲と第二次リズム〈永久〉革命」というトーク・セッションとDJのパーティを同時にやるイベント（「軽音楽の夕べ」）を企画していますし、それは表現の次元においてもそうです。というのも、バンドをやっていた頃は何を歌っていいのか悩んでいて、音のリズムの方ばかり考えて、日本語じゃなく英語のフロウでもたせていたんです。日本語の詩では内容をもたせられなかった。初めてのソロ作品『The Indian Waltz』で作詞にこだわり始めて、ようやく思い通りに日本語の詩を書けるようになってきて。その頃から本も読むようになった。

──セカンド『ポリュフェモス』（20年）の10分をこえるラストの曲は、前半が日本語、後半は英語と歌い分けていますね。

あれには「ブルリバ」で聞こえていた岩国駅前交差点の信号の音が入ってますね（笑）。神戸に引っ越して来てから、トッド・ラングレンやニッキー・ホプキンスといった70年代に名作を残したとされているシンガー・ソングライターを一生懸命聴くようになって。セカンド以降は、そういう音楽を意識しているし、自然と反映されてはいると思いますね。10代の頃は山崎まさよしや斉藤和義も好きでしたし。あとなにより、神戸に来てからレコード屋で働いていたんですけど、そこで知り合ったJAH SOCKや火男といったDJの人らに教えてもらった和モノが、自分がこの街にいて、日本語でどんな詩を書いて、どんな歌を歌うべきかについて大きな示唆を与えてくれた。特に火男のMIXCD『ばらソースMIX』が衝撃的に良かった。歌謡曲の言葉、詩がすごく良くて、信じられない物語を滲ませている。あのMIXを聴いたことも、日本語にこだわって歌うことにハマったきっかけですね。

──この約10年でほぼひとりで濃密なソロ・アルバムを3枚作ったわけですよね。

いやあ、ひとりの制作は時間がかかり過ぎるし、宅録は頭がおかしくなるからもうやりたくない（笑）。正直、ブライアン・ウィルソンを乗り越えたいぐらいの気概も持ってやっていましたけど、ひとまずいいかなと。日常生活と折り合いがつかなくなってしまうので。いまはUG Noodle楽団というバンドでライヴをしていますね。みなさん演奏力があるので、コード進行を書いて渡してこんな感じでと伝えれば、できる人たちですし。ジャズ・スタンダードをやるような気軽さで自分の曲を演奏して、歌いたい。その場で集まって、気取った演奏をして、お客さんをひとりでも爆笑させて解散する。いまはそういう音楽との付き合い方が生活への負担が少ないし、楽しいですね。結局、どこにいても行き着くところは同じだということです。

chelmicoでも知られる鈴木真海子が2021年にリリースしたファースト・ソロ・アルバム『ms』は、鈴木真海子と神奈川拠点の「ご近所録音チーム」ことピスタチオスタジオ（Pistachio Studio）のryo takahashiと二人三脚で制作が進められた。ryo takahashiは制作ディレクターと大半の楽曲のプロデュースを務めており、本作の録音は彼の自宅で行われた。

本作には、ryo takahashi宅で行われたセッションの空気感や宅録ならではのふしぎな魅力が詰まっている。そして、それを遠目に見守ってきたピスタチオスタジオのゆるやかなムードがただよっている。ピスタチオスタジオならではのコミュニケーションと、そのなかで形成されてきた共通認識が、この作品に特別な質感をもたらしたという。

MC、プロデューサー、ビートメイカー、DJ、ゲーム配信者らが所属するピスタチオスタジオはじぶんたちがどのような存在なのか、GitHubというソースコードを管理するアプリケーションを使い、1万3000字にわたってたっぷりと解説している（そこには詳しいメンバー紹介もあるので、ぜひともそちらを参照しながら、この記事を読んでほしい）。そのなかで、コロナ禍の音楽活動に関して「大人しくしている」というスタンスを取ったとはっきりと述べている。

それではいま、ピスタチオスタジオはなにをしているのか。近況報告が聞きたい。ということで今回、ピスタチオスタジオのbasho（CBS）、ryo takahashi、tajima hal、Quojama、TOSHIKI HAYASHI(%C)、鈴木真海子に話を伺った。

この取材はとある真夏日に、ryo takahashi宅で行われた。弱冷房に文句を言い合いながら、ああだったかこうだったかと記憶を確認しあったその記録をここに公開。ryo takahashi宅を歩きまわるハチさんの撮り下ろし写真とともにお楽しみください。

──まず、近況報告も兼ねて、自己紹介をお願いします。

ryo takahashi（以下、ryo）　ryo takahashiです。最近はchelmicoと鈴木真海子関連の仕事で、特にディレクションワークが多いです。ピスタチオスタジオやCBSとしては曲を作ったりミックス・マスタリングなどをしていますが、最近はお休みいただいております。

Quojama　Quojamaと申します。ピスタチオスタジオではCBSの曲を作ったりしてます。

鈴木真海子（以下、真海子）　 真海子です。chelmicoをやってます。ソロもやってます。最近はバナナマンに会えて嬉しかったです。

basho　bashoです。ピスタチオスタジオのCBSのラップをしていますが、最近はアルバムを出す出す詐欺をしたまま、少しずつみんなと作っています。で、＜PISTACHIO mtg＞（ピスタチオスタジオが主催するイベント）でハヤシ君やタジマさんと一緒にDJをやってます。

%C　TOSHIKI HAYASHI(%C)です。最近は＜PISTACHIO mtg＞でDJやったり、（一緒に回っていた）chelmicoのツアーも終わって、自由に楽しく生きてます。

tajima hal（以下、tanjima）　tajima halです。主にCBSにたまーにトラック提供みたいなやったりで、最近は横浜を拠点にゆっくり活動してます。

──最近、ピスタチオスタジオでの活動として、プレイリストを発表してますよね？　あれがスタートしたのはコロナ禍に入ってからですか？

Quojama　はじめたのは俺ですね。

ryo　もともとプレイリスト文化が好きで、自分で個人でプレイリストいっぱい作ってたのもあって、公開する流れになったんだっけ。

Quojama　そう。テーマに沿って継続的にプレイリストを公開してるレーベルやミュージシャンってあまり多くなかったから。

ryo　あと、ニューリリースみたいなのをプレイリストにするレーベルは結構あるけど、そういうの関係なく、ふつうに聴く音楽をまとめたプレイリストがあるのがいいなって。

──プレイリストにはすてきなジャケットもしっかりあって。

Quojama　あれも俺が作ってます。たとえば真海子のプレイリストだったら、絵を紙に描いてもらってそれをトレースしたりとか。その時々で変わる。

──毎回雰囲気があって、プレイリストを選ぶのも楽しいです。あと、%CさんはVlogを始めましたよね。

%C　YouTubeの登録者数を増やしたいなと思って（笑）。bashoさんになんかないですかって聞いたら「Vlogが良いんじゃない？」って。

──定期的に更新されてますよね。

%C　コツコツやるのは得意なんです。タイトルのフォントはどうしようとか、相談しながらやってます。

──プレイリストやVlogなど、コロナに入ってからいろいろな活動をスタートされてますが、ピスタチオとしての活動指針に変化はありましたか？

ryo　ピスタチオスタジオのスタンスが結構出たと思ってます。個人としてはそれぞれやってるけど、CBSはもうコロナ怪しい期間はライブしませんと決めたりとか。だからそれにかまけてアルバムもだらだら出してないけど......。

真海子　いつ出るんですか？

basho　10月頭......9月末くらい？

──今回はどこかのレーベルと一緒に出すんですか？

Quojama　迷ってて。制作は自分たちでやった。自分たちで流通やるのは厳しいので、それをやってくれるところがあればいいかなって。CDはおまけ程度で。

ryo　あとはディストリビューションをどうしようか迷うくらいかな。ストリーミングは出す。

──ストリーミングの話が出ましたが、tajimaさんが活躍しているビートシーン発の音楽はコロナ禍でよく家で聴かれるようになったという話がありますよね。tajimaさんはそういった実感はありましたか？

tajima　俺は感じてないですね。聴かれているという実感より、家でやることがないからビートを作り始める感覚は増えたかなって。

──%Cさんはどうですか？

%C　マンハッタンレコードから自分の曲のインストだけでミックスを出して欲しいという話はありました。2020年の末くらいだったかな。

ryo　楽曲制作は増えたよね。ビートアルバムとか。

%C　うん。でも最近はインストじゃない、誰かと曲を作る機会が多くなりましたね。

──最近ですと、SKRYUさんとか。

%C　そうですね。ラッパーとやった方が楽しい。結局プレイリストに入らないと聴かれなかったりもしますし。

──ちなみに、tajimaさん主宰のレーベル〈Hermit City Recordings〉はいつからやられてるんですか？

tajima　あれは2015、16年かな。1年に1作は何か出そうかなって思ってて。レーベル自体は自分の周りの人たちの作品を出したくて始めた感じなんですよ。

ryo　最近誰出してんの？

tajima　結構出してる。YotaroやALTO、カノくん（Doctor Kano）とか。みんな友達っすね。

──みなさん、国内外から注目を集めるビートメイカーの方々ですよね。tajimaさんは去年、サード・アルバム『Minor Sights』をドイツのレーベル〈SICHTEXOT〉からリリースしていたりと、日々ビートミュージックの国境を越える広がりを強く感じています。ちなみに、ビートメイカーの方が渋谷のROOMで平日に開催されてた＜Trane.＞というイベントに遊びに行っていたというお話をよくお伺いします。そのとき出演していたのは、いまSolfaでビートメイカーのイベントを主催してる一人でもあるEMARLEさんやILLSUGIさんだったり、YAGIさん、BUGSEEDさん、DJ SAGARAXXさん、MONK T.さんたちだったと。みなさんも遊びに行ってましたか？

tajima　遊びに行ってた。それが2012年とかで、俺は21、22歳のころかな。毎回すごいたくさん人がいて。俺は別に運営とかではなかったけど、面白いって話を聞いて、単純に2ヶ月にいっぺんは遊びに行くみたいな。イベントには1〜2回は出たかな。bashoさんとも何回か行ったりしたし。

ryo　俺もある。

tajima　いわゆるビートライブの一番走りみたいなやつ。それまでビートメイカーがマシンライブや機材を持ってくるとかはあっただろうけど、ビートメイカーが自分のビートでライブするみたいなことは数少なかった。だからその走りのようなイベントだったかな。なかでもYAGIさんとILLSUGIの2人かな。海外でそういうのやってる人がいるから、俺らもやってみようみたいな感じでやり始めた。

ryo　RBMA（Red Bull Music Academy）とかの流れかな。RBMAにはILLSUGIも参加してたよね。

tajima　そこで会った人たちが多いんじゃないですか。

ryo　あのときってポッドキャストが出始めた時期でさ......cosmopolyphonicっていうのがあって。あの番組でビートメイカーの存在を超知った。

basho　ビートメイカーのイベントは青山蜂の方でもやってたよね。

tajima　cosmopolyphonicはそっちでやってた。

ryo　（渋谷の）seco barとかでもあったね。

──tajimaさんがビートライブを始めたのもそのくらいの頃ですか？

tajima　そのくらいです。最初はabletonとオーディオインターフェイスを持ってきて、そこにいま使ってるSP404を接続してとか......いろんなの試したりしてましたね。海外のYouTube番組だったりに出演したのも、＜Trane.＞に来てた人の繋がりでやったみたいな感じですね。

──%Cさんはビートライブもやられてましたか？

%C　やってましたよ。＜Trane.＞も出てたし。そのときはもっとインストっぽかったりしてたかもしれないです。

ryo　そのときから作り方は結構変わってるよね。むかしは作ったビートの上にラップが乗るって流れだったかもしれないけど、今はラッパーと一から一緒に作るような形に変わったんじゃないかなって。

──ryoさんもBATICAでビートライブをやってましたよね。「最初で最後」くらいにおっしゃってましたが。

ryo　最初で最後かもしれないね。

tajima　あの名義は？　ジャスコテック。

ryo　それはDJのとき。ジャスコテックってジャンルがあんのよ。Vaporwaveの流れの一つで、スーパーの生鮮食品売り場で流れそうなフュージョンとかAORとか、そういうものの雰囲気というか、その総称というか。そういう曲を作ったり、DJで何回かやったりしたな。でも一般的なDJイベントとは趣旨がだいぶ違う。ひとりのDJが終わった後に拍手が起きたりね。呼び込み君を置いてライブやる、とか。面白かったです。

──マジで色んなことやってますね（笑）。ほかにピスタチオスタジオでビートライブする人はいるんですか？

tajima　ライブはしてないけど、CBSのオリジナルメンバーのsuppleって人がCBSのすべてのトラックを作ってて。ビートライブはやらないけど、いまも変わらずビート作ってる。

──今回のCBSのアルバムにsuppleさんの曲は......。

basho　入ってる。やっぱ良いビート作るんですよ。でもなかなかアナログな人だからね。音源をパラでくれって言ってもパラでくれなかったり、やり方はずっと変わらない人で。でももう、かれこれ6〜7年会ってない。Takaya（CBSのMC）の結婚式で一回会った。いまは福岡にいる。

ryo　ピスタチオスタジオの大元だよね。

──みなさん、ビートも作りながら、そのビートがCBSに流れたり、流れなかったりして......。でも、もうほぼ形はできているんですよね。

tajima　アルバムはもう95パーセントは出来てますよ。

──ディアンジェロ（D'Angelo）と同じこと言ってないですか？

一同　（笑）

ryo　もうやる気だけの問題かな（笑）。

basho　もう大枠が出来てるからね。

ryo　あとは聴きすぎちゃってて、っていうのもある。でも出さないと、次も出せないから......。

basho　みんななにかを言い出しちゃってるのを、ちゃんとryoくんが「いったんここまで」って。

──それをryoさんが管理していると。

ryo　そういうのも俺だし、止めてるのも俺。怠けてんのも俺（笑）。

──Quojamaさんが執筆されていた1万3000字のピスタチオスタジオのプロフィールに「インディペンデントでやり続けること」がありましたが、これは今日お話をお伺いしてる限り、ブレていないですよね。

ryo　1万3000字のプロフィールっていいね（笑）。そう......でも、やってるって感覚もないから、別に終わりようがないというか。ピスタチオスタジオの中心はCBSだけど、「このジャンルが」とか「この人が」っていうのはないから。結局、空気感でイベントやっても揃う。よく聴くと全然違うことをやってるけど、なんとなく揃っちゃったりするのかなって。

──なるほどです。1万3000字のプロフィールの中では「インディペンデントであること」に加えて、「音楽で食ってけるのはまだまだわからないし難しい」って話があるのですが、ryoさんはいま、音楽をお仕事にされていて。

ryo　恥ずかしながら（笑）。仕事は去年の4月くらいに辞めたかな。普通に朝9時から夜6時まで働いて、そっから飯食って夜中まで仕事する生活をしてたけど、音楽の仕事も同じくらいお金が入るようになってきたから、昼の仕事はもう抜いちゃおうと思って抜いた。それでいまはchelmicoの制作ディレクターであり、鈴木真海子の制作とその他全般的なディレクションもやってる。あとはほかのアーティストへの楽曲提供とか、企業の広告を手がけることもある。それにそうだ、ドラムもやってるし、真海子のバンドのバンドマスターもやってる。

── 一つ一つ内容を伺っていくと、chelmicoの制作ディレクターは主に何をされてるんですか？

ryo　たとえばchelmicoで「トラックメーカーはこの人とやりたい」ってなったとき、制作ディレクターとしてchelmicoが言ってることと作曲してる人の話をすり合わせる、いわば翻訳作業みたいな仕事がある。それが一番大事かもしれない。そのほかにもレコーディングに向けてデータを作ったりはするけど、主にやってるのは「これってこういうことなんじゃない？」っていう翻訳をする作業。

──chelmicoの2人と考えていった青写真を具体的な形に落とし込んでいく上で、ryoさんが入って、ほかのアーティストとすりあわせていくという形ですね。ライブもですか？

ryo　制作ディレクターとしてだから、ライブは入ってないんだよね。たまに問題解決策を提案するくらいかな。

真海子　でも、制作とかライブのときに、アイデアをすごい出してくれる。だからすごいアーティスト性があると思う。

──どんなアイデアがありましたか？

真海子　わたしのライブだったら、家具置くとか、デザインの演出とかかな。chelmicoの制作とかだったら「ここでオートチューンかけてみる？」とかもそう。

──このインタビューをやる上でも、ryoさんはすごくアイデアを出してくれたんです。しれっとアイデアをくれるんですよね。ちなみに今朝、ryoさんはしれっと「chelmicoのgokigen、どう？」（chelmicoの4thアルバム『gokigen』の発売を記念したご機嫌なトーク＆ライブ番組）のジングル（？）のデータをツイートしてましたよね。

ryo　音源とかあの感覚で出したいよね。『ms』とかも最初、bandcampとかSoundCloudとかでいいよねって。さすがにダメだったけど（笑）。

──『ms』の制作風景はHPにも書いてあったと思うんですけど、さらっともう一度おさらいさせてください（各メンバーのコメントはこちら）。『ms』はいつごろから制作されたんでしたっけ？

真海子　うーん、『ms』は去年……去年出したんだよね。

一同 （笑）

ryo　去年の3月とかから作り始めて、そのときは5〜6曲くらいのEPにしようって。で、レイチェルがおやすみに入って、chelmicoも休みそうだしアルバム出しちゃうかって話になった。それで、ここで録音をはじめた。

──制作していく上で暗黙のルール的なものがあったという話をお伺いしました。その共通認識はどういったものだったんですか？

ryo　たぶん、それは質感だと思う。作り出す前から、二人で無言で曲を投げ込むトークルームがあって。別に反応もしない。そこでずっとやりとりをしてた。それでなんとなく、こういう質感が好きだねっていうのは二人でずっとすり合わせてた。それから、ある程度の認識ができていったんだと思う。綺麗な曲が作りたいとかではなく、なにかちょっとゆがんでいたりとか。

──bandcampで出てるような、どこか外れてるような不思議な宅録の音ですよね。ピスタチオスタジオのプレイリストに入っている、誰が作ったのかもよくわからないような再発モノとか。

ryo　そうそう。そういうのがやっぱ好きだなって。変なミックスの曲とかあるよね。そういうのがやりたかった。

──具体的なリファレンスってあったりしました？

ryo　あったはあったけど「この曲を作りたいから、こうしていこう」とかではなかった。プレイリストでこういう雰囲気のもの作りたいねっていうのはあって。適当にそのプレイリストに入りそうな曲を俺が投げて、真海子が書いたりとか。真海子がメロディを書いた曲に対して、この曲をプレイリストに入れるならこういう曲かなってはめたりして。

──プレイリストの雰囲気がその質感の参考になっていったと。それに加え、本作を制作する上でryoさんが制作予算の見積出しをしていたと伺ったのですが、その辺も逆算して考えたりとかしたんですか？

ryo　そもそも、『ms』はピスタチオスタジオの規模で作りたくて。予算を抑えたということではなくて、二人でやればこれくらいで作れるっていうことだった。でも、それをメジャーレーベルに提案するとなると、結構インパクトのある低予算だと思う。それを提案しただけなんだけど。

──宅録でやることが前提だったんですね。スタジオに入るのと宅録だと、もちろん環境が変わってくるのですが、何か印象に残ったエピソードなどはありましたか？

真海子　赤ちゃん片手にレコーディングをしたのはよかったです！

──えぇ〜！　ryoさんの赤ちゃんですか！？

ryo　去年の2月に生まれたばかりだったから。

真海子　なかなかない経験。

──去年リリースされたCleo SolというSSWの『Mother』という素晴らしいアルバムがあるのですが、アルバム制作の60%は赤ちゃんを抱いた状態で歌われたそうですよ。

真海子　へぇ〜！　まだそんな泣かないから、片手に寝かせながら、カチャカチャパソコンやって。

ryo　子供を見ながらやってた。結構サクサク進んだよね。

真海子　早かった。

ryo　リファレンスっていうリファレンスがないから、お互いにこれが正解っていうイメージがない。

──どこで完成って決めたんですか？

ryo　曲数を最初に決めたの。

──CBSの話を聞いていると、それはすごい良い決め方かもしれないですね。

ryo　アルバムにすることを決めたとき、「じゃあ何曲からアルバムですか？」って。

真海子　最初、EP段階の時に作ったのは6曲くらいだったっけ。

ryo　そう。それが9曲になった。

basho　1曲目にできたのは？

ryo　一曲目は“Lazy river”だよ。

basho　最後にできた曲は？

ryo　“mani”かもしれない。

──ちょっと陽気な曲で作り終えて。それで曲数が埋まったから、終わりですという感じで。それからリリースまではすぐだったってことですか？

ryo　そうそう。

真海子　6月ぐらいにできて、8月にリリースして。

ryo　メジャーのスピード感でのリリース。ここまでに入稿しないといけないからここで仕上げるみたいな感じ。ピスタチオスタジオだと完成してどうしようってなるからね。

──今回のエンジニアもほぼryoさんですか？

ryo　そう。マスタリング納期が決まってるからそれに合わせてミックス終わらせるみたいな。マスタリングはFlugel Masteringの山崎 翼さん。

真海子　chelmicoの『gokigen』もそう。

──リリース後はライブもやられて。数年前にあったototoyさんのインタビューで、真海子さんが「いつかBlue Note出まーす！」とおっしゃってて。Blue Noteではないですが、すごくいい雰囲気のビルボードでライブされてましたよね？

真海子　やば！　そうですね……（笑）。東京と大阪のビルボードでやりました。嬉しかったですし、しかもバンドっていうのが楽しかったです。chelmicoと別物だから違う楽しみ方で……緊張しました。

basho　俺さ、あのビルボードの時からダイエット始めたんだよね。

一同 （爆笑）

──あのビルボードって1年前ですよね？　それから......？

basho　マイナス25kg。

真海子　すごい〜〜！

──bashoさんを何がそんな風に駆り立てたんですか？

basho　昔っからよくイベントに来てくれてるお客さんにたまたまあって。その人に「CBSのbasho、太り過ぎじゃない〜？」って言われて。

一同　（爆笑）

basho　それで、がーんってなって、それからダイエットした。結構ショックだった。

ryo　すごいシンプルな理由だね。痩せてよかったよ。

basho　痩せた方が良くない？

真海子　まぁ好みじゃない？　自分が痩せたいなら痩せていいと思うけど。

ryo　bashoはいま褒めて欲しかったんだよ。

真海子　あ、そっか。かっこいいよ、いつだって。

basho　ありがとう。そういえばさ、あのリズムマシーン（TR-66）を買った経緯は？

ryo　何かの曲をやるためというより「こういう音好きって」ってことで。こういう機材でって話してたら、「え、買おうかな」って。

真海子　何かと使えるかもしれないと思って。

──アナログマシンは雰囲気ありますよね。

ryo　ね。あの時代のマシンは家具っぽいし。

basho　カッコいいよね、あれ。電子レンジみたいで。

真海子　可愛い（笑）。“山芍薬”で使ったんだっけ？

ryo　ううん。“どっかの土曜日”で使った。“山芍薬”は阿知波さん（shinobu achiha）の持ってるアプリに入ってるリズムマシン。

basho　アプリ？（笑）

──アプリまで使ってるんですね！　で、昨年12月には追加公演が恵比寿ガーデンホールで開催されて。

真海子　クリスマスのときだ。

ryo　ポール・マッカートニーの“Wonderful Christmastime”をやったんだよね。

──『ms』とも相性抜群そうな曲ですね。9月14日にはまたライブがありますが、どんな感じで考えているんですか？

真海子　ちょっとずつアレンジしたりとか、カバー曲も変わったりとか。あとバンドメンバーに1人、サポートを入れたりしようかなって。ドラム、キーボード、ギター、ベース、私。今回そこにパーカッションを入れようと思っていて、思い出野郎Aチームからゲンちゃん（松下源）にポコポコしてもらおうと思って。この間、yonawoとツーマンしたときには思い出野郎Aチームからマコイチ（高橋一）を召喚しました。

ryo　真海子バンドの沼ちゃん（沼澤成毅）は思い出野郎のサポートですね。ちなみに11月にはCBS&Chicken is Niceと鈴木真海子が出るイベントもあります。

──それでは最後に今後の予定を教えてください。

ryo　CBSはそろそろ発売日が出せるんじゃないですか？

真海子　出してくれよ〜！

ryo　宣言しちゃいましょ。僕はソロのEP出そうと思ってます。チューリッヒのお仕事をしたんだけど、それが20分の音楽になってる。それを形にしたいなって。

──リリースが待ち遠しいです。真海子さんはどうですか？

真海子　また良い感じのところでライブをやりたいですね。あと適当にさ、海外の小さいバーとかでやりたくない？

ryo　マジでそういうのやりたいね、小さいところで。

真海子　そう。車回してさ。

ryo　カッコいい。海外ツアー。

──すごく楽しそうですね！　tajimaさんはどうですか？

tajima　特にないかな。なんかまあ、自分次第。自分が頑張れば出るし、今んところ頑張れてないんで。とりあえず、無理せず続けようと。

──ありがとうございます。%Cさんはどうですか？

%C　アルバムを3年前くらいから作ってるんですけど、いまだに完成してなくて。たぶんあと1年くらいかかるかも......。

ryo　何曲目標で何%できているの？

%C　70〜80％はできてる。

──楽しみです。小山さんはどうですか？

Quojama　夏休みの課題は、メインのHPを作り替えることです。

──気になっていたのですが、サイトに表示されてる「Theme: "Ice Climber!"​」ってどういうことなんですか？

Quojama　アイスクライマーっていうファミコンのゲームの色合いを使っているっていうだけっていう。

ryo　シーズンごとにガラッと変えてるんだよね。

──深読みしちゃって、アイスクライマーのキャラクター二人の関係性がなにかに関係あるの？って思ってました。次のテーマが楽しみです。bashoさんはいかがですか？

basho　CBSのアルバムをまず出して.....。あと、客演のお誘いとかもあります。

──作詞業もやってませんでしたか？

basho　ESME MORIに誘ってもらったヒプノシスマイクの曲があったけど、それはあの一曲だけ。ほかで、ソロは3曲ぐらいは作りたいかな。

ryo　まとめると、それぞれがそれぞれのペースで勝手なことやっていきます。