『ブラック・ミュージック』のなかには、音楽批評というものは、それが扱う“音楽”と同様激情に憑かれているように見えるものなのだという要求が、書くことの規則のようなものとして示されていた。これを書いている者もやはり、まだ若く影響を受けやすいときにバラカの格調高い詩の呪文に圧倒され、その後の職業が決定された物書きのひとりに数えられる。

「追悼：アミリ・バラカ　1934-2014」 『フライボーイ2──ブラック・ミュージック文化論集』 （グレッグ・テイト著／山本昭宏、ほか訳／ele-king books）所収

UG Noodleは音楽を作り奏でることと、音楽とその歴史を叙述する激情に同時に憑かれた男であると言えよう。両者は彼のなかで切っても切り離せないものだ。私はこの取材を通して、その創造的な結びつきが、1989年生まれの神戸在住のミュージシャン／マルチ・プレーヤーのいまを突き動かしている事実を知り、感銘を受けた。

この稀有な音楽家はこれまで、『The Indian Waltz』（13年）、『ポリュフェモス』（20年）、『Beautiful Dreamers』（22年）という3枚の魅惑的なソロ・アルバムを発表している。構成要素は、ソウル・ミュージック、カリプソやボサノヴァ、ルーツ・レゲエやラヴァーズ・ロック、スカ、ファンク、インディ・ロック、ヒップホップ、AORあるいは歌謡曲などと多岐にわたる。こう羅列してしまうと、小器用で折衷的なベッドルーム・ミュージックのように思われるかもしれない。が、じつは違う。

基地の町である山口県岩国に生まれ、バンドでの華々しい活躍を夢見て大都会・大阪に居を移し、数年後に失意のなか地元に戻り、そして新たな志をもって神戸にやって来た移動の過程において、こうした音楽はUG Noodleの血肉となっていった。故にチャーミングなサウンドとは裏腹に、特に彼のヴォーカルに顕著にあらわれた“ブルース”は灰汁が強く、色濃い。

変わってゆく同じもの（The Changing Same）──アフリカ系アメリカ人の偉大な詩人／作家、アミリ・バラカ（リロイ・ジョーンズ）が『ブラック・ミュージック』という著作のなかで黒人音楽の核心を捉えたあまりにも有名なコンセプト。つまり、アフリカ系アメリカ人のピープルの民族意識、宗教性／世俗性、（奴隷としての）記憶、ブルース衝動（インパルス）、愛、エモーションは、ブルース、ゴスペル、R&B、ジャズ、ファンクと音楽形式が変化しようとも、歌や演奏、サウンドやリリックに表出する。だから、変わってゆく同じものであるテクノやヒップホップもある、という気高く壮大な思想だ。

この話をすることに躊躇いがないわけではない。というのも、“激動の60年代”を背景に、1966年のアメリカにおいて、黒人の作家が燃えたぎる民族意識をもって提唱した思想を、自分の理屈づけのために都合よく濫用して平気でいられるほど私は無邪気ではない。が、そうした異文化／民族のコンセプトに敬意を払いつつ、新たなアイディアを花開かせることはできる。事実、UG Noodleの音楽にはそれがある。彼は、自身の感覚や経験、感情、すでにあるとされている日本の地域性や自身の肉体性のみを自明視せず、歴史を知的に捉えかえし、固有でありながら普遍的な“変わってゆく同じブルース”を深い地層のなかから採掘し、再構成しようと試みている。端的にいえば、彼がルーツに誠実に向き合った音楽は素晴らしく、西洋化された日本という国でいかに生きるかという一筋縄ではいかない問いともつながっている。私がUG Noodleという音楽家に興味をひかれ、可能性を感じる最大の理由だ。

それはまた自分がヒップホップを通して考えてきたことでもあり、3枚の作品のうち後者2作が、名古屋のストリートのヒップホップ・レーベル〈RCSLUM RECORDINGS〉から出ていることも多くを示唆している。

そして私は昨年（2023年）の夏、UG Noodleの“神戸カリプソ”の美しいギターの調べとリズムに誘われ、神戸を訪れた――そんな風に言えれば格好も付くのだが、実際はUG Noodleからトーク・イベントの出演をオファーされて新幹線で向かった。インタヴューの後半でも触れられる元町にある「楽園レコード」での「軽音楽の夕べ」に参加するためだ。そのときに初めて会って、彼の行きつけのハンバーガー屋「WANTO BURGER」で話を聞き、さらにその後のメールでのやり取りをまとめた。1万字をこえるロング・インタヴューはUG Noodleの音楽遍歴の話から始まる。

──まずUG Noodleというミュージシャンの音楽遍歴から語ってもらえますか。

10歳ぐらいでギターを始めました。父親が弾くから家にあったんです。ギターを弾くようになると音楽の聴き方も凝ってくるじゃないですか。最初はB'zが好きだったけど、それからエアロスミスやレッド・ツェッペリンにハマって。地元の図書館にはそういうロックの他に、セックス・ピストルズやトゥパックとかのCDも置いてあって、中学の頃まではそこでCDを借りて聴いたりしていました。そのうちロックを中心に体系的に聴くようになってブルースまで辿り着く。そして、ロバート・ジョンソンから枝分かれしていった音楽をさらに聴いていくと。

──それは早熟ですね。

だから、僕はブルース原理主義者やと思うんです。それにこだわって音楽をずっと聴いてきたし、だからロックもヒップホップもその他の音楽もシームレスに聴ける。

──音楽を自分でやり始めたのは？

ギターを始めた頃はまわりにプレイヤーがいなかったから、2台のマイク付きラジカセを使って原始的な多重録音をやっていました。一方におもちゃのキーボードでドラムやベースの音を録音し、それをバックで流しながらギターを弾いたり歌ったりしてもう一方のラジカセに吹き込むことで音を重ねていく、というような方法を発明したわけです。世代ではないですが、母の影響で尾崎豊にもハマり、比較的マイナーな曲ですが“坂の下に見えたあの街に”という歌を録った記憶があります。中学から高校にかけては学校の先輩たちと当時の青春パンクみたいなことをやっていました。僕はそんな聴いてなかったけど、銀杏BOYZみたいな感じです。わりと自分がどこに行っても音楽に詳しいから、「これを聴け、あれを聴け」って周りの友だちに言う側だったんですけど、そのバンドのメンバーが広島のクラブクアトロに銀杏BOYZを観に行ったとき、前座で出てきたKing Brothersっていう西宮のバンドにめちゃめちゃ衝撃を受けて、つられて自分の嗜好もそれに影響されてちょっと変わってしまった。King Brothersはザ・ジョン・スペンサー・ブルース・エクスプロージョンに影響を受けたスタイルが基調ですが、当時出した『BLUES』（04年）はガレージ・パンクの金字塔です。そうやって銀杏BOYZが好きな友だちをとおして、King Brothersに出会う、みたいなこともありました。

──いまの音楽性とはだいぶ異なる感じではありますね。

そうですね。高校の頃はまた、楽器屋さんにバンドのメンバー募集を出したり、インターネットで募集したりし始めて。そうしたら、オンラインの募集に反応してきたのが社会人のドラマーだったんです。昔のハード・ロックやレイジ・アゲインスト・ザ・マシーンとかを募集の呼びかけに書いていたから、向こうもこっちが高校生だとは思っていなくて。ともあれ、バンドを始めることになった。で、ドラマーの人に「借りている場所があるから」と連れていかれたのが、「Blue River Studio（ブルー・リバー・スタジオ）」という音楽スタジオだった。町のパン屋さんが個人的に借りていたビルの屋上のテナントにレコーディング・ブースとミキシング・ルームを手作りした場所で、地元のいろんなバンドが毎月1万円を払って決めた曜日に入れるシステムだった。

──カンパ制みたいな感じだ。

そうそう。このスタジオが決定的でしたね。パン屋の人が親切でレコーディングやミキシングのやり方の基本を教えてくれた。「基本は教えるから、その後は自分で頑張って」と。もうそれからは入り浸りましたね。空いているときはずっとスタジオにいたし、交友関係もだいぶ広がって。次第に先の高校生バンドでもバイト代を出し合って「ブルリバ」を借り、そこで知り合った先輩たちに触発されてオリジナル曲を作るようになります。最終的にはすべて自分たちの楽曲でライヴをやっていました。メンバーそれぞれが自分の曲や断片的なアイディアを持ち寄り、僕がバックの演奏を組み立てて、ヴォーカルに歌詞とメロディを考えてもらうというやり方でしたね。まわりには高校生のコピーバンドがたくさんいましたから、彼や彼女らと差をつけるためにも「オリジナルでなければ意味がない」という意識が、「ブルリバ」通いの自分らまわりには過激なまでにありました。

──「ブルリバ」にはどんなバンドが出入りしていたんですか？

The Little Elephant（以下、リトエレ）っていうオーセンティック・スカのバンドを通じてスカと出会えたこともラッキーでした。リトエレは親しいというより、憧れのバンドですね。畏れ多いというか。スカは自分のリズム感覚を作り上げていくうえでとても重要な音楽だった。いまダンス・ミュージックが好きなのもこの頃からスカのビートを聴いていたからだと思う。リトエレのように仕事や家庭を持つ社会人のバンドは、毎週平日の夜遅くに集合してリハや録音に打ち込み、年に数回は各地のパーティへ出ていく。今にしてみると、そうした先輩たちの身振りや音楽との付き合い方を見ていたという経験が、音楽そのものと同じくらい僕の音楽遍歴において重大な経験だったようにも思います。というのも、国民的規模で流行するスタイルを地方で実践すると、現実に馴染まないというか、痛々しい結果に終わっちゃうことってよくありますよね。「ブルリバ」に集まるバンドマンや音楽には、そういう不自然な政治性や違和感がそんなになかった。逆に極端な政治性があったりはするわけですが、それも含めて、価値判断のスケールを形成する過程で重要な空間でした。

──なるほど。

そういえば、先日つくば市の「Club OctBaSS」にUG Noodle楽団として訪れたときに妙な懐かしさを感じたのですが、それは「ブルリバ」に似た自治の気風があったからじゃないかな、と。知り合ったのはごく最近ですが、同じ岩国出身のCHIYORIさんもいて、不思議な時空間でしたね。ともあれ、音楽との付き合い方に関しては、自分の現在地と生活に大きな関わりがあるはずで、そういう感覚を培ってくれたのが「ブルリバ」、そして当時あった「Club SQUAD（旧Rock Bar 666）」でした。

──もちろんUGくんみずからが切り拓いたわけだけど、10代の頃からかなり恵まれた環境に身を置いていたというか、それはいろいろ揉まれるでしょうし、自然とセンスも磨かれますよね。

オーセンティック・スカのバンドもいるし、ニューヨーク・ハードコアのバンドもいるし、僕らみたいにザ・フーのようなルーツ的なヴィンテージ・ミュージックとしてのブリティッシュ・ロックをやるバンドもいて。スタジオに行くようになってからは、録音して、CD-Rにみんなで手分けして焼いて同級生とかに売りまくって、イベントも自分たちで主催していました。いま振り返ると、地元の岩国がめちゃめちゃ重要だったとは思います。やっぱり基地（米海兵隊岩国航空基地）の町だから、戦後に基地のそばにできた日本人のクラブとかが残っているんです。ライヴハウスの文化も独特なものがあって、米兵やアメリカ人も多い。高校生の頃にイベントを主催してライヴをやると、お客さんのうち20人ぐらいが米兵みたいなときもけっこうあって。高校生が6割、あとの4割がアメリカ人みたいな。もちろん、地元の先輩とかもいるわけですけど。比率で言うと、そういうことになっていた。

──それはまた鍛えられそうな環境だ。

僕らのバンドもまあまあ人気で（笑）、ライヴの翌日に町でいきなり「昨日のライヴ、めっちゃ良かった！」とかアメリカ人に話しかけられるようになって。高校卒業の時期に、スタジオのパン屋さんが「市民文化会館を借りて高校生のイベントをやったら面白いんじゃない？」って提案してくれて、実際にやったら300人近くも集まって。

──それはすごい。基地の町という話が出ましたけど、記憶にある出来事とかはありますか？

こどもの日に基地が解放されて全国から人が集まって、飛行機ショーがあったり、ビッグ・バンドのライヴがあったり。でも、そんなに面白い経験があったわけでもなくて。広島が近いのでとうぜん平和教育があって、僕はわりとそういう教育に強烈に食らっていました。ジョン・レノンのスタイルにも影響を受けて、自分がやる音楽の必然性みたいなものを追求していたから、「平和とは何か？」と言いたがるロック・ミュージシャンみたいな感じもありましたね（笑）。加えてライヴハウス界隈にはスキンヘッズもいるし、「何を信じたらええんじゃ！」という状態でした。通っていた中学校から100メートル先が米軍基地だったから、2011年に911（アメリカ同時多発テロ事件）が起きたときには基地の警戒レベルが最大になって、基地のフェンスに近づいたら銃を向けられるという噂もあった。それが事実かどうかはともかく、そういう言説にリアルに晒されるのが基地の町で生きるということでもあるので。

──僕が岩国で思い出すのは、ヒップホップ・グループのHIGH5です。『#MAJI超』（12年）は日本のヒップホップの隠れた名盤だと思うんです。その頃活動していました。知ってます？

ああ！　フライヤーで見て名前は知っていました。自分の上の世代にはヒップホップのコミュニティがあったみたいなんですが、ぜんぜん接点はなくて。でも、もしかしたら「SQUAD」のキャッシャーのバイトとかしてたかも。何せ「IWAAKLYN（イワックリン）」というコンセプトだけは強烈に覚えています。

──地域性をユーモラスに打ち出していましたよね。

自分はMTVを観たり、友だちが教えてくれるエミネム、ドクター・ドレー、スヌープ・ドッグを聴いたりして、個人的に中学の頃にヒップホップにハマりましたね。インターネットでいろいろ音楽をゲットしてCDに焼けることに気づいて、それを人に自慢していたら、当時付き合いのあった不良の友だちが基地のアメリカ人から「この曲を手配しろ」っていう曲のリストを渡されて、それが回ってきて（笑）。アシャンティとかジャ・ルールとか。「これがいまイケてるヒップホップなんだな」って思いながら聴いていましたね。知識とともにそういう経験もあった。

──いい経験だ。高校卒業後はどうしたんですか？

「ブルリバ」とは関係ないんですが、一時期いっしょに音楽をやっていた先輩が先に大阪に住んでいたので、そこに行こうと。当時は音楽で華々しく食べていきたいと考えていたし、進学校でもなかったし、周りに大学生もいなかったので、大学に行くという選択肢はなかったですね。まだ漠然と、とりあえず都会に出なければダメだろうと思っていた。それで大阪のスタジオでバイトをしながらインディ・ロックみたいなバンドをやっていた。そのバイト先の先輩が僕と同じくshe luv itのメンバーで、彼のことは実は「ギャングだったあの頃」（『ポリュフェモス』収録）という歌のなかにも織り込んであるんですが、その人を介して杉生くん（CE$）と知り合った。she luv itに出会うまでは、生粋のライヴハウス・キッズだったけど、杉生くんと知り合ってからクラブにも行くようになったし、音楽の聴き方が大きく変わりました。

──それでshe luv itにも参加すると。UGくんはCE$くんがマネージャーを務めるtofubeatsの曲に客演で参加もしていますね。

はい。she luv itってメンバーがたくさんいて実態がよく掴めないじゃないですか。「それでいいんだ！」って思いましたね。sumahama?（神戸の塩屋に集まったミュージシャンで結成された「インドアポップ共同体」）をはじめたときも、なんとなくshe luv itの組織論みたいなのを参考にしていたかも。「バンド」って言うと「絆」とか、窮屈な規範を呼び込んでしまうところがありますが、she luv itは「ポッセ」ですよね。それは後年に「ベ平連」や小田実の流動的な組織論に触れたときにも同じようなことを思いました。すこし脱線してしまいましたが、ただ音楽でなんとかしたいと考えて4年間ぐらい大阪でインディ・ロックをやったけど、行き詰まっちゃって。お客を呼べなくてノルマを払わされるライヴハウスのシステムもイヤだったし、シンプルに負担だし、辟易していた。だいたいアメリカ村にいたんですけど、わざわざそこに馴染む必要もないかと思い始めて、2010年の暮れ、22歳の頃にいちど岩国に、というか「ブルリバ」に戻ろうと決意するんです。その後も杉生くんとは連絡取り合って、いまに至りますけどね。

──そして、それからいよいよUG Noodleというソロ・ミュージシャンとしての活動が始まるわけですね。

大阪時代にパーマをかけてたんでバイト先で「ラーメン」というあだ名を付けられて、Noodleならアジアっぽいし、ゴリラズのギタリストとも同じ名前だし、いいなと思って名乗るようになりました。これは後付けですが、”noodle”という単語には「頭脳」とか「（ギターで）さりげないフレーズを即興で弾く」とか、いろんな意味があって面白いんです。ラーメンは豚骨が好きです。また話が逸れましたが、大阪時代は自分のパソコンを持っていなかったんですけれども、地元に帰る直前に手に入れて、とにかくスタジオに籠って制作していましたね。曲を書いて、演奏して、録音を重ねて、ひとり10役ぐらいやっていた。いまはDAW上で打ち込んで済ませていますが、ドラムまで叩いていましたから。そうやって、ファースト・アルバム『The Indian Waltz』（13年）を完成させた。だから、ファーストは地元の岩国で作っていて、『Beautiful Dreamers』（22年）にも地元で録音したものがけっこうある。“神戸カリプソ”とかそうですね。あれは神戸に引っ越す前に書いているので。

──当時『The Indian Waltz』はレコード屋さんのコメントか、レーベル側の公式インフォかはわからないのですが、渋谷系みたいにも書かれていました。だけど僕は、坂本慎太郎がゆらゆら帝国を解散したあとに出したソロ作品に通じる密室感があると思って。『幻とのつきあい方』（11年）ですね。

「ブルリバ」で音楽を作り始めた頃に、まさに坂本慎太郎が最初のそのソロ・アルバムを出して。実際、坂本慎太郎の作品は自分にとって大きかったんですけど、そのまま影響を受けてやったらただのパクリになってしまうから、そのエッセンスだけを抽出して自分のスタイルに反映するということを常に考えながら聴いていました。ゆらゆら帝国は聴かず嫌いをしていたけど、『幻とのつきあい方』に入っている“君はそう決めた”という曲は、サウンドやリズムはもちろんのこと、歌詞が突き刺さりましたね。大阪で挫折して、頭もおかしくなってて、大阪駅のトイレのゴミ箱に電話を捨てて逃げるように帰ってきた自分にとっては、救われるような聴取体験でした（笑）。

──そこまでの経験があったとは……！

地元ではスーパーの惣菜工場とかで派遣のバイトをして、本当に嫌な目にあったりしていたし、東日本大震災と原発事故もあったし。そんなときにラジオから流れてきたキリンジによるピチカート・ファイヴのカヴァー“陽の当たる大通り”（02年）も、本当に死ぬほど聴きました。『Beautiful Dreamers』の制作には大阪で知り合って以来いまもいっしょに音楽をやっているTakashi Kusudaがサブ・プロデューサー的な役割を果たしていますが、彼から教えてもらったニック・ドレイクやヴァシュティ・バニヤン、チェット・ベイカー、そしてキース・ジャレットの『Melody at Night, with You』（98年）とか、内省的で優しい音楽に目覚めた時期でもありました。彼の影響を受けて初めての海外旅行でインドに行ったりもして。あとは、ひとりで制作するようになったこの時期に初めてはっぴいえんどを聴いたり。

──『Beautiful Dreamers』に入っているチャーミングなリズムボックスが印象的な“アメリカは遠いから”では、インド旅行について歌ってますよね。

細野晴臣の『HOSONOVA』（11年）もよく聴いていましたね。大阪に行ってファンクを聴くようになって音楽のグルーヴにこだわり出したのも重要で。あと、自分のヴォーカルのピッチ補正はある程度しかしないので、耳ざわりがいい歌ではないと思うんです。無理やりトリートメントしてしまうと、肝心の部分が全部なくなってしまうから、たとえばちょっと音程が外れている部分も残している。グルーヴや歌い方の「クセ」へのこだわりは、高校生の頃から好きで聴いていたファレル・ウィリアムスやN.E.R.Dも影響しているのかもしれない。イントロのクセで「ファレルか！」てなりますもんね。ですが、それこそブルース原理主義者たる所以といいますか。だって、DAWでピッチ補正されたブルースなんて聞いたことないですから。もちろん、最新のテクノロジーを採り入れてジャンルをアップデートしていくことが音楽全般において重要な仕事だということは認識しています。でも、その過程で失われてしまうもの――たとえばプレイヤーにとっては「一過性の呼吸」、リスナーにとっては「寛容な耳」とでも言いましょうか――そういうものを取り戻したいという気持ちはあります。そうしたなかで、また先ほど挙げた内省的な音楽からの影響も踏まえて、声やノイズやグルーヴを含めた「クセ」とか「質感」とか「訛り」のようなものこそが、何よりも音楽家のアイデンティティであり、オリジナリティでもあると確信するようになりました。

──そう、ヴォーカルに特に顕著ですけど、UG Noodleの音楽はミキシングが面白いですよね。そこまで岩国で音楽制作に打ち込んでいたのに、どうして神戸に？

昔から海外の音楽の歌詞を写したりして英語を習得していって、英語だけはめちゃくちゃ得意だったから、それを仕事に活かせないかと考えて大学に行こうと。それで探していたら、夜間部で大卒と教職免許が取れて、しかも社会人向けの特別入試枠がある公立大学があると知り、これは「渡りに舟」だと。そんなわけで、2014年、24歳の頃に大学に入りました。同じように疲労に満ちた惨憺たる表情を浮かべて、しかし目だけは妙にギラついている社会人たちが夜な夜な集まってきて、授業が終わったらよりいっそう目をギラつかせて帰っていく、という感じでした。

──専門は何でしたか？

いわゆる英米文学ですね。ゼミの先生はアメリカ人で、ビート文学の研究者でした。アメリカのカウンター・カルチャーについてのゼミだったので、ブラック・アーツ・ムーヴメント（アフリカ系アメリカ人の詩人／作家／活動家のアミリ・バラカが牽引し、60年代中盤から70年代中盤まで展開された芸術運動）をテーマに卒業論文を書くことに決めました。音楽と文学の交差に興味があったので、W・E・B・デュボイスからアミリ・バラカ、ザ・ラスト・ポエッツに至る反レイシズムと大衆芸術運動の歴史を自分なりに解釈し、英語で書きました。

──それはとても興味深い。それこそちょっと前に邦訳が出たグレッグ・テイトの著作『フライボーイ2』に所収された「追悼：アミリ・バラカ」でブラック・アーツ・ムーヴメントについて詳述されています。そして、いまは博士課程にいると？

そうですね。博論執筆のために在学期間を延長している状態です。ざっくりと言えば、アミリ・バラカがやった仕事のひとつは、白人の視点から書かれたジャズの歴史をアフリカ系アメリカ人の大衆音楽史として書き直すべく、奴隷制とそこから生まれたブルースへと再接続する作業だった。改名前のリロイ・ジョーンズという名前で書かれた有名な『ブルース・ピープル』（63年）のことです。その仕事は、論理的客観性や歴史学の体系といった西洋アカデミズムの土俵の上で、レイシズムに与しうるジャズの言説に対して戦闘的な態度で抗っていく活動であったように思います。音楽について語るという行為が人種差別的な国家権力に結びついていく過程と、コミュニティに根差した主体的な言語やサウンド、芸術による表現を通じてこれに対抗する文化運動――そうした一連の歴史と力学に興味がある。

──グレッグ・テイトは、「“音楽”が“闘争”となるにいたった歴史と、そのことがもつ社会・文化・政治的な意味を理解しようと望む者にとって、リロイ・ジョーンズ名義で書かれた『ブルース・ピープル』（1963）が基本文献なのは間違いない」と書いています。そうしたアミリ・バラカの偉大な仕事をある意味では引き継ごうとしながら、UGくんがいま取り組んでいる研究はなんでしょう？

翻って、現代日本の主流なポピュラー音楽の動向を俯瞰していると、ときどき第二次世界大戦中の体制をいまだどこかに引きずっているように感じることがあります。まだここではっきりと言うことはできませんが、そのことについて自分の問題意識から批判的に捉え直してみる価値はあるように感じています。それでいま、淡谷のり子が歌った「別れのブルース」（37年）を起点にして、アジア・太平洋戦争、第二次世界大戦中の総力戦体制下におけるポピュラー音楽とナショナリズムの関係、その戦後社会への連続性と断絶といったことを中心に研究しています。

──それは重要な仕事ですね。そのように研究者として研究することと、ミュージシャンとして音楽を作ることは本人のなかでどうつながっているのかについても聞きたいです。

研究活動と、みんなで音楽を作ったりレコードを漁ったりパーティを開いて遊んだりする音楽実践は、フィールドが違うだけで本質的に共通する部分がいくつかあると感じています。たとえば、神戸や尼崎にそうした音楽が聴かれていたダンスホールが過去に存在した史実を知ることで、現代に生きる自分が街で行われるパーティに行くときの空間のとらえ方も変わる。街の表情が見えてくる、といった感じです。いまは無きかつての元町高架下商店街、通称「モトコー」で欲しいレコードを探していると、土や泥にまみれたレコードを見ることが何度かありました。同じような汚れ方をしているものをよく見るのでレコード屋のひとに聞いてみると、どうも阪神淡路大震災のときに被災したコレクターの方の遺品なんじゃないか、ということなんです。これは研究ではないのであくまで憶測、というか伝聞ですが、そういうことは十分にあり得ますよね。音楽を求めて歩き、思いがけず、自分の知らない街の埋もれた記憶に触れた時に感じる、現実の質感。そういう歴史の手ざわり、それも有名人ではなくて、自分のようにかつてこの道を通った普通の人の存在の痕跡を求めてのことなのかもしれません。生きていたら仲間になれたかもしれない人だって大勢いたでしょうし。だから、研究のための史料を市内で探すこともよくあります。なんと言ってもモダン国際都市ですからね、神戸は。街で遊ぶことが、近現代の日本文化史ついて研究するための手がかりを探す作業も兼ねている、というか。

──それこそ昨夜、神戸から元町の方まで歩いて案内してもらいました。

なんでしょうね、資料にあたって前後の歴史的文脈を整理しているなかで生まれてくる仮説もあれば、研究に行き詰まってクラブに行き、夢中になって踊ったり、友だちとしゃべっているあいだに思考が論理的なレベルで整理されることもある。そのうち、資料に当たるということは、クラブで誰かに会って話をするのとあんまり変わらないんじゃないかと思えるようになりました。その成果がいま自分のいる現場に少しでも貢献するようなものであればいいなという願望はありますが、研究活動ではアカデミック・ディシプリンに即した厳密さ・緻密さを心がけています。とはいえ、ひとつのアルバムを構築していく上でも、特にミキシングの段階ではセルフ・ディシプリンに即した厳密さ・緻密さが要求される過程はあり、そうなるとこのふたつの作業には、巨視的に見れば同じような局面があるわけです。「理屈と膏薬は何処へでも付く」と言われそうですが、ともあれ研究活動と音楽実践は、いずれも現時点での問題意識から出発して街あるいは言説空間の中を歩き、さまざまなアイディアを取り込み、新味をひねり出していく行為であるという点で共通しています。取り止めのない話になってしまいましたが、音楽活動と研究活動のいずれも、自分が現在地において創造的な未来を構想するために欠くことのできない重要な作業であると考えています。

──いい話だし、すごくよくわかりますね、言いたいこと。

だから今回のような「歌謡曲と第二次リズム〈永久〉革命」というトーク・セッションとDJのパーティを同時にやるイベント（「軽音楽の夕べ」）を企画していますし、それは表現の次元においてもそうです。というのも、バンドをやっていた頃は何を歌っていいのか悩んでいて、音のリズムの方ばかり考えて、日本語じゃなく英語のフロウでもたせていたんです。日本語の詩では内容をもたせられなかった。初めてのソロ作品『The Indian Waltz』で作詞にこだわり始めて、ようやく思い通りに日本語の詩を書けるようになってきて。その頃から本も読むようになった。

──セカンド『ポリュフェモス』（20年）の10分をこえるラストの曲は、前半が日本語、後半は英語と歌い分けていますね。

あれには「ブルリバ」で聞こえていた岩国駅前交差点の信号の音が入ってますね（笑）。神戸に引っ越して来てから、トッド・ラングレンやニッキー・ホプキンスといった70年代に名作を残したとされているシンガー・ソングライターを一生懸命聴くようになって。セカンド以降は、そういう音楽を意識しているし、自然と反映されてはいると思いますね。10代の頃は山崎まさよしや斉藤和義も好きでしたし。あとなにより、神戸に来てからレコード屋で働いていたんですけど、そこで知り合ったJAH SOCKや火男といったDJの人らに教えてもらった和モノが、自分がこの街にいて、日本語でどんな詩を書いて、どんな歌を歌うべきかについて大きな示唆を与えてくれた。特に火男のMIXCD『ばらソースMIX』が衝撃的に良かった。歌謡曲の言葉、詩がすごく良くて、信じられない物語を滲ませている。あのMIXを聴いたことも、日本語にこだわって歌うことにハマったきっかけですね。

──この約10年でほぼひとりで濃密なソロ・アルバムを3枚作ったわけですよね。

いやあ、ひとりの制作は時間がかかり過ぎるし、宅録は頭がおかしくなるからもうやりたくない（笑）。正直、ブライアン・ウィルソンを乗り越えたいぐらいの気概も持ってやっていましたけど、ひとまずいいかなと。日常生活と折り合いがつかなくなってしまうので。いまはUG Noodle楽団というバンドでライヴをしていますね。みなさん演奏力があるので、コード進行を書いて渡してこんな感じでと伝えれば、できる人たちですし。ジャズ・スタンダードをやるような気軽さで自分の曲を演奏して、歌いたい。その場で集まって、気取った演奏をして、お客さんをひとりでも爆笑させて解散する。いまはそういう音楽との付き合い方が生活への負担が少ないし、楽しいですね。結局、どこにいても行き着くところは同じだということです。

名古屋の名門レーベル〈RCSLUM RECORDINGS〉から、鹿児島を拠点に活動するハードコアバンドLIFESTYLEのEP『MY LIFE IS MY LIFE』がリリースされた。

〈RCSLUM〉からリリースされてきた作品の音楽性は多岐にわたる（詳しくはレーベル主宰ATOSONEのインタビューを参照）。TYRANTのYUKSTA-ILL、HIRAGENをはじめ、Campanella ＆ TOSHI蝮、RAMZA、Nero Imai、MIKUMARI、MC KHAZZ、HVSTKINGS、OWL BEATS、CROWN-D、UG Noodle、若手ではhyunis1000、nazcaなど。群を抜く才能を持つラッパーやプロデューサー、シンガーソングライターが発表してきた作品は、そのどれもが高純度の独自性を放ちながら、高強度で豊潤な音楽性が落とし込まれている。

そんなレーベルから今回放たれるのは「ゴリゴリでストレートなハードコア」のアルバムだ。バルチモアのバンドTURNSTILEを代表とする世界的なハードコア・リバイバルが勢いを増す中で、鹿児島のフッドスター、LIFESTYLEが〈RCSLUM〉からリリースする。そこには大きな意義と野望がある。

『MY LIFE IS MY LIFE』には鹿児島ユナイテッドFCへ向けた応援曲“3POINTS”やYUKSTA-ILLが客演した“LIFESTYLE PT.2”、まさかの紛れもないレゲエレジェンド、リー・ペリー（Lee "Scratch" Perry）のダブを含めた5曲が収録。異形ながらもど真ん中を突き進む作品だ。

本記事では、鹿児島のLIFESTYLEと名古屋の〈RC SLUM〉が手を組んだ文脈、そしてハードコアの原点を辿っていく。インタビューに答えたのはLIFESTYLEのギター・YOHEY。YOHEYは新たに結成されたオールスターバンドIT'S ALL GOODでの活動も話題になっている。聞き手はDJ／音楽ディレクターのCE$、〈RCSLUM〉主宰ATOSONEが担当した。

CE$　YOHEY君はアメリカに住んでいたんですよね。

YOHEY　そう。1999年の初めから、2004年の終わりくらいまでアメリカにいた。LIFESTYLEを組んだのは俺が帰国してから。色々と話は聞いていたけど、日本のハードコアシーンのことは全く知らないままバンドを組んだ。渡米のきっかけは英語の学校に通うことで、最初の3ヶ月だけちゃんと行った。その後、学校には行く気にはならなかったけど、アメリカには住んでいたかった。その後は年に20万くらい払えばビザも出してくれた。でも、ちょうど911があった。それから摘発が厳しくなって、見つかったら強制退去。危機を察してそのタイミングで学校も辞めた。でも何となくノリもわかったし、まあいけるかって感じで、それからXXXXだったね。

CE$　どの街に住んでたんですか？

YOHEY　ずっとボストン。NYも行きたかったんだけどね。絶対NYに引っ越そうと思ってたんだけど、住めば都だった。それで、ボストンでバンドも始める。NYは近いからたまにライブや遊びにも行けるし。NYに遊びに行ってた時、二十歳くらいのCE$も同じ場所にいたかもしれないんだよね。Castle Heights（※かつてNYにあったライブハウス）で。

俺は音楽はパンクから入ってるんだけど、ボストンに初めて来たとき、フライヤーを頼りにレコード屋を探した。ちょうど地元だとBLOOD FOR BLOODが〈VICTORY〉（※VICTORY RECORDS：数々のハードコアやエモのバンドを輩出してきた名レーベル）から2ndアルバム（『Revenge on Society』）を出した直後だったかな。あとボストンのすぐ下、コネチカットのDEATHTREAT。みんなめちゃくちゃライブやってた。ボストンならIM MY EYESやTEN YARD FIGHTとかも勢いがあった。でも、当時はBLOOD FOR BLOODの勢いが凄かったな。一番喰らったかも。とにかく〈VICTORY〉が凄かった。

CE$　ボストンのライブハウスにはよく行ってたんですか？

YOHEY　しょっちゅう行ってた。バンドがツアーで回ってきてた。CANDIRIA（※NYのラップやジャズ、フュージョンなどを取り入れたメタル／ハードコアバンド）が2枚目（『『Beyond Reasonable Doubt』）を出した時を覚えてる。

CE$　あの時代がハードコアというジャンルのピークの1つだったような気もします。BAD BRAINSやBeastie Boys、MINOR THREAT、FUGAZI、LORDZ OF BROOKLYNといったレジェンド的な存在に触れたいところですが、現在はボルチモアのハードコアバンドTURNSTILEの人気が爆発していて、世界的なハードコア・リバイバルが起こってる。彼らは現代のBeastie Boys的なイメージで、世界最大級のヒップホップフェス＜Rolling Loud＞のマイアミには、トラヴィス・スコット（Travis Scott）やエイサップ・ロッキー（A$AP Rocky）らと並んで出演しているほどです。その波が日本にも来てる気がする。

YOHEY　確実に来てるね。こないだも若い子と喋ってて、こっちが知らんバンドとかいたもん（笑）。詳しくてびっくりするよね。自分たちも最近になって若い子のイベントにも呼んでもらうことが増えた。俺たちを聴いたことない人たちもいるだろうけど、それはそれでカマすだけだけどね。

CE$　その若い子たちの頑張りで、認知度が高まってる感じもある。それに自分たちの世代と比べて、少しジャンルの違うバンドも分け隔てなく一緒にやったりするんですよね。そんな中、YOHEYくんのLIFESTYLEが〈RCSLUM〉からリリースすることになった。その経緯をお伺いしてもいいですか？

YOHEY　LIFESTYLEは鹿児島を拠点に活動しているけど、やはり中心からは離れた場所だし、独立国家みたいでもある。良い面も悪い面もあるけど、街が小さいし他のシーンの人たちと距離は近い。お互いが影響しあう感じもある。遊ぶときは一緒に遊ぶ。スタンスはそんな感じ。それで今回リリースするにあたって、まず一番は色々なことを共有したいと思った。今までずっとほぼ自主で出したけど、今回は初めてレーベルから出したい気持ちが芽生えていたんだ。その流れで、〈RCSLUM〉に白羽の矢が立つ。

ATOSONE　YOHEYくんたちは、名古屋のハードコアが少し下火になった時、いきなり現れた。ビートダウンもある、ゴリゴリでストレートな不良のハードコア。あの頃は皆がヒップホップにいっちゃったりしたけど、そこにLIFESTYLEがグワッと出てきたからバチクソにやられて、心を持っていかれた。一回原点に戻す、そんな衝撃を喰らった。名古屋の自分の周りでは、正直もしかしたらNYハードコアってダサいんじゃない？ってところまでいってた時期があった。それをLIFESTYLEにガッと戻された。全てを度外視してきた。

YOHEY　たまたまそういうタイミングだったんだよね。でも、名古屋はライブに人は入るけど、最初はメチャクチャ様子見されるっていう話を聞いてて、俺たちも一番最初はそうだったかも。正直、LIFESTYLEは日本に帰ってきて各地に知り合いもほとんどいないまま組んだバンドで、歳はまだ若かったのに本場のアメリカから帰ってきたばかりという変なプライドもあった。それを名古屋の超オシャレなギャングたちに折られる（笑）。でも、そのあと仲良くなるのもめっちゃ早かった。そんな出会いがあったね。

ATOSONE　LIFESTYLEは地元のスーパースター。俺らは東海にFACECARZというスーパースターがいた。MADBALLのフレディみたいなハードコアのスーパースターみたいな奴がいて、そういう奴が地元をもっていっちゃう。そういうバンドの良さも感じた。

CE$　ヒップホップと一緒で、ハードコアにも街の音楽としての意義がある。

ATOSONE　無いと意味がない。でもLIFESTYLEはそれがある。街の音楽である上で、その後にどうするのか。鹿児島を制覇した、その次の手助けが出来れば良いと思った。

CE$　そうしてリリースされる作品ですが、全体を通して90年代のEAST COAST HARDCORE（※主にタフガイ、極悪系、メタリック、ビートダウンなどの言葉で語られることが多いジャンル）を感じる曲が多いです。

YOHEY　やっぱりあの辺りのバンドが一番好きだからかな。もちろん他の土地の音楽も聴いてたけどね。

CE$　一曲目“913”は速いパートから途中でグルーヴィーに落とす展開ですよね。全体を通して90年代の東海岸の中でも割とオーセンティックな世代のハードコアへの愛を感じました。特に後半はリフやグルーヴ、ボーカルの方の歌いまわしとかLEEWAY（※NYのハードコアバンド）っぽさがあって。曲はどう作ってるんですか？

YOHEY　基本は俺が家でギターから考えて、そこでドラムもある程度まで作ってしまう。それをスタジオ練習で持っていって、メンバーに伝えるという流れ。俺たちのバンドは長いから、その辺りも意思疎通が出来てる。作曲はガーっと弾いて自分で覚えておく。あとはそれを口頭で伝えて、スタジオで詰めていく。歌詞はボーカルが書く。内容はメンバーで共有もするけど、ある程度はボーカルに任せてるかな。曲を作るとき、最初にテーマを伝えることもあるけど、基本はボーカルに任せてる部分が大きい。歌詞が出来たら見せてもらって、それをメンバーでまた少し話し合ったりとかもする。

CE$　さらに、今回はYUKSTA-ILLがフィーチャリングする楽曲“LIFESTYLE PT.2”が収録されていますよね。どういう経緯ですか？

YOHEY　“LIFESTYLE PT.2”は実は6年以上も前に作っていた曲。トラップが流行っていた時期で、トラップコアみたいなのを作りたかった。最初にAメロを作って、ラッパーを入れたいと思った。ちょうど曲が煮詰まってきた頃にYUKが鹿児島にライブで来てて、YUKは〈RCSLUM〉はもちろんTYRANTの時代から知ってて、何回も遊んで仲も良かったし、すごい好きなラッパー。だからタイミングもバッチリだったし、もうそこで録ろうと。

CE$　あの曲のイントロはソウルのサンプリングですか？

YOHEY　うん。昔たまたま見つけて買った、メッチャ古いジャマイカンソウルの7インチ。ラベルに「AFRO」って書いてて、それがカッコ良いんだよね。

CE$　ヨウヘイくんもレコードを結構集めてるんですか？

YOHEY　まぁちょこちょこ。DJってほどじゃないけどね。鹿児島にはレコード屋が何軒かあるけど中古レコード屋ばかりで、ちゃんとセレクトされたレコード屋は少ない。フレンチポップ色が強いお店が一軒ある。

CE$　そうなんですね。九州は中古レコードが強いイメージがあります。福岡はもちろん、印象的だったのは熊本で、ダンスミュージックやヒップホップは少なくて、独特なジャズやレゲエの中古レコードがたくさんありました。そこで気になったのは、最後に収録されてるリー・ペリーのダブ、あれはどういう経緯で？

YOHEY　これは元々十何年か前、レゲエのサウンドをやってる友だちがダブを録るって言っていて、そこで俺らも録りたいって、ノリで始まった。そのリストを見せてもらったらリー・ペリーがいて。彼に連絡したんだけど半年くらい返ってこなくて、その時はあぁヤラれたかもねって話してたんだけど、その時リー・ペリーはスイスにいて、ようやくスイスの山奥から降りてきたと。

俺らのVo.カネキはレゲエのセレクターもやってるからめちゃくちゃ詳しい。カネキが鹿児島タワレコのバイヤーをやってるときはメチャクチャ品揃え良かったっていうくらい。そのこともあって、リー・ペリーにお願いしようとなった。でも最初音源が来た時はオケが付いてて、それが恐らくジャマイカの古いバンドの演奏だった。でも、これはちょっと違うなとメンバーでも話して、アカペラだけ使うことになった。アツシというLIFESTYLEの新メンバーがいるんだけど、そいつと俺で打ち込みの全然違うオケを作った。

あのダブでリー・ペリーがシャウトしている内容は、最初「BIG UP LIFESTYLE」で、「BTO PRODUCTION」という俺らがやってるプロダクションが続く。次に「SOUTH JAPAN REBELS」。「SOUTH JAPAN REBELS」はユースケくん（※福岡のハードコアバンドSTARTERのVo. ／福岡のアパレルショップ・アートギャラリーSQUASHのオーナー）とか、昔から九州にいるハードコアのあつまりを括った名前。あんまり最近はその名前も使ってないけどね。リー・ペリーにはこうシャウトしてほしいと伝えてる。

CE$　なるほどです。豊潤な音楽性が含みつつ、今回の作品はオーセンティックでトラディショナルなカッコ良さがありますよね。

ATOSONE　そう、忘れられない良さがある。そして、カネキが歌うのよ。歌心がある。

CE$　メロディーラインやセンスは色々な音楽を聴いてるからこそ出来ることですよね。

YOHEY　バンドの音楽的な話をすると、もちろんメンバーは色々な音楽を聴いてる。最近は昔聴いてたのをもう一度聴き直したりとかもしてる。俺はDeftonesが好きなんだけど、ハードコアに傾倒してた時期もあったからセルアウトっぽく見えて一度興味なくなったりしたのが、また最近になって聴けるようになってきた。メタルもパンクも、クラブミュージックも、もう少し素直になって消化したい。そういう中で音楽的にアウトプットしたいものも変わってきてると思う。それも自然なことかなって。

CE$　俺は今回のLIFESTYLEの作品を聴いて、要らないところをそぎ落としたような、自分の好きなハードコアの部分を聴けたと思いました。この作品をキッカケに、様々な音楽が流行ってる中で、初めてハードコアに触れる中学生や高校生とかがいるとしたらベストだと思ったんですよね。どっちにもいけるというか。LIFESTYLEからグルーヴィーな音楽を掘る人もいるかもしれないし、過激な音楽の方にハマる人もいるかもしれない。そのきっかけとなる音源として、このLIFESTYLEの作品がある。例えばナズ（Nas）やウータン（Wu-Tang Clan）を聴いたら誰もが首を振れるわけじゃないですか。それに近い感覚がある。オーセンティックという言葉が似合う。

YOHEY　自分で言うのもアレだけど、この作品はめっちゃキャッチーだと思ってる。あとはグルーヴ。この2つには特にこだわってる。俺はそのつもりでいる。

CE$　今回は〈RCSLUM〉からLIFESTYLEのアルバムが出るってことで、〈RCSLUM〉を追いかけてる人も聴くだろうし、LIFESTYLEを追いかけてる人が〈RCSLUM〉に触れるキッカケにもなるはずですよね。

ATOSONE　レーベルとしては、最南端の街のバンドとやる面白さや、ハードコアとクラブカルチャーを混ぜるような感覚もある。LIFESTYLEは単純に踊れるから、NYのヒップホップ、例えばナズやビギー（The Notorious B.I.G.）を聴く感覚で、LIFESTYLEの曲でもリスナーは踊れると思う。最近のヒップホップでも過剰な低音が出てたりするでしょ？　あれの正真正銘の音を見せつけられたら、もうちょっと分かってもらえるんじゃないかなって。

YOHEY　狭い街だからっていうのはあるかもしれないけど、鹿児島でも活動の当初からヒップホップのシーンも一緒だったし、受け入れてもらってた。だからRC SLUMから出することも俺らにとっちゃ必然的だった。名古屋にはWITS ENDというバンド、M.O.S.A.D.というグループがいて、みんな同じくストリートの音楽だったわけでしょ。ヒップホップやハウスもストリートの音楽だと思ってるけど、俺はやっぱりハードコアが好き。だからハードコアで一発獲りに行きたい。

名古屋の名門レーベル〈RCSLUM RECORDINGS〉のオリジナルメンバーの一人であり、一聴で引き込まれるシグネチャーフロウを異形のサウンドに乗せ、数多の“殺し文句”を運んできた酔いどれMC・MIKUMARI。 地下シーンで絶大な支持を集めるMIKUMARIはセカンドアルバム『FINE MALT NO.7』以来5年ぶりのサードアルバム『CONVERSATION』を2022年8月10日にCDでリリース。2023年1月6日、本作の配信がスタートした。

『CONVERSATION』にはMC KHAZZ、ハラクダリ、RITTO、CROWN-D、Campanella、ILL-TEE、JP a.k.a. chillwiredらが客演。プロデューサーには盟友OWLBEATSに加え、MASS-HOLE、DJ HIGHSCHOOL、RAMZA、RYO KOBAYAKAWA、Ne4R、RUIなど、シーンを切り開いてきた立役者から注目の新進気鋭まで、あらゆるアーティストが参加している。 MIKUMARIの作品には唯一無二のオリジナリティがあり、シーンで妖しい輝きを放つ。熾烈に言葉を吐き出し続け、強烈な印象を焼き付けたファーストアルバム『FROM TOP OF THE BOTTOM』。OWL BEATSと共に屈強なグルーヴを完成させ、特異なムードを解き放ったセカンドアルバム。そしてビート・ミュージックやダーク・アンビエントの世界観を折衷させたクリスタルな音像とギャングスタ・ラップを独自に昇華させ、哲学とユーモアをブルージーに焼き付ける、新たな地平を切り拓いた最新作『CONVERSATION』。ソロ作品のみならず、クルーやコラボ作品まで、MIKUMARIのディスコグラフィーは強烈な酩酊感が漂い、その言葉には聴き手を奮い立たせる力と胸に迫る哀愁がある。 『FROM TOP OF THE BOTTOM』から約10年。本記事では聞き手に〈RCSLUM〉主宰のATOSONEを迎え、これまでの軌跡を振り返っていくとともに、環境や心情の変化と揺らがぬ活動指針を掘り下げた。それでは、半生を共にしてきた2人から到着した会話をご紹介しよう。

──『FILE MALT No.7』から5年振りの作品だけど、それから色々変わってるよね。このアルバム聴いてると心境の変化を感じるよ。 それが一番大きいかな。色々環境が変わったし、結婚したり、子供ができてちゃんと仕事をし出したりとか。これまでの作品については、自分の感情も荒んでたし、そういう中で生まれた曲だったから。今回は環境が変化してからのおふざけだったり、でも基本は変わらないよ。 ──例えば、俺らが憧れたヒップホップはアメリカも含めてだけど日本はかなり変わってきたよね。 ファーストを出した時とは世界が違うし、セカンドを出した時ともえらい違う。 ──ファーストを出した頃に遡っていくと、あの頃はその土地に根を張ったスターがいたよね。ヒップホップはそんなに浸透していなかった時代で、レベルミュージックだった。親が子供に「そんなもの聞いちゃいけません」って言う音楽。市民権を得てなかった。みっくんにとってラッパー像とはどういうものなの？ 不良かどうかはどっちでも良い。演じてなくて、そいつのアルバムを聴いたらそいつが見えてくる。そして「俺はラッパーだ」ってあまりイキらない。シュッとしてて欲しい。なおかつフッドに根付いた人。昔からいて、説得力のあることを言う。俺らみたいな人が聞いて、こいつが言うなら間違いないって人。 ──ヒップホップに限らず、音楽は「俺はこうだ」「そいつが見えてくる」というリアリティより、ファンタジーや愛、夢とか希望を歌った方が一般的には浸透しやすい。あとは言ってる内容はよく分からなくてもフローが良いとか。俺らはそれに対して結構アンチテーゼ的なことをやってきた感じはあるよね。リズムが良いというよりも、何を言ってるのかはっきり分かるとかさ。 歌詞カードはいらない、聴けば分かるだろうというスタイル。M.O.S.A.D.は大体そうだった。聴けばすぐ分かる。真似できるくらいに。 ──みっくんにはウェスト・コーストだったり、チカーノの影響があるわけだけど、最初に影響を受けたアーティストは誰なの？　ヒップホップとの出会いとかさ。 最初はDJ 4-SIDEのミックステープに完全にやられた。赤いやつ（『GTP THANG Vol. 2』）。あれに有名などころからマイナーまで、網羅されてた。なおかつミックスが超ヤバい。それからCDをいろいろ買うようになったんだ。SCC（South Central Cartel｜サウス・セントラル・カーテル）とかを教えてもらってね。SCCは完全に俺の青春だよ。

──（『'N Gatz We Truss』は）衝撃的なジャケットだよね。殺しに行くのか？　お前らラップしに行くんじゃねえのかよって（笑）。 なんで銃を構えてるんだろうって。 ──その後、某レコ屋に勤め出したじゃん。それはどういう経緯だったの？ 俺はそのレコード屋さんに毎日行ってた。金がないから、買いもせんのに。高校生の時は週一くらいで（出身の）大垣から電車に乗って名古屋まで行って、金がないのに超長居する。それが楽しくて。 ──昔はそういうのあったよね。服屋なりレコ屋なり、金がないのに入り浸る。そこにいるといろんな人に会える。 そう。それで喋りかけてきてもらって、「僕まだ高校生です」とか話したのを覚えてる。高校卒業してもなんだかんだずっと通ってて、名古屋に住み出してからはもうすごい......しょっちゅう行ってたね。高校生の時よりも金はあるからめちゃくちゃ買ってた。 ──ギャングスタ・ラップのコレクションを持ってたよね。 すごかったよ。もうだいぶ売っちゃったけどね。他ジャンルも入るけど、今でも2000枚くらいはCDを持ってるんじゃないかな。ある時、結構レアなやつを500枚売ったら、トータルで50万くらいになった。ちょうど20歳くらいかな。その後、買い直したね（笑）。それでラップは18歳くらいからやってたけど、人に聴かせられるものではなかった。 ──俺は昔から知ってるけど、結構大きな舞台でもやってたよね。カッコよかったけどな。 でも、自信はなかった。どうやってやっていいか分からないし。手探りで自分でどうにかするしかない。クラブに行って、5分くらいライブやるとかさ。ライブ時間は5分で、やるのは1〜2曲だけど、その曲すら持ってないというか、球数がない。そこでなんとか、地道にやっていく。そういうこと、バンドの方でもあったでしょ？ ──あった。でも、バンドは30分やらせてもらえる。逆に、若いのに30分やらなきゃいけないって苦痛もあった。曲なんてちゃんとできてるのは3曲くらいしかないのに。 （笑）。しかも喋りとかもあるじゃん。5〜10分でも何かが辛かったもん。 ──「調子どうですか？」って言っても、誰も聞かないでしょ。 し〜んって。「お前の調子がどうなんや！」ってさ。 ──（笑）。思われてたよね。怖かったよな。でもあんなに怖かったのに、行くのをやめなかった。 どちらかというと、それを求めに行ってた。あれが楽しかったね。昔、名古屋はバンドもヒップホップもすぐ喧嘩してた。 ──あと、プレイヤーじゃないし全然ステージに上がってなくてもカッコいい人もいっぱいいた。毎回居るけど誰か分からないのに迫力があって近づけないような人とか、山ほどいたよね。 あの頃は特にDJが多かったよね。 ──そう。DJがメインで、カッコいい音楽を聴かせてくれる。クラブに行く時「舐められねえぞ」と、すごい目立つ格好をしたり。 昔は常に（キャップを）ちょこ乗せしとったよな。俺はギャングスタ被りみたいなやつだった（笑）。 ──そういうのを経てきて、24歳くらいで俺らはTYRANTを作って、みっくんはHVST KINGSを作ったんだよね。あの頃はよくライブやってたよね。2週間に1回くらい。 HVST KINGSでは4曲入りのEP『BLACKFOCUS』（2010）を出した。あれはレベルミュージックだと思うよ。ライブは結構やってたね。毎週やってたときもあるし、自腹切ってでも行ってたよ。車で鹿児島まで行ったもん。それが普通だったよ。ギャラなんかいらないからライブをやらせてくれと。そこでみんなと仲良くなったし、その人たちとは今でも相変わらず。

──それからHVST KINGSの相方がいなくなって、一人でやるんだよね。 そう。でも急なことでソロの曲が無いわけ。そこで出会ったのが恩人OWL BEATS。 ──俺が小銭の入った貯金箱、コッコちゃんをみっくんに渡して、それで鹿児島まで行ったんだよね。 そこで一曲作った。最初に渡されたビートがまた癖が強いやつで頭こんがらがってしまってね。OWL BEATSにやられてしまう。それから、もう一人で行こうという気持ちになった。 ──そのあたりから、だんだん定まってきた感じがある。一方であの辺から俺らは色々とトラブルまみれたけど、振り返ってみると、良くないことも何回かあったけど、それ以外は楽しかったよ。そして、ファーストアルバム『FROM TOP OF THE BOTTOM』（2013）が出た。 あれは確か28歳くらいの時かな。『FROM TOP OF THE BOTTOM』を出した時もよくライブした。毎週どこか行ってたし、福岡までバスで行った時のことを良く覚えてる。

──その後はSLUM RCでアルバム（『WHO WANNA RAP』2015、『WHO WANNA RAP 2』2016）があり、セカンドアルバム『FINE MALT No.7』（2017）が出る（インタビュー記事：密接な関係性ありきの音楽 MIKUMARI×OWL BEATS）。翌年にはILLNANDESとのEP『GAZZA CROOKS』（2018）もリリースされて（インタビュー記事：やらせたらスゴい 不良のメンタリティとストイックな姿勢を併せ持つラッパー・デュオ GAZZA CROOKS）。 『FINE MALT No.7』でOWL BEATSとの相性はバッチリだなと思った。セカンドを作るまで色々荒んでたけど、それからちょっと「人間になりたい」という思いも入ったアルバムになった。あの辺から俺は真っ当な人になりたいという気持ちになってきた。そう思うのに年月はかかったけど、これ以上行くと廃人になる。良くないぞと。それでだんだん人になる準備をしていったアルバムかな。特に“VOODOO”が超カッコいい。PVも最高。

──ファーストは「ひとでなし」、セカンド「人間になりたい」、サード「人間になった」（笑）。 そうそう（笑）。セカンドからその兆しはあった。 ──「俺はあったかい場所で歌う自由に」（“Happy Go Lucky Me”）とも歌っているし。そしてサードアルバム『CONVERSATION』を出した。一番最初の話に戻るけど、一切虚色がない作品だよね。 気をつけてるのはそこなんだよね。盛らないし、設定を作りたくない。良いことも悪いことも設定なし、地で行くぜと。「そうはなりたくない」ことがはっきりしてる。 ──「設定なし 地で行くぜマジ」（“Warming Up”）ってラインも、普通に歌ってるだけじゃん。でも下手したらさ「設定なし 地で行く イマジン」って捉えられたりするよね（笑）。 以前リリースした楽曲でもそういう風な捉えられ方をされたこともあったけど、解釈は自由だから良いと思う。ただ、ラッパーが自分の曲を説明するのはちょっと違う。それは意味を分かってもらえてないことだから。それは激しく思う。 ──言わなくて良いことは言わなくて良いスタイルだね。このアルバムはRUIちゃんの“Intro”から始まるけど、あれは良いよね。お洒落。 RUIちゃん、ナイスジョブ。 ──MC KHAZZが参加してる“Warming Up”はネタだね。気づく人は気づくというか。 ネタというか、ほぼまんまだね。 ──そして、文字通りな3曲目の“Freaky”に次いで、問題の“Under Doggs”。「何言ってんだこいつらは」っていう。 ただ負けた曲だよ。それも生活の一部であって、たまにはこういうのもいいかなって。 ──それで“Garbage”を挟んで、“Rush”だね。DJ HIGHSCHOOLはビートをバケさせるよね。 すごかったんだって。最初録った音源を送ったら、「ガヤ入れてよ」って言われたのよ。ガヤはほぼやってないし、基本的には一本勝負。たまに2本被せるくらいだから。どうやってやれば良いか聞いたら、「適当で良いよ」って言うから、本当に適当に入れて送ったわけ。それが返ってきたら0S3さん（DJ HIGHSCHOOL）はもう、マジックをかけてたよ。 ──プリプロで一回聴かせてもらったときと全然違った。あれはマジックだよ。酒飲み讃歌の“Drunk”には、金なんかいらないからとにかくライブさせてくれって回りながら仲良くなったILL-TEEが参加していて。ILL-TEEはバンドもやってるよね。 そう。ILL-TEE君がファーストアルバム（『ICE CREAM DREAM』2013）を出したときのイベントで、吉祥寺WARPに呼んでくれたの。とある時に山口で出会ってから、ずっと仲良い。酒飲むしすげえ面白くて、俺らと似たような感じ。彼もずっとやってる。ビートはちょっと今時な感じ。 ──次の“Active”にはCampanellaが参加していて。雄一（Campanella）は昔から変わらないよな。“Under Doggs”や“Daddy’s Home”と同じく、プロデュースはMASS-HOLEだけど、このアルバムには結構MASS-HOLEの曲が入ってるね。 MASS君のビートは結構使わせてもらってるよ。正統派のビートだから、ちょっと締めたい時にはMASS君かなって。 ──“Feel So Good”にはRITTOが参加してるけど、RITTOとはどういう出会いがあったの？ HVST KINGSで沖縄に行った時が初対面だったと思う。それから＜METHOD MOTEL＞（ATOSONEとDJ BLOCKCHECKのイベント）にも来てて、ちょっと喋るようになったのかな。RITTOが録ってる時、すごいなと思ったよ。レコーディングした後、声を何もいじらないで良い仕上がりだったんだ。俺とはタイプが違うけど、レコーディングを近くで見た感動があった。アーティストよ、この人は。

──そして次の“Give Me Love”。いいよね。愛をくれと。 これはRamzaのビートなんだけど、だいぶ前にもらったビートで、Ramzaも忘れてた。アルバムを作るにあたって色々聞き直してて、Ramzaに使っていいか聞いたら「全然良いですけど、よくこれ持ってましたね。いつのやつですか？」みたいな風に返事があったよ。 ──そして“NEW WORLD”にはCROWN-Dが入ってきて。 だいちゃん（CROWN-D）は天然。レコーディングの逸話があるんだけどさ、録る時にだいちゃんが「まだ書いてないっす」って（笑）。その日は結局だいちゃんのバースは録らずに終わったんだけど、2回目もまた書いてきてなかった（笑）。そういうところも含めて可愛い。それに、だいちゃんもずっとラップやってるから。内容はまあ、そんなこと言わないで酒を飲もうよってこと。 ──“Daddy’s Home”は（ヒップホップ・ユニット）BACKDROPSのジュンペイくん（JP a.k.a. chillwired）が参加してて。付き合いは相当古いよね。 ずっと仲良い。ジュンペイくんは年々、世界観がすごくなってるね。内容はお父さんの心情。こうでありたい。生意気なこと言ってますけど（笑）。もうだいぶ人間になってるね。 ──これはもう、人間を通り越してパパでしょ。誰にでも人になることはできるけど、親になるのは難しいよ。 俺らは人間になったんじゃなくて、ならせてもらったんだよ。子供にも成長させてもらってるよ。 ──そうだね。嫁さんに感謝ですよ。最後の曲は？ 人生においての教訓と発展、感謝ですかね。ただ酒はやめられないな。酒はみんなで飲んでアホなことを言い合うのが最高です。

──みっくんの音楽はその延長線上にあるよね。みんなで酒を飲んでる時に盛り上げる音楽でもある。 大それたものじゃないよ。ある意味、パーティーチューン（笑）。 ──例えば俺はDafuniksって好きなグループがいるんだけど、そいつらは全曲通してめちゃくちゃカッコいいんだ。でもTwitterで探したらフォロワーが300人くらいしかいない。ただ地元では当たり前のようにライブをやってる。俺はレーベルをやってるから思うんだけど、俺らが好きなのは地元のルール。地元のみんなは今売れてるやつよりも「あいつの方が売れてほしい」とか、「あいつの方が本当はライブがカッコいいのに」と思っていたりする。地元には本当の答えがあるわけじゃん。今はそれが度外視されて、売れた者勝ちみたいになってる。みっくんはバズとかそんなことではなく、仲間を沸かしてナンボみたいなところがあるでしょ。 この間、鈴鹿ANSWERでライブした時にそれをすごい感じた。バックDJは訳あってマサルを呼んだんだけど、彼はドシロウトでそこまでDJができないんだよ。別にそれについては何も言ってないんだけど、そこにヒロシ（DJ BLOCKCHECK）とカズオ（MC KHAZZ）がずっと付いてて、絶妙なグルーブができてたんだよ。キャパ50人くらいの小箱だったんだけど、俺からしたら広さがちょうど良い。DJも良くて、すごい楽しくて、2022年一番のライブをしたんだ。 ──大箱で起こる奇跡もあるだろうけど、小箱でも奇跡が起こる。そういうこともみっくんのアルバムを通して伝えたいね。 ライブで一体になれるから。俺はライブしてて写真とか撮られることないよ（笑）。でもそれは重要だと思うな。ちゃんと見てるってことじゃん。誰かのライブを観に行ってるのに、なんで画面越しで見てるんだって。 ──今に迎合できない部分は俺らにはあるけど、全員が一体化して同じ感情でぶち上がるみたいな、本当に奇跡みたいな瞬間が起こってるわけじゃん。その瞬間のために音楽をやっているのが我々だということを理解してほしいよね。1,000人いても800人が携帯を見てたり、違うことを考えてるなんてことがあったりするじゃん。 だったら俺はその200人でいいよ。 ──そう。多分、俺らの周りはそれを求めてやっているからね。それでは、最後に一言。 酒を飲むなら俺を呼べ。

大阪のアンダーグラウンドシーンを引率するコレクティヴ【Tha Jointz】の筆頭でありMCのJASSが3枚目となるアルバム『BLACK N CHROME』を11月7日、“突如”リリースした。黒と銀、壁にスプレー......と、つまりはそういうことである。

コミュニティーの仲間や運命的に引き寄せあったプレイヤーたちが参加した『BLACK N CHROME』は、ブーンバップに根を張りながら、ジャパニーズレゲエや80年代の大阪のロック／ブルースのスタイルに影響を受けたというJASSの2年ぶりのアルバムだ。

MC・DJ・ダンサー・ライター・ビデオグラファーが所属するTha Jointzは大阪心斎橋のアメリカ村から発足。ライブ活動を中心に、獅子奮迅の如くプレイヤーたちを巻き込んで行った。Koh、MFS、GOTU、WELL-DONEらが所属するコレクティヴの歴史は紛れもなくJASSの人生の一部であり、『BLACK N CHROME』はその最新地点に位置する作品となる。

JASSはどのような人物で、Tha Jointzとはどのようなコレクティヴなのか。本記事ではJASSが大阪という街で育ち、仲間と出会い、表現活動をはじめ、『BLACK N CHROME』をリリースするまでの物語を辿る、ロング・インタビューをお届けする。なお、取材は大阪在住のCE$（セス）氏に協力して頂いた。

──まず、自己紹介をお願いします。

男男女の三つ子の長男として生まれて、大阪の平野区で育ちました。小学校一年の時に両親が離婚して母子家庭で、団地で生活していたんですけど、ぜんぜん寂しい母子家庭じゃなくて、近所の人達がめちゃくちゃ愛に溢れていて、色々面倒を見てくれました。ほんまにええコミュニティやったんやなって思います。小学生のころ、オカンがおらんときは隣のおばちゃんが俺ん家でご飯作って、その家族と8人で食べる、みたいな。寂しい思いもしなかったですね。オカンは仕事を3つ、介護と古着屋さん、スナックで働いてました。だからめちゃくちゃ貧乏ではないけど……ゲームとかは買ってくれなかったです。習い事は小学校の時に空手を6年間やってました。

──思春期に荒んだ時期みたいなのはありましたか？

いらんことしいではあったけど、友達がバイク盗んだりで捕まることはありましたけど、自分はそういうことは無かったです。オカンがめっちゃ怖かったんですよ。母子家庭だった分、オトンみたいなオカンで。学校に呼び出されんのは短気が原因でアホみたいなことしてもうたこともあるけども、俺は早めに色々気づいとった方やと思います。オカンが苦労しているのをみていたから、迷惑をかけたらあかんと思ってました。

──じゃあ中学校で暴走族やりたいとか、不良に憧れるみたいなのもなかった？

それはあったっすね。友達はみんな不良やし、側から見たら不良のグループにおった。でも、どちらかといえば俺はユーモラスなキャラというか、小学校6年生のときは漫才師になりたいと思ってたんです。小学校中学校でも授業中一番おもろいやつは絶対俺やったし。小学校1年生のとき、将来の夢を下敷きに書いたやつがまだ残ってて、「漫才の人」って書いてたり。芸人になりたかったんかなって。

──それは人を笑わせるのが好きだったってことですか？

好きやったっす。小さいころにオカンも言ってたけど、三人兄弟の中でも、俺だけ大人の話に参加できる子やったんすよ。だから子供同士で話してても俺は自分の意見をピシっと言う子だったし、大人の話に入ってきては自分の意見を言うような子だった。「アンタは賢かったで」ってオカンから言われたけど、勉強はできなかったです。

──そのときはどういう音楽を聴いてたんですか？

インタビューを受けるのにあたってめっちゃ考えたんすよ、自分のラップの原点ってなんなんやろって。小学校高学年だったらORANGE RANGEとか。中学校入って、そのとき流行ってたのは、湘南乃風、ET-KING、GReeeeNとか。そんな時代なんですよね。その中でもケツメイシとか、ラップ系がざっくり好きやった。当時はベタにジャパレゲですかね。CHEHON、TERRY THE AKI-06、NG HEAD、Mighty Jam Rock、大阪のレゲエですね。

──大阪のレゲエに惹かれた理由は？

カッコいい先輩の家に行ったときに流れてたり、レゲエでいうサウンド、BURN DOWN やBarrier Free、あと岸和田のSmoke King Soundとかがめっちゃ好きで。それから誰のダブがヤバいとか、そういう話をするようになった。高校生になるまではヒップホップよりレゲエを聴いてましたね。あとはBCG ROCKERSとボーカルの愚図ケンジさん。

ジャパレゲにハマった同時期、オトンにBCG ROCKERSのライブに連れて行ってもらって。離婚してるけど、オトンとは一ヶ月に一回会ってたんです。ある日、三角公園の前のKING COBRAに夜22時集合で連れて行かれたんですよ。オトンの好きなBCG ROCKERSのライブが深夜1〜2時とかやったんかな、ゲストが横浜銀蝿。

──両親の影響も大きいってことなんですね。

オトンは尖ってて、横浜銀蝿のライブが始まった瞬間に「皆、ラーメン食い行こうや」って言って先頭歩いてるような感じ（笑）。

たまにしか会えないオトンが音楽好きやったのがデカいかも知らんすね。オトンと集合したら、軽トラでずっとロックかけてた。三つ子とオトン、前に4人乗った状態で（笑）。それで夜景連れてってくれたり、お金ないから、飯とかリアルにびっくりラーメンやった。トンカツ屋に入るとき「クレジットいける？」とか聞く。それでもロックのイベントに連れてってもらえた。ライブとか観たことないような子だったけど、中1のとき、肩に棘とかついてる人たちのおるライブハウスで、オトンが一番最前列で拳上げてるの見て、シンプルに衝撃やったんすよね。こんな音デカいんやとか。耳塞ぎながら聴いとったんすもん。

そのロックのイベントは、中学校のころ、たぶん5回くらい行ってるんですよ。俺もハマって「オトン、連れてってくれ」って。夜のアメ村にいるだけで楽しい。KING COBRAから三角公園やら見とったらたこ焼き屋さんあって、もう怖い人らがいっぱい歩いてて。喧嘩とかは見たことないけど……街の空気ですね。めっちゃ音楽とアメ村が好きな両親やったすね。

この前オカンに聞いたら、柳ジョージとか上田正樹とかのライブに「私はしょっちゅう行っとったよ」とか、「葛城ユキなんか売れる前から知ってるし」って。でも、どちらかといえばオトンが、今俺らが好きな音楽が好きやったし、レコードもあったって言ってました。めっちゃ良いレコードプレーヤーとスピーカーも置いとったけど、アンタらができたから全部捨てたって。

──音楽体験としてはBCG ROCKERSが大きいんですね。

歌詞がめっちゃカッコよかったんっすよ。今考えたら、アメ村でやってる人の葛藤の歌ですね。俺のセカンド（『獅子奮迅』2020年）の“Night Train”のバースにある「年を取るたびに嘘をつくのが上手くなり／老いていくたびに唾を吐くのが下手になる」は全部愚図ケンジさんのリリックですね。「そんな風にはなれない／裏切られてばかりだけど／あんたのリーゼントが七三に見えるぜ」。愚図ケンジさんのCDを中学校のときにMDに焼いて、ずっとウォークマンで聴いてたんすよ。「あんた家の中でもずっとイヤホンしてる」って、オカンに言われてました。

──なるほど。ヒップホップとか今やってる音楽に繋がっていくのは？

中3の時の親友がヒップホップにハマってたんですよね。だから一番最初にヒップホップとして記憶にあるのはネリー（Nelly）、エミネム（Eminem）、50セント（50 Cent）とか。日本語ラップじゃないんですよ。友達はそのときサウスのヒップホップもよく聴いてて、みんなT.I.とかめっちゃ好きやったっすね。PVをずっと見とった思い出があります。

──T.I.っていわゆるトラップの源流みたいなサウンドですよね。

親友が聴いとったし、見た目とかカッコいいから。友達もT.I.みたいな帽子の被り方しとったり（笑）。

──日本語のヒップホップで印象的に残ってるのは？

ANARCHYの“Playing In The Ghetto”ですね。母子家庭やったから俺も。向こうは父子家庭やし、団地とか出てくるから。あとは「Ghetto ボーイ／君は生まれながらのキング／忘れないで胸に誇りを」ってリリックをめっちゃくらったりとか、あとは漢（a.k.a. GAMI）の「まずは3度の飯より札束とバッズの香り」とか。

──そういう情報はどこで得ていたんですか？

高校1年生から1人でアメ村に服を買いに行くのが好きになって。アメ村でBボーイの格好をしてぶらぶら歩く。そのときはお金も無いし、柔道に時間を取られてバイトもできなかったけど、オカンが「服買いに行く」って言うと小遣いをくれたんですよ。それでafterbase、FIVESTAR、DISSIDENTに行ったりして、お店でSHINGO★西成さんを見かけてぶち上がる、みたいな。

──アメ村の洋服屋とリンクしている音楽に触れることがあったってことですね。

そうですね。でも、俺らの時代はごく一部のやつしか音楽を聴いてなかったんですよ。地元じゃわからんから、1人でアメ村に行って情報収集。Jointzも初めはそういうことから繋がったと思うんです。

──アメ村で知り合った奴らとJointzになると。

そうです。初めにKohと知り合って。俺は90sのヒップホップにハマってる時期やったんですよ。当時はみんな色合わせのピチピチのスキニー系が多かったけど、Kohはダッボダボで様子がおかしい。肩でスピーカーを持ちながらグループ・ホーム（Group Home）を爆音でかけてる。同い年やし、地元隣やから、出会ってから毎日のように遊ぶようになって、俺もラップをはじめたんです。それはもう高校卒業してからなんで、高校3年間はほんまに1人で音楽聴いてましたね。高校は自転車で40分くらいかけて通ってたんですけど、その登下校中はずっと音楽聴いとったっすね。JUMBO MAATCH、ブジュ・バントン（Buju Banton）、シズラ（Sizzla）とか。レゲエよりもヒップホップが好きだと思ったのは、高1で一緒の柔道部だった住吉区のショウってやつと出会ってから。そいつとその一個上の世代がBボーイだらけなんですよ。それが衝撃で。俺、平野区で唯一のBボーイやと思ってたから。

──「住吉区にはBボーイがたくさんいるぞ」と。

住吉区に行ったとき、たまたまやったんすけど、全員Dickies着とったんすよ。で、ショウは五厘刈りで、Dickiesのホワイトに（NIKEの）AIR FORCE 1を履いて、真っ白のPRO CLUBをダッボダボで着て、それにブリンブリンの偽物付けてて。ショウの影響で漢とかD.O.、ANARCHYを聴くようになりました。

──それで高校卒業して、Kohと出会って組んだグループが……。

HARDVANKってクルーです。元々Kohと、今はあんま活動してないねんけど、Lumpbeatsって名前でやってるショウタくんがいて、2人とずっと遊んでて。遊び出して2ヶ月目くらい、俺もただのヘッズやってライブを観に行ってたんですよ。そのとき心の中では、ステージに立ちたい、ライブしたいと思っとったけど、はじめの一歩って怖いじゃないすか。そんなとき、Kohとショウタくんが来週レコーディングするから、「ヨシタカ、リリック書けよ。16（小節）書いたらええねん」って言われてほぼ強制的に書いたんです。

その1週間後にライブです。東心斎橋のCLUB LIFEに＜M&M＞っていうイベントがあって。ノルマ10枚ありで、出番は一番手ですね。HARDVANKは尖っとったんすよ。イベントでは誰とも喋らず、自分らのライブ以外は外におる。間違ったイキり方をして、いろんな人と出会って怒られて、勉強して今があります。俺は人当たりいいタイプやから、先輩たちに「ソロでやったほうがええで。絶対売れへんから、あんな生意気な奴ら」って言われてました。ライブが増えだしたのはTriangleのマネージャーのMADJAGくんのお陰で、月2〜3本のペースで呼んでくれてました。その時がむしゃらにライブしてたのが今の自信に繋がってると思います。

──それが派生してJointzになるんですよね？

俺がラップ始めたのが2010〜11年とかで、Jointzができたのが2014年。Kohの小学校からの親友にJNK（Tha Jointz）がいて、俺がおらんとき、2人が急にTha Jointzとか言い出して。たぶん俺はラップ下手くそやから、除外されてんやなって（笑）。KohはいまいちHARDVANKの活動に満足してなくて、JNKもラップしようやって組んだけど、結局毎日のように遊んでたから「俺もTha Jointzやろ」って速攻入った。それからほんま街で出会ったやつを巻き込んでいった。

堺のイベントに行ったらGOTUがラップしてて1人だけめちゃくちゃ上手かった。あいつはビートにナインス・ワンダー（9th Wonder）とかJディラ（J Dilla）とか使っとって、めちゃくちゃセンス合うなと思って仲良くなった。そのメンバーでイベント行ったとき、ダイちゃん（DJ GRADEE）がレコードでDJしとったんすよ。俺からしたら同世代にレコードでDJやってるやつなんておらんかったから「こいつカッコいい」と。ダイちゃんはカメちゃん（TN$）とRudie Broってクルーやったんすよ。ほんで2人とも仲良くなって、どんどんそれで吸収していったのがJointz。カメの大学の友達がTakatoやったし、亀の後輩がチョコ（__c.h0c0_）。

──出会う人たちがJointzになっていったと。

ですね。当時JointzのTシャツを作ったとき、10人くらいしか買いたいって連絡来なかったけど、その10人のうちの1人がYUZERやって。YUZERはグラフィティをやってた。そっから俺もグラフィティ好きになって、それで「お前もうJointzな」って言ったら、1〜2週間の間に街中にJointzって描いたりとか。

──Jointzの特徴として、パッと見は同じクルーに見えないのが良いなと思ってて。JASSくんとGRADEEくんが一緒にいても同じクルーだとは思わない（笑）。服装の系統も、趣味みんなバラバラで。Jointzとしての作品はこれまであるんだっけ？

2014年に結成して、2016年に『Jointz EP』って、オモクソにブラック・ムーン（Black Moon）のビートを使ったりした、ストリートアルバムを出しました。

──みんながソロを出していって、Jointzとしてアルバム作ろうって話はあるんですか？

あるっすね。ただ、嬉しいことにソロのオファーが多くあるから進めれてないけど、Jointzで集まれば、簡単に一曲出来るんですよね。それをどんどん積み重なってって、まずはシングル配信をして行こうと思っています。まずは“Jointz & Jam”から始めて、次はafterbaseとのコラボ曲。そっから継続的にやってくのも計画のひとつ。あと今、HARDVANKでも作ってます。5曲くらい出来てて、全部NARISKくんのビート。

Jointzはスタート時から周りに恵まれてたんです。センスも勢いも良かったと思うし、出だしは抜群だったんですよ。ノーギャラだけど、イベントにもポンポン呼ばれた。そこでEPを出したとき「クルーで作品出したんやから、みんなでソロアルバムを出そうや」って話になった。俺は変に真面目やから、俺がファーストソロアルバム（『雲煙飛動』2018年）をクルー内で最初にリリースして。それ以降は継続的にソロアルバムを作ってますね。俺は捻くれて「Jointzはヤバいって言われてるけど、俺個人はヤバいって言われてないな」とか思っとって。

──ソロでもかましたい、みたいな。

俺、ラップはじめたとき下手くそやったんで。クルーのやつはラップうまかったから「ヨシタカ（JASS）、ヴァース取り直しや」とかめっちゃ言われたりしとって。まぁ俺も下手くそやし、センスはないと思っとったから、暇になるたび一生懸命やっとったんですよ。ソロで頑張って家で速攻宅録作って、インターフェースと58（マイク）買って宅録しとったんですけど、新曲聞かすたびにJNKに笑われとったっすね。

──その中で２枚ソロを出して、この３枚目。フィーチャリングアーティストがたくさん入ってますよね。

まず1曲目“BUTT NAKED”には、JointzのGOTUとTAIGAってラッパーが参加してて。TAIGAは和歌山のラッパーで、ざっくり言ったら元々めっちゃ不良の子やけど、色々経験して、自分で見つめ直して……ほんまに良いやつなんですよ。初めて電話した時はLAに居て、今はアトランタにおるけどまたLA行って、タイ行って、年明けに日本帰ってきますって、そういうワールドワイドなやつです。

2曲目のビートはMoneyJahで、Fedupで働いてたCHAKRAくんが入ってます。

3曲目はKohと2人で作った曲。

4曲目はJointzの映像シリーズ『Pinks Diary』の別企画でやってる和モノチャレンジで、YOSHIMARLくんが参加してる会で出来たビート。たまたまその日電話かかってきて、ビートできたからラップしてほしいって言われて……そのときWELL-DONEが一回目のヘタうったときやって、俺はめちゃくちゃイラついとって、そのときに思ったことを言おうと思った。ある意味で自分にも言い聞かせてる愛のあるディスソングですね。

“NO GANGSTA”にはDJ SOOMAさんのビートを使ってます。自分の作品を出す上でDJ SOOMAさんとは絶対やりたいって思っとったんですよ。前回“Shake”を作った時は20曲くらいビートを渡されて選んだけど、今回は狙い撃ちで1曲だけ。まさかのレゲエネタで。TERRY THE AKI-06のリリックを入れたり、ジャパレゲ育ちを生かしました。

次の“D-SHOCK”はファーストから参加してくれてるOGRE WAVEがプロデュース。（OGRE WAVEの）家がスタジオになってて、行ったら1曲作れるみたいな雰囲気で。『BLACK N CHROME』の初期段階で行った時にS-kaineも来てくれて、一晩で作った曲。シングルとPVも出しました。

MFSとずっと曲やりたいなと思ってたけど、2人で作ったことはなかったんです。どうせやるならゴリっとした曲を作りたいなって思ってた矢先、大阪のCHAN4というMCでもあるビートメイカーPit Crunchからビートが送られてきて、それで作ったのが“BLACK SUN”っすね。

最後の“SOMEWHERE”はALTOのビート。東京にJUCEとALTO がやってるBazbeeStoopっていうデュオがいて、2人とも同い年で仲良くて。それでALTOにビートもらったとき、今までで一番シンプルな曲作りたいって思ったんですよ。それまで文章力ないと思っとったから、本を読みすぎたり、変に努力してもうてた部分があって。難しい言葉を使うこともあるけど、自分らしく無いなって思うこともあって。最近、上田正樹と松田優作にハマってるんですけど、全然難しい言葉使ってないんですよね。めっちゃシンプルだし、なんならちょっと弱い。松田優作のあるアルバムは全部失恋の曲なんだけど、ソウルでクソかっこいい。で、俺も丸裸になろうと思ったんです。

“SOMEWHERE”を作るときは自分の機嫌取ろうと思って、その日は昼間から風呂行ってめっちゃゆっくりして、そのまま寿司食うて、家帰ってきて、一服して、いい状態で、難しいことは書かず、俺のソウルはなんや、って考えたことをそのまま落とし込んでいった。結局俺は友達に救われてる。悩んでるときも友達のリリックに勇気をもらったりするから、そういうこと書きたいと。作ったのは1〜2月でめっちゃ寒かった。家の中でじっとしてリリック書けないんですよ。だから屋上を歩きながら、寒空の下で書いてた。ずっと片耳にビートかけながらラップしとった。だからリリックに「寒空の下／書くリリック」って。でも、いつか稼いだ金で沖縄、ハワイに行ったろって思っとった。

そして最後に“Outro”があって。今回、自分の目標はこのアルバムをレコードにすることなので、片面4曲ずつだったら計8曲やけど、“Skit”と“Outro”を入れたら5曲ずつで片面15分いける。その計算で作りました。

──今回は配信もCDも出して、目標としてはレコードも切りたいと。『BLACK N CHROME』で過去作と変わったことって何ですか？

『Jointz EP』と前の2枚は〈Fedup Dojo Recording〉でMJくんと最高の環境で作っとったけど、別のエンジニアとも一緒にやってみたいって気持ちがずっとあったんです。そのタイミングでたまたま今作のエンジニアをしてくれたユウト（Murai Yuto｜Henny Studio）と家の近くの銭湯で会ったんです。聴いてみたら音が綺麗で、“D-SHOCK”のときに初めてマスタリングとミックスしてもらったんですよ。しかも同い年だからめっちゃやりやすかったし、それでこいつとアルバム作ろうと思って、ユウトとここ2年くらい一緒にレコーディングしながら仕上げていって。

──意識的にサウンドプロダクションも含めて、ネクストレベルのものを作りたいって感じがあったってことですね。

そうっすね。前の2枚についてはクルーのやつにグラフィティのことばっか言い過ぎやって言われました。トピックが偏りすぎやと。でも俺しかそれは言われへんし、もう突き抜けちゃおうと。セカンドを出したタイミングでグラフィティのイベントに呼ばれるようになったんですよ。湘南・相模原まで行ってイベントでライブをした。俺のやりたかったことがやれてるし、こういうイベントも凄く楽しいと思った。そういう意味で突き抜けたアルバムを作ろうって思ったから、タイトルも『BLACK N CHROME』。街中にあるスローアップの色で黒銀が一番ハーコーやし、一番好きやから。銀で塗ってもいいし黒で塗ってもいい。黒銀はどんな壁にでも乗る。そういう自分のほんまにカッコいいと思うスタイルを追求した。でも一方で、幅広く行きたいとも思って作りましたね。

──バラエティに富んでると思うし、世間がJASSくんに対して思うイメージ、いわゆるブーンパップのイメージに縛られない内容だと思いました。

俺はプライベートで聴く音楽が新譜も多いんですよ。ポップな音楽も好きですよ。シザ（SZA）とトラヴィス・スコット（Travis Scott）の“Love Galore”とかめっちゃカッコいいと思う。やれるもんならやりたいくらい。ただブーンバップももちろん好きやし、初期衝動はそれ。ソロでずっと探求しとったら、おれみたいなやつはずっとイナタイ音楽をやってたかもしれないです。でもJointzと遊んでる環境とかでトラップの新譜聴いたらクソカッコいいと思う。そんな影響もあって好きになったんかな。新しいものが好きではあるから。

──Jointzと親しくなると、音源だけの印象とは全く違う印象を抱くようになりました。

Jointzって派手な見た目やけど、音楽オタクの集まりなんですよね。J.Studioに集まって音楽作る以外はずっとYouTubeで最近くらった曲のかけあいをする。ずっとそうやから。お金ないときからずっと三角公園で集まって、同じようなことしてた。俺とJNKは平野区に住んでて、Kohはそのときから大国町で一人暮らししてたけど、結局仕事が終わったらみんな三角公園に集まる。今のJointzの面々みんな集まっとった。それでみんなお金ない。ほんまにないから「千円貸して」が色々飛び買うみたいな（笑）。「お前千円返せや！」て。東京にみんなで行ったときも、GOTUは500円しか持ってなかった。それでメロンパン買っとったっす（笑）。

──（笑）。その感じは今も伝わってきます。

恵まれてましたね。アメ村の三角公園におって、先輩が通りかかったときに「おつかれっす！」って言ったら「お前らまたおんの？　俺のイベントこいよ、ゲスト取ったるわ」って遊ばせてくれた。お金は超無かったけど、三角公園におったら毎日遊べた。そういう過ごし方をしてたらライブが増えて。俺らはハングリーやったからずっと音源も持ち歩いとったんで、Club Garden Barにメインゲスト前に行って「すみません、俺らJointzなんですけどライブさせてください」って言ったら当然怒られて。でも俺らの気持ちに応えて1曲だけやらせてくれたりもしました。1曲だけ全力でやって挨拶もせんと帰って怒られたりもしました。でもそのハングリーさは良かったなって思えてます。「そんなに言うなら次呼んだるわ」ってのもあったんすよね。とにかくライブがしたかった。お金とかは全く考えてないっすよね。貰えるものとも思ってなかったし。

──自分らの独自のスタイルでコネクションも広がっていったんですね。

ほんまに口癖が「ライブしたい」ですよ。今でも覚えてるけど、Kohと2人でHARDVANKやってたとき、ライブが2ヶ月に1回、Garden Barで同い年がやってるイベントと、たまに心斎橋でレギュラーでやってるイベントしかなかった。ずっとKohと公園で「毎週ライブできたら最高やな」って言ってて。俺らライブの前にアメ村に前乗りして漫喫に泊まって次の日ライブに挑む。意味わからんでしょ。

──前乗り（笑）。でも、そのくらいアメ村に特別な気持ちがあったという事で、そこで繋がった人たちが音楽を一緒に作っていると。

同い年の子が＜Rude Crowns＞ってイベントを打ってて、そこにJin DoggもWILYWNKA、Young Coco、Force Limit、みんなおったっす。その頃からみんな同じノルマ払ってやっとった。それで毎週できるようになったら、「地方でできるようになったらええな」ってKohと言ってたら、地方でできるようになった。それからライブでギャラももらえるようになって、一個一個想像したことが全部形になっていった。それからまたどんどん夢を描いていくじゃないですか。俺は全国でライブ呼ばれるようにもなってきて、行けてない街とかもっと行きたいって思ってる時点で叶うと思ってる。自信はずっとあるんですよね。

──自分のスタイルに自信を持つのは大事なことだと思います。

自信しかなかったっすね。ほんまMJくんにも笑われるんですよ、お前らイケイケやったもんなって。

──今のJointzを取り巻く環境とスキルとかプロップスが、思い描いてたものと近付いてるのかもしれませんね。街のサポートもそうですし、Jointzって友達が多いイメージ。かといって不特定多数に向けた音楽をやってるわけでもないところも面白いと感じます。

意識が変わったのはハードコアのイベントに行ったときですね。ヒップホップのイベントって、CDすら物販に置いてないことが多い。たまにゲストやハングリーなプレイヤーが置いてるくらい。でも、ハードコアのイベントに行ったら全員出しとって、服や帽子だけでも3〜4種類あった。そこで、俺はウダウダ言ってるだけで稼ごうとしてなかったなって気づいた。ファンの人の気持ちになって『獅子奮迅』のTシャツとJointzキャップも作ったんです。

──ハードコアのひとつのカルチャーでもありますよね。ライブが良かったら音源もマーチャンも買うってのがサポートの仕方というか、それをお客さんも理解してる。違う街から来てる人たちがいたら買ってサポートするっていうのが昔からあると思います。

そのときにほんまに思いましたね。実際、そいつが売ろうとしてないだけやと。正直『獅子奮迅』とか結構CDが売れてるんですよね。俺はFedupで働いとって、ラップしてるんすよって知らん人には言うし、CD買わん人にはストリーミングやってますかって聞く。入り口はなんでもいいから、一個一個ロックしていくのが大事やと思うんすよね。お客さんには「こいつめっちゃオラオラやん。めっちゃ俺のラップ聴けやって言ってくる」と思われてるかもしれないけど、アメリカやったらヘッドフォン被せてくる人もいますよね。俺は聴いたらカッコいいと思ってくれると自信を持ってるんで。

──目の前の人に伝え続けるのはとても大事な事だと思います。

『BLACK N CHROME』は全部グラフィティ的なフィルターを通して考えてるんですよね。告知して現れるわけじゃなくて、突然現れる衝撃がある。その衝撃に惹かれてるから、俺のリリースは告知もギリギリで。今回はゲリラ的にいこうと。自分の足でボムをするような意識もある。俺がやりたいのは、たとえば東京や福岡、沖縄でライブに呼ばれてるけど、一泊多めに取ってそこのショップを全部リスト化して、ポスターとCDを置いて回ったりとか、自分の足でどこまで行けるか確かめる。呼ばれてない名古屋とかも夜行バスでいいから行って、直接目を見てポスターとCDを渡す。そういうことを意識してる。グラフィティはネットから広がるもんでもないし、そいつの足で動かしてボムしたものが輝くじゃないですか。その精神を見てるから。

──その方法が一番シンプルで強いと思います。良いアルバムを作って、ツアーを回って、それで得たお金でまたアルバムを作ってツアーに行っての繰り返しが大切な気がします。

そういう人の方がカッコいいですね。THA BLUE HERBのBOSSさん（ILL-BOSSTINO）はツアーやアルバムのポスターが出たら毎回Fedupに持ってきていただいて、カッコいいなって。誰かに任せることもできるけど、本人が来ると説得力がちゃうし、ライブに行こうと思う。そういうのを大切にしてる人。

俺は大衆がアガるような音楽をやってないし、グラフィティのこととか、伝わらない部分もあると思う。アルバムのタイトルだって、グラフィティ好きなやつ以外はどういう意味なのかわからないと思うし。でも、ヒップホップの面白いところって、身内ノリをどれだけ広げられるかっていう部分もあると思うんです。だから『BLACK N CHROME』は自分がほんまにカッコいいと思ったやつに声かけて、有名無名関係無しにゲストに呼んだアルバムですね。それでどこまで行けるか。

──すごいシンプルな作りのアルバムですが、今までで一番耳触りが良いと感じました。最後に近い目標って何かありますか？

行ったことない街に行ってライブで喰らわしたいですね。俺はライブが一番ヤバいと思うし、Jointzは胸張って言えるくらい大阪で一番ライブしたクルーやと思うから。音源よりヤバいライブができてると思うし、生で観てほしいですね。あとはレコードも作りたいので、サポートお願いします！

tofubeatsの名前を聞いて、皆さんはどういうイメージを持ちますか？　彼が世に出た10数年前なら「ゆとり世代の逆襲！　インターネット・ネイティブな価値観のアンファンテリブルが神戸からやって来た！　アーティスト自らiTunesで曲を配信するなんてそんなことできるんですねスゴイですね」だし、あるいは「DAOKOのカバーで有名な“水星”って今田耕司のサンプリングなんですよ！　そういう、ヒップホップ？　なんだけどチルくてエモくて、みたいな？　ネオ・シティポップ？　80年代っぽくて90年代っぽい、とにかくいい感じの、カルチャーっぽい感じの、なんかそういうのの走りだよね～」みたいな若者も少なくないはず。更にこの数年なら「いや、トーフさんは凄いですよね。メジャーレコード会社にいながら自分で会社とか立ち上げたんでしょ？　やっぱり今の時代ミュージシャンにもそういうビジネスパーソンとしての発想や視点が求められますよね。」ってな話も出てきましょう。果たしてどれが一番tofubeatsの実像に近いのでしょうか？　あるいはこの3パターンの円がちょうど重なり合ってる部分にtofubeatsは立っているのでしょうか？

あっ、申し遅れました。ワタクシはKotetsu Shoichiroという者です。今月リリースされたtofubeatsの5枚目のアルバム『REFLECTION』収録の“Vibration feat. Kotetsu Shoichiro”という曲でラップで参加しております。曲作ってるくらいならtofubeatsが実際はどんな人間なのか多少は説明できるだろ、と思われるでしょうが、これがなかなか難しい。いつでもテキパキやり取りができて、気遣いのある、曲がったことはやらない快男児……と言い切ってもいいんですが、それだけではどうも据わりの悪い、謎めいた思考回路を持った不思議な人物でもあり……。

『REFLECTION』はアルバム全体を通じて「鏡／イメージ」といったテーマが描かれております。鏡に映った自分、鏡に映らない内面、自分が思う自分のイメージ、人から見た自分のイメージ……「小鉄さん、トーフさんの新作でインタビューしませんか」「えっ、でも私アルバムに参加してるんですけど」「アルバムに参加した、近い人から見てのtofubeats像みたいなのが聞きたいんですよね」ということで、これを機会にと「それなりに親しくとも説明し切れないtofubeatsのイメージと実像、そしてトーフさん自身は『どうありたい』のか？」をぶつけてみた。以下がその記録であります。

──アルバム完成おめでとうございます。今回のアルバムのテーマには「人から見た自分」がひとつあると。それはここ数年で、自分のイメージに関して、考えることがあったということですか？

これまでも理想と現実ってテーマだったと思うんですよ。それとは別で、音楽を作ってると自分のことが分かってくるという面白さがあって。今回、僕が突発性難聴になって、鏡を見て面白がれたとき、これまで並列で走らせていたものが一緒に考えられるなと思って。自分が思う自分と、他人から見た自分、理想と現実、そして音楽を作ると自分がわかること、そのことを全部、鏡をテコに合体できる。それ軸にこれまでのテーマをより深めていく。それで走り出しました。

──過去の作品からの流れからいうと、tofuさんのアルバムって1stと2nd、3rd以降って分かれたところがあったじゃないですか。1stの頃からそういうことを考えていたんですか？

ぜんぜん。1stを出したときは2ndが出るってマジで思ってなくて。2枚づつの契約なので、2ndが出せても3rdのときに4thが出ると思ってなかったんです。1stは背水の陣。3rdは3rdで好き勝手やってるから、どうなるかわかんなくて。そして今回は、1stと2nd、3rdと4thの良い部分を混ぜて、かつ『lost decade』のようなバランスにすることを意識してました。

──『lost decade』の頃は「インターネット世代の価値観を代表するゆとり世代のアーティストが神戸から出てきた！」っていうtofuさんのイメージがあったと思うんですよ。で、tofuさんのイメージとして、インターネット世代の云々っていうのと“水星 feat.オノマトペ大臣”（以下、水星）に代表される、エモいネオシティポップ職人の走り。それとビジネスパーソン的なマインドを持ったミュージシャンの走りというか、この3つくらいがあると思って。その円の重なり合った場所にtofuさんがいるかというと、またちょっと違うじゃないですか。

そうなんですよね。そのときはあまり自分を客観的に見れてなかったし、「使えるものは使う」感覚があったと思うんです。でも『lost decade』のときにやりたかったこと自体は、いまになってみると間違ってなかったなって。あのときにやりたかったことを、いま大人になってしっかり噛み砕いてやりたかったんです。そのイメージはどれも正解だし、いまでもまだ当てはまる。社長になってよりビジネスパーソン度合いは強まり……それを押し出さないだけで、一緒ではある。そのウェイトの置き方が大人になって変わった。

それに10年後に曲がCMで使われてる。ただ内心“水星”は自分が手がけたものじゃない感覚もある。サンプリングの弾き直しだし、（オノマトペ大）大臣と作った曲なので。自分のやってた割合が少ない。それをあとからちゃんとドライブさせたのは自分ではあるんですけど、やっぱり手柄とは思ってなくて、ありがたい授かりものってイメージの方がデカいかもしれないです。「私が世話してます」くらいの距離感というか。

──「若手のミュージシャンでビジネスライズされたやつがこんなに増えたのはtofuさんのせい」みたいなことを言われたらしいですね。

「そうなったのはtofubeatsの功罪だ」って言われたこともあって（笑）。否定したんですけど、あながち間違いでもないのかなって。自分でiTunesと契約して、TuneCoreができる前にそれをやってたり、最初はセルフマネジメントで打ち出してたわけじゃないですか。

──tofuさんだけではないですけど、世の中の流れ的にこの数年は増えてますよね。

「メルカリで転売して儲けるような方法」みたいに「こうすればチャートインする」「バイラルヒットする」みたいな考え方は分からなくもないですけどね。

──そういう話がTwitterとかでTipsみたいに回ってくると「なるほど」とか思ったりすることもあるんですけど、かと言ってそういうことばっかり気にするのもどうなんだろう？　とも思いますね。

そうなんですよ。やっぱり音楽をやるって伝えたいなにか、メッセージとまでは言わないけど、バイブスとかムードがあるじゃないですか。それを伝えるために一生懸命やってるのに、ムードじゃなくて伝え方にばっかりフォーカスするのは違和感があります。

──他の仕事でガッツリビジネスをやって、それで稼いだお金を音楽に投資して……みたいな話なら、まだわかるんですけど。音楽の中でそれをやるっていうのが、まあ、自分は経済のこととか全然わからないんですけど、いまいちピンとこないんですよね。

そういった一面を払拭したいじゃないけど、ある意味、tofubeatsなりの質実剛健を出したいなっていうのが『REFLECTION』や『トーフビーツの難聴日記』であって。そのためにドキュメンタリーっぽい手法を取った、という経緯もあります。

──tofuさんなりの質実剛健はこのアルバムを通して伝わりそうですか？

アルバムだけでは微妙かもしれないです。本が出たことによって、少し伝わりやすくなった。あと、全体的に自分が実態以上に大きくみられてることをあえて抑制する試みがあるのかなと。長く続けるためにも嘘をつき続けるのは無理だと思うので、その工夫のひとつでもあります。音楽を続けていく上で、しっかりしたモードになりたい。ただ、当時やってたことも、ちゃんと頑張ってやってたのにって思ったりもしますよ。

──tofuさんを見てると、書類関係のこととかすごくテキパキやるなと思って。2年前にやってた、岡山のYEBISU YA PROでtofubeatsのこれまでを振り返る企画で最後の方、杉生さん（tofubeatsのマネージャー。CE$としてDJ、she luv itのベースとしても知られる）が「tofuは普通の会社勤めは無理やろうと俺はわかってたから」って言ってたのが印象に残ってまして。丹正さん（YEBISU YA PRO）は「そうはみえんよね。tofuくんなんかちゃんとやっていけるやろ」って言っていて、自分もそういうイメージがあったんですよ。普通の会社勤めはできないと言われるのはなぜなんですか？

人の言うことを聞けない。人に付いて、言われたことをただやるのがマジでできない。なぜ書類のことができるのかというと、自分のことだからできるんですよ。だからこの商売のやり方が向いてるんです。自分がどれだけ関わっているかがデカい。そう思えればなんでもできるので、会社の経営も、書類のこともできる。杉生さんはそのことをよくわかってると思います。

──tofuさんはここ数年、屋外のイベントしか出てないじゃないですか。いま改めて、それはなぜそうしよう思ったんでしょうか？

コロナが蔓延し始めたときに、出ない判断をしました。そのあと、なあなあにすることはできたんですよ。でもせっかく広げない、自分がならないために決めたのに、明確に基準が出てないなかで、なんとなくでその判断を変えるのは良くないなと思ってて。STUTSさんのワンマンで1曲ゲストに出たとき以外、有観客のイベントは本当に一回も出てないんですよ。ボーダーを引いたから、それは守ろうと。理由としては単純にコロナになりたくないし、なによりもtofubeatsが出演したことで遊びに来たお客さんに感染が広まるのはよくないじゃないですか。自分は我慢できる立場にもいるので、明確な基準が出ない以上は、イベントに出ることはないと思います。

──そうなるとライブの本数は減っていきますが、それで苦しいということでもない？

最初の一年は苦しかったですし、会社の話をすると今年も赤字なんですけど、耐えられなくはない。自分が仕事を頑張ればいい。制作はちょっと増えました。イベント出演がなくてもやっていけないことはないというのが正直あって。でもみんながそうじゃないのもわかるので、それは結構複雑です。自分は断ってるけど、断れる立場だからだとも同時に思う。エッセンシャルワーカーの人たちがやめられないみたいな話で。ただ自分は出ないという選択をして、このインタビューを受けてる現時点ではそれを守ってる。

──ライブをいっぱい回って、たくさんシャツ売るのが活動の主体という人もかなりいますもんね。

お客さんも記憶あるかもしれないですけど、僕らは地方でも全然物販しないじゃないですか。物販の儲けを頼りにするようになったら、音楽を作るのが疎かになることを懸念してました。それが思わぬ強みになったなと、ちょっと思ったりもしました。ただ、シャツを売るのもやり方のひとつではありますからね。音楽を通じたお金をどこでもらうかという判断でもあるので、たとえばお客さんは全員サブスクで聴いてるけど、CD的なものとして買ってもらう、というのもぜんぜんありなので。だけど、僕らはCDやレコードを買ってもらいたい。それに、音楽とそのイメージの割合とかもあるじゃないですか。アパレルだとイメージの割合が大きくなってきますし。

──音楽を売るっていうのは、一言ではまとめられないですよね。やはり音楽家として続けられるだけ続けたいなという感じですか？

主な仕事が音楽じゃなくなる可能性はあるけど、音楽を作ること自体は一生やりたいなって思います。一生続けるにはどうしたらいいか、その選択としてプロにもなれたし。ただ30歳すぎて、会社も建てて、音楽一本になっちゃってるんで、「どうすんの」「家族も得てしまった。もうこのまま後に引けない」って夜中に思ったりしますね。

──（笑）。音楽を続けていくにあたって、仕事でいろんな締め切りってあるじゃないですか。納期があることを前提に、何年も仕事が続いてる。それがなくなって、納期がない仕事になっても音楽を作って曲を出していけるかって考えたりしませんか？　僕は締め切りがない、誰からも頼まれず曲を作ったり文章を書いたりとか、ここ数年全然できなくなって。十代の頃は頼まれもしないのにいっぱい作ってたけど、今は締め切りがあるから作れる、みたいな。

たしかにそのパワーが弱まっているのは自分でも年々感じますけど、ただ日記はそれを強制するパワーがあるなと。自分は人よりもこの仕事を長く続けてきて、自分を飼い慣らす術はあると思っていて。無名時代に音楽を作ってるとき、定期的に公開をしたいと思ったら、自分にやらせなきゃいけないじゃないですか。あと、出さないと何も変わらない。自分で悩んで手元でこねくり回してるうちはゼロと一緒。プロになってから十分勉強したので、もしいまプロを辞めて放り出されても、音楽作ることはできるだろうなと思います。もうちょっとルーズな活動になるけど、だからといって出すことを止めるのは、今の時点ではないかなと。

──締切がなくても自発的に出していくための心構えについてもうすこし教えてもらえますか？

むずかしいな……。音楽作るとき、なんらかのゴールがないと走り出せないじゃないですか。そのときに何が大事かというと、攪拌作業です。かきまぜること。自分の場合は音楽を聴くのが一番ですけど、映画とか劇場にいったりして、影響を受ける。そうすると感想が出てくるじゃないですか。そうして、自分から何かを出すこと。それをやる方法として、自分には「音楽を聴く」「読書」「日記を書く」の3つがメインにあって。それをやると自分の立ち位置が見えてきて、向かうべきコースがちょっとわかる。

それに音楽を聴くだけだったら記録に残らないですけど、日記だったら記憶に残る。そのときに感じていた差分もちょうど残る。そうなると、音楽を作るモードに近づいていくというか。自分が音楽を作ることって、結構日記を書くのにも近い行為だと思ってます。事件が起こって書きたいことを書く、逆もしかりで事件のない日のことを事件っぽく取り出して書くみたいな。それは自分が音楽を作るときの感覚に近いので、それで肩をあたためて音楽を作る。逆もあって、音楽を作ってから日記を書くこともあるんですけど。そうしてマインドをもっていく。正直かなり長い期間音楽制作を続けてるので、一ヶ月やらないことがあっても、そのあと再び作ろうと思ったらできますけどね。そこがDTMのいいところじゃないですか。感覚は古びるけど、技術は古びない。

──DTMで言うと、tofuさんは今作も自身でミックスもしてるし、ミックスの講習動画なんかも公開されましたよね。細野晴臣さんは「ミックスは社会性」と言っていて、つまり作曲や演奏はただただ楽しんでやっているけど、それを商品として流通させるために音を整理する作業＝ミックスになると大変なんだ、と。ミックスやマスタリングの作業もクリエイティブの延長として捉えてますか？　制作では、締切なくやってる人は、そこで一番止まるというか。

そうですね。ただマスタリングの方が社会性で、ミックスは創作のうちのひとつだと思ってます。なぜかというと、作曲するのが編集だと思ってるので、ミックスをやらないのは作曲をやってないのと一緒、という考えも正直あって。だからできる限りやりたいですね。

あと、自分が作品を出さないとだれも聴いてくれないし、見てくれない、忘れられる。リリックでも当時言ってたんですけど、神戸にいて自分の音楽を聴いてもらいたいとか、自分と同じ趣味の人を見つけたいときに、音楽を作って出すしか方法がなかったんで、そうなると出すしかない。出すことが社会性だったので、出さないと社会が始まらないわけですよ。自分が作って聴いて満足して終われる人間だったらと良かったですけど、当時はそうじゃなかったし、それで広がるってことがわかっちゃったんで、それは絶大なモチベーションになった。自分にとっての社会につながる手段が音楽である以上、それは続いていくと思いますね。あと、これまでの人生を音楽を作ることで記録してきているので、これを途絶えさせるのがもったいないと本当に思う。

──それにここまで続けてしまった日記があるという。

それを書くのが面白くて続けてることもあるので、そういう意味では、やめてもやるタイプのおじさんかなって思うんですよ。これですっぱりやめて空手とかやったら面白いですけどね。

──（笑）。ミックスの話でもう一個聞きたくて。自分の声を録音して聴いてみたら、絶対違和感を覚えるじゃないですか。tofuさんも、自分の声に対しては色々思う所あると過去の発言から察せられるんですが（笑） 、ミックスを自分でやってたら、自分の声を聞かなくちゃいけないじゃないですか。それってしんどくないじゃないですか？

並々ならぬコンプレックスを抱えてますよ。しんどいですけど、オートチューンがそれを可能にしてます。いまでも生声の曲はやりたくないですし、制作も生声で一切やってなくて、モニターもオートチューンで。制作時から完成まで自分の生の声を聞くことないです。

──DTMで自分の声を録ってる人は、そこで嫌になって辞めてる人も多そうですけどね。

でも、若い子たちをみてると、自撮りとかもそうなんですけど、自我の取り扱いに慣れてる印象があって。そういうのは自分と違って羨ましく思いますね。しかも僕がオートチューンをかけるみたいに、エフェクトをかけることにも抵抗がないというか。

──たしかに。それは今回のアルバムのテーマにもなっている、対外的なイメージにもつながってきますね……（笑）。テーマがテーマだけに、今回のアルバムは歌詞も意味深で面白い内容の曲が多いと思うんです。自分が特に気になったのはアルバムの最後の曲"Mirai"で《いい大人になっても思い出してる校舎》っていう部分なんです。なんというか、今までのtofuさんの作風からすると「校舎」っていうのが意外な単語のチョイスだなーと思って。もちろん3rd以降の、個人的・内面的な部分も隠さず出していく作風を経てのことなんでしょうけど、なぜ「校舎」なんでしょうか？

むずかしいな……。いつまでたっても、高校の話しかしない人っているじゃないですか。でも自分たちは音楽を作って新しい話をするのが普通。そうじゃない人、会ったらいつも昔の話をする人がいる、そういうことをすごく考えてて。学生気分って一番言われる仕事だと思うんですけど、むしろサラリーマンとかになった方が同窓会性は高まっていくのかなって。それで「校舎」という言葉が唐突に出てきたんですよね。韻のあやとはいえ、言わなそうな単語ではありますけど。

──僕もFacebookでたまに自分の仕事の告知とか投稿するんですけど、高校のクラス会とか行くと「お前のFacebook何書いてるか意味がわからない」って言われます（笑）。皆からしたら、同級生の赤ちゃんの成長とか見るためにSNSやってるのに、なんか一人だけ「リリックビデオ配信しております！」とか訳わかんないこと書いてるっていう。

「校舎」についても、それをかなり思って。30歳すぎても僕らみたいに自分のやるべきこと、やりたいことを進めてる層と、家庭があって次の世代にバトンを渡して行こうという層がめっちゃ割れてくるじゃないですか。僕は東京に出てきたので一瞬それが薄まったんですけど、神戸いた最後の方とかはすごい感じてました。

──つぎに僕が参加した曲“VIBRATION feat. Kotetsu Shoichiro”の話を聞こうかなと。自分から聞くのもお恥ずかしい話なんですけど、なんでアルバムに誘ってくれたんですか（笑）？

シンプルにKotetsuさんを呼びたいなと。〈HIHATT〉でKotetsuさんのEP（『Ge' Down E.P.』）を出したのもそうなんですけど、呼びたいありきでした。それが正直な経緯ですね。Neibissもユウジさん（UG Noodle）も、自分が過小評価されてるなってマジで思う人を呼んでるんです。あと“VIBRATION”に関しては、ECDさんの描写とかもそうですけど、この曲の意図を掴める人間がマジでKotetsuさんしか思い浮かばなかったんです。

──tofuさんが書いて送って来たあの曲のフックに《Babyちゃん》ってフレーズが出てきて、これって“ECDの東京っていい街だなあ”のリリックに出てくる《Babyちゃん》なのかなーって思って。その補足というか連想みたいな形で、自分のバースでECDさんのリリックを引用したんですけど、ヤマが当たりましたね。

今回の制作のとき、めちゃくちゃ『ホームシック』（1995年に発表されたECDの3rdアルバム）を聴いてたんです。コロナで自分がマジで好きだったものに立ち返っていったことが大きくて、マシンドラム（Machinedrum）やエル・ギンチョ（El Guincho）のプロデュース作とか、ハーバート（HERBERT）、ECD……あとPIZZICATO FIVEの配信が出たのもあって聴き込んでいて。そして作詞が本当にいいと思う人とやりたかったのが“VIBRATION”だったので、それで順当にKotetsuさん。実際、一発で意図をつかんでくれた感じもあってので、ありがたかったです。それと、Kotetsuさんは、これが出る前にT-STONEさんの曲（“Let’s Get Eat”。–ビルボードチャートTikTok部門1位（2021/12/5付）を獲得した）も出ているので、「あれKotetsuさんがやったんだ」って示せるというか。

──あれもあんまり、実感ないんですよね。自分がもっと若くて、TikTokとかYouTuberに詳しかったら、やったぜって感じかも知れないけど。T-STONEは喜んでたし、友達とかから「凄いじゃん」って言われたのは嬉しかったですが。

それが言えるだけで全然違うというか。自分が神戸にいたときにむずかゆかった問題のひとつとして、“水星”を出しただけじゃみんながみんな良いって言ってくれるわけじゃなくて、それが東京や大阪、京都で評価されてから、神戸に戻ってくることをめっちゃ感じてて。それこそNeibissもユウジさんもあんなに良いのに、〈RCSLUM〉が良さを発見して〈RC〉からリリースしてたり。それは神戸で感じていた問題だと思ってて、自分は瀬戸内海が地元であり東京に住んでいるという特性があるので、その辺の人に声かけるのは意味があると。それが対外的な意味としてあり、そのなかで自分が単純に好きな人を呼んでこの客演のラインナップになりました。

それと、ピクニックディスコ（Kotetsuのバンド。2017年にリリースした“LADY”はtofubeatsがリミックスしている）の面白さを世間に伝えたい気持ちが俺にはあるというか。あれとかこそ高松じゃないと成立しない、し得なかった面白さだと思ってて。あとはKotetsuさんという立ち位置、やり方に、神戸にいるときの自分と似てるけどちょっと違う……全部を自分でやってる人の独特の感じが漂っていることですね。

──それ故に、謎な人みたいな感じに見えるだろうなとか自分で思うんですけど（笑）。ハウスも作ってトラップも作って、あと映像も作って、文章も書いてとか、一言で言えないことやってると……地元の若いB-BOYとかからも「結局『何』の人なんですか？」みたいに未だに言われますね。B-BOYじゃなくても、普段会う人とか、親戚とか……。

それがさっき言った東京に跳ね返すみたいな話で、自分がぜんぜん売れてないときに小泉今日子さんのリミックスのオファーがきて。CD-Rとかにしか入らない特典なんですけど、でも「こういうこと一発やるだけで銀行の人とかは全然対応変わるから」って言われたんですよ。これはいい意味での肩書の使い方というか。“水星”のときも、良くも悪くも、この1曲があるだけで、人の目が変わるなって。あとは音楽を聴いてる人も、その1曲がないから聴かれてないことが全然あると思うんですよ。せっかく良いのに、良いって言われてないから、自分で判断できないから聴かないみたいな。自分でもしゃくな話だとは思うんですけど、多少、そういうのに貢献できるんじゃないかって。なんでこういうことをしないと世間に聞かれないんだっていう俺なりのアクションというか。メジャーにいる自分をみんなに利用してもらいたいみたいな気持ちは正直ちょっとあります。それで自分もいい曲できるなら、御の字やなって。

──世間的な信頼、みたいなことですよね。それが何をもって生まれるのかは結構謎ですけど。

事実と噂っていうのがあると思っていて、事実として今回呼んでるミュージシャンはみんなめっちゃカッコいいけど、噂の部分で自分は多少貢献できるかなって。tofubeatsと一緒にやってることが、噂の部分として機能してくれるんじゃないかっていう。

──アルバムも出て、本も出てっていうタイミングですが、予定というか、今後の展望は考えていますか？

これをしっかり続けていくことになっちゃうんですよね。その時々の形でしっかりやっていかないと、最終的にその差を見て自分が楽しめないので、記録としてのアルバム作りを手を抜かずにやっていく。過去の力もどんどん増えていくし、それが並んでいけばいくほど面白くなっていくと思うので。あとはDJをやってなさすぎて何にもできなくなってないか不安なので、DJは早く復帰したいですね。やってて面白いんで。DJは一番難しいですからね。できてよかったなんて日はマジでないですから。けっこうやってた年でも、年間で「今日よかったな」って日が1日あるかないかですよ。うまく行ったときも、理由がよくわからないからめっちゃ怖い。大体もやっとして終わるのに、でもなんか知らんけどやるみたいな。

2010年代を目前に控え、東海エリアに荒々しく雪崩れ込んできた伝説のヒップホップグループ、TYRANTの始動とほぼ時を同じくして、その一員であったATOSONEが名古屋に設立したレーベル〈RCSLUM RECORDINGS（以下、RCSLUM）〉。2010年の本格始動以来、ヒップホップとハードコアを起点に、緊張感とエネルギーが渦巻く強烈な磁場から、TYRANTのYUKSTA-ILL、HIRAGENをはじめ、Campanella ＆ TOSHI蝮、MIKUMARI、MC KHAZZ、HVSTKINGS、OWL BEATSといった現場叩き上げの突出した才能をもったラッパー、ビートメイカーの作品が次々に世に送り出されてきた。

ヒップホップのステレオタイプなフォーマットには目もくれず、音楽の未知なるスリルを追い求め、荒々しさ、歪さとストリートアートの鋭利な美しさが共存するその作品群は、「NEO TOKAI／TOKAI DOPENESS」という新たな価値観を創出。圧倒的な熱量と緊張感がみなぎる空間で、ラッパーたちがマイクを奪い合うような勢いで熾烈なスタイル・ウォーズを繰り広げた不定期開催のイベント＜METHOD MOTEL＞とそこから派生した2枚のコンピレーションアルバム『THE METHOD』（2011）、『THE METHOD 2』（2018）にも参加しているCampanella、C.O.S.A.、呂布カルマ、RAMZAはその影響を唯一無二のオリジナリティへと昇華し、キャリアを大きく切り拓いていった。

そして、2016、17年には、〈RCSLUM〉とその周辺で活動するラッパー、ビートメイカー、DJたちがSLUM RCの名の下に集結したクルーアルバム『WHO WANNA RAP』と続編的リミックスアルバム『WHO WANNA RAP 2』を発表し、2010年代後半に広範な支持を獲得すると、新たなディケイドの幕明けとともに〈RCSLUM〉は新たな動きを見せつつある。そんなレーベルの過去、現在、未来を繋ぐべく、レーベルオーナーのATOSONE、レーベルより3月にアルバム『CONFLICT GROWTH』を発表したCROWN-D、そして10月にEP『Paradox』をリリースしたnazcaとEPに参加したプロデューサーの一人、abentisに話を聞いた。

──〈RCSLUM RECORDINGS〉の設立は？

ATOSONE　TYRANTを始めた半年後の2008年。最初はTyrantのEP『KARMA』、次がYUKSTA-ILLのEP『ADDICTIONARY』（サウンド面はATOSONEが担った）で、その後がHIRAGENのアルバム『Caste』。当時日本で一番格好いいラッパーを世に出したかったというか、HIRAGENは世に出したらヤバいことになるだろうなって思って、流通に乗せたり、レーベル運営に本気になったのは2010年からだね。いろんな事があり過ぎて、結果として無茶苦茶ヤバいことにはならなかったけど、それに反応してくれたのがStruggle For Prideの今里くんだったり、CE$や〈WDsounds〉のMercyもそうだし、DOMMUNEをやってる宇川くんが褒めてくれてると伝え聞いたり、耳が肥えた人たちに伝わるところまでいった。

──2000年代後半、端から見ていて、名古屋、東海のシーンは際立った動きがなかったように感じていたんですけど、「俺たちの音楽はヤバいんだ」という最初の表明？

ATOSONE　うん。みんな初期衝動というのはそういうものでしょ？　ただ、そうはいってもレーベルのヴィジョンはなかったし、ましてや、10年も続くのは思ってなかった（笑）。

──その翌年、2011年に出したコンピレーションアルバム『The Method』は、〈RCSLUM〉所属アーティストだけでなく、東海圏のラッパー、ビートメイカーの楽曲もフィーチャーして、東海圏で起きている新しい動きを立体的に伝える内容でした。

ATOSONE　ハードコアとかヒップホップでは、昔は何かといってはVA（Various Artistsの略）、コンピレーションとかスプリットEPが出てたじゃない？　そういう文化があることを知ってたから、同じノリでコンピレーション作るかって。その時には俺とヒロシ（DJ BLOCK CHECK）のイベント＜METHOD MOTEL＞を始めていたから、CROWN-Dとか呂布カルマ、BB9のBRAVOOとK.Lee、その時はPSYCHEDELIC ORCHESTRAとして活動していたCampanellaとZooとか、そういうやつらを集めたっていう。

──ただ、特徴的なのは、＜METHOD MOTEL＞にしろ、『The Method』にしろ、気の合う仲間を集めて、和気藹々としたものでは全くないというところ。

ATOSONE　俺ら（TYRANT）が最高であって、お前らなんて格好いいわけないじゃんっていうのは大前提。だから、最初の頃はバチバチだったし、みんなリハーサルから全力だった。

CROWN-D　俺は出番が朝方だった時、客一人一人に「朝6時ぐらいまで残っとってくれ」って言って回って。それくらい必死だったっすよ。他のイベントとは明らかに空気が違ってて、ケンカしにいく、みたいな、それが最高だったっすね。

ATOSONE　だから、『The Method』も誰が一番格好いいんだ？　っていう内容だよね。それくらいの時期から話が広まっていって、イベントにも客がどんどん入るようになっていった。

──尋常じゃなく空気が張り詰めていた＜METHOD MOTEL＞は、ラッパーやハードコアバンドのライブ、DJもヒップホップだけじゃなく、ソウル、レゲエ、ハウス、テクノ……音楽的にはそれらが混ざり合っていて、個人的にはその質の高さが衝撃で、なおかつ、男性、女性、近寄りたくない不良から音楽オタクまで、客のミックス具合も最高ですよね。

ATOSONE　CROWN-Dもいれば、（豊田のハードコアパンクバンド）ORdERも出とって、そこにBUSHMINDもおって。もうめちゃくちゃだよね。〈RCSLUM〉が「快楽至上主義型先鋭利益追及集団」を名乗ったのはそういうこと。かたや、俺らが若い頃はパーケン売って人集める時代の最後の方だったじゃん？

CROWN-D　そう。俺なんかビンゴ大会の後で歌わされたりしたからね（笑）。

ATOSONE　センスのないヤンキーの先輩が仕切ってるパーティね。＜METHOD MOTEL＞では最初から画期的なことをやったんだ。まず、クラブの真ん中にステージを作って、客がそのステージを取り囲むっていう。自分たちでデザインした張り紙をクラブ中を埋め尽くして、あと、ちゃんとお香を焚く。そうやって環境を作ったから、演者もやる気になるし、客も初めて入った時、ワーッっとなるじゃん？

──そうやって環境を作って徹底して打ち出したのは音楽至上主義のスタンス。

ATOSONE　はいはいって言うことを聞くやつだけを周りに置いてても仕方ないというか、俺らは言うこと聞かねえけど、格好いいだろ？　って。年齢だとか不良か否かとか、そういったことを度外視して、音楽だけの話をしたら、お前は勝っているのか？　だったら、それを示してくださいよ。そういう話以外、俺らは言うこと聞かないですよって。だから『The Method』のCD帯に『親愛なる東海地区の紳士、淑女、不良、売女の諸君、そして日本全国に3000万人いるという中毒者の諸君、そろそろ音楽の話をしよう』って書いたんですよ。

──その後、2012年にリリースしたCampanella & Toshi蝮の『Campy & Hempy』や2017年のNero Imaiの『Return Of Acid Kings』に象徴されるように、〈RCSLUM〉の初期メンバーより下の世代がラインナップに加わって。彼らやC.O.S.A.やRamza、Free Babyloiaは自分たちのパーティ＜MdM＞を始めるわけですけど、彼らは初期メンバーのように不良かというと……。

ATOSONE　むしろ、ナードだよね。俺が『The Method』の帯でそう言った以上、下のやつらに対しても音楽で価値を計る。その時点で人気がなくても、聴いて格好良かったら、俺は作品を出すよっていう。そういうスタンスを明確に打ち出したからこそ、イベントにも色んな人が来るようになったし、作品も届くようになった。

──レーベルの作品、そのディレクションに関して、ATOSONEはどの程度関与するんですか？

ATOSONE　俺が徹底しているのは、内容に関して口は出さない。あと制作途中段階の曲をちょこちょこ聴かせるのは止めてくれってこと。うちと契約して、アルバムを出すとなったら、全曲揃って、これがアルバムですっていうものを聴かせてくれって。デザインとかそれ以外のことは俺がやるっていうのがうちのやり方。

──作品をリリースするなかで、変化していった状況についてはどう見ていますか？

ATOSONE　やりたいことしかやってないから、俺らは変わってないけど、雄一（Campanella）もC.O.S.A.も売れていったり、周りが変わっていっただけじゃない？　ただ、2015年の『Who Wanna Rap』から拡がり方が一回り大きくなっていったというのはあるかな。

──SLUM RC名義でリリースした2015年の『Who Wanna Rap』は、ATOSONEにYUKSTA-ILL、MIKUMARI、MC KHAZZ、Campanella、Toshi蝮、Nero Imai、C.O.S.A.、Covan、Ramzaといった〈RCSLUM〉とその周辺のラッパー、ビートメイカーが集結したクルーによるアルバムですよね。

ATOSONE　あのアルバムでは、俺が久しぶりにラップしているのと、あと、普段絶対そんなことやらないのに、みんな集まって曲を作ろうっていうことになった最高のエモアルバムだよ。完成まで1か月かからなかったからね。『Who Wanna Rap』とか2018年の（2枚組のコンピレーションアルバム）『The Method 2』はそれまでの〈RCSLUM〉の集大成であり、末期だよね。『THE Method 2』に“Kingdom Collapse”（王国崩壊）って付けたのは、そういう意味なんだよね。一回壊れて、また戻ってくるっていう。

──『THE Method 2』には、その先で始まる第2期〈RCSLUM〉で作品をリリースすることになる神戸のシンガーソングライター、UG Noodleに、今回EPをリリースするラッパーのnazcaの曲も収録されていますもんね。

ATOSONE　王国がついに崩壊して、暴力と金と女とドラッグを卒業して、そこから先は愛ですよ。だから、音楽も優しいものを聴くし、UG NOODLEをリリースしたのもそういう流れ。あと、若い奴らを集めて出した2020年の『Sooner Or Later』は、初期から〈RCSLUM〉をずっと追いかけてきて、京都で不定期にパーティをやってる＜Clutch Times＞と一緒に作ってみようかってことになったコンピレーションだった。今の若手はラップは上手いし、みんなすごいよね。不必要なストレスがないぶん、集中していい作品を作れるし、作品が出来たら、YouTubeやSoundCloudで拡散できる。まぁ、でも、玉石混合というか、全部がいいわけじゃないし、nazcaとhyunis1000はそのなかから見つけた才能だよね。どれだけ時代が変わっても、気に入ろうが気にいらんかは別にしてHIPHOPがなくなることは無いし、常にセンスの良い人たちが面白いことを始めて、コミュニティーが出来上がって、何かをきっかけにそれが崩壊していく。崩壊したからと言ってそれは終わりを意味するのではなくて、新しいものが生まれるきっかけに過ぎないわけで。そのきっかけになる土壌が豊かであればあるほど次に生まれるものが美しくなっていくのではないのかと。だから個人的には〈RCSLUM〉の今後の動きにも耳と目を傾けていただければと思いますね。

名古屋・有松をレップするCROWN-Dは、TYRANTのYUKSTA-ILL、HIRAGENと壮絶なフリースタイルバトルを繰り広げてきたラッパーだ。

INISHALL-L、SITY-HIGH、KATCHA-MANからなるヒップホップグループDRAMASICK、BASE、梵頭とのユニット、東海喰種でも活動してきた彼は、2012年のUMB名古屋予選で呂布カルマを破って本選出場を果たしたほか、＜KOK 2019 GRAND CHAMPIONSHIP＞のファイナリストとなるなど、MCバトルで高い評価を確立。数年の空白期間を挟みながら、『THE METHOD』や『METHOD MOTEL』に参加するなど、長らく共闘関係にあった〈RCSLUM〉から初のソロアルバム『CONFLICT GROWTH』が今年3月に発表されたばかり。

アブストラクトやダブ、ジャズの要素が混在するブーンバップを基調に、フリースタイルで研ぎ澄ませたラップ、リリックにダークなユーモアを交え、欲望と後悔、絶望と希望が交錯する終わりなき葛藤を赤裸々に描き出すこの作品は、本来、RCSLUMの第1期を飾るはずだったというが、設立前後のレーベルを知る名古屋生え抜きのラッパーは変わりゆくシーンを前に、何を語るのだろうか。

──ATOSONE、〈RCSLUM〉との最初の出会いについて教えてください。

CROWN-D もともと「TYRANTっていうヤバいグループがおる」っていう話は聞いていたんだけど、DRAMASICKでライブをやってた時に「誰だこの人？」って、目についたやつがいて、それがソウタくん（ATOSONE）との最初の出会い。当時は名古屋しか、自分しか見てなかったし、音楽を中心として動いてなかったんですけど、（TYRANTの一員だった）YUKSTA-ILLにフリースタイルバトルで負けて、そこで音楽に火が付いたんですよ。

──じゃあ、TYRANTや〈RCSLUM〉というのは……。

CROWN-D　俺らは名古屋、TYRANTは名古屋、桑名、鈴鹿でしたし、最初はバチバチにライバルでしたよ。名古屋の人間というのは最初会った時は冷たいというか、最初は様子を見るんですよ。そこから徐々に仲良くなって、ソウタくんのイベントに呼んでもらうようになっていったっすね。

ATOSONE　CROWN-Dはずっと格好よかったから、ホントはもっと早くアルバムを出すつもりだったんだけど、契約した直後に……（笑）。

CROWN-D　そう。「よし出すぞ。やろか」って一人で盛り上がってた時にぽんと……そこから3年半（笑）。

ATOSONE　その間の流れとしては2018年に出した2枚組のコンピレーション『THE METHOD 2』を節目に、〈RCSLUM〉は第2期に突入していくんだけど、自分のシナリオとして、CROWN-Dのアルバムは、本当だったら第一期に出したかった。でも……第2期に入っちゃったという（笑）。

CROWN-D　それでソウタくんが焼肉食わしてくれて、「アルバム出すぞ」って声かけてくれて。こっちはヨレヨレだったんですけど、「自分にはこれしかない。だからやるしかない」って。

──では、今年3月に〈RCSLUM〉から出した初のソロアルバム『CONFLICT GROWTH』は、色々止めて、音楽をやろうと臨んだ作品なんですね。

CROWN-D　曲によっては、ホントに止めようと思って歌ったリリックもあれば、別にいいでしょっていうリリックもある。その時々で俺は気分が偏るというか、今日は気分がいいけど、日を改めたら、カッチカチになっている時もある。作品にはそういうものが反映されているんじゃないですかね。

──アルバム前半はこれまで快楽にどっぷりだった人の自問自答やどうしようもなさが詰まっていますよね。

CROWN-D　そう。でも、作ったアルバムは後から自分で聞くことになるじゃないですか。だから、後半は、我慢しようと自分に言い聞かせるように歌った曲。そんな時に後輩で絵を描いているm.j.k（aka aReK）経由でGreencrackのトラックをもらって、「これはDくんにしか歌えんと思う」って。だから、“なんもわかっとりゃせん”は東京にいるm.j.kに心配すんなっていうつもりで歌いましたね。

──この人はどうなってしまうのかっていう前半を抜けて、後半はアガっていくじゃないですか。だから、他人事ながらホッっとしたというか、高揚感すら感じましたね。

CROWN-D　それはありがたいっす。どういう作品を作るのか、自分は構想したりすることが出来ないし、自分の行動、私生活じゃないと書けないと思ったので、一番最初にINISHALL-Lと書いて、反省の念を込めた「GO FUTURE」をアルバムに最後に持ってこようと。どうせ日が経つにつれ、ダメになっていくのは分かっているし、そのなかで我慢して生きられる時間がどれくらい続くかといったら、何かのきっかけがないと難しかったりするだろうなと思いつつ、俺には仲間もいるし、良い方に変わっていったらいいなって。

──仲間と、そして音楽と。CROWN-Dにとって、作品からも感じられる音楽に対する熱意は大きいんじゃないかと思いました。

CROWN-D　そうですね、確かに。音楽がなかったら、そっちの道に直行だったと思います。だから、音楽には救われてますね。

──「NO FUTURE」ではなく、「GO FUTURE」だと。

CROWN-D　俺らがやってるDRAMASICKっていうクルーが2014年に出したアルバムのタイトルが『NO FUTURE』、打ってたイベントの名前も＜NO FUTURE＞だったんですよ。その時は生き方そのものがNO FUTUREで、自分はまだよかったんですけど、周りでも色んなことが起こって。自分らはそれくらい腐っていたし、そういう連れも今は切磋琢磨しているので、裏切れないなって。

ATOSONE　そういうアルバムだから、俺は聴きたくない（笑）。いや、もちろん、聴いてはいるけど、アルバムのなかには救いのある曲もあるし、特にCROWN-Dのいいところが出ている“ジョージ・バーニン”は今後の活動の道しるべになる曲なんじゃないかなって。

──こうして作品をリリースしつつ、CROWN-Dは＜KOK 2019 GRAND CHAMPIONSHIP＞のファイナリストでもありますけど、バトルでは若いラッパーがどんどん出てきていますよね。

CROWN-D　久しぶりにステージに立ったら、いきなり出てきた相手がめちゃめちゃ上手いし、昔、俺がYUKSTA-ILLとバトルしたSUPERBADでのエピソードも知っていて。後で聞いたら、18歳だったんですよ（笑）。そんなやつに、俺は何を真剣になって、アホなことまくし立ててんのとも思ったんですけど、そこまでいくと面白いなって。「クソガキ」じゃ終わらないのがバトルなんで。一時期は愛知でトップを取って、ライブを増やして、アルバムを出したいと思って、真剣にやってたんですけど、アルバムも無事に出せたので、またバトルに呼ばれたら行こうかなって。

『THE METHOD 2』への参加を経て、猛者揃いの〈RCSLUM〉に新たに名を連ねたのは、YNG JOE$との“Rainywood”が耳の早いリスナーの間で話題となった名古屋市緑区出身のラッパーnazca。

──2人は小学生の頃からの幼馴染みだとか。

abentis　はい。ただ、僕らはずっと一緒にいたわけではなく、一緒にいたり、離れたりがあって。高校生の頃、nazcaはメタルにハマってたんですけど、一緒にカラオケに行ったら、かなり難しい曲を高いクオリティで歌い出したりして、当時、バンドをやってた僕はそれを見て、バンドをやってるやつらより遥かに高いレベルの歌に食らったりとか（笑）。

──ヒップホップにハマったのは高校生以降ということ？

nazca　いや、僕は小学生の頃からですね。それこそ周りの友達のお兄ちゃんたちがキングギドラを聴いてた世代だったんで、RHYMESTER、餓鬼レンジャーだったり、日本語ラップが好きになって。中学からはアメリカのヒップホップ、高校の時はメタル、そういう時期を経て、5lackなんかが出てきた大学生の頃にまたヒップホップに戻ってきて、20歳になった2010年からラップをやってますね。

abentis　高校の時からパンクバンドをやってた僕は、20歳くらいの頃、ジャズがやりたくて、ジャズクラブで働くようになって、やってる音楽とやりたい音楽の違いにフラストレーションを感じていた時、スチャダラパーをきっかけにヒップホップを聴くようになったんです。それでトラックの作り方を調べたら、自分でも出来そうだなって。ちょうど、その頃、nazcaと何人かの友達でやってたLINEのグループで、ひたすらリリックを書くことにハマっていたので、みんながラップするなら俺は音作るわって。

──2010年というのは〈RCSLUM〉が始動した年ですよね。後に、＜MdM＞や〈D.C.R〉に派生していく名古屋の非主流ヒップホップ、その強烈な個性が広く認知されるようになっていくわけですが、2人にとって名古屋のシーンとは？

nazca　僕は24歳から3年くらい東京にいて、CampanellaさんやC.O.S.A.さんの情報は入ってきてはいたんですけど、名古屋の状況がどうなっていたのかは実感がないというか、そこまでの影響は……うーん、考えたことはないかもしれない。

abentis　僕もnazcaも＜MdM＞でCampy（Campanella）さんやC.O.S.A.さんのライブを客として観ていたりはしたんですけど、当時はクラブで遊ぶ習慣がそこまでなかったというか、出演者次第で遊びに行くというような感じだったんです。でも、ソウタさんやRamzaさんたちと知り合ってから分かったのは、ヒップホップはもちろん大事な要素だけど、純度100％のヒップホップのなかでヤバいことをやってやろうとしているようには見えなくて。ヒップホップ以外でもヤバいものを色々見つけてくるスタンスというか、個人的にはそういうところに強く影響を受けていますね。

──abentisのトラックはヒップホップに収まりきらない異質さがあるというか、もっと言えば、ベースミュージックからの影響を強く感じました。

abentis　これまでテクノやベースミュージックはよく知らなかったんですけど、去年辺りから周りの友達でそういう音楽を聴くやつが増えてきて、そういう影響もありますし、近いところでヒップホップの枠組で音響的に面白いことをやっているRamzaさんのようなビートメイカーもいたりしますからね。あの異質な音響がダンスミュージックやベースミュージックから来ていることが分かってきてから、ベースミュージックのパーティを始めたり、あちこちでDJをやらせてもらったり、今回のEPはそういう流れのなか、もう一人のビートメイカーであるKarnageくんと出会って、出来たものだったりするんですよ。

nazca　そう。Karnageはアベから紹介してもらったんですけど、彼はGOTH-TRADが主宰する〈Back To Chill〉に所属するダブステップのビートメイカーで、知り合って以来、ビートを送ってくれるようになって。その中からその時の気分で選んだビートで曲を作るようになったことが大きくて。あと、アベのビートに関して、YNG JOE$なんかはしっとりとしたアンビエントっぽいものを選んだりするんですけど、逆に僕はトリッキーな、クセの強いものを選びがちというか、そういうトラックじゃないとリリックが全然思い付かないので、今回の3曲も不思議なビートを選びました。

──では、nazcaからしてみれば、トラップ以降のグライムやドリルだったり、新しいサウンドを強く意識したわけではなかった？

nazca　そう、意図したわけではなかったんです。ただ、自分がやれば、他とは違うものになるだろうなという自信があるので、周りを気にせず、ただただ好きなものを作っただけですね。

──その自信を裏付けるものというのは？

nazca　自分は服が好きで、高校生くらいの頃から自分のなかでこれだというスタイルがあるというか、自分の好きなスタイルで外に出るということを毎日していくなかで変な自信がついて、それが音楽だったり、自分の色んな側面に作用しているというか。

──abentisから見て、nazcaはどういうラッパーですか？

abentis　曲を作るにあたって、俺はこれを言いたくて仕方ないんだというものがあまりないんですけど、たまにふわっと強い意志のこもったフレーズが出てきて、ひやっとするというか、ゆるいのかシリアスなのかよく分からないところに独特なものがあるというか。でも、その強いフレーズというのは、nazcaが日頃から思っている確固たる自分の美学であって、それが曲を通じて透けて出てくる瞬間があるというか、その瞬間はどの曲にもあって、その瞬間こそがnazcaの音楽の核心部分という気がしますね。

──このEPの6曲を聴く限り、nazcaのラップは音遊び、言葉遊びに興じていたり、その語り口は全体的にのらりくらりとしていて、そんななかにセルフボースティングで聴き手をやんわり刺してくる“Pinokio”のような曲もあったりする。

nazca　ははは。やんわり刺すか、確かにね。

abentis　そういう感じはある。でも、刺す気があるのかどうかは怪しいですけどね（笑）。

──今回のEPで聞けるラップはどこか冷めたようなトーンであるのに対して、今年5月にMVを公開したYNG JOE$との“Rainywood”はメロディアスな、エモーショナルな曲だったじゃないですか。これはつまり、特定のスタイルにとらわれず、その時のトラックやテンションによって、エモくなったり、冷ややかになったり、色んなアプローチをしていくなかで、nazcaの一貫したセンスを際立たせていきたいということ？

nazca　そう、まさにそれが自分の目指すところなんですよ。今回、作品についてやり取りしたり、色々教えてもらったりするなかで、ソウタさんがまさにそういう人だったんですよね。〈RCSLUM〉の方々とは挨拶程度でほとんど話したことがないので、レーベルについては語れないんですけど、ソウタさんはご飯作りにしても服着るにしても、何をやってもクオリティが高いし、センスが一貫している。そして、無骨なようで、描く絵が繊細だったり、文章も不良が書くような内容にナイーブな面が垣間見えたり、人としての振り幅が大きくて、そういうところが格好いいし、ぱっと見ただけで、そのヤバさがにじみ出ている人だなって。だから、そういう格好いい人が運営するレーベルから自分の作品が出せることになったのが嬉しかったです。

──同世代で共感を覚えるラッパーやビートメイカー、DJはいますか？

abentis　名古屋ローカルの話をすると、僕は、DJをものすごい本数やりながら、ビートを作っているBUSHMINDさんのスタンスに触発されて、月の半分くらいクラブにいる勢いで、自分のパーティをやったり、色んな箱、コンセプトのパーティでDJやっていて、そこにCampyさんがふらっと遊びに来たり、ソウタさんがDJやってくれたり、色んな人が入り乱れている感じですね。個人的にはその経験を作品に反映していきたいと思っていて、nazcaもそういうジャンル関係ない場で気まぐれにラップしたりするんですけど……。

nazca　僕はあまり夜遊びをしてないんですよ（笑）。ラッパーだと、YNG JOE$だったり、homarelankaと曲（“changez”）を出したContakeit、〈Pitch Odd Mansion〉のコンピに参加しているANPYOくん、ビートメイカーのFKDくんと一緒に曲を作ったりはしているんですけど、ラッパーやビートメイカーとの交流があまりなかったりするので、今回の作品をきっかけに、色んな人と繋がっていったらいいなって。

近年の〈RCSLUM〉は、2020年にドリーミーな多重録音を極める神戸のシンガーソングライターUG Noodleのアルバム『ポリュフェモス』、千葉出身のヒップホップユニット、ROCKASENのISSACによる初のソロアルバム『RESUME』を次々に発表しながら、地域性やジャンルを超え、さらに同年年末には京都在住で〈RCSLUM〉の熱烈な支持者が主宰するパーティ＜CLUTCH TIME＞とタッグを組んだコンピレーションアルバム『Sooner Or Later』を通じて、東海、関西の新世代ラップ／ビートミュージックを紹介。

この作品から派生する形で登場した名古屋のラッパーnazcaのEP『Paradox』に続き、来年1月には神戸のラッパーhyunis1000のアルバム『NERD SPACE PROGRAM』（来年1月予定）のリリースが予定されている。　

今年9月にWarner Music Japan内のヒップホップ／R&Bレーベル〈+809〉よりratiffとのユニット、Neibissとしてフルアルバム『Sample Preface』をリリースしたばかりのhyunis1000が放つこの作品は、神戸の街で遊ぶ日々とそこで経験した気持ちのアップダウンをありのままに歌い綴りながら、スペーシーでメロウなタッチのトラック、そして仲間たちとアガっていこうというポジティブなマインドがまばゆい光を放ち、ここから始まりつつある新しい何かを大いに予感させる。

これらの作品は、〈RCSLUM〉の変化をうかがわせるものであるが、音楽至上主義のスタンスは揺るぎない。かつて、『THE METHOD』のCD帯で表明した名文句そのままに、今までも、そしてこれからも音楽の話をし続けよう。

最後にATOSONEの言葉を紹介する。