今年5周年を迎える福島最大級の音楽フェス、＜LIVE AZUMA＞が今年も10月17日（土）・18日（日）の2日間にわたり開催される。本記事では、そんな＜LIVE AZUMA＞をステージの一つであるPARK STAGEの過去の出演アーティスト、および今年出演を予定しているアーティストのラインナップから紐解いていく。

まず、PARK STAGEは、規模だけを見れば、あづま球場内のAZUMA STAGEに対する「セカンドステージ」である。だが、過去4年間のラインナップを辿っていくと、それだけでは捉えきれない独自の音楽的な流れがPARK STAGEには育まれてきたことがわかる。手始めに初年度となる2022年のラインナップを見てみよう。とりわけ田我流、OMSB、JUBEE、VaVa、(sic)boyといったヒップホップ勢の存在感は濃い。だが、そこだけを切り取るとPARK STAGEの面白さを見誤る。DYGL、Homecomings、No Busesといったロックバンド勢に、TOKYO No.1 SOUL SETやyonawoといったソウルやファンク、ジャズなどのブラックミュージックを独自の解釈で昇華するバンドなどが並ぶ。わかりやすく言うなら、PARK STAGEは初めから、ヒップホップを一つの背骨に、ロックやソウル、ジャズなど、異なる音楽文化が混在するステージだったのだ。PARK STAGEのJUBEEがAZUMA STAGEのDragon Ashへ飛び入りした出来事も、二つのステージ、そしてヒップホップとロックが決して切り離されていなかったことを象徴していた。

翌2023年も、C.O.S.A.、Daichi Yamamoto、GAGLE、Skaaiといったヒップホップアクトに、思い出野郎AチームやYOUR SONG IS GOODといったファンキーかつダンサブルなバンド勢、ジャズをベースに、R&B、ネオソウルなどを自在に融合させた台湾の9m88や、ゴスペルをルーツに持つFurui RihoといったシンガーソングライターなどがPARK STAGEに出演。JUBEEとAge Factoryによるロックとラップのミクスチャーサウンドを特徴としたAFJBの出演も象徴しているように、簡単に言えば、PARK STAGEの出演者を、一つのジャンルで括ることは難しい。むしろ、ヒップホップ、ロック、ソウル、ファンク、ジャズといった音楽を、それぞれ分けることなく聴いてきたリスナーの感覚に近いのではないだろうか？　そして、開催を重ねるにつれて、そのジャンルごとの距離はさらに縮まっていく。

2024年以降、ラップとバンドが同じステージに立つだけでなく、その境界自体を行き来するアーティストが増えていく。PARK STAGEの一つの背骨と呼べるヒップホップアクトはCampanella、MFS、VaVa（初年度も出演）と充実しつつ、U-zhaan×環ROY×鎮座DOPENESSというタブラという生楽器とラップが絡み合うアクトに加え、ラッパーのRyohuもBand Setで出演。鈴木真海子、Kan Sano（Band Set）、WONK、TENDREといったヒップホップ、R&B、ソウル、ジャズといったジャンルの壁を融解させるアクトも幅広くラインナップされている。きわめつけはトリとしてDJで出演したテクノの巨人、石野卓球だろう。PARK STAGEでは、ラッパー、シンガー、バンド、DJが自然に混在していく。

2025年になると、そうした傾向はさらに鮮明になる。1日目は、柴田聡子（Band Set）、田我流（Band Set）、ceroが並び、「何のジャンルのサウンドか」以上に、「それをステージ上でどう鳴らすか」がPARK STAGEの一つの面白さとして確立された。一方で2日目はin-d、Kohjiyaといったヒップホップアクトにヒップホップ的な感覚も持つ礼賛やクラブ・ミュージック的なサウンドを生演奏へと落とし込むD.A.N.、R&Bやソウル的感性を爆発させるSIRUPなど、スムースな流れがラインナップから描かれていた。

こうした歴史を振り返ると、PARK STAGEが繰り返してきたのは、ただ多くのジャンルを集めることではないことが浮かび上がってくるだろう。PARK STAGEが面白いのは、ラップ、DJ、電子音、ギター、管楽器、生ドラムなど、それぞれ異なる方法で鳴らされる音楽のあいだに、グルーヴやルーツ、カルチャーといった接点を見つけられるようなラインナップが組まれてきたことなのである。

では、本題へと移ろう。2026年のPARK STAGEは一体どのような物語を描いているのだろうか。ざっとラインナップを見れば、VaVaやJUBEE、思い出野郎Aチームといった＜LIVE AZUMA＞カムバック勢に加えて、TOMMY GUERRERO、Tribe Sampler Collective、tofubeats、ISSUGI、SPARTA、SPECIAL OTHERS、OKAMOTO’S、さらさ、CHO CO PA CO CHO CO QUIN QUIN、WHITE ASHといった＜LIVE AZUMA＞の新顔たちが並ぶ。そこから浮かび上がるのは、これまでPARK STAGEが育ててきたヒップホップ、クラブミュージック、生演奏という複数の線だ。加えて2026年は、その一部を支えてきたスケートボードをはじめとするストリートカルチャーとの結びつきも、これまで以上にはっきりと見えてくる。

はじめに注目したいのは、サンフランシスコ生まれのトミー・ゲレロ（TOMMY GUERRERO）だ。スケーターで、幼少期に70年代のロックやソウル、ファンクを聴き、パンクと出会ってバンドを始めたと言う彼の音楽には、ヒップホップ、ソウル、ファンク、ジャズ、ラテン、ブルースなどが入り混じっている。スケートボードと音楽を別々のカルチャーとして生きてきたのではなく、街で出会ったさまざまな音を自らのグルーヴにしてきた人なのだ。多様な人々が行き交う公園を舞台としたPARK STAGEと相性がいいのは間違いないだろう。

その感覚は、PARK STAGEの一つの背骨である日本のヒップホップへもつながっていく。ISSUGIがヒップホップへ入り込むきっかけとなったのは、中学生の頃に始めたスケートボードだった。スケートビデオからさまざまな音楽を同時に浴びたという彼の原体験は、まさにジャンルより先にカルチャーがあったことを物語っている。さらに音楽のキャリアを始める以前、スポンサーも付くほど本格的にスケートボードへ打ち込んでいたSPARTAが並ぶことで、2026年のPARK STAGEでは、ヒップホップとスケートカルチャーの近さも自然と見えてくる。 TOMMY GUERREROからもう一つ辿れる線が、ヒップホップのビートと生楽器のあいだにある。ジャズやソウルの響きをサンプリングという手法を通してヒップホップへと結びつけ、ときにローファイヒップホップの先駆け的存在として今なお世界中で聴き継がれるNujabes。その音楽を現在のステージへと蘇らせるTribe Sampler Collective – Nujabes Tribute Set –も、今年のPARK STAGEを象徴する存在だ。彼らは、Nujabesが遺したサンプルソースや愛した楽曲を、ジャズを軸とした生演奏で再構築するプロジェクトであり、実際にサックス、トランペット、鍵盤、ギター、ベース、ドラムなどの生楽器に加え、DJまで擁する。ここまでPARK STAGEで何度も交差してきた「ビート」と「生演奏」という二本の線が、彼らのステージでは文字通り一つになる。 一方で、ヒップホップからクラブ・ミュージックへと伸びる線もある。DJ／プロデューサーとしてクラブに立ちながら、自ら歌い、ラップもするtofubeats。ビートメイカーとしてキャリアを始め、現在はラッパーとしても活動するVaVa。そして、初年度からPARK STAGEに出演してきたJUBEEは、ヒップホップを軸にレイヴやロックへと活動領域を広げてきた。しかも今年はJUBEE & DA RAP ROCKERSというフルバンド形態で出演する。PARK STAGEでこれまでも実践されてきたジャンルに縛られない音楽の在り方の一つの象徴としても、ライブを届けてくれるはずだ。

では、これまでもPARK STAGEの一つの見所だったバンド／生演奏の面から今年のラインナップを見たらどうだろう。 もっともわかりやすいのが、インストゥルメンタルバンドであるSPECIAL OTHERSだろう。歌やラップではなく、即興性を伴ったアンサンブルとグルーヴそのもので観客を巻き込んでいく彼らは、「何を鳴らすか」だけではなく「どう鳴らすか」を重ねてきたPARK STAGEの流れにも自然と重なる。かつてフェスを「大規模なストリートライブ」のように捉えていたという彼らの感覚も、開かれた公園を舞台とするPARK STAGEとどこかで響き合っているだろう。SPECIAL OTHERSと、電子音楽と生音をミックスさせるCHO CO PA CO CHO CO QUIN QUINが同じPARK STAGEに並ぶのも、面白い対比になりそうだ。

さらにファンクやソウルの要素を持ったOKAMOTO’Sと思い出野郎Aチームが隣り合う存在としてラインナップされていることはもちろん、今回はR&Bやソウルを軸にしながら、最新作では自身の掲げる“Live Bluesy”という感覚をさらに押し広げたさらさがBand Setで出演。Kan SanoやWONK、TENDRE、SIRUPらがこれまで示してきた、R&Bやソウル、ジャズとポップ・ミュージックの境界を軽やかに行き来する流れもしっかりと受け継がれている。 とはいえ、PARK STAGEをソウルやヒップホップを中心としたステージと定義してしまうのも違う。レトロリロンのポップネスやWHITE ASHの鋭いギター・ロックまでが同じ場所で鳴るからこそ、その輪郭は簡単には固定されない。過去にもAFJBやSATOH、D.A.N.、礼賛など、異なる角度からロックや電子音楽の感覚を持ち込むアクトが出演してきた。その振れ幅もまた、PARK STAGEらしさの一つなのだ。

すなわち、PARK STAGEにおいて、生演奏は特定のジャンルを意味しない。ジャムの即興的なグルーヴ、電子音との融合、ソウルフルな歌、ロックの衝動まで、その“鳴らし方”自体に深さと幅がある。

フェスへ行く前には、タイムテーブルを眺めながら「このアーティストだけは観たい」と予定を立てる。もちろん、それもフェスの楽しみ方の一つだ。だが実際に会場を歩いていると、そんな予定にはなかった音に足を止める瞬間がある。名前さえ知らなかったアーティストを最後まで観てしまったり、その日の帰り道に楽曲を検索したり。そうした偶然もまた、複数の音楽が同じ場所で鳴るフェスだからこそ生まれる体験だろう。 これまでのPARK STAGEのラインナップを振り返って面白いのは、そうした偶然への入り口が、いくつも用意されてきたことだ。ヒップホップが好きなら、そのビートの先にジャズやソウルがある。クラブ・ミュージックが好きなら、生楽器で近しいグルーヴを生み出すバンドがいる。ロックを目当てにしていても、ファンクやR&B、ラップへとつながっていく。まったく別の音楽へ飛び移るというより、自分の好きな音楽から「半歩だけ外側」へと進んでみる。その先に、まだ知らなかった音楽が置かれている。 2026年も同じだ。Nujabesの音楽に惹かれてTribe Sampler Collectiveを観た人が、そのままISSUGIやSPARTAのラップに耳を向けるかもしれない。あるいはJUBEE & DA RAP ROCKERSを経由してバンドサウンドの面白さに気づくこともあるだろう。さらさの歌を目当てにしていたら、いつの間にか思い出野郎Aチームのファンキーな音に魅了されている、なんてこともあるかもしれない。 2022年からPARK STAGEに並んできた名前を辿ってみると、そこにあるのは単なるジャンルの幅広さではない。一つの音楽を入り口に、その隣にある別の音楽へと進んでいけるような連なりだ。目当てのアーティストを観るだけでは終わらず、タイムテーブルに丸をつけていなかった誰かが、帰る頃には新しいお気に入りになっている。今年も帰る頃には、タイムテーブルを開いた時にはまだ知らなかった名前が、一つくらい増えているかもしれない。それこそがPARK STAGEの魅力であり、ひいては＜LIVE AZUMA＞というフェスが提示してきた、音楽との出会い方なのだろう。

2022年12月3日、東京、この日で活動を休止する幾何学模様が、オープニング・アクトに起用したバンドがmaya ongakuだった。ほぼ無名な存在でありながらわずかな時間ではっきりと足跡を残した彼らが、ついにファースト・アルバム『Approach to Anima』をこの5月にリリースした。幾何学模様が主宰するレーベル〈GURUGURU BRAIN〉と、never young beach、Yogee New Waves、D.A.N.らを擁するレーベル〈BAYON PRODUCTION〉が手を組み、海外と日本の両面でのリリースとツアー活動をサポートする。これは異例の待遇でもあり、他に類を見ない展開だと言っていいだろう。 maya ongakuを構成するのは、湘南の街に生まれ育った3人のメンバー、園田努（Gt. ／Vo.）、高野諒大（Ba.）、池田抄英（Key.／Sax）。バンドを結成する以前からすでに幼なじみだったという彼らが育んできた自分たちの音楽を彼らがどうとらえているのか、そしてそこにどれほどの可能性が宿っているのか。〈GURUGURU BRAIN〉のGo（幾何学模様）とmaya ongaku3人の鼎談で何が解き明かされるのだろう？　進行を務める僕自身ドキドキしながら取材に臨んだ。

──maya ongakuの3人は10代からの幼なじみなんですよね？ 園田努（以下、園田）　音楽をやる以前からずっと一緒に遊んでる友だちだったんです。だんだん一緒に音楽を作るのが楽しくなってきてバンドを始めたんですけど、最初は地元の仲間6、7人くらいでジャムをしていただけなんです。たまにイベントに出て、長いジャムをやる。それくらいの活動でした。だんだん音楽に対する熱量があるやつが4人残って。最初はドラマーがいたんですが、彼が病気になっちゃって抜けて3人に。ちょうどその時期に〈GURUGURU BRAIN〉から「音源を出さないか」と連絡をいただいて、じゃあ作ってみようかという感じでちゃんと始まったんです。その連絡があったのは、コロナが始まってすぐだから、2020年かな。 ──Goさんはどうやってmaya ongakuを知ったんですか？ Go　たぶん、見つけたのはInstagramです。音源はSoundCloudに上げてたよね。 園田　そうですね。iPhoneのマイクで録ったジャムをSoundCloudにあげて誰かに聴いてもらえたらいい、くらいの感覚でした。 Go　上がっていたのは曲というよりジャムしてる録音みたいな4、5曲だけだったんです。でも、ジャムの音源だけを上げてるバンドって珍しいし、演奏にも光るものがあった。なので連絡をして「アルバムとか出す予定あるんですか？」と聞いたんです。彼らはその時点でもう幾何学模様や〈GURUGURU BRAIN〉のことも知っててくれていた。その流れで「アルバム作ったら、うちで出せるかもよ」という話をしました。

──それが結果的にファースト・アルバム『Approach to Anima』に結実するわけですが、その話が来るまではmaya ongakuとして、アルバムや正式な曲を作ろうという話はしてなかったんですか？ 園田　一応ありました。 池田抄英（以下、池田）　自主でやってみよう、みたいな。 園田　「アルバムを作る理由を探してる」みたいなところはあったかもしれないですね。でも、音楽的にもそこまで成熟してないし、1曲を形にして録音するところまで達してなかったんです。僕らは付き合いは長いけど音楽を始めたのは大学に入ってからで、まだ数年しか経ってないし、やってるのもジャムだから練習もあんまりしてないんですよ。感覚の擦り合わせだけは常にやっていたんですけど、曲をちゃんとレコーディングする過程とかは全然分かってなかった。 池田　あのときGoくんに声をかけてもらえなかったら、どこまでもジャムでやっていた1曲を追求し続けていたと思います。 園田　それが「maya」ってタイトルの曲だったんです。僕がアコギで作ったインプロの音源をみんなに送って「バンドでやってみない？」って誘ったのがバンドの始まりでもあったんです。 池田　ライブでも毎回違う曲とかじゃなく、いつもその1曲をやってました。ずっと完成しない1曲をきわめようとしていた。 Go　でも、「アルバム作ってみたら？」と持ち掛けたとき、バンドにはすでにアイデアがある感じだったよね？ 園田　「歌があるものを作ってみたいね」と話してましたね。ちょうどコロナ禍でみんな時間もあったし、わりと集まって新しく曲を作りたい意識があったんです。そういう意味では、話が来る前からアルバムを作るつもりはあったかもしれない。 池田　そうだね。今までの実験的なジャム曲はSoundCloudに乗せてるから、ギャップじゃないけど、ちゃんと作品として残したいなという意識はあったよね。 園田　うん。

──そこで歌が初めて登場するんですね。 園田　そうです。ジャムでは歌のない曲をやっていたので。 Go　だから、だいぶ印象が変わったよね（笑）。最初に聴いたジャム音源と、このアルバムとではだいぶ違う。でも歌が入ってもmaya ongakuっぽい音の感じはあるし、この3人のメンバーの近さみたいなところは変わらない。そもそもジャムをそのままネットにあげたり、自分たちだけでやろうとしてる感じは、僕らが幾何学模様を始めた頃の感じと近いものがあったし、自分と同じ匂いを感じたので、「どうなろうと大丈夫だな」という信頼を感じていたというのはあります。 ──でも、びっくりしますよね。Goさんが何か助言したわけでもなく、勝手に自分たちで進化していってたわけだから。 Go　そうそう。毎回デモを送ってくれてたんですけど、曲が増えていくたびにどんどん進化してる感じで、そのプロセスを見るのがすごい楽しかったです。 ──レコーディングのやり方も含めて、自分たちで試行錯誤して解決していった感じですか？ 園田　そうですね。作品は〈GURUGURU BRAIN〉がリリースしてくれるとして、完成までは自分たちでやらなくちゃいけなかった。イチから学びながら自分たちでRECしていきました。最初のうちは、「まずデモは自分たちで録って（あとでちゃんと録り直す）」くらいの感覚だったんですけど、やってるうちに「これ（デモ）でもういい」と思うようになった。レコーディングという作業も自分たちで面白くなってきたし、これから誰かに手伝ってもらう必要はないよねという感じになりました。 （制作を通じて）レコーディング自体がほぼ作曲の一部という感覚がめちゃくちゃ強くなったんです。「作曲」って、コード進行やリズムやメロディみたいな骨組みを作ることだけじゃない。音ひとつひとつに関心を持って記録することもすべて包括して「作曲」という感覚。フィールドレコーディングも作曲の一部だし、歌とコード進行と全部が同列にあるという感覚なのかもしれないです。 ──高野さんが、クレジットでは“All Field Recording By”となっています。 高野諒大（以下、高野）　そうですね。前に録っていたものもあったし、曲によって「この曲でこういう水の音が鳴ってるといいな」と思って新たに録ったものもありました。「この曲は森のイメージなので、鳥の鳴き声や自然の音が入ってるといい」とか。

──ジャム主体の演奏集団だった出発点から、レコーディングという体験を通じてmaya ongakuの音楽世界の内面も作られていくのは面白いプロセスですね。幾何学模様も、ある種同じ道をたどってきたという意識がGoさんにはあると思いますが、側から見ていてmaya ongakuにはまた違う部分も感じたりしますか？ Go　そうですね。レコーディングを作曲と見て、そこで作ったものを出してゆくのはすごい理に適ってるし、自分たちのバンドのアイデンティティを曲と一緒に創造して、どういうことがやりたいかをちょっとずつ解明してゆくみたいなところは、幾何学模様と似てると思います。曲に対する認識が柔軟なところも似てるかな。 ──3人が普段聴いたり接したりしてるものなど、バックグラウンドが近いということも大きく関係してそうですね。 園田　みんなが今どういう音楽を聴いてるかは、あんまり把握してないんです。レコーディングするときも別にリファレンス的な音源も用意しないし。でも、「こういうのやりたいよね」みたいな感覚の共通点はあったのかな。 池田　みなさんからもよく言われるんですけど、この湘南という土地柄のバイブスが結構そうさせてるのかなと思いますね。なんとなくみんなマイペースだし、出してる波の感じも似てる。家から海も近いし。細かく見ればそれぞれの違いはあるでしょうけど、生まれた街が一緒だからバックボーンがあえて言わずとも共有できてる部分は、音楽のみならず結構あると思いますね。 高野　僕はすごい都会っぽい音楽も好きだけど、そのなかでも自分に合わないものがある。好きなジャンルとか、どういうときにどういう曲を聴きたいかは違うと思うんですけど、わりと選ぶ感覚が近いのはあると思います。 ──越境的で不思議な音色や楽器のチョイスも印象的なんです。霧のなかにいるようにも感じる。その霧感は池田さんの管楽器が出しているようにも感じました。 池田　ありがとうございます。結構抽象的な音階が好きで、ジャズにある情緒的なフレーズよりは、メジャーやマイナーじゃない世界の音階をいろんなキーで試してみてます。エモーショナルな部分が排除されて、より抽象的な感じが出るところが霧みたいなイメージにつながるのかも。音階を聴いて細かい描写のイメージがしづらいけど、インナーワールドには入りやすい。そういうことをmaya ongakuでは挑戦してる気がします。 園田　みんなで森のなかに行って瞑想的な体験をしたこともあるし。「気持ちいい」はみんな共通してるかな。 Go　自然のエネルギーというか、出ている波の感じは共通してるし、（高野）諒大くんが言った「都会っぽさ」、たまに都会に出ることを楽しむ感じも音楽に入ってますよね。幾何学模様と比べると、やわらかさ、やさしさの感じがもっと全体にある。僕らは東京のど真ん中から出てきたから、もうちょっとえげつない感じがあった（笑）。自分たちのなかに毒味があって、それを発散するような音楽性があったんです。 maya ongakuのファーストを聴くと、そういう毒素はもう抜けていて、聴く人の毒素を取ってくれるヒーリング的な要素もあるじゃないですか。その感じは、自然が自分たちの近くにあって、それが体にすんなり入ってるから、音楽に出したときダイレクトに出てくるんだなと思います。ひとりだけ海のそばで育った人がそういうインフルエンスを持ち込むんじゃなく、みんながそういうところで育って、最初から確認しなくてもベースにある。 池田　僕ら、ジャムでも、2、30分くらい一定のペースをキープし続けることが多かったんです。起伏もそんなにない。普通ならもっとアゲにいこうとすると思うんですけど、僕らはそうしないし、アゲないことが苦じゃなかった。変化を起こそうとしなくてもずっとやれて、いつの間にか4、50分経ってしまってるみたいなことは不思議とあったね。 園田　確かに。 池田　流れを変に作ろうとせずに、ゆーっくり上がって、ゆーっくり下がっていくようなことが多かった。 園田　確かに、俺らのバンドに誰かが入ったり、誰かのバンドにぼくが入ったりすると、「大変だな」と思ったり、ストレスを感じたりすることがある。僕らだけでジャムってるときはスタジオを借りた時間全部を一個のジャムで使ってしまうくらいやれるんです。その長いジャムでは、曲がいつの間にか変わってく。それを自然と愛してたし、ずっとやってました。

──もちろんファースト・アルバムは曲ごとに分かれていて、3分とか5分とか曲ごとの時間はあるんですけど、なぜかそれ以上の時間を体験してるような気分になるんですよ。今言ってくれたようなことにヒントがあるのかもしれない。そのジャムも30分で終わるかもしれないけど、本当の終わりは明日とか1年後とかでもおかしくないような感じ？　そういう感覚のグルーヴから生まれるタイム感なのかも。 池田　ここ最近、フェスにもいろいろ呼んでもらうんですが、30分くらいの尺を守らないといけないのが結構難しいんです。僕らはやろうと思えばいくらでもできちゃうし、本来は自然とくるクライマックスを待つところを、フェスではぎゅっと凝縮しなくちゃいけない。 園田　フェスで40分の持ち時間だと3曲くらいしかできないんで。でも1曲1曲を短く切り詰めるよりは、曲数を切り詰めて、1曲を長くしていくほうがいい。だから。2曲くらいやったところで「最後の曲です」って言う。でもそこから15分くらいやるんですけどね（笑）。たくさんのお客さんの前での演奏はめちゃめちゃ楽しかったです。深夜のライブだと寝てる人もいれば踊ってる人もいる。コール＆レスポンスみたいなのがゼロだから「みんな楽しんでくれてないのかな」と思ったら、物販はめちゃ売れたりした。そんな体験を通じて、僕らができることへの気づきはありました。そこを追求していくことが、今後にある海外ツアーでも大事なんだろうなと思ってます。僕らが周りに合わせて変わっていく必要はなくて、今の感覚のままもっと深いところへ追求していくほうがやるべきことなんだろうなと。 Go　アメリカのメディアやエージェントからも結構いい反応があるので、これからが本当に楽しみです。レーベルとして幾何学模様のエネルギーをどうやって埋めるか、どうやって次のバンド、次の世代に僕らの知識や経験を伝えられるかを考えてたときに、自分たちと同じ匂いのするmaya ongakuがちょうど出てきた。それはすごいタイミング的によかった。彼らは日本語歌詞ですけど、音楽を聴いたときには彼らの気持ちよさは世界共通で伝わると思ってます。この音楽は世界に通じるし、もっといろんな人に聴いてもらいたい。 日本やアジアのバンドが海外に出る場合、普通は、ドメスティックなところを一生懸命やってから海外という流れになると思うんですけど、maya ongakuではもうちょっとそこのスピードを上げたい。日本では〈BAYON PRODUCTION〉、海外では僕ら〈GURGURU BRAIN〉という両立で一緒にやっていく初めてのチャレンジなんです。 池田　国内と海外の両立は3人とも考えているところなので。誰も同時には成し遂げられてないところを頑張ってやってみようと思ってるので。 Go　前例がない分、フォローできる成功の方程式がないので、僕もバンドもみんな試行錯誤しながらやってます。今まで他の誰かがやったことないことをチャレンジするのはいつでもエキサイティングなので楽しみです。 ──海外ではバンド名も不思議に響くと思うんです。エキゾチシズムに触れながら、和的なものもあるし、アルファベットにしても見栄えが良い。 園田　バンド名には全然こだわりがなくて。さっきも言った「maya」という曲をずっとやっていたんですよ。ライブでも「mayaでした」とはよく言っていて。 ──曲名が、ですよね。 園田　そしたら、友達のお客さんとかが「maya、次はいつライブあるの？」って聞いてくるようになったんで、「じゃあバンド名もmayaでいっか」と最初はなったんです。でも、ちゃんと活動していくならいろんなオーディエンスに聴いてもらいたいし、と思ったとき、Apple Musicとかで検索するとmayaって名前のアーティストが他にもたくさんいて（笑）。これじゃあかんと思って「ongaku」をくっつけたんです。でも、1950年代の終わりに「グループ・音楽」というバンド（小杉武久，刀根康尚，塩見千枝子らが提唱した集団即興グループ）が日本にいたんですけど、その名前がめちゃめちゃかっこいいなと思ってたことも理由です。 ──マヤ文明には関係ないそうですね。 園田　そうなんです。曲としての「maya」を作ったときに言葉も自分で作ったんです。自分に見えてる「視野」という言葉の「シヤ」の裏ってなんだろうと考えたときに「マヤ」を思いついて。視野で見えてない景色は自分で作ってるなと思ったんです。その部分のクリエーションって、意識的に芸術を作るみたいなのとは逆の無意識の創作で、勝手に自分たちが何も考えずに作っている。無作為や偶然で生まれる感覚を「マヤ」と名付けて、そういう曲を作りたいと思ったんです。 ──決まった情景に代弁させず、偶然の感覚を大事にする感覚は、このバンドの全体像とも共通してしますよね。新人バンドだし、アルバムはまだ1枚だけだから、ライブも40分しかできません、というのが普通なんですけど、maya ongakuの場合はそこからいくらでも世界が拡張しうる。 園田　アルバムは40分くらいの尺に収めることを想定して作ったので、今後ワンマンとかある程度時間に余裕があるときは5分の曲が10分になったり、10分の曲が20分になったり。そのときの僕らの気持ちよさやお客さんの空気とかいろんな要因で変動してゆく。曲が進化してる感じが自分たちでもしていて、すごく面白いですね。 でも、5月に2日で3本というスケジュールでフェスに出たんですが、実は、この3人になってからそのときまで５回くらいしか人前でちゃんとライブしてこなかったんです。EUツアーでは15回くらいやる。どんな感じになるんだろう？ Go　実は、僕も幾何学模様が最後に日本でやったライブ（2022年12月3日、めぐろパーシモンホール）で、彼らの演奏を初めて見たんですよ。一番最後のライブのオープニングアクトが、一度も見たことないバンドで、しかも音源もないし、ライブも３、４回くらいしかやってない、「超謎！」みたいな（笑）。でも、そういうサプライズをあの日はやってみたかった。 袖で見てても彼らは完全に3人の世界と空気を作ってました。これから出てくるバンドに僕らと同じエネルギーをどうやってパスしようか考えていたから、あの光景を見れたのは自分にとって幸せでした。これからこの3人のフレンドシップと音楽がどう成長するか、それを近くで見れるのは光栄なことです。5年後、10年後にどうなってるんだろう？　彼らからも聞いてみたいです。 池田　お客さんをぶち上げられるバンドになってたいですね。「maya ongakuはそっちでもいける」みたいな（笑）。 ──最初の頃はみんなシーンとして見てたのに、みたいな。 Go　「maya！　maya！」みたいなコールが起きてたり（笑） 園田　僕は、この3人でバンドを続けることを最近すごく意識してます。以前はソロでもやってみたい感覚もあったんですけど、最近はバンドのほうを大切に感じてます。おじさんとかになっても、音楽性がガラッと変わってても、この3人で続けられたら幸せだなと思ってますね。ニール・ヤングの『unplugged』（1993年）の映像を最近見て感動したんですよ。おじさんなんだけど、エネルギーがすごいあって、バンドとしてもコミュニケーションがある。僕らもああなれたらいいなと強く思いました。 高野　同じですね。10年後もバンドを楽しく変化し続けながら続けられたら最高です。 園田　諒大と僕は中学から一緒なんで、もう12年くらいですね。抄英とは高校からですけど、実はもうこの3人の関係はすでに10年くらいになってるんです。音楽なんかやってない遊び仲間だったのに、いつの間にかアートや生活の面でもみんなが同じ感覚を共有していた。面白いなと思います。10年後にGoくんも一緒にまた検証できたらいいと思います。 Go　楽しみですね。EUツアーでも彼らはいい意味で化学反応しそう。日本のフェスだとみんな静かに聴いてるけど、ヨーロッパは反応がダイレクトなので。僕たちも海外に出るまでは日本で10回くらいライブをやってなかったけど、そこから自分たちの音楽がだんだん変わっていくような体験をした。自分たちのよさを30分くらいで出さなきゃいけない経験をたくさん積んで、武器が増えていくんです。僕らもそこから短くてキラーな曲ができたり、ジャムでどんどん伸ばせる曲ができた。どういうふうに彼らがこれから変わるのか、ファンとしても聴いていきたいですね。