東京の愛染 eyezenと大分のケンチンミン。別々の街で活動する二人のラッパーが手を取り合い、愛染珍民として『江戸豊後』という作品をリリースした。

作品のアートワークは遊び心あふれる。昭和な映画のポスターを下地に、2人は学ランを着て下手な青春を送る。そして「ゆ」という温泉の看板。舞台となる大分は温泉の名地だ。本作にも温泉にまつわる楽曲がある。タイトルは“onsen u know saying”。今作の最大のテーマは「ふざけたことを真面目にやる」ことだとケンチンミンは語る。

両者の共通点には、突出したバランス感覚とユーモアセンス、直感に従い行動に移すスピード感、そして音楽への愛がある。そして旅の達人であり、2人ともパパだ。愛染 eyezenが大分で生活していたわずか3ヶ月の間に完成したというこの作品には、プロデューサーとしてIRONSTONE、ne4r、Karinga、906が参加。ドリルやトラップ、トライバルに生音のテクスチャーなど多様なジャンルが織り込まれ、全国各地で培ってきたユーモアで、大分のストリートから新たな物語とスラングを発信している。

愛染 eyezenは東京都江古田出身のラッパー。近年では¥ØU$UK€ ¥UK1MAT$UやYELLOWUHURUなどオルタナティブなダンスミュージックの最前線に立つDJたちとパフォーマンスを行いながら、自身も別名義DJ PELOとして活躍するなど、多角的に独自の音楽性を追求。ヒップホップからレイヴシーンを横断しながら活動する新しいシーンの渦の中心に立つ。

ケンチンミンは大分県出身のラッパー。ギターから音楽にのめり込み、NYでヒップホップに出会いラッパーを志すことに。重厚なメロウサウンドが特徴的な同郷のプロデューサーillmoreや唾奇、GADORO、BASIら人気ラッパーとの共演するなど注目を集め、2022年にはトランペット奏者のRyumei Edatsugiとともに生音テクスチャーの作品をリリース。現在、大分拠点で活動しながら、様々なジャンル／シーンの波を乗りこなす。

端的に表現すると、アンダーグラウンドの愛染 eyezenとメインストリームのケンチンミン、この2人がコラボすることにはかなりの意外性がある。このコラボについてまるっと話を伺うべく、空港からオーストラリアに飛ぶ直前のケンチンミンを愛染 eyezenとともにキャッチした。

インタビューにはとんでもなく個性的で強烈なキャラクターたちの名前が大量に出てきましたが、諸事情でカットさせていただきました。それでは2人のインタビューをお届けします。

──愛染さんと大分の関係はどこから始まったんですか？

愛染 eyezen　初めて行ったのは4年ぐらい前。22歳ぐらいの時にインドから帰ってきて福岡に3ヶ月住んでたことがあって、そこで友達の家に住んでた。その友達の地元が大分なのは知ってたんだけど、そいつはずっと福岡にいたから、遊びに行ったことがなくて。そのあと俺は帰京してラップを頑張ってたら、その友達が呼んでくれた。彼は福岡から大分に帰っていて、初めて大分に行くことになって、AZUL（アスール）という箱に出会う事になる。各地でライブをやる時、リハーサルをしてから飯を食いに行くんだけど、その時AZULでリハをやってから行ったのが「いりぐち」というお店で、それがケンタさん（ケンチンミン）がやってる場所だった。そんなこんなで何度も大分に行くたびにいろんなメンバーと仲良くなっていく。

初めて大分でライブやった時は50人くらいしかお客さんが入らなかったけど、重ねるにつれてどんどん増えてきた。4回目くらいから自分のパーティーと半々でやるくらいになって、これだけ人が入るんだったら拠点を大分に移しても生活できるんじゃないかなと思った。そんな中で宿も決まったり、イズミさんという方と仲良くなって、イズミさんの洋服屋さん「ファウンテン」で週4〜5くらいで働かせてもらうようにもなる。それから3ヶ月住んでた。夜も好きに遊ばせてくれて、毎週クラブに遊びに行ったりして「DJやらせてくれない?」って聞くと、結構やらせてくれた。そこにCDをしれっと置いておいたら、なぜか売れるのよ。

ケンチンミン　「おま○こポリス」だよね（※CDのタイトル）。CR-Rがあんなに高値で売れてるの初めて見たもん。

愛染 eyezen　2,000円だね。あれがすごい売れた。しかも一時期ケースもなくて、ラップに包んで置いたりしてたのに。たぶんみんな車だから、CDは入れるだけでいいから。

ケンチンミン　しかも一回CD入れたら、取り出すの面倒だから何ヶ月も聴いたりするじゃん。それで、愛染が大分に来るたびにお客さんの反応が良くなる。それは「おま○こポリス」を車で聞き続けた結果だと思うんだよ。

愛染 eyezen　俺の音楽は歌える音楽ではあると思うけど、お客さんに口ずさんでお客さんに口ずさんでもらうより体感してもらって、踊ったりする方が多い。だけど、大分には歌えるやつがいるんだよね。

ケンチンミン　CD-Rに黒いマジックで「おま○こポリス」って書いただけの作品を2,000円で買ったら、せめてちゃんと聴こうと思うよね（笑）。ちゃんと値段をつけることで売る大切さがここにあるのかもしれないね。

──「おま○こポリス」を作ったきっかけは？

愛染 eyezen　「おま○こポリス」を作ったのは、コロナがライブがなくなっちゃった時。その直前でライブがすごい増えてきて、しかも自分のリリースパーティーもあったし、ちゃんとお金をもらえるようになってきたタイミングだったから、かなり損失があった。それでどうにかできないかと思ってた。それでマスクが配られたりしてる時だったから、俺はステッカーを作った。安倍さんの顔に俺の刺青が入ってて、目と口にマスク2枚着けてるというデザイン。そのステッカーとマスク2枚、CDをパケに入れて売ってたんだ。CDは『BlueTrust』（2019）や『DANCING OJISAN』（2021）からの曲が入ってるベスト盤みたいな内容だった。

──なるほどです。そして、いつから2人で作品を作ろうということになったんですか？

愛染 eyezen　パーティーも盛り上がってきて、5回目に大分に来たタイミング......でもなく、大分に来てからどんな人たちがレコーディングできるのかとか、プレイヤーのフットワークの軽さとかを調査するようになった時があった。そこでケンタさんはやり取りする時間軸も変わらないし、馬が合った。

ケンチンミン　大分に拠点に活動しながら全国に行って感じたのは、自分の周りにいるプレイヤーたちは作品リリースにエネルギーを注ぐことが苦手なんだよね。自分が愛染とやろうと思ったきっかけも、愛染のようなスピード感で作品をパッケージングする、速度の基準をシーンに見せたかったから。それで曲だけはすごく早くできたんだけど、リリースまでに1年かかっちゃった（笑）。何も言えない......けど、愛染が大分にいた3ヶ月で4曲を作って、ビデオも2本撮影した、あのスピード感はすごかったと思う。

愛染 eyezen　みんな見てくれたんじゃないかな。しかも仕事しながらやってたから。ケンタさんも経営者で子供が2人いるし。そんな中で毎晩遊んで、作品を作る。そこについてきたのがHAGANEというラッパーで、いま21歳くらいだけど、ラップも渋くてセンスが良い。そしていまHAGANEはLAにいる。大分から出て活発に動くのは良い動きだし、LAから大分に良いものを持って帰って、面白い動きをしてくれるんじゃないかと思ってる。

──外に出るという話でいうと、愛染さんは東京を拠点にヒップホップ以外のフィールドのパーティーやレイブに数多出演していました。ケンチンミンさんは大分の外に出て、全国で活発に活動されていた印象があります。近年はどういう活動をされたんですか？

ケンチンミン　コロナになってからブッキングがなくなって、もちろん大分でもイベントは開催されにくくなったんですよ。自分は元々バンドをやっていて、コロナ前からバンドでのライブを構想していて、そのバンドメンバーのトランペット（枝次 竜明｜Ryumei Edatsugi）がビートを作り始めたりしていたんで、そいつとのEPを1年かけて作りました。がっつりヒップホップというよりは、ジャズ寄りのサウンドでラップした。2021年にはそのEPのリリースをもとに、フルバンドセットでのワンマンライブをホールで開催した。そのすぐ後に愛染が大分に来たから、振り返るとかなり制作してますね。

──ケンチンミンさんは音楽性の振り幅がかなり広いですよね。メロウなビートからフルバンド、そして愛染さんの極彩色のハイブリッドなサウンドまで。

ケンチンミン　そうですね。愛染と作る時は、愛染の世界観に入り込みたいなと思って。音的にも言葉的な部分もそう。“onsen u know saying”の906さんのトラックだけ俺が用意して、それ以外は愛染が持ってた。“onsen u know saying”はタイトル通りの曲で、大分はだいたい車を走らせたら目指すところ15分で温泉に着く。だから“onsen u know saying”を聴き切らないまでで風呂場に着いて、ちょっとゆっくりして最後まで聴いてから風呂に入る、みたいな。そういうEPですね。

愛染 eyezen　作品のコンパクトさもそうだけど、俺にとって曲のバリエーションはかなりチャレンジングだった。曲を作る時はライブでどう見えるかを考えるけど、どの曲もクラブで聴いて申し分ないレベルまで持って行けたかなって。

ケンチンミン　最初に作ったのは“O.C.B”なんですけど、俺はトラップやドリルにラップを乗せることをあんまり考えられなかったんですよ。でも愛染が乗ってるドリルはオーガニックで、自分も想像できる。スワッグな感じじゃなくて、スムーズなサンプリングが原曲の良さも出てる。こういうドリルはあまりないよね。

愛染 eyezen　ビートだけで聴いても気持ち良いし楽しめるもの。ラップ抜いちゃうとただのワンループのものが多くて、そうじゃない展開のある曲選びを意識してる。ワンループだとラッパーは展開つけやすいと思うけど、俺はビートにストーリーがある方が好き。それと、一人でもヒーローになれるというか、友達と聞いてなくても大丈夫な感じにしてる。イカつすぎないもの。

ケンチンミン　サグじゃなくてバッドボーイみたいな感じ。我々、どちらかと言うと悪ガキ、アホやなっていう方。そのスタンスが出てると思う。

──感覚はすごくわかります。ちなみに“O.C.B”って何の略なんですか？

愛染 eyezen　Ooita City Boys（笑）。友達がずっと言ってて......ってことは、“O.C.B”という曲があれば大分の友達には反応が良いんじゃないかって思った。

ケンチンミン　反応良かったね。“O.C.B”はライブで1回しかやってないし、音源を3人くらいにしか渡してないのに、あれよあれよという間に勝手にプレイされてた（笑）。

愛染 eyezen　今はマスタリングした音源があるから、一回消して欲しい（笑）。

──反応はバッチリですね。ジャケットでは2人が学ランを着てますけど、学ランが関係ありそうな“school life”という曲にはどういうストーリーがあるんですか？

ケンチンミン　僕がこれまでやってきた音楽で「skrr skrr」（※スクースクーと発するスラング）が使われることはなかったんですけど、愛染が初めて大分きた時にスクスクやっているのを見て、面白いなって思ったんですよ。渋谷のHARLEMでキャピキャピしてる人たちのスクスクではなくて、ヒッピー系のスクスクなんですよ。完全に後乗りなんですけど、世界中みんな飽きてきたくらいの時に好きになってきて。

愛染 eyezen　大分の街中、やたらスクスク言うようになってたよね（笑）。

ケンチンミン　「何してるの？」って聞くと、「スクー」って返ってくるみたいな。変なスラングになった。完全に別物のスクーになったところで、「スクールライフってどうなの？」ということになった（笑）。このストリートを学校として、愛染が転校生としてやってきてスクスクするライフを送る、というのを考えた。

愛染 eyezen　学校にこういうハイなボーイズもいても良いよなと。感覚は冴えてるけど、おっちょこちょいみたいな。

ケンチンミン　学校には超良い奴らもいれば超悪い奴らもいて、その全員が同じ建物にいたりするじゃないですか。それは結構ストリートや社会の縮図でもあるなって。愛染を見てても、転校生なのに大分の地元の先輩後輩達をロックしてる。そういうことを歌った曲ですね（笑）。なのでフックとバースはまず最初に僕が書いて送りました。

──ケンチンミンさんは“UEO”のリミックスに参加されていかがでしたか？

ケンチンミン　あの曲は元々愛染の作品で一番好きな曲だったんですよ。別にヒップホップのビートでもないし、トラップでもない。「なんだこのビートは！？」というのが第一印象だけど、ラップが乗っかるとすごい収まりが良い。イメージはすごい大自然に裸で放り出されて、L〇Dを食ってるRIP SLYMEみたいな感じ。

愛染 eyezen　（笑）

ケンチンミン　愛染の世界観に飛び込みたいっていうのは“UEO”の影響が多くて、同じく曲に参加しているMOMOくん（LafLife）が普段やってることはかなりブーンバップ・スタイルじゃないですか。でも“UEO”で見つけたMOMOくんの新しいキャラクターもすごい好きで、自分もその方向に乗せていきたいと思った。

愛染 eyezen　そう考えると確かに、MOMOくんが参加してるのは意外性があるかもしれないですね。俺にとっては仲の良い友達のような先輩で、MOMOくんとやるのは必然的だった。作ってる音楽と聴く音楽は違ったりすると思うんですけど、それを正直に反映させただけなんですよ。自分にとって何か変化が欲しくて、そういう中でビートを募集したら、KARINGAさんからビートが届いた。KARINGAさんはトラックメイカーというよりDJの印象の方が強くて、ラッパーにトラックを提供したことはほぼないと思う。KARINGAさんは音楽どうこうの前に、喋ってて楽しくて好きな人で、何を喋っているかはほぼ理解不能なんだけど、そういうのに対して「えっ？」ってなるのがすごい好きなの（笑）。それで、届いたビートもすごい良くて、たまたまその時MOMOくんと遊んでたから、一緒にやってみようということになった。“UEO”を作ったあたりから新しい扉が開いたと思う。みんなそう言ってくれるし、ちょうどそのタイミングで俺はダンスミュージックにどっぷりハマった。

ケンチンミン　ダンスミュージックとかに落とし込むのが難しいもんね。

愛染 eyezen　そう。元々好きなんだけど、自分が実際作ってそのフィールドの人たちを満足させるのはまた別の話だから。ただ、そのフィールドでアウトプットを続けた結果、そのおかげで今がある。制作はやってるけど、そこまで作品を出してないのに、なんとかなってる。でも同じことを続けてると飽きるからDJをやるようになったんだよね。それで今はDJとライブを混ぜ込んだ1時間くらいのセットをやってる。

ケンチンミン　なるほど。今回のEPを作るにあたって、ふざけたことを真面目にやるというのが最大のテーマとしてあった。本当は他にも「まわりを確認 ク○ニ」というタイトルの曲とかもあったんですよね。

愛染 eyezen　あった。ビートが難しかった（笑）。

ケンチンミン　“school life”も“onsen u know saying”もまさしくそうで、たぶん俺一人でやっちゃうとギャグで終わっちゃんだけど、愛染とやると遊びの説得力が出る。やっぱり「スクスク」を「救う」に変えた愛染がすごいよ。相当の覚悟がないとこんなおふざけできない。しかも愛染のことを見たら、一瞬で「この人は覚悟決まってるな」って分かるじゃないですか。だから、EPも愛染がいるから絶妙な塩梅になる。普段は絶対に書かないようなリリックを書いた。小学校でも一緒にいるとカッコつけなくてもいい気の合う奴らみたいなのいるじゃないですか。側から見たらちょっとダサいけど、羨ましかったりもするような。EPでそういう部分も感じてほしいですね。「イースタンブール 飛び込むプール」みたいな歌詞は絶対ふだん書けないから。

愛染 eyezen　“O.C.B”のMVを出した後にいろんな人から連絡をもらったんだけど、ケンタさんのファンからめっちゃ意外だったっていう声もあった。意外性はかなりある組み合わせだと思う。俺らのリスナーを混ぜたかったのが一番だから、多分だけど、俺のリスナーもケンタさんのリスナーもめっちゃいいやつばかりだと思う。その意外性を裏切らない、いろんな振り幅のあるEPだと思う。

──“onsen u know saying”をはじめ、この作品には「大分ならではの遊び方」が散りばめられてると思います。そこで大分の遊び方を知りたくて。

愛染 eyezen　お昼に職場に行く。お店の外は通りになってて、外にテーブルが置いてある。そこでイズミさんが座ってビールとか飲みはじめてて、俺も誘われて飲みはじめて、仕事が終わる19時頃にはベロベロの一歩手前になってる。そこで何も用事はないんだけど、近くにケンタさんのお店があるから、そこに行って作戦会議をする。そこでまずニカソを頼む。

──リリックにも「ニカソ」という単語が出てきますが、「ニカソ」ってなんですか？

愛染 eyezen　二階堂のソーダ割りのこと。大分の二階堂は他と違ってアルコール度数が20度なんですよね。

ケンチンミン　そう。他は25度。元々、宮崎と大分は基本20度の焼酎を使っていて。それは元々大分も宮崎もケチな土地で、焼酎は全部25度だけど売る時に水混ぜて売ってたんですよ。

愛染 eyezen　ヤバい！（笑）

ケンチンミン　だから25度だと思ってるけど20度の酒になってる。そこから「水商売」という言葉ができたくらいで、酒を売ってるのに「酒商売」じゃなくて「水商売」って言ってるのは、水の分で上がりを出してるから。

愛染 eyezen　ケンタさんはマジでこういううんちく知ってるんだよね。たまに嘘とか混じってるから気をつけた方がいい。

ケンチンミン　これは本当です（笑）。ニカソ飲んでどうするんだっけ。

愛染 eyezen　それからケンタさんがやってるピザ屋さんに行くか、「チャカチャカ」というジャークチキンのお店に行く。これを真昼間にやることもある。

ケンチンミン　もうこれで全部言ってる（笑）。幅はめちゃくちゃあるけど、ストリートの攻め方としては「いりぐち」か「チャカチャカ」に行くのが王道。それだったり、愛染がいた「ファウンテン」や「BANDIERA」というストリートのお店がある。大分の良いところは、コンビニと同じくらい温泉があるから、飲みの締めだったり、昼間に二日酔いの酒を抜くために一発温泉に行ける。それが“onsen u know saying”。朝方に行ける温泉も全然ある。

愛染 eyezen　大分の温泉は熱いんだよね。何度でしたっけ？

ケンチンミン　「源泉 湯加減 42°」（“onsen u know saying”）ね。

愛染 eyezen　そうだ（笑）。それでだいたい「アツ」と「ヌル」がある。俺は「アツ」が好きで、すごい酒が抜けるんだよね。それと、お風呂の入り方のルールがちゃんとある。

ケンチンミン　そう。「お邪魔します！」みたいな感じで、挨拶は絶対。そこは地域の人のマジな風呂だったりするから、大分市内の人でもよそ者だし、郷に従うしかない。

愛染 eyezen　お風呂の縁の部分に座っちゃダメとかね。頭をつけるところだから。あと水を入れちゃダメ。マジでキレられる。特に別府は厳しいかも。

愛染 eyezen　温泉好きだったら最高の街だよね。ご飯も美味しいし。魚と鳥、あと椎茸。椎茸は本当に美味しい。天麩羅が好き。

ケンチンミン　椎茸は何をしても美味しい。椎茸だけのアヒージョとかぶっ飛ぶくらい美味い。なんかビール飲みたくなってきた（笑）。

愛染 eyezen　大分の話をすると酒を飲みたくなりますよね。

──お二人はちゃんと拠点を置きながらも、全国を回る旅の達人ですよね。

ケンチンミン　旅の良いところは絶対に予定通りにいかないから、そのトラブルを楽しめると心に余裕が持てる。だから旅から帰ってくるとちょっと人に優しくできたりすることかな......。それと、外に出るから地元の良さも分かること。逆に自分探しで旅に出るというのもあるけど、地元で自分を見つけられない人が海外に行ったりしても、見失うだけのことも多いと思う。愛染の動きはそれが如実に出てるよね。いろんなところで楽しんでるけど、やっぱり愛染は東京なんだと。その感覚かな。俺は大分を拠点に活動しているけど、どこに行ってもその都市のやつより楽しむ気でいる。

愛染 eyezen　俺も英語の留学でインドに行ってるけど、五ヶ月のカリキュラムがある中で、学校は10日で行かなくなった。その間に東京とほぼ同じレベルで遊べるようになってから、土地の感覚がわかるようになって、遊んでた方が英語の勉強ができるようになった。それで工夫して遊べるようになったりした。

ケンチンミン　愛染も一人でインドに行ったと思うけど、俺も18歳くらいの時に一人でカナダに行ってる。一人で行くと真っ新な状態になるじゃん。でもここで1年住まないといけないから、友達作りから始める。この経験をしておいて良かったとすごく思う。

──愛染さんにとって旅の醍醐味ってなんだと思いますか？

愛染 eyezen　俺は旅自体が目的だから。純粋に旅が好きで、それを続けるためにいろんなツールがある。旅をするためにかかる予算が少なくともプライマゼロになるために自分が何ができるか。0の状態が好きで、自分のことを全く知らないその土地の人たちに自分がどういう人間かを教えて、それからコミュニケーションしてコミュニティーや作品を作っていく。俺にとって消費してるだけは旅ではなくて、何かして旅費くらいは稼ぎたい。だから訳わからないお願いとかはめっちゃする。それでちゃんとすれば、次来たときはまた違う関わりができるかもしれない。そうやって居場所を作って、新しいコミュニティーを繋いでいくような、活性化する動きをしたい。どこに友達が来ても大丈夫なようにする、その土台を作る、俺の場所を作るのが旅の醍醐味（笑）。でも、それは独り占めしたりしないで、みんなで流動していくのが理想かな。

──先日、SONYPARKで開催された配信ライブはいかがでしたか？ 演奏自体9ヶ月ぶりだったので、シンプルに楽しかったです。「やっぱり、バンドっていいな」と素直に思いましたね。 ただ、お客さんがいないのはやっぱり寂しかったし、実際のライブと配信ライブは同列で語ることはできないなと思いました。ライブの配信というよりは、生のレコーディングを配信しているような感覚で。それをどこまでコンテンツとしてクオリティを上げることができるのかも考えさせられました。 ──確かにコロナ禍になってからの半年で、配信ライブのあり方は日々更新されていますよね。おそらく今後も「配信ならではのコンテンツ」として突き詰められていくと思いますが、それは決して「ライブの代替物」にはならないことも痛感させられたというか。 その通りだと思います。生演奏の場合は空気の振動を体で感じることができますが、配信の場合はライン出力の音声をモバイル機器のスピーカーで聴く人もいるわけですし、それはライブの臨場感には敵うわけがないな、と。そうすると「ライブじゃなくていいじゃん」という話になっていきそうですよね。そこに対しての向き合い方、価値の見出し方については、今後もっと考えていかなければと思いました。 ──ライブの翌日、Twitterに「自分としては『感染拡大に加担したくない』というスタンスは9月になった今でも変わらない」と呟いていましたよね。3月のTweetを引用する形での呟きでしたが、どんな思いだったのでしょうか。 ライブを終えて、改めて思った気持ちですね。ライブ中はお客さんがいなくて寂しい気持ちもあったのですが、それでもまだ慎重に行動したいという気持ちです。

──実際のところ、コロナ禍でどのような日々を送っていましたか？ 予定されていたライブがなくなり、友人と会うのも極力避けて、外出も必要最小限に留めていました。海外で実施されていたロックダウンの基準を、自分に強いて行動していましたね（笑）。しかも、割と早い段階から警戒していたんですよ。2月に入ってすぐ武漢での感染がニュースになった頃から「これはやばいな」と。ただ、周りはみんな「まあ、大丈夫でしょ」みたいな感じで、むしろ僕の方が笑われるレベルでしたが。 ──コロナへの向き合い方は、立場や考え方によっても温度差がありましたよね。 本当にその通りで、誰がどのような考え方をしているからといって、それを責められるわけもないし責めるつもりもなかったです。人それぞれ、自分の信念に基づいて生活していくしかないですよね、これからも。海外の状況を見ていると余計にそう思います。 海外に住む友人からの情報だと、日本と比べるとめちゃくちゃ厳しくて、外出したら逮捕されちゃうような国もある。「日本は（ロックダウンになっていないから）大丈夫なんだと思っていたよ」と言われるんです。別に日本も、「大丈夫」ではなかったと思うんですけど（笑）。海外に比べて規制が緩いし、自由ではありましたが。 ──〈#SaveOurSpace〉の発起人の一人は篠田ミルさん（yahyel）でした。彼らの運動についてはどのような見解でしたか？ もちろん賛同しましたし、署名もしました。ただ〈#SaveOurSpace〉にしても、SNS上でのハッシュタグ運動にしても、流行りに乗っかる形で全然いいんですけど、せっかくその問題に関心を持ったのならその場限りで終わるのではなくて、その後の経緯などもちゃんと見届けた方がいいのではとは思っていました。そこは発信側としても「課題」の一つではあると思います。 ──「課題」というのは？ 例えば、運動の中で特定の政治家を誹謗中傷したり、強い言葉で批判したりする人がいると、運動全体がそういうイメージになってしまうじゃないですか。あるいはデモ活動にしても、暴力的な側面ばかりが映し出されてしまって、そこで表明している主張やメッセージまで歪んで伝えられてしまうこともあったりして。そういう状況を見ていて悲しい気持ちになりましたね。 ──わかります。身内同士のガス抜きが目的ではなく不特定多数の人にメッセージを届けたいのであれば、ましてや自分と違う立場の人を振り向かせたいのであれば、その伝え方や見せ方はとても大切です。にも関わらず、言動がどんどん先鋭化していき、結果的に無党派層が離れていく場面を今回たくさん目にしました。 一人ひとりはとても優しかったり、そこで訴えている主張やメッセージが頷けるものだとしても、おっしゃるように伝え方や見せ方を考えないと、世の中を大きく変えていく事は難しいんじゃないかと思います。「小さな村」みたいになってしまい、身内に甘いというか、自浄作用が働かなくなってしまっている様子を残念に思うこともありましたね。 コロナ禍になってより強く思ったことは、その意見を支持するしないにかかわらず、「自分はこう思っています」というステイトメントを明確に示す人たちに、自分はより強く惹かれるのだなということ。そういう人たちが作る音楽は、純粋に「聴いてみたい」と思う。どんなことを考えているのか、どういうライフスタイルなのか、どのような葛藤を経て今の思想にたどり着いたのか、アーティストのパーソナルな部分により興味が湧いてきているのかもしれないです。 ──そういう意味で、最近気になったアーティストというと？ The 1975。音楽の素晴らしさはもちろんのこと、マシュー・ヒーリー（Matthew Healy、Vo）のパーソナルな部分が、曲を通して垣間見えるし、だからこそ追ってみたくなる。彼らが所属している〈Dirty Hit〉のアーティストたちって、そういう傾向にある人が多い印象ですね。志を同じくする人たちが自然と集まってきているのかもしれない。音楽家として、ライフスタイルも政治的なステイトメントも同じ距離感でナチュラルに発しているところに憧れますね。自分たちもそういうスタンスでありたいと思います。 ──「ブラック・ライヴズ・マター運動（以下、BLM）」については、どう思いましたか？ 例えば大坂なおみさんに関する一連の出来事を見ていると、BLMの概念が日本ではちゃんと伝わっていないし、そもそも馴染みのないことなんだろうなと思います。しかも、色々な考えの人がいすぎて収拾がつかなくなっている。僕は出身がアメリカで、小学生時代の3年間をアメリカで暮らしていたのもあり、人種差別に対するセンシティブさを身にしみて体感しているので、大坂選手に絡んでいる人たちの行為にはびっくりします。しかも、全く悪意がないわけですよね。 ──悪意どころか、本人は善意のつもりで絡んでいる可能性が大きいですよね。 ただ、BLMのキャンペーン化に関してはアメリカ国内でも賛否が別れていますし、黒人の中にも批判的な意見はある。その場所に住んでいて、その場所で生活している人にしか分からない感覚もあるから、外野である僕らがどうこう言える話ではないのかもしれません。ただ、シンプルに人種差別はダメです。 ──そういったコロナ禍で起きた出来事が、MONJOEさんの活動や作品そのものに何か影響を与えていますか？ 作品を作る上での後押しにはなっていますが、直接な影響でというと歌詞です。サウンド自体はコロナ以前から抱えていた課題や、「こういうことをやってみたいよね」みたいなビジョンがあったので、それを突き詰めていく中で出来上がったものでした。 ──コロナ以前から抱えていた課題とは、どういうものですか？ 「そもそも自分たちって、何なんだろう？」という基本的な部分ですね。「DATSといえば、これだよね」みたいな「DATS節」を模索していました。これまでは、良くも悪くもそこがはっきりしていなかったからこそ、色んなことにチャレンジできていた部分があると思います。その上で、やはり「核」となるものが欲しくて。それで出た答えが、アルバムタイトルにもなっている『School』ということでした。ある種の「スクール感」みたいなものが、DATSの核なのではないかと。

──「スクール感」ですか。 「スクール」で連想するものだと、例えば「学校」「青春」「キラキラした」「懐かしい」「エモい」みたいな要素だと思うんです。「スクール」という言葉によって、DATSが求めていた全てをパッケージできていたんです。それに気づいた時からメンバー内での標語としても使われていました。例えば何かの曲を聴いて、「これってスクールっぽいよね」みたいなことを言い合ったりして（笑）。 毎週、みんなで会うときにオススメの曲など紹介しあっているんですけど、そこでも「この曲ってスクールだよね」「このバンドはスクール感ゼロだな」みたいな仕分けが全員できるところまで、基準として残るものになりました（笑）。どうせだったら、その基準をもとに今回自分たちのアルバムを作ってみようと。 ──アルバム制作はいつ頃から始まったのですか？ 曲の骨組みは去年の時点で揃っていましたが、レコーディングは全て今年に入ってからです。ただ、こういう状況だったので直接会うことはできず、リモートで行いました。骨組みとなるデモ音源があって、それをメンバーに投げてドラムを入れてもらったり、ベースを入れてもらったりしながら詰めていくやり方です。必要な時は、Zoomなどで話し合いました。 ──特に不便などは感じませんでしたか？ それどころか、むしろ今までより効率的だったかなと思いますね。 ──例えば“Showtime”の歌詞は、コロナ禍やSNS騒動の影響によって書かれたものだと思いました。 この曲、実は個人的な「喧嘩」について歌っているんです。ある人と、実に他愛もない理由で喧嘩が始まって、次第にヒートアップし大事になってしまったことを歌詞にしています。意地になって言い返したりしている様子が、俯瞰すると何かのショーを観ているようだなと思ったことがモチーフになっているんですよね。 なので、コロナ禍やSNS騒動のことは意識していなかったんですけど、もしかしたら無意識のうちに影響されているところもあるのかもしれない。実際、Twitterを見ていると、言わなくてもいいようなトゲのある言葉が飛び交ったり、負の感情の吐きダメになっていたりするような状況で。おっしゃるように、確かにリンクしているようなフレーズがありますよね。 ──そう思います。例えば、《くだらないプライドを綺麗に並べるショーウィンドウ》や、《言葉にしないでいい言葉の威力にさえ 気付けず傷つけたりもして》といったラインはSNS騒動のことにも読めるし、《後悔の無いようにって言うのに　こんなことになるなんてさ》も、コロナ禍の状況を歌っているようにも聞こえます。 確かにそうですね。自分でもびっくりしています（笑）。 ──ちなみにこの曲は、PERIMETRONのOSRINさんが手がけたMVも話題になっていますね。OSRINさんは、この映像についてTwitterで、「自分勝手な生き物との話。周りからすったもんだ言われようと　踊ってる時は繋がってる。それでいいね」とコメントしていました。今津良樹さんのアニメーションもとても印象的です。 OSRINとは一度だけ打ち合わせしたのですが、今話したような楽曲の成り立ちについて話しただけで、あとはお任せしました。歌詞の内容をそのままなぞるのではなく、彼なりに解釈したことを映像化してくれたのが面白かったです。一つの楽曲に対していろんな解釈ができるということは、自分としては良いものが出来たのだなと思えましたし。

──確かに。OSRINさん視点が加わったことで、この曲の深みがさらに増したように思います。TAWINGSのCony Planktonさんをフィーチャーした“Your Home”は、どのように作っていったのですか？ 曲ができた時に、女性の声が合うメロディだなと思いました。それで誰にお願いしようか考えていた時、たまたまTAWINGSの”水仙”を車の中で聴いて、すごく良くてオファーしたところ快諾してもらいました。 それこそ歌詞は、緊急事態宣言が解除された直後くらいに書いたもの。コロナ禍になって無駄なものがどんどん省かれていき、自分たちの人生を豊かにしていたものが、いつの間にか切り捨てられている状況の中、DATSというバンドが「最後の砦」というか、いつでも帰って来られる「家」のような存在であって欲しいという願いを込めています。 ──“Your Home”のHomeは、文字通りの家でもあるし、バンドでもあり、それぞれの人の内面でもあると。 はい。Conyの声にもある種の包容力を感じるし、アルバムの中でいいアクセントにもなっている。自分にとって、お気に入りの曲になりましたね。 ──“Dancing in the moonlight”は、キング・ハーベストがヒットさせたシャーマン・ケリー作のカヴァーです。これを取り上げたのは？ キング・ハーベストではなくトップローダー（Toploader）のアレンジをもとにカヴァーしたのですが、初めて聞いた時から「いいカヴァーができそうだな」と思ったんですよ。歌い方やアレンジにロックな要素が大きく、そのスタイルが自分にも通じるものがあるなと。DATSや僕自身にとって、「ロック」は切っても切り離せない要素だなとカヴァーして改めて思いました。

──「ロック」といえば、冒頭曲“Time Machine”は歌詞の中にオアシス（Oasis）の曲名やニルヴァーナ（Nirvana）の名前を入れるなど、90年代ロックへの憧憬がストレートに表れていますよね。 僕にとって90年代は、物心がつく前の時代なんです。「青春時代を90年代に過ごせたら良かったのに」なんて時々思うくらい憧れてはいます（笑）。スマホやネットがないあの時代に、もしコロナ禍になって街が封鎖されたらどうなっていただろう？　とも思うんですよね。そんなことを想像しながら書いた曲です。 ──なるほど。「憧憬」だけでない絶妙な距離感が表れていますね。 さっき「無駄」について話しましたが、90年代は「無駄」なものが今よりもたくさんあったのかなと。そこは純粋に憧れます。バンドとか「無駄」の塊だと思うし（笑）。そういうものを愛しているからこそ、ヒップホップやDTMミュージック、プロデューサー・アーティストなどが台頭しているこのストリーミング時代に「バンド」による音楽を、どういうポジションで、どうやって届けていけばいいのかをすごく考えます。そういう意味でも「バンドの意地」のようなものを、一つのステイトメントとして今後もDATSで示していけたらいいなと思っていますね。 ──ちなみにオアシスは「スクール」ですか？ えー！　どうだろう……うちのギターの吉田巧がめちゃくちゃオアシス・マニアなので、ちょっと安易な回答はできないな（笑）。彼に怒られるかもしれないけど、僕はオアシスを「スクール」だと思っていますね。 ──ありがとうございます（笑）。では最後に、本作を作り終えた心境を改めてお聞かせください。 今までのDATSはSNS社会のリアルな日常とか、デジタルとアナログの共存性とか、そういうソーシャルイシューを描写するようなコンセプチャルな作り方をしていたんですけど、今作は、あくまでも自分の日常における経験や、些細な出来事から感じた思いを自分の言葉で歌詞にしています。たとえるなら、日記に音楽をつけたような作品になりました。 結果的に、それがこのソーシャルな時代を生きる人を代弁する作品になっていれば、それはそれで嬉しいし、そういうふうに思えなかったとしても、この時代に生まれた一つの「リアルな声」であることには間違いない。バンドとしても、新しい境地に踏み出すことが出来た作品だと思っています。

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