2008年9月の活動休止からおよそ10年の時を経て再び動き出したELLEGARDEN。2022年12月21日には、16年ぶりとなる6thアルバム『The End of Yesterday』をリリース。そして今夏、アリーナとスタジアム公演を含む大規模ワンマンツアー＜Get it Get it Go! SUMMER PARTY 2023＞を絶賛敢行中の彼ら。今回ギブソンでは、今年3月から4ヶ月間にわたって開催された＜The End of Yesterday Tour 2023＞ファイナルを目前に控えたタイミングの細美武士と生形真一を直撃。『The End of Yesterday』を号砲に突き進んできたELLEGARDENの現在地と＜Get it Get it Go! SUMMER PARTY 2023＞を完走した先に見つめるビジョンについて語ってもらった。

──まず、16年ぶりの新作となった『The End of Yesterday』について訊かせてください。再始動後に新たなピークとなる作品を出すというのは大変難しいことですが、客観的なリスナーとして今作ではそれが達成されていると感じました。今回ELLEGARDENは、何故そのようなことが達成出来たのでしょうか？ 細美武士（以下、細美）　今回の作品は、表面的に見れば16年前とすごく変わっているようにも聴こえると思うんです。でも俺たちは、初期からずっと日本のマーケットとか関係ないところで、世界のミュージシャンたちと張り合って音楽を作ってきたつもりだし、その時に思っていることを正直に自分の言葉で綴ることとか、そのスタイルが俺たちが大事にしてきたことなんですよね。だから今作でもそういう自分達の本質を変えるつもりはなかったし、まあ思い出の再現を一生懸命やるっていうやり方もあったのかも知れないけど、それをやってたら失敗していたんじゃないかなって今でも思ってます。あの頃の曲はあの頃の俺たちにしか書けなかったものだし、このアルバムはあの頃の俺たちには絶対に作れなかったものですからね。

──当然、想像を絶する産みの苦しみがあったかと思いますが、音源からはプレッシャーさえも楽しむかのように、また4人でできることが嬉しいという気持ちも感じられます。 細美　プレッシャーさえも楽しんでいるというよりは、これで最後だから痛みや苦しみも楽しもうっていう感覚でしたね。去年の2月にLAへ飛んだ時は「ここで目いっぱい出し切ったら全部終わりでいいや」っていう気持ちだったんで、全然曲ができなくて壁に頭を叩きつけるような苦痛が続いてもそれが明日なくなると思えば愛おしいっていうか。もちろんツラいのはツラいんですが、最終戦績は勝利にしたいっていう気持ちだけで突き進んでました。 生形真一（以下、生形）　ツラいっていうのは当たり前で、それも含めて充実感がありました。最初に、細美さんがLAでつくった曲のデモを聴かせてもらったんですよ。その時点で今までとは作り方から違っていたし、なによりその後メンバー全員でLAにレコーディングに行ったことが一番大きかったですね。日本とはまったく違う環境で、自分たちが本当に好きなものを作ったという感覚です。スタッフも一切なしで4人だけで作業したのって結成当時のレコーディング以来だったので、活動を始めたころの自分たちとリンクする部分があったし、こんなに楽しかったんだって。みんながすごく頼もしいなと思いましたね。この4人だったらどこに行っても怖くないなっていうのは、活動を再開して一番思ったことですかね。

──「The End of Yesterday」って、一度再生を始めたら途中で止めたくない、止められないアルバムで、なぜかなと考えてみたら曲順ひとつとっても相当考え抜かれているのかなと。 細美　音楽業界には「わかりやすいものを作らないと売れない」とか、「リスナーは新しい音楽を面白がらない」とか、くだらないことを考えてる人もいますけど、俺はいいものを作ろうと思うだけなんですよね。プロなんで。だからまったく遠慮せず徹底的にこだわってつくっています。最近は、歯磨きする時なんかに一番ターンテーブルに載せたくなるのは今回の自分たちのレコードです。自分で毎日聴きたくなるレコードを作るって、結構勇気のいることだと思うので、自分のバンドのことを誇りに思ってます。

──いつも二人のそばにあるギターについて聞かせてください。細美さんの歴代レスポールは全てスタンダードで、初代が1989年製、その後がヒストリックの1957年リイシュー黒（2006年製）、そして1959年リイシューのサンバースト（2006年製）ですね？ 細美　今回のステージでは’59をメインで使っているんですけど、’59と’57がいつも自分の中でワンツー争いをしています。’59は、とにかく「いいギターに巡り合ったなあ」と思える一本で、’57と比べるとちょっといい子ちゃんです。とにかくコード感が強いし、歪ませても6本の弦が全部見えるほどバランスがいい。LAレコーディング中にメンテナンスに出したんですけど、「すごいギターがきた！」ってショップが騒ぎになってたみたいです（笑）。反対に‘57はちょっと聞かん坊。荒々しくてカッコいい音がするけど、ときどきレコードの中で屋台骨をやってもらうのが大変だったりします。どっちも非常に愛おしい楽器ですけど、ELLEGARDENでエッジィな音を出す必要があるのはウブ（生形）のほうなんで、今回のツアー＜The End of Yesterday Tour 2023＞ではバランスがいい’59を使ってる感じです。

──細美さんのブログを読ませていただくと、ギターを道具以上のものとして捉えている印象を受けます。初代のレスポール1989年製は、折れたネックを4回修理しているとか。持ち替えるのにも長い時間をかけて真剣に悩んでしまうそうですね。 細美　ギターは何本も持ってますけど、本来俺は一本でいい派なんですよね。取っ替え引っ替えせずに、ずっと同じものを使っていきたいタイプなんで。そういう意味では’89は最初から最後まで俺の相棒としてそばにいてもらいたい。自分の分身みたいな感じですかね、あのレスポールは。自分を自由にしてくれるものに対しては、相棒みたいな感覚がすごくあります。 ──生形さんは、エルレ初期のほぼブリッジ側ピックアップが中心、ギターのコントロール類もフルで固定、とにかく大きい音を鳴らすという音作りの頃と今を比べると、弾き方、機材ともにいろいろ試行錯誤しながら、より多彩な音色や繊細な音作りに取り組むなど、職人的に機材の使い方を極めているように見えます。 生形　昔はボリュームなんて一個あればいいじゃん！と思っていたんですけど、過去のレコーディングで「アンプで歪みを落とすのもいいけど、ギターのボリュームを絞ってみて」って当時のエンジニアが教えてくれたことがあって、実際やってみたらすごくいい感じだったんです。当時は歪みやボリュームの調節を足でしか操作してなかったからすごく新鮮だったし、武器が増えた感じがして。そういうのも極めてみたいなとその時から思いました。

Gibsonの公式サイトではプレミアムインタビューの全編を公開中！4年ぶりとなる＜FUJI ROCK FESTIVAL '23＞へ出演する意気込みや、ELLEGARDENの今後について語られているので、ぜひ本編をチェックしてほしい。

──まずは、ギターを始めた経緯を教えてください。

中学1年生のとき、友だちの家にあったエレキギターを触らせてもらったのが最初です。音楽は好きでずっと聴いていました。小学生の頃に住んでいたマンションの1階にレンタルショップがあったので、KICK THE CAN CREWからモーニング娘。まで、いろんなCDを借りまくっていたんです。めちゃくちゃ衝撃を受けたのは、中学2年生の時にライブ映像を見たELLEGARDEN。ボーカルの細美武士さんがレスポールを弾きながら歌っているのがとにかくカッコよくて、この人と同じギターがどうしても欲しいと思ったんです。

──それがレスポールとの出会い？

そうです。どうしても手に入れたくて、中学3年生の高校受験が終わる頃合いを見計らって、お年玉で貯めたお金を握りしめ、新潟から東京の楽器屋さんまで行きました。そこで選んだのがチェリーサンバーストのエピフォン・バイ・ギブソンのレスポール。

──ありましたね。比較的お手頃な価格帯でした。

そうなんです。当時の僕が買ったのはオリジナルではなかったけれど、それでもとにかくうれしかった。細美さんと同じ、憧れのレスポールじゃんって。

──そこからバンド漬けの日々が始まった？

受験が完全に終わってからバンドスコアを買い漁り、仲間と市民ホールの練習スタジオに入り浸っては、同じ曲を何度も飽きずに演奏していました。ただ、純粋にミュージシャンを目指したということとは、少し違っていたと思います。高校に上がる頃になって、言いようのないイライラを覚えるようになったんです。何かに反発せずにはいられないというか。少年時代から続けてきた野球を辞める口実を探していたところもあって、たぶん新しい自分の居場所を探していたのかもしれません。

──それがバンドだった？

スタジオで大きな音を出せるのが心地よかった。それに、何かに歯向かうにしてもバイクに乗ったりタバコを吸ったりするより、バンドをやるほうがカッコよく見えた。レスポールを背負って学校に行くのもカッコいいなと思って。

──音楽というよりバンドをやりたかった？

そうかもしれませんね。そのうちに軽音部があった別の高校の先輩からライブハウスに呼ばれるようになり、そろそろ自分のバンドをやってみたらと言ってもらえて、ドラムを叩いていた同じクラスの山田淳と、別の学校の軽音部でベースを弾いていた山本大樹とバンドを組みました。

──それがMy Hair is Badなんですね。

結成は2008年の3月です。以来3人でここまで活動を続けてきました。結成当時住んでいた新潟県上越市で活動している時も、いろんなアーティストの方から、ボーカルの僕がレスポールを弾いていることに対してよく褒めてもらえたんです。レスポールに出会えてよかったですね。ナヨナヨしていた自分の強力な味方になってくれているんだと思えましたから。

──自分で購入したレスポールはずっと弾き続けたのですか？

21歳まで使っていました。当時は年200本くらいライブをやっていましたが、ギャラはすべてバンド全体の活動費に充てていたので、新しいギターを買う余裕もなくて。でも、いい楽器があればもっと想像力が膨らむんじゃないかと思い始めたんです。そこで事務所の社長に直談判しました。新しいレスポールを買ってください！って。　

──結果は？

ありがたいことに買ってもらえましたね。すぐにお茶の水の楽器屋さんに走って、いろんな種類をあれこれ弾き、汗をかきながら夢中になって選んだのが2014年製のヒストリックコレクション、1958年モデルです。やはりオリジナルは違いましたね。より弾きやすかったし、サウンドが温かった。

──やはりレスポール以外の選択肢はなかった？

とにかくこの音とこの形が好き、という他にないんですよね。ギターにも流行がある中で、レスポールはどんなときも変わらずかっこよくあり続けてくれる。レスポールで音を出すのはスリーピースバンドで演奏する僕らの音楽性に合っていると思うし、これまでいろんな壁を共に乗り越えてきた大事な存在。レスポールで奏でる曲、それがMy Hair is Badらしさにもなっているから、レスポールは僕のアイデンティティそのものです。

──My Hair is Badの結成から14年が経ち、今はどの辺に立っている意識がありますか？

もうすぐ15年ですもんね。ロックバンドが主流ではない今の時代で、アリーナにはたくさんのお客さんが来てくれますし、感謝しかないです。一方で同世代のバンド、たとえばOfficial髭男dismがもっと大きなステージに立っている姿にはうらやましさも感じます。けれどまた一方では、各地のライブハウスでまだ高校生なのに5,000円のチケット代を払って来てくれて、さらにグッズまで買ってくれて、これ以上求めるものがあるのかなとも思います。何だろう、何だかんだまだ道の途中って感じですかね。

──My Hair is Badの中心にある歌、その刺激的な詞は多くの人を魅了している重要な要素だと思います。キャリアを積む中で、表現や伝えたいことは昔と比べて変化しましたか？

赤裸々な歌詞をあえて書くのは、あまり口にしちゃいけないことをステージで歌うと気持ちがいい衝動に駆られるからだと思います。ただ、嘘だけはつかない。偽った言葉を使うと自分が一番後悔しますからね。実際、みんなが普段経験している恋愛って実はけっこうグズグズで、それをいくらか美化していくのが僕の作業でもあるんですけど、よくない恋愛をしている子に中途半端な言葉で大丈夫だよって言っても伝わらないですよね。何より僕自身がカッコつけてもつかないタイプだから、適当な歌ではお客さんに見透かされる。だから真っ正直に、カッコ悪いところも見せてぶつからないとダメなんですよね。

──まず自分が赤裸々になると。身を削っていますね。

ありがとうございます。って言うのも変ですけれど。そのうえで何を伝えたいかというと、言いたいことって実は昔からほとんどないんです。別の視点に立てば、それは僕が音楽で何をすべきかまだ見つかっていないからかもしれませんけれど。ライブに足を運んでくれた人たちにとって、その日がいつもより少しだけいい日になったらと、そう思う部分のほうが大きい。僕らの音楽がみんなの生活の隙間に入り込んで、時に背中を押すような歌になれたらいいなと思います。

──レスポールは今年70周年の節目を迎えました。節目をキーワードにすると、自身が30歳という切りのいい年齢になって、何か感じるものはありますか？

生きやすくなった実感があります。以前は常に不安を感じていたんですけど、30歳を迎えてみたら、「逆にいつか死ぬんだし！」と開き直れるようになった。もちろん感情の波に晒されることもありますけど、いつ自分が落ちたとしても冷静に対応できる余裕を持てた気がします。その前兆みたいなものは、20代最後のアルバムになった『angels』の制作中にもありました。それまで楽曲制作ではまず曲が先に浮かんでいたのですが、メロディと歌詞が自然と同時に思い浮かぶようになって。伸び伸びと曲作りができるようになったのかもしれません。気持ちに余裕を持てている部分が手伝っているんだと思います。

──それが良い変化、あるいは進化の兆しとなれば、今後がさらに楽しみです。対して不変なのは、スリーピースバンドという形態ですよね。そこはこだわりとして変えませんか？

活動を続けていく中で、変えようかなと考えたことはありましたが、そうすると必ず周りの方が丁寧に止めてくれるんです。僕らの良さを理解していただいているからだと思うので、嬉しいですね。スリーピースの形態で最後までやり切っているバンドは少ないし、僕ら3人だからこそ出せる魅力があると思っています。3人の良さを突き詰めていける世界があるなら、僕はレスポールでMy Hair is Badでしか出せない音を出していく。それが今の、僕のもっとも嘘をつかないスタイルですね。

━━maco maretsさんは福岡出身なんですよね？ そうですね。地元が福岡の山のほうで、ログハウスみたいな木の家に住んでました。子供の頃はストーブ用に薪割りもしてましたよ（笑）。でも関東に来てからはこういうアウトドアっぽいことはほとんどしてないかも。車も持ってないし。 ━━今回は焚き火を囲みながらmaco maretsさんのクリエイティブについてお伺いしたいと思っています。まずヒップホップとの出会いを教えてください。 高校の時です。僕は中高一貫の男子校に通っていて、ずっと吹奏楽部でサックスを吹いていたんですよ。あと当時、すごく流行っていたELLEGARDENなど、ロックミュージックを中心に聴いていました。そしたらある日、友達が信狂楽団というクルーの音源を聴かせてくれて。ご存知の通り福岡はヒップホップが盛んな土地で、その友達のお兄ちゃんもラッパーだったんです。だから入口はいわゆる有名な人たちじゃなくて、フッドの最前線で活躍するドープなクルーでした。 ━━クラシックとロックを聴いていたmaco maretsさんにとって、ヒップホップはどんな音楽だと感じましたか？ ドラムの音の大きさにびっくりしましたね。あとグルーヴ感。これまで聴いてきた音楽にはないもので、とてもかっこいいと思いました。そこから日本語ラップのクラシックもいろいろ掘りはじめて、OLIVE OILさん（福岡を代表するヒップホッププロデューサー）に辿り着きました。OLIVE OILさんのOILWORKSが福岡でやってるDon’t Findというお店にもよく通いましたね。僕のルーツと言える場所だと思います。 ━━ラップをやり始めたのは？ やはり友達や友達のお兄ちゃんの存在が大きくて。身近にラップする人がいたから、僕も自然と友達とサイファーをするようになりました。今思えばとても恥ずかしいんですが（笑）、YouTubeで見つけた有名な曲のインストを教室で流してラップしたりして。録音をしたのも早かったです。 当時の段階ではトラックの作り方がわからなかったから、流行っていたSki Beatzの“24 Bars To Kill” （ANARCHY、RINO LATINA II、漢、MACCHOが参加した楽曲）のオケに乗せてリミックス的なヴァースを録ったりしてました。 ━━そこから1stアルバム『Orang.Pendek』のリリースまでかなり時間が空きましたね。 大学に通うために福岡を離れて関東で一人暮らしをするようになって、高校で一緒に音楽をやってた友達とは離れてしまったけどラップは続けていました。福岡ではヒップホップのパワフルさに乗っかって自分をボースティングするラップをしていましたが、徐々にそれは自分らしくないなと思うようになったんです。bua名義でいろんなタイプのトラックメイカーの方とご一緒しながら、３〜４年くらい自分のラップを模索してましたね。そんな中で〈Rallye Label〉と繋がって『Orang.Pendek』をリリースすることになりました。 ━━改名したのはなぜですか？ buaはあまりにも素っ気なさすぎるとレーベルの方に言われたので。僕としては「toeと同じ小文字3文字でカッコいいじゃん」みたいな（笑）。でも心機一転、フレッシュな気持ちでデビューを飾る意味では改名もありかなと思い今の名前をひねりだしました。自分的にも「maco marets（笑）」みたいな感覚でしたよ。でも今思うと、自分自身が馴染めない名前を名乗っていることがまさに当時の僕を表していた気もしますね。 ━━というと？ 『Orang.Pendek』の段階では、まだスタイルもブレブレなんですよね。自分はどんなラッパーなのだろうか、と模索している感じで。明確なポジションを見出せていなかった。でもアルバムを作り終えて、そのブレてる感じ、どこにも馴染めない感じこそが自分なのかもしれないと気づいて。2ndアルバム『KINŌ』で確立したような、「曖昧な自己」を進んで歌っていくスタイルに繋がっていった。デビュー当時は「こういうのがやりたい」（というビジョン）を目指して作っていくというより、1曲1曲を試行錯誤しながらとにかく作って、あとからハマるスタンスに自分で気づくような感じでした。 ━━なるほど。その意味では、Small Circle of Friendsの東里起さんがトータルプロデュースした最後の作品『Circles』は初期maco maretsの総決算感があります。 そうですね。コロナで実現できませんでしたが、実は2019年に区切りとなるワンマンライブを企画してたんですよ。ぜひ実現したかった。東さんと一対一でつくりあげた3作品があるからこそ、「maco marets」のスタイルも確立できたのだと思うので。僕はいわゆる「日本語ラップ」の文脈とはすこし離れたSmall Circle Of Friendsの音楽性も大好きだったので、東さんからはかなり大きな影響を受けてますね。

━━4作目『Waterslide III』からはTaisuke MiyataやTOSHIKI HAYASHI（%C）など、同世代のプロデューサーと共演するようになりました。 Miyataくんは大学の同級生なんです。メロウ・イエロー・バナナムーンやSouth Penguinというバンドでもギターを弾いてます。実は『KINŌ』から参加してもらってるmaco maretsを語る上では欠かせない人なんですよ。4作目からはトラックプロデューサーとして力を貸してくれています。ちなみに去年の11月から“Nagi”、“Yesterday”、“Surf”とシングルを連続リリースしてるんですが、次に出るのはMiyataくんと作った曲になります。 ━━おお、それは楽しみ。“Yesterday”、“Surf”はTOSHIKI HAYASHI（%C）さんプロデュースでしたね。 %Cさんと初めてご挨拶したのは、代々木にあったshirokumaというバーや、中目黒のsolfaとかで僕が主催してたビートミュージックのパーティーに出てもらった時ですね。その後%Cさんの『TIME IS OVER EP』というEPに呼んでいただいて。そしたらすごくテンション感が合ったんですよ。制作って成果物も大事なんですが、同時に過程もすごく大事で。 特にラッパーとトラックメイカーという関係では、お互いにお互いが必要というか。片方だけでは成立しない。だから細かいところまで妥協なくちゃんとコミュニケーションを取る必要がある。だから何回も一緒にやれるのは、自然と人間的に相性の良い人になってきちゃいますね。%Cさんには僕のアルバムにも参加してもらってるし、「HOTEL DONUTS」というプロジェクトでもご一緒したり、いろいろやってますね。 ━━ちなみに制作時はどんなコミュニケーションをとりますか？ 曲によって全然違うんですが、僕の場合はまずビートのストックを送っていただいて、選んで、書いて、細部を詰めていくことが多いですね。先に「こういう感じがいいです」とリファレンスを出す場合もありますけど、そもそも僕も一緒に作りたいと思ってオファーしてるので、送っていただくストックに関してはトラックメイカーの方を信頼してお任せしています。ちなみに最近%Cさんと作った“Yesterday”はすぐできちゃいました。でもやっぱり曲によりけりですね。 ━━1月に発表した“Surf”ではオートチューンを使ったり、ポエトリーリーディングのようなパートがあったりと、maco maretsのスタイルが更新されたように感じました。 今回の連続リリースではすべての曲で何かしら新しいことをやろうと思っていたんです。“Surf”はmaco maretsの中ではかなりトレンド感あるトラックだと思います。ドラムの鳴り方とか。%Cさん的にも普段の作風と微妙に違う。 じゃあ歌い方も変えてみようと。1曲の中に歌うパートが4つあるので、それぞれ歌い方や声の加工を変えて、自己の定まらなさや多面性を客演を入れず自分だけで表現してみました。でもサビはシンプルなんですよね。頭空っぽで聴ける感じ。 ━━ヴァースが複雑な分。 そうですね。あと最近、自分の音楽を海外に展開できるかを試したくて、知り合いを通じてアメリカのディストリビューター的な人といろいろ話をしたんですよ。その時に「曲の中に何かひとつ明確な特徴を持たせなさい」というアドバイスをいただいて。海外の人からすると、散漫な印象だったのかもしれない。なので“Surf”は気持ち良さを自分なりに追求してみました。

━━海外の人にはわかりづらいかもしれませんが、その散漫さがある種の日本のリアリティのような気がするんですよね。あとmaco maretsさんは歌詞でも当たり前すぎて逆に気づけない日常の違和感――正体はわからないけど確実に存在する抑圧を可視化していると思うんです。 それは僕自身がコンプレックスの塊だから、というのもあると思います（笑）。けどそう言っていただけるのは嬉しいですね。何が言いたいかよくわらないと言われることが多いので。でもやっぱりラップミュージックは生活に根ざしたトピックや言葉選びで、自分の実感を歌うものになると思う。言葉を発する人間として嘘のない歌を歌いたい。でも同時に僕は言葉を持たない状態で活動してる。 ━━言葉を持たない状態、とは？ つまり自分が制度的に抑圧されている立場であったり、なんらかの不均衡を打開するために言葉を発しなくていけない状況に立たされた人間ではないということです。 ━━日本は諸外国と比べて、経済的、人種的な格差や対立軸が見えづらいですし、性別的にもmaco maretsさんは無意識の特権を享受しているマジョリティ、男性です。 おっしゃる通りです。恵まれてるんですよ。もちろん、不均衡を生み出す社会のありようとか、もっと言えば人間存在そのもののあり方に対する違和感みたいなものは抱えていて、でもそれをはっきりとした言葉ではあらわせない。僕はその「ない」を言葉で表現してるんです。 ━━maco maretsさんのリリックには一人称が少ないですよね。 曲によりけりですが、僕個人のパーソナリティを前面に押し出したような曲はかなり少ないと思います。まず人前に出るのがそんなに好きじゃないんです。作るのは好きなんですけど。だからMVにも出ない。実はライブもあまり得意じゃない（笑）。さらにエモーションからも距離を置きたい。平熱が低いというか、そういう性格じゃないんです。 僕なりのリアルを突き詰めるとそうなっていく。僕にとっての表現とは、言葉のない自分の中にある空白の状態を埋める行為。何かを伝えたい、ではなく、言葉を紡ぐことそのものに必然性を見出している。 ━━大学では文学系の学部に所属していたとのことですが、それがご自身のリリックに何か影響を与えたと思いますか？ ラップとして発音した時かっこよく聴こえる言葉と、散文の言葉は別だと思うんです。もちろん語彙やテーマ選びという面では影響を受けている部分もあると思いますけど……。でも、やっぱり別かな。例えば、どんな文章にもストーリーや流れ、文脈がありますよね。でもラップにはライミングというルールがあって、それを優先して言葉を選ぶタイミングが出てくる。 そうするとリリック以外で文章を書いている時には絶対に出てこないワードが引き出されるんです。それが意外にしっくりきたり、逆に予想外の流れになったり。それがラップの面白いところかもしれません。一見、繋がらそうなふたつの要素が（ライミングを通じて）繋がってしまう事故が起きる。俳句で言う「二物衝撃」のような感覚です。 ━━noteのVoice log話されていた「関東で壁の薄い狭い部屋に住むようになって、どんどんラップの声が小さくなっていった」というエピソードも非常に印象に残りました。 精神や身体――つまり暮らしの状態がそのまま曲に出ちゃうんですよね。箱のサイズ感に合わせた言葉を選んだり、歌い方になるっていうのは絶対にあると思う。曲を作ってるうちに気づいたんですが、僕どんどん声が小さくなってるんですよ。それはコロナの自粛期間が関係していて。ライブが開催できなくなって、人前で歌うことを意識せず自宅で制作していたら、自然と声が小さくなってしまった。春くらいから状況を見つつライブを再開しようと思ってるんですけど、最近の曲は全然ライブで通る感じじゃなくてちょっと困ってるんですよね（笑）。

━━いろいろとお話しを伺ってきましたが、maco maretsさんにとって表現者として最初の灯火が発火した瞬間はどんなものだったんですか？ ぱっと思いつくタイミングはふたつほどあります。。先ほど高校時代の話をしましたが、中高一貫の男子校ってもうむき出しの“男性性”の巣のような場所で。ヒエラルキーの上位は運動部が独占してるんですね。そうなると吹奏楽部の僕は……（笑）。まあ、かなり抑圧された学生生活を送っていたわけです。そんな僕が友達と一緒に文化祭でラップを披露したんですね。大勢の前でちゃんとやるのはそれが初めてだったんです。 そしたら、みんなから「かっこいいじゃん！」と言ってもらえたんですよ。そのとき「ラップなら周りが認めてくれるかもしれない」と思って。あの経験がなければ今の僕はいません。 ━━まさに発火した瞬間ですね（笑）。 はい（笑）。もうひとつは18歳の時。通いつめてたOILWORKSのお店・Don’t FindでOLIVE OILさんと顔見知りになったんです。そしたら「ここでライブやっていいよ」と言ってくれて。僕が知る限りですが、それまでDon’t Findでライブしたアーティストっていないんですよ。だからものすごく嬉しかった。 当時、友達と3人でクルーをやってたんですが、僕らのためにいろんな方が集まってくれたんです。しかも、めちゃくちゃ尊敬してる5lackさんもたまたまそこに来て、ライブを見ててくれて。リスペクトしている方々にここまでしていただいたら、中途半端なことはできないと思ったんです。あの日から、ラッパーとしてやれるだけやってみようと。 ━━ヒップホップ的なフッド感あふれる、めちゃくちゃ熱いエピソードです！ そこから自分のスタイルを見つけるまで、ものすごく時間かかっちゃいましたけど（笑）。遅れを取り戻すってわけじゃないけど、『Orang.Pendek』以降は年に1枚アルバムを出すようにしています。表現って際限のない作業だからこそ、僕はあえて年1枚というルールのなかで断ち切って制作していくようにしていますね。今は6作目のアルバムを準備しているところです。 これまでは全体像を固めてから作っていたんですが、昨今はサブスクで曲単体で聴かれることが多くなってきたし、もっと言えばアルバムを曲順通りに聴かれないことも多い。だから今回は、あえて最終形を定めない状態でどんどんシングルを作って、ある程度まとまった数になったらアルバムにしようと思っています。着地点を決めずに作るとどうなるかわからないけど、それはそれでいいやって。 ━━マンネリ化を防ぐためにも、クリエイティブをフォーマット化しないのは重要ですよね。 はい。次のアルバムを作ったら、ちょっと時間をかけて作るのもありかなって思ってるんです。きっとこれまでとは全然違うものができるから。僕自身も常に新しい刺激をインプットして、表現の火を絶やさないようにしていきたいです。