フランスのマルチ・インストゥルメンタリスト/プロデューサー・FKJを観ようと大勢のオーディエンスが駆け付け、最終日のレッド・マーキーはたちまち入場規制となった。いつものようにステージにはFKJひとり。まずは、サックスを吹き、ウィスパーで艶やかな歌声を披露し、大歓声が上がった。

筆者が最初にFKJのライブを見たのは2017年の代官山UNITだが、ライブを観る度に様々な楽器と駆使しつつ、音の洗練度を上げていく姿勢に驚かされるが、それはこの日も同じだった。邪魔な音がひとつもなく、全方位に丁寧さが行き届いたような心地よい音がひたすらレッド・マーキーに広がっていった。

FKJの名声を確かなものにしたデビューアルバム『French Kiwi Juice』収録の人気曲“Vibin’out”では（(( O )))が登場し、そのシルキーな歌声にレッド・マーキーが多幸感に包み込まれる。（(( O )))はくるくると回りながらステージ上を移動し、オーディエンスに「手を上げて」というジェスチャーを送り、たくさんの手が左右に揺れる。その姿を見て、「So Beautiful!」と嬉しそうな（(( O )))。FKJの癒しすら感じる美しいピアノの旋律で楽曲は締め括られた。

機材トラブルによる中断が何度かあったが、オーディエンスは温かい声援を送り続けた。William DeVaughnの名曲“Be Thankful For What You Got”のFKJリミックスをはじめ、フロアライクな流れを挟み、後半にはMasegoと共作し、YouTube上でのMVの再生回数が4.5億を超えるヒット曲“Tadow”を披露。まず、ギターを弾いてループさせ、そのギターにまた別のギターを重ね、その後サックス、キーボードと演奏を続ける。やっていることは忙しないが、全くそうは見えないのがFKJのスマートさだ。オーディエンスはFKJが見事な手さばきで次から次へと楽器を操る様を固唾を呑むように見つめながらも、ただただ心地よいグルーヴに体を揺らしている。

“Ylang Ylang”では、ビジョンに美しい山々や川といった自然あふれる光景が映し出された。電気もないフィリピンのジャングルに設置したスタジオで数カ月こもり、夜の間だけ発電機を使って制作された楽曲だが、体も心もリラックスさせ、脳内旅行に誘うようなヒーリング効果が充満していく。

ラストはピアノで故・坂本龍一の“戦場のメリークリスマス”。FKJならではのアレンジが随所に施されているところに、坂本龍一への多大なリスペクトを感じた。大歓声の中、FKJは感謝を口にした後、「次来る時はベストコンディションにするよ」と再会を約束した。

━━お二人が知り合ったのはいつ頃なんですか？

Caravan　いつだろ？ 明確には覚えてないけど、14～15年経ってるのかな。もう移転してなくなっちゃったけど、藤沢に「California General Store」というサーフショップがあって、そこでお互いにライブをやったり、サーフィンしたりしていたんですよ。一緒にサーフィンした記憶はないけど、共通の知り合いが多くて、自分が行くと「さっきまでGOMAちゃんもいたんだよ」なんて言われたりして。定期的に連絡を取り合って遊ぶというような距離感ではないにしても、GOMAちゃんが個展をやれば観に行くし、ライブもお互い観に行くし。会ってなくてもオレの頭のなかには常にGOMAちゃんの存在があって、よく「いまどうしてるかな？」って考えたりしているんです。

━━同じフェスに出ることも結構ありますよね。

Caravan　そうですね。あと、GOMA & The Jungle Rhythm Sectionのドラマーの椎野さんが自分のバンドでも叩いているっていうのもあって。

━━お二人の共演は、2016年の＜FUJI ROCK FESTIVAL（以下、フジロック）＞だけですか？

Caravan あと、横浜の「THUMBS UP」というライブスペースでツーマンをやったことがある。それは確かフジロックの前だったかな。それが楽しかったので、フジロックで一緒にやることになった記憶があります。

━━2016年に「Caravan&GOMA」の名義でフジロックに出たときは、Caravanが自分の曲を歌って、GOMAさんがディジュリドゥで伴奏するという形だったんですか？

Caravan いや、自分の曲は確か1曲くらいで。

GOMA 何曲か一緒に作ったよね。

Caravan ライブ用に作った曲がほとんどだったね。で、キチキチには決めずに流れだけなんとなく組み立てて、リフを決めて、それがきたら終わろうという感じで。

GOMA あれは気持ちよかった。この前、そのときのリハーサルの音を聴き直したら、やっぱりすごくよくて。今のステイホームの時間にもぴったりハマる感じ。メロウで、アコースティックで。

━━そもそもCaravanがGOMAさんの音楽を好きになったきっかけは何ですか？

Caravan GOMAちゃんの噂は様々な方面から届いていたんですよ。「大阪の岸和田にごっついディジュリドゥ吹きがいるんだぜ。おっかないから気をつけろよ」って言われたりしてて（笑）。当時はGOMAちゃんって、トガっていて、迂闊なこと言うと怒られるんじゃないかって雰囲気だったんだけど。

GOMA 僕、アフロでしたから。

Caravan なんか、やさぐれた感じだったよね（笑)。でも、話したら優しかった。その頃はGOMAちゃんがひとりでダブみたいなことをやっていて。野外で聴くと、まっすぐ立っていられなくなるくらい重力でもっていかれる感じ。衝撃でした。

━━GOMAさんがCaravanを意識したのは？

GOMA 僕は海繋がりでCaravanのことを知ったのかな。さっきCaravanが言ってたように、藤沢の「California General Store」の仲間たちからCaravanのことを聞いていて。すごく海にハマる音楽をやっているなっていうのが最初の印象だったと思う。その頃はCaravanも打ち込みをやっていて、自分もちょうど打ち込みでやっていた時期だったから、打ち込みでこんなに気持ちいい音を出すひとがいるんだなぁって。

あと、旅を感じることができる音楽だった。歌詞もメロディもそうだけど、Caravanの存在そのものから旅を感じられて、僕もずっと旅をテーマに活動を続けているので、そういうところに興味を持ちました。それでインタビューを読んでみたら、幼少期からずっとあちこち旅していて、そういう旅から言葉やメロディが出てくると言っていて。僕も海外に住んでいた時期があったので、すごく共感できたんです。

━━もともとお互いに興味を抱いていて、実際に会ってみたら、やはり通じ合うものがあったわけですね。

Caravan 世代的にも一緒なので、時代感とか空気感で共通するものがあるだろうし、聴いてきた音楽も似ているところがあるだろうし。

━━いくつ違いなんですか？

GOMA 僕は48です。

Caravan あ、GOMAちゃんが一個上だ。オレは74年10月生まれ。GOMAちゃん、何月？

GOMA 73年の1月。

Caravan 世代的にはほぼ一緒だね。だからなんか気持ちがわかるというか。自分もGOMAちゃんのインタビューを読んで、同じようなことを考えてるんだなって思ったし。それこそ旅に関しては、GOMAちゃんは巡礼のように深い旅をしてきてるひとだから。

━━音楽表現の方法とスタイルに関しては、お二人は異なるわけですが、共通するところもたくさんあると思っているんです。まず、二人とも電子楽器ではなくナマの楽器で音楽を奏でている。打ち込みをやられていた時期もあったとはいえ、基本的には電気を使わない生楽器の響きを大切にしている。そもそも生楽器に拘るようになった理由はなんですか？

Caravan もちろん電子楽器で鳴らす音楽にもコンピューターで作った音楽にも素晴らしいものはたくさんあるわけで、生楽器の音楽だから素晴らしいんだというわけではない。ただ自分としては、生ギター1本と声だけで何が伝えられるのかっていうところに興味があって。究極、ひとりぼっちで演奏して何も届けられないようだったら、バンドでやっても一緒なんですよ。

カラダひとつで何を伝えられるかってところが大事だし、シンガー・ソングライターである自分にとってはそこが基本だと思っているんです。そういう意味では、スタイルは違うけど、GOMAちゃんがディジュリドゥを自分のカラダと一体にして鳴らすことにもきっと通じているはずで。超ミニマルだけど無限大っていう、そういうところが共通しているのかなという気がします。

━━自分のカラダと楽器を一体にして鳴らす。GOMAさんはまさしくそうですね。

GOMA だから自分の状態がよくなかったら、それがそのまま音に出るし、自分が気持ちいいと思える状態のときは、その気持ちよさが音に出る。それに、ディジュリドゥは旅先でもパッと吹けるのがいいところで。電気が必要でコンセントが必要でっていう楽器だと、旅に持っていって海を見ながら吹くこととかできないですからね。あと、ディジュリドゥには木の独特の温もりがあるんです。鉄の楽器からは生まれない響きがある。言葉やメロディが生まれる前の世界の音というか。

━━初めて吹いたときから「これは自分の楽器だ」というような感触があったんですか？

GOMA ディジュリドゥを吹くために絶対マスターしなければいけない呼吸法があるんです。循環呼吸法といって、吐きながら吸って、ずーっと音を途切れさせずに吹く呼吸法なんですけど、初めて吹いたときからそれができたんですよ。

Caravan すごいよね。やり方聞いても、自分にはまったくできる気がしない。頭で考えないで、こんな感じかなって吹いたらできたの？

GOMA そう。

Caravan それがすごいよな。

GOMA 最初は独学でやり始めたんだけど。始めた当時は日本になんの情報もなかったから。楽器屋さんでさえ、ディジュリドゥって言っても通じなかった。それでオーストラリアのディジュリドゥ屋さんに修行で入って、そこで楽器を作るところから勉強して。そうすると、楽器の成り立ちとか、木のちょっとした厚みとか曲がり具合とかで音が全然変わってくることが手に取るようにわかってきて、「ああ、アコースティックの楽器って面白いな」って思ってね。オーストラリアに渡って修行を始めてから、尚更そういう気持ちが深まったかな。

━━そんなディジュリドゥという楽器を、ダンスミュージックに用いるという発想はどうして生まれたんですか？

GOMA 　それ以前に僕は打ち込みをやっていて。ディジュリドゥと出会ってオーストラリアで修行することにしたわけですけど、そのあと今度はロンドンに引っ越したんです。そこでイギリスのダンスミュージックにショックを受けて、ディジュリドゥとトラックをミックスさせることを始めました。ちょうどその当時、ジャミロクワイ（Jamiroquai）が爆発的にヒットしていて。

Caravan ジャミロクワイでディジュリドゥを知ったひとはすごく多いよね。

GOMA 多い。ちょうどイギリスにそのブームが来た頃なんだけど、その少し前からヨーロッパはディジュリドゥ・バブルで。

Caravan へえ～。

GOMA ディジュリドゥ・バブルが始まった頃は、僕はまだオーストラリアのディジュリドゥ屋さんにいたんだけど、オーストラリアからヨーロッパへ配送する数があるときからめちゃくちゃ増えて、値段が10倍くらいに上がったんですよ。それまでは日本円にして1万円くらいで取り引きされていたのに、一気に10〜20万って価格が上がったんです。

━━因みにイギリスで衝撃を受けたというダンスミュージックは、どういった種類のものだったんですか？ トランスとか？

GOMA トランスのイメージをもたれることが多いんですけど、もうちょっとハウスとかテクノに寄ったもの。もともと僕はブレイクダンスをやっていたからブラックミュージックが好きで、テクノもデトロイト・テクノとかそういうのを聴いていて。ダブも大好きでしたね。マッシブ・アタック（Massive Attack）のライブを観に行ったときに、すごい食らった。

あとは＜ノッティング・ヒル・カーニバル（ロンドン西部ノッティングヒルで毎年開催される100万人規模のストリートカーニバル）＞に行ったときに、みんなが自前のサウンドシステムを道端にダーっと並べて音を出していて、それを体感したときに、これはすごいと。もともとベース音が好きなんですよ。低音をカラダで感じるのが好きで、ディジュリドゥもロウが特徴的な楽器だから、そこに惹かれたというのもあった。未だにそこは変わってないですね。

━━なるほど、今の話でGOMAさんの音楽の成り立ちがわかった気がします。何より重要なのは、ロウの響きであり、振動だと。

GOMA はい。

━━自分はライブが何より好きで、一昨年までは年に平均140本くらい観に行っていたんですが、コロナ禍になって観に行けなくなって。5ヶ月ぶりくらいに会場で観たとき、強く感じたのが、「ああ、ライブって振動だな」ということだったんです。楽器の音や歌声が空気と混ざり合って、振動としてカラダに伝わるあの感じ。それはPCで配信ライブを見たんじゃ得られないもので。そういう意味で、GOMAさんのライブは絶対にナマで体感してこそだし。Caravanも優しい歌声だけど倍音で響くところがあって、アコギの響きもそう。振動とか波動がとても重要であるように感じます。

Caravan そうですね。そういう意味では、ライブというのはスーパー・波動の集まりというか。それが弾けあっちゃうものもあれば、重なって大きくなるものもある。もちろんこっちから送る波動だけじゃなく、お客さん側の波動というのもそこにはあって。やっぱりお客さんがつまらなそうにしていると、こっちもいいヴァイブスにはならないからね。こっちの波動とお客さんの波動が混ざり合って上っていく感じがライブの醍醐味だと思う。振動の結晶体というのかな。

だから同じセットリストでやっても、そこにいるひとが違えば絶対に同じ結晶体にはならなくて、それがライブの面白いところだし。あと野外だったりすると、山があったり、海があったり、そういうシチュエーションによっても違う波動、違う振動が生まれるものだから。

━━確かに。同じフェス内であっても、ステージが違えば振動の仕方も変わりますからね。

Caravan うん。あと時間帯もあるよね。日比谷の野音は東京のなかでも有数のオアシスみたいな場所で、演奏しているときにだんだん日が暮れてきて、ビルに電気がつき始めて、空には鳥が飛んでいたり。そういう景色と時間の移り変わりを感じながら演奏できるし、すごくいいヴァイブスを感じられるところなんです。だからあの場所でやるのが大好きなんだけど、去年は急遽、無観客配信ライブということになってしまった。

見てくれたひとには喜んでもらえたし、なかなかできない経験をさせてもらったなという思いはあるけど、やっぱり振動感とか、お客さんが目の前にいることで生まれる波動の大事さは改めて強く感じたところで。その野音を含め、去年から何度か配信ライブをやってみたけど、そのよさもわかりつつ、ある意味限界を感じているところも正直あるんです。

GOMA 無観客のライブはもう、別ものだよね。僕も去年はいろんなアーティストの配信ライブを見ていたけど、もう見なくなった。友達のミュージシャンと喋っていてもみんな同じような感じになっていて、ただのライブ配信だと、Caravanが言うように限界を感じるというか。ちょっと演劇的なものとして作り込んでいるものを見ると面白いなって思ったりしますけど。

━━配信に向いている音楽とそうじゃないものがありますよね。PCで聴いたときに音がクリアに聴こえるからいいという音楽もあるし、ざわざわした感じやノイズがあるからいいという音楽もある。

GOMA ディジュリドゥは、配信ライブには向いてないですね。

Caravan この前会ったときも言ってたよね。「Caravanはいいよね、言葉がある音楽だから」って。

GOMA そこは大きいですよ。配信ライブでディジュリドゥだけだと、何やってんだろって感じになる。振動を体感してもらってこそだから。

━━もっともそういう性格の強い楽器ですもんね。

GOMA 　そうなんですよ。

━━お二人に共通するところとして、演奏する場所に拘りを持っているというところもあると思うんです。室内のライブももちろんいいけど、とりわけ野外のライブで音楽が映える。そこに吹いている風だったり、陽光だったり、そういうものがすごく効力を発揮するというか。場所を味方につけてライブをする二人という印象があります。

Caravan　確かに場所というのはすごく重要なファクターだと思う。同じ音楽でも場所によって全然違う聴こえ方をするものだよね。どっかで聴いたときにそれほどピンとこなかったものが、別の場所で聴いたらすごく心に響いて泣けちゃったりとかさ。

GOMA　それはある。Caravanの音楽もやっぱり野外で聴くと気持ちよさが倍増するからね。

━━演奏する場所に行ってすぐ、「ああ、ここはいいヴァイブスがあるな」みたなことを感じたりするものですか？

GOMA 僕はけっこう感じますね。ディジュリドゥという楽器自体がもともと外で吹く楽器だから。オーストラリアとかの乾いた大地で吹くと、すごく音がヌケるんですよ。湿度感とかを気にするひともディジュリドゥ・プレイヤーにはいて、そういうひとは中に水を流しこんで湿度を調整したりする。それによって微妙に音が変わるから。

━━なるほど。標高の高いところと低いところでも鳴り方が違うんでしょうね。

GOMA　全然違いますね。

Caravan 酸素の量で呼吸法も変わるだろうしね。

━━これまでに演奏した場所で、あそこはよかったなとか、あの景色は忘れられないなっていうところはありますか？

Caravan いっぱいあるけど、GOMAちゃんと一緒にやったフジロックのピラミッド・ガーデンはすごい気持ちよかった。CANDLE JUNEのステージの装飾もよかったし。あと、フジロックで言うとフィールド・オブ・ヘヴンがオレは好きで、特に客として観たなかで忘れられないのがGOMAちゃんが復活したときのフィールド・オブ・ヘヴン。オレらの仲間は袖に集まって観ていたんだけど、みんなが笑顔で泣いていて。ふと見ると、モニターのひととか照明のひともみんな笑いながら泣いててね。祝福の波動に満たされている感じで、「なんだ、この多幸感は！？」っていう。あれは忘れられない光景でした。

GOMA 僕自身はもう、あんまり覚えてないんだよね。

Caravan 真ん中で誰よりもグチャグチャに泣いていたのがGOMAちゃんだったけどね（笑)。

━━GOMAさん、ヘヴンでは度々出演されてますよね。僕も何度か観ましたけど、それこそ山を背景にしたあの場所ならではの波動と振動があって、必ず「ああ、最高だな」と思える。

GOMA フィールド・オブ・ヘヴンは自分にとって、ちょっと特別な場所って感じがあるかな。あそこで復活ライブをやらせてもらえたから。そのときの自分がフラッシュバックする。まだまともにライブができるかどうかわからないという状態だったのに、それでも僕を信じてブッキングしてくれたフジロックのチームのみんなには、本当に感謝してます。

━━それからお二人とも、バンドでやるにしても基本的にはシンプルな編成ですよね。シンプルで、ダイレクト。ホーン・セクションやストリングスを入れて膨らませたりする必要がない音楽というか。

Caravan でも僕の場合は、ホーン・セクションはないけど、トランペッターのイッチー（市原“icchie”大資）に入ってもらっていたことがあるし、チェロの子と一緒にやったりしたこともあって。とはいえ、オーケストラみたいな大所帯の編成よりはこじんまりした形のほうが好きですね。10人とかの楽器が混ざるよりも、ひとりひとりの音が聞き分けられるくらいのサイズ感が好きなんですよ。いまこのひとはこれを演奏しているっていうのが見えるサウンド。そのほうがドキドキするし。

━━GOMAさんのThe Jungle Rhythm Sectionは、ドラムとパーカッションとで、ギターなどの上物の楽器はない。

GOMA でも、やかましいですよ（笑）。

Caravan だけど、ひとりひとりの役割がはっきり見えるよね。それが絡み合ってひとつの生き物みたいな音楽になっていく感じがある。

GOMA そうだね。僕がやっているバンドは本当にお祭りバンドみたいなところがあって、お客さんとの兼ね合いでどんどんグルーヴが膨れていくものだから。ステージ上の人数はそんなに多くなくていいんです。

Caravan GOMAちゃんがいろんなひととデュオでやったりするのも面白いよね。（中村)達也さんとGOMAちゃんとか、U-zhaanとGOMAちゃんとか。ミニマルだけど強力で。場所を選ばずにできるでしょ。

GOMA うん。結局、僕は隙間が多い音楽が好きなのかもしれない。そこはCaravanと共通するところですね。

━━それから、言葉のあるなしという違いはあれども、お二人とも光だったり水の流れだったり緑の力といったものを音楽を通して表現しているところがある。あるいはそういうものから得られるエネルギーを音楽にしているところがある。文明の力よりも、自然を感じて生きるなかでの思いだったり意味だったり。とりわけ光は重要で、Caravanは《光》という言葉を歌詞に入れ込むことが多いですよね。

Caravan うん。意識してというよりは、歌詞を書くときに自然とその言葉が織り込まれるというか。それは目に見える光だけじゃなくて、何かを象徴する意味での光だったりすることもある。風とか水といった言葉もそうやって使うことが多いですね。無意識にそういう言葉選びをしている感じ。

━━ 一方GOMAさんは、音楽だけでなく絵画もそうですけど、まさしく光の世界をそのまま表現されています。

GOMA 僕は事故のあと、光の世界をすごく意識するようになりました。その世界のなかで生きているような感じがありますね。自分の意識がなかった間に見ていた光の世界を、あれからずっと絵として描き続けているし、今もそう。で、事故のあとはしばらく音楽がまったくできなくなった。

だけど、徐々に回復するなかで、いろんなひとに会ったり、いろんな新しいものを見たりすることで、自分のなかの近い記憶と遠い記憶が繋がってきた。事故前の世界の感覚と、事故後の新しい感覚とが、事故からの10年でようやくミックスされつつある感じがしているんです。最近はやっとそのバランスがとれてきたかなって思っていて。少しシンプルになりましたね。光や風が好きだったことが大きかった。

━━事故以前から、光や水や風が好きだなという気持ちを持っていたんですか？

GOMA もちろん嫌いではなかったけど、事故の前はトガっていたから、今のような感じではなかったと思います。事故のあとですね。しばらく外に出れずに家にこもっている時間が長かったから、家の近くの多摩川でリハビリしてたんですけど、そのときに常に同じようにある光の存在や流れてくる風にすごく救われたんです。救われたし、すごいなって思って。ちょっと壮大な話になるけど、地球ってすごいな、みたいな。僕はこのなかで単純にひとつの生き物として生かされてるんだなって思ってね。こんなこと言うと、おかしなひとみたいに思われるけど。

━━そんなことないですよ。特にウイルスのパンデミック以降はそういうことを考えないままではいられなくなったし、今そういうことを考えなくてどうする？　ってところもある。

GOMA そうですね。気軽に旅にも行けない時代になったからね。だからか最近、Spotifyとかでいろんなひとの曲を聴いていると、みんな音楽のなかであちこち旅をしている。ミクスチャー感がすごいなって感じるんですよ。いろんな国の音楽をみんながどんどん取り入れるようになってきたというか。みんなきっと、同じような思いでいるんだろうなって感じますね。ミュージシャンはツアーができないし、海外と日本を行き来しながら表現していたひとはそういうことができない状況だし。その分、自分のなかで旅をするようなサウンドがどんどん出てきている感じがします。

Caravan 音楽のいいところは、そうやってその場にいながら、行ったことのない国に行けた気がしたり、見たことのない景色が見えた気がしたりするところで。世の中がこういう状況になってもう1年以上経って、確かに旅はできないけども、だったら自分のなかで旅をするしかない。音楽を聴くとか本を読むとか映画を観るとか絵を見るとか、そういう全てがインナートリップで、それも旅だと思うしね。

これだけこういう状況が長く続くと、やっぱり落ち込むときは落ち込むけど、そうならないようにするためにも心のなかでは旅をしていたいという気持ちがある。だってここまで長引くともう、コロナのせいだとか政府のせいだとか言ってることにも疲れてくるし飽きてもくるし。だったら自分の好きなこととか理想とか、ノーじゃなくてイエスの部分をもっと発酵させることに集中したいと思ったりもするんですよね。

GOMA 僕は、やってることがシンプルになった。いまは点を打つか棒を吹くかしかやってない。考えてる暇があったら点を打つ、みたいな。そんな感じになってますね。あとはやっぱり健康第一。カラダが動かなくなると本当になんにもできなくなるっていうことを僕は身をもって体験したので、みんなカラダをちゃんとケアしながら楽しんでほしいなって、こういう時代になった今、つくづく思いますね。

━━GOMAさんがひとりで点を打ったりディジュリドゥを吹いたりするのって、瞑想に近い感覚があるんですかね？

GOMA 近いと思いますね。瞑想がどういうものなのかはまだ自分で解読できてないけど、無の境地に向かうために点を打ったりディジュリドゥを吹いたりってことをしている気がする。何も考えないで打ったり吹いたりしています。考えてるときはよくないというか、点が乱れたり流れちゃったりする。そういうときは頭のなかでどっか混乱してるってことなんでしょうね。誰かのためにやるわけではないんですよ。

誰かに見せたいからやるんじゃなくて、自分ともうちょっと向き合いたいというか。去年からステイホームでみんな家にいる時間が長くなって、始めはまだ何かのための準備期間みたいに考えているところもあったと思うけど、予想を超えて長引いてきてから、今はもうちょっと自分に向き合って答えを絞り出していくような段階に入ってきているんじゃないかと感じていて。だから僕自身としてはもっと作品のクオリティをあげたい。シンプルにそこに集中したいというか。どんどんそういう考えにはなってきてますね、音楽も絵も。

━━表現の目的、向き合い方、生きているなかで自分はなんのために何をどう表現するのか。コロナ禍がこれだけ長引くとどうしたってそれが変わってくるところもあるだろうし、常に自分に問いかける必要も出てくる。

GOMA うん。それは本当にそうで。

━━Caravanは昨年11月に『Bittersweet Days』というアルバムを出して、最後に“Stay Home”という曲を入れました。それは2020年という特別な1年を通していろんなことを問いかけながら辿り着いた、あの時点でのひとつの答えだったと思うんですが、今はどうですか？ 今年になって状況はさらに悪化し、オリンピックもあって人々の分断も加速してしまったわけですが、そうしたなかで目的や向き合い方が変化したところはありますか？

Caravan 去年、コロナが始まって、自分としては「負けてたまるか」じゃないけど、今までだって決してラクな状況でやってきたわけではないから「このくらいのことで止まってたまるか」というような意地があって、ひたすら制作に没頭したんですね。そのなかで「元気かな？」「どうしてるかな？」って浮かんでくる顔がいっぱいあって、自分がこうして音楽をやれているのはやっぱりひとありきというか、みんながいてくれるからだなって感じることもできた。それは再確認だったし、すごくよかったんだけど。

でもアルバムを出したあとは、リリース・ツアーもやれないし、みんなに届いているのかどうかもわからないっていうところで、ぽっこり穴に落ちちゃったような感じを味わった。ちょっと空虚な気分になっちゃったんですよ。それで気分を変えるためにも山に行こう、海に行こう、田んぼに行って育ってる稲を見ようってやっていて。そうやってバランスをとってるうちに、最近また頭のなかで音楽が鳴り出して、まだまだいけるって思いだしているところなんです。今までだったら、そういう波が自分のなかにあることをそんなに気づかないでいられたけど、時間があるだけにちょっとわかった。そういう意味で確かに表現に対する向き合い方を考え直したところもあると思います。

━━そういうときもやっぱり海とか田んぼとか自然に救われるっていうのがある。

Caravan うん。自分のなかの毒出しみたいな感じなのかな。

━━GOMAさんもそんな感じですか？

GOMA うーん、僕が点を打つのはほぼ日課なんですよね。ディジュリドゥもそうで。

Caravan 毎日何かしら作品作りに向かうの？

GOMA 毎日やってる。

Caravan 決まった時間があるの？

GOMA 朝起きて、コーヒーを飲んで、その日に描きたいもののイメージがそこで頭のなかにぼんやりできてきて。というか、朝起きたら頭のなかに張り付いている。その張り付いたものを「なんだろ、これ」って見つめるところから始まるかな。それはだいたい光の感じなんだけど。寝て起きるということもそうだけど、人間って意識のないところから目覚めるわけでしょ。

オレの場合は事故があって外からの傷で強制終了になって、そこから時間が経って意識が戻ったわけだけど、それが毎回デジャヴしてるの。眠りから目が覚めるときに毎回、事故のあとに脳が再生されて意識が戻ったときがデジャヴして、だから毎朝起きたら、そこに光の世界がある。それを、コーヒー飲みながら見つめるの。それがハッキリしてきたら、アトリエに行って、ダーって描く。

Caravan ダーって描いて、その日のうちにできたりすることもあるの？

GOMA サイズにもよるけど、その日のうちに完成することはまずないかな。

━━完成形のビジョンがあって、そこに向けて点を打っていくんですか？

GOMA いや、やりながら。でもだいたいのビジョンは変わらない。そのビジョンにいかに自分を近づけていけるかっていう作業です。打っては乾かしての作業だから、乾かしている間に音楽のことを考えたり。その行ったり来たりがいいバランスになっている。で、煮詰まったときには、さっきCaravanが言ってたように、山に行ったり海に行ったり田んぼを見たりとかして。自然から受ける得体の知れないエネルギーってやっぱりあるんですよね。それで音楽を聴いたり。この前、Caravanの“サンティアゴの道”を聴いていたんだけど、あの歌詞、今にぴったりだなって思った。本当にこう、巡礼のような。

Caravan そうだね。

GOMA コロナ禍になって、みんながそれぞれ巡礼のような毎日を繰り返している。生まれ育った環境も家庭も、培ってきた文化も違うそれぞれが、ただそれぞれの毎日を繰り返す以外にないというか。僕らはいま40代で社会の崩壊を経験していて、年齢的にもあと何年生きるかわからないですからね。

そう考えたときに、結局はやっぱり自分が培ってきたものを信じて、巡礼を繰り返しながら生きていくっていう、そういうことしかないんじゃないかと。だから、それぞれが自分の環境のなかでベストを尽くして、ぞれぞれの道を歩む。あとはもう、祈ることしかできないですから。亡くなるひとが一人でも減ってほしいから。

Caravan うん。それぞれがいろんなことを問い直して、再確認し直して、じゃあここからどうするかっていうのが今なのかなって気がすごくするよね。外側に救いを探していても出口はない思うし、GOMAちゃんが言うようにそれぞれがこれまで培ってきたものを大事にしながらまた歩いていくというのが鍵なのかなと。

━━では最後に、9月18日の日比谷野音のライブの話をしましょう。当日はGOMA & The Jungle Rhythm SESSION とCaravanのステージがそれぞれあって。共演もあったりするんですか？

Caravan できたらやりたいなと思ってます。現実的に野音は音を出せる時間が決まっていて、音を出し始められる時間も決まっているからサウンドチェックもタイトなんだけど、それでも一緒に音を出せる時間を作りたいと思っていて。

━━いつもと違う試みなんかも考えていたりしますか？

GOMA なんか考えてる？ トークする？

Caravan ははは（笑)。吹かないで、喋るとか。

GOMA 楽器、交換しようか？

Caravan ムリ！ 吹けない！

GOMA フジで前にやったときのセットのなかから、ちょっとでもできたらいいね。

Caravan ああ、そうだね。あと、GOMAちゃんのバンドは今回、辻コースケ（Per）くんが都合で参加できないので、「The Jungle Rhythm Section」 じゃなくて「The Jungle Rhythm SESSION」になるんだけど、フルバンドじゃないのに受けてくれたことがオレは嬉しかったし、いつもとちょっと違うものになるだろうからそれも楽しみにしててほしいね。

━━では、来てくれるひとたちにもう一言。

Caravan 今のこの状況のなかでライブに来てくれるってことは本当にライブ・ラヴァーだと思うんですよ。気軽にフラっと遊びに行こうっていうことができなくなってるわけですから。だから、やるほうも観るほうも覚悟を持って注意しながらってことになるわけだけど、でもライブを求めているひとがいる限り、オレたちは全力で答えたいと思ってます。

GOMA 声を出したり騒いだりはできないし、飲食とかもきびしいだろうけど、それでもナマのライブでしか感じられないものが絶対にあるから、観に来てくれたら嬉しいです。家でじっとしていることも多い時期だと思うけど、たまには外に出て音楽のヴァイブスを全身で浴びてもらえればと。

Caravan ほんと、みんないろんな意味でストレス溜まってると思うんですよ。無意識に溜め込んじゃってるひともいるだろうし。そんななかで無責任に大声で「みんなで楽しもうぜ！」と言えないのが切ないけど、でもやるからには絶対楽しんでもらえるものにするから。無事に開催できることを僕らも祈ってます。

━━もともとReiさんとSOIL＆“PIMP”SESSIONSはいつから面識があったんですか？ Rei　ドラムのみどりんさんのファンで、レコーディングにお呼びしたのが始まりです。そこからはフェスでご一緒したり、各々のメンバーとは関わりを持たせてもらってました。「SOIL＆“PIMP”SESSIONS」っていう集団のカッコよさにはずっと魅了されていたんです。 ━━今回楽曲をコラボレーションするきっかけになったのは？ Rei　決定打になったのは一昨年の中野サンプラザで開催された＜TOUR 2018 “DAPPER”FINAL＞ですね。ライブを観させていただいて、「コラボしたい」っていう気持ちが一層強くなった。そこから「SOILさんとやりたい曲を自分が書けたタイミングでお声がけしよう」とはずっと思っていたんです。 ━━社長さん、Reiさんからご連絡が来た時はどう思いました？ 社長　「やっときたー！」って（笑）。 一同　（笑） 社長　いつかご縁があるだろうなという距離にはずっといたし、「できたらいいね」っていう話もしてたんですよね。 連絡を受けたのが今年の7月。完成度の高いデモ曲を一緒に送ってくれて。「Reiちゃんの中では一緒にやってる音が鳴ってるんだろうな」って感じました。僕の声のイメージまでデモに入れてくれた人、初めてですよ。すごく嬉しかった。 Rei　オファーする方はみなさんそこまでやると思ってました（笑）！　実は自分の中でコラボ候補が2曲あったんです。ただ「せっかくご一緒するんだったら皆さんの意見が介入する余地のある曲の方がいいかな」と思って。自分にとってまだ見えてない部分が残っている曲の方がコラボしがいがある気がしたので、今回の“Lonely Dance Club”の原曲に当たるデモを送りました。 丈青　今の話で、すごくReiちゃんが僕たちのことを理解してくれてるなと思いました。僕たちのメンバーの中には、スタジオミュージシャンとしての仕事を実際にやっているメンバーもいて、職人的なスキルがある。けど実は、一番得意とすることが、今回みたいにコラボレーションすることなんです。 楽曲が2つある中で「見えていない」方をReiちゃんが選んだのって、「見えている」方の曲は普通にスタジオミュージシャンがパッと録れば仕上がりも早いしすぐできる曲だったからだと思う。音楽ありきのコラボレーションを提案してくれた感じは、デモの完成度からもその考え方が伝わってきました。 Rei　そう言っていただけると嬉しいですね……。実は、SOILの皆さんのようなアーティストを率いる引力を自分が持っていたら、ミュージシャンとしてレベルアップできる気もしていて。だって、楽曲を聴いた時に「グルーヴの中心にこの子がいる」ってわかる曲になっていなければ食われちゃうわけですよ。自分の太い幹を築くためのきっかけになるんじゃないかなって思いながら、挑戦も込めてデモ曲を送りました。

━━Reiさんはコラボレーションを自分の名義で正式にやるのは、今回が初めてですよね。デモ曲を作成する段階で、意識していたことはありますか？ Rei　両者の魅力を引き出し、両者のファンが喜ぶ曲にはしたいなと思っていました。コラボってそれぞれのスタンスが拮抗するのが面白い一方で、それなりの難しさがある。お互いの良さを消しあうようなコラボにはならないよう心がけました。私、『MAN STEALS THE STARS』っていうSOILさんのアルバムが好きで。改めて聴かせてもらったのですが、SOILさんの曲を10代の子が聴いた時、どういうところを魅力的に思うのかをリスナーの立場から考え直したんです。それに相対する私の像を探しながら、両方の魅力が引き出されるアプローチやメッセージを考えました。歌詞もそれを意識して、試行錯誤しましたね。 ━━今回の歌詞は、デモの段階から決まってたんですか？ Rei　いや、最初は英詞で違う内容の曲だったんですけど、レコーディングのギリギリまで粘らせてもらって。 社長　粘ってたね（笑）。 でも、粘った先に出てきた“Lonely Dance Club”っていうワードの強さは「よくぞ生み出しました」って感じ。僕は覚えにくいタイトルをつけがちなんだけど、ちゃんと一言で世界観を表していて秀逸です。 ━━“Lonely Dance Club”っていうタイトル、めちゃくちゃ良いですよね。これはコロナ禍があってのタイトル？ Rei　そうですね。今年、みんながそれぞれの部屋に1人で過ごすっていう状況が、同時多発的・同時間軸で起きたじゃないですか。自分が生きている中ではもう2度とないかもしれないと思ったんですよね。 27歳の日本・東京で生きている私のドキュメントとして「私はこう観測しました」と記録したかったんです。そこで、パーソナルでありながら、俯瞰して世界を見ているような歌詞にしました。Google Earthで自分がいる位置をズームさせたり、離れていったりする感じ。そのイメージからも、相反する言葉を1つのタイトルで共存させようと思ったんです。

━━そういった俯瞰的な歌詞に至ったのはなぜですか？　今までのReiさんの歌詞は「私」の視線が強く、ヒキの視点でシーンを描写するのはすごく珍しいなって思いました。 Rei　実は歌詞を書くときに社長さんにもお電話したんです。取り止めのない長電話をして。その時に社長さんが「宇宙」という言葉を使っていたので、その言葉から派生して、世界観測をしているような曲にしようと思いました。パーソナルな世界と俯瞰した世界、両方を同時に描けると、コントラストがあって面白いなって思いました。 社長　でも、当初は英語詞を当てていたところに、歌詞のグルーヴを変えないまま日本語詞を入れてきたことにも驚きがあったんだよね。何で日本語詞に直したの？ Rei　ポップソングにしたかったんですよね。なるべく１人でも多くの人に聴いてもらうっていう大義名分があったので、日本語もちゃんと入れたいと思ったんです。 ━━最初の英語詞も、日本語詞に近いテーマのものだったんですか？ それとも違うテーマでした？ Rei　それが、全然違ったんです！　「今を生きる」みたいなニュアンスの歌詞だったんですけど、もう少し物語性を持たせて、絵が見える歌詞にしていきました。

━━最初に楽曲を聴いた時、歌詞にコロナ禍による状況がモロに表われていると感じたのですが、サウンドもライブステージを意識した音に仕上がっている印象があって。セッションやライブの頻度が激減した状況が少なからず関係しているのかなって感じました。 Rei　確かに自粛期間中に「人とセッションしたい！」っていう気持ちが高まるなか、SOILの皆さんとご一緒する機会に恵まれたことがまずは嬉しかったです。グルーヴが1つになっていく過程を、だんだんキャラメルとチョコレートが溶け合っていくように感じていました。土着なブルーズセッションに慣れ親しんできた者として、そういったプロセスに久々に参加できたのは、すごく楽しかった。 社長　実は今回、僕らも気持ち的にタイミングが良かったんですよね。 ━━それは、音楽と向き合う気持ちの変化があったっていうことですか？ 社長　レコーディングに挑んだ8月頃、個人的にも音楽をこの先どう表現していくか、というところに迷いがありました。配信ライブの面白さも感じつつ、お客さんを巻き込みながらステージを作ることが物理的に難しくなったからだと思うんですけど。 ただ、その一方で「じゃあ曲を作れば良いのか」といっても、この先の音楽をどういう風に表現していけばいいのか、今までと同じようにプラスチックのモノを売るのか、もしくは売るってこと自体が無くなるのか……って、根本的な部分の考えがぐるぐる回っていて。 そんな時にスタジオに入ってセッションできたっていうのは救いでもあった。「みんなで1つになって音を出す」っていうシンプルな原点がやっぱり楽しい、っていう気づきにもなった。 丈青　僕はそれまで逆に耳が疲れちゃっていたタイミングで。今回、時間が生まれたことにより久しぶりにアルバムを通しで聴いたりしました。レコード棚も整理できたし、コロナ前はできなかった「時間をかけて研究する」ってこともできるようになりました。 Rei　めっちゃわかります。「音楽だけを聴く時間」を久しぶりに持てて。それまでは仕事で耳を使いすぎて疲れちゃってたんですけど、プライベートで耳を使った時の「キース・ジャレット（Keith Jarrett）いいなぁ」みたいな。 丈青　そうそうそうそう（笑）！　　 Rei　でも、それは演奏する側だけじゃないのかも。聴覚的な情報に生で触れる機会がミュージシャンに限らず少なくなって、上質な音楽を求める流れは、聴き手側にもあるんじゃないかなと思います。 「コロナがあったからこういう作品ができた」っていうのは絶対に認めたくないんです。だけど、時間ができたことによって生まれた変化もあると思うから、改めて音楽を聴く機会が増えたり、合奏することの楽しさを改めて気付いたっていうところはあると思います。それが、今回は音作りにも関係していったかもしれない。

━━では、実際のレコーディングはどのように進んだのでしょう？ Reiさんが用意したデモ曲という緻密な設計図をベースに挑んだセッションだったのかなと。 社長　僕たちにたくさん相談してくれながらも、ある方向を一緒に目指していく感じで進んだよね。Reiちゃんは「こうしたい」っていう考え━━太い幹の部分が明確にありながらも、最後の仕上げ作業まで信頼して任せてくれていました。完成形に対する意識を強く持ってらっしゃいました。反応もすごく早いしね。最小限の会話で最大限の効果が出るんです。 丈青　そもそも年上の人たちをディレクションするのはなかなかしんどい作業なので、すごいなと思いました。すごく良い意味で、好みがはっきりしてるよね。日本人的な遠慮や忖度も無く、音楽ありきで現場が進みました。 意見を忌憚なくすぐ言えるセンスと分析力、今の状況を俯瞰できる頼もしさがあった。それは彼女がそれだけリサーチしていて、音楽を理解しているんだなと感じました。

社長　前方をちゃんと向いて音楽づくりに挑む人だから、ちょっと違和感があったらすぐに気付いて、その違和感の原因をすぐに指摘できる。そこをわかってないと「なんか変だけど、まあいっか」って進めちゃうパターンがあったりするんだよね。 Rei　軌道修正できなくなることは私も恐れていました。SOIL＆“PIMP”SESSIONSっていうデコトラを操縦してるわけですよ（笑）。一音一音を近距離で見ながらも、行き先を見据えてないと東京に行くつもりが神奈川に着いた、みたいなことになりかねない。だからレコーディングの日はちゃんとそれを頭の隅に置きながらやらないといけないなと思っていました。 丈青　それがちゃんとできていたと思う、本当に。かといって細かいところだけを攻めすぎちゃっても一緒にいる時間がもったいなくなるし。スピーディにパパッと終わらせるところもありつつ、センスの部分や大事なところはしっかり話す。本当にスムーズな現場でした。しかも、「今のあそこのフレーズはもう少し手数が少ない方が良いかも」みたいな感じで、自然と同じ意見が多かったです。 社長　一緒にスタジオにいる間に、完成形みたいなものを波動的に共有していた感じ。目指すところがちゃんと全員の体に染み付いていて、深いとこで理解してたと思うし。 Rei　たくさんのアーティストさんと関わりながら活動されてるバンドなので、そういう方々にそういう風に言っていただけるのは冥利に尽きます。 SOILさんを形容するジャンルはたくさんありますが、私が魅力的に思っているのはジャンル同士をミクスチャーするバランス感覚。ジャズからヒップホップ、ロカビリーなど、色々なジャンルを超越している。だから一言で形容し難いジャンル感の曲に仕上げるには、バランス感覚が試されました。

━━7月にデモ曲が生まれてからレコーディングを経て、目の前に完成形があるわけですが、改めて聴いてみて、どんな感想を持ちましたか？ 社長　ライブでやりたい曲になりました。実はレコーディングでも「もしこれをライブでやるとしたら、どっちが映えるだろう」みたいな視点。その通りの曲になったし「早くおっきな場所でやりたいな」って。 Rei　SOILのギター枠がね、たまたま空いてたんで（笑）。 それはレコーディングの時もありがたかったです。 丈青　ライブ感をスタジオでパッキングすることが、僕らも昔は下手くそで全然できなかったんです。今はもう落ち着いて、スタジオでライブ感を出すのを得意としていますが、まさに今回の曲は勝手にステージ上での居場所が浮いてくるというか。立体的な映像が見えてきていいですよね。 あと、レコーディングで俺がReiちゃんのギターソロに対し「最高だったよ」って言ったんです。そしたらReiちゃんは全然それでは満足されてなくて。そういう気質……他人がいいって言ったことを嬉しいと思っても、それとは別で「自分がどうしたいか」っていう高い基準をちゃんと持ってるんですよね。しかも、Reiちゃんは最終的に120％の力を出せちゃう。目指す基準の高いところはシンパシーも感じたし、素敵だなと思いました。それは完成した曲を聴いても思った。 ━━確かにレコーディングでは何テイクも録り直してましたよね。Reiさんの“満足する音”がどういうイメージだったのか、気になります。 Rei　楽器同士のミクスチャーを考えて、ナウい音を求めてたのかなって。いやあ、ナウくし始めると際限なくどこまでもいっちゃいますよね。 社長　ナウくするって（笑）。それって、時代感みたいなものじゃない。結局、正解は楽曲に導かれて出てくるものでしょう。意識した時代感は古くなるから、そこはむしろ「その曲が自然な状態」をどう作るか、みたいな話になりそうだけどね。 Rei　レコーディングでも社長さんに「今世界がぐるぐると変わってきている状況だけど、気持ちとかって変わってますか？」って聞いたら「これまでと変わらずやることが、自分の中で今たどり着いている答えかな」っておっしゃっていましたよね。確かにそうかもしれない。

━━その「変わらずやる」っていうのが、Reiさんのアルバム全体のテーマとして掲げている「NEO―TRAD」にリンクしてますね。 Rei　そういう意味では、SOILさんと作った“Lonely Dance Club”は「NEO―TRAD」にぴったりな曲になったと思います。 ━━最後に、ReiさんはSOILのお二人に何か聞きたいことはありますか？ Rei　もっといいミュージシャンになるにはどうすればいいですか？ 社長　えぇ〜！ それは僕も聞きたいよ。 丈青　僕が昔から言ってるのは、上手い人と一緒にやったり、上手い人を身近で見ること。自分がそういう人と同じフェスに出るなら、真横で見ちゃう。 自分がアイドルだと思える人と共演できるレベルまで行けば、その1回だけでかなり成長できると思う。あとは多分、人生経験の話になってきそうだなあ。そっちの方がいろいろある気がするんですけど。 社長　人生のキャリアと音楽自体の経験はすごい糧になりますね。 Rei　実際、今回はどれだけこの現場から私が吸収できるか、っていうのは課題でした。第一線で活躍されているプレイヤーの方々からたくさん盗んで帰ろう、みたいな気持ちはあったのですごく身にしみて感じています。 SOILの皆さんの魅力は、まず心と技術がとても密接につながっているということなんですよね。ここまでのプレイアビリティをお持ちで、その上でイモーション（Emotion）があるっていうか。どちらかが欠落している例ってたくさんあると思うんですけど、密接なバランスが取れている。 そしてやっぱり耳の精度が高いと感じました。音の残り方も0.何秒単位で聴いてらっしゃるし。それはちゃんと即興の素養があることとも関係していると思います。ピアノやベースを弾きながらも、ちゃんと息継ぎや歌心がある。ソロで活動しているとわからないことまで勉強になりました。 人生のキャリアに関しては……社長さん、前に言ってた良いうなぎを食べさせてください（笑）。 社長　今度連れてってあげる。よく覚えてたな！

━━まず昨年の夏に開催されたスペインフェスティバルのライブ映像ですが、このスペイン滞在で印象に残っていることは何でしたか？ まさに、収録されているライブが一番の思い出です。もともとフェスの2日目・3日目に出演する予定だったんですけど、2日目が雨で中止になって。3日目の開催ももしかしたら危ういかも……っていう話まで出ていました。でも、当日はなんとか小雨の中で開催できた。 歌詞は全部英語詞で歌って、MCもスペイン語。それでも自分がどこの誰なのかなんて、現地の人にとっては分からない状態だと思うので、実際はチャレンジングなライブだったんじゃないかな。 ━━映像を観る限り、Reiさんも開放的にパフォーマンスをされていますね。 2日目はライブもできず携帯もなくしたので、負のパワーやモヤモヤが溜まっていたんですよね。全部ライブで昇華された感じ。良いライブになったと思います。 音につられてお客さんが集まってくる光景が心地よかったです。自分の実力だけでオーディエンスがステージに近寄ってきてくれる感じ。音楽が国境を超越する感覚を目の当たりにしました。

━━終演後に観客がReiさんの楽曲のコーラスを歌い続けていて「さすが、情熱の国だな」と思いました。ちなみに他の出演者のパフォーマンスも観れましたか？ 何組か観れましたよ。衝撃を受けたのが、ジョー・ジャクソン（Joe Jackson）のライブ。演出から舞台美術、構成まで、何もかもがかっこいい。自分が今までに観たライブの中で、片手の指に入るほど最高でした！ 今年2月にあった「Rei Release Tour 2020 “7th Note”」の構成にも、自分が彼のライブでインプットしたことを取り入れてみたり。あと、サポートのギタリストの方が最高で、CDを交換しあったりしたのも良い思い出です。 でもライブに限らず、一つ一つの経験がすごく貴重でしたね。実は、フェス会場の近くにヌーディストビーチがあったんです。そこを散歩しながら、当日の曲順を決めました。環境的にも、自然と開放的になりましたね。

━━映像にも収録されていた浜辺ですか？ まさに！ 日本でのステージとはちょっと違った選曲になりました。あと、帰国後に『SEVEN』に収録されている“DANCE DANCE”を作ったのですが、その時に現地で学んだフラメンコギターのフレーズを反映してみたんですよね。パーカッションとしてタップダンスの音を取り入れたのも、鑑賞したフラメンコからの影響です。 ━━たくさんのことを吸収されたんですね。Reiさんの日記を覗くようなドキュメンタリー映像が、『HONEY』というご自身の内面をさらけ出したアルバムに封入されているのは象徴的ですね。 “音楽へのピュアな気持ち”や“リアリティ”、“秘密のダイアリー” ……アルバムのコンセプトに通じるような要素が詰まった映像作品になったと思います。「映画音楽をやりたい」っていう夢もあったので、映像ありきで音楽を作った“ミュージックフィルム”として楽しんでいただきたいです。アルバムに入ってない曲もたくさん入ってる作品になるので。 ━━アルバムを買ったら映画が1本付いてきた感じ。傑作です。 お値打ち価格だと思います（笑）。でも、リアリティのあるドキュメンタリーをこういった映像作品で描いたのは初めてなんですよね。もともとアーティストのメイキングがすごく好きで、いつかこういうリアルを切り取るような映像は作りたいと思ってたんです。いざ、こうやって出来上がった映像を振り返ってみると、いかに人前でライブをする、っていう自分にとっての当たり前の日常が貴重だったかに気付かされますね。

━━映像作品ではコロナに対する考えや、楽曲制作への向き合い方について、Reiさんが率直な気持ちをお話しされていますが、アルバムも映像作品に負けないくらい、パーソナルな感情を吐露した作品に仕上がっていますね。前作のミニアルバム『SEVEN』と比べ、楽曲制作への向き合い方にどういった変化がありましたか？ コロナ禍を通して相手に何かを直接伝えることが難しくなった結果、言葉に対し繊細に、神経質になって。言葉への責任が増して、とにかく乱暴な表現にならないように意識しました。初めて自分らしい言葉に出会えた感覚があったんです。それが自分の弱さを克服できる武器になるとは限らないけど、それを認めることで、自分の本音を言葉にする術は見つけられたかなと思います。 あと、今年は自分にとって必要なもの・不必要なものがはっきりした年。自分が一番欲しいものを手にいれるために、いらないものを排除して、世界が変わっていくタイミングでした。“What Do You Want?”を作っていた頃はコロナ禍ではなかったけど、結果として2020年にぴったりな曲になった気がする。 ━━―方で、“Categorizing Me”のように、自身のルーツや言語のエピソードなど、葛藤や悩みを吐露した歌も収録されていて。ここまでご自身の内面を吐き出した作品は、今までになかったんじゃないかなとも思いました。 “Categorizing Me”は、自分自身を象徴する歌になったのかもしれないです。これだけコロナによって世界中がかき乱されて、多くの人が亡くなったからこそ、これ以上に失うものは何もないんじゃないか、と思ったんですよね。それが作品に向かうモチベーションになった。「失うものなんてない」という感情が、この作品全体の醸し出す“素直さ”につながった気がします。 ただ作品全体を通して伝えたいメッセージは、必ずしもコロナ禍の今だけに当てはまるものでは決してないんですよね。もっと普遍的な思いを込めた作品になっていると思います。心細さから生まれる“人を求める愛情”が入り乱れた、すごくパーソナルな作品になったんですけど、それと同時にこれまででは最も間口が広くて、外に向かっているアルバムな気がするんです。

━━では、なぜ今回の『HONEY』はパーソナルであり、かつ普遍的な作品に仕上がったのでしょう？ 映像でもちょっと話してるのですが、世の中が自粛モードに差し掛かった今年の3月中旬頃からボロボロだったんです。6月くらいまではずっと落ち込んでいたと思います。ただ、自分が大切にしている人たちが自分に弱みを見せてくれることが、その数ヶ月の中であって。それにすごく安心を覚えました。傷ついているということを私に見せてくれて、頼ってくれたことへの愛おしさと安心感がありました。 ただ、それって逆の立場でもそうかもなって。人の弱みを見ることで「自分と一緒なんだ」って思えるなら、自分も見せてみれば、受け取り手が安心するのでは、って思ったんです。 ━━ドキュメンタリー映像を封入したのも、そういった意図から？ そうかもしれない。映像は『HONEY』を制作する中で、作品として成立した映像でもメッセージを伝えたいと感じたのがきっかけでした。「私自身のドキュメンタリー映像を作るならどうなるか」を意識しながら、コロナ禍で失われた数ヶ月を映像と音で表現しました。

━━そういった意識で『HONEY』という作品を生み出した先、Reiさんの活動にはどういった変化を期待していますか？ リスナーとの距離が縮まってほしいと思っています。これまでの私は傲慢な部分があって、リスナーが心を開いてくれるのを待っていただけだった。自分がノックした扉を向こうが開けてくれないことに苛立った時もありました。 でも『HONEY』の制作を通して、自分の扉も開きつつ、相手も開いてくれるのを待つことが正しい姿かなって。ライブも同じような姿勢で向き合いたい。私が扉を開き、お客さんもライブを楽しめる構図ができるようになればと感じてます。「どうぞ！ 私のお家へ」って感じ（笑）。 あと、今年は初めて出会う人が多かったです。スタイリストさんから、“Categorizing Me”のアニメーションを作ってくれたクリエイターまで。色々悲しいこともたくさんあったけど、巡り合わせがあった年。純粋に感謝してます。 ━━今回1年間を通し、私もReiさんに何度もインタビューできて嬉しかったです。最後に、リスナーへのメッセージをお願いします。 今回のアルバムは「フィジカルさ」を意識しました。だって、ヒステリックグラマーの北村信彦さんとも「フィジカルでも残さないと！」って話をしましたもんね（笑）。（『Rei × HYSTERIC GLAMOUR 北村信彦 対談』：https://qetic.jp/interview/rei_hysteric_glamour-feature/360400/）リーフレットやジャケットのデザインにも、たくさんの秘密や仕掛けを用意しているので、手に取って繰り返し楽しんでもらえればと思います。自分と同じ孤独を抱えている人にメッセージが届けば嬉しいです。

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NAOKI SERIZAWA（以下 SERIZAWA）　この連載では、自分らしい表現を追求するアーティストが考える、ウィズコロナ時代のクリエイティブについて話を聞いていて、健ちゃん（永島健志）には絶対に出て欲しいと思ってた。 永島健志（以下、永島）　今回、誘ってもらったのは本当に嬉しかった。ミクスチャーって俺らの世代にはあったと思うんだけど、音楽だったりストリートだったりが交わって、それがリアルにカルチャーとしてミックスしていく時代。音楽やレストランがクロスオーバーしていくきっかけに直樹くんと俺がなれたらすげー良い一歩だなって思ってる。 SERIZAWA　そもそも俺たちが初めてコラボしたのがGoogle Pixelの企画で、賢ちゃん（小橋賢児）がプロデュースした「都会のキャンプ」をテーマにしたルーフトップのディナーイベント。レストラン81で前衛的なコースを提供してきたシェフ・永島健志が、キャンプ飯をテーマにカジュアルダウンしたコースを提供する。そこにNo.501がナチュールをペアリングして、俺は音楽を担当させてもらったんだ。あの時に最高にクールだと思ったのが、ポトフをサーブした後に『このポトフを半分食べたら、このカプセルをお皿に入れてください』って言って、実際にそのカプセルを入れたらポトフがカレーに早変わりするという。 永島　エクスペリエンスだよね。今回は、プレイリストを作って欲しいってことで、やってみたけどすごい難しいね。でも考え方は料理と一緒だった。最後の最後に思ったのが結局オレ達はエクスペリエンス屋なんだなと。「こと」や「体験」を売っている。 SERIZAWA　それこそレストラン81のスタイルだよね。料理が美味しいのは当然、サーブされる一皿一皿のアイディアが独創的で、驚きとユーモアに溢れてる。それらをコースとして出す順番にもストーリーがあって、この洗練された空間全体で魅せるショーを体験してるような感じ。

SERIZAWA　ところで、緊急事態宣言中はどのように過ごしてた？ 永島　本当に音を立てて何かが崩れるような。はい、ゲームチェンジだよって言われてるようにすら感じたよね。その時に考えたのは、もちろん自分のビジネスのこと、家族のこと、世の中のこと、世界のこと。そのバランスを取ることを意識していて、その先にあったのは、どうやって生きていこうかな？　っていう、自分の「生き方」や「在り方」についてだった。 SERIZAWA　すごくわかるよ。 永島　「これからどうすんの？」っていうのを迷っているというより「俺たちって何？」ってことをずっと考えてた。緊急事態宣言下で外出の自粛も叫ばれ始めて、店も休業せざるを得なくなった時「俺らは世の中にとって必要だったのか？　そうじゃないエゴの押し付けだったのか？」とか、そんな事ばかりを考えてる時間だった。 SERIZAWA　緊急事態宣言中に、SNSで『食の意義を見つめ直した時、ぼくらの想いはシンプルだった』と言ってハンバーガーを提供したじゃない？　これまで敷居も高かったレストラン81が純粋に料理を届けたいってことなのか、その言葉がすごく胸に響いたんだよね。 永島　仲間とみんなで集まることができないなかで、落ち込んだり、寂しかったりしても、食事っていうのは人を前向きにできるから。腹が減っては戦はできぬじゃないけど、とにかく食おうぜみたいな。で、俺たちは、レストランができなくて何ができるんだ？　って考えた時に、「美味いものを作ろう」だったんだよね。こうやって時間決めて、エンターテイメントにこだわって、ショーを提供するのが難しいなら、シンプルに俺たちの大好きなハンバーガーを届けようって。散々、非日常を届けてきたんだけど、いま必要なのは背伸びした非日常ではないって思ったんだよね。

SERIZAWA　緊急事態宣言中は同じ空間を共有する喜びを分かち合うのが困難になった。みんなでレストランで美味しいご飯を頬張りながら会話を楽しむことや、クラブで集まって爆音を浴びながら踊ってお酒を交わしながら語ることとか。どちらも、好きなもの、好きな時間を共有して、リアルに人と繋がることが大切だったけど、そういうことができなかった。コロナ禍で価値観がひっくり返るようなことが起きた今、レストラン81として、永島健志が表現したいクリエイティブってなに？ 永島　俺たちは、レストラン81という箱を作って、そこにお客さんを招いて非日常を創ることに命をかけてきた。これからは、もしかしたらそれとは別の箱を作ってお客さんに届けなくていけないのかもしれない。コンセプトやストーリーの届け方を意識した、家の中でできること。常に「日常にプラスα」できるものを創っていけるチームでありたいとみんなで話をしてる。今まさに産むのに苦労してるよ。 SERIZAWA　もっと詳しく聞かせてくれる？ 永島　このレストランを産んだのは俺だけど、レストラン自体はチームのみんなで創ってる。カウンターの向こう側にお客さんが座ってて、そのインサイドとアウトサイドのボーダーが崩れていったら面白いレストランができるなってイメージ。 SERIZAWA　なんかフェスみたいだね。オーガナイザーとDJとオーディエンスの関係に似てる。 永島　そうそう。千利休が数百年前に「一座建立」「主客一体」と言ってるんだけど、茶の湯の世界で、ゲストもホストもないという意味で。それをコンテンポラリーにやれるかどうかが、次の81のテーマだったりする。俺たちは毎日パーティをやってる感覚。みんなで一緒に創っていくスタイルっていうのが、今俺がやりたいことかな。

SERIZAWA　本当にたくさんのことが変わったよね。 永島　うん。世の中が変わったから俺たちも変わるしかない。全ては相対なんだなって考えてたよ。そして時間軸を意識するようになった。俺たちが生きてる地球。例えるなら宇宙船地球号なわけですよ。その乗組員が、人間も動物も含めてみんな乗ってるでしょ？　じゃあ、その船の行き先っていうのはどこに向かってるのかな？　それは場所ではなく、未来なんだよ。そこには時間の概念が加わり、物事の考え方が平面から立体になり、四次元になる。その上で新しいルールを作っていこうよ。 SERIZAWA　僕たち地球に住む全ての生命体の行動で未来が変わってくるわけであって、コロナがあった未来となかった未来では進む方向が100％違っていたはず。大人数の人がコロナ禍をきっかけに立ち止まり、自分の在り方、社会とのつながり、未来について考え、本質を求めてきた。 永島　だから今、大事なものは何かを見つめ直し、その大事なものを次の世代に残す。今はその大事なものを決める段階。それが新しいルールであり、ニューノーマル。ニューノーマルって言葉はあるけど、中身はまだはっきりわからないじゃん？　歴史的に見ても稀有なタイミングだよね。もう、何かにアゲインストするんじゃなくて、政治とかも含めて、みんなでこの後どう楽しむ？　新時代くるじゃん？　って考えていかなくてはならない。みんな意識変えようよ。自分の人生を大事にしよう。それは子供たちの人生を大事にすることであり、未来を大事にすることだから。みんな今こそ変わる時だよって。

SERIZAWA　最後にプレイリストのテーマを教えてください。 永島　テーマは、シンプルにフェス。いま自分が一番欲しいもの。一体感、グルーヴ、コミュニティー、サバイブ、キャンプ。そういうものを全部含めて仮想フェスみたいなラインナップで作ってみた。10代の頃好きだったミクスチャーだったり、ハイスタみたいなロックだったり、音楽の道で頑張ってる友達の曲もたくさん入れた。若い頃から好きだったものや思い出も含めた、自分自身のメモリアルみたいなプレイリストになってます。