〈HUF（ハフ）〉が、SF映画史を代表する『Alien（エイリアン）』シリーズに着想を得た新作コレクションを発…
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1979年の第1作公開以来、SFホラーの金字塔として愛され続ける傑作シリーズ『Alien』。本コレクションでは、宇宙貨物船 Nostromo（ノストロモ号）や、Xenomorph（ゼノモーフ）、映画を象徴するシーンをモチーフに、“Alien”独自のビジュアル表現を〈HUF〉の視点を通じてアパレルとスケートアイテムに落とし込んだ。
具体的には、アートワークを全面に配し、両者のディテールを配したコットンツイルのワークジャケットをはじめ、ボディ、スリーブ、フードにグラフィックを施したウォッシュ加工のフルジップフーディ、映画ポスターから着想を得たアートワークや劇中のモチーフを取り入れたプルオーバーフーディ、オーバーダイ加工を施したロングスリーブのサーマルトップ、ゼノモーフや劇中のスチール、シリーズを象徴するシーンをデザインしたグラフィックTシャツがラインアップする。
また、アクセサリーには、アイコニックなグリーンの『Alien』ロゴをフロントに配したスナップバッグ、Facehugger（フェイスハガー）をモチーフにしたスカルビーニー、暗闇で光る蓄光仕様のXenomorphスケートデッキを展開。
本コレクションは、9月4日（金）10:00より〈HUF〉直営店および公式オンラインストアにて販売開始。まずは、記事内のビジュアルから、アイテムディテールをチェックしよう。
〈HUF〉公式オンラインストア© Qetic Inc.
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13年来の友情が形になる。 塩内浩二×矢口周太郎が語るHAERA「Natural Artifacts」
「PUBLIC MUSEUM」。2026年6月、名古屋・栄にオープンした商業施設『HAERA』は、コンセプトをそう掲げる。ラグジュアリーブランドの旗艦店や個性的な飲食店が連なるこの空間が提供するのは、単なる買い物や食事の場ではなく、五感を用いた“体験”といえるだろう。そんな『HAERA』らしさを最も体現しているのが、地下2階／地下1階／2階／4階の客用WCに展開された「Natural Artifacts」というアート作品群である。 空間デザインスタジオ・NOWが「万物の起源」をテーマに空間演出を手がけた各階の客用WC。その空間には、塩内浩二氏によるサイトスペシフィック・アートが、単に“展示される”のではなく、空間を構成する要素のひとつとして組み込まれている。 名古屋にルーツを持つクリエイティブディレクター・アーティストの塩内氏は、東洋の自然観や五行思想、自身のルーツを背景に、「水」「洞窟」「雷」「宇宙」をモチーフとした4作品を、平面や立体など異なる手法で展開した。空間そのものと作品の関係性を組み立てながら、商業空間とアートをシームレスに共存させる試み。その狙いと、実現するうえでの難しさとは。今回は、そのうち「Discharge」「Accumulation of history」の造形・制作で協働した矢口周太郎氏と塩内氏の対談から紐解いていく。
INTERVIEW 塩内浩二× 矢口周太郎
──まずはお二人の自己紹介をお願いします。
塩内：株式会社カトレヤトウキョウ代表で、クリエイティブディレクター・アーティストの塩内です。2025年の3月、目黒にCCI Creative Complex®︎という文化複合施設を作りました。1階では“開かれた場所”として、展示会や音楽ライブのほか、ワインイベントなどを行っています。コロナ禍以降、デザインを取り巻く環境が変わったこともあり、こういったスペースを設けました。 矢口：株式会社YAW代表の矢口です。学芸大学駅の近くで『YOU ARE WELCOME』というインテリアショップを運営しながら、インテリアや什器のデザインも担当していますね。 ──お二人の交流はいつからですか？ 塩内：およそ13年前ですね。僕がCattleyatokyo™を立ち上げたばかりの頃は中目黒に住んでいて。そのときにふらっと入った『new territory』というアンティークショップで働いていたのが矢口くんです。 矢口：そこで意気投合して、飲みに行ったりして。塩内くんは『new territory』から徒歩5分ぐらいのところに住んでいたんですよね。当時から塩内くんはだいぶ“仕上がって”いて（笑）。自分の思想をしっかり持っていたんですよね。 塩内：矢口くんは“ディガー”でしたね。ヴィンテージのことをめちゃくちゃ深いところまで掘り下げているし、デザインに対する造詣もかなり深かった。当時から視野が広い人でしたね。 矢口：僕らはデザインが好きという共通点がありましたよね。 塩内：共通点でいうと、ファッションに詳しいのも一緒ですね。親友のスタイリストと一緒にファッションブランドのルックを担当したこともあります。 矢口：ファッション周りに同年代のかなり広いコミュニティがあって。デザイナーやフォトグラファーからスタイリスト、アートディレクターなど幅広い職業の人がいたんです。 塩内：『BODYSONG.』や『BALMUNG』のような前衛的なファッションブランドや、その周りの人たちですね。十何年経って作るものも働き方も変わったけど、今もどこかで意識しあっている感覚があります。
二次元ではなく、三次元。
コロナ以降に“場所”を作る意味
──先ほど塩内さんがおっしゃっていた「コロナ禍以降、デザインを取り巻く環境が変わった」というのはどのような意味でしょうか？ 塩内：コロナ禍で人と人の接触が制限されてから、「“場所”には意味がない」という風潮が生まれましたよね。そんな流れで会社がリモートワークに切り替えたりした。そのアンチテーゼで「場所の方を拡張してみよう」という考えも生まれて、メタバースが一瞬だけ流行したりもしました。でも、コロナ禍が収束しはじめた頃には、「やっぱり人同士が結びつく行為が必要だ」と、場所の再評価が行われて。そこで僕も、デザインやアートの定義を、単なる作品のような“二次元”から、作品を通じて人と人が交流する“三次元”まで拡張しようと試みたんです。やっぱり人は人と会わないと生きていけないし、その感動体験は超えられないのではないかと。 矢口：“作品”ではなく“場”を作るという試みはヨーロッパなんかではよく見られますよね。 塩内：ファッション、アート、内装まですべてを行っていた『SURFACE TO AIR』や、テレビの制作会社がデニム作りを始めたことからスタートした『Acne Studios』なんかは、根幹にある考え方が一緒なのではないかと思います。僕自身、イギリスに訪れたときに彼らが境界を超える軽やかさに影響を受けましたね。でも日本だと「貴方は私の分野のことを何も知らないだろ」なんていがみあっていて（笑）。 矢口：それでいうと僕らは境界を超え始めた世代ですよね。 塩内：柔軟性を持った人がたまたま同世代に多くて、コロナ禍によってその傾向がはっきりした。今ではみんなが自身の専門領域にとらわれずに様々なことをやっていて面白い時代になったと思います。
歴史と個人史を商業空間に。
「Natural Artifacts」ができるまで
──『HAERA』のプロジェクトはどのようにスタートしたのでしょうか？ 塩内：空間デザインスタジオ・NOWから客用WC及びCS諸室のデザインは3年前に動き始めたと聞いています。それこそ、コロナ禍ですよね。何度もブラッシュアップを重ねたそうで、NOWから僕にオファーがあったのは2024年の11月。そこから「Natural Artifacts」の構想を考えました。 ──作品のアイデアは、塩内さんのルーツに着想したと伺っています。どのように思いついたのでしょうか？ 塩内：アートに強度を持たせるための方法論として、「自分にしかないアイデンティティを探す」と「歴史と照らし合わせて、自分の立ち位置がどこになるのかを知る」ことが大事だと思っていて。つまり、目に見える美しさだけを表面的に追い求めるのではなく、観念的な美にフォーカスする必要がある。そのためにまずは、自分が生きてきた道筋を辿ったという流れですね。 矢口：ルーツを辿ることは、「Natural Artifacts」に限らず、アートを手がけるときの基本的な方法論ですね。 塩内：そうです。そこで着想したのが、僕の高祖父である伊藤安三郎の長男、伊藤覚典（萬松寺三十七世の大円覚典和尚）でした。彼は名古屋の大須にある萬松寺というお寺を引き継いで、境内の大部分を解放したんです。そこが今の大須商店街ですね。萬松寺は内装が妙にギラついていたり、今はお賽銭がPayPayしかできなかったりと革新的で面白いのですが、その話は長くなるので割愛して。いずれにせよ、格式が高いけど“開かれ”たお寺だった。そもそも寺院は宗教施設としての機能を持ちながら、多くの人が行き交う場所でもあったんです。『HAERA』も同じく、たくさんの住民や観光客が訪れる施設ですよね。そんなところに常設するアートには“祈り”の意味を込められるのではないかと思ったんです。
矢口：五行思想に着想したのはなぜでしょう？ 塩内：萬松寺の仏教思想と、東洋の伝統的な考え方である五行思想、それと僕が学んできたモダニズムに見られる丸・三角・四角のような基本的な造形の要素がうまくハマったんですよね。ただ、あんまり“和”に寄りすぎても良くないので、すべての要素が混じり合って、それぞれを密かに感じるぐらいの絶妙なバランスを探りました。 ──矢口さんがプロジェクトに参加したのはいつからですか？ 矢口：2025年の末かな。「雷」をテーマにした「Discharge」と、「洞窟」をテーマにした「Accumulation of history」の2つの作品制作に関わりました。
──塩内さんが矢口さんに声をかけたきっかけはなんでしょう？ 塩内：「Discharge」を作っているとき、壁にぶち当たってしまって。神社にある紙垂のような形状の作品なのですが、3Dプリントで何度試作してもしっくりこない。そんなときに矢口くんの顔が浮かんだんです。 矢口：塩内くんは1年以上ひとりで考えているし、作らないといけない点数もかなり多い。お話を聞いて、今は頭の整理が難しい状態なんだろうなと思いました。 塩内：ずっとこねくり回していましたからね。毎週必ずプロジェクトチームの打ち合わせを行っていたのですが、その回数を数えたら約80回でした。長期間考えているとやっぱり煮詰まってくるんですよ。 矢口：コンセプトがしっかり固まっていたから、スッと入ってきましたね。僕から見たら、あとは交通整理をするだけの状態でした。具体的な造形のイメージや、空間への落とし込み方を提案しましたね。 塩内：矢口くんが見事にブレイクスルーしてくれました。
──商業施設に設置するアートを作るときは、どのようなことを意識するのでしょう？ 塩内：「Natural Artifacts」はサイトスペシフィックな（特定の場所に存在するために作られた）作品なので、寸法や素材もすべて空間に合わせて考えているんですよ。たとえば建物の構造に対してボリュームがどうしたら美しく見えるのかなどを、徹底的に考えます。スケッチアップの段階で、「間違いないだろう」と踏み切れたら、ペラペラな紙に印刷して何回も現地でアタリをつける。そしてようやく実際の作品を制作する、という流れですね。実はかなりアナログな手法なんです。 矢口：「Discharge」については、『HAERA』の2階にある三角形のくぼみのようなスペースに飾るのが、サイズや照明の関係でベターだという判断になったんです。そこから設置する高さや、パーツ一つひとつが最も美しく見える角度を探りました。 ──「Discharge」は、構成するパーツの材質が異なるところが目を引きます。 塩内：パーツの素材は最後に決まりました。ネロマルキーナや蛇紋石のような大理石と木材、アルミ無垢材をコラージュのように配置しています。 矢口：単純な形状の連続なのですが、そこでどんなリズムを生み出すかを意識しましたね。 塩内：長く残るものなので、形状はクドすぎない方がいいと思うんですよ。 矢口：素材の仕上げには僕の好みも反映されていますね。大理石は「本磨き」というツヤツヤに光沢を出す方法が一般的なのですが、今回はあえてマットな「水磨き」を採用しました。
個人史の堆積を、商業空間に。
制作の先に見えた地平
──「洞窟」をテーマにした「Accumulation of history」は、立体的に削り出した無垢材のヒノキやスギ、ケヤキを縦に積み上げた作品です。現在の形に至るまでには、かなり造形の変化があったそうですね。 塩内：そうですね。最初から今のような積層した形を考えていたわけではありません。出発点にあったのは、NOWが地下1階の空間に設定していた「洞窟」というテーマです。最初はそこから連想して、お椀のような形を重ねたり、洞窟そのものを抽象化したような造形を考えていました。3Dプリンターで何度か模型も作ったのですが、なかなか作品としての強度が出なかったんです。 ──当初は全く異なるアプローチを想定していたのですね。 塩内：そうですね。その頃、NOWから、立体物が積み上がっているイメージを共有してもらいました。それがひとつの転換点になって、「洞窟」というモチーフをそのまま形にするのではなく、長い時間をかけて物質や地層が堆積していくように、異なる形態を積み上げていく方向へ発想が変わっていきました。同時に、自分自身の過去にも立ち戻りました。学生時代、名古屋の画塾で最初に学んだ表現が、丸や三角、四角のような基礎的な図形で画面を作る「平面構成」だったんです。それを今度は二次元ではなく三次元でやってみようと。だからこの作品には、洞窟のような自然の時間だけでなく、自分が表現を学び始めた頃から現在までの個人史も積み重なっています。それが「Accumulation of history」というタイトルにもつながっています ──そこから、矢口さんが制作に加わっていったのでしょうか？ 塩内：積み上げるという大きな方向性が見え始めた頃に、矢口くんにも相談しました。そこから、実際にどんな形状や素材で成立させるのか、どうすれば空間の中で作品として強度を持てるのかを一緒に詰めていきましたね。 矢口：基本的なコンセプトや積層する方向性はすでにあったので、僕はそこから立体としてどう成立させるかを考えていきました。この作品は、名古屋でも数社しか所有していない5軸加工という技術で作られているんです。 塩内：愛知県にある「Artistry」さんという家具メーカーですよね。素材についても、そこからかなり検討しました。 ──「Natural Artifacts」を手掛けるにあたり、二人が感じたことはありますか？ 矢口：最初に話を聞いた時はワクワクしましたね。こんな大きいプロジェクトに携われることが嬉しいですし、何よりそれを発注してくれたのが顔馴染みの塩内くんだった。それがとにかく新鮮でしたね。13年前に飲み歩いたり、仕事をした仲間と、まさかこんな形でまた一緒にプロジェクトができるとは思わなかったです。 塩内：矢口くんは立体的な構造における細かい知識を持っていたので心強かったし、勉強になりました。それに、素材のバランスとずっと向き合ってきた人の感覚はやはり参考になりますよね。人工物と自然物を隣り合わせたときの見え方や、形状、素材、色に対して「こういうものがいい」と言える肌感覚も大事だなと。矢口くんが携わったことで、自分だけでは辿り着けない場所に行けたと思います。
人が集まるということ。
名古屋で静かに起きた、離合集散
──『HAERA』がオープンしてから、実際に作品の周りを人が行き交っています。製作した側としてはどのような感覚なのでしょうか？ 矢口：設置のタイミングで見たのが最後なので、僕はまだ営業中の光景を見ていなくて（笑）。 塩内：僕が嬉しかったのは、常設した日からSNSでメンションがたくさん飛んできたときですね。みんなちゃんと作品を見てくれているんだなと。あと、親戚の中には『HAERA』の一般向けレセプションに参加したり、雑誌で僕が「Natural Artifacts」について語った記事を読んでくれた人もいて。僕が自分のアイデンティティを表現していることを、血の繋がっている人が喜んでくれたのも、印象的な出来事でした。
──今後、「Natural Artifacts」という作品とどのように接してほしいですか？ 塩内：じっくり向き合ってもらいたい、というのは大前提で、それぞれのキャプションに実は『HAERA』の公式サイトで僕のことが分かるQRコードが載っているんですよ。そこからぜひ芸術やポストモダンのことをリサーチしてもらったり、僕に関連する記事を見てもらうことが、何かブレイクスルーのきっかけになったら嬉しいです。純粋な画家やデザイナーとは違って、僕はクリエイティブディレクターやアーティスト、『ハナマルキ』のCCO、京都精華大学の評議員など肩書きが多いタイプで。あまり好きな言葉ではないですが、「スラッシャー」とも言ったりしますね。そんな複眼視点の人がこの時代に領域を超えたユニークなモノづくりをやっていることを知れば、活動方針を考える上でひとつの支えになるのかなと思います。 矢口：「Natural Artifacts」が置かれた空間デザインについては塩内くんはいかがでしょうか？ 塩内：そうそう、実は『HAERA』の空間デザインを担当しているNOWの鈴木 弦さんとも20年近い付き合いがあるんですよ。彼の兄も親友で、その周りの人たちとも交流があった。僕が20歳くらいのときは宇田川町のクラブで毎月みんなとイベントをオーガナイズし、DJやVJをやっていて。そんな付き合いの長い人たちと、今こうやってコラボレーションできるのは面白い話だなと。交わったり離れたりしながら歴史が続くような、仏教の言葉で言う「離合集散」を実感しました。 ──まさしく先ほど塩内さんがおっしゃった、作品を通じて人と人が交流する“場”ですね。 塩内：あと、もう一つ興味深いのが、かつてイベントという刹那的なものを作っていた自分たちが、空間デザインや常設展示といった、長く形に残るものを作っていることですよね。そんな時間軸の転換も大事なことなのではないかと。若い時は「軽くて」「速くて」「安い」ものばかりを追い求めていましたが、感性と知識と経験を備えたことで、「重くて」「高くて」「遅い」ものに耐えられるようになってきた。つまり、耐用性のあるものを作れるようになった。そのためには、瞬間的な創作とは比べ物にならないほど、コストやリスクがかかることもある。それでも、そんなリスクを負った上で表現することが、作品の出力や耐用性を圧倒的に高めるきっかけになる。何もかもが加速する今の時代において、そんな経験がデザイナーやアーティストの創作のヒントになったら嬉しいです。
塩内 浩二 | KOJI SHIOUCHI 株式会社カトレヤトウキョウ代表取締役。クリエイティブディレクター／アーティスト。ハナマルキ株式会社CCO（チーフ・クリエイティブ・オフィサー）、学校法人京都精華大学評議員。 1985年愛知県生まれ。英国留学後、京都精華大学デザイン学部ビジュアルデザイン学科卒。2013年、クリエイティブコレクティブ「Cattleyatokyo™」を設立。これまで10年以上にわたり、ファッション、音楽、アート領域を中心に、アートディレクション、グラフィックデザイン、映像、プロダクトデザイン、インスタレーションなどを通して、集団的創造による文化醸成に寄与している。 コレクティブ名義での展覧会に加え、個展を「OIL by 美術手帖」にて発表するなど、アーティストとしても精力的に活動。2024年6月よりハナマルキ株式会社のCCOに就任し、2024年12月より学校法人京都精華大学評議員に就任。ファッションブランドFlexible Visual SPCE™ではディレクターとして、ブランドの世界観構築やクリエイティブディレクションにも携わっている。 2025年には東京・目黒に、創造・交流・発信を目的とした文化複合拠点「CCI Creative Complex®」を開設。アート、デザイン、ファッション、食、教育を横断する活動を通じて、都市における新たな文化の場づくりを展開している。 Koji Shiouchi official site：http://kojishiouchi.com/ Cattleyatokyo™ official site：https://cattleya-arts.com/ Instagram：@kojishiouchi
矢口周太郎 | SHUTARO YAGUCHI インテリアショップでのバイヤー経験を経て、ヴィンテージ家具を中心としたショップ「YOU ARE WELCOME」を2018年にOPEN 。 70年代以降のモダンデザインや、アート、工芸、古道具やプリミティブに至るまで幅広くセレクトしている。 ショップと並行し、空間デザイン、什器デザイン、セットデザインも手掛ける。 Instagram : @youarewelcome.tokyo
Interview&Text by Koki Yamanashi Photo by Kai Tamaki Edit by Akechi Sanae, Kazuki Hyodo（Qetic）
INFORMATION
REDLINE — INKAR meets KOJI SHIOUCHI
2026年7月31日から8月11日まで、東京・赤坂のFoundationにて「REDLINE — INKAR meets KOJI SHIOUCHI」が開催された。「REDLINE」は、日本発のラグジュアリーブランド〈INKAR〉とアーティスト・塩内浩二氏によるコラボレーションプロジェクトである。 本展では「移動」「未来」「限界の更新」をテーマに、ネオン、抽象絵画、純銀製のキーオブジェ、自動車のドアを再構築したインスタレーション、DJシステム、映像など、多様なメディアを横断した作品を展開。A³｜amana AI architectsと協働した映像作品では、自動車という具体的な移動体から次第にその輪郭が失われ、最後には赤い光の軌跡だけが空間を進んでいく演出が施された。INKARの「KAR」が意味する“魂”や、粒子と波という量子的なイメージも重ねながら、物理的な移動が情報、知性、意識へと拡張していく現代を表現。「私たちは何を運び、誰が次の限界線を引くのか」という問いを、展示空間全体を通して提示する試みとなった。 REDLINE — INKAR meets KOJI SHIOUCHI | OFFICIAL MOVIE(FULL)
FlexibleVisual SPCE™ SEASON №5
塩内浩二がディレクターを務めるファッションレーベルFlexiblevisual SPCE™が2027年春夏コレクション（SEASON №5）の展示会を目黒のCCI Creative Complex®︎にて開催。
皆様のご来場を心よりお待ち申し上げます。
FlexibleVisual SPCE™
COLLECTION SEASON №5
“The Cosmos of Visual Music”
Schedule
2026.09.08 (Tue.) - 9.12 (Sat.)
11:00 – 20:00
Venue
CCI Creative Complex®︎
3-10-11 Meguro, Meguro-ku, Tokyo
東京都目黒区目黒３丁目１０−１１ ヴィント目黒ビル
fvsfvsfvs.com
© Qetic Inc.
]]>京都で熱狂を生んだ＜AMBIENT KYOTO＞が東京へ。坂本龍一＋高谷史郎による「async – immersion」が麻布台ヒルズにて、当時のスケールで再構成される。音と光が溶け合うアンビエントの真髄が、東京という都市空間で立ち上がる。その圧倒的な体験が今、再びここにある。
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京都で2022年6月に始まった展覧会＜AMBIENT KYOTO＞は、アンビエントを単なる音楽ジャンルとしてではなく、音、光、映像、建築、都市空間が一体となった「体験」として提示するプロジェクトである。いわゆる美術展でも、音楽フェスやライブイベントでもない。鑑賞者が会場に身を置き、音や光のゆらぎに耳を澄ませ、時には意識を委ねながら環境そのものを体験する。その独自のあり方が、世代を超えて多くの人を惹きつけてきた。
その原点となったのが、2022年に開催された＜BRIAN ENO AMBIENT KYOTO＞だ。1978年に『Ambient 1: Music for Airports』を発表し、「無視することも、注意を払うこともできる音楽」としてアンビエントを提示したブライアン・イーノ。彼にとってコロナ禍以降、日本初の大規模個展となった本展は、90年余りの歴史を持つ京都中央信用金庫旧厚生センターを舞台に開催された。会場には「77 Million Paintings」「The Ship」「Light Boxes」、反映、速度、そして世界初公開となる「Face to Face」などを展示。音と光が絶えず変化し続ける空間を、鑑賞者が自由に歩きながら体験する形式が大きな反響を呼んだ。
とりわけ象徴的だったのは、作品が固定された「完成形」としてではなく、時間とともに変化し続ける「場」として提示されていたことだ。光はゆっくりと色を変え、映像は一度として同じ表情を見せず、音は空間の中で漂い続ける。そこでは鑑賞者に特定の見方や聴き方が強いられることはない。それぞれの感覚で、その場に身を置くことができる。＜AMBIENT KYOTO＞は、イーノが提示した「アンビエント」という思想を、都市の中に実装するプロジェクトとしてスタートしたのだ。
京都で広がったアンビエントの体験
2023年、規模と内容をさらに拡大した＜AMBIENT KYOTO 2023＞では、前回会場だった京都中央信用金庫旧厚生センターに加えて京都新聞地下印刷工場跡を舞台に展示や朗読作品が展開されたほか、ライブも開催された。2022年のイーノ展がアンビエントの思想を京都に呼び込む試みだったとすれば、2023年はその思想を国内外のアーティストたちが受け取り、それぞれの表現へと展開していくフェーズだった。
なかでも大きな核となったのが、坂本龍一 ＋ 高谷史郎による「async – immersion 2023」である。坂本が2017年に発表したアルバム『async』を基に、音響エンジニアのZAKが35台のスピーカーによる立体音響へと再構成し、高谷は坂本のピアノや楽譜、スタジオのオブジェなどを撮影した映像を、幅26.4mのLEDスクリーンに投影した。音と映像は完全には同期せず、それぞれが独自のリズムで流れていく。鑑賞者はその前に立つことで、通常の時間の流れから解き放たれるような感覚を味わうことになる。 『async』は、坂本龍一が闘病を経て制作した、極めて私的な響きを持つアルバムだった。完成された楽曲集というより、生と死、記憶、時間、自然音、ノイズ、沈黙といった要素を内包する音の断片集でもある。その作品を、ここでは「聴く」対象ではなく「身を置く」空間として再構成したことで、アルバムに封じ込められていた非同期の時間感覚が立ち上がる。
会場となった京都新聞地下印刷工場跡という場所も重要だった。かつて新聞という情報を大量に印刷し、社会へ送り出していた巨大な空間が、音と映像により時間を体験する「場」へと変わる。そこに残された記憶と作品が結びつくことで、京都という都市の歴史と、坂本の音楽が持つ時間感覚が重なり合っていたのだ。 一方、旧厚生センターではコーネリアス、Buffalo Daughter、山本精一が、音、映像、光、霧、香りを用いたインスタレーションを発表した。コーネリアスは20台以上のスピーカーと照明を組み合わせた立体音響作品や、霧・音・光が一体となった体験型インスタレーションを展開。Buffalo Daughterや山本精一も、それぞれの音楽を映像表現と結びつけ、聴覚と視覚が溶け合うような空間を作り出した。
さらに同年は、展示だけにとどまらない広がりも見せた。コーネリアスは国立京都国際会館メインホールでスペシャルライブを行い、ミニマルミュージックの巨匠テリー・ライリーは東本願寺の能舞台で立体音響ライブを披露。小説家・朝吹真理子による朗読作品やエッセイも公開され、音楽、美術、文学が交差するプロジェクトとしての輪郭がより明確になった。
なぜ＜AMBIENT KYOTO＞は人を惹きつけたのか
＜AMBIENT KYOTO＞が多くの人を惹きつけた理由として挙げられるのは、「静けさ」を体験する場であったことだ。近年の没入型展示には、映像や音響のインパクトによって鑑賞者を圧倒するものも少なくない。しかし＜AMBIENT KYOTO＞における体験は、それとは少し異なる。音や光は空間を満たしているが、鑑賞者を一方的に飲み込むのではない。むしろ、そこに身を置く人の感覚や時間の流れに寄り添うように、うつろいながら存在している。 このプロジェクトにおける体験価値は、「没入」というよりも「滞在」に近いのかもしれない。作品と対峙し、何かを理解しようとする必要はない。音を聴いてもいいし、考え事をしてもいい。映像を見つめてもいいし、ただ空間の中に漂っていてもいい。強い刺激によって感覚を奪うのではなく、鑑賞者自身の内側にある感覚をゆっくりと開いていく。そうした「余白」のある体験こそ、多くの人を惹きつけた理由のひとつだろう。
もうひとつ重要なのは、音楽ファンとアートのファンが自然に交差する場だったことだ。ブライアン・イーノや坂本龍一、高谷史郎、コーネリアスら参加アーティストたちの領域が、音楽、映像、現代美術、文学へと広がっていく。それらを個別のジャンルにカテゴライズすることを避け、ひとつの空間体験の中に溶け合わせていったのだ。 そして何より、このプロジェクトは京都という街と深く結びついてもいた。歴史ある建築、地下印刷工場跡、寺院、近代建築。鑑賞者は街を歩き、複数の場所を巡りながら作品に出会う。会場へ向かう道のり、街の湿度、建物の匂い、寺院や路地の静けさ。そうしたものまでもが、体験の一部になった。 つまり＜AMBIENT KYOTO＞は、都市そのものを作品の一部へと変えていったのだ。そこを訪れる前と後では、街を歩く時間、音の聞こえ方、光の見え方が少しだけ変わる。アンビエントとは、特定の音楽様式ではなく、世界との関わり方なのだと気づかされる。その瞬間にこそ、＜AMBIENT KYOTO＞というプロジェクトの本質があるのだろう。
京都から東京へ──「async – immersion」の再構成
2026年8月28日（金）から10月25日（日）まで、麻布台ヒルズギャラリーにて＜RYUICHI SAKAMOTO + SHIRO TAKATANI AMBIENT KYOTO – TOKYO async – immersion＞が開催される。ここで展開されるのは、2023年に京都新聞地下印刷工場跡で大きな反響を呼んだ「async – immersion 2023」の再構成だ。 坂本龍一の没後、東京都現代美術館で開催された大規模個展＜坂本龍一｜音を視る 時を聴く＞でも「async – immersion tokyo」は展示された。ただし、今回の麻布台ヒルズギャラリーでの展示は、2023年の京都版と同じスケールでの展示を東京で再び体験できることが大きなポイントとなる。映像は横幅26.4mのスクリーンでの展開となる。また、音響は会場の麻布台ヒルズに合わせて再構築される。東京にいながら＜AMBIENT KYOTO＞で実現した圧倒的な空間体験を改めて味わうことができる。
坂本と高谷が構築した「async – immersion」は、アルバム『async』に宿っていた非同期の時間感覚を、音と映像と空間へと拡張した作品だった。それが麻布台ヒルズギャラリーの大空間で、どのように立ち上がるのか。京都新聞地下印刷工場跡で感じられた都市の記憶とはまた別のかたちで、東京という都市の時間とどのように重なり合うのか。京都で生まれた＜AMBIENT KYOTO＞が東京で開催されることは、単なる巡回展以上の意味を持つ。京都で体験した人にとっては、その違いを確かめる楽しみがあり、初めて触れる人にとっては、その思想に出会う絶好の入口となるだろう。 同じ作品であっても、都市が変われば、音の響き方も、時間の流れも、きっと違って見えてくる。その違いを体験できることこそ、今回の東京開催ならではの醍醐味なのではないだろうか。
Text by 黒田隆憲 Edit by Yu Oda
EVENT INFORMATION
RYUICHI SAKAMOTO + SHIRO TAKATANI AMBIENT KYOTO – TOKYO
| 日程 | 2026年8月28日(金)～10月25日(日)／無休・59日間の開催 |
|---|---|
| 時間 | 10:00-19:00（土日祝は20:00まで） ※入場は閉館の30分前まで |
| 会場 | 麻布台ヒルズギャラリー（港区虎ノ門5-8-1 麻布台ヒルズ ガーデンプラザA MB階） |
| チケット | 8月上旬発売予定 |
| 主催 | AMBIENT KYOTO 実行委員会（TOW / Traffic） |
| 企画制作 | TOW / Traffic |
| 広報協力 | HOW INC. |
| 特別協力 | KAB Inc. / Dumb Type Office |
© Qetic Inc.
]]>Meta（メタ）が、Meta AIを活用する体験型イベント＜Meta AI Convenience Store…
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誰もがどこにいても、自身の状況を理解し、必要なときにいつでも寄り添い、重要なことを代わりに任せることができるAI、すなわち“パーソナルスーパーインテリジェンス”をすべての人に提供することを目指すMeta。本イベントでのさまざまなミッションへの挑戦を通じて、Meta AIが日常生活のさまざまな場面において役立つことが体感できるはずだ。
EVENT INFORMATION
Meta AI Convenience Store 〜Meta AIで挑む、世界一!? “不便”なコンビニ〜
会期：8月28日（金）～30日（日） 時間： 28日（金）17:30～19:00 29日（土）10:00～19:00 30日（日）10:00～19:00 場所：SHIBUYA SACS 住所：〒150-0031 東京都渋谷区桜丘町16-12 桜丘フロントビル 1F 入場料： 無料 参加条件： Meta AIアプリのダウンロードが必要です。ダウンロードはこちらから（iOS、Android）※ダウンロードは 13歳以上となります。 AIグラスの体験は13歳以上となります。 18歳未満の方は保護者の方同伴のうえ、お楽しみください。© Qetic Inc.
]]>THE NORTH FACE ALTERで開催されたインストアライブ「THINKING OUT LOUD #01」では、さらさとin-dが共演し、ブランド思想を音楽を通じて共有する特別な夜が実現した。販売の場を超え、新たなカルチャー体験と向き合うプラットフォームの全貌をレポートする。
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原宿・神宮前、もう花金なんて言わない金曜の夜。街が週末に向けてざわつき始めたころ、観光客と買い物客が行き交う明治通りが慌ただしい速度で流れている中で、あるスポットもいつもとはどこか異なる雰囲気を醸し出していた。ガラス越しに見えるのはアウトドアウェアの並ぶ空間と、ドリンク片手に会話する人々。店舗の前を通りかかる通行人は、不思議な顔をして足を止める。
「地球の未来を考えるきっかけを提案する」をテーマに、これからの次世代（ミレニアル以降世代）に対して、自然環境に触れる入り口として2019年にオープンしたTHE NORTH FACE ALTER。そこで初開催されたインストアライブが、その名も＜THINKING OUT LOUD #01＞だ。観客は招待されたブランド顧客と関係者のみ。このシークレットな夜の集いは、THE NORTH FACEというブランドの根幹にある主義や思考が、音楽を通して立ち上がる瞬間として目撃された。
ブランドがいま考えている思考を声に出す場
会場入りは19時。入り口でイベント名の入ったクージーとREPUBREWのクラフトビールを受け取って扉を開けると、店舗内では来場者たちがライブのリハをBGMに談笑していた。 THE NORTH FACE ALTERにて、初開催されたインストアライブ＜THINKING OUT LOUD #01＞。本企画は同ブランドが長年大切にしてきた「Exploration（探求）」の思想を、音楽や空間体験を通して顧客に共有することを目的としたイベントであり、そのタイトルからもわかるように、シリーズ企画の初回として位置づけられている。
また〈THINKING OUT LOUD〉というタイトルから読み取れるのは、完成された答えを提示する場ではなく、ブランドがいま考えている思考を声に出し共有する場であるかということ。それはTHE NORTH FACEの「探求とは常に“途中”にある」という姿勢ともリンクしているように感じた。 そしてイベントの舞台となったTHE NORTH FACE ALTERは、いわゆる売り場という言葉では説明しきれない空間。特徴的な円形什器、アーバンな天井、視線が抜けるガラス張りの構造などは、ギャラリーとしてもライブハウスとしても成立する独特な空気感を醸し出している。 「ALTER」は英語で「変えること」を意味するように、ここは変化を前提とした存在とも言えるだろう。売るための場所でありながら、何かを体験するための場所でもある。今回のようなインストアライブは、想定された可能性のひとつが実現した良きケースと言えるのかもしれない。
店舗空間でさらさとin-dのライブセッション
この日のライブでまず登場したのは、SOUL・R&B・ROCKなどあらゆるジャンルを内包した楽曲を届ける、湘南出身のシンガーソングライター・さらさ。デビューから1年で〈FUJI ROCK FESTIVAL '22〉出演を果たし、その後も国内外の大型フェスに多数出演。加えて、美術作家・アパレルブランドのバイヤー・フォトグラファー・フラダンサーなどマルチに活動の場を広げている。
「どんな人たちがいるのかワクワクしながら来ました。一緒にゆったりとした時間を過ごせたらと思います」とさらさが話し始めて、ライブはスタート。1曲目の“Amber”でしっとりと観客を音の世界に誘うと、“朝”では「いい感じでいたい、いい感じで」とコール＆レスポンスをリクエスト。ややシャイな東京の民は始めこそ控えめだったが、ラストは穏やかな合唱が会場内に響いた。 緊張が解けた耳と心に、白黒つけられない部分に価値を見出す“グレーゾーン”や、「聞き分けのない私を許して」から始まるサビが印象的な“祝福”が染みる。そして「絡まったまま 踊り続けてる 夜が溶けるまで」と情感たっぷりに歌い上げる“Thinking of You”でフィナーレを迎えた。
続いて登場したのは、THE OTOGIBANASHI'S・CreativeDrugStore・Summitのメンバーでラッパーのin-d。DJのBanri Kobayashiと“output”で始めたライブは、続く“Afterglow”で早くもヒートアップ。「自分もいただきます」とビールを煽ったあとの“Familia”は、「今も過去も大好きな金曜日」というリリックをこの日に合わせて来たのだろう。in-dの地元である湘南・藤沢での日常を切り取った”weekday“は、個人的ながら藤沢住まいの筆者に最も刺さった（はず）。
「自分は今33（歳）ですけど、10年以上前にTHE NORTH FACEとお仕事をさせてもらって、そこから担当の方にはプライベートでもすごくお世話になっているので、こういう形でまた一緒にできるのはすごく光栄です。あとやっぱり僕は週末がすごく好きなので、みなさんに金曜日という貴重な時間をいただいてライブをできるのがうれしい、ありがとうございます」（in-d）
MCを挟み、自身のルーツを綴る“Roots&Leaves”でライブはリスタート。ライブ後半戦は、「いい夜になりそう」ではなく、「いい夜になっている」ことを感じた“atarayo”、東京の夜とリンクする“On My Way”、メロウで浮遊感のあるサウンドに揺れる“Cloud”を披露。そして夏が待ち遠しくなる“Ice Coffee”で、終始タイトなラップを披露したin-dのライブはひとまず幕を閉じた。
ただし、このメンツで、アノ曲をやらないわけはない。本当のラストは、in-d がさらさを客演に迎えて2025年に発表した“この街”。湘南出身のふたりが、今いる街での日々のリアルな行動や風景、気持ちを描き出す1曲は、観客それぞれの“この街”を思い起こさせたことだろう。
カルチャーと向き合う持続的なプラットフォーム
本企画では、店舗の特性を活かしてあえてステージを設けず、観客とアーティストの距離を極力縮めることで、音楽を特別なものにしすぎないという設計がなされていたように思う。そしてその結果、ALTERは単なる売り場ではなく、ブランド思想を体感できる場として機能した。 出演したin-dとさらさという2組のアーティストに関しても、派手な演出ではなく言葉の質感や内面性を重視するアーティストであり、そのセレクトも〈THINKING OUT LOUD〉のコンセプトと明確に呼応。そしてライブを観終わって、「このアーティストのライブをこんなに間近で観られるなんて贅沢だな」と改めて感じた。ファンからしたら羨ましいだろう。実に東京らしい光景だ。
また、in-dとさらさがTHE NORTH FACEのプロダクトに身を包んでいたが、あくまでも商品を主役にはせずにブランド思想が伝わる空間とライブを共有し、顧客と同じ時間を共に過ごすことに価値を置く手法は、THE NORTH FACEが目指すコミュニティ形成と強く結びついている。音楽はそのための刺激的かつ実験的な装置であり、同時に思想を翻訳する言語でもあった。 〈#01〉と付けられた本イベントは、明確に“続き”を前提としている。出演者・場所・形式は今後変わっていくのだろうが、それでも思考を声に出す場、顧客と共有するという軸はきっと変わらない。THE NORTH FACEがカルチャーと向き合う持続的なプラットフォームに、〈THINKING OUT LOUD〉はなり得るだろう。その第一歩として、今宵は非常に示唆に富んだ体験となった。
Text by ラスカル（NaNo.works） Photo by Ryoma Kawakami
© Qetic Inc.
]]>京都を拠点に「アンビエント」をテーマにした「音」と「アート」、そして「空間」により構成される展覧会〈AMBIE…
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1984年、京都市立芸術大学在学中に「ダムタイプ」のメンバーとして活動を始め、様々なメディアを用いたパフォーマンスやインスタレーション作品の制作に携わり、世界各地の劇場や美術館、
アートセンターで公演や展示を行う。1998年からダムタイプの活動と並行して個人の制作活動を開始。近年の主な活動としては、2021年、坂本龍一とのシアターピース『TIME』をオランダ・フェスティバルで世界初演。2022年、ダムタイプは坂本龍一を新メンバーに迎え、ヴェネチア・ビエンナーレ国際美術展・日本館で新作《2022》を展示。2023年にアーティゾン美術館（東京）で、ヴェネチア・ビエンナーレ帰国展「ダムタイプ｜2022: remap」展示。2024年春『TIME』を東京・新国立劇場およびロームシアター京都で上演。現在、インスタレーション《WINDOWS》を、ミュージアムタワー京橋（東京）で展示中。
EVENT INFORMATION
RYUICHI SAKAMOTO + SHIRO TAKATANI AMBIENT KYOTO - TOKYO
日 程：2026年8月28日(金)～10月25日(日)／無休・59日間の開催 時 間：11:00～19:00(最終日のみ18:00終了) 会 場：麻布台ヒルズギャラリー（港区虎ノ門5-8-1 麻布台ヒルズ ガーデンプラザA MB階） チケット：8月上旬発売予定 主催：AMBIENT KYOTO 実行委員会 (TOW / Traffic) 企画制作: TOW / Traffic 広報協力: HOW INC. 特別協力: KAB Inc. / Dumb Type Office X | Instagram | Facebook© Qetic Inc.
]]>韓国のフォトグラファーキム・ヨンジュンとアートディレクター吉田ユニによる写真展「Face to face」が麻布台ヒルズギャラリーで開催中。長澤まさみ、イ・ビョンホンら日韓俳優62名の新作ポートレート124点を展示。
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韓国のフォトグラファー、キム・ヨンジュンと、日本のアートディレクター吉田ユニによる写真展『Face to face』が、5月28日（木）まで麻布台ヒルズギャラリーで開催中だ。 本展は、両者による初のコラボレーションとなる写真展であり、日本と韓国を代表する俳優62名が参加。それぞれ2点ずつ、計124点の新作ポートレートが展示される。 長澤まさみ、広瀬すず、小松菜奈、オダギリジョー、坂口健太郎ら日本の俳優に加え、イ・ビョンホン、ソン・ヘギョ、パク・ヒョンシク、チュ・ジフン、キム・ダミら韓国の俳優が参加。“今”のアジアを象徴する顔ぶれが一堂に会する構成となっている。
「花」を通して引き出される人間の本質
本展のテーマは「人間の最も本質的な美しさ」である。 作品は「花」をモチーフに構成されており、俳優一人ひとりの個性や存在感を引き出す形で撮り下ろされている。吉田ユニは、「最初はお花と決まっていたわけではないのですが、少し進んだ段階で、お花をテーマにするのもいいかもねとなり、そこからすべてお花で、俳優さんに合ったイメージに仕上げました」と語っている。 また、キム・ヨンジュンは、「今回ユニさんと作業しながら驚いたのは、各人物に合った、その俳優が持つ魅力やオーラをさらに引き立てるアートワークを、毎回新しく見せてくださった点で、本当に感激しました」とコメント。 単なるポートレートではなく、吉田ユニによるビジュアルディレクションと、キム・ヨンジュンの写真表現が重なることで、被写体の内面にまで踏み込んだ作品として成立している。
Face to faceという体験
タイトルに掲げられた『Face to face』には、被写体と真正面から向き合うという意味が込められている。 キム・ヨンジュンは、「俳優さんたちのポートレートを携帯の画面で見ることが増えている中で、大きな作品として見てもらう機会をつくりたくて、今回のタイトルを『Face to face』にしました」と語る。 スマートフォン越しではなく、実際のサイズ感で人物と向き合う体験そのものが、本展の重要なテーマとなっている。 会場では、麻布台ヒルズギャラリーの空間を活かし、作品だけでなく撮影に使用された要素も展示。吉田ユニは、「写真1枚1枚がしっかり見えるように全体としてはシンプルに見せながらも、空間の中に少しずつ撮影に使った要素を遊び心のように散りばめています」とコメントしている。
また、キム・ヨンジュンは、「ポートレート写真展なので、まずは『人物がしっかり見えること』を最優先に考えました」と話しており、作品に使われた小道具なども空間内に配置。“シークレット的な要素”も楽しめる構成となっている。 ポートレートを“鑑賞する”だけでなく、“対峙する”体験として提示する点も、本展の大きな特徴である。 作品に参加した八木莉可子らゲスト陣も会場を訪問。ポートレートと空間演出が重なり合うことで生まれる、本展ならではの没入感を体感した。
日韓クリエイティブの交差点
キム・ヨンジュンは、雑誌や広告、映画・ドラマポスター、BTSなどのアーティストビジュアルまで手がけるフォトグラファーである。 一方の吉田ユニは、広告や音楽アートワークを中心に国内外で評価されるアートディレクターである。 今回のコラボレーションについて吉田ユニは、「私も普段の作品とは違って、フォトグラファーの視点が加わることで新しい世界が広がったと感じました。特に、短い時間で俳優の自然な表情を引き出す力はすごく印象的で、その瞬間性が作品の魅力になっていると思います」と語る。 また、キム・ヨンジュンも、「今回のコラボレーションを通して、ポートレート撮影に対する視野やアプローチが大きく広がったと感じています。これまでは『自分がうまく撮れればいい』と考えていた部分もありましたが、一緒に制作することで、自分では表現できない領域を補い合えることに気づきました」と振り返っている。 それぞれの領域で確立された表現が交差することで生まれた本展は、単なる写真展にとどまらず、アジアにおけるビジュアルカルチャーの現在地を示す試みとも言えそうだ。
Text&Edit by Qetic編集部
INFORMATION
＜KIM YEONG JUN × YOSHIDA YUNI PHOTO EXHIBITION『Face to face』＞
| 会期 | 2026年4月29日（水・祝）〜5月28日（木）※会期中無休 |
|---|---|
| 時間 | 11時〜21時 |
| 会場 | 麻布台ヒルズギャラリー |
| 住所 | 東京都港区虎ノ門5-8-1 麻布台ヒルズ ガーデンプラザA MB階 |
| 料金 | 一般 2,200円（税込） / 大学生・専門学生 1,500円（税込） / 中高生 800円（税込） / 小学生以下 無料 |
| 内容 | 日韓俳優62名による新作ポートレート124点を展示 |
© Qetic Inc.
]]>MoMoの1stアルバム『BLUE DREAM』には、晴れ渡った大空のような解放感と、コンクリートジャングルで…
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INTERVIEW MoMo
LAで触れた”一音”への執念と、制作の流儀
──1stアルバムがまもなくリリースということで、まず最初にここ最近の心境だったり、今のムードを教えていただけますか
やっぱりアルバムが完成したので、クリアというかすっきりしたムードです。ただ今回、LAのスタジオで一緒に制作したプロデューサーだったり、ソングライターの人たちの、一音にかける執念や、制作のスピード感を間近で見てて、”この世界のトップクラスの当たり前”みたいなのをすごい吸収してきて、次どういう作品を作ろうかみたいなところも考えてたりします。──そのLAで感じた”一音に対する執念”って、具体的にはどんなところに表れていたんですか？
メロディーにある若干の半音のずれとかだったりとかです。向こうのプロデューサーさんは「これの方がフローがいいよね」とか、歌詞っていうよりも、このリズムがどういうふうにフローしていくかっていうところにすごい重きを置いていた気がします。──そのために歌詞自体を変えることもありますか？
歌詞を変えることもあります。言葉尻がちょっと余ってるとハマらないんですよね。特に速い曲とかだと。「この歌詞、いいけど変えたくない」っていうときもあるんですけど、結局はその流れを一番重要視してるかなっていうところは感じました。あとは今回、コライトで一緒に入ってくれる海外の人がすごく導いてくれました。英語が第二外国語の自分にとっては、そのネイティブが入ってくれることで、自分の絵が実際に曲に表れる感じがあって。そこはすごく大きかったです。──そうすると、いろんな共同制作があったことで、ご自身の中でもかなりスキルが上がった感覚がありますか？
ありますね。あっちの人たちは曲を書く速度が本当に早くて。一曲を2時間で仕上げたりとか。その中で”いかにフローを崩さずにセッションするか”っていうのは、すごくプレッシャーも感じましたけど、修行の部分でもありましたね。
──その流れで、今回の1stアルバムの制作中で、MoMoさん自身の中で何が変わったのかを聞かせてください。以前のインタビューで「今はジャンルやカテゴリーを強く意識するというより自由な気持ちで作っている」とおっしゃってましたが、そうした自由さって、今回の1stアルバムではどう表れていますか？
一言で言うと、「自分はこうあるべきだ」みたいなリミッターを外したことかなって思ってます。バークリー音楽大学で習ったこととか、テクニカルなこととかは一回外して「今の自分が感じて心地いいものを作ろう」っていうことを意識してました。──リミッターを外したというと？
今までは「これってお客さんに受けるかな、受けないかな」みたいな基準で考えてたんですけど、LAでは”自分の自由の中でどういうふうにいい作品が作れるか”っていうところに、みんながすごい向き合ってて。そこにかなり影響されましたね。──そんな影響の中で改めて「音楽って面白い」と思った瞬間はありましたか？
ありましたね。一緒にスタジオに入るミュージシャンも、バイブスが合う人が多くて、音楽を通じてコネクションがすごく深くなるっていうのは面白いなって思いました。セッション後も未だに連絡取ってますし、一回しか会ったことないのに、また次につながっていくっていうか。良いケミストリーを感じました。
固定観念を外して、自分の言葉で歌うまで
──今回の制作期間は、単にアルバムを作ったというだけじゃなく、音楽との向き合い方自体が少し変わった時間でもあったのかなと思います。過去作のときと比べて、ご自身の中で変わったところはありますか？
「固定観念に囚われないで、そのときの心情で書く」みたいなほうに、シフトしていったかもしれないです。以前はそう考えていても、やっぱり気にしてたところがあったんですけど、今回は結構弾けたというか。固定観念がなくなっていった感覚ですね。──その固定観念がなくなっていく感じ”という意味では、誰かと作ることもかなり大きかったのかなと感じました。今作では笠原瑠斗さんだったり、reinaさんやZINさんとコラボしてますよね。誰かと作りあげることは、1人で表現することとはどんな意識の違いがありましたか？
「自分が元々書いてるストーリーラインか、あんまり外れないように書いてくださいね」とは伝えてて。ただあまり縛りを設けたくはなかったので、自由度は保ちながらも、決まっているストーリーラインをどうキャッチボールして曲にしていくかは、すごく大切にしていました。相手の才能を潰さないように、みたいな。そこは結構難しいところでもあったけど、楽しかったです。──1人で書いたときより大きいものが返ってきた感覚もありましたか？
そうですね。自分の中にはない感覚や、自分の引き出しにはない言葉に触れられたのは大きかったですね。「その表現、面白いな」と思うことも多くて、新しい発見という意味でも学ぶところがすごくありました。
──その話の延長で伺いたいのですが、以前のインタビューで「日本にいる以上、どこかでJ-POPを意識してしまっていた」というお話もありました。R&BやNeo-Soulのような欧米で生まれたジャンルに日本語でアプローチすることに、難しさを感じることはありましたか？
日本語は語尾が多かったり、言葉がどうしても長くなっちゃうので、それをメロディにはめ込むのが難しかったんです。でも今回は英語と日本語をミックスして作ってるので、そこはあんまり考えすぎず、自分のやりたいように表現していったっていうのはありますね。他のコラボレーターの方が一緒に入ることで、自然に自分の言葉で日本語を書いたみたいな感じですね。──固定観念にとらわれなくなったことで、変化していった感覚ですね。
ありのままの自分でいていいんだと思いましたし、そのとき、その場所で「私はこの言葉を言いたい」と日本語で自然に思えたんです。だから、そこを無理に”絶対に英語じゃなきゃいけない”と縛る必要はないなとも感じました。やっぱり自分は日本人ですし、リスナーの方にも自分の音楽が持つ意味をちゃんと受け取ってほしいと思って、そういう要素も取り入れました。──その変化って、手応えとしても返ってきていますか？
感じますね。コラボしてて、自分の歌詞を見てくれて「あ、これわかる」とか言ってくれたときに、人に共感してもらえる歌詞をちゃんと書けてるなって感じました。──今回『BLUE DREAM』に寄せていた「言葉の壁を越えて音楽そのもので聴いてほしい」というコメントもすごく印象的でした。MoMoさんにとって、その”音楽そのもの”ってどういう感覚なんでしょう。
音楽そのものは、言葉とか理屈で表せないものですね。自分のエネルギーだったり、バイブスそのものだなと思います。考えるものっていうよりも「そのときの自分がどういう心情でいるか」っていうふうに感じてます。
自分の物語を音楽に託すということ
──日本にも素晴らしいR&BやNeo-Soulのアーティストはたくさんいて、ライブシーンも豊かで、日々「いいな」と思う音楽に出会える。でもその一方で、ヒップホップやJ-POPのようにメインストリームのど真ん中には、まだ出てきづらいジャンルでもあると感じています。そんな中で、MoMoさんは今、日本のシーンでR&BやNeo-Soulを表現することに、どんな意味を感じていますか？
確かにR&Bとかって流行りづらいというか、やっぱりポップスが一番になって、その後にロックとかもありますよね。でもその流行りに左右されない、エバーグリーンな価値があるなっていうふうに自分は感じてますね。R&Bはソウルをはじめとする深いルーツの上に成り立っていて、長い歴史の中で育まれてきた音楽でもあると思っています。心の叫びのようなものを宿した音楽でもあるからこそ、流行に左右されないことも大事にしています。──そこから作品の中身の話に入っていきたいんですが、今回のアルバムって、ここまで伺ってきた"自由になれたこと"とか、"固定観念がなくなったこと"とか、そういうものが具体的に音楽に表れている印象でした。その象徴のひとつが、やっぱりタイトル曲でもある「BLUE DREAM」なのかなと思っていて。タイトルを決めた理由と、この曲自体のエピソードを聞かせてもらえますか？
今回この 「BLUE DREAM」って名前にしようと思ったのが、LAに行ったときの突き抜けるような大きい海と空と、東京に帰ってきたときのコンクリートジャングルの対比です。東京出身ってこともあって、この色の差をすごく感じて、ブルーっていう言葉は絶対入れたいなって思いました。ドリームっていうのも、LAで感じた非現実感からです。普段Ye（カニエ・ウェスト）とやってるような人たちがいたり、ご飯を食べてたらアーノルド・シュワルツネッガーさんが来たりとか。そういうのをすごい感じて、このタイトルにしました。──曲自体にも、かなり個人的な感情が入っていますよね。
これは当時付き合っていた彼と別れて、そのときに何を書こうかみたいな始まりでした。「今、何を私は思ってる？ 確かに毎日眠れないし」みたいな、そういう別れた後のジャーナルみたいなものの中から、言葉をピックアップしたっていうのはすごく大きかったです。でもこの曲って1人で歌ってもただの日記みたいになっちゃうから「どうせならもう1人、女性シンガー入れてやりたい」ってずっと相談してたんです。それで話し合ってreinaさんに決めました。reinaさん、すごいソフトに歌うじゃないですか。私と本当に対照的で、逆に一緒に歌ったら面白いんじゃないかって。──reinaさんが参加することで、バランスが生まれた感覚があったんですね。
そうですね。年齢も離れているしたまたまなんですけど、出会いに運命を感じた部分もありました。──なるほど。笠原さんとの曲も気になります。
笠原さんとの曲はあらかじめ、「こういうストーリーに基づいて男女が会話してるような感じで書いて」っていうのがあって、彼が持ってきた歌詞をベースに、一緒にスタジオに入って微調整しました。ZINくんとの曲もそうですけど、男女が喋ってる感じが好きなんですよね。笠原さんの声もすごいディープで、ちょっとかすれてて。──今回のアルバムって、かなりダイレクトな表現も多いですよね。自分の中で思っていたことを、以前よりも自然に出せたというお話もありましたけど、その感覚に近い曲でもあるんでしょうか？
そうですね。たまに、その場の空気で言葉を入れてしまったりとかもあるので、”このラインに深い意味はない”っていうときもあるんですけど、普段からメモしている言葉のストックから拾うことも多いです。「届きそうで届かない、消えそうで消えない」とかもノートから拾いましたね。──「MY FATE」ってタイトルも象徴的ですよね。
実は最初は曲名が「SHOW YOU」だったんです。ただ笠原さんが北海道からレコーディングに来る日に大雪が降ってしまって。ほとんど欠航の中で彼の便は奇跡的に飛んで、これはもう運命だなって、それで 「MY FATE」にしました（笑）。──（笑）。かなりリアルな体験が、そのまま楽曲に反映されていくんですね。
だから作り終わった後は記憶喪失みたいな。「どうやって書いたんだろう」みたいな感じでした。──相当エネルギーが必要な作業だったんだろうなと感じます。
うん、そうですね。1回ちょっとガーッとみたいなのはありましたし、今はかなり完全燃焼に近いです。──少しキャリア全体の話にも戻りたいんですが、バークリーで学んで、海外の制作環境にも触れながら、日本で活動してきた中で、今振り返って「遠回りじゃなかったな」と思える経験ってありますか？
アメリカに行って、音楽大学に行って、いろんな音楽の基礎を学んだことですね。最初これって自分にいるのかなとか思ってたんですけど、そこで学んだことって、やっぱこっちに帰ってきて絶対できなかったことだし、レコーディングのときとかも、自分の声域が日本に帰ってきて上がったなって感じたこともあったので。あとは海外のプロデューサーが来ても、コミュニケーションが円滑にできるし、あの4年間は無駄じゃなかったなって感じました。
──そのうえで、1stアルバムのリリースというのは大きな節目でもあると思います。今その節目に立ってみて、昔の自分が思い描いていたキャリアと比べて、違う場所に来た感覚はありますか。それとも、ここに向かって突き進んできた感覚でしょうか？
「プロとしてこのキャリアを築きたい」と思ってからは、突き進んできた感覚ではありますね。ワーナーミュージックさんだったり、マイカホリックスさんだったりと、海外的な考え方ができる。そういう意味でも今、自分がいる環境はすごく大きいです。何より、自分のやりたいことができてるので。その上で英語っていうのを自分の強みだとも思ってます。日本語だけだと、やっぱり海外に出づらいっていうのもあるけど、”自分のやりたい音楽を、今もちゃんと続けてできている”ってところが大きいんじゃないかなって思います。
──最後に1stアルバムが出た先の話を聞かせてください。ここがゴールではなくて、むしろスタートだとも思うんですが、これからMoMoさんが日本で鳴らしていきたい音楽って、どんなものですか？
確かにアルバムがゴールじゃないので、リリースを経て、日本人の人により多くの人に聴いてもらえたらいいなって思います。英語だから聴かないって思っちゃう人もいると思うんですけど、そこをどういう風に乗り越えて、より多くの日本人リスナーにも聴いてもらえるかなっていうところもすごく重視したいなと思ってます。合わせてもちろん海外もそうです。海外のリスナーにも聴いてもらいたいし、その両方をやっていきたいです。──最後にもうひとつだけ。以前、「自分が音楽で救われてきたから、自分の音楽で誰かを救いたい」というお話をされていましたよね。1stアルバムが出る今も、その信じているものは変わっていないですか？
変わってないですね。自分の積み重ねてきた先にだけ訪れる奇跡みたいなものってあると思うんです。自分の歌を聴いてもらって「勇気が出た」とか、「辛いこと乗り越えられた」とか、友達やリスナーから言われるのが一番嬉しいです。音楽をやっててよかったって思う一番の理由です。
Photo：Kana Tarumi
Text：Kaede Hayashi
MoMo
幼少期より都内の教会でゴスペルに触れ、歌うことに目覚める。90年代〜2000年代のR&Bを中心に影響を受け、高校卒業後は単身渡米。現地のプロデューサーやソングライターと制作を重ねながら、シンガーソングライターとしての活動を本格化させる。英国やタイでのライティングキャンプにも参加し、JAZZ／HIP HOP／SOULを昇華したジャジーかつオーガニックなサウンドと、繊細さと力強さを併せ持つボーカルで独自の存在感を確立していく。
2021年10月、配信シングル「Faces」をきっかけにアーティスト“MoMo”として本格始動。2023年にはLOVE SUPREME JAZZ FESTIVALへの出演を果たし、同年EP「Jaded」をリリース。続く2024年にはEP「FlowinTokyo」、シングル「Shirley」を発表するなど、精力的に作品を発表した。
2025年3月には、Apple Musicの国際女性デー企画において日本人唯一の代表アーティストとして選出され、Doja CatのWOMANをカバー。同年8月にはEP「KTST」をリリースし、国内外のクリエイターとの交流を深めながら活動の幅を広げた。
2026年に入り、「JUICE」「MIDNIGHT GLOW」などのシングルを立て続けにリリース。ロサンゼルスでの制作を経て完成した、自身初のフルアルバムBLUE DREAMを2026年4月29日にリリース予定。 LAの空気と自由な感覚の中で生まれた本作では、英語と日本語を自在に行き来しながら、ポジティブなエネルギーと揺れ動く感情の両面をリアルに表現している。
ジャンルや言語の境界を越え、グローバルな感性で自己表現を続けるR&Bシンガーソングライターとして、今後さらなる飛躍が期待されている。 More Info｜Instagram｜X｜YouTube｜TikTok｜Spotify｜AppleMusic
INFORMATION
1ST ALBUM「BLUE DREAM」
2026.04.29 (WED) RELEASE
詳細はこちら© Qetic Inc.
]]>バレンタインシーズンの到来に合わせ、作家 NARIによる雑貨ブランド〈LITTLE FUNNY FACE〉が、…
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“アートをもっと身近に、日々の生活に取り入れてほしい”という想いから、作家 NARIがスタートした雑貨ブランド〈LITTLE FUNNY FACE〉。バレンタインシーズンに向けて開催される今回のポップアップでは、3種のハート型クッキーがたっぷり詰まった限定デザインのクッキー缶をはじめ、裏面にメッセージを書き込める便せん付きのドリップバッグなど、贈り物の季節にぴったりなアイテムが数多くラインアップ。
描き下ろしのメインビジュアル作品を再現したウォール展示が目を惹く入口を通り抜けると、会場には、NARIによる作品や、タトゥーのような繊細な刺繍をあしらったスウェットなどのアパレルグッズ、新作アイテムが散りばめられ、ギャラリーショップを覗くような感覚で彼女のアートを楽しむことができるという。
〈LITTLE FUNNY FACE〉の世界観を感じられる特別なマーケットで、大切な誰かへ、いつも感謝しているあの人へ、そして自分へのご褒美として、愛に溢れたショッピングを楽しんでみてはいかがだろうか。
EVENT INFORMATION
HAPPY VALENTINE'S DAY
会期：2月4日（水）～2月17日（火） ※2月6日（金）のみ休館日 会場：ISETAN Seed POP UP STORE 伊勢丹新宿店本館1F イセタンシード© Qetic Inc.
]]>ヒップホップ界のレジェンド NAS（ナズ）と1990年代屈指のプロデューサー DJ Premier（DJプレミ…
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数十年にわたり、ファンに期待を抱かせてきた夢のアルバム『Light-Years』では、全15曲を収録。NASの長年のコラボレーターであるラッパーのAZが唯一のゲストとして“My Story Your Story”に参加。また、“NY State Of Mind Pt.3”には、ビリー・ジョエル（Billy Joel）の楽曲を引用。“It’s Time”は、スティーヴ・ミラー・バンド（Steve Miller Band）の楽曲をサンプリングしたものとなっている。
NASの主宰する〈Mass Appeal（マス・アピール）〉からリリースされる本アルバム。同作は、スリック・リック（Slick Rick）、レイクウォン（Raekwon）、ゴーストフェイス・キラー（Ghostface Killah）、モブ・ディープ（Mobb Deep）、ビッグ・エル（Big L）、デ・ラ・ソウル（De La Soul）ら、ヒップホップ史上最も重要かつ影響力のあるアーティストを称え、彼らにスポットライトを当ててきた同レーベルの画期的なシリーズ “Legend Has It…”の最終章を飾る。
2006年、Scratch誌の表紙を飾り、共同プロジェクトをほのめかしつつも、その後20年間に渡り、発表することのなかった両者によるコラボレーション。ファンの方はもちろん、音楽好き必見の本コラボアルバムは、以下よりチェックしよう。
© Qetic Inc.
]]>〈The North Face〉が、デンマーク・コペンハーゲン発のウィメンズブランド〈Cecilie Bahn…
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コペンハーゲン出身のCecilie Bahnsenによって2015年に創業した〈Cecilie Bahnsen〉は、の繊細なディテールと立体感のあるフェミニンなデザインが特徴のウィメンズブランド。
2025年春夏シーズンに続き、セカンドシーズンとなる秋冬コレクションは、〈The North Face〉の定番アイテムを〈Cecilie Bahnsen〉らしいデザイン美学を取り入れて再構築。アイコニックなヒマラヤンパーカをはじめ、アルパインフットウェアに〈Cecilie Bahnsen〉の構築的なシルエット、フローラルモチーフを融合させ、女性的な力強さや優雅さを表現した。
本コレクションは、10月30日（木）10:00よりGoldwin Online Storeなどにて販売開始。まずは、ビジュアルからアイテムディテールをチェックしよう。
Goldwin Online Store© Qetic Inc.
]]>今年デビュー30周年を迎えたフー・ファイターズ（Foo Fighters）。10月に控える来日公演に先駆け、過…
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EVENT INFORMATION
FOO FIGHTERS LIVE IN 2025
日程：10月8日（水） 会場：さいたまスーパーアリーナ〈追加公演〉 Support Act：マキシマム ザ ホルモン ▶︎ チケット発売中！ 日程：10月7日（火） 会場：さいたまスーパーアリーナ Support Act：おとぼけビ〜バ〜 ▶︎ 完売！ 日程：10月10日（金） 会場：ジーライオンアリーナ神戸 ▶︎ 注釈付き指定席チケット追加販売、決定！© Qetic Inc.
]]>エドブラック（edbl）が、最新アルバム『Archives Mixtape』を6月6日（金）にリリースする。
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2021年からスタートした現行シーンを牽引する多彩なアーティストとコラボレーションしていくmix tapeシリーズの最新作である本作は、ソウル、ネオ・ソウル、R&B、HIPHOPといった幅広いスタイルのサウンドをedbl流に現在進行形のロンドンのサウンドへと昇華した20年代前半のシーンの動向を反映した1枚に仕上がっている。
またエドブラックは、6月17日（火）18日（水）に東京・BLUE NOTE TOKYOにて来日公演の開催も決定した。
RELEASE INFORMATION
Archives Mixtape
2025.6.6（金）
edbl
【Track List】
1.Archives (Intro)
2.Capitan feat. bb sway
3.Better Now feat. Albert Gold
4.By My Side feat. Lizzie Berchie
5.Beneath Your Surface feat. Olivia Nelson
6.Somewhere You Can Fly feat. Sipprell
7.While You Wait feat. Superlative & Carrie Baxter
8.Final Round feat. Maya Law
9.Throne feat. Josh Barry
10.What It Is feat. Fractures
11.If You Exist feat. BermudaCal
12.Just You And I
13.Lose Myself feat. MADELEINE
14.Falling To Pieces feat. Immi Dash
15.Sweet Temptation feat. Betty Michaels & Honey Mooncie
16.Grieve feat. Mychelle
17.Landing On My Feet feat. Joel Baker
18.Sweet For U feat. Amy Palmer & Kazuki Isogai
LP : SIDE A M1-M4 / SIDE B M5-M9 / SIDE C M10-M14 / SIDE D M15-M18
EVENT INFORMATION
edbl来日公演
2025.6.17（火）18（水） OPEN 00:00／START 15:00 東京・BLUE NOTE TOKYO MUSIC CHARGE：￥8,800 詳細はこちら© Qetic Inc.
]]>フライング・ロータスが、自身が監督も手掛ける映画『ASH』の公式サントラ・アルバムを全世界配信リリースした。
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同アルバムは、自身が監督を手掛ける映画『ASH』のサントラ作品で、数々の名作SF映画の音楽にインスパイアされたフライング・ロータスが全曲を書き下ろしたという。
Flying Lotus - OXYGENE | ASH (Original Motion Picture Soundtrack)
フライング・ロータスの最新監督作となる映画『ASH』は、エイザ・ゴンザレスとアーロン・ポールが出演するSFスリラーで、3月21日（金）よりアメリカで劇場公開される（現時点で日本での公開や配信については未定）。スコアの制作はチャレンジングだったけれど、刺激的でもあった。ほとんどの部分はニュージーランドで行ったポスト・プロダクションとカラー・グレーディングの最終段階で書いていて、進捗を確認するために異なる部屋を行き来しながら、自分の小さな部屋でラップトップとコントローラーだけを使って作業したんだ。インスピレーションをもらったのは、シンセサイザーを主に使ってサウンドトラックを作った作曲家たち、例えばジョン・カーペンター（『ゼイリブ』）、山岡晃（『サイレント・ヒル』シリーズ）、アンジェロ・バダラメンティ（『ツイン・ピークス』）、ヴァンゲリス（『ブレードランナー』）などからだね。映画のために、僕自身の探求心にとって新鮮でユニークな音を見つけることができて、とても楽しかったよ。
フライング・ロータス
RELEASE INFORMATION
ASH (ORIGINAL MOTION PICTURE SOUNDTRACK)
2025.3.19（水） フライング・ロータス トラックリスト： 1. OXYGENE 2. SURFACE 3. INTRIGUE AND WINDOW 4. HORIZON 5. IMMOVABLE OBJECTS 6. QUESTIONABLE SANDSTORM 7. IN THE WALLS 8. SAFE ROOM 9. SOMETHING IN HER VOICE 10. A TEEBS DREAM (EARTH VERSION) 11. A CURIOUS MIND 12. HOLE 13. CONFRONTED – Flying Lotus & Little Snake 14. GREEBLES 15. MOUTH BLOOD 16. IT'S OUT THERE 17. SONATINE 18. YOUR CANDELABRA 19. 13 HOURS 20. REBIRTH 21. UNUSUAL ACTIVITY 22. IMMEDIATE DANGER 23. STRAY 24. I'LL NEVER LET YOU LEAVE 25. SURFACE::LEAVING 26. WHAT'S WRONG PEACH? – Kuedo feat. Flying Lotus & Miguel Atwood-Ferguson 27. OBEY – Flying Lotus & Niki Randa 詳細はこちら© Qetic Inc.
]]>渋谷のベニュー・不眠遊戯ライオンでクリスマスナイト＜あいのうた＞が12月25日（水）に開催される。ARIWA（ASOUND）、asuka ando、RUDEBWOY FACEらが出演。
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渋谷のベニュー・不眠遊戯ライオンでクリスマスナイト＜あいのうた＞が12月25日（水）に開催される。
ライブアクトは1時間ずつ楽しめるロングセットに
ライブアクトには、ダンスホールの真髄を体現するレジェンドコンビ・RUDEBWOY FACE & KILLANAMI、「メロウすぎるにもほどがある」珠玉のペア・asuka ando & Uncle Fish、眩い才能を放つ新世代のライジングスター・ARIWA（ASOUND）& Bungoの3組が出演。
今回はジャマイカ音楽文化の華、Part 2 Style / Rub a Dubをアイデアのひとつに、各ライブアクトは1時間ずつたっぷり楽しめる自由なロングセットに。さらにクリスマスのスペシャルバージョンとして、ラブソング中心のパフォーマンスを披露予定。この夜だけの、エクスクルーシブなライブをお見逃しなく。
DJにはレゲエ／ダブを軸に世界中に点在する「リズム」を有機的に結合していくオリジネーターDJ・1TA、新鋭パーティー＜Light Crime＞の中心メンバー・izとKATAINAKAが登場。ジャンルの垣根を超えたセンシュアルで洗練された音世界をお楽しみに。レゲエやベースミュージックを起点に、普遍的な歌の美しさとリズムの心地良さに立ち返る、すべてのミュージックラバー／クラバーたちに愛をおくる一夜となる。
SOUND MAGNUM Unlocked Party "Yokohama Part 2 Style"
asuka ando - Wait Till Dawn (music video)
Sweet Dub & Lovers Vinyl Set by Bungo / タイムリー#002
EVENT INFORMATION
あいのうた Supported by Jack Daniel's
2024.12.25（水）
-LIVE-
ARIWA & Bungo
asuka ando & Uncle Fish
RUDEBWOY FACE & KILLANAMI
-DJ-
1TA (Bim One Production / RIddim Chango)
iz
KATAINAKA
-OPEN-
22:00
-Music Charge-
¥2,000
-Address-
不眠遊戯ライオン Music Bar Lion @music_bar_lion
〒150-0001 東京都渋谷区神宮前6丁目19-17 GEMS神宮前 7階
7F GEMS Jingumae Bild. 6-19-17 Jingumae, Shibuya, Tokyo
YOU MUST BE OVER 20. ID CHECK REQUIRED.
20歳未満の方のご入場は一切お断りさせて頂きます。
年齢確認の為、ご入場の際に全ての方にIDチェックを実施しておりますので、写真付き身分証明書をお持ちください。
詳細はこちら
© Qetic Inc.
]]>2024年、沖野修也・沖野好洋による兄弟ユニット・Kyoto Jazz Massive（以下、KJM）の年表に…
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2024年、沖野修也・沖野好洋による兄弟ユニット・Kyoto Jazz Massive（以下、KJM）の年表に新たな歴史が刻まれた。30周年記念アルバム『KJM COVERS KYOTO JAZZ MASSIVE 30th Anniversary Compilation』が、12月4日（水）にリリースされる。
急きょ録音した未発表曲も含め、彼らがプロデュース、リミックスした「カバー曲」をコンピレーションした本アルバム。DJ／プロデューサーとして国内外のジャズシーンを盛り上げてきた彼らだからこそ描ける、「KJMらしさ」を凝縮した作品集に仕上がった。
今回、QeticではKJMの2人にメールインタビューを実施。アルバム制作の経緯と過程、そして「今までの10年」と「これからの10年」について話を伺った。
INTERVIEW KYOTO JAZZ MASSIVE
楽曲選定の基準は「いかにKJMらしさを生み出せるか」。
10周年の際には参加アーティストの書き下ろしによる新曲で構成されたコンピレーションアルバム『10th Anniversary “FOR KJM”』(2004年)を発表。20周年では過去5年の間に手がけた作品を集約した『KJM WORKS～Remixes＋Re-edits』『KJM PLAYS～Contemporary Classics』(2014年)を2枚同時リリースしたKJM。
30周年となる2024年に彼らが挑んだのは、未発・既発を含むカバー曲を集約したコンピレーション・アルバムの発売だった。どういった経緯でカバーアルバムの構想に至ったのだろうか。
「以前からカバー作品に焦点を当てたアルバムを作りたいとは思っていました。ただ、ライブバンド録音の作品とプログラミング録音の作品をどう融合させるか、既発曲と新曲のバランスはどうするのかといった、いくつかの課題があって。なかなか踏み込めず、タイミングを見計らっていたんです。
30周年という節目を迎えた今年は、まさに構想を実現するのに絶好のタイミング。兄（修也）とも『カバー曲をまとめて作品化しよう』と具体的な話が挙がり、制作に着手しました」（弟・沖野好洋／以下・好洋）
今年6月にリリースされたEchoes Of A New Dawn Orchestra（EOANDO）とのコラボEP『KJM EOANDO - Kyoto Jazz Massive 30th Anniversary Edition』を制作していた時点で、既にカバー・アルバムの内容はある程度決まっていた。
EP制作中もEOANDOのメンバーに、アルバムの収録候補曲を聴いてもらっていたという2人。そもそもKJMは「カバー曲を制作する否か」という判断基準を、どこに据えているのだろうか。
「基本的には我々が気に入ってDJでも使っている曲、長くかけ続けている曲の中から、レコーディングしたい曲を選んでいます。あとはKJMがフィーチャーするボーカリストの声とマッチするかどうかも、重要な判断基準のひとつです」（兄・沖野修也／以下・修也）
「KJMのフェイバリット曲をクラブ仕様にアレンジしたいから、自分たちのテイストに合うから……など、個々の楽曲がレコーディングに至るまでの決め手はさまざま。ただ、KJMらしいサウンドが生み出せる楽曲かどうかや、収録される作品のコンセプトに合うかどうかは、選定の重要なポイントになっていると思います」（好洋）
では、彼ら自身が捉える「KJMらしいサウンド」とは。KJMのアイデンティティについて、修也は「クロスオーバー」というキーワードを挙げる。
「ジャズとファンクの融合はもちろんのこと、ゴスペルとブギー、スピリチュアル・ジャズとフュージョン、ブラジルとソウルといった異なる音楽をクロスオーバーさせること。その『交える感覚』こそがKJMのスタイルだと捉えています。
さらには原曲の良さを活かしつつ、オリジナルが生まれた当時にはなかった現代的なサウンドをアレンジに加えることも、KJMらしさに繋がると考えています。
今回のアルバムに収録した11曲は、いずれもオリジナルの時点で複数のジャンルが組み合わさっている楽曲ばかり。ハイブリッドなサウンドに、さらにハウスやテクノ、ブロークンビーツを取り込み、縦軸と横軸の広がりを作ることは常に意識しています」（修也）
バランスをとる塩梅に難航する瞬間もあった。
これまでも「KJMがカバーする意味」を慎重に考えながら、カバー楽曲の制作を手がけてきた2人。メロディーの良さを活かすボーカリストのセレクションや、使用する楽器のチョイスにも「KJMらしさ」を垣間見ることができる。
その一方、制作の現場では「複数のジャンルを横断しながら、新旧のバランスも整えてカバーを成立させる」という絶妙なバランスを攻め込みたいがために、難航する場面もあった。
「新旧のバランスをとる塩梅が特に難しかったのは“No Cross No Crown”ですかね。オリジナルがリリースされたのは1979年。 ただリバイバルの影響もあってか、原曲のスラップベースが既に現代的に聴こえて。新たなエッセンスを加える隙がないように感じました。
どうやってKJMらしさを新たに付与するか。レコーディングでは弟（好洋）やベーシストのROOT SOULとかなり協議を重ねましたね。最終的にスウェーデンのプロデューサー・Opolopoにアレンジしてもらうことで、ゴスペルブギーだった原曲をエレクトリックなファンク・ソウルに変換しました」（修也）
また今回のアルバムリリースにあたり、急いでレコーディングを行なった楽曲も。“Kowree Sambazzi”はマスタリングの納期が2週間後に迫る中、急遽収録が決定した楽曲とのこと。ボーカリストやエンジニアの予定が1日だけ揃い、その場で完成まで漕ぎつけた、いわば「奇跡の一曲」だ。
「アルバムの制作を進めるうちに『既発のカバー曲だけではなく新録も入れよう』という話になったんです。そこで僕は兄がDJでよくプレイしていた“Kowree Sambazzi”を推しました。
オリジナルはスピリチュアル・ジャズ／ファンクと、ブラジリアンが融合した作品。まさに兄と弟の得意分野が融合したKJMらしい曲なんです。改めてベストなチョイスだったと感じます」（好洋）
アルバムには既発曲と新録曲に加え、あえてライブバージョンをチョイスしたトラックも収録。“Black Reneissance”と“Love is Everywhere”は、KJMがライブ活動を再開したことも記念し、晴れてライブ版がアルバム入りを果たした。いずれもフロアの熱気が伝わってくる、臨場感あふれる仕上がりとなっている。
「“Black Reneissance”はライブのイントロで一度だけプレイした曲で、まさにKJMのレアトラック。“Love is Everywhere”は既発のリミックスした作品を入れる案もありましたが、やっぱりこのライブバージョンが好きなんです。会場の盛り上がりがプレイにも反映されているんですよね」（好洋）
これまでの10年、そしてこれからの10年と、その先へ。
今回のアルバムを聴くと、30年もの長い時間を経て「KJMらしさ」が醸成されていったことが、言葉で説明せずとも伝わってくる。ただ、特に20周年から30周年に至るまでの10年間で起きた変化も、2人の紡ぐ音に強く影響を与えたように伺える。2014年から2024年に至るまでの軌跡を、彼らは次のように振り返る。
「僕自身がレコードショップを経営しているのもあり、クラブミュージックの存在がセールス含めてさらに厳しくなっていることを痛感した10年でした。ただ、中古盤市場の成長を感じた10年でもあります。現場で使えるクラブミュージックだけではなく、今後何十年も残っていくクラシックスも生み出そう、と考えるようになりました。
KJMが打ち込みのハウスやクロスオーバーから、生バンドを起用したレコーディングにシフトしたのも、ある種の必然的なものだと捉えていて。とにかく模索を重ねた10年間だったと思います」（好洋）
「この10年で起きた日本のクラブジャズの収束／UKジャズの勃興とともに、KJMも再始動し、ヨーロッパでのライブを活性化させていったんです。我々にとって重要な期間だったと思います。
同時にコロナの影響で、リスナーの音楽体験が変化したのも印象深い出来事でした。踊れるジャズの需要が減ると同時に、踊れないジャズへの関心が高まった。そしてサウンド・バーやレストラン、ホテルといった『クラブではない場所』でジャズDJが活動するようになったんです。活躍の場が広がる瞬間を感じました」（修也）
そしてこの10年間で、修也はUKやUSの若い世代を中心に、ジャズやソウル、ファンクが注目されつつあると指摘。次の10年に向け、よりシーンが拡大していくことを期待する。
「アンダーソン・パークやサンダー・キャットたちが来日するたびに、渋谷のザ・ルーム（修也がプロデュースするクラブ・バー）を訪れてくれるんです。我々がやっている事は間違いではないし、むしろ今の時代にリンクしていると感じます。
実際、日本のジャズ・シーンでも若いDJが台頭してきています。僕がかつてバンド時代のMONDO GROSSOと結託していたように、彼らも国内の若いミュージシャンと連動し、同世代のファンを開拓してほしいです」（修也）
2024年11月現在、KJMは既にサードアルバムのデモ制作を進めているという。過去のインタビューでは「KJMは100年くらい続くだろう」と語っていた2人。来たる10年後、2034年のデビュー40周年に向けて、彼らはどのように歩みを進めていくのだろうか。
「セカンドアルバム『Message From A New Dawn』（2021年）をリリースした時、海外の反応を目の当たりにしたんです。やはり作品を出すことの大切さを実感しました。
だからこそ、とにかく次の10年は、これまで出した曲よりも良い曲を作ることに尽くします。それしか考えていません。KJMがレジェンド枠に入ることや、100年続くブランドになることは、その結果でしかないと思っています」（修也）
「40周年までKYOTO JAZZ MASSIVEが存在するのかは正直分かりません。ただ、兄・沖野修也が構想するKJMの未来像は、もはや兄弟ユニットの域を越え、ワールドワイドな広がりを見せていると思います。
94年のデビュー作品が、KJMをコンセプトとした周辺アーティストたちのコンピレーションであったように、今後はさらに若い世代のDJ/プロデューサーたちを巻き込んでいきたい。そして我々の意志を継ぐアーティストたちの発掘・サポートに努めていきたいです」（好洋）
Text：Nozomi Takagi
INFORMATION
KJM COVERS - Kyoto Jazz Massive 30th Anniversary Compilation
2024.12.04（水） CD：POCS-23048 / 価格：3,300円（税込） 3,000円（税抜） レーベル：SELECTIVE RECORDS ディストリビューション：VMG 【収録予定曲】 01. Black Renaissance (Live) / Kyoto Jazz Massive *Harry Whitaker 02. No Cross No Crown / Kyoto Jazz Massive *Gloster Williams And Master Control 03. Kowree Sambazzi feat.Vanessa Freeman & Bembe Segue / Kyoto Jazz Massive *Medina & Mensah 04. Mystery Of Ages feat.Bembe Segue (KJM Edit) / Kyoto Jazz Massive *Carlos Garnett 05. Karmapa Chenno feat.Bembe Segue (KJM Edit) / Kyoto Jazz Massive *Don Cherry 06. Off And On feat.Rob Gallagher & Bembe Segue / Kyoto Jazz Massive *Moacir Santos 07. Face My Window (KJM Remix) / Jazzanova *Sam Sanders 08. Love Is Everywhere (Live) / Kyoto Jazz Massive *Pharoah Sanders 09. Endless Flight / Kyoto Jazz Massive * Rodney Franklin 10. Carnaval / Orquesta De La Luz (Prod. by Kyoto Jazz Massive) *Orquesta Esencia 11. Just As We / Arvin Homa Aya (Prod. by Kyoto Jazz Massive) *Caroline Peyton *印はオリジナル・アーティスト
詳細はこちらCDはこちら配信はこちら
KYOTO JAZZ MASSIVE 30th Anniversary Live 『KJM COVERS』Release Party ft. Vanessa Freeman
2025.01.16（木） COTTON CLUB [東京] *Full Band Live 2025.01.17（金） 24PILLARS [名古屋] *PA LIVE 2025.01.18（土） BAR Inc [大阪] *PA LIVE 2025.01.16（木） COTTON CLUB [1st.show] open 5:00pm / start 6:00pm [2nd.show] open 7:45pm / start 8:30pm MEMBER Shuya Okino [Kyoto Jazz Massive] (MC,SE,cho) Yoshihiro Okino [Kyoto Jazz Massive] (DJ,MPC,SE) Vanessa Freeman (vo) Kenichi Ikeda [ROOT SOUL] (b) Kaztake Takeuchi [A Hundred Birds] (key) TABU ZOMBIE [SOIL&“PIMP”SESSIONS] (tp) Soki Kimura [OSAKA MONAURAIL] (ds) Takashi Nakazato (Percussions) Chloe Kibble (cho) CHARGE／料金 [全席指定] テーブル席 : ￥7,700 ボックスシート・センター (2〜4名席) : ￥10,000 ボックスシート・サイド (2〜4名席) : ￥9,000 ボックスシート・ペア (2名席) : ￥9,500 ペア・シート (2名席) : ￥8,500 ※料金は1名様あたりの金額となります。 詳細はこちらKYOTO JAZZ MASSIVE 沖野修也沖野好洋
© Qetic Inc.
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