2017年より韓国・ソウルを拠点に活動するフリー・セッション・バンド「カデホ（CADEJO）」。ソウル、ジャズ、ロック、レゲエなどジャンルを自在に駆けめぐりながら奏でる即興音楽は自由そのもの。彼らの活動や作品のキーワードである「FREE」を、音楽でそしてライブパフォーマンスで常に表している。

カデホは、イ・テフン（Gr. / Vo.）、キム・ジェホ（Ba.）、キム・ダビン（Dr.）という3ピースバンドだが、もう一人クリエイティブ・ディレクターのイ・スンジュンも正式メンバーとしてクレジットされている4人組のバンド。音源制作、ライブ、イベントという音楽活動のルーティンはベースにありながら、カデホがユニークなのはインディペンデントでありながらもファッションブランドとのコラボレーション企画や、〈VANS〉や〈Maker’s Mark〉などさまざまなメーカーのスポンサーシップイベントなど音楽関連以外のチームとの協業、コラボレーションも活発に行っているところだ。

音楽面では、カデホのほかにもメンバー3人が個々にさまざまなミュージシャンとバンドを組んだり、サポートで参加するなど柔軟に動いている。常に最大限の情報量をもつバンドなのに、音楽は風通しよく、メンバーはいつも自然体。こうして、流動しながらも「カデホらしい」オリジナルのスタイルはどうやって築いてきたのだろう？　そのヒントを知るために、ギター＆ボーカルのイ・テフンとクリエイティブ・ディレクターのイ・スンジュンに話を聞いた。

──カデホはどのように結成されたのですか？

イ・テフン（以下、テフン）：2017年10月に＜SEOUL FOREST JAZZ FESTIVAL＞というフェスが開催されたのですが、直前にフェスのスタッフから「出演予定のバンドがキャンセルになったので、代わりにバンドで出演できませんか？」と依頼があって。それで、当時よくジャム・セッションをしていた、キム・ジェホ（Ba.）とチェ・ギュチョル（Dr. / 過去のメンバー）を誘って、フェスに出演するために3人でバンドを組んだことがきっかけで始まりました。

イ・スンジュン（以下、スンジュン）：僕は、もともとテフンさんと知り合いで、会ってご飯を食べる仲でした。僕はビジュアルメイキングの仕事をしていたので、いつもメイクやスタイリングなどアーティストのビジュアルを作り込んでいたのですが、テフンさんは、ライブ本番にラフなサンダル姿でふらっと現れて、そのままステージに上がって演奏し始めて。その姿がすごく格好良く感じたんです。僕は仕事柄どんなビジュアルが人の目を惹くのか、ということを常に考えているけれど、テフンさんのステージは「この人と一緒にもっと面白いことができる」と感じさせるパワーがあったんです。テフンさんは、ボーカリストのサポートギターや、色々なバンドのセッションに参加していましたが、「もっと売れるバンドをやってみませんか？」と声をかけてスタートしましたね。

──ストレートなお誘いですね（笑）。テフンは、急遽組んだバンドではあったけれど、良い手応えを感じたのですね。

テフン：ほかの2人とは、フェスに出る前からよくジャムセッションをしていたのですが、いつも何も準備していないはずなのに、不思議とすごく良いライブができる。その感覚はみんなそれぞれ感じていたので、フェスの出演をきっかけに「まあ、なんかやってみるか」という流れですね。

──スンジュンは、カデホのメンバーでありながら、クリエイティブ・エージェンシー〈Teleport〉共同創業者でもありますよね？

スンジュン：はい。協業しているブランドとしては韓国内の〈NIKE〉、〈VANS〉、お酒の〈火尭（ファヨ）〉、不動産系の〈今日の家（オヌレチプ）〉、〈現代（ヒョンデ）カード〉とか。大手企業のブランドイメージに関わる事業をしています。カデホが〈Teleport〉に所属しているわけではないので、僕がカデホと〈Teleport〉に同時に所属しているからこそ、互いにサポートし合いながら、相乗効果が生まれるよう両立させながら動いています。

僕はカデホのメンバーですがミュージシャンではないので、役割が曖昧でした。最初はスケジュール管理など、いわゆるマネージャー的な動きをしようと思っていたけど、自分が得意なビジュアル・ディレクションなどできることを全てやるようになっていって。でも僕は実際にステージに上がっていないし存在として見えないので、周りから違和感をもたれたり、バンドにとっても良くないイメージがつくかもしれないと当時は懸念もありました。でも、みんなでシェアしないといけない収益ができた時に、テフンさんが「スンジュンはメンバーだよ」と言ってくれて。

テフン：僕たちは、弘大（ホンデ）の音楽シーンなど、現場でやれることは、ほぼ全てやっていました。でも、スンジュンがMVやアルバムジャケットのビジュアル作りを手掛けてくれて、ブランドとのタイアップ、フェスへの出演など、これまで通りやっていたらできなかった仕事をとってくれてきて。カデホとしてスンジュンが担う仕事の割合が多くなっていけば、それはバンドのメンバーだし、そのおかげで活動範囲も広がっていったんです。

──その後ドラマーがキム・ダビンに代わって現体制になり、カデホの活動が加速していきましたね。メンバーにクリエイティブディレクターがいるユニークな編成ですが、バンドの活動は順調に進んでいったのですか？

テフン：音楽的な部分だと、ジェホと前のドラマーのギュチョルと3人でやっていた時は、お互いのことを知り過ぎて好みも似ているからこそ、自分たちは楽しんでいても客観的に見ることができなかったと思います。ドラマーがダビンに代わったことで音楽的にも変化して、さらにアルバム『FREEBODY』の制作時にスンジュンから「こんなに曲数があるのに、なんでタイトル曲がないの！？」と言われて。そんなこと今まで誰にも言われてこなかったので、ちょっとイラつきながらも、“Love Your Harmony”を作ったんです（笑）。

──なんと！　“Love Your Harmony”は、カデホのライブに欠かせないお客さんとのコール＆レスポンスがハイライトになるアンセムですよね。

テフン：はい（笑）。

スンジュン：生意気なことを言って（笑）。楽曲制作については、3人に95%くらい任せています。5%は自分もカデホと一緒にいることで受けた音楽の影響を反映している部分です。

テフン：スンジュンがいたからこそ、自分たちの音楽にも大衆的な目線を加えることができたし、進化できたんだと思います。

──カデホのチームのバランス感覚がつかめてきた気がします。きっと周りにも同じような活動をチームでしたいミュージシャンもいますよね。

スンジュン：最近だと、韓国のバンドJisokryclubが、バンドのマネージメントを彼らの音源流通会社〈THE VAULT〉の担当者が始めると発表していました。より自分たちらしく活動しようとする動きだろうし、カデホの活動スタイルとも近いなと感じました。

テフン：今は、レーベルやメーカーに頼らずにアーティストが主体的に動けるネットワークがオンライン上にあるので、特にHIP HOPのアーティストや、バンドだとバーミングタイガー（Balming Tiger）などは幅広く、自由度も高く活動しているなと感じます。

──そうですね。カデホは大手のブランドや企業とのコラボレーションも積極的に行なっていますよね。日本だとインディペンデントなバンドが大手とタイアップすることはまだ少ないイメージがあります。

テフン：2019年に〈VANS〉の音楽部門のコンペティションで優勝してスポンサーができたことは、バンドにとって大きな影響がありましたね。

スンジュン：そうですね。〈VANS〉主催の＜Vans Musicians Wanted＞というミュージシャンのコンペティションがあって、多数の応募ミュージシャンの中から優勝すれば、イベント出演やグローバルでの音楽配信などさまざまな音楽活動のサポートが受けられるというものでした。

テフン：コンペの決勝の時、僕はバカンスでイタリアに行っていたのですが、スンジュンに「決勝に出場しないといけないから、早く帰ってきて！」って言われて、実際に出たら優勝できたんです（笑）。

スンジュン：最終まで残ることができて、これは勝てるという確信があったので、テフンさんを海外から呼び戻してでも出演しました。僕たちが出場した2019年のラインナップには今バーミングタイガーのメンバーとして活動するラッパー、マッド・ザ・スチューデント（Mudd the student）もいましたね。

テフン：思い返してみると、このコンペで優勝したことがバンドのイメージを良くしてくれるものだし、こういう初期のポートフォリオが自主企画をするうえで力になってくれることは多くあると思います。

自分たちのエッセンスを蓄積して、 流れにそって動き続ける

──カデホは、毎週末のようにライブを行なっているようなイメージですが、たくさんのオファーがある中でどんな基準で出演を決めているのですか？

テフン：まず自主企画の＜FREESEASON＞が最優先で、仲の良いバンドにも誘われたら出たいと思っているけれど、最近スケジュールが厳しくなってきました。＜FREESEASON＞は、回を重ねるごとに自分たちのエッセンスが蓄積されているのを感じるし、今後はもっと力を入れていきたくて。

スンジュン：僕の視点で言うと、まず視覚的にカデホのスタイルと合うのか。どんなハイブランドからのお誘いがあったとしても、カデホに似合わないものは断ります。あとは、相手がカデホというアーティストをどのように考えているかも大事ですね。リスペクトし合える関係でいたいので。最後は一応小声で言いますが、対価です。お金はすごく大事ですね（笑）。

──とても大事です（笑）。＜FREESEASON＞はvol.09まで開催していますが、最初はどのようなコンセプトで始まったのですか？

テフン：正直、カデホのストリーミングの再生回数はあまり良くありません。理由は明確で、カデホがエネルギーを注いで売りにしている音楽的な要素は「音圧」だから。MP3やヘッドフォン、家のスピーカーの環境では聞くには表現しづらい部分だし、ストリーミングでその良さを理解しもらうことは無理だからこそ、自分たちの音圧を最大限に表現するために、自分たちが思い描くライブを沢山やっていこうと始まりました。

スンジュン：昼間にお酒を飲みながら日差しの下にいるのが大好きな人たちなので、その環境を実現できるのが＜FREESEASON＞なんです。それと、自分はバンドのマーケターでもあるからこそ、観客に新しい経験を提供したいと考えていて。カデホの音楽だけでももちろん新しい経験は作っていけるけれど、例えばハンバーガー店を会場にしたり、装飾を面白くしたり......色んな合わせ技を効かせていきたいんです。4月に聖水洞で行った＜FREESEASON＞は、〈VANS〉と〈Maker’s Mark〉がサポートしてくれて無料で開催できました。若い人がたくさん集まるエリアで、偶然通りがかった人も気軽に入ってこられる会場にして。自然光がたっぷり入る広い環境で、センターにステージがあるという演出も今までやってきた＜FREESEASON＞の中でベストでしたね。

テフン：毎月こんな＜FREESEASON＞ができたらカデホとしては成功です！

──今年は、3月に東京3days公演も成功させ、日本で初となる単独公演ではサウンドエンジニアの内田直之さんと共演しました。11月は〈BEAMS RECORDS〉とのコラボレーション企画で来日し、浅草の「フグレン」や阿佐ヶ谷の「Roji」というユニークな場所でライブをやるなど日本での活動も面白くなってきましたね。

スンジュン：カデホとしても、ノクサル×カデホ（NUCKSAL×CADEJO）としても公演ができたし、〈BEAMS RECORDS〉とのコラボもそうですが、今後も自らきっかけをつくって日本で活動したいです。日本のプロモーションチームとも信頼関係を築けているし、もっと日本で活動を広げていけるという可能性も感じています。ライブの共演をきっかけに制作する内田さんとの新作は日本での活動によりフォーカスを当てるものなので、来年はさらに楽しみです。

テフン：来日公演で印象的だったのが、ライブのあとにお客さんからの音楽に対する具体的なフィードバックをたくさんもらったことです。カデホというチームに対しても、ライブに対しても真剣に向き合ってくれているのを感じてすごく嬉しかった。カデホはより良い音楽を探求しながら続けていきたいので、音楽についての話ができるファンが増えてくれるのはすごく良いことだし、日本ではそういうファンの方と出会えると思っています。あと個人的な目標としては、＜FREESEASON＞公演だけで成り立つバンドになること。ソウル、東京、台北などアジアを周って年に12回できたらいいですね。それができるくらいの＜FREESEASON＞というブランドを作りたいです。日本はその目標に近づくことができた場所。来年は日本のフェスにも出演したいし、自分たちが目指す音楽活動につながるよう進んでいきたいですね。

その日、恵比寿LIQUIDROOMは物々しい低音とカオスなシンセサイザーの波動で充満していた。熱狂の輪の中心にいたのはファット・ドッグ（Fat Dog）。今年9月に〈Domino〉からデビューアルバム『WOOF.』をリリースし、瞬く間にサウス・ロンドンのライブシーンで熱狂的な支持を得た彼らは、その狂騒を満杯のLIQUIDROOMに丸ごと召喚したのだ。スペシャル・インタレスト（Special Interest）やマンディー・インディアナ（Mandy, Indiana）といった現行のインダストリアルなダンスパンクにも通じる重量感、彼らの“狂犬”たる所以が表現された一夜であった。

来日公演の数時間前、フロントマンでありバンドの首謀者であるジョー・ラブ（Joe Love）にインタビューをすることができた。夜に行われるライブが熱狂的なものになることは明明白白、ならばジョー自身が体験してきたライブの記憶をじっくり訊こう……そう思い彼のルーツについて質問すると、『マインクラフト』や『スーパーマリオ64』といった意外な単語が飛び出してきた。ケミカルな激しさを伴うファット・ドッグの魅力、その補助線として読んでいただければ幸いだ。

──ファット・ドッグの話をする前に、まずはジョーさん自身の音楽体験について聞かせてください。最初にライブハウスへ行った日の事は覚えていますか？

15か16歳の時、確かロンドンのサウスバンク・センターだったかな。友達がアメイジング・スネイクヘッズ（The Amazing Snakeheads）っていうパンクバンドのライブに連れていってくれたんだ。ファット・ホワイト・ファミリー（Fat White Family）にも参加してたギタリストのバンドで、デビューしてから1年くらいで解散しちゃったんだけど、それがとにかく良かった。ステージの横から男がふらふら出てきて、そのままマイクを握って歌って、最後は客席の柵を飛び越えて暴れてたんだ。とにかく生々しかったし、初めてのライブで大当たりを引いたと思ったよ。その時に、もし自分がバンドを組んでレコード会社と契約するなら（アメイジング・スネイクヘッズが所属していた）〈Domino〉が良いと思ったんだ。

──ずっと激しいバンドが好きだったんですか？

いや、俗っぽいダンスミュージックばっかり聞いてたよ。アヴィーチー（Avicii）とかデッドマウス（Deadmau5）とかね。それと、当時は『マインクラフト』にハマってたから、そのサウンドトラックもよく聞いてたね。

──そういえば“Wither”のMVはPCゲーム風でしたよね。ファット・ドッグの作品にはそういったゲーム作品やチップチューンからの影響もあるのでしょうか？

そうだね。『Stickman RPG』って知ってる？　インターネット初期のオンラインゲームなんだけど、サウンドトラックがマジで良くて。思わずサンプリングしたよね（笑）。あとは『バンジョーとカズーイの大冒険』とか『スーパーマリオ64』も大好き、NINTENDO64でずっと遊んでたよ。ふたつともゲームのサウンドトラックがサンプルパックになってて、誰でもダウンロードすることができるんだ。ちょっと聞くだけでノスタルジックになるよね。

──レディオヘッド（Radiohead）やエイフェックス・ツイン（Aphex Twin）をNINTENDO64風のサウンドでカバーする動画もありますもんね。

そうそう！　ナイン・インチ・ネイルズ（Nine Inch Neils）のカバーとか最高だよね。MIDIでああいうサウンドを構築するのは本当にクレイジーだし、色んなバリエーションがあるよね。

──ジョーさんの中で、そういった音楽と今の激しいライブのスタイルはどのように重なっていったのでしょうか？

インターギャラクティック・リパブリック・オブ・コンゴ（The Intergalactic Republic Of Kongo）っていうバンドが好きだったんだ。8人組のバンドで、エレクトロニックミュージックとパンクのサウンドを融合させたようなライブをしてた。彼らのスタイルは今のファット・ドッグのベースになってると思うよ。

僕は「エレクトロニックミュージックとパンクの融合」っていうスタイルがとにかく好きなんだ。例えばデス・グリップス（Death Grips）とか、あとはNYのリップ・クリティック（Lip Critic）っていうバンドとかね。（リップ・クリティックは）ツインドラムでギターがいなくて、その代わりにキーボードでディストーション・ギターみたいな激しさを演出するんだ。めちゃくちゃ好きだし、音色をコピーして自分のバンドに組み込もうともしたよ。そういう意味では、バイアグラ・ボーイズ（Viagra Boys）からも影響を受けたね。彼らみたいな曲を書こうとしたことがあるよ、好きな曲をコピーしたがるのは僕の癖なんだ。

──様々なプロジェクトから影響を受けている最中だとは思いますが、今の時点で判明している「ファット・ドッグらしさ」とはなんですか？

そうだな……まず、僕は色々なものをコピーするけど、それを単なるパクリにとどめる気は全然ない。例えば、デヴィッド・ボウイ（David Bowie）は様々な作品の手法をコピーして、そこから自分らしい音楽に落とし込む天才だったと思うんだ。自分のやってることはそういうことだと捉えるようにしているよ。

その上で、「ファット・ドッグらしさ」っていうのは、国とかエリアによって解釈が異なるものなんじゃないかな。例えばポーランドだと、自分たちと近いハイエネルギーなバンド──『ユーロビジョン』に出場するようなバンドだね──が80年代から広く聞かれているから、ファット・ドッグはあまり新鮮ではないのかもしれない。ただ、ウィンドミル（注：ファット・ドッグが拠点としているサウス・ロンドンのヴェニュー）では別の解釈をされる。そういうズレこそが音楽のエキサイティングな部分でもあると思うよ。

──なるほど。デビューアルバム『WOOF.』の曲はパンデミックの最中にジョーさんの家で書かれ、それがライブハウスで多くの人に開かれていくというプロセスを経ましたよね。今話していた「音楽の聞かれる環境」という話題に関連づけると、部屋に籠って作る音楽とダンスミュージックとしてオーディエンスが一つになって踊る音楽は、ある種の対極にあるとも思うんです。この二つはジョーさんの中でどのように繋がっているのでしょうか？

パンデミックの最中はとにかく孤独だった。だからこそ、一人で静かに聞くような音楽じゃなく、みんなで楽しく踊ったりとかできるような曲を書きたいと思ったんだ。自然な流れだと思うよ。

ただ、ロックダウンが明けた後のロンドンはライブ中に着席する必要があったんだ。少しでも客席から立ち上がったら、セキュリティに即注意されるんだ。僕はそんな状況に全く合わない音楽ばかり作ってしまった、ちょっと後悔したよね（笑）。

あぁ、2021年だったかな。その後に状況が緩和されて、最初に普通の状態に戻った時のライブはよく覚えてるよ。小さい会場だったんだけど、みんなが観に来てくれたことが本当に嬉しくて。つい興奮して客席に降りていったら、もみくちゃにされて、足首を捻ってね（笑）。それが2曲目だったから、残りの曲は何事もなかったようにやり過ごしたけど、それから10日ぐらいは歩けなかったよ。ただ、その怪我をするだけの価値はあったね。

──ファット・ドッグのライブはステージと客席がとても近いですよね。単純な疑問なんですけど、客席に入るときって何を考えているんですか？

ステージからだと、オーディエンスとアイコンタクトが取れない。だからみんなとコミュニケーションをして、より踊らせるために客席の中に入ってるんだ。ただ、最近はパンパンなフロアが多くなったから、あんまり降りれてないんだよね。この前のロンドンのライブなんか、最後の曲で完全に押しつぶされて、もう散々だったよ（笑）。

──そういう激しいスタイルと『マインクラフト』とか『スーパーマリオ64』が繋がっているのも、「ファット・ドッグらしさ」の一つだと個人的には思います。

そうだね。『マインクラフト』のサウンドトラックってアンビエントでリラックスできるし、もしかしたらファット・ドッグの2ndアルバムもそうなるかもね（笑）。

ボノボが主宰するクラブイベント＜OUTLIER＞が、5月18日（土）に渋谷O-EAST + DUO + AZUMAYAにて日本初開催。その中でもコアなハウスミュージックのファンたちが来日を待ち望んでいたのがソフィア・コルテシスだ。彼女が昨年〈Ninja Tune〉よりリリースしたデビューアルバム『Madres』は、ルーツであるペルーで体験した幼少期の記憶をダンストラックへと昇華した傑作として、各方面より大絶賛。＜Glastonbury＞をはじめとした世界中のフェスティバルからも招かれるなど、まさにトップDJへの道を駆け上がるタイミングでの来日公演となった。

＜OUTLIER＞開演の数時間前、ソフィアは自身のトラックを通してオーディエンスと繋がる時間を「まるで天国みたい（Just like heaven）」と表していた。まさにその通り、＜OUTLIER＞で彼女がDJブースの上に立って満杯のオーディエンスと共に『Madres』のタイトルトラックを歌っている瞬間は、今・ここにしかない楽園として煌々と輝いていた。自身のルーツであるラテンの陽性なサウンドとベルリン仕込みのハードなベースが入り乱れる極上の2時間。今回はソフィアのユーモラスな人物像に触れつつ、ルーツを組み込む意義や自身のトラックへの想い、さらには映像方面にも関心を抱いているという彼女の今後の展望まで訊いた。

──今回の＜OUTLIER＞で来日する前にも、何度か日本を訪れたことがあるとお聞きしました。

コロナが流行する前に訪れたことがあります。日本の文化が好きなんですよ。特に田舎の方で聞いた日本の伝統的な邦楽が忘れられません。とても疲れた日に聞く、日本の伝統的な歌だけが入ったプレイリストがあって、それを流して休日を過ごしたりしてます。あと、邦画も好きなんです。

──どんな邦画を観たんですか？

ソフィア・コッポラの『Lost in Translation』！　実際に日本へ来た時に、ビル・マーレイやスカーレット・ヨハンソンが体験したことに共感しました。今回の旅の間も、映画みたいに日本で迷子になりたい（Lost in Japan）気分というか（笑）、色々な場所を訪れたいですね。新譜が既に完成しているので、それに関連した仕事もこなしつつ、フィールド・レコーディングを行う予定です。

──日本を離れた後もツアーで世界を回るんですか？

そうです。まずはジョージアに行って、次にスペインの＜Primavera Sound＞へ出演する予定。その後に控えているのがイギリスの＜Glastonbury＞、個人的に重要なステージなのでとても緊張してます。『ロッキー』の主人公みたいに鍛えておかなきゃ……両手にMPCを持って筋トレしてます（笑）。MPCジムに通わなきゃ！

──（笑）。今回のツアー中に観たいアクトはいますか？

ラナ・デル・レイ、アルカ、それにパルプ。パルプの“Common People”を聞いたことはありますか？　あれはギリシャからイギリスに来たクレイジーな女の子の歌なんです。実は私もギリシャにルーツがあるんですよ。だから“Common People”が好きなんです、一度はライブで聞いてみたいですね。私もスーパーマーケットに連れていかれたい（笑）。

──ソフィアさんはギリシャとペルーにルーツを持っていて、歌詞や過去のインタビューでも幼少期の記憶によく言及していますよね。特にペルーに住んでいた頃のトピックが多い印象です。DJ／プロデューサーとして活動するまで、どのような音楽を聞いていたのでしょうか？

幼少期はキューバ発祥の「トローバ」という音楽を聞いていました。詩的かつ政治的な音楽で、響きも完璧でしたね。

あとはサルサやロックも同時期に聞いていました。その後に両親がクラフトワークを聞いていた影響でエレクトロニカにハマりました。それと、以前はベルリンでライブのプロモーターとして働いていたんですけど、そこで出会ったプレイヤーたちのことがとても好きになりましたね。

──具体的に、どのような人たちとプロモーターとして接していたんですか？

ボブ・ディランにカイリー・ミノーグ……それとフェニックス！　フェニックスはバックヤードでも礼儀正しくて気さくだったし、大好きになりました。インディーバンドはみんな慎ましくて、接しやすかったですね。元々ずっと聞いていましたし、思い出もあります。

──様々な人やサウンドと触れ続けてきたんですね。昨年公開された『Madres』リリース時のPitchforkのインタビューでは、ご自身のスタイルを「salsa electrónica」と形容していました。

ハハハ、多分緊張して変なことを言ったんだと思います（笑）。Pitchforkのインタビューって緊張するんですよ……（笑）。

──（笑）。トローバや邦楽などのローカルな音楽を自分の作品にフィードバックさせることはありますか？

もちろんあります。ただ、創作にローカルな要素を持ち込むのならば、できる限りその歴史について知らなければなりません。それがインディーロックでも、エレクトロニカでも、レゲトンでも。

ただ、実際に制作を進めている期間はクラシックや映画音楽しか聞きません。フォー・テットやフレッド・アゲインが作ったダンストラックを聞くと、それに引っ張られちゃうんですよね。普段はそんなことないんですよ、バッド・バニーとかも聞きます。

──バッド・バニーは昨年の＜Coachella＞で自身のルーツにある文化をレペゼンするようなステージを披露しましたよね。ソフィアさんが仰られたように、ローカルな歴史を重要視しています。

すごく良いことですよね。特にプエルトリコは政治的な問題を多く抱えた国ですし、そこからバッド・バニーのようなスターが誕生して地元を盛り上げることはとても意義深いと思います。クレイジーな曲も多いけど、彼はプエルトリコの子供達へ寄付をしているんです。そういったコミュニティへの還元は、同じラテンアメリカの市民として素晴らしいと思います。

それに、例えばアメリカのラジオを聞いていても、スペイン語圏の音楽はごく普通に選曲されています。10年前ではありえなかった現象です。そういった意味でも、ローカルで伝統的なサウンドへの回帰は進んでいると感じています。

──ローカルな要素に加え、ソフィアさんは家族のエピソードをはじめとしたパーソナルな出来事を歌詞に組み込んでいますよね。そういった楽曲がビートを通じて多くのリスナーと共有される現象について、どのようにお考えですか？

とってもユニークですよね。フロアのみんながシンガロングしているのは少しシュールだけど、特別な時間。まるで天国みたいですね。

だからこそ、この後出演する＜OUTLIER＞が楽しみなんです。オーディエンスがどのような反応をしてくれるのか、とても期待しています。サイモン（ボノボ）はもちろん、初めて見るケリー・リー・オーウェンスのDJプレイも気になります。ステージでMPCを持って踊っちゃうかも（笑）。

──それは楽しみです（笑）。では、今回のツアーを終えた後の活動で、具体的に決まっていることがあれば教えてください。

まずは、先ほど話した通り、新作のリリースが控えています。それに、今は映画の脚本を書いている最中なんです。実は既に書き上げているものもあって、撮影まで貯めている段階ですね。まだ詳しくは言えないけど、音楽に関する映画の脚本です。

──音楽と同じくらい映画にもパッションを注いでいるんですね。

そうなんです、いつか映画監督もやってみたいですね。

──個人的にはソフィアさんが監督したMVを観たいです。

私自身も非常に興味があります。今は新作を作り終えたばかりだし、ツアーの真っ最中なので、十分な時間が確保できていないんです。ただ、年末に1ヶ月ほど休暇があるので、その期間でMVと映画の製作を進める予定です。

──なるほど。単純な興味なのですが、最後にソフィアさんの生涯ベスト映画を教えてください。

そうですね……『ロストボーイ』というヴァンパイア映画が好きです。カリフォルニアで撮影された、クラシカルな作品ですね。あとはフランシス・コッポラの『ゴッドファーザー』シリーズ、ギレルモ・デル・トロの『パンズ・ラビリンス』、NYのブロンクスが舞台の『ウォリアーズ』もよく観ます。どれもサウンドトラックが素晴らしいんですよね。それと、スパイク・ジョーンズって知ってます？　彼の作る映像はどれも美しくて、音楽のセンスも最高なんです。

──スパイク・ジョーンズはMVも多く手がけていますよね。

そうなんです。もし今度スパイク・ジョーンズに会うことがあったら、私の名前を出してください（笑）。彼の作品にサウンドトラックを提供したいんです！

──僕からも推薦しておきます（笑）。

よろしくね！

7月26日（金）、27日（土）、28日（日）に新潟県湯沢町・苗場スキー場で開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL ’24＞（以下、フジロック‘24）。苗場で25回目の開催となる今年、そのキックオフイベントである＜Smash Go Round FUJI ROCK NIGHTS＞が4月24日（水）にSHIBUYA CLUB QUATTROで開催された。

スペシャルライブのアクトとして登場したのは、＜フジロック‘24＞DAY 1の7月26日（金）にOriginal Love Jazz Trioとして出演する田島貴男と、DAY3の7月28日（日）に出演するbetcover!!。世代の異なる二組の共演に心躍りつつも、直接的な接点の少なさゆえ、当日のフロアの様子は開演するまで全く想像できなかった。しかし、フジロックの歴史は、あらゆる「距離」を開放的なサウンドとミラクルによって打ち消してきた歴史でもある。この日もまた、そこにあったはずの「距離」は消え失せ、大勢のオーディエンスで賑わった会場は歓声と熱狂に包まれていた。

開場時刻になってSHIBUYA CLUB QUATTROの階段を上がると、入り口すぐの目立つ位置に忌野清志郎の姿が。その隣にはJoe Strummer、Rage Against the Machine……と黎明期からフジロックの芯を担うレジェンドたちが並ぶ。無料で入場することができるフロアには、歴代のフジロックで名演を披露したアクトのライブフォトが展示されていた。ズラッと眺めてみると、フジロックが世界の音楽シーンの中でも独自の立ち位置にありながら、その時代に合わせたステージを提供してきたことが窺い知れる。

さらに、往年のフジロック参加者たちにとっては悶絶モノである歴代公式パンフレットたちが並ぶエリアも。開いてみると、その熱量と文字数に圧倒される。またアーティストたちからのコメントも充実しており、彼らからのフジロック愛がそこからひしひしと伝わってきた。

入場無料のエリアには、名物・とろろ飯やiichikoが「一番美味しい割合」で提供するいい茶こなどのグルメが出店。また、フジロック当日の会場内で重要な役割を果たす移動の要・ボードウォークの天板に寄せ書きができるゾーンも出現し、子どもからベテランの参加者まで思い思いのメッセージやイラストが続々と書き込まれていった。この天板は5月18日（土）に開催されるボードウォークキャンプで苗場の森に取り付けられる予定だ。

さらに、アーティスト物販はもちろんのこと、オフィシャルショップ・岩盤によるチケット販売やオフィシャルグッズが展開されるなど、SHIBUYA CLUB QUATTROはまさに「小さなフジロック」状態だった。

この日の場内DJを務めるMichael（Tangle）はフジロックに関連した選曲でフロアを温めていた。特に開演直前、今年デビューアルバムをリリースし破竹の勢いでフジロックへ出演する超新星・Frikoから、2018年に奇跡の出演を果たしたBob Dylanへ繋げてライブ本編へと橋渡しする構成に、フジロックがフジロックたる所以が詰まっているような気がした。

先に登場したのはbetcover!!。ユースを中心に強固な支持を獲得している、変幻自在のオルタナティブサウンドが、今年初めて苗場に鳴り響くのだ。この日は5人編成、フロントマンの柳瀬二郎がタイミングを計りながらバーストと静寂を制御していく。インプロヴィゼーションやキメが決まるたびに歓声が起こり、大きなうねりが会場内に充満していった。

観客とコミュニケーションを積極的にとる訳でもなければ、底抜けの明るさでステージを彩る訳でもない。ただ妖しく、しなやかに、ネガフィルムに縁取られた光景を連発するようなbetcover!!の演奏は、フジロックの懐へとグサリと刺さったかのように思えた。『high school !! ep.』収録の“ダンスの惑星”からスタートした5人は、45分間をほぼノンストップで走り切り、痛快な余韻と7月への期待を残してステージから去った。

その後に登場したのは田島貴男（Original Love）。冒頭からリゾネーター・ギターを弾き倒してパワフルに歌い上げ、オーディエンスのハンドクラップを自然に誘い、瞬く間にフロアの温度を引き上げた。ストンプボックスとフットタンバリンを巧みに操作する「ひとりソウルショウ」スタイルのステージ。全身から湧き出るソウルの重厚なパワーに圧倒される。

今年のフジロックにはオルガニストの河合代介とドラマーの大槻カルタ英宣と共にジャズトリオとして登場する田島貴男。中盤に披露した“接吻”では愛機である大きなフルアコに持ち替え、甘いトーンのギターソロを響かせる場面もあった。あらゆるジャンルに精通し、超一流のプレイヤーとして魅了する田島が、トリオ編成でどのように苗場の観客をロックするのだろうか。今から楽しみでたまらない。

自身の声を幾重にも会場中に反響させてトランシーな空間を作った“冗談”や時代にメッセージを投げかける“ソウルがある”など、バラエティのある演奏を繰り広げる田島。この日は58歳の誕生日であり、観客から祝福される一幕も。アンコールで披露した“bless you!”に絡めて「God bless you, フジロック！」と田島はシャウトし、圧巻のソウルショーは幕を閉じた。

世代の異なる二組、そして多種多様なオーディエンスが一つのサウンドで混じり合い、またとない高揚感に抱擁される一夜。苗場での開催も25回目、着実に歴史を積み重ねてきたフジロックの深い味わいにノックアウトされながら、3ヶ月後の苗場に思いを馳せたい。