野外レイヴイベント＜INCUBUS CAMP “RAVE”＞が10月14日（土）に神奈川・川崎のちどり公園で開催される。 同イベントは、その名の通り都内のナイトクラブやDJバーで開催されてきたパーティ＜INCUBUS CAMP＞の野外レイヴエディションであり、本祭である。 このイベントはこれまで、Goldieやµ-Ziq、Fractal Fantasyなど、海外からレジェンド級のアーティストを迎えてきた。かつ、国内のDJクルーやコレクティブにも積極的にフォーカスし、ドメスティックなクラブシーンに様々な文脈をもたらしている。 そのひとつが「レイヴ」だ。スピードガラージや2ステップ、ドラムンベースやジャングル、あるいはテクノやロウハウス…。高速かつアブストラクトなビートの中で入り乱れる4つ打ち。 たとえば、今回＜INCUBUS CAMP “RAVE”＞に出演するクルーのひとつ『FULLHOUSE』は、先日UKから現行レイヴシーンの急先鋒・Nia Archivesを招いてパーティを開催しており、自分たちも彼女に呼応するようなDJをみせていた。

今年で3年目を迎える本イベントは、2022年6月の＜INCUBUS CAMP Vol.1＞に続き野外パーティとしては2度目の開催を迎える。今回も同じく川崎市のちどり公園で開催されるが、その規模はよりアップデートされた。 次のセクションでは、会場へのアクセスについて簡単にまとめている。

近年、様々なイベントが開催される「ちどり公園」。バンドやDJ、様々なアーティストがこの場所でライブを行っている。メカニカルな工業地帯を抜けた先に辿り着くそこは、オルタナティブな雰囲気がありながら、チルアウトにも適している。 川崎駅から市営バスで向かう道中、車窓から見える景色は繁華街から臨海地域のそれに変化。グラデーションを伴って変わる風景も、『INCUBUS CAMP “RAVE”』の楽しみのひとつだろう。 会場アクセスの具体的な道順を示す画像と、バスの発着時刻が分かるリンクを以下に共有する。

川崎駅バス乗り場 川04系統市営埠頭行 川05系統東扇島循環 川07系統東扇島西公園前行 ※川崎駅東口バス11番乗り場、12番乗り場、13番乗り場より乗車。JERA川崎火力発電所前にて降車。駐車場がないため、必ず公共交通機関でお越しください。

青々とした木々に囲まれた会場の真ん中には、最高音質を実現する「Void Acoustics」のスピーカーが置かれている。すぐ横には地平線まで続く海が広がっており、疲れたら海を臨むベンチで休むこともできる。 もちろん、自前のタープやイス、レジャーシートなども持ち込み可能だ。音楽以外にもフードやスイーツ、フルーツカクテルなどが用意されているので、それぞれ楽しみ方を見つけてもらいたい。 本稿にあわせて公開された会場のマップが、具体的なイメージをつかむ一助になるはずだ。

当日はイベントのヘッドライナーとして、＜INCUBUS CAMP “RAVE”＞にはUKガラージのアイコン的存在・Conducta、さらにUKファンキーのパイオニア・Roskaが登場する。 それぞれの界隈で“顔役”と言って差し支えない2人は、冒頭で述べた現行レイヴシーンにも共振している。2人についても簡潔に紹介したい。

2019年、全英チャート3位を記録し、ガラージを一気にメインストリームまで押し上げた楽曲がある。それが、AJ TraceyとConductaのコラボトラック“Ladbroke Grove”だ。以降、Conductaは各所でセンセーショナルに取り上げられ、ダンスミュージックの専門誌「Mixmag」や「DJ Mag」などでは表紙に抜擢されている。 そして彼が2019年1月に設立したレーベル〈Kiwi Records〉もまた、今やUKガラージにおける最大拠点と言って差し支えないだろう。Jack Junior、Sharda、Sammy Virjiなど、界隈を代表するDJ／プロデューサーがこのレーベルから次々と音源をリリースしている。 2020年3月にはミックスCD『The Kiwi Sound』を発表し、UKガラージをさらに周知させ、シーンの新鋭プロデューサーをフックアップした。

レーベルが設立される以前は、「UKGがシーンで認知される機会はなかった」という（参考：Conducta is fanning the flames of UK garage）。2023年現在、彼らが起こしたムーブメントは極東にまで届いている。

10年以上にわたり、サウスロンドンのUKファンキーを先導してきたRoska。自身のレーベル〈Roska Kicks & Snares〉からのリリースを中心に、プロデューサーとしてあまたの楽曲を発表してきた。2022年に同レーベルからリリースしたアルバム『Peace』には、FlowdanやSweetie Irieなどのレジェンドも参加している。そればかりか、彼は若いアーティストにフックアップすることにも極めて熱心だ。その中には、日本のラッパー・なかむらみなみとのコラボ曲（“Pree Me”や“Call Mi”）も含まれる。また、セレクターとしても、Rinse FMをはじめ様々なプラットフォームで古今東西の才能を見出してきた。

彼の世界観のもとに紡がれる音楽は、UKガラージ、ダブステップ、ジャングルなど実に多岐にわたり、それはまさしく今回の＜INCUBUS CAMP “RAVE”＞とも共振する。『Peace』に収録されている曲の中に、「Heung-Min Son」と名付けられたものがある。これはトッテナムに所属する韓国代表サッカー選手、ソン・フンミンのことだ。彼は熱心なフットボールファンでもあり、そういった遊び心や情熱を音楽に反映する余裕もある。当日の彼のDJは、その作家性よろしくオープンマインドなセットになるだろう。

＜INCUBUS CAMP＞の開催拠点でもあり、原宿から最先端のカルチャーを発信するミュージックバーの不眠遊戯ライオンがキュレーション。 DJブースとBARが一体となったアイランド型のライオンフロアでは、nasthugやW.A.S.P.などシーン最前線で活躍するプレイヤーから、CYBERHACKSYSTEMやJUN INAGAWAといったアート界でも絶大な支持を誇るDJ、ライオンのフロントマンとしても店を支えるシンガーのKick a ShowのDJセットなど、豪華ラインナップが集結。 さらにライオンBARでは、フレッシュフルーツを使ったカクテルや、山椒やアールグレイを漬け込んだインフュージョンカクテル、AwichのプロデュースするHABUSHといった限定メニューも用意。 当日は原宿の店舗からライオン像も出張するなど、ライオンらしさ溢れる空間となっている。

世界的に活躍するグラフィックデザイナー・GUCCIMAZEがINCUBUS CAMPのために描きおろしてくれた今回のアートワークのステッカーが先着300名に無料配布される。ぜひ、この機会に入手したい。お早めの入場を。

当日は10月もなかば、酷暑も過ぎたあたりだが、恐らくその熱量は真夏にも引けを取らない。秋の肌寒さとは無縁の、愛と狂乱の野外レイヴフェスが川崎で待っている。

──Please tell us about the "Bergmál" mask that Björk wore during the first week of Coachella.

James　Yes, the inspiration for this particular mask was to make something that would radiate outwards from the head, like a soundwave frozen in air. I spend a lot of time sculpting these pieces in 3D software - playing with particular forms and shapes until they produce something I find interesting. So it is often a mixture of accident and intention.

For the Bergmál headpiece I was exploring spirals and trying to produce a shape with one continuous edge that would rotate around its own axis, folding back in on itself many times. Once I had created that form I realised that it looked like a soundwave, so I pushed it further in that direction knowing that it could fit well into Björk´s sonic world.

────I feel that the word "Bergmál", which is also the title of this mask, reflects some kind of unique Icelandic values. What do you think about the word "Bergmal" and its values? Do you ever experience those values while living in Reykjavik?

James　Bergmál has always been one of my favourite words in Icelandic. It literally translates to “mountain language” - because of the way an echo bounces down a valley, as if the mountains are speaking to each other. I love that image evoked by the word. I have lived in Iceland for almost 10 years now, but the culture still reveals itself to me bit by bit - through the language as I learn it, the books I read and the music I listen to.

──Next, I would like to ask about the "Ossein" mask that Björk wore during the second week of Coachella.

James　The form of the Ossein mask was a product of many experiments in the 3D sculpting phase, and turned out to be one of the most complex things I have sculpted. I was amazed that it was even printable. My intention with the references and inspirations was more concerning the texture - I really wanted it to look like cartilage or fishbones, something with a very organic translucency to it.

──I see, so the distinction wasn’t made intentionally. The characteristics of this mask are clearly evident from the source of its inspiration, but I think one of its characteristics is that it turns blue when exposed to a certain type of ultraviolet light, in order to reproduce the glow of living organisms underwater.

James　I had originally planned for these masks to include some LED lights, moving around and flashing inside them like an underwater sea creature. However, early on in the sculpt I realised that this was going to be difficult to achieve without sacrificing a lot of the design elements, so I decided to use UV light instead. I had used UV threads a lot in some of my first early embroidered pieces, which glowed under certain stage lights - so it was an aspect I was keen to revisit in the 3D printed iterations. I´m very happy we ended up going in this direction, as this gave the mask a more organic and bioluminescent feeling (wheres LED might have become too “disco”!)

──These two masks were created with the secca team. How did you feel when you actually held the mask that they had created?

James　I was totally overwhelmed! Their meticulous craftsmanship and alchemical ability to make some beautiful textures really brought the pieces to life in a way I could never have expected. I travelled to Kanazawa to visit them and it was such a great experience - getting to know them personally and professionally was a lot of fun, and I am so proud of what we made together.

──This time, you used 3D printing to carve these two masks. What is your thought behind incorporating these new technologies into your design project with Björk?

James　Since I started making masks, I have always moved between different mediums almost unintentionally just as a result of wanting to evolve my designs. At first they were all embroidered, then I started to use wire and beadwork, then silicone sculpting, and then into metalwork and silversmithing. 3D printing was a very natural extension of that journey, particularly as I had also started to 3D sculpt and programme my masks as AR filters.

I really enjoy switching between the physical and digital worlds when I work now - and I find that the two disciplines can accompany and enhance each other, rather than compete. The last few masks i have made have come out of a back and forth between the two, designing by hand in quite a traditional silversmith practice and then putting that into 3D sculpting software and manipulating it there, and then back again into the physical world. 

──Generative AI is currently gaining popularity around the world, but many people question its existence. As technology develops. What do you think about the future where technology coexists with art?

James I think we have lived with AI for a while now, as an integrated function of all sorts of softwares and technologies that we didn't necessarily call AI until recently. But rather than perceive it as a threat, I take it more like a challenge - if your concepts or aesthetics can be so easily replicated by an algorithm, then I would rather use that as an impetus to keep evolving and think of something new that the machine can't do.

99.99% of the AI art that I have seen is quite homogenised, unless someone is doing something clever with it or incorporating it their existing practice rather than just relying on it entirely. As with any other tool or technology I am most interested when an artist finds their own idiosyncratic way to use it and lean into the glitches, making the nature of the medium part of the artwork but bending it towards their own world.

──When you started the production of the masks did you start with the design presented by James?

Sugano　James is responsible for the overall art direction of the project and the design of the masks. James presented us with a concrete design that was digitally sculpted using 3D data, and we were responsible for how to make it a physical 3D print with the quality that Björk and James wanted. I was involved as a technical director, and the secca team was in charge of production, and they demonstrated their craftsmanship to the fullest. We follow a process where we make adjustments to areas that need to be carefully adjusted during implementation, such as the strength of the live performance, without damaging the original design, then print them out and refine them.

──Did you have a concept for each mask already decided when you received the 3D data from James?

Sugano　If anything, we had a specific design image from the beginning, and we started by figuring out how to make it a reality. James was the one who directly discussed the concept with Björk, but I was able to fully understand the important parts of the concept from James' design. It doesn't look like a digital design at all, it feels very organic. The design is inspired by things that are close to living things, or rather things that are natural. Based on my experience with previous projects with Björk, I knew from the beginning that even though this design was implemented using the latest technology, I had to make it look extremely organic and not give the impression that it was implemented using the latest technology. I think we started off by properly aligning our understanding with the secca team.

Uemachi　What really deepened our understanding was when James came all the way to Kanazawa, where we are based. By talking to him in person, face-to face, we felt like we were able to figure out what quality we should improve on and what we should propose. Just like his attitude toward this project, he was very polite and careful about how he treated us. During our exchanges, I learned that the beauty of Iceland's natural beauty that he sensitively observes on a daily basis is a source of inspiration for him, and that the beauty in nature is an expression of himself. I could feel that he was trying to embody that through his costume. It feels like part of your skin rather than something you wear. That's the kind of costume James and Björk were looking for.

──Were you able to print the prototype with a 3D printer when James came to Kanazawa?

Uemachi　Yes we were. By the time James came to Kanazawa, the secca team had had detailed discussions, adjusted the data, and printed out samples. While analyzing the rough data we received in advance, we realized that there were many parts that were physically difficult to reproduce. It was only 0.3mm thick, and there were parts where I thought it would break if I moved it around during a live performance. We also create works using 3D modeling on a daily basis, but when we look at the parts that we thought were beautiful on screen, when we hold them in the actual space, we find that they are far from what we imagined, and there is a gap between them. It is a series of tasks such as filling in the information, printing it out, and checking it again. When James came to Kanazawa, he was able to see the test printed samples and was able to give his opinions directly. We were able to share a concrete image of how we wanted the product to look and fine-tune it, allowing us to make solid adjustments. For example, we said things like, “If we want to make it look that way, let's keep it thick here and make it thicker in other areas”, and we worked out what areas we couldn't compromise on and where we could compromise.

────Sugano-san wrote on Instagram, “the 3D data sent by James was beautiful in every way, and secca was just amazing!’.

Sugano　As Uemachi-san mentioned, when we looked at the data, we felt that it would be difficult to achieve the strength of the masks due to the relationship with the material and shape. There were some parts that needed some work to make sure they would be fixed. This is because both masks were designed by calculating backwards from an ideal picture surface, so it was assumed that if things remained as they were, it would be physically difficult to put the masks on the face in the first place. Despite this, the secca team has taken the initial inspiration and implemented it in a way that enhances it without compromising its design at all. I felt that secca's ingenuity was wonderful in that respect.

In addition, this mask cannot be completed simply by printing it out with a 3D printer; it requires a considerable amount of manual labor by craftsmen in order to achieve the ideal appearance, including texture and transparency. It is not something that can be learned in a few days. It is difficult, even for experienced engineers, to realize the designs and concepts conceived by world-class creatives such as Björk and James without sacrificing any of them. In other words, both digital engineering skills and artisanal manual skills are required. In addition to having experience and an understanding of the work, you also need the ability to not give up to the limit, which is a psychological thing. The secca team was perfect in all aspects, so we owe Uemachi-san and his team a huge thank you that we were able to make it happen this time.

────Uemachi-san previously said that when secca produces crafts, it strives to achieve an expression of art and functionality as a product used in everyday life. I thought this story might have some similarities to that.

Uemachi　That may be the ultimate thing. For example, when it comes to tableware for everyday use that is mass-produced, the people who use it and the situations in which it is used are diverse, so in order to satisfy each person who picks it up, it may be necessary to reduce it to an average design to meet the diverse needs of each person who uses it. This time, I made it just for Björk, so I focused on how she could concentrate on her performance at her best, and I was most conscious of making sure the mask didn't create noise. If the mask itself were to break, or come off during the performance, something would be ruined, including the time and value of the experience for those attending the concert. That's what I was most afraid of, because it will effect matters even after the show.

──So, Sugano-san, when you first became involved with Björk in the music video for "Mouth Mantora" in 2015, is there anything that stands out to you through that experience?

Sugano　First of all, the most important thing is being very careful and taking the time and effort to make creative decisions. The music video for "Mouth Mantra", which I helped out with, was a very difficult idea to visualize the inside of the mouth. The live video for "Quicksand" that I also helped out at exhibition which was held in Tokyo was streamed in real time using a live camera, but after that, we had to carefully consider and have a lot of creative interactions before releasing the archived work. I remember there were lots of creatives discussions about it.

Another thing that struck me was when I asked Björk about the relationship between art and technology during our conversation was that, she told me that she really likes incorporating new technology, and she gave examples of traditional instruments that have become commonplace in modern times, such as the piano and violin. She says, “when the piano and violin were created, they were the latest technology”. As for the piano, the technology itself was treated as the subject matter of a song. However, in modern times, the use of the piano is rarely the main theme of music. At first, the use of technology may be touted and become a theme, but before you know it, the technology will disappear and only the music and the emotions it brings will remain. She says, “When it comes to expressing emotions, playing the violin in a certain way allows you to express your emotions. Performance methods and expressions have been cultivated over a long period of history. In other words, the violin is like an old computer. What artists have to do is express themselves by using the tools that we take for granted, which are unique to the era in which we live. I think it's an artist's job to put their heart into technology.” Those words really impressed me and stuck with me.

Sugano　Björk's attitude toward technology is the same when it comes to creations that use cutting-edge technologies such as 3D printing, which is the specialty of the secca team. One of the reasons we invited secca to join our team was because, even though they are skilled at creating things using the latest technology, they do not emphasize that as the main aspect for the final product. It is obvious that there is new technology behind the scenes when you understand the process by which the design was created, but the intervention of technology never comes before the design. I thought that this really matched the feeling I had gained through my communication with Björk.

──That sounds like a very important and interesting topic. When we previously interviewed Uemachi-san, you said that using technology is not the purpose for expression, but rather, technology is primarily a tool for realizing expressions.

Uemachi　Yes. We are also conscious of the exact same thing, whether it moves our hearts or not. I think this is the most important point that creates value. Therefore, I view things in this order: experience is necessary to move the mind, and things exist as interfaces for that experience. We learn from what people in the past have done and make use of it, but if we just do the same things as people in the past, we won't create much value. The times are changing, and the sensibilities of the recipients are also changing, so if we pursue new experiences, experiences that fit the present, and experiences that we want to deliver only to that person, we will inevitably find ways that people in the past could not choose. There are often hints. For example, if 3D printing existed in the Edo period, I think it would definitely be used by craftsmen and artists. If there are tools in front of us that people in the past couldn't choose, and if there's a destination beyond that that people in the past couldn't reach, we should actively try them out. We are working with this attitude.

What impressed me when I worked with James this time was that even though we each have different identities and values, we can connect non-verbally through creation. It was difficult for me to communicate verbally because I can’t speak English well, but I think we were really in sync with each other in terms of what we think is beautiful and what moves us. This may have been a big realization that I gained behind the scenes of this activity.

Sugano　I am the creative director of the entire project for over 90% of the work I am involved with, and secca is of course in the same position, and they usually work on their own signed ideas and creations. Secca is by no means a company that only handles technical direction and 3D printing. This time we were not the ones leading the project; Björk is the creative director and James is the artist and designer. What Uemachi's realized is something that was possible because someone else was leading the project rather than himself. The question was - how can we support the creations of a rare artist like Björk and make them realize what they want to do? Although the thinking process is different than usual, we take what Björk and James want to do very seriously, and want to understand their vision, and then help them implement it. It was new and a lot of fun. The vision we all had in common this time was what kind of emotion we wanted to convey to the audience through our creations. The secca team that I know are good at expressing this, and I think they have world-class talent when it comes to achieving this. I wanted many people to know this fact.

It's extremely rare that a project by a world-class artist like this involves a domestic craftsmen like secca who are well versed in traditional Japanese techniques that have been passed down for a long time and are able to handle cutting-edge technology. I hope that by conveying the greatness of secca's participation in a world-class project with a different approach from their usual main work, they will be able to shine a light on it from a different angle than usual. If people understand what kind of valuable work they do, their recognition will expand. I'm sure more and more people will become interested in their products and work, and I sincerely hope for that.

──コーチェラの1週目にビョークさんが着用された「Bergmál」について教えてください。このマスクは「音波、生物学的スパイラル、ソニックブーム」といったものに着想を得たそうですね。過去のインタビューでは「音を視覚化する」ことこそがビョークさんの表現方法の真骨頂だとお話されていました。今回は改めてその「音の視覚化」に意欲的に臨まれたという認識でしょうか？

James　そうですね。このマスクを作る上で、頭から外側に放射していく様子が見て取れるスカルプチャーにしたいと思っていました。空気中で音波が凍っているようなイメージです。作品を3Dソフトウェアで作り上げていく際は、毎回かなりの時間をかけています。面白いと思うものができるまで、特定のフォルムや形をあれこれいじりながら考えていくんです。そうしていると、偶然発見する要素と意図的に作り上げた要素が混ざったデザインができることが多くあります。

「Bergmál」のヘッドピースは、「螺旋（スパイラル）」を深掘りしていった作品です。マスクの軸を中心に回転していき、何度も折り重なるようにぐるぐると縁が連続していくような形状を作りたいと思っていました。その形を作り上げた時に、それが音波のように見えることに気づいたんです。ビョークの音の世界観にぴったりマッチするということがわかっていたので、その方向へとさらに追求していきました。

──このマスクのタイトルでもある「Bergmál」という言葉は、ある種アイスランド特有の価値観を反映しているようにも感じています。Jamesさんは「Bergmál」という言葉や価値観にどのような考えをお持ちですか？ レイキャヴィークに住まれている中で、その価値観を実感することはあるんでしょうか？

James　「Bergmál」は、私のお気に入りのアイスランド語の言葉の一つです。 英語では文字通り「山の言葉」と訳されますが、それはまるで山々が互いに語り合っているかのように、エコーが谷を下って跳ね返る様子から来ています。その言葉から醸し出されるイメージが大好きなんです。アイスランドに移住してから約10年が経ちますが、学習する言語、読む本、聴く音楽を通じて、今でもアイスランドの文化がいろんな形で私に影響を与えてくれていますね。

──続いてコーチェラ2週目にビョークさんが着用された「Ossein」についてですが、こちらは「魚の骨、蘭の花、植物の雄しべ、軟骨」から着想を得ていますよね。「Bergmál」に比べると、実際に目に見える形のものを着想源にされていますが、そこには明確に区別する意図があったのでしょうか？

James　このマスクの形状は、3Dで彫刻する段階で数々の実験を繰り返した成果であり、結果的にこれまでに彫刻してきた作品の中でも最も複雑なものの一つとなりました。この形状が実際に3Dプリンタでプリントアウトできたことにも驚きました。リファレンスやインスピレーションの段階でとても気にしていたのが、マスクそのもののテクスチャーでした。軟骨や魚の骨のように、非常に有機的な透明感のあるものにしたかったんです。

──なるほど、では意図して区別したわけではないのですね。このマスクはインスピレーション源からもその特徴がはっきりと表れていますが、水中で生物が発光するさまを再現するために、特定の紫外線をあてることで青色に変化するのも特徴のひとつかと思います。「水中で生物が発光するさま」とはどのようなイメージだったのでしょうか？

James　当初マスクにいくつかのLEDライトを組み込んで、その光が水中の海の生き物のようにマスクの中で動き回ったり点滅したりすることを考えていました。ですが、スカルプトモデリングの早い段階で、それをするには、多くのデザイン要素を犠牲にしなければいけないと気づいたんです。なので、LEDライトを組み込む代わりに、UVライトを照射すると色が変化する素材を採用することにしました。これまでに刺繍の作品を多く作ってきましたが、初期の刺繍作品でUV糸を使った作品を作っており、その糸は特殊なステージライトの下で光るものでした。今回マスクを3Dプリントする際にも、その手法を使ってみたいと思ったんです。結果的にとても良いものができたので、この手法を採用してとても良かったなと思います。このことで、マスクがより有機的で、まるで生物が発光しているようなイメージにすることができました。LEDライトを使っていたら、もしかするともっと“ディスコ”っぽいものになっていたかもしれませんからね（笑）。

──この二つのマスクはseccaチームとともに作り上げられています。彼らが具象化した完成形のマスクを実際に手に取った際、Jamesさんはどのように感じられましたか？　seccaチームへの印象とともに教えていただけますか？

James　本当に圧倒されました！　彼らの細心の注意を払った職人技と美しいテクスチャーを生み出す能力の高さは、私の想像力を遥かに超えていましたし、予想だにしない方法で作品たちに息が吹き込まれたと思います。（ビョーク来日公演の際、）金沢にいる彼らに会いに行ったのですが、それもとても素晴らしい経験でした。友人としても職人としても、彼らと知り合うことができてとても楽しい時間を過ごせましたし、そこで彼らと一緒に作り上げたものにとても誇りを持っています。

──今回はこの二つのマスクを彫刻していく上で、3Dプリンティングを採用されていますね。こうした新しいテクノロジーをビョークとのデザインプロジェクトの中に取り入れて挑戦している背景には、どのような考えがあるのでしょうか？

James　マスクを作り始めてから、デザインを進化させたいという思いから、意図せずに常に異なる媒体を選び続けてきました。最初はすべて刺繍でしたが、ワイヤーとビーズ細工を使い始め、次にシリコン彫刻、そして金属細工に銀細工と、どんどん新しいものに挑戦していったんです。3Dでスカルプトを実践したり、自分で作り上げた現実世界のマスクをARフィルターにプログラミングしたりしていた私にとって、3Dプリンティングに行き着いたのはごく自然な流れでした。

何かを作る時、物理的な世界とデジタルの世界を切り替えながら製作するということをとても楽しんでいます。そんな中で、この二つの領域は相反するものではなく、お互いに補完し、強化し合えるということに気づいたんです。最近新たにいくつかマスクを作ったんですが、その時はリアルとデジタルの領域を行ったり来たりしながら製作していきました。非常に伝統的な銀細工師の手法を用いながら手作業でデザインしていき、それを3Dのスカルプトソフトウェアにデータを入れて手直ししてから、再びリアルな世界に戻し具象化したんです。

──「テクノロジー×アート」という文脈でいうと、今生成AIを活かしたアートが世界中で人気を集めていますが、一方でその存在意義自体に疑問を投げかける方々も多くいらっしゃいます。これまでもテクノロジーが発展する中で、ご自身のアートに影響を及ぼす機会は良し悪し問わずあったと思いますが、テクノロジーがアートと共存していく未来について、Jamesさんはどのように考えていますか？

James　私たちは最近まで必ずしも”AI”と呼ばれていなかったあらゆる種類のソフトウェアやテクノロジーの統合機能として、ここ数年AIと共に生きていると思います。だけど、それを脅威と考えるよりも、むしろチャレンジのひとつのように捉えています。もしコンセプトや美学がAIやアルゴリズムによって簡単に複製できるのであれば、私はむしろそれを進化させる推進力として利用したい。機械では決してできない、これまでにない新しいものを創り出したいと思っています。

それに、私がこれまで見てきた“AIアート”の99.99%は、誰かが工夫しているものを除けば、かなり均質化されたものばかりですし、とても醜いものに見えます。2021年に、AIモデルを使用してビョークの限定版レコードのアートワークを作成しましたが、すごく興味深いものだと感じました。とはいえ、あれからもテクノロジーは大きく進歩しています。最近は画像のサイズ変更や色付けなど、調整するためのソフトウェアとしても使用しています。

アーティストがツールやテクノロジーを駆使する際に、その人特有の使い方を見つけていきながら、時にはグリッチさえも受け入れて、媒体の性質をアートワークの一部にし、独自の世界に取り込んでいく。私はそんな瞬間にとても惹きつけられるんです。

──まずは今回のマスクの製作プロセスについてお話を伺えればと思います。コーチェラの1週目・2週目と、2種類作られています。製作に入られた際は、Jamesさんからデザインが提示されているところから始まったんでしょうか？

菅野　プロジェクト全体のアートディレクションと、マスクのデザインはJamesが担当しています。Jamesから3Dのデータでしっかりデジタル彫刻された具体的なデザインが提示されて、我々はそれをどうやって物理的な3Dプリントで実現するか、ビョークやJamesの求めるクオリティでどう実現するかを担いました。僕はテクニカルディレクターとして関わり、seccaチームがプロダクションを担当してくれて、存分にクラフトマンシップを発揮してくれました。ライブパフォーマンスの中での強度など実装としてしっかり調整しなきゃいけない部分は元々のデザインを損なわないかたちで調整して、プリントアウトして磨き上げていくというようなプロセスをたどっています。

──Jamesさんから3Dデータが送られてくる段階で、それぞれのマスクのコンセプトは決まっていたんでしょうか？

菅野　どちらかというと、最初から具体的なデザインのイメージをいただいていて、それをどうやって実現していくかというところから始まりました。コンセプトをビョークと直接話していたのはJamesですが、Jamesのデザインから十分コンセプトの大事な部分は理解出来ました。とてもデジタルデザインにはみえない、すごくオーガニックな印象を受けますよね。生命体に近いというか、自然のものに近いインスピレーションを受けたデザイン。ビョークとのこれまでのプロジェクトの経験からも、このデザインを最新のテクノロジーで実装していたとしても、それを感じさせず、極めてオーガニックに見えるように製作しなきゃいけないと感じていたので、当初からそこらへんをちゃんとseccaチームと認識をすり合わせながらスタートしたと思います。

上町　特に理解が深まったのは、Jamesさんが我々の拠点でもある金沢にわざわざ来てくれたことがきっかけです。面と向かって話を伺ったことで、僕たちもどういうクオリティに落とせばいいか、どういうことを提案したらいいかをつかめた感覚はありました。このプロジェクトに対する彼の姿勢もそうですが、僕たちに対する振る舞いも本当に丁寧に積み上げる方でした。やりとりの中で、日頃からアイスランドの自然の美しさを敏感に観察されていることがインスピレーションの源泉になっていることもわかりましたし、自然の中の美しさがそのまま自分自身を表している、ということをコスチュームで体現しようとしているんだということも伝わってきました。何かを身につけるというよりは、皮膚の一部に感じられる。そういうコスチュームをJamesさんやビョークさんは求めていたわけなんですよね。

──Jamesさんが金沢までいらっしゃったタイミングでは、3Dプリンタで試作品をプリントできていたんでしょうか？

上町　そうですね。Jamesさんが金沢に来るまでに具体的な議論を重ねて、データを調整し、サンプルとなるものをseccaチームでプリントした状態でした。事前にいただいたラフのデータを解析する中で、物理的に再現が難しい箇所が多いことに気づいたんですね。厚みが0.3mmしかなく、ライブ中に動き回ったら割れてしまうと思う箇所もありました。僕たちも日常的に3Dモデリングを活用して作品を制作していますが、画面上で美しいと思っていた箇所が、実際の空間で手にとって見てみると、そのイメージとかけ離れていて、そのギャップを埋める作業を行い、またプリントして確認するといった作業の連続です。Jamesさんが金沢に来てくれて、実際にテストプリントしたサンプルを見ながら意見を伺い、どう魅せたいかという具体的なイメージを共有しながらチューニングアップできたことで確かな調整をすることができました。例えば「そう見せたいならここの厚みはキープして、別の箇所を厚くしよう」というやりとりをしつつ、どこが譲れなくて、どこが妥協できるのかというさじ加減を議論しながら詰めていったんです。

────菅野さんはInstagramで、「Jamesから送られてくる3Dデータはどこをとっても美しく、とにかくseccaがすごかった」と書いていますが、seccaの皆さんのすごさを実感されたのはどんな場面でしょうか？

菅野　上町さんからお話もあった通り、データを見た際に素材や形状との関係から、マスクの強度について実現が難しいと感じる部分はあったんですが、それに加えてそれぞれのマスクがどうやって顔に固定されるのか工夫が必要そうな部分がいくつかあったんです。というのも、どちらのマスクも理想的な絵面から逆算されて作られたデザインだったので、このままだとそもそもマスクを顔に着けることが物理的に難しい部分もあるんじゃないかと想定されました。そんな中でも、seccaチームはあくまでも最初に得たインスピレーションと、そのデザインの良さを全く損なうことなく、むしろそれを良くする形で実装まで持ち込んでいる。その点においてseccaの創意工夫が素晴らしいなと感じていました。

また、このマスクはただ3Dプリンタでプリントアウトすれば完成というものではなくて、しっかり手触りの触感や透明度などの外観の質感を理想的なものにするためには、職人的な手作業が相当程度発生します。それは今日明日学べば出来るというものではないわけです。ビョークやJamesという世界最高峰のクリエイティヴな人が発想するデザインやコンセプトを一切損なわずに実現するというのは、熟練のエンジニアさんでもなかなかできることではありません。もっと言えば、デジタルエンジニアリングの能力と職人的な手作業の能力が両方必要になってくる。経験値や作品に対しての理解はもちろん、精神論にはなりますが極限まで諦めない力も必要になってくる。seccaチームはトータルにおいて完璧だったので、今回は上町さんたちのおかげで実現したと思っています。

────以前上町さんは、普段seccaが工芸品を製作する中で、作品としての表現と、日常の中で使われるプロダクトとしての機能性を両立することを追求しているとおっしゃられていましたね。今回のお話はそれに通ずる部分があるのではないかと思いました。

上町　その究極的なものかもしれないですよね。例えば、量産前提の日常で使う食器だと、使っていただく人やシーンが多様であるため、手に取る一人ひとりに満足いただけるように、多様な欲求に対してどうしても平均的なデザインに落とし込むことがあります。今回はビョークさんのためだけに作ったので、彼女がいかにベストの状態でパフォーマンスに集中できるかに注力し、マスクがノイズにならないことを最も意識しました。もしマスク自体が折れたり、壊れたり、パフォーマンス中に外れてしまったりするようなことが発生したら、ライブに来られている方の時間や体験価値も含めて、一度何かが崩れてしまう。それが一番恐れていたことで、ひょっとすると公演後にも影響しかねないですから。

──菅野さんは2015年の“Mouth Mantora”のMVで初めてビョークと関わって以降、“Quicksand”のストリーミングライブのVR映像を制作されたり、トークイベントや雑誌で対談されたりと、ビョーク自身のクリエイティヴや考えについて触れる機会も多くあったと思います。その中で印象に残っていることはありますか？

菅野　まずはクリエイティヴな判断に対して、非常に丁寧で、ちゃんと時間と手間をかけるということです。一番最初にお手伝いした“Mouth Mantra“のMVも口の中を映像化するという極めて難易度の高いアイデアを実現するまでに丁寧に手間をかけてちゃんと検討をして実現していた。2016年に東京で開催された＜Björk ： Digital VR＞展でお手伝いした“Quicksand”のライブ映像も、ライブカメラでストリーミングしたものはリアルタイムで配信されたんですが、その後アーカイブ作品を公開するまで、かなり丁寧に検討したり、たくさんのクリエイティヴなやりとりが発生したりしたのを覚えています。

もう一つ印象的だったのは、対談中にアートとテクノロジーとの関係性についてビョークに質問した時の話です。彼女は新しいテクノロジーを取り入れることはすごく好きだと話してくれたんですが、その例にピアノやバイオリンといった現代では当たり前となった伝統的な楽器を持ち出して話してくれたんです。「ピアノやバイオリンも誕生した時は最新テクノロジーだった」と。ピアノに関しては、その技術自体が楽曲のタイトルになるほど主題として扱われていました。けれど現代では、ピアノが使われていることが音楽の主題になることはあまりないですよね。テクノロジーは当初それを使うこと自体が喧伝されたり、一つのテーマになり得たりもしますが、いつの間にかテクノロジーは消えて、音楽とそれがもたらす感情だけが残るわけです。彼女は「感情表現をするにあたって、バイオリンをこう弾けば感情を表現できるという演奏方法や表現は、長い歴史の中で培われてきました。言ってみれば、バイオリンとは昔のコンピューターみたいなもの。アーティストがしなければいけないことは、自分たちが生きる時代ならではの、当たり前のように使っているツールをあえて使って表現すること。テクノロジーに心を入れるのがアーティストの仕事だと思う」という言い方をしていました。それが一番印象に残っています。

菅野　そういうビョークのテクノロジーに対しての姿勢は、seccaチームが得意とする3Dプリンティングのような最新の技術を使ったクリエイションでも同じことが言えます。seccaをチームに誘った理由の一つは最新テクノロジーでものづくりすることに長けていながら、あまりそれが最終的な成果物の前面に押し出されていないこと。裏側に新しい技術があることはそのデザインが成立したプロセスを読み解くと当然わかるんですが、テクノロジーの介在がデザインより前に出てくることがないんです。それがビョークとのこれまでのコミュニケーションの中で得た僕の感覚とすごく合うなと思いました。

──とても重要で興味深いお話ですが、以前上町さんにインタビューさせていただいた際も、テクノロジーを使用することが目的なのではなく、あくまでも表現するためのツールなのであって、何を実現するかが重要だ、というお話もされていましたね。

上町　はい。僕たちも意識していることは全く同じで、やっぱり心を動かすかどうか。そこが価値を生む最も重要なポイントだと思っています。なので、心を動かすために体験が必要で、体験のためにインターフェースとして物が存在しているという順序でものごとを捉えています。僕たちは過去の人がやってきたことを学んで活かしているわけですが、ただ過去の人と同じことをやったとしてもあまり価値を生めない。時代も変わっているし、受け手の感性も変容しているわけで、新しい体験や今にフィットした体験、その人だけに届けたい体験を追求すると、必然的に過去の人が選択できない手段の中にヒントがあることが多いんですね。例えば3Dプリンティングも江戸時代にあったとしたら、職人やアーティストたちに必ず使われていると思います。過去の人が選択できなかったツールが僕たちの目の前にあって、その先に過去の人が到達できなかった着地点があるのであれば、積極的に試すべき。そうした姿勢で取り組んでいます。

今回Jamesさんと共同で作業してみて感動したのは、お互い違うアイデンティティや価値観を持っていたとしても、クリエイションを通して非言語で繋がれるんだということ。僕が英語をカタコトでしか話せないので、言語でコミュニケーションを取るのは難しかったんですが、何を美しいと思うのか、何に感動するのかという点においてはすごく息が合っていたなと思います。今回の活動の裏で得た大きな気づきだったかもしれないですね。

菅野　僕は関わる仕事の9割以上でプロジェクト全体のクリエイティヴディレクターを担っていますし、seccaももちろんそうで、普段は署名が入った自分たちのアイデアとクリエイションで戦っています。ただテクニカルディレクションや3Dプリンティングだけを受託している会社というわけでは決してありません。ただ今回のプロジェクトは我々がリードするのではなく、ビョークがクリエイティヴディレクターで、Jamesがアーティストでありデザイナーなわけです。上町さんの気づきは、自分たちではなく他の誰かがリードするチームの中での取り組みならではですよね。ビョークという稀代のアーティストのクリエイションをサポートする、彼らのやりたいことをどう実現するか。普段と思考のプロセスは違いますが、ビョークとJamesのやりたいことを真摯に受け止めて、ビジョンをしっかり認識した上で我々が実装をお手伝いしていくわけです。それが新鮮でとても楽しかったです。今回僕らが共通して意識していたビジョンは、クリエイションを通して受け手にどんなエモーションを届けるかということ。僕の知っているseccaはそれを表現することに長けていて、世界に誇る才能と実績もある方々だと思っています。この事実を多くの人に知ってもらいたかったんです。

今回のような世界的なアーティストのプロジェクトに、彼らのような日本で長く受け継がれる伝統技術を熟知して最先端のテクノロジーを扱うような職人が参画していることはすごく珍しいことですよね。普段のメインワークである自分たちの仕事とは違うアプローチで、世界的なプロジェクトに参画したseccaの素晴らしさを伝えることで、普段とは違う角度から光が当たればいいなと思います。こういう仕事でも、世界から評価されるような仕事をする人たちであるということを理解してもらえれば、彼らに対する認識も広がっていく。これから彼らの製作物や仕事に興味を持つ方々も増えるはずですし、僕もそれを心から願っています。