━━そもそも前提として世界のファッション市場の中で、アジアはどのくらいのシェアを占めているのでしょうか？ 真部大河（以下、真部）　アパレル業界における世界の4割のシェアはアジアが持っているんですよね。そもそも、世界の人口の6割がアジア人であり、中国をはじめ東南アジアも含めて大きな経済成長を遂げており個人消費も活発です。今後ますますシェアを拡大していくでしょう。そして近年さらにアジアのファッションは盛り上がっており、それは音楽やファッションが相互にカルチャーと密接に結びついているからだと言えます。

━━具体的なきっかけは何かあるでしょうか？ 真部　2016年くらいからBLACK PINKやBTSといったK-POPが世界に台頭したタイミングで、ストリート文脈からも〈88rising〉だったり、アジア人ラッパーやアーティストが欧米のチャートにランクインして人気を博すようになりました。そのあたりからアジアのカルチャーが、世界中で評価されたと感じています。そういったアジア人のラッパーやアーティストたちが世界でファッションアイコンとしても人気となり、アジア圏内にも逆輸入されることで、アジアのファッションやカルチャーの需要も近年さらに高まっていると感じてます。 松岡那苗（以下、松岡）　私も当時からアジアを巡っていたのですが、特にマレーシアでは日本のバブル時代みたく、クラブに人が集まるみたいな風潮が当たり前で、今の日本の何倍もの資金を使って、音楽とファッションといったカルチャーに投資している姿を目の当たりにしました。その瞬間にアジアに対する“発展途上国”という印象が一気に崩れて。今、世界で経済を回しているのは、アジアだと肌で感じたタイミングで今の事業をはじめたんです。 ━━アジアのストリートファッションがなぜいわゆる欧米圏で受け入れられるようになったと分析されますか？ 真部　これは仮説ですが、欧米のマーケットにK-POPのBLACK PINKやBTSといったアーティストが食い込むことで、その人たちのバックグラウンドにあるファッションやアジアのカルチャーに注目が集まったことも1つの大きな要素だと思うんです。

━━包括的なアジアのカルチャーに興味を持たれているのか、そうした個別具体の事例から興味を持たれているのかどちらでしょうか？ 真部　包括的というより個々のアーティストの背景にあるカルチャーが新鮮に受け取られている気がします。例えば、韓国のストリートファッションが流行っているのも、USのストリートの文脈より、その国の人にあった骨格とかスタイルとか経済力に合わせた価値観のものが出ている。欧米のいい要素を取り入れながら、韓国ストリートに昇華できていると感じます。そういう感覚を欧米の人たちが“新しいもの”として、面白がっているんです。 ━━どういうプロセスでストリートブランドがアジアで勃興しはじめているんでしょうか？ 松岡　基本的にはスケーターとDJといった音楽を牽引している人達が独自で立ち上げたブランドが多いですね。例えばジャカルタ（インドネシアの首都）では、スケーターやヒップホップアーティストが30〜40代になったタイミングでブランドをはじめて、ローカルのコミュニティリーダー的に扱われることが多いですね。

━━今後のアジアのブランドの台頭をどのように予測されますか？ 真部　アジアのファッションやカルチャーが世界で評価されてきたことにより、今まではアメリカやヨーロッパのファッションを主に消費していたアジア人が、自国のブランドを消費するようになってます。そういった現象がアジア各地で起き始めており、ローカルで根強い人気を得ているブランドが多く立ち上がってます。そして、そういったブランドたちがSNSやインターネットを通してアジアにじわじわと広がっている印象です。 松岡　経済的な数字面もそうですが、消費者1人ひとりもブランドのクリエイターも、結局どこか“舐められてた”感覚が、根強い気がしていて。だからこそ、K-POPのアーティストはどのステージでも韓国の服を着て、インドネシアの人はジャカルタの服を着て、自分たちの国とプレゼンスしていくし、それを支えるクリエイターがいる。そうした“反骨精神”が彼らの連帯を強くしている印象を受けます。 ━━なるほど。 松岡　〈SIXTYPERCENT〉とコラボレーションしてくれるデザイナーたちに「アジアのブランド自体を底上げするプラットフォームがなかったのでやりましょうか」と話すと、ミッションベースで彼らは動いてくれるんです。例えば、インドネシアに〈Thanksinsomnia〉というスケーターブランドがあって。彼らはアイテムをネットにあげると即完する規模の人気を博しています。〈SIXTYPERCENT〉として提携する上で、ジャカルタのブランドとして最初に声をかけた際に、「アジアのストリートをいかに盛り上げるか』という話をしたら、『俺が他のブランドを引っ張る』と言ってくださったんです。そして鶴の一声で参加してくれるのがトップクラスのブランドさんだったりする。ビジネスの話は二の次で、カルチャーを作るために集まってきてくれるのだと感じます。

━━アジアのブランドマーケットが台頭することで、これまでのファッション業界を取り巻く構造は変わるでしょうか？ 松岡　そうですね。アジアは自国に生産環境が整っていてノウハウも蓄積されているので、自分たちのクリエイティブが担保されれば、何の問題もなくなってきている。つまり今までパリ、NY、ロンドン、ミラノといった欧米に行ってコレクションを立ち上げるのが、ファッションにおいて勝ち筋だったのが、そうじゃなくなってきている。結局、自国とアジアのマーケットでやれば勝っていける人たちが増えていくと思っています。 真部　今まではローカルに留まっていたものがジワジワと自国で広がり隣の国のアジアの国で広がり、という動きは起きやすいんじゃないかなと。小さなセレクトショップとか立ち上がったばかりのストリートブランドだったりとか、その熱量が今後増えていくんじゃないかなという感じで、定期的にチェックしていきたいなとは思いますね。 ━━様々な国を巡られた2人から見て、これから注目しておいた方がいいのはどんな国々ですか？ 真部　インドネシアです。インドネシアの人口は2億人と日本より多く、所得水準も上がっております。「Tokopedia」などECなどの普及もあり様々なブランドがローカルで立ち上がっております。ただ、輸出入の規制が厳しく内需主導型経済なので、まだ外にそういったローカルの盛り上がりがそこまで可視化されていないんです。 ━━音楽面で言えば、既に〈88rising〉のRich Brianというラッパーが、インドネシア出身の世界的アーティストも出てきてますしね。松岡さんはどうですか？

松岡　私はマレーシアです。マレーシアにはヒップホップといった音楽やファッション関係の人たちにとって、『Hidden Bar』という隠れバーが至るところにあるんです。玩具屋さんみたいな店のドアを開けると、内装は綺麗なバーみたいな。マレーシアってお酒が基本的にダメという宗教柄、“隠れバー”を地下に作るのがバズったんです。そうしたアンダーグラウンドでDJがファッションデザイナーと会ってワイワイパーティーしているんですよ。遊び場の作り込み方がすごい上手いです。ビジネス的に考えても、植民地時代の背景があるから、実は中国語と英語ができる人がほとんどだから世界に売って出やすい。そこも強みだと感じています。

━━総じてコミュニティヒーローが世界にうって出やすい環境が整ってきていると。 真部　はい。自国の同じシーンにいる人たちが作ったブランドや音楽などのクリエティブが内需で消費されて、体力も自ずと伴っていく。しかるべきタイミングで世界に開けた時には、日本で裏原ブームが起きて、原宿が世界におけるファッションの中心地として知られるようになったような現象が、SNSやインターネットが普及した今の時代にアップデートされた形でアジア各国で起きる気がします。 ━━勃興するアジアのマーケットは“遊び場作り”が上手いというか。秘密の流れをカルチャーとして作るのが上手いということなんですね。 松岡　はい。現にカルチャー作りにお金をかける余裕がまだまだアジアにはあるからだと思いますね。純粋にお金持ちが増えてきて、遊びに気持ち良くお金を使うので。ノリで“スケボーパークを作っちゃった”みたいな（笑）。地価や生活にかかるコストが未だ高騰していない中で、所得も上がってる人たちが、遊びにお金を投資していると思いますね。だからこそ、今の東京より楽しそうなところはいっぱいあるなと思います。

━━成熟しきった日本のマーケットが勃興する国々のカルチャーから学べるところはどんな部分にあるとお考えでしょうか？ 真部　基本的に遊びに面白がってお金を出す人がいないと、新しいカルチャーって成立しないと思うんです。 松岡　お金を使うの恥ずかしいし、ダサいという考え方が横行するとカルチャーが面白くなるわけがない。例えば、インドネシアやアジア地域全般では、ドローンで撮影するのが当たり前なので、本当に小さいブランドでも空撮を行っていたり。これどこからお金が出てるんだろうと思うこともありますが、アジアの市場がバブルというタイミングということもあるので、そういう動きは肯定的に受け止めたいですよね。 真部　あと矛盾するようですが、本当に面白いことはオンラインに落ちていないことが結構あります。ローカルのストアとその熱量がアジア圏内で広がりやすいと思うんです。だからこそ現地に足を運んで、注目して、それを〈SIXTYPERCENT〉という事業を通して発信していけたらと思っています。

SIXTY PERCENT SIXTY PERCENT（シックスティーパーセント）は、アジアのファッションを世界へ発信するパイオニアとして、アジア10カ国85ブランド以上を集めたハイストリートセレクトECとして展開。韓国やベトナムの入手困難なブランドが軒並み出店し、業界人を中心に話題を呼んだ。“NOT MADE IN PARIS”というコンセプトを掲げたオリジナルブランドも展開。 出店ブランドは主にK-POP領域で人気の高いBTSやTWICE、BLACKPINK等が着用して人気を浴びる韓国ストリートブランドを筆頭に、アジア各国で人気を浴びているベトナムブランドや台湾、香港のブランドなどが出店をしている。出店ブランド例：BORNCHAMPS（ボーンチャンプス）、MORE THAN DOPE（モアザンドープ）、vivastudio（ビバストゥディオ）、JOYRICH（ジョイリッチ）など述べ85ブランド。 HP｜Instagram

━━Tomgggさんはもともと国立音大に通っていたと思いますが、そのときにつくっていた音楽は、よりアカデミックなタイプの、今とはまた違うものだったそうですね。 そうですね。当時の自分が特に凝っていたのは「空間音響」でした。分かりやすく言うと、映画館などで使われている5.1chサラウンドなどと一緒で、メロディやリズムの要素だけではなく、「空間における広がり」のようなものを作曲することに興味があったんです。 ━━音が聞こえる方向なども含めて、「空間の中で音をデザインする」ということですね。 そういうことを研究しながら、大学院まで進んだんですけど、修士課程ではお客さんをスピーカーとドラムセット４台で囲んで、パーカッションをつかった攻めた作品をつくったりしていました（笑）。というのも、僕は昔からパーカッションが好きで、もとをたどると、父親のコレクションの中から見つけたキング・クリムゾン（King Crimson）の『太陽と戦慄』の、ジェイミー・ミューア（Jamie Muir）の打楽器がすごく好きだったんです。なので、それがずっと自分の中に残っていて。そういう音楽のアカデミックな側面を突き詰めていたのが大学時代でした。 ━━そして、大学卒業後にそういったアカデミックなものとは違う音楽をつくりはじめて、マルチネのような人たちと繋がることになったと。それまでアカデミックな音楽の研究をしていた人が、ネットレーベルのようなストリート感覚のある人たちと繋がるというのは面白いですね。 僕は昔からポップでひねくれたものが好きだったし、メインストリームのものよりも、そこから少し外れたものが好きだったんです。〈Warp Records〉の作品もすごく好きで、クラブイベントにも行っていたので、それをもっとポップにしたのがマルチネなのかな、と思っていました。当時は日本でもネットレーベルがたくさん出てきた頃で、音楽とジャケットがあればつくったものを簡単に世に出せる方法が生まれていました。「音楽をつくるのが好きな人たちがたくさんいるんだな」「みんな音楽を発表したいんだな」というパワーを感じました。 アカデミックな領域で音楽をつくっていると、「果たしてこれを聴いてくれる人がいるのか」という問題にぶつかるんですよ。在学中は学会のようなものもあって、そこで行なわれていたテクノロジーの研究はもちろん価値があるものだと思うんですけど、一方でその技術でつくられた音楽は、先鋭化しすぎていて「誰も聴いてくれないのでは」と思うようになって。そこで生まれた発想を、もっとポップなものに翻訳してみよう、と思ったのが、大きなきっかけだったと思います。自分がそう思っていたことと、マルチネのような人たちのつくっているものとが、あのタイミングでちょうど合ったというか。当時マルチネからリリースされていた音楽は、ワンアイディアのシンプルな構成が多かったと思うんですけど、僕の場合は複雑性を持ったまま、それをポップなものに落とし込んでみたいと思っていました。 ━━Tomgggさんの曲は、色々な要素を足し算的に詰め込んでいくような雰囲気ですよね。 最初にネットに音源を上げはじめた頃は、もっとテクノ寄りの音だったんですけど、マルチネからリリースされたbo en（ボー・エン）の音楽を聴いたことが、影響として大きかったと思います。そこで「もっと歌やメロディがあってもいいんだな」「もっと素敵な感じでもいいんだな」と思いました。あと、あの頃って、Soundcloudの「like」を見られる機能を使って、「この人がつけているlikeは間違いない」というものが共有されはじめましたよね。そこから音楽的にもどんどん興味が広がっていったし、僕の曲も、ライアン・ヘムズワース（Ryan Hemsworth）のような海外のトラックメイカーがlikeをつけてくれて、一緒に曲をつくったりするようになりました。そういう経験の中で、国を越えられる感覚というか、「境界線なんてないんだな」と感じたというか。Soundcloudの場合は音楽だけで海外の人たちとも繋がれたので、言語も国境も関係ないんだな、ということを実感として感じられたことも大きかったような気がします。

━━今回の最新EP『Unbalance』にも、日本だけでなく、アジアの様々なアーティストが参加しています。こうしたアジアの音楽に興味をもったきっかけというと？ 最初のきっかけは、中国のヒップホップグループ、ハイヤー・ブラザーズ（Higher Brothers）だったと思います。そこから『The Rap of China』（2017年にはじまった中国のラップバトル番組）やCDCのような人たちがやっていることに触れて、「知らない言語のラップって面白いな」「アジアの音楽事情ってどうなんだろう？」と調べるようになって。そうこうしているうちに、ちょうど2019年の3月に、ベトナムのハノイとホーチミンに行く機会もできたりしたので（国際交流基金アジアセンターのメディアアート交流事業《Bordering Practice 2019》）、今回のEPにもその興味が反映されたんだと思います。pinokoさんや泉まくらさんとともに、アジアで活動する3人の国外のアーティストの方にも参加してもらえることになりました。 ━━実際、言語の違いによって、ラップのフロウや歌の節回しは大きく変わってきますよね。 そうですね。言語によってアクセントも違いますし、「言語もサウンドのひとつだな」と思いますね。今回の制作は、まず僕がトラックを送って、そこにラップやボーカルを乗せてもらう形で進めたんですけど、僕は言葉やラップを、「声」というよりは「音のかたち」として捉えている部分があって。音の色や質感のようなもの、たとえば「つやつやしている」とか「コロコロしている」という感覚が、同じように言語にもあるのかな、と思っているんです。今回のEPのリード曲“Misunderstand”も、台湾語のアクセントがすごく立っている感じがマリンバのような音と合うかな、と思ってつくっていった曲でした。 ━━声や歌も音のテクスチャーとして捉えている感覚なんですね。 僕はCorneliusのような言葉の響きにこだわってつくられている音楽にも影響を受けてきたので、歌やラップを、歌詞というよりも音として聴いている部分があるんだと思います。今回はそれぞれのアーティストが入れてくれたラップのテクスチャーに寄り添って、自分のトラックも音のかたちを変えていくような方法で作業を進めていきました。 ━━では、『Unbalance』について詳しく聞かせてください。そもそも、作品をつくりはじめるときに「こんな作品にしたい」という意味で、考えていたことはありましたか？ 今回は4曲ともにフィーチャリングという形で制作していて、ラップや、ラップのような歌を入れてもらっていますけど、今は時代的にも、ラップが歌やリズムのエッジにあって、その可能性を開拓してくれている感じがしますよね。そこで今回は、自分の作品にも、その要素を加えてもらいたいと思っていました。1年前頃につくりはじめたんですけど、まずはビートをたくさんつくって、いいものができたらそれをもうちょっと作り込んでいく、という形で進めていきました。

━━最初にできた曲はどのあたりだったんですか？ リード曲の“Misunderstand”や、pinokoさんとの“Sweet Salt”だったと思います。この2曲をつくりはじめたときは、まず、曲を短くしようということを決めました。今までの僕の曲は5分ぐらいの長めのものが多くて、自分が伝えたい世界観をつくり上げるにはそれぐらいの時間が必要だと思っていたんですけど、tofubeatsの“RUN”を聴いたときに、２分もない短い曲でも構成や展開、伝えたい内容を表現できることに結構衝撃を受けたんです。それもあって、“Misunderstand”をつくっていたら、自分の曲も２分半ほどになりました。それなら、今回は全部３分以内のものにしてみよう、という気持ちで他の曲をつくりはじめたんです。なので、今回は曲の尺をある程度決めた状態で曲をつくっていきました。 ━━あえて制約というか、ルールを設けてつくってみよう、と。 そうすると、つくっていてもこれまでとはまた違った感覚で面白かったです。音を詰め込んでしまうと聴きにくくなってしまうし、逆に音を減らしすぎてもつくりたいものがつくれなくなってしまう。そんなルールの中で自分にとっての新しい構成を試したのが、“Misunderstand”と“Sweet Salt”でした。この２曲は、楽曲の山になる部分が1回しか出てこないような構造になっていますよね。そういう曲をつくれたのは、自分的にも満足している部分です。 ━━だからなのか、これまでの作品と比べると、Tomgggさんらしいフレーズの出しどころがかなり考えて選ばれているようにも感じました。 今回のようなルールを設けると、印象的なフレーズをピークに持ってくるにしても１～２カ所しか鳴らせないので、鳴らすところでは鳴らして、抜くところでは抜くというふうに、その出しどころを絞っていくことになって。「捨てるところは捨てる」というふうにガンガン切っていったんです。なので、“Misunderstand”でも、盛り上がるところが終わったらすぐに平歌（ひらうた）に行く、という構成になっていて、歌ってくれたAda Shihからすれば大変だったとは思うんですけど、自分の中では「新しい構造の曲ができた」と思いました。

━━“Misunderstand”と“Sweet Salt”では、ゲストのみなさんとどのようにやりとりして制作を進めていったんですか？ かなりシンプルだったのが“Misunderstand”で、この曲に参加してくれた台湾のLil Iceはトップラインも書ける人なので、トラックを送ったら、コーラスも入れて返してくれました。「僕が手を加えるところはほとんどないな」というものが送られてきたので、メロディラインも任せて、僕はそれを編集していった形です。Lil IceやAda Shihは、中国語圏～アジア圏のラッパーをリストアップしていく中で手を挙げてくれた人たちでした。 2人とも台湾でYouTuberとして活動していますけど、同時に音楽も本格的にできる人で、共通の音楽言語があったのもよかったと思います。『The Rap of China』に出ている人たちに声をかけた場合、彼らはゴリゴリのヒップホップカルチャーの人たちなので、音楽をつくる際に話が通じないとこわいな、という気持ちもあったので。Ada Shihは、Lil Iceとは対照的な歌声の人で、フックの後の平歌もスッと出てきてくれるので、曲の中で温度差をつけやすくてすごく助かりました。2人が参加してくれたことで、曲自体がいいものになったと思っています。 ━━歌詞のテーマとしては、Tomgggさんからある程度決まったテーマを投げたんですか？ そうですね。今回のEPの曲の歌詞は、どれも『Unbalance』というタイトルに繋がっています。「Unbalance」とはつまり、「様々な狭間で起こるバランス」のことですね。何か物事があれば、そこには必ず色々なバランスが存在します。たとえば僕の場合は、今はフリーで活動していますけど、このEPをつくりはじめたときは、まだ仕事をしながら音楽をつくっていて。ある意味、当時はまだやりたくないことにかける時間の方が多かったので、それがバランスを考えることに繋がったと思います。なので、きっかけは単純に自分のことでした（笑）。 ただ、もちろんそれだけではなくて、このバランスって世の中の色んな場面において生まれるものだと思いますし、今はちょっとネガティブな意味で使いましたけど、偏りがあることは、必ずしも悪いことではないとも思っていて。むしろその偏りによって魅力的な、コケティッシュなものが生まれたりすることって多いと思うんです。 ━━確かにそうですね。全員がニュートラルではなくてそれぞれに偏っているからこそ、人それぞれの個性が生まれる、ということでもあると思うので。 そうですね。そこで今回は、分かりやすく言うと二項対立というか、「過去と現在」「子供と大人」「夢と現実」というような、何かの狭間で揺れ動くことに関するテーマをそれぞれに投げかけて、それをもとに、歌詞を考えてもらいました。

━━なるほど。“Misunderstand”だと、「過去と現在」がテーマになっていますね。 そうですね。一方でpinokoさんとの“Sweet Salt”では、「子供と大人」というテーマを投げかけてみました。それで歌詞にも、「甘くてしょっぱい」というフレーズや「おとなになれないまま／こどもにも戻れないよ、ママ」というフレーズを入れてくれているんだと思いますし、そこに「夢と現実」というテーマも重ねてくれていると思います。“Sweet Salt”の場合は、トラック自体は最初はもっとシンプルなものだったんですけど、pinokoさんが入れてくれたラップを受けて、さらに音を追加していきました。その結果、僕としてはかなり派手なトラックになったと思っています。この曲は、サビのコーラスも自分でつくったんですけど、レコーディングのときにpinokoさんが、「そこにハモリを入れたい」と言ってくれて。「どう入れるのかな？」と思っていたら、もとのメロディに対して感覚的にハモリを入れてくれてすごく面白かったので、その部分も最終的に残してみました。 ━━pinokoさんだからこそ出てくるものを加えることで、楽曲としても「いいアンバランス」が生まれていく、ということですね。 次につくったのは、Airliftzとの３曲目“Growing”です。この曲は、自分では結構ハチャメチャな曲だと思っていて、トラックはデモの段階で完成形とほぼ同じでした。そこにどんなふうにラップを乗せてくれるのかな、どこに乗せてくれるのかな、と思っていたら、Airliftzがすごくいい感じに乗せてくれて。ただ、最初は全編英語詞だったんです。そこで、僕からマレーシアの言語も加えてほしい、とリクエストしました。そうすることで、日本語でも英語でもない、亜熱帯の国ならではの、ちょっと湿気感を感じるような独特の雰囲気が生まれたと思います。AirliftzはYouTubeに曲を色々上げているんですけど、僕はこの人の声が好きで、曲にも魅力を感じて、「絶対この人とやりたい」と声をかけました。 ━━ちなみに、今回のEPは、はっきりとジャンルに分けることが難しいものばかりになっているように感じます。制作にあたって、特に影響を受けたものはあったんですか？ 制作中に聴いていたもので言えば、トラップもそうですし、エレクトロニック・ミュージックもそうですけど……「色んなものを聴いた」としか言えないような感覚です。それが全部混ざっているというか。たとえばトラップの要素を取り入れるにしても、アトランタ風のトラップを僕がやっても仕方ないと思っていましたし、前作でやっていたようなフューチャーベースとどう距離を置こうか、ということも考えていました。僕の場合、「まだ聴いたことのない、新しいものをつくりたい」ということが一番にあって、同時に色んな要素を取り入れたものにしたいと思っているんです。あとは、EPのすべてに言えることではないかもしれないんですけど、僕はジェイペグマフィア（JPEGMAFIA）が好きなんですよ。あの人の音楽って、基本的に「コラージュの音楽」ですよね。僕は作曲畑の人間なので、その視点から色んな要素をくっつけて、コラージュしたものをつくってみようということは考えていたかもしれません。

━━では4曲目、泉まくらさんとの“Girl”はどうでしょう？ 泉まくらさんとは、2014年に禁断の多数決の“ちゅうとはんぱはやめて feat. 泉まくら”でリミックスをやらせてもらったり、その後もご一緒させてもらったりしたんですけど、福岡在住ということもあってなかなか会う機会はなく、これまでめちゃくちゃ面識があるというわけではありませんでした。でも、いつか僕の作品でも一緒にやりたいな、と思っていたので、今回お声がけしました。この曲は、泉まくらさんらしい、淡々としたラップが映えるようにしたかったので、その魅力を際立たせるために、最初は賑やかなタイプのトラックを送ったんですけど、実際にラップを入れてもらったものを聴いて、トラックに変更を加えました。808のたゆたうようなビートにして、まくらさんの声により合うものにしました。どの曲もトラックを一度ぶつけてみて、そこから「この人により合うものにするにはどうすればいいか」ということを考えていきました。 ━━今回のEPをつくっていて、新しく気づいたことはありますか？ 僕の場合、基本的に「かわいい音楽」というものに括られがちで、実際にそういうものが好きでもあるんですけど、この間、Hercelotくんと話していたときに、世間一般的に言われる「かわいい」と、僕らが思う「かわいい」にズレがあることに気づいたんですよ。たとえば、僕はkawaii futurebaseも好きですけど、でもそれって自分の思う「かわいい」とはどこか違う感じもしていて。じゃあ、「僕が思う『かわいい』って、何だろう？」という話をして。そこで気づいたのが、「僕は弱いものや小さいものに『かわいい』と思うんじゃないか？」ということでした。 小さなどんぐりでもいいですし、花でもいいんですけど、僕がかわいいと思うものって「小さくて」「見つけられるもの」で、「カワイイはつくれる」の「カワイイ」とは、ちょっと違うんじゃないかな、と。そもそも、自分のルーツにあるエレクトロニカへの興味も、そういうものなんだと思います。あれって単純に音として考えると、（クリック音のような）結構弱い要素でつくられている音楽だと思うんですよ。つまり、自分が惹かれるのはEDM的に「かわいい」という記号を組み合わせて最強の曲をつくる、という発想の「かわいい」ではないんじゃないかな、と気づいたんです。 ━━なるほど、とても面白い話ですね。 そもそも、今回のEPでは、「かわいいから遠ざかるにはどうしたらいいんだろう？」と思っていた部分もありました。でも、結局、スケブリさんがつくってくれた“Misunderstand”のMVにしても、かわいい部分が見え隠れしていて。今回のEPの曲自体も、よく聴いてもらうと、音の中にかわいさが見え隠れするような、くすぐるものがあるんじゃないかな、と思っています。今回は「かわいい」をテーマにしている作品というわけではなかったんですけど、そういうものも見つけられるというか、「かわいいはこれだ！」ではなくて「かわいいもあるかもしれない」というか（笑）。そんな変化があった作品でもあるかもしれません。

━━Tomgggさん自身は、その変化って何で起こったんだと思いますか？ ひとつあるのは、自分から目立っていくぞ、ということではなくなってきているんだと思います。以前は、聴いてもらうために過剰なことをしよう、過剰にキラキラさせようと思ったりしていて、それが音にも表れていたと思うんですけど、今は「そうじゃなくてもいいんだな」と思えるようになったというか。もっと、音のよさで惹きつけられる要素を加えられるといいな、と思うようになってきているんです。そういう意味でも、以前のTomgggの音では届かなかったような人にも、今回のEPが届いてくれたらいいな、と思っています。 楽曲提供やリミックスを通じて、曲自体はずっとつくっていましたけど、自分の作品をつくるのは、約４年ぶりのことで。自分の作品は締切がない自分との戦いなので、誰も「これでいいですよ」と言ってくれないんですよね（笑）。でも、今回は5人のラッパー／ボーカリストとの共作という形で、色んな人たちとやらせてもらって、だからこそ作品に加えてもらえた魅力がたくさんあったので、自分の世界が広がったような感覚がありました。今回のEPを通して、「今の自分はこう考えてますよ」ということを伝えられたらいいな、と。 ━━この作品のリリース以降、どんなことに挑戦していきたいと考えていますか？ それはやっぱり、ずっと音楽をつくっていきたいな、ということですね。僕は結局、音楽をつくること自体が好きなんですよ。なので、今回の４曲も大切な曲になったし、また新しいことに挑戦したいとも思っています。今回はヒップホップっぽさを全面に出しましたけど、一方でシンガーソングライターにも面白いことをしている人たちがたくさんいますし、エレクトロニック・ミュージックも面白いことになってきていますし、もっとシンプルなハウスのような音楽も、映画やアニメの劇伴もやってみたいと思いますし。やりたいことは本当にまだまだたくさんあるので、これからも色んなことをやっていきたいと思っています。

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