5月13日（土）・14日（日）に埼玉・秩父ミューズパークにて＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞が開催された。

「新世代ジャズフェスティバル」を掲げ、全20組のアーティストが登場した2日間。荒天が予想されたものの、パフォーマンスを阻害するほどの雨が降ることはなく、むしろ秩父の青々とした草木が会場全体を取り囲むような効果を感じられるほどには、ライブ体験とライブ環境が調和していた。

この2日間で強調されていたのは、広い意味での「クロスオーバー」だったように思える。演奏される音楽はもちろん、会場内でのコミュニケーション、そしてアーティスト同士でさえもそうだ。領域と領域が渾然一体となり、一つのグルーヴへと収斂していく光景がいくつも見られたのだ。

例えば初日に登場したドミ＆JD・ベック（Domi & JD Beck）。昨年発表したデビュー作『NOT TiGHT』が絶賛の嵐、先月開催された＜Coachella Festival 2023＞でのパフォーマンスで成功を収めるなど、ジャズシーン周辺で最もホットな2人組と言っても過言ではないだろう。

眩暈がするほどの超絶技巧と、2人の波長が通じ合う様に驚嘆させられっぱなし、圧巻のステージ。観客は息を呑む者とリズムを掴まえて踊り続ける者に分かれていた。その両者を掛け合わせたのは、トリビュートを盛り込んだ絶妙なセットリストだ。ウェイン・ショーター（Wayne Shorter）への追悼の意を込めて披露された“Endangered Species”からウェザー・リポート（Weather Report）“Havona”のカバー、そしてマッドヴィレイン（Madvillain）のトリビュートと、彼らがこれまで取り込んできたあらゆる年代の名プレーヤーに向けられたリスペクトが表現されていた。それは2人のプレーヤーとしての姿勢とオリジナル曲と地続きなものであるし、絶えずクロスオーバーしていた2日間のハイライトでもある。

＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞のレジデンシャルバンドとしてフル稼働したSOIL&”PIMP”SESSIONSは、多種多様なゲストボーカルを迎えてフェスに彩りを添えた。

初日にはAI、bird、家入レオが登場。3人はスタイルを崩すことなく歌いあげ、その上でSOIL&”PIMP”SESSIONSのパッショネイトな演奏がアクセントになったり、前面に出てソロをとったり、様々な表情があらわになった。各々の代表曲からジャズのスタンダードナンバーまで、ここでしか見ることのできなかった贅沢なステージである。

レジデンシャルバンドとしてその牽引力のさらなる展開を魅せたのは、SKY-HI & BMSG POSSEが登場し、卓越したステージングを炸裂させた2日目。Aile The ShotaとBE:FIRSTとして活躍するMANATOとSOTAによって結成されたShowMinorSavageに加え、トレーニーのREIKOも参加。2人の「社長」を交えながら、彼らは熱狂するオーディエンスをグイグイと惹きつけていく。舞台上でワインを酌み交わしながら、最後にはフリースタイル合戦まで披露した姿は、フェスティバルの提供する自由な体験と完璧にマッチしたものだった。

SOIL&”PIMP”SESSIONSのステージに象徴されるように、今回の＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL JAPAN 2023＞ではアーティスト同士のコラボレーションが盛んに行われていた。

ロンドンを拠点とするビート・メイキング・デュオのブルー・ラブ・ビーツ（Blue Lab Beats）が黒田卓也と西口明宏、ボーカルとして鈴木真海子（Chelmico）とARIWA（ASOUND）、さらにはPenthouseでもソウルフルでカラフルなステージを披露した角野隼斗を迎えた豪華編成のステージをはじめ、ここでしかあり得ないコラボレーションが次々と繰り広げられる。

Answer to Rememberのステージには、事前にアナウンスされていたHIMIとJuaに加えてermhoiが登場。そのermhoiは2日目にAnswer to Rememberのメンバーでもある馬場智章のリーダーバンドにもゲストボーカルとして参加し、その馬場智章は2日目のTHEATRE STAGEトップバッターであるPenthouseのステージに顔を出し……といった交流が積極的に巻き起こっていた。

中でも最も衝撃的なコラボレーションは初日のヘッドライナー、ジョージ・クリントン＆パーラメント・ファンカデリック（George Clinton & PARLIAMENT FUNKADELIC）の舞台で実現した。

登場からノンストップでファンク・ナンバーを投入、「総帥」自らがハンズアップをオーディエンスに煽り続け、ボルテージは早速最高潮に。そしてライブ中盤、満を辞してステージに呼び込まれたのは、なんとあの.ENDRECHERI.。

Pファンク軍団の一員としてスパンコールスタイルのタイトな衣装で彼は登場。かねてからその影響を伺わせていた.ENDRECHERI.が、生ける伝説であるジョージ・クリントン総帥に至近距離で見守られながら往年の名曲“FlashLight”のソロを長尺で弾き倒す場面（あれは幻ではなかったはず）には、あの日あの場所にいた誰もが心奪われたはずだ。ソロをとった後にもバッキングギターで参加し、自身の演奏終了後にもステージにとどまってパフォーマンスを堪能するなど、溢れんばかりのラブとリスペクトがそこにはあった。

数々のコラボレーションに加え、野外フェスらしいゆとりある空間設定も特徴だ。フリーエリアに設置されたDJブースでは、ジャズに限ることなく広義の「ダンスミュージック」がドロップ。来場者は同じくフリーエリアに出店している秩父名物に舌鼓を打ちながら、これまた自由に楽しむことができる。

「新世代ジャズフェスティバル」というコンセプトが導いたのは、ジャンルごとに設定されがちな敷居の再考だ。それは「敷居を跨ぐ」というより、気づけば敷居の向こう側にいるようなさりげなさでもって、体現されていたように思える。誰でも訪れることが可能な、文字通り敷居のないフリーエリアは、ステージで演奏される音楽と同等かそれ以上に2日間の成果を雄弁に語っていた。

そんな2日間を大団円で締め括ったのはロバート・グラスパー（Robert Glasper）＋カマシ・ワシントン（Kamasi Washington）＋テラス・マーティン（Terrace Martin）といったスターたちをフィーチャーしたスーパーユニット、ディナー・パーティー（Dinner Party）だ。

定刻の少し前、他のメンバーに先んじて登場したジャヒ・レイク（Jahi Lake）のDJタイムから、既にディナー・パーティーのクロスオーバー感覚はまざまざと表現されていた。この2日間にうってつけな名曲、ア・トライブ・コールド・クエスト（A Tribe Called Quest）の“Jazz（We’ve Got）”からローリン・ヒル（Lauryn Hill）“DooWap“まで、彼らが今年発表した最新作『Enigmatic Society』で飛び交っていた数多のルーツをパチパチと接続していく。

DJタイムの終盤には前日のヘッドライナーを務めたジョージ・クリントンへのリスペクトを込めてパーラメント“Flash Light“をドロップし、大盛況のフロアをクールダウンさせることなく極上のセッションへとバトンを繋いだ。

ロバート・グラスパーやカマシ・ワシントンの長尺ソロの連打から、思わずハンズアップしてしまうようなミドルテンポのソウル〜R＆Bチューンまで。楽曲構成からビートの組み方、そしてオーディエンスの反応まで含めて、ディナー・パーティーの体現するクロスオーバー感覚は継ぎ目なく会場の隅々にまで浸透していた。敷居を意識させず、音に惹かれるままに体が動いていってしまう感覚。そのシームレスな鑑賞体験こそ、ディナー・パーティーの、そしてこの2日間の、最もプレシャスな時間の一つだった。彼らが＜LOVE SUPREME JAZZ FESTIVAL 2023＞の大トリを務めることは、必然だったとしか思えない。

様々なジャンル／歴史の交錯を「新世代ジャズフェスティバル」の名の下で実現させた2日間。気づけば敷居の向こう側にいるような感覚を、出演ミュージシャンたちと共に並走した参加者は、今やどこへだって向かうことができる。自由な鑑賞スタイルの妙味を日常の中でも探しながら、来年度の開催にも最大限の期待をしたい。

「音が聞こえるジャズ漫画」として人気を博している『BLUE GIANT』が映画化され大ヒット。“ジャズ”という音楽全体に注目が集まっている中、＜Love Supreme Jazz Festival 2023＞（通称、ラブシュプ）が5月13日（土）・14日（日）埼玉県秩父ミューズパークにて開催される。

『BLUE GIANT』の主人公・宮本大としてテナーサックスを演奏した馬場智章も、Answer to Remember with HIMI, Jua、Penthouse with 馬場智章、そして自身のリーダーバンドで出演することが決まっている。ラブシュプの出演を直前に控える馬場に、これまでの歩み、作り上げてきた2つの作品、日本のジャズシーンを巡るあれこれについて、たっぷりと話してもらった。

──馬場さんのこれまでのことから伺っていけたらと思います。初めて演奏した楽器がテナーサックスだったんですか？

紆余曲折あったんです。母が昔エレクトーンを趣味でやっていたみたいで、それもあってか、幼稚園くらいのとき、いわゆる街の音楽教室でエレクトーンを習っていました。よく辞めるきっかけになる話だと思うんですけど、先生が「練習してきなさい！」という感じの方で、あまり楽しめなくて。小学校に上がるくらいにはもう辞めていました。もともと音楽に全く興味がなくてエレクトーンは完全にやらされていた感じだったので、むしろスポーツの方が好きで、小さいときはずっと水泳をやっていましたね。

きっかけは無理矢理連れて行かれたビッグバンドのコンサートなんです。僕の叔父が札幌でジャズの社会人ビッグバンドに参加していて、ホールを借りてコンサートをする機会があったのですが、アマチュアなので自分たちでチケットを捌かなきゃいけなくて、叔父がそれに苦戦した末、結局、僕の家族にチケットが流れてきて。それを観に行って「面白い！」「やりたい！」と思ったんです。

ちょうど僕が「やりたい」と思ったとき、僕や石若駿が小学校、中学校で所属していた札幌ジュニアジャズスクールが始まったんです。最初家族は「サックスは（金額的にも）高いし、続くかわからないものにお金出せない」という感じでした。そのジャズスクールには、叔父のトロンボーンを借りて、始めの1年間だけトロンボーンで参加していました。でも、周りでサックスをやってる同級生くらいの子もいて、見た目もかっこいいからずっとサックスをやりたくて。1年後に同じジャズスクールにアルトサックスで参加したんです。少ししてから、当時は小学生にしては体格的に大きめだったのでスクールから「テナーサックスをやってくれませんか？」と言われて、「ああ、じゃあやります」という感じでテナーサックスを始めました。

でも日本で有名なテナーサックスプレイヤーを当時は知らず、DIMENSIONさん、本田雅人さんあたりが特に好きだったのでアルトがやりたくて。テナーになっちゃって少しガッカリしましたね。身体が大きめとは言え小学生なので重いですし（笑）。そんな中、あるとき駿が「かっこいいプレイヤーいるよ」とマイケル・ブレッカー（Michael Brecker／2007年没）という世界的なプレイヤーを教えてくれたんです。彼を聴いた時にテナーの魅力に気が付きました。そこからずっとテナーが好きで、今に至ります。

──札幌ジュニアジャズスクールはどのような雰囲気でしたか？

スクールといっても「ジャズはこうだよ」「サックスはこうだよ」と教える感じではなくて、とにかく普段通う学校も全然違う人たちが週末に集まって「音楽を通してコミュニケーションを図っていきましょう」という、どちらかと言えば楽しくやるのがメインのスクールでした。演奏活動もたまにあって、ショッピングモールで演奏したり、今も続いている札幌のジャズフェス（＜サッポロ・シティ・ジャズ＞）の前座で出たり、道内のジャズフェスに出たり、＜横濱ジャズプロムナード＞に出たり、老人ホームに行って演奏しておばあちゃんおじいちゃんと遊んだり......。やらされてる感は全く無く、無理なく続けられた気がしますね。空き時間になってもみんな自然と演奏していたりしました。そのうち音楽業界というか、プロのプレイヤーというものにちょっとずつ興味が出てきました。

──開けた環境だったんですね。

だからこそ、ここまで続けている気がします。クラシックのヴァイオリンの方が幼少期からとんでもないレッスンを受けている話とかあると思うんですけど、ああいうことは全くなかった。楽しくやっているうちに自分がステップアップしたいなと思っていたタイミングで、バークリー音楽大学の教授のタイガー大越さんが札幌でワークショップやっていたり、そのワークショップで賞をいただき副賞としてバークリーの夏のプログラムに参加したり、徐々に楽しくステップアップしていったんです。じゃなかったらどこかで辞めていると思います（笑）。

──『BLUE GIANT』の雪祈の台詞でもありますが、今振り返って、どうしてジャズだったと思いますか？

たまたま最初にちゃんと聴いたのがジャズだったんです。それも最初に観たのが「ドーン！」っていうビッグバンドのコンサートで。だからすごく新鮮だったというのが一つですね。

今でこそファストフード店はじめ、いろんなお店でジャズのコンピレーションアルバムのようなものがずっと流れていたりするんですけど、当時、20年以上前なので、あんまりジャズを聴く機会もなかったんです。コンサートにも音楽にも全く興味なかったですし、音楽に興味のある家族でもなかったから家で常に音楽が流れているような環境でもなかった。聴いていたのは“だんご3兄弟”とか『ポケモン』の曲とかそのくらいなので（笑）。

あと、ジャズだからこそいろんな人とコミュニケーションを取れたのかなとも思います。スクール時代に日豪でやっている音楽フェスのようなものがシドニーであって、僕も駿もメンバーに選んでもらって行ったんです。オーストラリアの原住民（アボリジニ）の文化を引き継いだディジャリドゥという楽器があって、ディジャリドゥ奏者の方とセッションする機会があったんです。言葉は通じないけど、いっしょに演奏していてすごく楽しいなって感じて。

それに僕が縛られるのはあまり好きじゃない性格なのもあって、ジャズのような発想力をすごく重視する音楽が、自分の面白いと思うこととすんなり一致したのかなと思いますね。今はジャズ以外もよく聴いたりしますけど、その自由度もジャズを選んだ理由ですね。

──そうなんですね。さきほど楽器の金額も話に上がっていましたし、音楽が日常にない家庭だったというお話もありました。音楽を仕事にすることに対して家族の反対はありませんでしたか？

中学1年のときに北海道グルーブキャンプというタイガー大越さんが開催しているワークショップで賞をいただいて、中学3年のときに初めてアメリカに行きバークリー音楽大学のサマースクール(高校生向けのプログラム)に参加しました。それから4回、毎年夏の期間だけアメリカに行っていて、そうしているうちにアメリカに行きたいと思うようになりました。ただやっぱりバークリー音楽大学ってすごく授業料が高いんですよ。サラリーマンの平均年収を超えてしまうくらい。

ウチでは到底無理な金額なんですけど、奨学金制度が貸与型ではなく給付型だったりとすごく充実していて。自分の中でもアメリカにまで行くならより高いレベルでやりたいと思っていたので、家族を納得させる意味でも全額分の奨学金が出ないのなら行かないということを、なんとなく高校のときから考えていました。その後、ありがたいことにその奨学金をいただけることになったので、まずは行こうと。

でも家族はしぶしぶというか（笑）。高校受験も割としっかりやったんですけど、第一志望の進学校には落ちてしまっていたこともあって。そのとき、自分の中では「やっぱり音楽をやりたい」と思っていて。中3でアメリカ行っている時点ですでに進学校に行きたくないというのはなんとなくあった上で、高校受験に失敗しました（笑）。家族はかなりがっかりしてましたけど（笑）。結局徐々に家族を納得させていった感じですね。

でもプロになるっていうのはみんな反対していたかなと思います。口には出さないですけどね。母は割と「やりたいことやったら？」という感じでしたが、母以外は遠回しに「そんなことやって、、」と思っているのが伝わってきて。アメリカ行く頃には髪も長くて毛先を金髪とかにしてたから、法事などで親戚に会うと「この子大丈夫かしら？」って顔で見られましたし、「まだミュージシャンになるとか言ってるの？」という感じで。

少しみんなが賛成モードになるきっかけは『報道ステーション』のオープニング曲をJ-Squadで手掛けてからですね。報道番組で僕らが生中継で演奏して、それを観た親戚から実家に電話があったみたいで。「頑張ってるみたいだね」って（笑）。そこでようやく親戚や祖父母も「いいんじゃない」と。

──地方だと特にそういったハードルもありますよね。

ありますよー！　ミュージシャンというものに対する風当たりは強かったです（笑）。

──初めて録音したのはいつ頃だったんですか？

本当にしっかりしたプロと同じ現場でレコーディングをしたのは僕が高校生のときです。サッポロ・シティ・ジャズの企画です。北海道っていろんなところに湖があるんですけど、道内のサックスプレイヤーが一人ずつそれぞれの湖にフォーカスした曲を作ってコンピレーションアルバム※として発売しようっていう。（※『Driving Jazz Hokkaido Second Impression Lake』）道内で活躍しているプロの方に混じって、僕と寺久保エレナという同い年のサックスプレイヤーが若手で参加する形になりました。

──そのときはどういった感覚でしたか？

今でこそ曲を書くのが好きになって、よく書いたりしますけど、当時は作曲もよくわからなくて。それに収録した曲が絶対オリジナルじゃないとダメだったので、はじめてしっかりした作曲をしたのがこの曲でした。振り返って考えると、周りの大人はすごく長い目で見てくれていたというか、すごくハードルを下げてやってくれていたんじゃないかなと思います。

まずリーダーライブをやったりするのもドキドキというか、高校時代から地元のジャズクラブは出ていて、いろんな方に誘っていただいたりSIT-IN（飛び入り演奏）したりとか、たまに「やってみる？」って感じで自分のリーダーライブをやったりしていたんです。今でもリーダーライブの企画をやると資金面はどうしようとか、事前にイベントの詳細をシェアするとか、曲をやってもらうのにメンバーに何日前に送って確認してもらおうとか、そういった細かい配慮をしないと大変だと思うんですけど、当時はそんなことわかっていないので、周りの人は優しく見守ってくれていたんじゃないかな。良い大人に囲まれてたんじゃないかと思いますね。今だからわかりますけど（笑）。

──そこから作曲へと本格的に向かうんですか？

当時は作曲するのは好きという感じではなかったので、あんまりしてなかったんですけど、大学に入ってから、タイガー大越さんから「馬場くん、もうちょっと曲作った方がいいよ」というアドバイスがあって。「自分の曲を作ることで、自分のやりたい音楽が見えたり、プレイに反映されたりするから、自分がもっと上手くなりたいと思うなら曲を書いた方がいい。それに今後リーダーとして活動していくんだったら、ずっと誰かの曲をやっていても、馬場智章って人を見たいとは思われないよ」とおっしゃっていただいて。大学では自分のリサイタルもやらなきゃいけないので、そういったことをきっかけに曲を書こうと思うようになり、徐々にハマっていきましたね。

──大学時代が作曲において重要だったんですね。

それこそ宮本大じゃないですけど、サックスプレイヤーとして上に行きたいと思ってずっとやっていたんです。アメリカに行ったときは自分が憧れていたプレイヤーが意外と身近にいて興奮しましたね。でもアメリカに行ったらアメリカンドリームじゃないですけど、すごいものが待っていると思っていたら、実際は意外とアメリカのジャズシーンもこんな感じなんだって逆にちょっと落胆してしまって。2年目か3年目で「自分が本当にやりたいことってこういうことなのかな？」「ジャズのプレイヤーとしてやりたいのかな？」って、ちょっとわからなくなってしまったんです。

そこで、自分は高校時代から音楽ばかりやっていたので、音楽以外の自分が関わる世界をもうちょっと見てみたいと思って。しばらく学校以外のセッションやライブの仕事を一度全部断って、音楽は学校のことだけをやるようにしました。

そのときたまたま新たに出会った人たちがファッション系の人が多くて、その人が個人的にやっているファッションマガジンの手伝いをしたり、その人はアメリカ人なんですけど、取り上げたブランドが日本のブランドで、だからアジアの人を使いたいとのことでモデルをやったりもしましたね。ファッションショーの音楽にもすごく興味が湧いて、DiorやTHOM BROWNEだったりの音楽とファッションショーの総合芸術がすごく好きになって。シルク・ドゥ・ソレイユも観に行ったりもしたりして、音楽という聴くものと目で見るアートを総合芸術としてやりたいなと考えるようになりました。

そういうことをやろうと思ったら、なおさら作曲をしなきゃいけないなと。それこそ、僕の一作目の『STORYTELLER』は視覚的な、例えばVJのような人とコラボしたいと思って作った曲が多いんです。実際にアルバムが出る前に日本橋のTHE A.I.R BUILDINGで友達の映像作家に映像を作ってもらってVJと共にライブもしました。その一部がYouTubeにあげている“Voyage”という曲ですね。それはそのとき写していた映像をUPしています。

──ファッションショーのような空間演出音楽にインスパイアされていたという背景を伺うと、『STORYTELLER』を聴いた印象と腑に落ちる部分があります。具体的にどんなショーに刺激を受けたか教えていただけますか？

Dior Hommeで楽器奏者の方が並んでいたものや、Thom Browneの劇仕立てのモノクロのものとか…ですね。

今、音楽の部分が軌道に乗ってというか、ミュージシャンとしてやっている部分も多いですが、今後多方面の方に僕の名前を知っていただけたら、そういうコラボというか、ファッションショーで使う音楽の制作なども近い将来できたらすごくいいなと思っています。同世代の別ジャンルのアーティストといろいろコラボとかもしたいです。それをきっかけに音楽だけじゃなく他のシーンもいっしょに盛り上がっていくと良いなと常々思っていますね。

大学卒業後にNYを選んだ理由もそこなんです。誰かとコラボするなら自分の武器は音楽しかないから、そこをもっと追求していかなきゃいけないと思って。やっぱりNYは音楽的にも最先端だし、他のアートのシーンも充実しているので。僕が求めているものはNYが多いんじゃないかなと。LAはもう少しハリウッドだったり映画よりのイメージで。もちろんLAにも面白い人はたくさんいると思うんですけど、NYのその雑多な感じの方が僕には合っているんじゃないかなと思って。

──『STORYTELLER』には、即興を元につくられたアンビエントなナンバーなども収録されています。近年ではファラオサンダース（Pharoah Sanders）とフローティングポインツ（Floating Points）による『Promise』やサム・ゲンデル（Sam Gendel）など、アンビエントジャズ、PCとの組み合わせた制作が様々に発表されています。馬場さんはどのように制作されたんですか？

そうですね、僕が演奏したものをパソコンで編集するっていう。サウンドアーティストの國本怜と一緒に作りました。彼の自宅で何パターンか演奏を録音して。あとは楽器の音や息の音まで様々な音をいじっていくっていう制作行程でした。

坂本龍一さんのアルヴァ・ノト（Alva Noto）との作品やあと、久石譲さんもとても好きですね。坂本龍一さんはNYにもいらっしゃったので、『STORYTELLER』とか出した後、なにかをきっかけに話来ないかな、繋がったりできたら嬉しいなと思ってました。

──『BLUE GIANT』で馬場さんの音に初めて触れた方は馬場さんの別の作品を聴いて驚くかもしれませんね。

ちょうどBRUTUSさんのイベント（「BRUTUS JAZZ WEEKEND 2023」）が南青山であって、その一環で僕と『BLUE GIANT』の作者の石塚さんとユニバーサル ミュージックの五十貝一さん（※クラシックス＆ジャズ マネージングディレクター／Export Marketing ゼネラルマネージャー。『BLUE GIANT』にも登場するレコード会社のスタッフ「五十貝」のモデルにもなっている）でトークイベントがあって、そのとき聞いた話なんですけど。

『BLUE GIANT』の宮本大の演奏の役はオーディションだったんです。もともと海外の方を採用しようと動いていたらしいんですけど、コロナの関係もあったのと、大っぽい、ひろみさんがあまりピンとくる人がいなかったらしくて。日本のアーティストも視野に入れ、多方面のプレイヤーをリストアップしていく中に僕の名前も入れていただいたらしいんですけど、五十貝さんは元々僕の作品を聴いていてくれていたようで、そのイメージから「え、馬場さんですか？　宮本大じゃないのでは」となっていたらしいです（笑）。だから『BLUE GIANT』では、役をやるにあたって宮本大を作った感じですね。

──オーディションで選ばれた理由は説明がありましたか？

最近になって聞きました（笑）。ひろみさんの書く曲って結構難しいんですよ。だから宮本大っぽい音を出すだけでなく、ひろみさんの曲をしっかり吹けないといけない。映画を作っていく中で要求もどんどん出てくるだろうから基礎がしっかりしている人で、音をいっしょに作れる人がいいんじゃないかという方向になったみたいです。すでに大のようなサウンドを持つプレイヤーもいたようですが、それで選んでいただいたようです。

ただオーディション中から何度も「もうちょっとこういう音出ますか？」っていうやりとりはずっとしてました。録音前に僕とひろみさんの2人で作者の石塚さんや脚本の方がいらっしゃる中で演奏して「ちょっと違うので、こういう風にできますか？」って何回も言われる恐ろしい会もあって。ひろみさんが後ろにいる手前「いや、できないです」とは言えず「はい！　やります！」ってやり続けた末に「その方向へいきましょう」と少しずつになっていった感じですね。

──作品単位で言うと『STORYTELLER』のあとにコードレスで馬場さんと西口明宏さんの2本のテナーサックスが絡み合うコンセプチュアルな作品『Gathering』を発表しています。『Gathering』は西口さんありきで考えた作品だったんですか？

そうですね。コロナが始まって、お店もお客さんがなかなか入りにくい状況になってきて、やっぱりギャラが出せないからお店側からなるべく出演するメンバーを減らしてくれと言われていて。最初はドラムとベースを入れてトリオでのライブやピアノとデュオのライブをやっているうちに、『Gathering』を出した〈Days of Delight〉さんから作品を「作りませんか？」というお話をいただきました。アルバム制作を視野に入れながらトリオでライブを演奏していくなかで、自分がかっこいいと思う曲を書いていったらどうしても人が足りない、でもコードレスというコンセプトは崩したくありませんでした。

僕は『Gathering』を作るにあたってライブをとにかくやっていたんです。月イチくらいでリーダーライブをやって、いろんな編成、いろんな人選を試して。このドラマーとベーシストだったらどうだろう、トランペット入れようかと悩んでいる中で、黒田卓也（トランペット）さんきっかけで、西口さんと何度かいっしょに演奏するようになり。一緒に演奏していくうちに音楽的にも音色的にもすごく相性がいいな、面白いなと感じていました。そのときにNYでやっていたころに観たアントニオ・サンチェス（Antonio Sánchez）がコードレスのテナーサックス2管のライブをパッと思い出したんです。「あのライブめちゃくちゃ楽しかったな。そっちの路線でいこう」となりました。

西口さんとやりたいと思うようになって、そう決めてからは曲もスイスイ書けましたね。『Gathering』に入っている曲はあのメンバーの音色やプレイを想像して書いた部分が大きいので、出来上がったときにサウンド的にも「ああ、狙い通りだな」と思いました。

──西口さんはバークリー音楽大学の先輩でもありますよね？

ほぼ12歳離れていて、初めて会ったのは僕が中3の夏にバークリーに行ったときです。西口さんがまだ在学中で。「グッチー！　案内して！」とか「お腹すいた！」と言って、そのときは本当にめちゃくちゃ失礼だったと思うんですけど（笑）。それからたまに会ったりはしていたんですけど、テナーサックス同士でライブがいっしょになることって結構少なくて、なのでそれ以来久々に会ったのはジャズドラマーの大坂昌彦さんのイベントライブで、西口さんと吉本章紘さんと3管で演奏したりして、やっぱり西口さんかっこいいなと思って。

──じゃあNYで何かあったわけではなかったんですね？

そうですね、僕がアメリカに行った頃には西口さんはアメリカにいなかったので、ちょうど入れ違いで西口さんは日本に帰ってくるくらいのタイミングだったのかな。もちろん西口さんがアメリカに遊びにきているときはよく会っていました。

──石若さんは北海道から東京に移り音楽を学んでいましたが、馬場さんは東京を経由せずにアメリカに渡りました。アメリカにいらっしゃるとき、日本のジャズシーンはどのように見えていましたか？

それこそ、僕は20年以上、石若駿といっしょにやっていて。アメリカから帰ってくるタイミングで東京にもたまに来ていて、そのときに駿がライブに誘ってくれていっしょに演奏したりすることもありました。だからアメリカからは、駿の活動を通して日本のシーンを見ることがすごく多かったんです。駿はそれこそ日野皓正さんとかレジェンドプレイヤーの皆さんとも共演していたりしますけど、僕が面白いなと思っていたのは駿まわりの新進気鋭の、若い世代の面白そうなアーティストとの繋がりでした。

もちろんプレイヤーとしてもなんですけど、例えばWONKだったら料理のプロデュースをしている長塚くんや、そういうジャズシーンだけではない他のアートシーンの人たちと関わっているのが、僕が他のアートシーンの人たちと関わりたいと思っているタイミングだったのもあって、すごくいいなと思ってました。だから僕も日本に帰って来ているタイミングで、イベントで当時はSrv.Vinci（King Gnuの前身バンド）と遊ぶようになったり、2015年に日本に帰ってきたときは駿とWONKの江崎文武、東京塩麹の額田大志、中山拓海を中心にやっているJAZZ SUMMIT TOKYOに参加させてもらって、ファッションブランドのサルバム（sulvam）とSrv.Vinciと僕と中山拓海いうコラボのようなこともやりましたね。

NYで僕は音楽だけをメインにやっていたので、周りもオタクみたいなミュージシャンばっかりで。もちろんトッププレイヤーが集まるんで、そっちで必死だったんですけど、日本のシーンを見ていると自分がやりたいことを駿がやっているような気がして。すごい面白そうだな、若い世代が生き生きしてるなって。

──場所は違っても馬場さんと石若さんは近いことを考えていたのかもしれないですね。

かもしれないですね。駿の関わっているもので自分もすごく興味があったのが山口県のYCAMで細井美裕ちゃんとやっているプロジェクト（※）ですね。いいなーと思いながら見てました（笑）。

※山口情報芸術センター［YCAM］にて、音と響きによって記憶を喚起させることをテーマに、細井美裕+石若駿+YCAM新作コンサートピース「Sound Mine」を発表。YCAMではさらに石若駿とAIとのコラボレーションによるプログラム「Echoes for unknown egos―発現しあう響きたち」も発表された。

──新しい試みもどんどんやっていきたいということですね。

ありがたいことに『BLUE GIANT』をきっかけにミュージシャン以外の方ともお話する機会も増えたのでそういう人たちと何かできるなら是非、やりたいです。それこそ『STORYTELLER』や『Gathering』でやっているように、ジャズってすごく幅が広いので。作曲するのが好きですし、他のものとコラボするときにそれを想像して作曲することもできます。いわゆるライブというものと並行してやっていきたいなと思います。

──バンドの捉え方についても伺いたいです。ポップスやロックと比較するとジャズのバンドという概念は違いますよね。『Gathering』はメンバーをイメージして作られたとのことでしたが、その違いをどう考えていますか？

それがジャズの良さでもあると思います。僕自身は『Gathering』のライブをやって欲しいと依頼がきたときは、その人のサウンドが欲しくて書いた曲なので、その人のサウンドが出せるのはその人だから、できるだけあのメンバーで演奏するというのは決めています。ただ同じ曲をやったとしても別のプレイヤーがやったときには別の曲にどんどんなっていく面白さもあります。なので、この曲はこの人たちというこだわりがないものに関してはいろんな人がその曲をやる意味がある。そこがジャズ特有というか他のジャンルではなかなかできないことかなと思うので、それは良さですね。

一方で日本のジャズライブハウスではセッションライブのようなものが多くて、音楽のクオリティを維持するのが難しいのかなと思います。良いプレイヤーであればあるほどどこに行ってもその人がいる。どこでもその人がいるということはその人の月のライブの本数もすごく増えるじゃないですか。だから自分がやりたいプロジェクトに関して、自ずと準備も少なくなって、やっぱり全力ではできないことが多くなっていくのではと思うんです。

セッションライブのときは、だいたいその日の当日の早い時間に集まって、リハをやって、そのままライブをやる流れで。それが普段からいろんなところでいっしょにやっているメンバーがぎゅっと集まって、この組み合わせは久しぶりだねっていうのはアリだと思うんです。でも「はじめまして」な人の多い現場でその日にリハをやってライブしてというのは、音楽のクオリティがすごく低くなってしまう可能性があると思うんです。だってその人がどういうプレイヤーか知らないと、その人を生かすことはできないから。自分がリーダーだったら自分が演奏したいと思うプレイヤーを呼んで、初めての組み合わせでも事前に想像してこの2人だったらハマるなと考えたりするんですけど。僕自身はそれができないライブの本数を減らしています。

日本はNYに比べてもジャズクラブがすごく多いので、正直そういったセッションライブの多さが日本のジャズシーンの足を引っ張っているような気もしているんです。アメリカで見ていても、例えばロバート・グラスパー（Robert Glasper）はいろんなところで活躍している人ですけど、基本的にロバート・グラスパーのバンド自体は固定で、いろんな人が参加するにしても、グラスパーのバンドとしてライブで動くじゃないですか。グラスパー自身が、今度誰々のバンドで演奏してとか、こっちのバンドにいってあっちのバンドいってとはならない。そうするとその人のアーティストとしてのセルフプロデュースもブレてしまう気もします。

それにやっぱり同じバンドでよく知った曲をやることでクオリティは高くなると思うんです。ツアーを回れば1日目と後半ではまた曲も進化していたりどんどん変わって面白くなっていく。基本的にSIT-INもあまり好きじゃない。お客さんはこのバンドを観たくて来ているのに、変な人、いやもちろん変ではないですけど（笑）、全然違う人が入ってきてガーッと吹いて。もちろんその人がすごく良いときもあるけど、バンドのサウンドも変わってしまいます。近年、日本でもバンド形態も増えている傾向は、音楽のクオリティもどんどん上がり、個性豊かなバンドも増えているので、日本のシーンもどんどん面白くなっているなと思います。

──なるほど。

やっぱり『BLUE GIANT』をきっかけにいろんなライブに来てくれるお客さんが増えたと思うんです。別に『BLUE GIANT』に関わっているミュージシャンがそこで演奏していようがしていまいが、そのジャズクラブに行ってみようと思ってそこで初めていろんなジャズを見ましたっていう人もすごく増えている中で、例えばたまたま初めて行ったライブがセッションライブで、ごちゃっとしていて、クオリティがあんまり高くないものを観ても、ジャズって面白いですねとはならないじゃないですか。どこのライブを観てもクオリティの高い音楽をどんどん見せていかないと。

実際にジャズミュージシャンは、楽器の技術においてはすごくレベルが高いと思うんです。いろんなジャンルで引っ張りだこの人もいる。だからこそ駿がいろんなポップスの現場にも呼ばれていると思うんですけど。その技術力をシーンとして生かしきれていないんじゃないかなとはすごく前から思っていました。もうちょっとみんな丁寧にやったらいいんじゃないかなって。ただコロナ禍でやることが制限されたときにそれがシュッとした感じもしていて、余分なものをみんな整理していこうとしていて、バンドで動く流れがより出てきた。コロナ禍で、今まであんまり日の目を浴びなかった人もフィーチャーされたり、一つ一つのライブ演奏もより丁寧になったのではないかな。ミュージシャンはライセンスがいらないから、誰でもミュージシャンと名乗ればミュージシャンなので、だからこそもっと真摯に音楽に向き合いたいと思っています。

──間口が開かれた中で、よりクオリティが重視されるということですね。そういった状況で今週＜Love Supreme Jazz Festival 2023＞が開催されますが、このフェスの意義や価値はどこにあると思いますか？

海外のフェスで、例えば＜ニューポート・ジャズ・フェスティバル＞という大きいフェスがありますけど、バックヤードでミュージシャン同士が「さっきの良かったよ」とか飲みながら話していて、そういう環境がすごく良いと思うんです。これまで日本のフェスでは海外の人と日本の人が同じようにバックヤードで話したりする環境ってあまり今まで無かったと思うんですよね。今回のラブシュプは、海外のアーティストがだいぶ増えていてすごく面白い。「さっきの演奏良かったよ」とか「次は何かいっしょにやる？」とか「また日本来るときは教えて」「LAに行くとき連絡するよ」とか、ミュージシャン同士が繋がれるきっかけになると思います。次に来日するときコラボで何かやるとなったらさらに面白いと思いますし。

なんというか、海外に住んでいる日本人も含めて、日本のアーティストって海外の人に対して劣等感があるというか、同じフェスに出ていて、同じステージを踏んでいるんだったらグラスパーに「よお！」って話しかけていいと思うんです。だからラブシュプは日本のミュージシャンたちが海外アーティストと同じ立ち位置であることをもっと自覚できる環境でもある。お客さんにも日本のジャズアーティストも観ていただくきっかけにもなったフェスだと思います。

それに今でこそたくさんネットに動画がありますけど、それを観て「ヤバイよね」と言い続けていても、日本から海外に出ていくきっかけにはならない。僕としてはラブシュプはすごくチャンスだとも思うんです。例えばAnswer to Rememberを観た海外アーティストが「このバンドかっこいいじゃん！」と認めてくれて、誰か海外のプロモーターに「日本に面白いバンドがいたよ」とか話してくれたらAnswer to Rememberが海外に行けるかもしれない。だからたくさんの意味で今後、日本のミュージシャンの価値は上がっていく可能性があるんじゃないかな、コミュニティがもっと楽しくなるんじゃないかなと思っていますね。

ちなみに1日目のDOMi & JD BECKのDOMiは大学の後輩で、僕が大学を卒業する前に入ってきたので、1年くらいいっしょで、向こうも1年だけだったんで覚えてるかわからないですけど、セッションとかライブをいっしょにやっていたから久しぶりって感じですね。

──ラブシュプはリスナーにとってもミュージシャンにとってもチャンスの場ということですね。

自分もアーティストとしてどんどん海外に出て行きたいです。それこそいつかイギリスのラブシュプにも呼んで欲しいとも思っています。アメリカのフェスは海外のプロモーターがたくさん見に来るんですよ。それこそブルーノートの人だったりブッキングをする人たちがいろんなアーティストを見に来る。関係者にとってもショーケースなんです。このアーティストが今面白いから来年自国でやるフェスにブッキングしたい、オファーしてみようという流れが当たり前で。

ただ現状日本のフェスに海外のプロモーターたちがあんまり来てない気がするんですよ。プロモーターが来て日本人アーティスト面白いから連れて行こうという流れになってないから日本のアーティストも海外に出れていないと思うので、今後ラブシュプはこれだけ海外にも注目されるアーティストも出ているので、今後もっと大きくというか、長寿イベントになれば海外からプロモーターも呼んで、業界としてのショウケースにもなりうるんじゃないかなと、そうなってくれたら日本の音楽もさらに盛り上がるかもしれませんね。

昔は＜マウント・フジ・ジャズ・フェスティバル＞があって海外の名だたるジャズプレイヤーが来て、お客さんも熱狂していたじゃないですか。今も大規模な音楽フェスはありますけど、ジャズフェスでそれだけの規模感でやるのはすごく難しいと思うんです。ジャズってこういう音楽だし。そういう意味ではこういう大きいフェスが日本にあるのはすごく嬉しいですね。今後さらに浸透していって、もっと大きくなっていって欲しいですね。

──現在ポップスの中でもジャズの存在感はどんどん増しているので、現実になりそうです。

駿のおかげもあると思います。本当にありがとうございますという感じ（笑）。僕もルイス・コール（Louis Cole）のバンドに参加したときにはいろんなポップスの方も観に来ていたりして。去年はDREMS COMES TRUEさんと共演させていただき、それをきっかけに僕のことを知っていただく機会も増えたと思いますし、すごく有難いなと思いますね。僕もドリカムさんのオファーをいただいた時は母も喜んでいました（笑）。

──最後に音楽制作がラップトップで完結するこの時代に生の楽器に触れる豊かさがどこにあるのか教えてください。

こんな言い方をしたら元も子もないですけど、パソコンで作る音楽とライブ音楽はジャンルとして全く別だと思ってます。だからパソコンで全てを作る人はパソコン自体がその人の楽器だと思うんです。パソコンで誰でも作れるような時代でも、トラックメイカーたちは無限にある音をどうやって選んで、そこにエフェクトを加えてたりしていって、結局は自分のスタイルや音を確立して行くわけじゃないですか。だから僕がサックスやってます、駿がドラムやってますというのと同じように彼らはパソコンでやっているくらいのものだと僕は考えているんです。

サックスを始めた人が最初うまく演奏できなくて、ちょっとずつ上手くなって割と聴ける演奏になりましたっていうのと同じ。僕もDAW（音楽制作ソフト）でデモを作ったりするんですけど、最初にDAWを触ったときはなんじゃこれと思ったんです。まずどうやってもかっこよくならない。打ち込んでるもの、ピースはかっこいいはずなんですけど、全体で聴いたら「うわダッサー」みたいな。実際トラックメイカーの方の作る音楽も好きですし、シゲト（Shigeto）やNujabesもそうですけど、たくさんかっこいいアーティストがいてかっこいい曲がある。それって彼らのセンスがあって、技術があって本職としてそういうことをやっているからなんです。だからマルチインストゥルメントというか、それをフィジカルでやるのかパソコンでやるのかの違いだと思ってます。

それを大前提にした上で、誰かシンガーの人のトラックを作ります、となったときにホーンを生で入れるのか、打ち込みで入れるのか、それは本当にプロデューサーや作曲者のセンスや予算だと思うんですけど、ただ生楽器に近づけようとして作っていて、それが生と同等のものですよという感じの音楽に関しては、それは生の方がいいよと思います。全く空気感が違うので。そこで録ったものというか、ナチュラルな空気の振動があって、人間の誤差があって、そういうものがグルーヴとしてかっこいい。そうして人間が作るものがかっこいいからトラックメイカーもサンプリングしたりすると思うんです。だから日本のポップシーンでなんでも生の音っぽいものをパソコンで作って歌だけ乗っけようみたいなものを僕はあまりかっこいいとは思わない。逆にいいなと思うものは誰かがちゃんと生で録ったものだったりしますね。

僕もCDを出していますけど、誰かが言っていたことの受け売りなんですが、音源を作ることは招待状を出しているような感覚なんです。こういうことをやりますよっていうパッケージではあるけど、実際にライブ会場で聴くと全く別のもの。ことジャズにおいてはやっぱり音源で何かを聴くよりも、そこにお客さんがいて、生の空気感があってという良さがすごくある音楽なんです。もちろんパソコンで作る音楽も、それはそれで良いと思うんですけど、生の音楽を同じように、例えばiTunesで聴いて良し悪しを決めるというよりは、現地でとれたてのものを体験してもらった方がいいと思いますね。

──まずはRISAさんが楽器を演奏したり歌ったりするようになったきっかけを教えていただけますか？

RISA　3歳くらいのときに失明したことが最初のきっかけです。そこから少し視力が戻ってきた頃に、弱視なぶん聴覚に特化したほうがいいと、音楽好きの両親がピアノを習わせてくれたり、いろんな音楽を聴かせてくれたりしました。その頃はオールディーズ、なかでもバラードやラバーズレゲエなど、リラックスできる音楽が好きで、そこからさらにいろいろと聴き進めていくうちにジャンルを発見する喜びを知ったんです。「こういうテイストもあるんだ」、「こんなリズムもおもしろい」とか「言い回しにもいろいろあるんだな」といった感じで、新しい作品に出会うことがほんとうに楽しかった。

──なかでも印象的だった作品は何ですか？

RISA　音楽作品ではないのですが、小学校から中学に上がる頃に、映画『天使にラブソングを 2』を観てローリン・ヒル（Lauryn Hill）の歌声を聴いたことですね。すごくソウルフルで大きなパワーを受け取ったような感覚になって、全身に鳥肌が立ちました。そして劇中でフィーチャーされていた、ゴスペルやR&B、ヒップホップというジャンル／カルチャーを好きになったことで、子供の頃から家で流れていたそれらと繋がりの深いレゲエやジャズなどもさらに掘り下げるようになりました。自己主張のある音楽、伝わるソウルを持っている音楽に惹かれるんです。

──歌を始めたのはいつ頃からですか？

RISA　歌うことはずっと好きでしたが本格的に始めたのは高校に入ってからですね。音楽科がある学校で最初はピアノを専攻していたんですけど、自分のなかで「歌うことのほうが好きかも」と思うようになってきて。とは言えクラシックの学校だったので私の好きなR&Bなどを学校で学ぶことはできず、声楽を選びました。

初めて人前で歌ったのもその頃で、友達がピアノを弾いてくれて、マライア・キャリー（Mariah Carey）の曲を披露しました。あと、私の地元長崎県の佐世保はアメリカのカルチャーが根付いていて、ジャズなどを演奏している場所がけっこうあったので、私もバンドに混ぜてもらって歌っていました。

──佐世保はどのような町なのですか？

RISA　日本でいちばんベース（米軍基地）の人と地元の人の仲が良いと言われている町です。長崎は歴史的にカトリックが多いということもあると思います。海軍のビーフシチュー、レモンステーキ、全国的にもご存知の方も多い佐世保バーガーのもとになったハンバーガーなど、アメリカの食べ物も子どもの頃から食べていました。2kmあるアーケードや公園にはブロックパーティーじゃないですけど、ダンサー、スケーターやBMXをやっている人などが集まっていて、DJが音楽をかけている。私もそこでよく歌っていました。

──その後の渡米もある意味必然だったと言えますね。

RISA　私がいた高校の音楽専攻の人は基本的に音大に進むんです。でも私はクラシックを音大で学ぶより、並行して学んでいたフラワーアレンジの専門学校に進むことにしました。両親がお花関係の事業をしていたのもあり、お花や植物は私にとって音楽のように自然なもので好きだったんです。そこで両親の勧めもあってオランダ留学の話が出てきたんですけど……。

──長崎と言えばハウステンボス（オランダ村）、花ということですか？

RISA　そうですね、父もオランダにネットワークがあって、でも私は留学をするなら英語を勉強したいから、アメリカに行きたいと話しました。

──そこでなぜLAだったのですか？

RISA　NYと迷ったんですけど母がNYは大都会すぎて心配だって。とりあえず行くならLAに3カ月ほど、ということになりました。でも3カ月では足りるはずもなく、いったん帰国するもすぐに戻って3年くらいいました。結果、LAでよかったと思います。私は長崎という西の出身。アメリカの西と東も日本の感じと似ているんですよね。西のLAは九州のようにレイドバックしていて過ごしやすい。フレンドリーな人も多い。東のNYは大雑把に言えば東京みたいで、街も人も忙しいイメージですね。

──音楽性の違いもありますよね。

RISA　そうですね。ウエストはレイドバックしていて開放的。イースト／NYはコンシャスとかスタイリッシュといった言葉がはまるような音楽が多い。サウスはベースが強くて跳ねていてダンサブルみたいな。

──LAではどんなことを学んでいたのですか？

RISA　大きな音楽学校ではなくパサデナにあるプライベートスクールに通っていました。音楽の理論的なことはクラシックを学んだ段階で程度わかっていたので、自分の好きなジャンルにおける実践的なことを勉強しました。K-Ci & JoJoのバンドメンバーに作曲のディレクターとしてついてもらい、曲をコンポーズするやり方を教えてもらったり、現役のゴスペルシンガーからパフォーマンスやボーカルアレンジについて学んだり、とても充実していました。

──帰国後ともに〈R2 Recordz〉を立ち上げたROROはサウスのフロリダ出身ですが、どこで出会ったのですか？

RISA　ROROとは沖縄で出会いました。ミックスの孤児をサポートするチャリティーイベントがきっかけで、出演者同士音楽の話をしていたらすごく気が合ったんです。ROROはプロデューサーで私はシンガーソングライター。じゃあ一緒に何かしようという話になり、曲製作や共演しているうちに自然の流れで〈R2 Recordz〉を立ち上げました。

──ROROとは好みが似ていたのですか？

RISA　好みもそうですけど、音楽と向き合う感覚が近かったんです。ちょうどそのときソウルジャ・ボーイ（Soulja Boy）がヒットしていて、ROROに「どう思う？」と訊かれたことはよく覚えています。ソウルジャ・ボーイが世に出てきた頃、彼のスタイルはヒップホップやラップの歴史・カルチャーと向き合い、コンシャスな表現している人からすると異質というか、受け入れ難い存在でした。

──ネタみたいな感じですよね。

RISA　そうですね。子供向けでダンスも誰でも真似できるようなことをやっていた。それに対して私は「彼が受け入れられない理由はよくわかるけど、自分の個性をうまくマーケティングしていると思う」と答えたら、「そういうところまで見ているんだね」と言ってくれました。お互いどこかに偏ることなく、一つの物事をいくつかの角度から見るタイプなんです。そしてソウルジャ・ボーイが来日した時に私たちがオープニングをすることになったところまで、今思うと我がことながら興味深い展開だったと思います（笑）。

──そして2013年にはRISAさんも共作者に名を連ねるROROのファーストアルバム『Road To Success』をリリース。ミュージックビデオにもなっているRISAさんがフックを歌う“Doesn't Mean I'm Lost”は、熱のこもったROROさんのラップとスムースなRISAさんの歌のマッチが印象的なヒップホップとR&Bのコラボナンバーです。

RORO　この曲は私がまだアメリカと日本の間を行ったり来たりしていた頃にビートを作って、フックのメロディをRISAに歌ってもらうようにお願いして、というやり取りを繰り返して制作しました。「ネバー・ギブ・アップ！」と叫んでいるところは、実際に釣りの大会で大逆転優勝して興奮している人の声を録って使っています（笑）。

RISA　負けそうな状況でもまだ負けと決まったわけじゃない。その熱がユーモラスに、表現できていると思います。

──そういった作品のリリースだけでなく、『R2 RADIO』のような、カルチャーを伝える取り組みもされています。

RISA　『R2 RADIO』はもともとROROが福岡のLOVE FMでやっていた番組「RORO RADIO」の延長版です。

RORO　エンターテインメントは音楽を作ることだけじゃない。アーティストから見た音楽やアートの魅力を伝えることができたら面白いと思いました。

RISA　例えば、かつてのヒップホップのファッションと言えばオーバーサイズというイメージがあるじゃないですか。それは誰かのおさがりだからとか、帽子の被り方は気分のサインだったりチームの分け方だったりするとか、そんなHIPHOPカルチャーの話をしていました。

RORO　あとは日本人が持っていたヒップホップに対する固定概念を崩したかった。声の大きな人が「Yo! Yo!」みたいな。

RISA　実際ROROはラップもするけどすごくチルな性格ですし。そういうウンチクって、私もそうなんですけどけっこうみんな好きじゃないですか。だから番組は好評で、東京のInterFM897でやることになったんです。そしてROROは引き続きヒップホップやトレンドの話、私はソウル、R&Bやジャズの話をよくしていました。

──そして、その『R2 RADIO』をLAのヒップホップレジェンド、The Pharcydeの『Pharcyde TV』からも発信するようになりました。彼らとの出会いはもしかしてRISAさんがLAにいた頃ですか？

RISA　いいえ。日本に帰ってきてからです。彼らがBillboard Live TOKYOに来た時に、『R2 RADIO』でインタビューさせてもらったんです。そこで、『Pharcyde TV』はUKやオーストラリアで作った番組も流していたので日本でも何かやろうという話になり、『R2 RADIO』を映像化することになりました。

──アメリカのミュージシャンは、音楽を作ること以外の企画やビジネスを考えることも上手なイメージがあります。

RISA その背景にはアメリカの環境やカルチャーが影響しているように思います。日本では私たちの時代も、たぶん今もまだ、個性を出さないように教えられる、というのは言い過ぎかもしれませんが、普通に、安全に敷かれたレールの上をみんなで歩くことが正しいという風潮は強いと思うんです。一方、アメリカは、多民族の文化からか、独自性や個性が注目されますし、互いに意見を発言しあう教育をします。だから個性や独自のアイディアや発言が尊重されますし、逆にそれが出来ないと置いてけぼりになる。その分、発言や行動の先は自己責任という厳しさはありますが、自分で考え、納得した道だからこそ自信を持って実践していける。ミュージシャンの場合、誰かについていくのか、自身で道を作るのかの選択になったときに音楽だけのことを考えていては可能性が限られてくる場合が多い。成功のためにとるべき行動を考えれば、もっと広いビジョンを持って可能性を広げていく行動や思考は自然の流れになるのでは？と思います。特にアーティストは表現者であることから自由な発想も得意ですしね。

──RISAさんは海外のアーティストやROROとのコミュニケーションのなかで、どんなことを得ましたか？

RISA　私は両親から音楽がある環境を作ってもらい、佐世保出身でインターナショナルな交流の場もある環境で育ちましたが、同時に子供の頃から学校や世間での日本独特な常識や規則に対して疑問を感じることも多くありました。ありがたいことに、進学や留学することに対して私の意思を尊重してくれる両親の理解があったので、世界に出て物事をみるしかないと思い、新しいことに一人でチャレンジすることにしました。 そこでLAで出会った人達や経験から多くを学んだんです。私の場合は、型にはまらない、自由な表現者であり集団行動に向いていない事から、私がやりやすい方法で、私に向いた思考で活動をすることで自分が何者かを受け入れるようになりました。独自の道づくりは楽ではないけれど、チャンスやチャレンジをいかにプラスに変えていくか、ということを常に考えるようになりました。その面は、ROROとも意識が似ていますね。自身を受け入れ、個性をプラスに伸ばす。皆と違うことは短所ではなく個性である。

RORO　話は少し逸れるけど、外国人という目線から、日本人はもっと日本らしさを世界に打ち出していって欲しいと思います。その余地が、まだたくさんある気がするんです。と言うのも、私のような外国人が日本にしかない素晴らしい文化や音楽に興味を持っても、あまり知る術が少ないと感じます。日本らしさを大きく堂々と海外に見せつけて欲しいですね。

RISA　そこで私の最新シングル“Free”では、衣装やミュージックビデオから和やアジアを感じられるようにしました。

──『Pharcyde TV』でも和楽器をフィーチャーしていましたよね。今回はなぜ“Free”を選んだのですか？　原曲はデニス・ウィリアムス（Deniece Williams）で、多くのアーティストがカバーしていますが。

RISA　私はシャンテ・ムーア（Chante Moore）のバージョンから入って、原曲もよく聴いていました。提案してくれたのはROROで「RISAに合うんじゃない」と言ってくれたんです。選曲を決めている時期がちょうど緊急事態宣言中だったので、“Free”というタイトルや私のパフォーマンスから心の解放を感じてもらえたら嬉しいなとも思っていました。

そこからミックスやマスタリングにもとことん拘りたくなって、アメリカのリスペクトしているエンジニア達にお願いしたんです。ミックスはちょうど今年にグラミー受賞されたIrko（註：2022年度グラミー受賞ミキシングエンジニア（アルバム“Donda” by Ye (カニエ・ウェスト)）に、マスタリングはローリン・ヒルやTLC、アリシア・キーズ（Alicia Keys）など多くのスター達の作品を手掛けたベテランのHerb Powers Jrです。ミキシングが大変だったんですが、最終的には先ほどお話したROROと私の共作“Doesn't Mean I'm Lost”でご一緒した方がうまく仕上げてくれました。

──原曲のテイストを大切にしつつ、お二人ならではのグルーヴが出ている。そしてRISAさんの歌声がシルクのように美しく、包容力があってまさに心が解放されます。

RISA　まずは原曲の浮遊感から感じる自由を膨らませたかった。そこにちょっとジャジーなピアノアレンジを入れたり、グルーヴを出すためにベースを上げたり、細かいところにこだわることで私たちらしさを出していきました。

──私たちらしさとは？

RISA　私たちはいつも、曲の発するバイブスや波動を大切にしています。なぜならクオリティタイムに聴いてほしいから。今回は、誰かの大切な時間を邪魔しない角のないウェーブと、それでいてしっかり伝わる強さを両立できたように思います。

RORO　RISAの声はバラエティ豊かなところが魅力。それに対して今までの曲は、比較的トーンが安定的だったというか、もっともっと彼女のボーカルとしてのポテンシャルを引き出せると思いました。そこでしっとり歌っているバックグラウンドに高音を入れるなどの工夫を凝らし、すごく豊かな声が堪能できるシングルになったと思います。

──音源については、2016年の『Christmas Covers』と今回の“Free”、あとはYouTubeで聴けるカバーなど、ゆっくりマイペースにリリース／公開されていますが、ここから先、考えていることはありますか？

群雄割拠のサウス・ロンドン・シーンで、ヒップホップ、R&B、ネオソウルを独自のセンスでブレンドし、一際オリジナリティ溢れるサウンドを生み出しているedbl（エドブラック）。彼が、さらさ、iri、Creepy Nuts、Nao Yoshiokaなど様々なアーティストのサポートを務め、2022年からはSANABAGUN.のメンバーとしても活動する大分県出身のギタリスト、Kazuki Isogai（磯貝一樹）とタッグを組みアルバムを制作。国境を越えて化学反応を起こし、『The edbl × Kazuki Sessions』が完成した。

メロウで、ジャジーでソウルフル。聴き飽きないサウンドには、初めてのコラボレーションとは思えないほど統一感がある。プレイヤーとして、トラックメイカーとして、2つの顔を持つ両者はどのようにこの作品を作り上げたのだろうか。日本国内でのフィジカル盤をリリースした2人にZoomを繋いで話を訊いた。

━━IsogaiさんがSNSにあげていた動画にedblさんがコメントしたことがきっかけで今回の共作に至ったとのことですが、アルバムの全貌が見えてくるまでの経緯を教えていただけますか？

edbl コメントを機にInstagramでDMを送り合うようになって、そこで僕から「いっしょに作ろう」という話をして。その時点で僕の方から100個くらいのビートが入ったファイルをKazukiに送ったら、Kazukiは2、3日の間にそれを全部聴いてくれて、その中の10～20個にギターを足して返してくれたんだ。今回の作品の半分くらいはそのフォルダに入っていたビートに手を加えて曲に仕上げたもので、残り半分はそれを機に新たに作ったビートだよ。

Kazuki Isogai（以下、Kazuki） 送ってもらったのは、エドが3、4年前から作っていたビートのファイルですね。すごく良いビートがたくさんあって。僕もトラックやギターのループを持っていたのでそれを送ったりもして、その中から選んだ感じですね。

━━どちらにも共通して周囲に優秀なミュージシャンが集まっている中で2人が惹かれ合った理由はどこにありましたか？

Kazuki エドはたぶん自分のことを知らなかったと思うんですけど、僕はSpotifyのプレイリストを流して聴いていたときに、エドがTaura Lambといっしょに作った“Nostalgia”って曲が流れてきて「めっちゃ良い曲だな」と思って誰だろうって調べて知りました。そのときは読み方もわからなかったんです。でも、すごい曲が良かったからカバーしたんですよ。そしたら、それをたまたまエドが見てくれて連絡を取るようになった感じですね。コロナのご時世で海外もいきにくかったこととSNSで繋がれるこの時代ならではというか、そういうことが重なって出会えたのかなって。

エドの良いところはサウンドがすごく乾いていてオリジナリティがあるところ。エド自身がもともとギタリストだったというのもあってトラックの基盤になっているのがギターだったりもするので共通する部分も感じて。“Nostalgia”は、そのオリジナリティがすごいサウンドにTauraの声がよく混じっていて。今チル系のサウンドが多い中でしっかりと耳に入ってきたところが、カバーするに至った理由ですね。

edbl 単純にKazukiはプレイヤーとして素晴らしくて、音も最高だし、フレージングや技術的な面もすごい。ただそれよりも2人の相性が良くて。僕はソロやタッピングはできないリズムギタープレイヤーなんだけど、そこにKazukiのテクニカルなプレイが乗るとすごくバランスがいいんだ。それにKazukiはソングライターとしてのセンスもあって、テクニカルなスキルを使って美しいメロディを作ることもできる。

edbl,Taura Lamb – Nostalgia（feat. Taura）

edbl - Nostalgia / Guitar Cover

━━制作中はどのようなやり取りをしていたんでしょう？

Kazuki 作品を作ろうとなってからは基本的に制作に関するやりとりが中心だったので、世間話のような、どういう音楽を聴くの？　とか話したりはせず。とりあえず何か形にしたいという想いが僕は強かったですね。最近はたまにDMで「俺も早くロンドン行きたいんだけど」とかやりとりしてますね（笑）。

edbl はじめてInstagramのDMだけでアルバムを作ったけど、結果オーライだったので良かったかな。

━━すごく統一感のある作品に仕上がっていますが、もともと完成形のイメージはあったんですか？

Kazuki 完成形のイメージは正直なかったですね。今までビートメイカーといろいろやってきたんですけど途中で止まってしまうこともあったので、本当に結果オーライというか、しっかりリリースまでできたことは大きいですね。でも、自分の役割のようなものは結構意識していました。もちろん僕発信のトラックもあるんですが、もともとエドが作るトラックには当然エドの色がしっかりあるので、その中で僕のギターのリフやループのメロディがしっかり顔になるように。

edbl Instagramを通して作ったというプロセスの面ではいろいろ新しさは感じたかな。Kazukiはすでに僕の音楽を知っていて、気に入ってくれていたから、僕はいつものように音楽を作ってそこにKazukiが音を乗せてくれる感じだった。幸いなことにお互いがやったことのほとんどをお互いが気に入っていたから、揉め事もなくスムーズに作れたんだと思う。普段ギタリストと働く機会があまりないから、ギタリストといっしょに作ることになった今回は、自分はギターから少し離れてKazukiに任せることができたのも良かったポイントかな。

━━制作を経て、お互いに対して持っていた印象は変わりましたか？

edbl 印象というより、今もまだお互いのことを知れていないところがあって。普段共作するときは世間話をしたり、生い立ちやバックグラウンドのことを聞いたりするけど、今回はそういうことをするチャンスがなかった分あまり変わっていないかな。本当に音楽だけで会話していたような感じなんだ。だから今後日本に行って、2人で話したり、いっしょにライブをしたりしてお互いをもっと知っていきたい。

Kazuki 同じくですね（笑）。エドのトラックは特徴的なので自分がどういう帯域でいたらいいのかとかは考えていたから、本当に音楽だけで会話していました。たしかにアルバムが完成するまで直接話したことはなかったですね。アルバムをリリースするときにいっしょにインスタライブをしたときが初めて2人で話したタイミングで。だから世間話も全然できていないんです。

The edbl × Kazuki Sessions

━━今回の制作背景はある意味かなり貴重な体験なんじゃないかと思います。ちなみにEd Black名義ではご自身の歌声が全面にフィーチャーされていますが、これまでedbl名義ではあまり歌ってきませんでしたよね。今作ではedblさんの歌の割合が増えているように感じました。

edbl 前作の“Never Met”でエフェクトをかけて歌ったことはあるんだけど、edbl名義で作る音楽に自分の声は合っていないと思っていて。他の上手なボーカリストの方がedbl名義で作っている音楽には相性がいい気がしていた。Ed Black名義だと地声だけで歌ってそのままという感じだけど、edbl名義だとエフェクトを掛けたり、自分の声をこういった曲調に合わせて変えていけるかということを意識しながら作っている感じだね。

━━これまでのedbl名義の作品同様に、edblさん共作歴のある方も含め多数のゲストが参加していますが、ゲスト・アーティストは基本的にはedblさんが声を掛けたんですか？

Kazuki そうですね、とりあえず僕はTauraとやりたいとだけ伝えました。Tauraとの曲でエドを知ったというのもあったので、可能であればいっしょにやりたいなと。そのとき候補曲が20曲くらいあったんですけど、あとはエドの知り合いのシンガーやミュージシャンにお願いしたいという話をしたので、基本的にエドがチョイスしてくれました。

edbl 最初はインストの作品をイメージしていたんだけど、KazukiからTauraと曲を作りたいという話があったから、候補曲の中からボーカルを入れられそうな曲を選んで。それでさすがに1曲だけボーカルが入っているというのも違和感があるかなと思って、ゲストを増やしていったんだ。

JPRKはピアニストで彼はインストの時点で参加していたよ。Rachel Janeは以前Instagramである大会をしていてそれでトップ3に入ったのでそれを機に参加してもらった。Otis Ubakaは以前もいっしょにやったことのあるサックスプレイヤー。Kieron Bootheはラッパーで、自分の曲はかなりヒップホップの影響が強いので今でもラップというヒップホップの要素が曲に必要だと思って参加してもらった。INIMIはKazukiの友達で、最初に送られてきたときはKazukiが歌っているのかと勘違いしていて、良い声だと思っていたんだけどあとからINIMIという人だってことがわかったんだ。

edbl & Kazuki Isogai - Surface (feat. INIMI)

━━インストの予定だったということは、ボーカル曲を増やしたことによってディレクションが変わったりもしたんですか？

edbl Tauraの場合はトラックをいくつか送ってその中から好きなもの選んで歌ってくれとリクエストして。当時“Kazuki4”というタイトルだったトラックが“Lemon Squeezy”になったんだ。候補曲が多くあった中でいくつかはそのままでも良いかな、いくつかは少し足せるかなという感じだった。基本的に信頼しているアーティストにトラックを送って「好きにしてくれ」とお願いしていて、その結果良いものが返ってきたからあんまりディレクションはしなかったよ。

━━じゃあアルバムにある統一感は結果的なものということでしょうか？

Kazuki 最終的にはエドがトラックの色をまとめてくれたんです。僕の持っているものとエドの持っているものがすごくうまく混ざって1曲目から最後まで良いものになったなという感じですね。さっき言っていたようにもともと歌モノを想定していないトラックも多かったので、これに歌を入れようとなったときに差し引いたりはしていて。

edbl だいたいそういう感じだね。もともとはアルバムを2つに分けて、片方は自分の昔のトラックを使ってそれにKazukiが足したものにして、もう片方はKazukiが新しく作ったトラックをベースにしたものにしようと考えていたけど、そうすると統一感もあまりなくて、フロウがちょっと良くないから、そのアイディアは無しにして。その結果統一感が生まれたのかもしれないね。

Kazuki そうだ、もともとそういう話だったんだよね。でも結果アルバムの中身はお互いが持ってきたネタが半々くらいのバランスのものになりました。

edbl たしかに。

━━配信でのリリースから少し時間が経ちましたが、リアクションはいかがですか？

Kazuki 最初にボーカルが入った曲が“Lemon Squeezy”だったんですけど、その時点ですごく良い曲になるだろうなと思っていましたね。その曲と“Worldwide”というインスト曲が再生回数で上位にあります。“Worldwide”はエドがもともと持っていたループの上に僕のリフを乗せたんですけど、それは僕がSNSに投稿しているリフの中でも人気のあるもので、それがうまく混ざり合って結果的にみんなが聴いてくれている。個人的に理想の形になったと思っていますね。

edbl Kazukiが前に（SNSに）アップしていたリフが僕の書いていたコードにばっちり合ってラッキーだったんだ。

Kazuki いろんな意味で奇跡だった曲ですね。

━━“Worldwide”は特に2人の個性がグッと前に出た曲だと思いました。周りのミュージシャンの反応も気になります。

edbl ミュージシャンからも良い反応だよ。自分の周りにいるMark PerryやJPRK、Otis Ubakaといった信頼できる仲間たちが“Worldwide”には参加しているんだけど、僕もこの曲が好き。ソロだったり才能を見せびらせる部分もあったから楽しかったよ。

Kazuki 僕の周りのミュージシャンの反応もすごい良くて。プレイやトラックの内容もそうなんですけど、やっぱりエドのカラーと自分のギターが奇跡的にマッチしているところが聴いてくれている理由だと思います。仲の良いミュージシャンでも私も歌いたいって人もいて、好評ですね。

edbl “Worldwide”でソロを演奏するチャレンジのようなことをInstagramでやったりしたんだよ。

edbl & Kazuki Isogai - Worldwide (feat. JPRK)

━━何か音を聴いている中でお互いの中に感じた音楽的な要素はありましたか？

Kazuki 僕がエドに感じたのはやっぱりヒップホップです。もちろんR&B、ソウルの感じもある。ワンループのトラックでも飽きないというか、そこにはヒップホップが好きなところが出ているのかなと思いましたね。

edbl 僕のサウンドの重要なポイントはKazukiの言う通りだよ。ヒップホップのビートはもちろん、R&B風のコードも昔から重要だと思っていた。Kazukiは自然とそういったコードを弾いてくれていたから、すごく一致したんだと思う。

Kazuki そんな気がしました（笑）。今までエドと全く音楽的なバックグラウンドの話はしていなかったけど正直話すことがないというか。自分もSNSに自分のプレイを載せているし、エドはもちろんたくさん音楽をリリースしているから、それを聴いて「いっしょにできそうだな」と思ったからこうなったというのは大きいと思います。

edbl 僕は普段からお互いの音楽を聴いて、気を遣わずに楽しく音楽を作れるような人と制作するようにしているよ。

━━今作『The edbl × Kazuki Sessions』と並べて聴いて欲しい作品などはありますか？

edbl もしedblを好きでいてくれたら、少しテイストが違うこともあるかもしれないけど、フューチャリングでこの作品に参加しているアーティストのソロの音楽も必ず気に入ると思うよ。

Kazuki 今回エドといっしょにやってみて、今までの自分のトラックの感覚とは少し変わったというか、今までの自分の作品と比べるわけじゃないけど、新しいひとつのジャンルではないけど、そういったものが確立できた気がしていて。アルバムをいっしょに作ったけど、自分で自分の曲を聴いちゃうくらい、新鮮というか。昔のネオソウルとかヒップホップとか、例えばJ・ディラ（J Dilla）だったりともプレイリストで並べて聴いても良い意味で埋もれない、ちゃんと1曲1曲が強くなっていると思う。

━━具体的にどのような感覚の変化があったんでしょうか？

Kazuki エドのコード・プログレッションに自分のアイディアを入れて、自分のコード・プログレッションにエドのビートを入れていったら、なんでかわからないけど出来ちゃったんですよね（笑）。

━━なるほど。意識の面でも変えた部分はありますか？

Kazuki 僕はもともとジャズとかもすごい好きなんですけど、「あ、こういうトーンで弾きたい」というのが自然と出てきましたね。ギターにもいろんな種類があるじゃないですか、このギターが合いそうとか、こういう感じならこういうタッチかなとか、サウンドメイクの段階で。だから別に自分の意識を変えたとか、気持ちの面での変化があったわけではなく、そのトラックに一番かっこいいものを乗せたいといういつも通りの感じで。それで自然と出てきたんです。

edbl それは僕もだよ。

━━フェスやライブで聴いたらさらに気持ちよくなりそうな音でした。ライブの計画は立て始めていますか？

edbl 今年は無理だけど、できれば来年には日本に行ったり、Kazukiがロンドンに来たりしたらスケジュールを合わせて何かやりたいと思ってるよ。

Kazuki コロナも落ち着いて自由に行き来ができるようになったら、もちろんライブもしたいしツアーもしたいですね。あと今回はリモートだったけど、同じスタジオでいっしょに制作ができたら今回の作品を超えるものが作れるなって確信がありますね。

edbl ぜひ！　いっしょにスタジオに入ろう。

━━そんなお話を聞くとつい次の展開を期待してしまいます。

Kazuki すでに次も何かやろうという話をエドにしていますね、いつになるかはまだわからないですけど。

edbl 今は自分の他の仕事ですごく忙しいんだけど、すでにループを送り合ったり、ボーカルのアイディアを送り合ったりしていて、もうすでに良い感じで作業は始めているから、やらない理由はないね。

━━リモートでも顔を合わせる機会はリリース時のインスタライブ以来ですよね。せっかくなので最後にアルバムに関係なく、お互いに聞きたいことなどはありますか？

edbl 今この場で話すと長くなっちゃうから、一つだけ。一番影響を受けたギタリストを教えて欲しいな。

Kazuki 一番を決めるのは難しいですね。ジャズが好きになった時はジョージ・ベンソン（George Benson）だったりウェス・モンゴメリー（Wes Montgomery）など。ギターを始めた時は、ハードロックが好きでジミー・ペイジ（Jimmy Page）だったりジミ・ヘンドリクス（Jimi Hendrix）が好きでしたね。ジョン・スコフィールド（John Scofield）、エリック・クラズノー（Eric Krasno）、デレク・トラックス（Derek Trucks）にもすごく影響を受けました。また、会ったときにゆっくり話したいですね。

edbl ありがとう。ゆっくり話したいね。

Kazuki いろいろ作っていく中でたくさん話せると思うので焦らずコミュニケーションを取っていこうと思います。

edbl（エドブラック） サウス・ロンドンのプロデューサー/トラックメイカー。そのメロウでソウルフルなサウンドは、Spotify UK「New Music Friday」のカバーアーティストへ選出されるなど本国での高い評価はもちろん、日本でも「The Way Things Were」が J-WAVE、 InterFM897のパワープレイに選出されるなど、サウス・ロンドンで今最も注目されているアーティストの一人。近年ではアジアでの人気も高まっており、過去にリリースした『South London Sounds』 『Brockwell Mixtape』は韓国や台湾を中心に高い人気を博している。

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磯貝一樹（Kazuki Isogai） 大分県出身のギタリスト。iri、Creepy Nuts、Nao Yoshiokaなど様々なアーティストのサポートを務めるほか、2022年からはSANABAGUN.のメンバーとしても活動。また2019年、世界最大の楽器見本市 NAMM SHOWでのデモ演奏を皮切りに海外進出し、アジア、ヨーロッパ、アメリカ、アフリカと世界各国でのツアーを経験。SNS での動画投稿も積極的に実施し、Instagramのフォロワー数、YouTubeのチャンネル登録者数は共に20万人超と、国内外に多くのファンを持つ。

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━━今回、Reiさんには細野晴臣さんの＜細野晴臣 50周年記念特別公演＞開催時のトートバッグなど、思い出の品を持ってきていただきました。

ハリーさんとは初対面からの流れが急展開でした。きっかけはラジオ番組にゲストで呼んでいただいたこと。そこで生演奏をさせていただいたのですが、なんとその場で「来週、僕の50周年ライブで弾きなよ」って誘われて。

この＜細野晴臣 50周年記念特別公演＞の時にビング・クロスビー（Bing Crosby）の“Pistol Packin' Mama”を一緒に演奏させていただいたのですが、「君も2曲くらい弾き語りすればいいじゃない」って、なんとご自身の周年ライブなのに、ステージを任せていただいたんです。先週、会ったばかりの若造にですよ！　懐の深さを感じましたし、私を信用していただけたのが本当に光栄でした。

━━今回のカバージャケットでは細野さんによく似た犬を女の子がぎゅっとしているアートワークになりましたが、このオレンジはもしかして＜細野観光＞のポスターをイメージされたんですか？

そうです。これまでの「QUILT」プロジェクトのアートワークと同様に青色が私。細野さんは＜細野観光＞のロゴカラーからオレンジ色をチョイスしました。犬は忠誠心の象徴ですね。コラボ相手に対するリスペクトを表しています。顔つきはちょっとだけハリーさんっぽくしてみました（笑）。

━━Reiさんは幼い頃からYMOがお好きだったと伺っています。

意識して聴いたのは中学生の頃から。でも、幼少期から触れてはいたんです。幼い頃に乗っていたシトロエン・2CVのカーステレオで、ラジオからダビングしたYMOのワールドツアー音源を聴いていました。

その後、クラシック・ギタリストを志す中で出会ったのが渡辺香津美さんの音楽。小学生の頃からゴッドと崇めてコンサートに通ったり、作品を聴くようになりました。そして中学生になった頃、私が幼少期からカーステレオで聴いていたYMOのワールドツアーに、大好きな香津美さんが参加されていることに気づいたんですよね。さまざまな点と線が繋がった感覚がありました。そこから夢中になってYMOを聴くようになったんです。

━━Reiさんは当時、なぜ彼らの音楽に惹かれたのでしょうか？

時代の先をゆく音楽ですよね。前衛的でありながらも、音楽的な学や素養がしっかりあって品格もあります。豊富な音楽知識を身につけた人があえてポップスをやっていることに、エッシャー（Escher）の騙し絵のようなセクシーさを感じました。

難しいことをやろうと思えばできるなか、あえてポップスに落とし込むのは、相当センスがないとバランスを取れません。あの時代にあの音楽性でメインストリームに乗ることは革命的だったと思います。私にとっても目標とする存在です。

よく私は「赤と白しか知らずに2色の絵を描くのではなく、12色を知ったうえで赤と白の絵を描きたい」と言っているのですが、彼らの音楽が自分のそういった考えの根幹になっているんだな、とはよく感じています。

━━では、今回のコラボレーション相手である細野さん個人の魅力は？

……不思議な人ですよね。魅力の絶えない方なので、語り出したらキリがないです。相当なキャリアを積まれているのに、それでも今なお“予想の斜め上”の音楽を生み出されるので。しかもアンビエントからロック、テクノと作品性は多岐に渡るのに、すべてがちゃんと細野さんの曲に聴こえるのが不思議です。引力に寄せられる感覚があって、彼のことをもっと知りたくなります。

もともと大ファンだったことは前提としてありますが、私と同様、細野さんもブギウギやフォークといったルーツ・ミュージックを辿っているんですよね。僭越ながら近いところを感じました。

そして、何より私は細野さんの声が好きなんです。日本語で歌っていても、フランク・シナトラ（Frank Sinatra）のように聴こえてくる。「この声と一緒に歌いたいな」というシンプルな気持ちはありました。

細野さんとコシミハルさんとのユニット・Swing Slowでも感じたのですが、細野さんの声はすごく女性ヴォーカルと親和性があって素敵なんですよね。私は子供みたいな声をしているので、なんとなく良いコントラストが生まれるんじゃないかと想像していました。

━━今回の楽曲はReiさんがデモ音源とアレンジを担当されましたが、どういった経緯で“ぎゅ with 細野晴臣”が生まれたのでしょう？

当初はカバー曲も視野に入れていました。でも「せっかくご一緒できるなら」と書き下ろした曲もお送りしていて。カバーという選択肢がありながらも「オリジナルをやろう」と言ってくださったことが本当に嬉しかったです。

しかも細野さん、アレンジだけじゃなくて、歌詞も私に委ねてくださったんですよ。その行為自体に愛を感じて、感無量でした。今思い返すと、曲を早く完成できてよかったです。一度悩んだら一生書けなかったと思う。

━━Reiさんは年明けに放送されたラジオ（2022.01.09 Daisy Holiday!｜InterFM897）でも、細野さんに「過去の作品が重責になる瞬間はありますか？」と聞いていましたよね。Reiさん自身がそういった悩みに直面していたんですか？

そうなんです。過去の作品が自分の背後に覆いかぶさってくるというか。繰り返すことでイメージを定着することはできるけど、私はできれば同じような曲を何度も作りたくはない。ただ、それによって自分の首を絞めていることも事実で「これはあの曲に似てるからやめよう」って新曲を作れなくなるループに陥ることはあります。

細野さんはたくさんの音楽を世に送り出している中で「これ以上の素晴らしい作品を作れない」となった時はどうしてるんだろうって思ったのですが、質問に対し「（過去の作品を）忘れちゃうんだよ」って答えていらっしゃって。そのあと「本当に忘れてるわけじゃないんだけどね（笑）」と微笑みながら付け加えていましたが、固執しないことは大事なんだと学びました。

━━その意味では、今回の“ぎゅwith 細野晴臣”でReiさんの新たな一面を垣間見た気がしました。正直、最初に聴いたときは細野さんが作曲に携わっていると思ったんです。

それは作曲者冥利に尽きます！（笑） ファンが「おっ」て思うようなポイントを曲に散りばめつつも、聴く人が聴けば「本人はこういうのをやらないだろうな」と気づくようなギミックを施しました。

『QUILT』シリーズの曲はそれぞれが自分にとっての“挑戦”。実は藤原さくらさん、長岡亮介さんの時も「コラボ相手にまつわる日本一のオタクになろう」と研究ノートにすべてをまとめました。細野さんとのコラボは特に、半世紀分の奥深い歴史があるので「自分が今できる全てを込めよう」と入念な準備を重ねました。

━━細野さんについてはどんな研究を？

ディスコグラフィーを時系列で聴くだけではなく、「スネークマン・ショー」とYMOのコラボレーション・アルバム「増殖」のスキットを書き起こしたり、細野さんが鈴木茂さん、林立夫さんたちと出会った伝説のイベント＜PEEP＞について調べたり。アートワークの参考にするために、はっぴいえんどのレコーディングを撮影された写真家の野上眞宏さんの個展で写真集を買ってご本人とお話もしましたね。

━━歌詞は今までの『QUILT』で描いてきた「共生」というテーマを引き継いでいますが、今回言葉を紡ぐにあたってどういうことを意識しましたか？

図らずともこれまでリリースした3曲はつながっている曲調と歌詞になりました。今回はその中でも「生きている」ということそのものについて深くフォーカスを当てました。普遍的に長く愛される曲にしたいと思ったので、子供でもわかる言葉選びを意識しましたね。

「人を抱きしめる」ということは人と一緒に生きることを象徴するような行為。人との触れ合いって、生きている証拠だと思うんです。そしてやはり最後のフレーズに「お別れ」を入れたことで「生きる」が完成しました。

━━では細野さんとの“ぎゅwith 細野晴臣”含め、「共生」について考え続けた「QUILT」のシングルリリース3作は、Reiさん自身にどういった影響を与えたと思いますか？

今までシングルでリリースした3作は宝物です。1人でいることの強さを身につけ、自立しているからこそ共存できる。己と徹底的に向き合い「個」をテーマとした前作の『HONEY』から、思考の幅が広がったように思います。

理想はまだまだあるけれど、一流の仕事をやらせてもらった。特に今回の“ぎゅwith 細野晴臣”は自分の音楽に誇りをもっていいんだと、自信がつきました。いまだに寝る前にほっぺをつねることはあります。「ああ、これ夢じゃないんだ」って（笑）。

━━渡辺シュンスケさんとハマ･オカモトさん、そして石若駿さん（Dr）、後関好宏（Sax）といったサポートメンバーのラインナップをどのように決めたんですか？

Rei　細野さんを迎えるにあたって色んなミュージシャンの顔が浮かびました……。でも自分と正直に意見が交わせて、ルーツ・ミュージックに理解があるミュージシャンにお願いしたいと思っていたんです。

ハマくんは昔、私が人生で始めてYMOの話ができた友達なんですよ。それまでインターナショナルスクールにいた時はYMOを知っている同世代がいなかったので、ひとりで好きだったんです。知名度も知らなかったから、福岡のライブでご一緒した時にハマくんが話を聞いてくれて「YMOが通じるなんて！」って……。

もちろん細野さんとも関わりをお持ちであることも知っていました。でも、それ以上にパーソナルな思い出がやっぱりあるんですよね。チルドレンとして一緒に共演したいなと思ったのが、今回のオファーのきっかけでした。

考え抜かれていない作品を人にお渡しすることは自分の性格上許せなくて、いつもデモは事前にアレンジまで自分で作ります。

でも、このメンバーなら私の想いを汲みつつ、崩してくれると思っていました。細野さんのことを考えながら、みんなでコミュニケーションをとってアレンジに挑めたのは贅沢な体験でした。

━━お二人は最初にデモ音源を聴いた時、どういった印象を受けましたか？

渡辺シュンスケ（以下、渡辺）　細野さんと一緒にやると聞いて実際のデモを受け取ってみたら、すごく細野さんへのリスペクトと愛に溢れていると感じました。同時にアレンジの狙いもはっきりしていたので「怖いもの知らずだな」という印象もありました。

パッて聴いたときに「ああ、あの頃の細野さんだね」とすぐ分かる。でも、今の音楽に落とし込んでいたので、そのさじ加減の良さには感心しました。最終的にはすごく『泰安洋行』（細野晴臣の3rdアルバム）っぽい仕上がりにはなりましたよね。

━━そのうえで、音作りではどういったところを意識されましたか？

渡辺　いろんな細野さんの作品を聴き、咀嚼してきたからこそ、そこを自分の演奏に落としこもうと思いました。「あの頃の細野さんが好き」だけじゃなくて「細野さんを聴いてきたから、今の俺はこういうミュージシャンになりました」ということを表現したかった。実際にそういうサウンドになったと思います。

ハマ・オカモト（以下、ハマ）　僕も「あの頃、細野さんがこれを使っていたから、この楽器で音を再現します」だけで完結しないように心がけました。その一方で音作りに時間がかかった印象もなくて、みんなレコーディングが始まったら「やっぱそういう音だよね〜」ってお互いに納得しながらスムーズに進みました。細野さんが引き受けた時点で何をやっても正解だったとは思うからこそ、あまり心配もなかったです。

Rei　ハマくんは今回のメンバーのなかでも特にご本人とのコミュニケーションを多く取っているので、ハマ君からのストップが入らなければ大丈夫、みたいな安心感はありましたね。

でもやらせておいた側が言えることでもないと思いつつ……ベーシスト細野晴臣のバックで演奏するのってすごく勇気がいるんじゃない？

ハマ　音源として残るものに参加するのが初めてだから、緊張よりも感慨深さの方が勝ったかもしれない。確かに本人をバックに初めて生演奏した時は緊張しましたけどね。

━━実際のレコーディングはどのように進めたのでしょう。

Rei　去年の夏からレコーディングを始めて、最後に細野さんの声を加える流れで収録を進めました。

トロピカル三部作でエスニックな楽器も弾いてらっしゃったので、細野さんにはスパイスを加えるような形でのアレンジもご相談したのですが、細野さんと話して最終的に「これ以上足さなくてもいいんじゃないか」ということになって。

すべてのパートのレコーディングが終わって、最後にプリン・ア・ラ・モードのさくらんぼのように細野さんの声がソッと乗せられた瞬間、本当に鳥肌が立ちましたね。夢みたいでした。

渡辺　「よくぞやった！」と思う人はたくさんいるんじゃないかな。そういう仕上がりになったよね。

ハマ　近年、細野さんがこのテンションで歌うのを聞いたことがなかったんです。外部からの刺激がない限りは自発的にやらないような感じ。すごく楽曲のなかで握手しているような気分でしたよね。

細野さんのことはみんな好きだし、誰もが「コラボしたい」と思っているはず。でもそれを実行に移せることは滅多にない。そのうえで、細野さんのフレッシュな声を引き出せたこともすごいなと思いました。

Rei　細野さんから「好きなことをやればいいよ」って言われて全部任せてもらえたからこそ、ソングライターとしての力量が試されたなと思いましたね。今回参加してくれた他のミュージシャン、ドラマーの石若駿くんもサックスの後関さんもそうですが、2022年の第一線で活躍されていて、かつルーツミュージックに理解のあるプレイヤー。自分が信頼できる人をお招きできて、本当にうれしくって。今は喜びで身体がチクチクしています。

━━今回の「QUILT」というプロジェクトはいつから構想があったんですか？

Rei　今年から具体的に動き出したのですが、アイディア自体はアルバム『HONEY』を作り終えて、次回作のテーマをブレインストーミングしている時に浮かびました。「私」と「あなた」という布同士の間に「綿」━━音楽が挟まってて、それを縫い合わせて作品にしていこう、っていうコンセプトなんです。

去年は私にとって初めてのコラボレーション曲となったSOIL＆"PIMP"SESSIONSとの“Lonely Dance Club（w/ SOIL＆”PIMP”SESSIONS）”もリリースしましたし、これまでさまざまなアーティストとジャムセッションを通して交流を図ってきました。それをより目に見えるように作品へ落とし込みたい、という気持ちからQUILTの立ち上げに至りました。

あと、前作はより自分自身と向き合った作品だったからその反動かもしれないです。次は賑やかな作品を生み出して、コントラストを作りたいなって思ったんですよね。

藤原　誘ってもらった時、Reiちゃんが「どういうプロジェクトにしたいか」っていうコンセプトをファイリングしたノートを見せてくれたんだよね。そこに書いてあった「QUILT」っていうプロジェクトタイトルを見て、「めちゃくちゃいいな」って思ったのは覚えてる。Reiちゃんが描いたジャケットのイラストもすごく良いよね。

━━ジャケットのアートワーク、刺繍が凝ってますね。

Rei　歌詞になぞらえたイラストを私が描いて、写真家の小見山峻さんと素材を相談しながら共同制作しました。前回の『HONEY』が「紙」をテーマとするなら、今回はタイトルになぞらえて「布」がテーマ。特に小見山峻さんは、さくらちゃん（藤原さくら）の写真を何回も撮ってるので、そういった共通点がある方に共同制作をお願いできたのは嬉しかったです。

━━藤原さんとReiさんの出会いはいつ頃だったんですか？

Rei　タワーレコード渋谷店だったかな？

藤原　2015年の4月頭だよね。私が1階でミニアルバム『à la carte』のインストアイベント、Reiちゃんが2階のTOWER RECORDS CAFÉでファーストミニアルバム『BLU』リリース記念のライブをやってて。

もともと私はReiちゃんを知ってたから、会った時に初めて挨拶したんだよね。その時からずっと一緒にライブをしたいなと思ってた。そしたら、その直後にたまたまライブハウス側の企画で＜レイトサクラ＞（青山・月見ル君想ウ／2015年4月開催）っていうツーマンライブをやったんだよね。

Rei　それからずっと仲良いよね。ライブやフェスの現場が一緒になる機会もたくさんあったんだけど、ここ最近でもっと仲良くなった気がする。

━━では、藤原さんを「QUILT」で1発目のコラボレーション相手に選んだ決め手は？

Rei　前からさくらちゃんとはライブ以外の何かをやりたいと考えてはいたんですけど……ナチュラルに思い浮かびました。もちろんそういった精神的な部分が一番の決め手ですが、女性同士の歌声が同じ楽曲で入っている状況をイメージした時に自分と声質が違う方とご一緒したかったのも理由のひとつです。さくらちゃんの声って高級な牛乳みたいな感じなので（笑）。

藤原　何それ！？ 牛乳？

Rei　濃厚でシルキーで真っ白、みたいな。豊かでありながらピュアさもあるので、2人の声が重なれば、コントラストが綺麗かなと思ったんです。

━━今回の楽曲の方向性はどうやって決めていったんですか？

藤原　ほとんどの作業はReiちゃんがやったけど、最初Reiちゃんの家で「どういう感じの曲にしようか？」って作戦会議したよね。お互いが最近好きな曲を紹介しあって。

Rei　アジフライを食べたりしながらね（笑）。

藤原　そうそう。最初はお互いの家を行ったり来たりしながら、一緒に曲を作ったりしたんだよね。「ご飯を食べてから作ろう」って言ったのに、結局話すのに夢中になって何もせずに帰ったり（笑）。でもそこで話した内容は、曲にも影響してるはず。

ただ、この曲以外にもReiちゃんが良い曲をたくさん用意してたからもったいなくて！ 相当悩んだよね。とにかくReiちゃんの作曲スピードが早くて、気づいたら4曲くらい出来上がってるんですよ。しかもロックテイストやラップっぽい曲を用意したり、私が作った曲をレゲエにアレンジしたり。パッとアレンジできる対応力はすごいなって思ってた。

Rei　レゲエはさくらちゃんもラジオで特集してるの知ってたし、好きだろうと思って。一緒にやるって決まったらどんどん書けちゃったし、今回のために楽曲はいっぱい用意しました。

━━レゲエにラップ、他の楽曲も聴いてみたいです……。でも、たくさんの書き下ろし曲を用意した中で”Smile!”が選ばれた理由は？

藤原　実は“Smile!”の元になった曲、ずっと昔に聴いたことがあるんだよね。前からお互いの曲をレコーディングしたら聴かせあったりしてたんです。その時からいいなって思ってた。

Rei　私が「いつかリリースしたい」と思って大切に温めていた曲だったんです。2人でコラボするために書いたわけではないから、最初に聴かせてから一旦引っ込めてたんだけど、さくらちゃんの反応が良かったのを思い出して。最終的に採用されました。

━━楽曲を聴かせていただいたのですが、お2人の声のバランスがすごく良くて気持ちよかったです！ レコーディングではお互いどんなことを意識しながら挑んだんですか？

藤原　大前提として、私が我を出すというよりもReiちゃんが判断していく方がいいと思ったので、あえて「こうしたい」というのを持たずに挑んだんです。

でもマイクを変えたり、色々試させていただきました。ミックスの作業はReiちゃんにお任せしたんですけど、それで印象が結構変わったよね。2人の声のいいところを出すために、ミックスで私の声のボリュームをあげてもらったり。

Rei　さくらちゃんは自然にやるとマイクと口が近くて、逆に私は遠い。マイクとの距離感も声質も違うから「MIXでどっちに近づけるか」という話はしたよね。とにかくさくらちゃんの声の「うまみ」を最大限に活かすことは意識しました。

藤原　ただ、スタイルを無理に合わせるようなことはしなかったかも。お互い聴いてる曲がめっちゃ似てるんです。好きな曲をReiちゃんに勧めたらハマるし、その逆も然り。リリースする楽曲の音楽性は違うかもしれないけど、お互いの根本的な部分を知ってるからこそ、自然体で楽しくやれた気がします。

レコーディングの時も、私が歌い方で悩んでたらボーカルブースに入ってきて、リズムに合わせて後ろから肩たたきを始めたんですよ！ 後ろから励まされながら歌ったのは初めてかも。

━━今回参加されているサポートの石若駿さん、ハマ･オカモトさん（OKAMOTO’S）もお2人の同世代ですよね。

Rei　私とさくらちゃん、同世代同士のコラボレーション曲というのもあって、サポートも同世代で揃えたいと思いました。リズム隊の2人は星野源さんやマハラージャンさんのレコーディングで何回も共演経験があるのは知ってたので、グルーヴが熟していると思ったんです。実際にレコーディング現場では各々のキャラクターがよく出ていて、チームワークは良かった。

藤原　Reiちゃんも普段から自分の意見を持った子だけど、レコーディングではより自分の「こうしたい」という音の作り方をもとにテキパキ指示を出してて。かっこいいなと思いました。

Rei　明確に決まっている部分と、余白として意見を求めるところの棲み分けはしてあったんですよね。現場でのケミストリーも求めたいから、3人に積極的に話を聴きながらレコーディングしました。

━━藤原さんは、サポートのお2人と面識は？

藤原　ハマ（･オカモト）くんはラジオでご一緒したことはあっても、一緒に演奏することはなかったので新鮮でした。石若さんはレコーディング当日が初めましてだったんだけど……。

Rei　初対面の感覚がしないくらい（石若）駿くんは人懐っこいよね。ふたりは何回もご一緒したことがあるようなナチュラルな感じだった。

私は2人とも友達としては長いんです。6〜7年前に駿くんとは遊びでよくスタジオセッションをしていたし、ハマくんも10年くらい前にライブハウスで会ってからの付き合い。友達歴は長いけど、私の曲に参加してもらうのは初めて。

何より、人と一緒に制作する喜びがありました。水面に一滴落としてひとつの波紋を作るのではなく、雨のようにいくつもの水滴を落として波紋が重なり合う感じがした。

━━同世代のミュージシャン同士でスタジオに入ってみて、いかがでしたか？

Rei　仕事場で会うと違う側面が見えてドキドキしました。そもそもコロナ禍の影響もあって、人とスタジオに入ることが久しぶり。「楽しい」「嬉しい」「ありがとう」が綯い交ぜ（ないまぜ）で、すごく幸せな気持ちになりました。

何より、今までの楽曲レコーディングでは得られなかった多くの刺激がありました。駿くんのドラムフレージングはアイディアが豊富だし、ハマくんは目の細かい人だなと思いました。カジュアルに話すけど観察力があって、小数点単位の正確な音を出してくれる。緊張感があって、背筋を正される想いでした。

━━藤原さんが今回の楽曲制作の中で印象に残っていることは？

藤原　Reiちゃんからは「あなたは天使だから」って言われて。「あ、天使でいればいいんだ」って思いながら歌いました。

━━「天使」って、歌詞に出てくる“little angel”のことですか？

Rei　そうです！　この曲は「ぼく」という主人公が悲しみと孤独に打ちひしがれた時に「あなた」というさくらちゃん（天使）に出会い、世界が色づいていく物語です。

私、学生時代は音楽に集中してたから人間関係のコンプレックスが強くて。そういうトラウマを抱えたまま東京に出てきたからこそ、一時期は仕事のプレッシャーから「こうして遊んでいる暇があったら家で練習した方がいいんじゃないか……」っていう追い詰められ方をしてました。

でも、さくらちゃんと出会って「自分が自然体でいること」が許された気がしたんですよね。彼女はすごく人のことを褒めるし素直に良いものを良いって言ってくれる。さくらちゃんに出会えて嬉しかった。

━━じゃあ、歌詞の「ぼく」がReiさんなんですね。

Rei　生きるのが楽しくなったので「私と仲良くしてくれてありがとう」を曲に込めたかったんですよね。

藤原　この2人でやるからこそ意味がある曲になったなと思いました。私も、他の人には言えない仕事やプライベートのしんどいことを、Reiちゃんには相談できるんです。

私も音楽の話ができる友達がなかなかできなかった。でも当たり前のようにその音楽を知ってるのがReiちゃん。私が知らないことも知ってるし、幅を広げてくれた存在でもあるんです。

Rei　今年5月に開催された＜メトロック2021@ABEMA”Keep on METROCK”8時間緊急生放送＞で一緒に演奏した、竹内まりやさんの“元気を出して”も影響してるかもしれない。あれも友情の曲だからね。

藤原　あれは本当にいい曲！ うちで練習したんだよね。

Rei　そうやって、さくらちゃんとは数えきれない思い出がある。すごく象徴的な曲になったんじゃないかなと思います。恋愛には良くも悪くも終わりがあるし、家族はそれはそれで特殊な間柄ですよね。友情は友情にしかない特別な愛がある。

コラボレーションをするとお互いの関係性が曲に滲み出ると思いました。恋愛の曲にする案もいくつかあったけど、自然体な曲に落ち着いたと思います。

━━まさに2人の関係性がストレートに表れた楽曲だなと思いました。

Rei　単なる「仲良しごっこ」には見られないよう意識しました。本当に仲は良いけど、お互い信念を持って音楽をやっているから。一緒にやった事実を作るためではなく、「いい音楽を作りたい」という意思をもって一緒に楽曲を作ったということは示したいと思っていました。

━━今後も、そういった信念をもったコラボレーションが続くと伺っています。最後に、次回以降のプロジェクトに期待していることを教えてください。

Rei　唯一無二の人とやりたい、という思いはあります。誰かの焼き直しではなく、その人しか奏でられない音楽を創っている人と。あとはキャリアを重ねたことで生まれた固定概念や、音楽づくりの「自分ルール」を壊してもらいたい。

豪快に壊してくれる人間関係、という意味でも、さくらちゃんに最初にオファーできたのは嬉しいです。多分彼女ならダサいものや好きじゃないものへ素直に意見を言ってくれると思ったので。絶対カッコ悪いことはやらない人なんです。

藤原　私たちが「良い！」と胸を張って言える曲を作れたので、本当にたくさんの人に聴いてほしいです。マスタリングされた曲を一緒に何回も聴いて「やっぱり良いね〜！」って言い合ってるくらい（笑）。

Reiちゃんはすごい。きっと今までのReiちゃんに新たなエッセンスが、これからも加わっていくはず。その化学反応を楽しみにしています。