1999年生まれの音楽家、松永拓馬が2ndアルバム『Epoch』をリリースした。本記事は同作においてプロデュース、ミックスに携わった篠田ミル（yahyel）も同席のうえ実現したインタビューである。

「松永拓馬とは誰か？」に焦点を当てた前編に対し、後編では最新作『Epoch』について具体的に語ってもらった。冒頭の“July”からラストの“いつかいま”まで、制作過程や当時のフィーリングなどを詳細に聞いた。『Epoch』の感じ方が一気に変わる、そんな対話となっている。

松永拓馬（以下、松永）：『Epoch』のコンセプトみたいなのは冒頭の“July”からスタートしたんです。

篠田ミル（以下、篠田）：夏のクソ暑い時に苦しみながら作って……。

松永：作れないんですよ、暑くて。だってアンビエントとか聴きたくないじゃないですか、暑い時に。ていうか音楽自体聴けなくなる。けど、そこで投げ出さなかったから秋とかに制作のフィーバータイムが来たっていうか。

“July”はケレラの去年のアルバム（『Raven』）とも並べて聴けるような感じがしました。レイヴのフィーリングというか。

松永：レイヴのフィーリングはめっちゃあるかもしれない。そこで共鳴してるのがみんなのきもちかもしれないです。コロナ以降のレイヴ観みたいなのを共有してるというか。けど、一般的にレイヴは夜に打ち勝とうとする感じじゃないですか。だけど、俺はもうちょっと素直な環境の時間の流れに身を任せたいって思ってる。友達のやまけん（今作ジャケ写の撮影者）とかミルさんとかと「2人レイヴ」をよくやってます。

2人レイヴ？

松永：2人だったらフットワーク軽いじゃないですか。だからバーンって行っちゃえばどんな環境でもレイヴできちゃう。2人ならキャパも関係ない。それをやっていくことで、レイヴのフィーリングを自分のものにしていくっていう。これはアルバムのためっていうよりは一昨年ぐらいずっとやってた遊びで、それがだんだんああいう形になってきたっていうか。「そろそろこの感じは自分たちのものになってきたからおすそ分けできるんじゃない？」みたいな。

篠田：拓馬が言おうとしてるレイヴって、夜通し音楽が流れ続けているダンスフロアとはあんまり関係ないレイヴだと思うんです。野外の環境にいて、そこで一晩なり時間を過ごすこととしてのレイヴを言ってる気がする。自然の中に一晩居ることで、刻一刻と移り変わってゆく環境に身を委ねる経験というか。それで、今だ！って瞬間にたまに音楽を聴いてみるくらいの感じというか。

松永：音の波って一定じゃなくて自由じゃないですか。ダンスフロアって、踊ることを強制させられるっていうか。だけど音楽ってもっと自由だからアンビエントで踊ってもいいわけじゃないですか。そういう自由なことができるのが「2人レイヴ」っていう感じです。自分がもし、イベントをやるならそういう感覚をみんなと共有できるような、そういう感じにしたいなって。

篠田：“July”は拓馬がケンちゃんとジャケを撮った川に行った時のフィーリングみたいなもの、野外で時を過ごすことで得られた感覚を拓馬が取り込んだものだと思います。

松永：で、後半はミルさんがもっと良くしてくれた。2人ですり合わせていった感じでした。

次の“Oh No”には《どこへでも行ける》という歌詞があります。レイヴは社会からの抑圧から来てるカルチャーでもありますが、松永さんの音楽は抑圧からの逃避というよりは、解放感に支えられたような印象を受けます。

松永：俺が普段感じるレイヴは「うわ、今この感じめっちゃいい」みたいなものなんです、本当になんとなくですけど。ちょっとした買い物のために外に出た時の空気の匂いがグサって来る時あるじゃないですか。そういうのに高揚するっていうか、それを音楽でやりたい。歌詞とかもそういうフィーリングが一番刺さるんじゃないかな。だからレイヴって言葉を使っていいのかは分からないですね。

歌詞はミルさんと共有されたりするんですか？

松永：いや、歌詞はバーって1人で書いてます。あんま予定決めないで遊びに行ってみるとか、そういう中で受けたインスピレーションをもとに歌詞にしていくって感じです。

松永：次の“u”はこの前出させてもらったみんなのきもちの後ぐらいに作った曲。本当に曲そのままのフィーリング。音楽が最高で、それ以外はどうでもいいみたいな感覚になるじゃないですか。そういうことなのかな。

篠田：そのときはあまり意識してなかったけど、ここまでは点やサイン波（前編参照）のフェーズでしたね。

ここまでは点のフェーズでソフトシンセを使用しているとのことでしたが、具体的な機材名を教えてください。

松永：“u”は全部の音を自分のUDO AudioのSuper 6で録ってます。今っぽいっていうか、シャキッとしてカッコよくなる。

篠田：Super 6（の見た目）はハードのシンセサイザーなんですけど、根本的にはデジタルシンセなんです。アナログの挙動を模したデジタルオシレーターで、わりとモダンな作り。

松永：アナログシンセで使ってるのはミルさんのProphet-10です。ProphetとSuper 6は相反してる感じがあって、そこが良かったです。

4曲目は“森”ですが、これはどこの森なんですか？

松永：漠然と森。概念としての森ですね。

この曲ではラップしていますが、このフロウってどこから来るんですか？

松永：昔はラッパーの真似をめっちゃしてたんですけど、ラップで結局一番良いのは頭あんま使ってない感じっていうか、素直にやることだと思うんです。KOHHとかもそうだし。KOHHの源流的なので言ったらエイサップ・ロッキーのラップです。フリースタイル的というか、ラップが嘘じゃない感じ。自分もそういう感覚だったり、フロウを大事にしてますね。

これまでの蓄積から出てくるフロウなんですね。

松永：そうですね。けど普段そんなにラップはしないし、いわゆるラップの曲は少ないじゃないですか。だからこの拙さが逆に良さかな、はめ込みすぎないっていうか。

でもフロウはとても滑らかで、曲に合ってる感じもします。韻も綺麗に踏んでいますね。

松永：曲作り始めた時に一番聴いてたのがヒップホップだから、普通の歌の部分でも韻は踏んじゃう。全曲踏んでる。それは自分の歌詞の作り方だから逃れられない。韻踏まなきゃとは思ってないんですけど、踏まないと気持ち悪く感じる。

次の“もっと”はニューエイジ色の強い一曲ですよね。

松永：これは1人で頭で考えずに、「こうなったからこうじゃない？」みたいなのを軽く組んでから、ミルさんに持っていって、デモを他の機材で録り直したりとかして仕上げました。

篠田：“もっと”とか“森”ぐらいからアナログシンセサイザーフェーズに入ったんです。それまではDAWに縛られた制作をしていたというか。この小節はこういう展開にして…みたいなことを目で見て頭で考えてやってたんですけど、それって別に面白くないし本質的じゃないなと2人で思って。音楽を聴くときに、DAWの編集画面を目で見たりして鑑賞しないじゃないですか。ピッて録音ボタンを回しながらシンセのパラメーターをいじっていくとより有機的にDAWのグリッドから離れて曲の時間軸や構成の変化を捉えることができるし、その時にお互いが感じていることやそこで起きたことも落とし込めるんじゃないかっていう話になったんです。それでツマミを触りながらポッと録ってみようみたいなヴァイブスがだんだん芽生えてきた。“もっと”とかは拓馬が用意したフレーズがなんとなくあって、それを実際に2人でツマミをいじりながらシンセで鳴らしてみて、「今良いテイクだったよね」みたいな感じのプロセスでした。

松永：“森”のコードのフレーズはめっちゃ良い音っすよね。あれは一発録りの結晶。

篠田：そうだね、 ちょっとノイズのってたから録りなおそうとしたけど再現できなかったよね。

色々聞いてる中で、「この瞬間」というのを曲にっていう。

松永：そうですね。一発通しでシンセを鳴らしながらつまみとかをちょっとずついじっていくことでスタートから終わりまでの大きい波が作れる。

篠田：要はAbletonからMIDIをシンセに送ると我々がフレーズを弾く必要はないから、その分自由に音響を時間的に彫刻する作業を手と感性でやっていく。だからインプロヴィゼーションの発想はかなりありますね。DAWから音楽はじめた人間が、演奏や録音の一回性に逆に新鮮さを見出しているというか。特に“森”以降は。

松永：自分たちの制作の手段としてこの発見は大きかったですね。これがうねりの作り方なんだって。“森”でそれを発見しました。“もっと”は”森”で発見したことをやった感じ、8曲目の“いつかいま”でさらにその先に行けた感覚かな。

次は“Boys Lost in Acid”ですが、今作では一番キャッチーですよね。

篠田：これが一番最初にできた曲ですね。

松永：これはもうキャッチー過ぎるし、ボツにするかずっと2人で悩んでました。もっと良くできるんじゃないかっていうのもあったんですけど、結局耳触りが良いし、抗えないポップさを感じちゃって。

篠田：拓馬は今日一貫して言ってるんですけど、やっぱ『Epoch』って拓馬の自己表現っていうよりは作る過程で巻き込まれた人間たちがいて、そこで発生したイベントの記録の側面があるなと。それで言うと、この“Boys Lost in Acid”ができた日っていうのは、拓馬と僕とやまけんの3人で湯河原にほぼ遊びみたいな制作合宿に行って、その時にたまたまポンってできた曲なんです。やけにキャッチー過ぎるかな、みたいな感じで2023年の頭にボツにした曲たちと一緒にボツになりかけてたんです。だけど振り返った時に、アルバムの起点としてこの合宿があったし、あそこでできてしまったものだから。

松永：そうそう、できちゃったものはなかったことにはできない。

篠田：日常の中で起きてしまったこと、イベントの記録としての『Epoch』の側面を考えるんだったら、これはむしろ欠かせない曲。

「嘘がつけない」ってことでもあるんですね。確かに良い曲だなと思うけど、不思議な並びという感じはします。

松永：ここだけ違うけど、なんか外すことはできなかった。

その次が“Owari”で、これもアンビエントというか。

篠田：“Owari”はわりと終盤にできた曲で、夏をなんとか乗り切って秋の気配来てるなぐらいの時に、2人で集まってる時に、ポンって拓馬とフレーズを弾いたり並べたりしながら、パッと原型ができて、それをまたシンセで最後仕上げたって感じですね。

松永：個人的にはめっちゃ気に入ってます。想定はしてなかったけど作った当初は最後の曲だねって話だったから、じゃあ“Owari”だみたいなことを言ってたんですけど、その後に“いつかいま”ができた。

“いつかいま”でループしているピアノのフレーズはエモーショナルな感じが強めというか、『Epoch』の中では良い意味でやや浮いてるようにも受け取れます。

篠田：これは僕的にはドラマがあって。自分の作品用に作ってる曲の中のピアノループのフレーズが元々あって、なんとなく良いなと思いながらあたためてたんです。うまく眠れない夜更けなんかに一人で部屋の中に閉じこもって、制作したり何かにぼんやり思いを馳せたりしているときに、大いなるものに接続される瞬間というか、なんだかよくわからないけどハッとする瞬間がたまにあって、自分にとってはそういう瞬間に紐づいたフレーズだったんですけど、これを拓馬に渡したらおもしろいかもしれないとふと閃いたんです。それでこのループからちょっとした音を作って、拓馬にポンって投げたんですよ。

松永：普通に集まってる時に聞かされて「俺、歌はめれるかも」って思って、ミルさんがタバコ吸いに行ってる間にパーっと録った。だからこの曲だけは歌詞を書いていないんです。唯一歌詞を書かないでフリースタイルで成立した。

篠田：そしたら、《でかいなにかの一部》とか言ってるから、「ヤバッ、伝わった」みたいな（笑）。

アルバムは“July”から始まって、“いつかいま”までの8曲で、わりと時系列順ですね。

松永：そうですね、“Boy's Lost in Acid”以外はわりと時系列順になったかもしれない。曲順は相談しながらやったけど、悩むことはなかった。「これはこうだよね？」みたいな。曲数は少ないけど、実際に作った曲は膨大にあったし、アルバムって言えるぐらいのプロセスは踏んだから、「これで1個にまとめられるんじゃない？」っていう　。

1stアルバム『ちがうなにか』の曲名は番号が振ってあるだけの曲も多くて、ぶっきらぼうな印象があります。今作は全曲にカラフルなタイトルが付いていますが、どういう心境の変化があったんでしょうか？

松永：ガラッと変わりました。簡単に言うと、『ちがうなにか』までは自分のためにやってたんです。作ることで自分が精神的に癒されるっていう。だからタイトルを付けるっていう感覚じゃなかった。曲をファイルに書き出すと勝手に「プロジェクト」って表示されるんですけど、「このままでいいじゃん」って思ってそのままにしました。「タイトルこれだな」って思い浮かんだ曲はとりあえず付けるって感じ。

『SAGAMI』は無自覚で、『ちがうなにか』はコロナ禍だったから自分に向き合ってました。内省しまくるとその先の自分に繋がってる友達とかも自分の一部として考えられるようになっていく。今回は音楽作品を作るぞっていう感覚で、ようやくスタートラインに立てた感覚があります。そういう広がりがあったのが『Epoch』かな。

その「エリア」は「社会」とは違うものですか？

松永：まだ社会まで広げられてないですね。やっと友達まで来れたって感じ。どこまでを自分と捉えるかってあるじゃないですか。最近、ようやく周りの友達くらいまで考えられるようになってきた。バビロンには中指立てて生きてるし、声をあげたり行動する責任は感じてるけど、そこまで余裕がないというか、まだ自分のことで精一杯って感じで、けど自分の周りにいてくれる人には誠実に向き合いたいし、それが今の自分の社会との付き合い方なのかな。そこから生まれる時代性も大事にしたいです。今生きてて作品を出す意味というか。

時代性というのは社会とも関連しますよね。

松永：こういう時代で曲を作るってこと自体で社会性が出ちゃう。そこは素直に、抗うことなんて出来ないと思います。社会と繋がってない人なんていないですよね。

篠田：それぞれのポジションにおいて直接的なことを言わなくてもね。

生きていれば自然に社会的になる。

松永：もうちょっと広い、《でかいなにかの一部》というか、自分とその先の繋がりまでぐらいまで想像できたらいいのに。今の世界は自分とその先に対しての想像力が足りてない気がします。

ここからは『Epoch』以降の予定についても伺いたいです。

篠田：2人で〈ecp〉ってレーベルというかプラットフォームみたいなものをやろうとしてます。2人で〈ecp〉っていう名義で電子音楽作品を作っても面白そうだねとも話しています。『Epoch』も〈ecp〉から出てることになっています。

松永：『Epoch』は俺のプロジェクトだったんですけど、2人での探求を深めていくことは続けたいなと。それならレーベルやプラットフォームを作って自分たちのやりたいことをやった方がいいから、それでデモが1つできました。

篠田：でもその〈ecp〉っていう名義は俺らの名義じゃなくて民藝的な感じ。俺ら以外の人も〈ecp〉って名前で出せるようにしたい。

松永：巻き込まれた人がどんどん加わって、コミュニティみたいになってけばいいなっていう願望はあるけど、まだ駆け出しなので。

ちなみに、リリース後に一緒に会って作品を作ったりしましたか？

篠田：あえて我慢してるんです（笑）。

松永：いや、でも1個できたよね。リリース日は決まってたけど、それまでの時間をどう過ごしていいか分からなくてソワソワしてたから。

篠田：そうだ、アルバムが出るまでの宙吊りの時期に2人で打ち合わせしようみたいな理由つけて、ただ会って遊んでるだけみたいな日があって。その時に拓馬の家で、飯食ったりダラダラしている延長で、「触ってみる？」みたいな感じでシンセ触ってみたら、ポンってできた。でもそれがあまりに良過ぎたので、それ以降プロジェクトファイルを開かないようにしてます。

松永：ちょっとああしたい、こうしたいって手を加えちゃうからね。

篠田：後から手を加えた瞬間に曲が論理的に洗練されて推敲される一方で、その曲にとっての核心部分の何かが損なわれていくから、できるだけ手を加えず、一発で作れるものを作ろうみたいなフィーリングが最近は2人の中にあるんです。

松永：それは坂本龍一の『12』の影響ですね。答えですもんね、一発目で出ることって。抗えない。頭で考えてないから。そこに答え出てる。

篠田：一発目ですごいものを出すためにチューニングが大事だよね。それは和ろうそく（注：前編を参照）との出会いもデカかった。

松永：いろんなプロセスを踏んでチューニングして、最高の一発を出して終わり。それがいいんじゃない？究極の答えはそれ。そこから頭でごちゃごちゃ考えちゃうと、ああでもないってなっちゃうから。

生活のサイクルの中で制作が進んでいくんですね。

篠田：最近の我々もやっぱ作る時は生活ベースというか、ご飯食べたりお茶入れたりコーヒー入れたり散歩したりみたいなとこでちゃんと整えてからやるよね。

松永：まず生活がないと作れないもんね。

篠田さんはご自身のバンド（yahyel）のときもそうやって作りますか？

篠田：いやいや、そんなことないです。yahyelのときもみんなで集まって遊ぶ延長で作っているとは思うけど、どちらかというと感性をチューニングして臨むというよりは、議論しながら手を動かしてみんなで追い込んでいく感じです。

最近は自分のパーソナルな作品も作ってるんですけど、その方向性と精神性の部分で深くシンクロしてるのは拓馬との制作だと思っています。音響的な興味もですけど、拓馬から逆に教わることもあります。感性のチューニングの仕方とか、彼はすごいズバ抜けてる。他の方と制作してる時とは全然違うマインドセットです。その時のフィーリングに忠実にというか、ある意味その時々の欲求や感覚に素直に行く感じ。自分は頭でっかちでどちらかというと感性が鈍いタイプなので、すごく教わっている気がしています。僕は一緒にやる人全員それぞれの仕方でフィールしている気はするけど、拓馬とのフィールの仕方は特殊な感じがする。

松永：それは感じます。ミルさんがプロデュースしてるアーティストは多いですけど、作風も『Epoch』とは違いますよね。僕とミルさんはリズムが似てるんですかね。

篠田：大体最近作った美味しいご飯の話とかしてるよね。

生活が合ってるんですね。ちなみに朝型か夜型かで言うとどちらですか？

松永：俺めっちゃ朝型。

篠田：僕はだんだん朝型になりました。カントの生活リズムとか憧れますよね。

松永：けど作るのは午後かな。

篠田：午前中に作れないよね、それめっちゃわかる。午後に一発だよね。

松永：午前はチューニング。起きて、色々やって、昼に会って飯食って、ゆっくりお茶して、3時ぐらいから音を出し始める。

篠田：その生活感と似てるのかもしれない。『Epoch』は暮らしの音楽って感じがするね。

松永：そう思います。

なるほど。最後に、これから2人でライブをする予定はありますか？

篠田：一旦2人での制作の在り方は深めたから、そろそろ2人でのライブの在り方も深めたいよねという話はしています。

松永：自分たちもまだ『Epoch』を分かってないというか。自分たちの手触りのあるところから始めたい。それからデカいのを秋ごろにやろうかなと。時間帯にもこだわっていて、夜にやることに意味があると思ってます。『Epoch』に関わった人たちが全員で共有してる概念みたいなのがあるんですよ。言葉にできない。それが『Epoch』の力だと思ってて、みんな関われば関わるほど巻き込まれていく。それが答えだし、良い流れだと思うので、それをどんどん広げていきたい、セッティングも含めて。作品の広まり方としてそういうのが一番自分の求めてるものですね。

KID FRESINOをフィーチャーした名曲“I LIKE YOU”のヒットから2年。千葉のラッパー兼ビートメイカー、VOLOJZAが新たなアルバム『割れた鏡が見た何か』を5月3日（水）に配信リリースした。 同作は“I LIKE YOU”でのサンプリングベースの暖かいサウンドとは異なり、アナログシンセやドラムマシンなどのハード機材で制作した冷ややかな作品だ。要素としてはトラップやグライム、ダブステップなどの様々なものを内包しつつも、そのどれにも当てはまらない個性的なサウンドを提示している。また、“I LIKE YOU”を収録した前作『其レハ鳴リ続ケル』ではQNやヤング・キュンなど全曲に客演を迎えていたが、今作では自身のラップのみで聴かせる曲がほとんどだ。しかし、変化があった一方で、仮面を被ったアートワークなど前作との繋がりも感じられる。この作品は一体どのようにして出来上がったのか？ VOLOJZAに話を聞いた。

──今回のアルバムはラップアルバムとしては2年ぶりとなりますが、制作はいつ頃から始めましたか？ こういう形でまとめようと思ったのは、去年4月の『其レハ鳴リ続ケル』リリースパーティの後ですね。4月の終わりから5月の頭くらいだったと思います。ラップに関しては古い曲を改良したものもあります。 ──古い曲を改良というと、一番古いのはどのくらい前のものがあるんですか？ 2曲目の“顔が濡れたら力が出ない”が一番古くて、9年くらい前になりますね。前にMVやジャケの写真をやってくれたtoydog......今はALOHADELIC SLIMって名前でDJをやっている人物がいるんですけど。リリースパーティに彼にも出てもらったんですが、“顔が濡れた力が出ない”のデモバージョンを持っていて当日かけてくれたんですよ。それを聴いたら悪くないなと思ったんですよね。

──昔の曲を聴くと恥ずかしいみたいなことを言う人もいますよね。 自分もありましたね。だから歌詞を逆方向に直して、ビートも少し直しました。でも直さない部分もあって、活かすところは活かしています。ビートは確か2015年くらいにできていたもので、ほぼリリース版と同じですね。2013～2014年頃ってA$AP Fergの“Work”とかが出た時期で、ああいう冷たい質感のトラップが日本でも増えていたと思うんですよ。 ──確かに。KOHHの2ndアルバム『MONOCHROME』もそのくらいの時期でしたよね。 KOHHも出て来たし、あとkiLLaとか。そういうのが増えてきて、“顔が濡れたら力が出ない”はビートの質感もラップの置き方もちょっと「っぽすぎる」かなと思ったんですよね。だから出さずにいて、7～8年経った今はそんなにトレンドでもないので大丈夫かなと思って今回入れました。今はサイクルとかも早いじゃないですか。本当にタイムリーでやると、半年～一年とか遅れると逆に古く感じちゃうと思うんですよ。でも時間が経てば、新しいとは思われないけど古いとも思われないかなと。 ──スタンダードになるみたいな感覚ですね。前作『其レハ鳴リ続ケル』から今作の間に、ドロドロなブーンバップのシングル“松戸にいる”が出ていましたよね。アルバムもああいう感じなのかなと思っていたのですが、今作では全く違うサウンドで驚きました。 本当はもっとサンプリングメインのアルバムを用意していたんですよ。でも、自分のバックDJをしてくれていたDJ AGAが亡くなってしまって、そういう作品を作り上げる気持ちにならなくなったんです。7～8割くらいは完成していたんですが、もうちょっと違うものをやりたくなったんですよね。それで質感的にも内容的にも今作のようなものを作ったというか…そういうモードにしかならなかったんです。 ──VOLOJZAさんの中では、「サンプリングのビートはハッピーな時に作るもの」という意識なんですか？ いや。できていた曲が普通の日記みたいな内容だったんですよね。ワンヴァースとフックだけで今日あったことを言うみたいな。“松戸にいる”の延長線上のものをやろうと思っていたんです。ああいう短い曲を多く入れるような作品ですね。でも、そういう考え方も変わってしまったので一度やめて、もっとカチッとした質感のものを作ろうと思ってできたのが今回のアルバムです。

──今回のアルバムは前作『其レハ鳴リ続ケル』とアートワークも似ていて、どことなく繋がっているような印象を受けました。裏バージョンというか。 これは意識して作っていたわけではなくて、アートワークの写真も本当はサンプリングのアルバムで使う予定のものだったんですよ。お面も前作の時点で二つ作っていました。でも、結果的には今回出したものの方が、アートワークのイメージに合うものになったかなと思いますね。 ──あのお面は何を表しているのでしょうか？ あれはコロナでマスクをする時期だったのと、MF DOOMが亡くなったじゃないですか。あれからKanye Westも覆面っぽいのをするようになりましたよね。「内面をよりビジュアル化したものを前に出す」みたいなことが面白いかなと思ってやりました。それで作ってみようと思って、二つ作ったんです。

──あれ自分で作ったんですね。MF DOOMといえば、“松戸にいる”にもその影響があるように思いました。 MF DOOMは好きなんですよ。英語がわからないから、単純に好きとしか言いようがないんですけど（笑）。 ──この流れで、「史上最高のラッパー」を5人挙げてもらってもいいですか？ まずはJay-Z。あとは単純に好きなラッパーになっちゃうんですけど、Ghostface Killahですね。 ──Ghostface Killahも初期はお面でしたよね。 そうそう。当然MF DOOMも入ります。あとの二人は…今日聴いていて好きだなと思ったのは、Vince StaplesとEarl Sweatshirtですね。 ──今挙げていただいたラッパーのどういうところが好きなんですか？ Jay-Zはアップデートがずっとできているところですね。最初はテクニカルで売って、伸び悩んでハスラーになって、Damon Dashと組んで戦略からやって…っていう流れじゃないですか。ラップが上手いのは基本ですが、そこから産業というかビジネスまでちゃんと持って行けたのがほかのラッパーと一線を画す部分だと思います。あまり好きじゃない曲もあるけど、打率や基礎体力は凄いと思うんですよね。2017年の『4:44』も改めて聴くとすごくいいアルバムだと思います。 Ghostface Killahは単純にすごい好きなんですけど、革新的でもあったと思います。ソウルの上にまんま乗っける曲を出していたことがありましたけど、あれは今のドラムレスの流れの先駆け的なものでもあると思うんですよ。ラップでどんどんグルーヴを作っていくっていう意味では。そういうところや、あと存在感が好きですね。 MF DOOMは仮面を被っているからとしか言いようがないんですけど（笑）。でも影響を受けた曲も作ってきました。Earl SweatshirtとVince Staplesはスタンスが好きですね。アートフォームの仕上がりがすごいしっかりしていて、作品のサイズ感も大きすぎないのが良いです。Vince Staplesの最近の2作は自分のフッドの話で、現実的な人だしそういう視点も好き。トラックの質感もまとまっていますし。

──また作品の話に戻りたいのですが、前作は客演が多くて賑やかな作品でしたよね。でも、今作は客演を絞っているじゃないですか。そこには何か狙いがあったんですか？ 今回のアルバムは、すごいパーソナルな側面が強い作品だったんですよ。客演を呼んだ二曲は、逆にそこまでパーソナルなリリックではない曲なんです。ちょっと息抜きができるような、地続きな曲に近い人を呼んだみたいな感じですね。そもそも、元々そんなに客演を呼びたいってタイプじゃないんですよ。呼びたい気持ちはあるんですが、結構大変だから呼びたくないというか…。そこで今回は、ライブとかでもよく動けるメンバー二人にお願いしました。 ──ビートメイカーについても、周りにもpoivreさんやLEXUZ YENさんなど色々な方がいらっしゃいますが、全曲自分のビートで統一していますよね。そこには何か意図が？ 誰かと一緒にビートを作ることもありますが、自分のソロアルバムではいつも自分のビートでやっているんですよね。 ──自分のビートでラップすることにこだわりがあるんですか？ 単純にビートからしか書こうと思ったことがないんですよね。人からビートを貰っても、思いつかなかったら書けないじゃないですか。元々自分でビートを作って自分でラップをしたいと思っていて、それ以上のことはイレギュラーでやっているだけみたいな感覚です。そもそも「やりたい」がないんですよ。機会を振られればやってみたいことはありますけど。 ──ある意味、シンガーソングライターみたいな意識で音楽をやっているんですね。そんなVOLOJZAさんもpoivreさんのビートでラップするプロジェクトのDie,No Ties,Flyでも活動されていますが、あれでの音楽性が今回のアルバム繋がっているような印象を受けました。 Die,No Ties,Flyで自分やLEXUZ YENくんがやるアプローチ、poivreさんのビートに影響を受けてる部分はあると思いますね。「ある程度歌う部分が強くても大丈夫なんだな」と思わされたことはあります。Die,No Ties,Flyで試したことの評判が悪くなかったので、ラップと歌っぽいアプローチの比率が前と変わっているというか。そういう影響はあると思いますね。

──今回の作品は、ビートを作ってラップを乗せた後に何か手を加えることはどのくらいやっていますか？ ラップを乗せた後に「ここいらないな」っていうのを切ることはありましたが、ほぼないですね。 ──それは自分でビートを作っているからできる技ですね。今回のアルバムは、音の質感がぼんやりしたダウナーな感じで統一されていますよね。そこは自分でビートも作る人ならではだなと思ったんですが、ミックスとマスタリングに関してはKABEYAMさんに委ねているじゃないですか。そこに関してVOLOJZAさんの方からディレクションはどの程度されましたか？ KABEYAMさんとはもう3～4作くらい一緒にやっているので、大体自分の好みはわかっているんですよね。リファレンスで曲も投げていますし。「ここを大きくしてくれ」とか細かいところは多少言いますけど、極端に変じゃなければ大丈夫です。トラックに関してはほぼ原曲通りですね。あと俺はマイクの音が悪いので、それに関してはかなり助けてもらいました。 ──リファレンスには例えば何を送りましたか？ Raider Klanの時のDenzel Curry、昔のYung Leanなどです。インディロックっぽいものも送りました。元々そういうのが好きで、ああいう質感でまとめたいなっていうのがあったんですよね。さらに気持ちとしてもそういう気分だったので、全体的にそういうのでまとめました。

──今回はハード機材で作ったそうですが、サンプリングメインのビートメイカーの中には「そういうの難しそうだ」と思って手が出せない人もいるんじゃないかと思います。VOLOJZAさんって、音楽理論とか学んだことはあるんですか？ 全くないですね。 ──理論なしで弾いてビートを作るにあたり、何か大変なことはありましたか？ 元々、The NeptunesやSwizz Beatz、ハイフィとかが好きだったんですよね。彼らのビートってループがメインじゃないですか。打ち込みもシンプルなものが多いですし。しっかりと音楽的なものを作ろうとは全く思っていなくて、「いいループを組む」というだけなのでサンプリングの時と感覚的には同じですね。4小節でいいループを組めるかです。理論ではなく、感覚で当てていくみたいな感じですね。 ──いわば、一音一音サンプリングして作っていくみたいな？ そうかもしれないです。元々サンプリングの時でも、メロディじゃなくて響きや質感を重視しているんですよね。自分は、メロディがいくら良くても質感が良くないとダメなタイプなんです。「しっくりくるものを探して作る」という意味では、サンプリングとほぼ同じですね。 ──なるほど。今回のアルバムに限らず、VOLOJZAさんの音楽にはヒップホップ以外からの影響を感じることが多いのですが、そこについてお伺いしたいです。 ヒップホップだけ聴いていると飽きちゃうんですよね。飽きて違うの聴いて、飽きてヒップホップ聴いて、飽きて違うの聴いて…みたいな感じを繰り返しています。今回のアルバムを作っている時は、クラウトロックとかを聴いていました。あとIggy Popの『Idiot』というアルバム。シンプルで暗いアルバムなんですけど、気持ちにもハマってよく聴いていたんですよ。そのダークでシンプルな感じをイメージしつつ、自分の場合はアウトプットがヒップホップの形になるみたいな感じでしたね。ダークでシンプルなループ、そこにラップのような感じです。 ──今回のアルバムの収録曲について、一曲ずつお話を聞いていこうと思います。まず先行シングルにもなった“真犯人”ですが、あれは早口ラップをやる曲ですよね。あれは早口ラップをしたくてあのビートを作ったんですか？それともビートに早口が合いそうだった？ 実は去年から酒の量を減らしたんですよ。そうしたら体力・気力的に変化が起きて、「早いラップをやりたい」みたいなモチベーションが出てきたんです。夜更かしをあまりしなくなったのも関係があるかもしれない。ビートはすごい昔、Skeptaを聴いた時に作ったビートがあったのを過去のファイルを見ていて思い出して、その早口モチベーションに合いそうだと思って選びました。

──“顔が濡れたら力が出ない”は古い曲とのことですが、何から影響を受けて作ったか覚えていますか？ それこそA$AP Fergの“Work”を聴いて作ったビートですね。“顔が濡れたら力が出ない”はスネアがなくて、ハイハットの連打と808が2～3発バンバンって鳴るだけのビートです。あれはハイハットですごい面白い打ち方ができたから、それを活かしてフロウを一定化して推進させるみたいな感じで作りました。

──“トンネル”は、The Cool KidsとThree 6 Mafiaを足したようなビートだと思いました。 言われてみるとそうかもしれないですね。でも、あれはBabyface Rayとかのデトロイトラップを聴いて作ったビートなんですよ。デトロイトっぽいビヨビヨとピーヒャラを入れつつ、自分が作るからちょっと違う変になるみたいな感じですね。でもThe Cool Kidsも好きで、昔からそういうビートを作るとよく「The Cool Kidsっぽい」と言われます。誕生日もChuck Inglishと同じなんですよね。 ──そうなんですね（笑）。Chuck Inglishもデトロイトですよね。Babyface Rayとも繋がっているかもしれない。 言われてみればそうですね。フロウの面でも、その時聴いていたデトロイトラップを意識しました。グニャグニャとしてちょっと弱くなるみたいなイメージです。ちなみにあの曲、サビは最初全然違ったんですよ。「トンネル抜けたなら」じゃなくて「モンベルバラクラバ」だったんです。Doe Boyがずっとバラクラバを被っているじゃないですか。モンベルでバラクラバが売っているのを見て、「ああいうMV撮ろうぜ」って言って作ったみたいな曲でした（笑）。 ──“寝るしかない”は歌っぽいフロウをやっていて、ビートも808を使ったトラップっぽい要素のある曲ですよね。でもオートチューンを使っていなかったり、ベースの鳴りがファンキーだったり、そういう明らかに違うところもあるのが面白いと思いました。あの曲は何からインスパイアされたんですか？ あれはRolandの「MC-303」という古い機材で作ったビートです。アシッドハウスっぽい質感で鳴るんですよね。元々もっとドラムが入っていたんですけど、歌う時にメロディに当たっちゃうので全部剥いで808とベースだけにしました。インスパイア元としては、Etherealですかね。ドラムンベースに影響を受けたトラップというか。ああいうのが好きで、「昔のアシッドハウスとかの質感を残した何か」みたいなイメージで作りました。 ──“Favorite”は、ワブルベースみたいな音が入っていたりするけどヒップホップとしてまとまっているみたいな変なビートでしたよね。あれは何から影響を受けた曲なんですか？ あれはSpaceGhostPurrpとかの影響を受けて作った曲でした。それと、持っている機材で適当にプリセットを鳴らして「これいいな」って思った音を選んでいたら、結果的にああなったみたいな感じですね。後から聴いたら「ダブステップみたいなベースじゃん」って気付きました。

──そこはめちゃくちゃヒップホップ的な発想ですね。“靄靄”も低音が極端に少なくて面白いビートですよね。 あれは変なドラムの打ち方になりましたね。あれもMC-303で作ったビートです。結局、影響って自分が聴いてきたものの蓄積だと思うんですよ。リファレンスというよりも、結果的にそうなったみたいな感じが近いんですよね。 ──確かに、お話を聞いているとVOLOJZAさんはインプットの蓄積がそのまま面白さに繋がっている印象を受けました。 人に頼めないのもそういう理由だと思うんですよね、自分の中にあるものから、しっくりくるものを探して作っているんです。人に頼んでも全然イメージと違ったりするので、投げるのは結構難しいんですよね。

──“夢は枯野を駆け回る”は四つ打ちですけど、あまりハウスっぽくないのが面白いなと思います。ハウスは去年すごいホットでしたが、あれはあの時期に作ったビートだったりするんですか？ あれは2～3年前のビートです。King Kruleと一緒にやっていたPintyの1st EPでああいう曲があって、それを聴いて作りました。元々ラップ用ではなくて、単純に好きで作ったビートなんですよね。自分で聴く謎のやつみたいな。YouTubeにtoydogがチャリンコの動画を上げているんですけど、それにインスト版が使われています。2020年くらいの動画ですね。

──それにラップを乗せようと思ったのはなぜですか？ やっぱり質感がすごい好きだったんですよね。ああいう曲をやっている人はほかにいないだろうし、いいかなと思いました。あれが今回の作品で最後にラップを入れた曲ですね。 ──質感といえば、最後の曲の“前夜”も面白い質感の曲ですよね。穏やかなようで今回一番ヒップホップから逸脱したビートだと思います。あれのエピソードを教えてください。 あれは夜にすごい小さい音で作ったビートです。ウワネタを弾いていたら、なんかすごい好きな感じのものになったんですよね。教会というか、そういう「許しがあるような音」というか。そこにドラムとかを足すでもなく、色々といじっていたら不思議なビートになりました。それになんとなくメロディが思いついたから書いたみたいな感じですね。 ──お話を聞いていると、VOLOJZAさんのビートの面白さは機材から生まれているような気がしました。 使っているドラムマシンが古くて今っぽくないから、そうなるんですよね。さっきの“顔が濡れたら力が出ない”の話にも繋がるんですけど、ちょっと前に流行った音に近いと古く感じると思うんです。そこを古い機材でやっている分、トレンドの影響を受けても変なものができるんだろうなと思います。MC-303は人から貰って、使ってみたら面白くて結構使っています。あとはドラムマシンの「TR-8」と、KORGのアナログモデリングシンセを使っていますね。特に機材オタクというわけじゃなくて、その時の流れで興味があって買ったものや、貰ったものを使っています。しょっちゅう買い替えたりはしていなくて、持っている中でどうするかみたいなことを考えることが多いですね。新しく買ってどうこうみたいなことはあまり思わないです。サンプリングはずっとMPC-1000を使っています。 ──なるほど。古い機材で新しいことをやった結果があのビートなんですね。VOLOJZAさんにベテランとしての話を聞きたいんですけど、最近日本でもヒップホップが盛り上がってきていて、若いラッパーやビートメイカーが色々と出てきているじゃないですか。最近の新しいアーティストでお気に入りの人はいますか？ 面白いと思ったのはPeterparker69ですね。あれは自分の前に作っている人はいないものだと思います。ライブでJeterくんと被ったこともあったんですけど、すごい変な感じで面白かったです。Tohjiや釈迦坊主も好きですね。あと、やっぱり自分にできないことをする人は好きです。「こういうやり方があるんだ」みたいな発見があって面白いです。逆に誰か例を挙げてもらったりできますか？ ──自分が最近好きなのは¥OUNG ARM¥という人ですね。「気をつけるスパゲッティ」ってフックの白Tシャツの曲があるんですけど、それとか面白いです。 （笑）。自分の場合は若い人のラップだと、そんなに「ヒップホップ！ヒップホップ！」していない人の方が、自分の知らない感じで好きになることが多いですね。STARKIDSとかも面白いなと思います。 ──なるほど。今制作している作品について、言える範囲で教えてください。 Die,No Ties,Flyのアルバムがほとんどできています。あとはサンプリングのソロアルバムを修正して、まとめて出せたらなとは思っていますね。