その日、恵比寿LIQUIDROOMは物々しい低音とカオスなシンセサイザーの波動で充満していた。熱狂の輪の中心にいたのはファット・ドッグ（Fat Dog）。今年9月に〈Domino〉からデビューアルバム『WOOF.』をリリースし、瞬く間にサウス・ロンドンのライブシーンで熱狂的な支持を得た彼らは、その狂騒を満杯のLIQUIDROOMに丸ごと召喚したのだ。スペシャル・インタレスト（Special Interest）やマンディー・インディアナ（Mandy, Indiana）といった現行のインダストリアルなダンスパンクにも通じる重量感、彼らの“狂犬”たる所以が表現された一夜であった。

来日公演の数時間前、フロントマンでありバンドの首謀者であるジョー・ラブ（Joe Love）にインタビューをすることができた。夜に行われるライブが熱狂的なものになることは明明白白、ならばジョー自身が体験してきたライブの記憶をじっくり訊こう……そう思い彼のルーツについて質問すると、『マインクラフト』や『スーパーマリオ64』といった意外な単語が飛び出してきた。ケミカルな激しさを伴うファット・ドッグの魅力、その補助線として読んでいただければ幸いだ。

──ファット・ドッグの話をする前に、まずはジョーさん自身の音楽体験について聞かせてください。最初にライブハウスへ行った日の事は覚えていますか？

15か16歳の時、確かロンドンのサウスバンク・センターだったかな。友達がアメイジング・スネイクヘッズ（The Amazing Snakeheads）っていうパンクバンドのライブに連れていってくれたんだ。ファット・ホワイト・ファミリー（Fat White Family）にも参加してたギタリストのバンドで、デビューしてから1年くらいで解散しちゃったんだけど、それがとにかく良かった。ステージの横から男がふらふら出てきて、そのままマイクを握って歌って、最後は客席の柵を飛び越えて暴れてたんだ。とにかく生々しかったし、初めてのライブで大当たりを引いたと思ったよ。その時に、もし自分がバンドを組んでレコード会社と契約するなら（アメイジング・スネイクヘッズが所属していた）〈Domino〉が良いと思ったんだ。

──ずっと激しいバンドが好きだったんですか？

いや、俗っぽいダンスミュージックばっかり聞いてたよ。アヴィーチー（Avicii）とかデッドマウス（Deadmau5）とかね。それと、当時は『マインクラフト』にハマってたから、そのサウンドトラックもよく聞いてたね。

──そういえば“Wither”のMVはPCゲーム風でしたよね。ファット・ドッグの作品にはそういったゲーム作品やチップチューンからの影響もあるのでしょうか？

そうだね。『Stickman RPG』って知ってる？　インターネット初期のオンラインゲームなんだけど、サウンドトラックがマジで良くて。思わずサンプリングしたよね（笑）。あとは『バンジョーとカズーイの大冒険』とか『スーパーマリオ64』も大好き、NINTENDO64でずっと遊んでたよ。ふたつともゲームのサウンドトラックがサンプルパックになってて、誰でもダウンロードすることができるんだ。ちょっと聞くだけでノスタルジックになるよね。

──レディオヘッド（Radiohead）やエイフェックス・ツイン（Aphex Twin）をNINTENDO64風のサウンドでカバーする動画もありますもんね。

そうそう！　ナイン・インチ・ネイルズ（Nine Inch Neils）のカバーとか最高だよね。MIDIでああいうサウンドを構築するのは本当にクレイジーだし、色んなバリエーションがあるよね。

──ジョーさんの中で、そういった音楽と今の激しいライブのスタイルはどのように重なっていったのでしょうか？

インターギャラクティック・リパブリック・オブ・コンゴ（The Intergalactic Republic Of Kongo）っていうバンドが好きだったんだ。8人組のバンドで、エレクトロニックミュージックとパンクのサウンドを融合させたようなライブをしてた。彼らのスタイルは今のファット・ドッグのベースになってると思うよ。

僕は「エレクトロニックミュージックとパンクの融合」っていうスタイルがとにかく好きなんだ。例えばデス・グリップス（Death Grips）とか、あとはNYのリップ・クリティック（Lip Critic）っていうバンドとかね。（リップ・クリティックは）ツインドラムでギターがいなくて、その代わりにキーボードでディストーション・ギターみたいな激しさを演出するんだ。めちゃくちゃ好きだし、音色をコピーして自分のバンドに組み込もうともしたよ。そういう意味では、バイアグラ・ボーイズ（Viagra Boys）からも影響を受けたね。彼らみたいな曲を書こうとしたことがあるよ、好きな曲をコピーしたがるのは僕の癖なんだ。

──様々なプロジェクトから影響を受けている最中だとは思いますが、今の時点で判明している「ファット・ドッグらしさ」とはなんですか？

そうだな……まず、僕は色々なものをコピーするけど、それを単なるパクリにとどめる気は全然ない。例えば、デヴィッド・ボウイ（David Bowie）は様々な作品の手法をコピーして、そこから自分らしい音楽に落とし込む天才だったと思うんだ。自分のやってることはそういうことだと捉えるようにしているよ。

その上で、「ファット・ドッグらしさ」っていうのは、国とかエリアによって解釈が異なるものなんじゃないかな。例えばポーランドだと、自分たちと近いハイエネルギーなバンド──『ユーロビジョン』に出場するようなバンドだね──が80年代から広く聞かれているから、ファット・ドッグはあまり新鮮ではないのかもしれない。ただ、ウィンドミル（注：ファット・ドッグが拠点としているサウス・ロンドンのヴェニュー）では別の解釈をされる。そういうズレこそが音楽のエキサイティングな部分でもあると思うよ。

──なるほど。デビューアルバム『WOOF.』の曲はパンデミックの最中にジョーさんの家で書かれ、それがライブハウスで多くの人に開かれていくというプロセスを経ましたよね。今話していた「音楽の聞かれる環境」という話題に関連づけると、部屋に籠って作る音楽とダンスミュージックとしてオーディエンスが一つになって踊る音楽は、ある種の対極にあるとも思うんです。この二つはジョーさんの中でどのように繋がっているのでしょうか？

パンデミックの最中はとにかく孤独だった。だからこそ、一人で静かに聞くような音楽じゃなく、みんなで楽しく踊ったりとかできるような曲を書きたいと思ったんだ。自然な流れだと思うよ。

ただ、ロックダウンが明けた後のロンドンはライブ中に着席する必要があったんだ。少しでも客席から立ち上がったら、セキュリティに即注意されるんだ。僕はそんな状況に全く合わない音楽ばかり作ってしまった、ちょっと後悔したよね（笑）。

あぁ、2021年だったかな。その後に状況が緩和されて、最初に普通の状態に戻った時のライブはよく覚えてるよ。小さい会場だったんだけど、みんなが観に来てくれたことが本当に嬉しくて。つい興奮して客席に降りていったら、もみくちゃにされて、足首を捻ってね（笑）。それが2曲目だったから、残りの曲は何事もなかったようにやり過ごしたけど、それから10日ぐらいは歩けなかったよ。ただ、その怪我をするだけの価値はあったね。

──ファット・ドッグのライブはステージと客席がとても近いですよね。単純な疑問なんですけど、客席に入るときって何を考えているんですか？

ステージからだと、オーディエンスとアイコンタクトが取れない。だからみんなとコミュニケーションをして、より踊らせるために客席の中に入ってるんだ。ただ、最近はパンパンなフロアが多くなったから、あんまり降りれてないんだよね。この前のロンドンのライブなんか、最後の曲で完全に押しつぶされて、もう散々だったよ（笑）。

──そういう激しいスタイルと『マインクラフト』とか『スーパーマリオ64』が繋がっているのも、「ファット・ドッグらしさ」の一つだと個人的には思います。

そうだね。『マインクラフト』のサウンドトラックってアンビエントでリラックスできるし、もしかしたらファット・ドッグの2ndアルバムもそうなるかもね（笑）。

ALIがニューシングル“NEON feat. The Crane”を12月4日にリリースする。台湾のシンガーソングライター・The Craneをフィーチャーしたこの曲は、LEOが台湾で目にしたもの、感じたことを真空パックされているという。今回は来日中のThe Craneもキャッチして、“NEON”の制作秘話を中心に2人がこの楽曲に込めた感情やストーリーを忌憚なく話してもらった。

──今回のコラボはどんな経緯で実現したんですか？

LEO　俺、3年くらい前からかなりの頻度で台湾に呼んでいただいてるんです。台湾の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞みたいなフェスでメインステージに立たせてもらったし、何度かワンマンもやらせてもらえた。台湾の人たちはみんな優しい。街並みも美しい。飯もうまい。俺は台湾が大好きになってしまった。だから現地で感じたことを真空パックにした曲を作ろうと思いました。そしたら、今日も通訳をしてくれてる友達の女性がThe Craneを紹介してくれて。彼女は台湾のイケてるやつらとみんな友達なんです。

The Crane　台湾は日本と比べてコミュニティが小さいんです。みんなが集まる遊び場は3軒くらいしかない（笑）。音楽シーンもメジャーとインディーの2つくらい。僕はインディーアーティスト。飲み屋に行けば大体友達がいます。だから台湾人から見ると日本には本当にいろんな音楽があって、しかもそれぞれがシーン化していてすごいと思います。

LEO　まあ良くも悪くもって感じだよ。俺からすると、クリエティブの中枢にアクセスしやすい台湾は素晴らしいと思うしさ。あと台湾ってすごい有名な人でも全然調子に乗らないんですよ。超フラット。そこもびっくりした。The Craneもそういう人たちの中の1人。いまアジアでヒップホップ／R&Bのすごいやつらがたくさん出て来てて、The Craneはその中の1人という感じですね。

──ALIはなぜ台湾で人気があるんですか？

LEO　日本ではまだまだこれからなのに（笑）。

The Crane　そんなことないでしょ（笑）。ALIを知ったきっかけは『呪術廻戦』のエンディング曲“LOST IN PARADISE feat. AKLO”でした。その後、昨年ALIが台湾でライブを行い、間接的な知り合いが主催したこともあり、ライブの前後で口コミが広がり、音楽仲間や友人の間で自然と話題になりました。私は当日のライブにも足を運びましたが、本当に素晴らしいパフォーマンスで、非常に強い印象を受けました。

LEO　シンプルなんですよ。イケてる音楽を作るとイケてるやつに届くっていう。かっこよく遊んで、かっこいい音楽をプレイすると、かっこいい仲間たちが集まってくる。

──LEOさんが「台湾を真空パックにしたい」と感じた背景をもう少し詳しく教えてください。

LEO　それこそちょっと難しい話になっちゃうけど、この曲にはもともと“The Garden”って仮タイトルが付いてたんです。3年前っていうと、アジア全体が今よりも不安定で。俺の知ってる美しくて優しい台湾が変わってしまうかもしれないという雰囲気すらあったんです。だったらせめて音楽で残したいと思って、音楽の楽園というニュアンスで“The Garden”という曲を作ってたんです。同時にその段階から台湾のネオンもイメージしてました。

──“NEON”というワードにはどんな意味を込めたんですか？

LEO　暮らしの明かりのこと。どんどん点いて、どんどん消える。悲しみも非難も消えることはないけど、手を取り合う選択肢もあるよねって。俺はそれが音楽だと思ってる。“NEON”はもしもお互いの故郷がどうにかなってしまっても、俺たちは音楽の中で側に居続けようという誓いの歌です。だって俺たちは愛こそが全てだって知ってるわけじゃん。なのに世界中のどこかでいつも戦争が起こってる。なんなんだよって。どんだけの時間を過ごさないと人類は理解できないんだよって。愛と平和の歌だけど、俺の中のやるせない気持ちも入ってます。

The Crane　僕は“NEON”がシンボルになってるのがすごく好きです。明かりのあるところに人が集まってくるじゃないですか。僕はLEOさんから聞いたテーマを踏まえて、台北と東京の印象を歌詞に落とし込みました。

LEO　ほんとThe Craneはパーフェクトでした。すぐにヴォーカルパートを送ってくれて。

The Crane　いえいえ。最初にお話しをいただいた時は、僕とALIでは音楽性が違うので、クリエイター性がどう噛み合うか不安な面があったんですよ。でもコンセプトが最初から明確だったのと、常にプロジェクトをリードしてくれたのですごくやりやすかったです。

──トラック制作はどのように進めたんですか？

LEO　The Craneにヴォーカルをいれてほしい箇所だけ空けて俺が作りました。でもそんな難しくなかった。台北の街を絵で描くような感覚。あと台湾の人のあたたかさも。制作自体はかなりスムーズでした。一番時間がかかったのは副題かな。

The Crane　“萬千霓虹”。意味はさっきLEOさんが話した内容と同じだけど、台湾人が見てもかっこいいと思える言葉の並びにしたかったんです。副タイトルやカバーフォントについて話し合っている際、LEOが王家衛（ウォン・カーウァイ）の映画ポスターを例に挙げました（笑）。それを聞いて、私たちはみんなすごく共感しました。

── リリースまで3年かかったのはなぜですか？

LEO　実際に制作にかかった時間は1年くらいなんです。でもはっきり言ってめちゃくちゃ大変だった。The Craneは全然関係ない。ALIとしての問題。やることが多すぎたけど、投げ出さずにやり遂げることができた。

──「ALIとしての問題」の内訳を差し支えない範囲で教えてください。

LEO　シンプルにバンド内の問題ですね。俺ら本当に貧乏で、しょっちゅう喧嘩もしてました。サポートメンバーたちにもギャラを払わなきゃいけないし。何度も投げ出しそうになったけど諦めずに音楽を続けていたら新しい出会いがあった。“NEON”はそういう状況の中で作った曲。こうやってリリースにまで持っていけたことは自分にとって誇りです。

The Crane　大変さで言ったらLEOさんとは比べ物にならないんですが、少し前に甲状腺の手術を受けました。10年ぶりに悪性腫瘍が再発したのですが、幸いなことに、摘出手術を受けた後はしっかり休養を取れば完治する見込みです。でもLEOさんとポジティブなメッセージの“NEON”を作れたことは僕にとっても励みにました。

──制作で印象に残ったことはありますか？

LEO　The Craneは音楽に対してものすごくストイックな人だと思いましたね。ミックスひとつとっても完全に納得がいくまでやり続ける。だから彼の作品はあんなにクオリティが高いんだなって納得できました。あがってきた音源を聴いて驚きましたもん。ほんと完璧でした。

The Crane　僕は制作を通じてLEOさんのパーソナリティを知ることができたのが嬉しかったですね。最初にお会いしたのはALIが台北でライブした時だったんですが、彼はいわゆるロックスターだったんです。汗も唾もいっぱい撒き散らしてて、エネルギッシュで本当にかっこよかった。でも実際にプラベートでお話しすると本当に優しい。あと音楽に対して一生懸命です。さっき台湾の人は優しいと言ってたけど、それはLEOさんが優しいからだと思います（笑）。

──ALIがいろいろなアーティストとコラボするのはなぜですか？

LEO　うーん。なんか単純に面白いかなって。「俺が！　俺が！」っていうより一緒に遊ぼうよって感覚。ALIは俺にとって3つ目のバンドなんです。俺の人生って挫折だらけで。スタッフなんかは自信のない俺の姿も知ってる。不安な時のほうが多かったし、頑張りがすべて報われたわけじゃない。そもそも俺らが客演を呼ぶようになったのは、当初在籍してたラッパーが抜けちゃったからだし。「じゃあ誰が良いかな？」と思った時、AKLOくんにオファーしたら快諾してくれて。それが“LOST IN PARADISE”だったりするんですよ。運命に逆らわずにやってたらこうなったって感じ。

── The Craneさんにとって二回目の日本人アーティストとのコラボになります（一回目はSIRUP）。今後日本でも活動していきたい気持ちはありますか？

The Crane　もちろんです！　もっと多くの人に私の音楽を知ってもらいたいと思っています。これからも自分が好きな作品を作り続け、さらに多くの素晴らしい音楽家たちとコラボする機会があればと願っています！

LEO　日本も台湾も島だけど、世界の一部でもあるんだから、もっとワールドワイドに自分たちの音楽を届けたいよね。そこはお互いにシンパシーを感じてる。矛盾するようだけど、俺は同時に日本で成功することを絶対に諦めない。俺が世界に何かを発信したとしても、日本で成功してないと見向きもされないから。今の世の中、物騒なニュースばかりだけど、まずはアジアからユニティしていきたい。俺は中目黒から新宿に行くように、台湾に行きたい。別に「みんなで手を取り合っていこうぜ」みたいな大袈裟なことじゃなくて。ダサいやつらにバレないようにこっちはこっちでカッコよくやろうぜって。この感覚がわかる人に“NEON”が刺さったら嬉しいです。

The Crane　この曲はいろんな言語で歌ってるけど、今日話したようなエネルギーを感じてくれたら最高です。音楽は最高です。あと僕はもっと日本語を練習します（笑）。