＜八重洲夜市＞第2週目の開催を控えていた8月最終週は台風10号が強い勢力を保ったまま本土に上陸すると、多くの公共交通機関が運転を取り止めるなど、様々な影響が発生した。そんななか、＜八重洲夜市＞のベニューである東京ミッドタウン八重洲には大きな影響もなく、無事開催が決定。

台風が近づき、小雨がぱらつく中でスタートした8月30日は、Ovallのメンバーとしても活躍する名ギタリスト・関口シンゴがトップバッターとして登場した。平日の16時開演だったこの日、開演前から会場にはすでに多くの観客が。暖かい拍手でステージに迎えられた関口は名曲“Brightday”やmabanuaとのコラボ曲“Everyday I feel your heart”のソロアレンジなど、チルなギターサウンドを次々と披露。曲間には“Isn’t She Lovely”のカバーをサラッと弾きこなし、会場を魅了していく。観客がうっとりするなか、Ibanezのギターを手に立ち上がった関口が軽快なロックナンバーを弾き始めると、盛り上がりは最高潮に。作品未収録の“Mint”もお披露目するなど、まさにファン垂涎のステージとなった。

夏の夜の帷が下り、辺りが暗くなり始めると、七尾旅人による演奏時間が近づく。この時間を待ち侘びていたように、会場はさらに観客であふれ、熱気も徐々に増していく。中には東京駅へ向かう海外からの観光客や家族づれで参加する人、そして仕事帰りのスーツ姿も。この日はSuchmos／賽の鍵盤奏者としても知られるTAIHEIの出演が急遽決定し、七尾旅人との特別コラボが実現した。夏の夕暮れを思い起こさせる“湘南が遠くなっていく”、トレイシー・チャップマン（Tracy Chapman）“Fast Car”の日本語カバーなど、優しくも力強い楽曲が続くと、2人のセッションは少しずつボルテージを上げていく。終盤披露された“Rollin’ Rollin’”では、指揮を執る七尾に応えるように、会場に観客の歌声がこだましていく。あっという間に過ぎ去っていく時間を、誰もが名残惜しんでいる様子が印象的だった。

そして、この日の締めくくりとしてWONKの長塚健斗が登場。提灯に囲まれた＜八重洲夜市＞の櫓前をクラブのフロアに変えるようなDJプレイを披露した。口ずさみたくなる往年の昭和ポップスや、長塚自身のルーツを思い起こさせるソウル／R＆Bナンバーを織り交ぜたプレイに合わせ、お酒を飲みながら体を揺らす人たちも。火照った身体をクールダウンさせるようなセンスあふれるDJに誰もが酔いしれていた。

続く31日は雨が降りしきる中、日本民謡を愛する2人組DJユニット・俚謡山脈のDJからスタート。会話する声も届きにくいほどのボリュームで民謡の唄声が会場中に響き渡り、のっけからお祭り気分に。日本民謡特有の小気味良いリズムに自然と上半身が動き出し、気づけばビールに手を伸ばす人たちもたくさん。この日は土曜日ということもあってか、DJブース前には聞き慣れない音楽を楽しむ子供たちの姿も。「伝統×革新」を体現するようなラインナップとなったこの日の一番手にふさわしいプレイで、絶好の滑り出しとなった。

その後を引き継いだのは、今若手最注目のアーティストの1人、シンガー／プロデューサーのLe Makeupだ。最新アルバムのタイトル曲“予感”、“雨上がり”、そして“あなたみたいに”と雨の夜にこそ聴きたい楽曲を歌い上げると、さっきまでの陽気な様相は一転し、一気に夜のムードに。夏が終わっていく寂しさを想起させるステージに、誰もが思いを馳せている様子だった。一曲一曲が終わるたびに、ゆらゆらと揺れながら聴き入る観客からは自然と拍手が湧き起こる。ほとんどMCなしで、全8曲のパフォーマンスを披露したLe Makeupの飄々とした姿は、きっとあの場にいたすべての人の目に焼きついたはずだ。

＜八重洲夜市＞2週目のラストを飾ったのは、TRIPPYHOUSING。ヒップホップシーン最前線で活躍するSkaai、yonawoのギタリスト兼プロデューサーのyuya saito、そしてメロウな音楽性で惹きつけるシンガーソングライターAlex Stevensの3名で結成されたバンドである彼ら。なんと同じ家で共同生活を送り、その中でセッションするように楽曲を生み出しているんだとか。この日が3回目のライブという彼らだが、各々がそれぞれのシーン最前線で活躍していることもあり、全く拙さを感じさせない演奏で、観客も釘付けに。先日、9月4日にリリースした1st Single"Broken, yes we can"を始め、これからリリース予定の未公開曲やSkaaiの代表曲“Nectar.”のリミックスなど、思わず声を上げてしまうような楽曲たちを次々に畳み掛けていく。終始、楽しげにセッションする3人の姿に魅了されているうちに演奏は終了。誰もがこれからの活躍を期待してしまうようなステージとなった。

今週6日・7日はついに＜八重洲夜市＞最終週！　終わりが近づく夏を思い切り楽しめるチャンスをぜひお見逃しなく！

「伝統×革新」をテーマに開催される今年の＜八重洲夜市＞は、古き良き日本の夏らしさだけでなく、今注目度の高まるクリエイターやアクセサリーブランド、書店が一堂に集うイベントとしてアップデート。充実したコンテンツはもちろん、フリーライブも昨年以上の盛り上がりが期待できるラインナップとなっています。

東京ミッドタウン八重洲・担当者「晩夏の夜を楽しんでいただくため、浴衣の着付けに手持ち提灯のレンタルや、民芸うちわやアートブックなどこだわりが詰まった雑貨などの販売、角打ちスタイルで楽しめる居酒屋メニュー、そして素晴らしい音楽をご用意しました。お友達と、パートナー、そしてご家族と。これまでとはどこか違った新しさを感じる八重洲夜市で、ぜひまったりとした夏の夜を過ごしにいらしてください。」

ここからは、アップデートされた＜八重洲夜市＞の魅力をたっぷりお伝えします！

今年は実施コンテンツがさらにパワーアップ。アトリウムには、＜八重洲夜市＞のビジュアルを手掛けるイラストレーター、カワグチタクヤ氏の限定アイテムをはじめ、こだわりの詰まったアイテムを販売する夜店が週替わりで多数出店します。

ビーズのアイテムをメインに制作しているアクセサリーブランド「Mädchen（メートヒェン）」に加え、ホウキヤスノリ氏によって設立された写真集専門の出版社「SUPER LABO」、そしてグラフィックデザインや写真集、アート関連の書籍を扱う書店「BOOK AND SONS」も登場。カワグチタクヤ氏によるイベント限定デザインのうちわも販売される予定です。

また夜市をより楽しめるよう、イベント当日は浴衣のレンタルサービスも実施。古典的な柄から現代的なデザインが揃う華やかな浴衣に、帯・下駄まで好きなものを好きな組み合わせで選べ、その場で着付けのサービスも！

プライベートな空間の中でリモコンを使ってセルフで撮影できる韓国発のフォトブース「Photomatic」も楽しめます。イベント期間中に浴衣で来場された方は無料で撮影できるので、友達や家族と一緒に夏の思い出を残しましょう！

今年の＜八重洲夜市＞は、ここでしか飲めないお酒や、お祭りの枠を超えるフードなど、暑さを吹き飛ばす美味しいグルメもたくさん！

音楽とともに過ごせる飲食エリアでは、「角打ち」をイメージした4店が出店。お茶割りのパイオニアとして話題の人気店による「茶割 BAR TRUCK」では＜八重洲夜市＞限定で本格焼酎「彩響」を使用したオリジナルドリンクを楽しめます。

感度の高い食通たちに絶大な支持を得る中村拓登氏率いる「中むら食堂」からは、蝦夷鹿肉の串焼きブラックベリー黒ニンニクソースや経産牛ココナッツミルクとスパイス煮込みなど、ここでも＜八重洲夜市＞だけのメニューが並びます。お店を訪れたことがある方でも、新鮮さを味わえるグルメだらけなので、ぜひご賞味あれ！

そして＜八重洲夜市＞のメインコンテンツとも言える今年のフリーライブは、「伝統×革新」のテーマを体現するような豪華17組が出演します。

8月23日（金）

開催初日となる8月23日にはKID FRESINO、cero、5lackなど多岐にわたるジャンルのアーティストとコラボを展開し、独特の世界観で魅了するSeihoと、HIPHOP界隈では言わずと知れたラッパー・IDの2組が出演。ダンサブルなトラックと熱量のあるヒップホップサウンドが交差する熱い一夜になりそう！

8月24日（土）

先日客演なしのニューアルバム『Initial Impulse』をリリースし、注目を浴びるビートメイカー・FKDに、今年独立5年目を迎え、さらに精力的な活動を続けるあっこゴリラが登場。さらにコラボ曲“i-say”を配信リリースしたばかりのKOPY×鎮座DOPENESSも出演します。特別なコラボで贈る彼らのライブを観られる機会はそうそうないので、この機をぜひお見逃しなく！

8月30日（金）

開催2週目のオープニングを飾るのは、優しいギターの音色で観客を魅了するギタリスト・関口シンゴ。そして唯一無二の表現力を持つ孤高のシンガーソングライター・七尾旅人がライブを披露します。この日はエクスペリメンタル・ソウルバンドWONKのボーカリストである長塚健斗によるDJプレイもお楽しみに！

8月31日（土）

日本各地の民謡で熱量たっぷりのプレイを見せる俚謡山脈のDJで始まる31日は、これまでにない新世代の音楽性で観客を惹きつけるLe Makeupが出演。そしてこの日は、HIPHOPシーンで目覚ましい活躍を見せるSkaaiとyuya saito、Alex Stevensによるバンドプロジェクト・TRIPPYHOUSINGのライブも堪能できる貴重な1日に。

9月6日（金）

祭りのサウンドを探求する選曲家の大石始、アンビエントミュージック・ジャズ・電子音楽を横断するプレイで心を掴むChloé Julietteが出演する6日は、山本幹宗と中嶋イッキュウによるユニット・好芻が魅せるオリエンタルなライブで締めくくり。この日は、ジャンルに縛られない音楽の魅力をたっぷり味わえます！

9月7日（土）

最終日となる7日は、飾らない詩的な表現で聴衆の共感を得るmaco marets、繊細かつ圧倒的な歌表現でオーディエンスを虜にするZIN、そしてチルアウトなヴァイブスを感じる楽曲の数々で高い評価を受けるMichael Kanekoの3組が今年の＜八重洲夜市＞のフィナーレを飾ります。

ここまで紹介してきた通り、今年も見どころ盛りだくさんの＜八重洲夜市＞。＜八重洲夜市＞で夏の終わりを名残惜しみながらも、思う存分今年の夏納めを満喫しましょう！

──『BLUE HANDS TOKYO』へのご出演、お疲れ様でした。日常や他者との関わりで感じられるパーソナルな歌詞と、非日常へとトリップさせてくれるようなサウンドが野外フェスと相まって開放感に包まれてとても楽しかったです。今回のイベントは性感染症予防や安心できる関係性について考えるというのが大きなメッセージにもなっていますが、今回出演してみていかがでしたか？

無料で音楽フェスを楽しんだり、イベントが発信しているメッセージに賛同を表明できるブースがあったりと、すごく楽しめる内容だったなと思います。ライブを目当てで来た人も、会場内のあちこちにイベントのメッセージが明確に書いてあってわかりやすいから、シームレスにその想いと繋がって、思い思いに持って帰れたんじゃないかな。

──Le Makeupさんは出演にあたり、性感染症予防や安心できる関係性についてどのようなことを考えましたか？

安心できる関係性を築いていくことはもちろん大事だと思っていたけど、確かにどう構築していくんだろうっていうのは改めて考えるきっかけになりました。やっぱり1人では生きていけないというか、繋がりを求めてる自分もいて、そのことに悩まされる自分もいる。安心できる関係性を築くうえで、「なんでも言える関係性」とか「深い関係性」とかあると思うけど、それだけではない気がしていて。やっぱり「安心できる」ということをクリアしていれば、いろんな問題もクリアできるんだろうなと感じました。もちろん、深く関わって、愛情を持つとか、感情で結びつくっていうことも大事だけど、何よりも最初の絶対的な条件として「安心」っていうのが必要だなと改めて思いました。

──Le Makeupさんは普段どんな関係性やコミュニケーションを築くことが多いですか？

恋愛で言うと、歌やドラマでよくあるような一目惚れは実感としてあまりなくて。感情的に理解し合えたと思えたときに、恋愛に発展することが多いです。恋愛は、自分だけの軸で生きていくところに相手が入ってくるとか、逆に自分が入っていくっていう経験的要素が大きいと思っていて、自分も過去の経験ですごく意識が変わったこともあるので、自分からそういった相手を見つけることは素晴らしいことだし、大事なことだなと思っています。

──ひと目惚れや恋の駆け引きといったものは、いろんな音楽やドラマ、映画とか、私たちが目にするもののなかで多く描かれていますよね。そういったもの＝恋愛というイメージや表象が蔓延していると、それが当たり前の価値観のように感じてしまう人もいると思うのですが、Le Makeupさんはどのようにして心地のいい関係性や、ご自身にとっての恋愛のかたちを見つけたり、形成してきたと感じますか？

自分も例に漏れず、20歳ぐらいまではいわゆる“恋愛”に対して、うまくできないなって思っていたんです。それはやっぱりドラマや映画の影響が大きくて、自分でも型にはまった関係を築かなきゃいけないと思っていたなと思います。でも、対パートナーとのコミュニケーションでも自分があまり変わらずにいられる感覚を初めて覚えたときに、これが自分にとっての恋愛だなって気づいたんです。

──それは相手の恋愛の価値観や人とのコミュニケーションの仕方が自分と合っていたという部分も大きいですか？

恋愛の価値観っていうより、相手がそのままでいられるように考えるという感じです。無理しなくていい関係とかよく言うけど、たぶんそういうことなんだろうなと。

──特に恋愛においては、その人と同一化したいと感じる人もいると思います。Le Makeupさんの楽曲『パートナー』でも「君と2人でいるとなんか1人でいるみたい　君を知りすぎてる　そう思った次の日になにもわからなくて1人」という歌詞がありますが、そういう感情が生まれることもあるけど、その人がそのままでいていいと思い合える関係性はすごく大事ですね。

相手のことを理解するとか、自分のことを理解してもらうって、大事かもしれないですけど、結局他人やなってすごく思うんです。自分にとっては100%家族だって感じられると同時に、100%他人でもあるなっていう気持ちがあって。だから相手の思いや言動をコントロールするとか、自分の考えを理解してもらうことは放棄した方がいいと思っています。だからといって、ダメな自分のままでいてもいいと開き直るわけじゃないけど、見せてもいい自分を増やしていくことの方が重要なのかなと思いますね。

──恋愛だけでなく、関わる人には誰にでもそういった意識を持って接していますか？

実行できているかわからないですけど、その意識は持っています。友だちにおいても、親友とか、1年に1回しか会わない人とか、関係性の深さの違いってどうでもいいなって思っているんです。自分にとってすごく辛かった過去の出来事を話したからといって、深い関係になれるわけではなくて。だからこそ自分の中でカテゴライズせずに人と人として関係性を築きたい。そういう、この人には特別対応をするみたいなことはしないよう意識していますね。

──差をつけずに、みんな同じように大切だと捉えているということですね。性コミュニケーションをするうえで大切にしていることはありますか？

もちろん、お互いの気持ちがあって、同意があるっていうのは大前提で、してほしくないこととかを言えたらいいですよね。それは性別関係なくそうですけど、セックスをするうえで、性感染症などについて不安があるのであれば、その不安を言える環境を作らないとダメだなと思います。

──自分の不安を伝えたり、相手が感じている不安を伝えられる環境づくりのために日頃から意識していることはありますか？

セックスをする関係性と友だちとの関係性の大きな違いって、感情の相互関係と肉体の相互関係があることだと思っていて。同意のうえだとしても、セックスって暴力性を孕んでいる行為じゃないですか。さっきも話した通り、相手は他人なので、身体的に傷つけて血が出るとかじゃなかったとしても、攻撃力が高いと思うんです。相手を傷つけたくないと思っているからこそ、線引きというか、優先順位みたいなものを考えるといいのかなと思っています。こういうことだけは絶対に言わない、やらないとか。セックスに関して不安がある状態って、直接的に傷つけることにもなると思うので、精神的にも、肉体的にもその可能性があることを意識しておくのが大切。特に、男女のカップルだとしたら、特に男性側はその意識を持たないといけないと思っています。

──男女の場合だと、暴力性や加害性のパワーバランス、性感染症や不妊などのリスクも同じとは言えないですよね。そのうえでパワーを持っている側が、自身の持つ暴力性や加害性を意識することは本当に大切なことです。こうした安心できるセックスや関係性について、ファンや友だちと話す機会があれば、どんなことを聞いてみたいなと思いますか？

カップルでセラピーとか受けたことがある人がいたら聞いてみたい。僕はしたことないけど、どんなことをして、どんな影響があるのとか。

──まだまだカウンセリングやセラピー自体にハードルを感じている人も多いから、そもそもカップルセラピーがあることを知らない人もいるかもしれませんね。だからこそ、そういうものがあるんだよっていうことを共有できる時間があるととてもいいですね。安心できるセックスや関係性を築くうえで、BLUE HANDS TOKYOで無料配布されたスマルナチェック（性感染症検査キット）も、2人の関係性やコミュニケーションを潤滑にする手助けとなるアイテムだと思います。

性感染症の検査ができるキットを自分で購入できることを正直僕も知らなかったので、すごく良いサービスだなと思います。恥ずかしいんですけど、前に股間部が痒くなって病院に行ったことがあって。結局は性感染症とかではなかったんですけど、ネットで調べれば調べるほど心当たりもないのに怖くなってしまって。病院に行くのも当時少し抵抗があったりして一ヶ月くらいかかったり。こうやって検査結果までオンラインで確認できるのはすごく心強いなと思います。

──病院に行くことが恥ずかしくて放置して悪化してしまったり、感染していなかったとしても、不安が大きくなってしまうこともあるから、こうして個人で確認できるのは安心ですよね。最後に、まだまだ心地のいい関係性や安心できるセックスや時間を築くことにハードルを感じている人たちに伝えたいことはありますか？

そういう不安ってみんなが一度は持ったことがあるものだと思う。だからこそ、自分の不安を話してみることって、意外と簡単でシンプルなことかもよって言いたいですし、そう思ってほしいです。

──Please tell us about the "Bergmál" mask that Björk wore during the first week of Coachella.

James　Yes, the inspiration for this particular mask was to make something that would radiate outwards from the head, like a soundwave frozen in air. I spend a lot of time sculpting these pieces in 3D software - playing with particular forms and shapes until they produce something I find interesting. So it is often a mixture of accident and intention.

For the Bergmál headpiece I was exploring spirals and trying to produce a shape with one continuous edge that would rotate around its own axis, folding back in on itself many times. Once I had created that form I realised that it looked like a soundwave, so I pushed it further in that direction knowing that it could fit well into Björk´s sonic world.

────I feel that the word "Bergmál", which is also the title of this mask, reflects some kind of unique Icelandic values. What do you think about the word "Bergmal" and its values? Do you ever experience those values while living in Reykjavik?

James　Bergmál has always been one of my favourite words in Icelandic. It literally translates to “mountain language” - because of the way an echo bounces down a valley, as if the mountains are speaking to each other. I love that image evoked by the word. I have lived in Iceland for almost 10 years now, but the culture still reveals itself to me bit by bit - through the language as I learn it, the books I read and the music I listen to.

──Next, I would like to ask about the "Ossein" mask that Björk wore during the second week of Coachella.

James　The form of the Ossein mask was a product of many experiments in the 3D sculpting phase, and turned out to be one of the most complex things I have sculpted. I was amazed that it was even printable. My intention with the references and inspirations was more concerning the texture - I really wanted it to look like cartilage or fishbones, something with a very organic translucency to it.

──I see, so the distinction wasn’t made intentionally. The characteristics of this mask are clearly evident from the source of its inspiration, but I think one of its characteristics is that it turns blue when exposed to a certain type of ultraviolet light, in order to reproduce the glow of living organisms underwater.

James　I had originally planned for these masks to include some LED lights, moving around and flashing inside them like an underwater sea creature. However, early on in the sculpt I realised that this was going to be difficult to achieve without sacrificing a lot of the design elements, so I decided to use UV light instead. I had used UV threads a lot in some of my first early embroidered pieces, which glowed under certain stage lights - so it was an aspect I was keen to revisit in the 3D printed iterations. I´m very happy we ended up going in this direction, as this gave the mask a more organic and bioluminescent feeling (wheres LED might have become too “disco”!)

──These two masks were created with the secca team. How did you feel when you actually held the mask that they had created?

James　I was totally overwhelmed! Their meticulous craftsmanship and alchemical ability to make some beautiful textures really brought the pieces to life in a way I could never have expected. I travelled to Kanazawa to visit them and it was such a great experience - getting to know them personally and professionally was a lot of fun, and I am so proud of what we made together.

──This time, you used 3D printing to carve these two masks. What is your thought behind incorporating these new technologies into your design project with Björk?

James　Since I started making masks, I have always moved between different mediums almost unintentionally just as a result of wanting to evolve my designs. At first they were all embroidered, then I started to use wire and beadwork, then silicone sculpting, and then into metalwork and silversmithing. 3D printing was a very natural extension of that journey, particularly as I had also started to 3D sculpt and programme my masks as AR filters.

I really enjoy switching between the physical and digital worlds when I work now - and I find that the two disciplines can accompany and enhance each other, rather than compete. The last few masks i have made have come out of a back and forth between the two, designing by hand in quite a traditional silversmith practice and then putting that into 3D sculpting software and manipulating it there, and then back again into the physical world. 

──Generative AI is currently gaining popularity around the world, but many people question its existence. As technology develops. What do you think about the future where technology coexists with art?

James I think we have lived with AI for a while now, as an integrated function of all sorts of softwares and technologies that we didn't necessarily call AI until recently. But rather than perceive it as a threat, I take it more like a challenge - if your concepts or aesthetics can be so easily replicated by an algorithm, then I would rather use that as an impetus to keep evolving and think of something new that the machine can't do.

99.99% of the AI art that I have seen is quite homogenised, unless someone is doing something clever with it or incorporating it their existing practice rather than just relying on it entirely. As with any other tool or technology I am most interested when an artist finds their own idiosyncratic way to use it and lean into the glitches, making the nature of the medium part of the artwork but bending it towards their own world.

──When you started the production of the masks did you start with the design presented by James?

Sugano　James is responsible for the overall art direction of the project and the design of the masks. James presented us with a concrete design that was digitally sculpted using 3D data, and we were responsible for how to make it a physical 3D print with the quality that Björk and James wanted. I was involved as a technical director, and the secca team was in charge of production, and they demonstrated their craftsmanship to the fullest. We follow a process where we make adjustments to areas that need to be carefully adjusted during implementation, such as the strength of the live performance, without damaging the original design, then print them out and refine them.

──Did you have a concept for each mask already decided when you received the 3D data from James?

Sugano　If anything, we had a specific design image from the beginning, and we started by figuring out how to make it a reality. James was the one who directly discussed the concept with Björk, but I was able to fully understand the important parts of the concept from James' design. It doesn't look like a digital design at all, it feels very organic. The design is inspired by things that are close to living things, or rather things that are natural. Based on my experience with previous projects with Björk, I knew from the beginning that even though this design was implemented using the latest technology, I had to make it look extremely organic and not give the impression that it was implemented using the latest technology. I think we started off by properly aligning our understanding with the secca team.

Uemachi　What really deepened our understanding was when James came all the way to Kanazawa, where we are based. By talking to him in person, face-to face, we felt like we were able to figure out what quality we should improve on and what we should propose. Just like his attitude toward this project, he was very polite and careful about how he treated us. During our exchanges, I learned that the beauty of Iceland's natural beauty that he sensitively observes on a daily basis is a source of inspiration for him, and that the beauty in nature is an expression of himself. I could feel that he was trying to embody that through his costume. It feels like part of your skin rather than something you wear. That's the kind of costume James and Björk were looking for.

──Were you able to print the prototype with a 3D printer when James came to Kanazawa?

Uemachi　Yes we were. By the time James came to Kanazawa, the secca team had had detailed discussions, adjusted the data, and printed out samples. While analyzing the rough data we received in advance, we realized that there were many parts that were physically difficult to reproduce. It was only 0.3mm thick, and there were parts where I thought it would break if I moved it around during a live performance. We also create works using 3D modeling on a daily basis, but when we look at the parts that we thought were beautiful on screen, when we hold them in the actual space, we find that they are far from what we imagined, and there is a gap between them. It is a series of tasks such as filling in the information, printing it out, and checking it again. When James came to Kanazawa, he was able to see the test printed samples and was able to give his opinions directly. We were able to share a concrete image of how we wanted the product to look and fine-tune it, allowing us to make solid adjustments. For example, we said things like, “If we want to make it look that way, let's keep it thick here and make it thicker in other areas”, and we worked out what areas we couldn't compromise on and where we could compromise.

────Sugano-san wrote on Instagram, “the 3D data sent by James was beautiful in every way, and secca was just amazing!’.

Sugano　As Uemachi-san mentioned, when we looked at the data, we felt that it would be difficult to achieve the strength of the masks due to the relationship with the material and shape. There were some parts that needed some work to make sure they would be fixed. This is because both masks were designed by calculating backwards from an ideal picture surface, so it was assumed that if things remained as they were, it would be physically difficult to put the masks on the face in the first place. Despite this, the secca team has taken the initial inspiration and implemented it in a way that enhances it without compromising its design at all. I felt that secca's ingenuity was wonderful in that respect.

In addition, this mask cannot be completed simply by printing it out with a 3D printer; it requires a considerable amount of manual labor by craftsmen in order to achieve the ideal appearance, including texture and transparency. It is not something that can be learned in a few days. It is difficult, even for experienced engineers, to realize the designs and concepts conceived by world-class creatives such as Björk and James without sacrificing any of them. In other words, both digital engineering skills and artisanal manual skills are required. In addition to having experience and an understanding of the work, you also need the ability to not give up to the limit, which is a psychological thing. The secca team was perfect in all aspects, so we owe Uemachi-san and his team a huge thank you that we were able to make it happen this time.

────Uemachi-san previously said that when secca produces crafts, it strives to achieve an expression of art and functionality as a product used in everyday life. I thought this story might have some similarities to that.

Uemachi　That may be the ultimate thing. For example, when it comes to tableware for everyday use that is mass-produced, the people who use it and the situations in which it is used are diverse, so in order to satisfy each person who picks it up, it may be necessary to reduce it to an average design to meet the diverse needs of each person who uses it. This time, I made it just for Björk, so I focused on how she could concentrate on her performance at her best, and I was most conscious of making sure the mask didn't create noise. If the mask itself were to break, or come off during the performance, something would be ruined, including the time and value of the experience for those attending the concert. That's what I was most afraid of, because it will effect matters even after the show.

──So, Sugano-san, when you first became involved with Björk in the music video for "Mouth Mantora" in 2015, is there anything that stands out to you through that experience?

Sugano　First of all, the most important thing is being very careful and taking the time and effort to make creative decisions. The music video for "Mouth Mantra", which I helped out with, was a very difficult idea to visualize the inside of the mouth. The live video for "Quicksand" that I also helped out at exhibition which was held in Tokyo was streamed in real time using a live camera, but after that, we had to carefully consider and have a lot of creative interactions before releasing the archived work. I remember there were lots of creatives discussions about it.

Another thing that struck me was when I asked Björk about the relationship between art and technology during our conversation was that, she told me that she really likes incorporating new technology, and she gave examples of traditional instruments that have become commonplace in modern times, such as the piano and violin. She says, “when the piano and violin were created, they were the latest technology”. As for the piano, the technology itself was treated as the subject matter of a song. However, in modern times, the use of the piano is rarely the main theme of music. At first, the use of technology may be touted and become a theme, but before you know it, the technology will disappear and only the music and the emotions it brings will remain. She says, “When it comes to expressing emotions, playing the violin in a certain way allows you to express your emotions. Performance methods and expressions have been cultivated over a long period of history. In other words, the violin is like an old computer. What artists have to do is express themselves by using the tools that we take for granted, which are unique to the era in which we live. I think it's an artist's job to put their heart into technology.” Those words really impressed me and stuck with me.

Sugano　Björk's attitude toward technology is the same when it comes to creations that use cutting-edge technologies such as 3D printing, which is the specialty of the secca team. One of the reasons we invited secca to join our team was because, even though they are skilled at creating things using the latest technology, they do not emphasize that as the main aspect for the final product. It is obvious that there is new technology behind the scenes when you understand the process by which the design was created, but the intervention of technology never comes before the design. I thought that this really matched the feeling I had gained through my communication with Björk.

──That sounds like a very important and interesting topic. When we previously interviewed Uemachi-san, you said that using technology is not the purpose for expression, but rather, technology is primarily a tool for realizing expressions.

Uemachi　Yes. We are also conscious of the exact same thing, whether it moves our hearts or not. I think this is the most important point that creates value. Therefore, I view things in this order: experience is necessary to move the mind, and things exist as interfaces for that experience. We learn from what people in the past have done and make use of it, but if we just do the same things as people in the past, we won't create much value. The times are changing, and the sensibilities of the recipients are also changing, so if we pursue new experiences, experiences that fit the present, and experiences that we want to deliver only to that person, we will inevitably find ways that people in the past could not choose. There are often hints. For example, if 3D printing existed in the Edo period, I think it would definitely be used by craftsmen and artists. If there are tools in front of us that people in the past couldn't choose, and if there's a destination beyond that that people in the past couldn't reach, we should actively try them out. We are working with this attitude.

What impressed me when I worked with James this time was that even though we each have different identities and values, we can connect non-verbally through creation. It was difficult for me to communicate verbally because I can’t speak English well, but I think we were really in sync with each other in terms of what we think is beautiful and what moves us. This may have been a big realization that I gained behind the scenes of this activity.

Sugano　I am the creative director of the entire project for over 90% of the work I am involved with, and secca is of course in the same position, and they usually work on their own signed ideas and creations. Secca is by no means a company that only handles technical direction and 3D printing. This time we were not the ones leading the project; Björk is the creative director and James is the artist and designer. What Uemachi's realized is something that was possible because someone else was leading the project rather than himself. The question was - how can we support the creations of a rare artist like Björk and make them realize what they want to do? Although the thinking process is different than usual, we take what Björk and James want to do very seriously, and want to understand their vision, and then help them implement it. It was new and a lot of fun. The vision we all had in common this time was what kind of emotion we wanted to convey to the audience through our creations. The secca team that I know are good at expressing this, and I think they have world-class talent when it comes to achieving this. I wanted many people to know this fact.

It's extremely rare that a project by a world-class artist like this involves a domestic craftsmen like secca who are well versed in traditional Japanese techniques that have been passed down for a long time and are able to handle cutting-edge technology. I hope that by conveying the greatness of secca's participation in a world-class project with a different approach from their usual main work, they will be able to shine a light on it from a different angle than usual. If people understand what kind of valuable work they do, their recognition will expand. I'm sure more and more people will become interested in their products and work, and I sincerely hope for that.

──コーチェラの1週目にビョークさんが着用された「Bergmál」について教えてください。このマスクは「音波、生物学的スパイラル、ソニックブーム」といったものに着想を得たそうですね。過去のインタビューでは「音を視覚化する」ことこそがビョークさんの表現方法の真骨頂だとお話されていました。今回は改めてその「音の視覚化」に意欲的に臨まれたという認識でしょうか？

James　そうですね。このマスクを作る上で、頭から外側に放射していく様子が見て取れるスカルプチャーにしたいと思っていました。空気中で音波が凍っているようなイメージです。作品を3Dソフトウェアで作り上げていく際は、毎回かなりの時間をかけています。面白いと思うものができるまで、特定のフォルムや形をあれこれいじりながら考えていくんです。そうしていると、偶然発見する要素と意図的に作り上げた要素が混ざったデザインができることが多くあります。

「Bergmál」のヘッドピースは、「螺旋（スパイラル）」を深掘りしていった作品です。マスクの軸を中心に回転していき、何度も折り重なるようにぐるぐると縁が連続していくような形状を作りたいと思っていました。その形を作り上げた時に、それが音波のように見えることに気づいたんです。ビョークの音の世界観にぴったりマッチするということがわかっていたので、その方向へとさらに追求していきました。

──このマスクのタイトルでもある「Bergmál」という言葉は、ある種アイスランド特有の価値観を反映しているようにも感じています。Jamesさんは「Bergmál」という言葉や価値観にどのような考えをお持ちですか？ レイキャヴィークに住まれている中で、その価値観を実感することはあるんでしょうか？

James　「Bergmál」は、私のお気に入りのアイスランド語の言葉の一つです。 英語では文字通り「山の言葉」と訳されますが、それはまるで山々が互いに語り合っているかのように、エコーが谷を下って跳ね返る様子から来ています。その言葉から醸し出されるイメージが大好きなんです。アイスランドに移住してから約10年が経ちますが、学習する言語、読む本、聴く音楽を通じて、今でもアイスランドの文化がいろんな形で私に影響を与えてくれていますね。

──続いてコーチェラ2週目にビョークさんが着用された「Ossein」についてですが、こちらは「魚の骨、蘭の花、植物の雄しべ、軟骨」から着想を得ていますよね。「Bergmál」に比べると、実際に目に見える形のものを着想源にされていますが、そこには明確に区別する意図があったのでしょうか？

James　このマスクの形状は、3Dで彫刻する段階で数々の実験を繰り返した成果であり、結果的にこれまでに彫刻してきた作品の中でも最も複雑なものの一つとなりました。この形状が実際に3Dプリンタでプリントアウトできたことにも驚きました。リファレンスやインスピレーションの段階でとても気にしていたのが、マスクそのもののテクスチャーでした。軟骨や魚の骨のように、非常に有機的な透明感のあるものにしたかったんです。

──なるほど、では意図して区別したわけではないのですね。このマスクはインスピレーション源からもその特徴がはっきりと表れていますが、水中で生物が発光するさまを再現するために、特定の紫外線をあてることで青色に変化するのも特徴のひとつかと思います。「水中で生物が発光するさま」とはどのようなイメージだったのでしょうか？

James　当初マスクにいくつかのLEDライトを組み込んで、その光が水中の海の生き物のようにマスクの中で動き回ったり点滅したりすることを考えていました。ですが、スカルプトモデリングの早い段階で、それをするには、多くのデザイン要素を犠牲にしなければいけないと気づいたんです。なので、LEDライトを組み込む代わりに、UVライトを照射すると色が変化する素材を採用することにしました。これまでに刺繍の作品を多く作ってきましたが、初期の刺繍作品でUV糸を使った作品を作っており、その糸は特殊なステージライトの下で光るものでした。今回マスクを3Dプリントする際にも、その手法を使ってみたいと思ったんです。結果的にとても良いものができたので、この手法を採用してとても良かったなと思います。このことで、マスクがより有機的で、まるで生物が発光しているようなイメージにすることができました。LEDライトを使っていたら、もしかするともっと“ディスコ”っぽいものになっていたかもしれませんからね（笑）。

──この二つのマスクはseccaチームとともに作り上げられています。彼らが具象化した完成形のマスクを実際に手に取った際、Jamesさんはどのように感じられましたか？　seccaチームへの印象とともに教えていただけますか？

James　本当に圧倒されました！　彼らの細心の注意を払った職人技と美しいテクスチャーを生み出す能力の高さは、私の想像力を遥かに超えていましたし、予想だにしない方法で作品たちに息が吹き込まれたと思います。（ビョーク来日公演の際、）金沢にいる彼らに会いに行ったのですが、それもとても素晴らしい経験でした。友人としても職人としても、彼らと知り合うことができてとても楽しい時間を過ごせましたし、そこで彼らと一緒に作り上げたものにとても誇りを持っています。

──今回はこの二つのマスクを彫刻していく上で、3Dプリンティングを採用されていますね。こうした新しいテクノロジーをビョークとのデザインプロジェクトの中に取り入れて挑戦している背景には、どのような考えがあるのでしょうか？

James　マスクを作り始めてから、デザインを進化させたいという思いから、意図せずに常に異なる媒体を選び続けてきました。最初はすべて刺繍でしたが、ワイヤーとビーズ細工を使い始め、次にシリコン彫刻、そして金属細工に銀細工と、どんどん新しいものに挑戦していったんです。3Dでスカルプトを実践したり、自分で作り上げた現実世界のマスクをARフィルターにプログラミングしたりしていた私にとって、3Dプリンティングに行き着いたのはごく自然な流れでした。

何かを作る時、物理的な世界とデジタルの世界を切り替えながら製作するということをとても楽しんでいます。そんな中で、この二つの領域は相反するものではなく、お互いに補完し、強化し合えるということに気づいたんです。最近新たにいくつかマスクを作ったんですが、その時はリアルとデジタルの領域を行ったり来たりしながら製作していきました。非常に伝統的な銀細工師の手法を用いながら手作業でデザインしていき、それを3Dのスカルプトソフトウェアにデータを入れて手直ししてから、再びリアルな世界に戻し具象化したんです。

──「テクノロジー×アート」という文脈でいうと、今生成AIを活かしたアートが世界中で人気を集めていますが、一方でその存在意義自体に疑問を投げかける方々も多くいらっしゃいます。これまでもテクノロジーが発展する中で、ご自身のアートに影響を及ぼす機会は良し悪し問わずあったと思いますが、テクノロジーがアートと共存していく未来について、Jamesさんはどのように考えていますか？

James　私たちは最近まで必ずしも”AI”と呼ばれていなかったあらゆる種類のソフトウェアやテクノロジーの統合機能として、ここ数年AIと共に生きていると思います。だけど、それを脅威と考えるよりも、むしろチャレンジのひとつのように捉えています。もしコンセプトや美学がAIやアルゴリズムによって簡単に複製できるのであれば、私はむしろそれを進化させる推進力として利用したい。機械では決してできない、これまでにない新しいものを創り出したいと思っています。

それに、私がこれまで見てきた“AIアート”の99.99%は、誰かが工夫しているものを除けば、かなり均質化されたものばかりですし、とても醜いものに見えます。2021年に、AIモデルを使用してビョークの限定版レコードのアートワークを作成しましたが、すごく興味深いものだと感じました。とはいえ、あれからもテクノロジーは大きく進歩しています。最近は画像のサイズ変更や色付けなど、調整するためのソフトウェアとしても使用しています。

アーティストがツールやテクノロジーを駆使する際に、その人特有の使い方を見つけていきながら、時にはグリッチさえも受け入れて、媒体の性質をアートワークの一部にし、独自の世界に取り込んでいく。私はそんな瞬間にとても惹きつけられるんです。

──まずは今回のマスクの製作プロセスについてお話を伺えればと思います。コーチェラの1週目・2週目と、2種類作られています。製作に入られた際は、Jamesさんからデザインが提示されているところから始まったんでしょうか？

菅野　プロジェクト全体のアートディレクションと、マスクのデザインはJamesが担当しています。Jamesから3Dのデータでしっかりデジタル彫刻された具体的なデザインが提示されて、我々はそれをどうやって物理的な3Dプリントで実現するか、ビョークやJamesの求めるクオリティでどう実現するかを担いました。僕はテクニカルディレクターとして関わり、seccaチームがプロダクションを担当してくれて、存分にクラフトマンシップを発揮してくれました。ライブパフォーマンスの中での強度など実装としてしっかり調整しなきゃいけない部分は元々のデザインを損なわないかたちで調整して、プリントアウトして磨き上げていくというようなプロセスをたどっています。

──Jamesさんから3Dデータが送られてくる段階で、それぞれのマスクのコンセプトは決まっていたんでしょうか？

菅野　どちらかというと、最初から具体的なデザインのイメージをいただいていて、それをどうやって実現していくかというところから始まりました。コンセプトをビョークと直接話していたのはJamesですが、Jamesのデザインから十分コンセプトの大事な部分は理解出来ました。とてもデジタルデザインにはみえない、すごくオーガニックな印象を受けますよね。生命体に近いというか、自然のものに近いインスピレーションを受けたデザイン。ビョークとのこれまでのプロジェクトの経験からも、このデザインを最新のテクノロジーで実装していたとしても、それを感じさせず、極めてオーガニックに見えるように製作しなきゃいけないと感じていたので、当初からそこらへんをちゃんとseccaチームと認識をすり合わせながらスタートしたと思います。

上町　特に理解が深まったのは、Jamesさんが我々の拠点でもある金沢にわざわざ来てくれたことがきっかけです。面と向かって話を伺ったことで、僕たちもどういうクオリティに落とせばいいか、どういうことを提案したらいいかをつかめた感覚はありました。このプロジェクトに対する彼の姿勢もそうですが、僕たちに対する振る舞いも本当に丁寧に積み上げる方でした。やりとりの中で、日頃からアイスランドの自然の美しさを敏感に観察されていることがインスピレーションの源泉になっていることもわかりましたし、自然の中の美しさがそのまま自分自身を表している、ということをコスチュームで体現しようとしているんだということも伝わってきました。何かを身につけるというよりは、皮膚の一部に感じられる。そういうコスチュームをJamesさんやビョークさんは求めていたわけなんですよね。

──Jamesさんが金沢までいらっしゃったタイミングでは、3Dプリンタで試作品をプリントできていたんでしょうか？

上町　そうですね。Jamesさんが金沢に来るまでに具体的な議論を重ねて、データを調整し、サンプルとなるものをseccaチームでプリントした状態でした。事前にいただいたラフのデータを解析する中で、物理的に再現が難しい箇所が多いことに気づいたんですね。厚みが0.3mmしかなく、ライブ中に動き回ったら割れてしまうと思う箇所もありました。僕たちも日常的に3Dモデリングを活用して作品を制作していますが、画面上で美しいと思っていた箇所が、実際の空間で手にとって見てみると、そのイメージとかけ離れていて、そのギャップを埋める作業を行い、またプリントして確認するといった作業の連続です。Jamesさんが金沢に来てくれて、実際にテストプリントしたサンプルを見ながら意見を伺い、どう魅せたいかという具体的なイメージを共有しながらチューニングアップできたことで確かな調整をすることができました。例えば「そう見せたいならここの厚みはキープして、別の箇所を厚くしよう」というやりとりをしつつ、どこが譲れなくて、どこが妥協できるのかというさじ加減を議論しながら詰めていったんです。

────菅野さんはInstagramで、「Jamesから送られてくる3Dデータはどこをとっても美しく、とにかくseccaがすごかった」と書いていますが、seccaの皆さんのすごさを実感されたのはどんな場面でしょうか？

菅野　上町さんからお話もあった通り、データを見た際に素材や形状との関係から、マスクの強度について実現が難しいと感じる部分はあったんですが、それに加えてそれぞれのマスクがどうやって顔に固定されるのか工夫が必要そうな部分がいくつかあったんです。というのも、どちらのマスクも理想的な絵面から逆算されて作られたデザインだったので、このままだとそもそもマスクを顔に着けることが物理的に難しい部分もあるんじゃないかと想定されました。そんな中でも、seccaチームはあくまでも最初に得たインスピレーションと、そのデザインの良さを全く損なうことなく、むしろそれを良くする形で実装まで持ち込んでいる。その点においてseccaの創意工夫が素晴らしいなと感じていました。

また、このマスクはただ3Dプリンタでプリントアウトすれば完成というものではなくて、しっかり手触りの触感や透明度などの外観の質感を理想的なものにするためには、職人的な手作業が相当程度発生します。それは今日明日学べば出来るというものではないわけです。ビョークやJamesという世界最高峰のクリエイティヴな人が発想するデザインやコンセプトを一切損なわずに実現するというのは、熟練のエンジニアさんでもなかなかできることではありません。もっと言えば、デジタルエンジニアリングの能力と職人的な手作業の能力が両方必要になってくる。経験値や作品に対しての理解はもちろん、精神論にはなりますが極限まで諦めない力も必要になってくる。seccaチームはトータルにおいて完璧だったので、今回は上町さんたちのおかげで実現したと思っています。

────以前上町さんは、普段seccaが工芸品を製作する中で、作品としての表現と、日常の中で使われるプロダクトとしての機能性を両立することを追求しているとおっしゃられていましたね。今回のお話はそれに通ずる部分があるのではないかと思いました。

上町　その究極的なものかもしれないですよね。例えば、量産前提の日常で使う食器だと、使っていただく人やシーンが多様であるため、手に取る一人ひとりに満足いただけるように、多様な欲求に対してどうしても平均的なデザインに落とし込むことがあります。今回はビョークさんのためだけに作ったので、彼女がいかにベストの状態でパフォーマンスに集中できるかに注力し、マスクがノイズにならないことを最も意識しました。もしマスク自体が折れたり、壊れたり、パフォーマンス中に外れてしまったりするようなことが発生したら、ライブに来られている方の時間や体験価値も含めて、一度何かが崩れてしまう。それが一番恐れていたことで、ひょっとすると公演後にも影響しかねないですから。

──菅野さんは2015年の“Mouth Mantora”のMVで初めてビョークと関わって以降、“Quicksand”のストリーミングライブのVR映像を制作されたり、トークイベントや雑誌で対談されたりと、ビョーク自身のクリエイティヴや考えについて触れる機会も多くあったと思います。その中で印象に残っていることはありますか？

菅野　まずはクリエイティヴな判断に対して、非常に丁寧で、ちゃんと時間と手間をかけるということです。一番最初にお手伝いした“Mouth Mantra“のMVも口の中を映像化するという極めて難易度の高いアイデアを実現するまでに丁寧に手間をかけてちゃんと検討をして実現していた。2016年に東京で開催された＜Björk ： Digital VR＞展でお手伝いした“Quicksand”のライブ映像も、ライブカメラでストリーミングしたものはリアルタイムで配信されたんですが、その後アーカイブ作品を公開するまで、かなり丁寧に検討したり、たくさんのクリエイティヴなやりとりが発生したりしたのを覚えています。

もう一つ印象的だったのは、対談中にアートとテクノロジーとの関係性についてビョークに質問した時の話です。彼女は新しいテクノロジーを取り入れることはすごく好きだと話してくれたんですが、その例にピアノやバイオリンといった現代では当たり前となった伝統的な楽器を持ち出して話してくれたんです。「ピアノやバイオリンも誕生した時は最新テクノロジーだった」と。ピアノに関しては、その技術自体が楽曲のタイトルになるほど主題として扱われていました。けれど現代では、ピアノが使われていることが音楽の主題になることはあまりないですよね。テクノロジーは当初それを使うこと自体が喧伝されたり、一つのテーマになり得たりもしますが、いつの間にかテクノロジーは消えて、音楽とそれがもたらす感情だけが残るわけです。彼女は「感情表現をするにあたって、バイオリンをこう弾けば感情を表現できるという演奏方法や表現は、長い歴史の中で培われてきました。言ってみれば、バイオリンとは昔のコンピューターみたいなもの。アーティストがしなければいけないことは、自分たちが生きる時代ならではの、当たり前のように使っているツールをあえて使って表現すること。テクノロジーに心を入れるのがアーティストの仕事だと思う」という言い方をしていました。それが一番印象に残っています。

菅野　そういうビョークのテクノロジーに対しての姿勢は、seccaチームが得意とする3Dプリンティングのような最新の技術を使ったクリエイションでも同じことが言えます。seccaをチームに誘った理由の一つは最新テクノロジーでものづくりすることに長けていながら、あまりそれが最終的な成果物の前面に押し出されていないこと。裏側に新しい技術があることはそのデザインが成立したプロセスを読み解くと当然わかるんですが、テクノロジーの介在がデザインより前に出てくることがないんです。それがビョークとのこれまでのコミュニケーションの中で得た僕の感覚とすごく合うなと思いました。

──とても重要で興味深いお話ですが、以前上町さんにインタビューさせていただいた際も、テクノロジーを使用することが目的なのではなく、あくまでも表現するためのツールなのであって、何を実現するかが重要だ、というお話もされていましたね。

上町　はい。僕たちも意識していることは全く同じで、やっぱり心を動かすかどうか。そこが価値を生む最も重要なポイントだと思っています。なので、心を動かすために体験が必要で、体験のためにインターフェースとして物が存在しているという順序でものごとを捉えています。僕たちは過去の人がやってきたことを学んで活かしているわけですが、ただ過去の人と同じことをやったとしてもあまり価値を生めない。時代も変わっているし、受け手の感性も変容しているわけで、新しい体験や今にフィットした体験、その人だけに届けたい体験を追求すると、必然的に過去の人が選択できない手段の中にヒントがあることが多いんですね。例えば3Dプリンティングも江戸時代にあったとしたら、職人やアーティストたちに必ず使われていると思います。過去の人が選択できなかったツールが僕たちの目の前にあって、その先に過去の人が到達できなかった着地点があるのであれば、積極的に試すべき。そうした姿勢で取り組んでいます。

今回Jamesさんと共同で作業してみて感動したのは、お互い違うアイデンティティや価値観を持っていたとしても、クリエイションを通して非言語で繋がれるんだということ。僕が英語をカタコトでしか話せないので、言語でコミュニケーションを取るのは難しかったんですが、何を美しいと思うのか、何に感動するのかという点においてはすごく息が合っていたなと思います。今回の活動の裏で得た大きな気づきだったかもしれないですね。

菅野　僕は関わる仕事の9割以上でプロジェクト全体のクリエイティヴディレクターを担っていますし、seccaももちろんそうで、普段は署名が入った自分たちのアイデアとクリエイションで戦っています。ただテクニカルディレクションや3Dプリンティングだけを受託している会社というわけでは決してありません。ただ今回のプロジェクトは我々がリードするのではなく、ビョークがクリエイティヴディレクターで、Jamesがアーティストでありデザイナーなわけです。上町さんの気づきは、自分たちではなく他の誰かがリードするチームの中での取り組みならではですよね。ビョークという稀代のアーティストのクリエイションをサポートする、彼らのやりたいことをどう実現するか。普段と思考のプロセスは違いますが、ビョークとJamesのやりたいことを真摯に受け止めて、ビジョンをしっかり認識した上で我々が実装をお手伝いしていくわけです。それが新鮮でとても楽しかったです。今回僕らが共通して意識していたビジョンは、クリエイションを通して受け手にどんなエモーションを届けるかということ。僕の知っているseccaはそれを表現することに長けていて、世界に誇る才能と実績もある方々だと思っています。この事実を多くの人に知ってもらいたかったんです。

今回のような世界的なアーティストのプロジェクトに、彼らのような日本で長く受け継がれる伝統技術を熟知して最先端のテクノロジーを扱うような職人が参画していることはすごく珍しいことですよね。普段のメインワークである自分たちの仕事とは違うアプローチで、世界的なプロジェクトに参画したseccaの素晴らしさを伝えることで、普段とは違う角度から光が当たればいいなと思います。こういう仕事でも、世界から評価されるような仕事をする人たちであるということを理解してもらえれば、彼らに対する認識も広がっていく。これから彼らの製作物や仕事に興味を持つ方々も増えるはずですし、僕もそれを心から願っています。