──前回、安斉さんにインタビューしたのは2020年9月。シングル“GAL-TRAP”をリリースされたタイミングでした。あれから2021年に入って、東京はまた緊急事態宣言とまん延防止等重点措置を繰り返す、アーティストや多くに人々にとって辛い期間に。その間はどのように過ごされていましたか？

いろいろ考えることはあったけど、私は「こればかりはしょうがない」と割り切れたというか、特に大きく落ち込むことはなかったです。仕事以外でも、映画を観たり音楽を聴いたり、絵を描いたり、動ける範囲でやれることを楽しみながら過ごしてました。

──前回のインタビューでは、はっきりとしたメッセージが強かった時期から、“GAL-TRAP”で《ねえ。曖昧なのが、世界のカタチなんだよね？》という冒頭の歌詞に象徴されるように、「曖昧」を歌うようになった心境の変化について話してくださいました。あれから約1年半が経ち、さらにご自身のなかで変わったことはありますか？

“GAL-TRAP”より前の曲は10代の頃に書いた歌詞が多くて、当時はいろいろあるけど前向きな言葉を歌いたいという気持ちが強かったんです。そこから20代になって、曖昧だったり、混沌としていたりする自分のメンタルや世の中の状況を受け入れて日々を過ごせるようになったんだなって。振り返ってみるとそう思うんですけど、前提にはずっと「等身大でいたい」という「変わらない気持ち」があります。だから考え方が「変わった」という感覚はなくて。そう考えるとちゃんと成長できているのかどうか、わからないですね（笑）。

──アーティストとしての音楽性の変化については、いかがですか？

“GAL-TRAP”までは90年代や00年代のJ-POP色が濃い曲をリリースしてきましたが、“GAL-TRAP”は最近のポップミュージックにアプローチしたトラックで、確かに変化としては大きかったです。そこから、次にリリースした“Secret Love”や“キミとボクの歌”では、ノスタルジックな雰囲気のJ-POPに戻りつつ、今回の7連続配信シングルでは、また“GAL-TRAP”の時のように自分の中で新しいことをどんどんやっています。今は方向性をはっきりと決めず、いろんなことにチャレンジしたくて。

──なぜ意識的にさまざまな音楽性にチャレンジしようとしているのですか？

好きな音楽や「やってみたい」と思った音楽性が、必ずしもシンガーとしての自分に合っているわけではないじゃないですか。

──そうですね。

例えば最近のプライベートでは、私がもともと好きだったロック熱が再燃していて、90年代のオアシス（Oasis）のアルバムなどをアナログ盤で聴いています。新しいアーティストだと今はルーカス・グラハム（Lukas Graham）がすごく好きです。でも、私が彼らのスタイルを真似ても、合わないと思うんです。ラップも好きなんですけど、韻を上手に踏みながら歌っている自分の姿は浮かばない。でもそこで「これはできない」って、限界を決めたくなくて。

だから、ポジティブに今までの「安斉かれんらしさ」みたいなものをいい意味で取っ払って、やりたいと思ったことや、私の個性を考えたうえでスタッフさんから提案してもらったことを、自己表現できるようにチャレンジしています。今回の7連続シングルで、もっともっと冒険できればいいなって。

──今回の7連続配信シングルリリースは、アートワークもミュージックビデオも、イラストと実写の安斉さんとの組み合わせで統一されています。そこに物語としてのコンセプトはあるのでしょうか。

いいえ。あえてコンセプトを言葉にするとしたら、「チャレンジ」や「冒険」ですね。そうやって私の歌の新しい引き出しが開くことを、私自身とても楽しんでいますし、同じように感じて楽しんでくれたら、嬉しいですね。

──ここまでの4曲で、特に新たな発見があった曲といえば？

ジャズテイストが入っている“夜は未完成”ですね。小学生の頃はお父さんの影響でローリング・ストーンズ（The Rolling Stones）やハノイ・ロックス（Hanoi Rocks）が好きで、彼らの曲はサックスが入っていることも多いじゃないですか。それがきっかけでサックスに興味を持って、ジャズも聴くようになりました。だからこのタイミングでトライすることができて感慨深かったですし、嬉しかったです。こういうスウィングしている曲は今まで歌ったことがなかったから不安もあったんですけど、やってみたら「このほうが歌いやすいかも」と思いました。ジャズは人間味のあるグルーヴが特徴だと思っていて。そこを意識したら、表現しやすくなりました。

──3作目の“現実カメラ”の作曲はチャーリーXCXが手掛けています。

これは新しいチャレンジというか、もうびっくりです。曲はチャーリーで、それをいろんなプロデューサーが仕上げてくれて。音数が多めでキラキラしていてすごくかわいい曲。そこに“現実カメラ”という私の頭の中にもともとあったワードがはまるんじゃないかと思って、歌詞をつけました。

──“現実カメラ”は、ディストピアとも取れる意味深な言葉だと思うのですが、それが「かわいい曲にはまる」とはどういうことですか？

確かにそういうニュアンスもなくはないんですけど、悲しい感情はあまりなくて。今は多くの人たちが、写真を撮って友達とシェアしたり、SNSにアップするときに加工するじゃないですか。それで、本当の自分を見失うというより、素の自分とのギャップを楽しんでるんじゃないかなって。それはそれでリアルだと思います。でも、対面で人と会うことがやっぱり一番リアルで特別なこと。

《“あなた”のシャッターだけ押していてよ》って歌詞があるんですけど、その「シャッター」は「瞳」にも置き換えられて、大切な人がほんとうの自分の姿をどう思っているのかが気になるっていう。そういうことをぜんぶひっくるめて、すごくかわいいなって。

──なるほど。歌詞は、どんなときに思いつくのですか？

前までは感じたことをすぐメモに書き留めて、歌詞を書くときに拾い集めてました。でも自分の身に起こったことだけだと限界があるんですよね（笑）。だから最近は映画からヒントを得たりしてます。何かの映画を直接的に参考にしているわけではないんですけどね。

──ご自身を主体にするのではなく、物語の登場人物という設定から世界観を広げていくようなイメージですか？

そうですね。でも、あまりに自分とかけ離れたことは書いてなくて、等身大でいることはどんな状況でも大切にしてます。私の場合は、そうでないと聴いてくれている人に響かないと思うから。だから、何年か前の歌詞を読み返すと恥ずかしくてしょうがないこともあるんですけど（笑）。まあ、それはそれでいいかなって。

──昔の曲が歌えない、といったことも生まれますよね？

そうなったら歌わなくていいんじゃないですか。今この瞬間、好きなものとか、やりたいことに素直だったらいいと思うんです。

──前回のインタビューでも、「大きな目標は持たないようにしています。好きなことを好きだって言える毎日が過ごせたらそれが一番」とおっしゃっていました。今も例えば「ポップスターになりたい」といった願望はありませんか？

今やりたいことをやらせてもらっていることが幸せ。それを続けていくためには結果が必要だという現実もあると思うけど、結局目の前のことに対して真剣に取り組むことが大切で。そうやっていれば成長できるだろうし、「好き」という感覚もアップデートされていくと思います。

──7連続配信シングルの残りの3曲も楽しみです。

また違った私の一面を見せられると思うので、楽しみにしていてください。

──ライブの予定はないのですか？

2019年にデビューしてから、まだ有観客でライブらしいライブやツアーをやったことがないんです。だから未知の世界ではあるんですけど、私の曲を聴いてくれてる方々の熱を直接感じられることは、すごく特別なことなんじゃないかと思っています。コロナ禍も続いていて、この先どうなるかわからないですが、みなさんの前に立ちたい気持ちはあるので、そのときはよろしくお願いします。

━━前回のインタビューから約２年を経て、仕事とバンドの関わり方の変化を、今この新型コロナウイルス下の状況も含めて聞かせてもらえますか。 石井優樹（Dr. 以下、石井）　これは人それぞれ違うと思うんですけど、自分の場合、２年経って会社でも責任や立ち位置の変化はあります。でも、コロナウイルス対策で在宅ワークなので、バンドに関しては忙しいけど、少しこの状況はむしろやりやすいっていうのが正直なところです。個人的には、仕事をしているからこそバンドができていると思っているので、そこの考え方自体は変わっていないです。 上田真平（Ba. 以下、上田）　単純に家にいる時間が増えたので、制作や楽器を触る時間が増えました。ちょうど制作とコロナによる自粛のタイミングが重なって、家で宅録して曲を作るっていう時間が増えたのが結果的に良かったです。仕事とバンドの両立に関しては僕も石井ちゃんと一緒で、そんなに価値観が変わったってことはないですかね。 ━━山口さんはいかがでしたか？ 山口風花（Vo.&Syn. 以下、山口）　私は在宅ワークがほとんどないので自分自身の生活という意味ではそんなに変化はないんです。でも、アルバムの曲を作る上ではリモートがやりやすかったです。BUGSさんと曲調のミーティングをするのもリモートで音源をやり取りして、歌詞も伝えていって。 熊谷太起（Gt. 以下、熊谷）　僕も在宅ワークなので、作業する時間とか音楽を聴く時間がすごく増えました。僕はコロナになって逆に漠然と音楽だけでいけたら嬉しいなっていう感覚が芽生えたかもしれないです。 ━━このタイミングでアルバムを作ることになったのは偶然なんですね。 石井　そうですね。もともとオリンピック開催の前までにリリースしたいと思っていたんですけど、コロナのタイミングになってしまい、レコーディング自体も予定していた日から数回延期してるんです。それで、やっと人が集まれるみたいなムードになった時からレコーディングをやり始めたので、制作も遅れましたし、リリースタイミングも想定してたものより結構遅れました。 上田　補足すると、ポストプロダクションの時に音をどんどん足していく作業をしていました。要するに生で弾いてない音をどんどん足していったんですね。それって、もともと僕らの音源って、ライブで再現できる前提で制作していく感じがなんとなくあって。けど、今の状況の中でそういう意識が変わって、ライブで再現できる前提より、制作で面白い音源作ろうという意識にどんどんなっていきました。以前はパーカッションの音を入れたりしなかったんですけど、そういう工夫を意欲的にやったりして。そういう意味では音に対するスタンスが少し変わったのかなと思いました。 ━━なるほど。現状が反映されていると。ところでGroup２の主催イベント＜的＞は他で見られないような組み合わせで回を重ねています。それはGroup2だからできるという意識はありますか？ 上田　結構、それは意識してますね。 石井　バンド自体、オルタナティブというかジャンルレスだというのは全員が共通意識として持っているので、一緒にやるアクトも意識していろんな畑から呼んでますね。そこにハマれるGroup２を見せたいという面も。 ━━オファーの基準ってあるんですか？g 石井　基準なんておこがましいんですけど（笑）、リスナーとして普段聴いてて、めちゃくちゃかっこいい！　となったらどこでも行くみたいなところはあるかも。 上田　会ったことないのにいきなりオファーもしたり。 山口　その時に好きで、ジャンル的にも雑多かつ自分たちが好きな音楽っていうのがまず根底にあって。その中にラッパーを1人ぐらい入れた方がいいとか、バランスをその後に考えています。その後に予算ですかね（笑）。 ━━最も挑戦的だったオファーは誰でしたか。 上田　バンド初期が尖っていたなと思うんですけど、エレファントノイズカシマシ(現ELEPH/ANT)とか。ノイズバンドを僕らみたいないわゆるインディ／オルタナバンドの中に混ぜるっていうのは結構面白いなっていう自覚があってやってましたね。 石井　さとうもかちゃんみたいなシンガーソングライターとか、今や有名人ですけど初期のVaVaくんみたいなラッパーとか。そういうのもありますね。あとはTsudoi Studioさんとかも面白かったですね。 ━━自分のお気に入りのプレイリストの中では存在するかもしれないけど、現実のライブでは見られないような人たちが一緒に出演しているという。 石井　確かに出演しているアーティストをみるとプレイリストっぽいですよね。 熊谷　僕らの場合、平日は働いているので誘いにくいのか、そんなにイベントに呼ばれないのもあると思います。 石井　今、それ言うか迷った（笑）。 ━━（笑）。でも、逆にGroup２がオーガナイズすることで、早い時期に知ることができたアーティストもいるんです。例えばmaco maretsとか。 石井　このあいだリリースされた『Waterslide Ⅲ』はとても良かったですね。

━━色々出会いをもたらしているなと。 石井　そういえば、２回目の＜的＞のときに、真ちゃん（上田）が長谷川白紙を呼びたいって言っていて。その時、全然誰も知らなかったんですけど。 上田　いや、でもMaltine（Records）から『アイフォーン・シックス・プラス』出した直後かな…。 石井　今考えると、長谷川白紙に声かければ良かった。 ━━また呼べるかもしれないじゃないですか。 石井　目標が決まったかも。「長谷川白紙を呼ぶ」。 一同　ははは！

━━肝心のアルバムについて伺いたいと思います。個人的な印象としては「チルでメロウ」とかシティポップのカウンターですらないというか。 石井　それ見出しにしていただけると（笑）。 ━━シティポップとは違う世界線で鳴ってるようで、でも気持ちの中には同時代性もあるようで、余計にザワザワしました。何か大本のビジョンはあったんですか？ 上田　大本のビジョンは、えーと……基本的には…ないですね。 ━━できた曲の傾向はあるのでは？ 上田　後付けすると必然的に自分たちのテンションだったり、ある一貫したムードを生んでいったのかなという感じはあります。そのムードっていうのが、やっぱりオリンピックが結構、影響していると思います。 ━━オリンピックが開催されることへのネガティブな感情ですか？ 上田　個人的にはネガティブでしたね。オリンピックだけじゃないですけど、この社会のムードが明らかによくない方向に向いている実感はあって。そういうことをなんとなく感じていた時に、最初にできた曲が“Wonder”と“Internet”の２曲だったんですけど、メッセージ性が結構強かったんですよ（笑）。これまでの歌詞の内容って自意識だったり、自分の感情が生み出したシュールな世界みたいなものだったというのが、“Wonder”と“Internet”については完全に社会についてのテーマになっていました。意識的なのか無意識なのかわからなかったんですけど、そういった曲が生まれて、社会とか世界についての歌詞を書くようにシフトして、アルバムの世界観が構想されて行ったっていう感じだと思います。 ━━今回は上田さんが歌詞にしたいことがあったんですか？ 上田　歌詞は基本、山口が担当しているんですけど、最初に“Wonder”を作曲したのは熊谷なんです。熊谷からこの曲のモチーフを映画『フルメタル・ジャケット』にしたいという話があって。 ━━イメージとしてはどんな？ 熊谷　映画『フルメタル・ジャケット』のラストシーンが戦争の中、軍人たちが集まって歌いながら歩くんですけど、そういうカオスの中にポップみたいな、というイメージを山口に伝えました。戦争映画から着想を得たっていうのを伝えて、書いたらああなったという（笑）。 上田　奇しくもアルバムの方向性がそうやって決まっていきましたね。裏話ですけど、なんで”Internet”ていう曲名になったかというと、ジ・インターネット（The Internet）ってアメリカのバンドっぽかったから最初そういう風に言ってて。 一同　ははは！ 上田　なんですけど（笑）、“Internet”って曲名になって、テーマもインターネットでいこうと思って、インターネットに対するエッジの効いた皮肉が歌詞として出来上がってきました。そういう皮肉と戦争っていうテーマがまさに社会についての歌になったんですよ。 ━━これまでにないぐらいズバリ、SNSうんざりっていう歌詞ですね。 山口　あ、よかったです。嬉しい（笑）。

━━“めまい”は曲調が新しく感じて。何か影響はありましたか？ 上田　でも、割と最近の何系っていうんだろう……。イエロー・デイズ（Yellow Days）といったインディR&Bっていわれている人たちのことを真似ようとしたっていうイメージはがあったんですけど。コード感とかもちょっとブラジル音楽っぽいものを意識したりとか。それを最終的にサイケに落とし込んだというイメージですかね。 ━━“めまい”はリリックもグッときました。退屈するほど人間って色々考えるし、そこにドラッギーな匂いもあって。〈肺に咲くロータスブロッサム〉というフレーズとか。 上田　それは、ボリス・ヴィアン（Boris Vian）の『うたかたの日々』が元ネタですね。この曲は割と他の曲に躁的なエネルギーがあるのに対して、もっと日常とかダラダラとした感じをアルバムの途中に入れてみようっていう意識が少しあって、歌詞もそういう世界観にしました。

━━その“めまい”から音像がシャキッとする“Easy feat. BUGS”への跳躍も効いてますね。BUGSさんとはどういう経緯で？ 石井　前回、maco maretsとコラボしてすごく面白くていい曲ができたので、そういうコラボをまたやりたいっていうのはメンバー内でありました。結構、誰とやるかの議論は難航したんですよ。色々調べて聴いて、あまり怖い肉体的なラッパーは違うのかなっていう中で、色気があって男らしいーー僕的には（山口）風花の女性らしい部分を出してくれるんじゃないかなと思って、BUGSさんを提案しました。最終的には風花が決めたよね。 ━━山口さんのイメージとしては交互にラップすることでどういう効果が出ればと？ 山口　今回BUGSさんを選んだ理由を音的な意味でいうと、前回、maco maretsさんとコラボしてるんですけど、maco maretsさんはメロウな感じでゆったり聴けるんです。その中にもうちょっと力強くて、いい意味で落ち着いていないラッパーの人とコラボしたいなっていうのがあって。私もラップする時の声的な意味で、テンションというのは結構気にするところではあるんです。そのテンションをレコーディングでBUGSさんに合わせようと気に留めていた部分はありました。そういう意味ではうまいこと絡み合えたのかなと思っています。 石井　僕が歌詞を７割ぐらい書いて風花に渡して、BUGSさんとどう構成していくかを話しました。歌詞の内容的には、この混沌とした社会があるけれども、「まぁやるしかないよな」みたいなテンションなんですけど、その内容にちゃんと風花が応えてくれて、タイトルの“Easy”という意味も読みとってくれた感じですね。

━━今回、山口さんのトーキング的なボーカルも歌メロもどちらも明快になりましたね。 熊谷　今回、歌はエンジニアに入ってくれた向（啓介）さんがディレクションしてくれて、より際立たせてくれました。 石井　歌詞に線を引いて、どこで切るかとかすごく細かいところまで。それで音にマッチングしました。 ━━どういうアーティストを担当している方なんですか？ 熊谷　向さんは君島大空くんとか、showmoreだったりのR&B系とか。maco maretsの新譜も担当されていますね。 ━━“新しい夢”は酩酊しきれない、Group２の素面な部分が出ているのでは？ 上田　ああ、確かに。 ━━それはバンドの個性なのかなと思いました。 上田　個人的にはもっと酩酊したらよかったと思ってます（笑）。リファレンスとしてはMild High ClubとかMac DeMarcoとか、よれよれなテープで聴いているような音をイメージしていたんですけど、なんでこうなったんだろう（笑）。 石井　確かになってないね。 ━━酩酊しきれないものがリリックの中に含まれているからかもしれないですね。 山口　リリック的な意味では最後ぐらい綺麗ごとを言っとおこうという意思はありますよ（笑）。 石井　ちなみにどういう綺麗ごと？ 山口　なんだろう…わたし的にはラブソングなんですけど。まず「ラブ」がもう綺麗じゃない？ 石井　確かに（笑）。 上田　歌詞のテーマや世界観は僕が伝えたんですけど、その時に言ったのが、ディストピア的なものと……。 山口　サイバーパンク的。 上田　SFにおけるダークな感じ。だけどちょっとこう、ほの明るいようなものっていうイメージがありました。あと、『ブレードランナー』とか、そういうイメージを歌詞として作ってって伝えて、アンドロイドと人間の愛がテーマみたいになりました。 山口　そういうようなMVがあって、それを見つつ自分の中で話を膨らませていきました。アンドロイドの気持ちを書いている意識はあります（笑）。たぶん、もう人間はいないんですけどっていうイメージですね。でも最終的にはそれに気付いて終わる感じがいいかなと思って。 ━━今年は例年と同じ活動は難しいとは思いますが、アルバム・リリース後、バンドはどこに向かおうと思っていますか？ 石井　以前より、作品を作ることに重きが置かれている感じがして。僕らはもともとみんな社会人でライブをたくさんやるバンドじゃなかったので、作品をちゃんと作って世に出して。最終的に＜フジロック＞に出たいです。 ━━配信ライブという手段もあると思いますが。 上田　個人的には配信ライブって、あまりしっくりきていないんです。ライブである必要があるのかという疑問があって。生であるかどうかっていうのは結局わからないじゃないですか？　なので、制作やスタジオワークをどんどんやっていきたいなっていう感じです。 ━━ところでリモートでの作業になりがちな今、磨きたいスキルとかありますか？ 熊谷　石井ちゃん、料理めっちゃしてる。 石井　納豆を食べれるようになったんですよ。今まで絶対無理だったのに。 一同　（笑）。 石井　こういう世の中になって色々変わって。 山口　その筆頭が納豆だったの？（笑） ━━免疫強化とか？ 石井　それもあるのかもしれない。 熊谷　僕もサプリ飲むようになりました（笑）。 ━━自然な欲求としてサバイブするぞと？ 石井　や、もう価値観が変わってるので、バンドのやり方もめちゃめちゃ変わるかもしれないし。逆に今、Group２が「がんばろうぜ」みたいな感じになれたらいいかもしれない。 ━━確かに今の状況で弱るアーティストはあまり信じられないです（笑）。ただ、その筆頭が納豆とサプリなのかというと……。 石井　ごめん、納得いかないよね、納豆じゃ。 上田　無理でしょ。

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━━安斉さんのことを調べると、小学生の頃にThe Rolling Stones（以下、ストーンズ）のライブを観たことがきっかけでサックスに憧れを抱き、中学に入ってから吹奏楽部に入ってサックスを始めたというエピソードがよく出てきますが、当時の音楽遍歴について詳しく教えていただけますか？ 幼い頃から音楽は好きでしたけど、当初は積極的に聴いていたというより、私はすごくお父さんっ子だったので、「父が好き」という感覚のほうが強かったように思います。そんななか、自然と耳に入ってきた音楽にロックが多かったんです。サックスを始めたいと思ったストーンズもそうですし、あとはハノイ・ロックス（Hanoi Rocks）もよく聴いていました。しばらくしてアンディ・マッコイ（Andy McCoy　※ハノイ・ロックスのギタリスト）がやっているグリース・ヘルメット（Grease Helmet）のアルバム『Grease Helmet』を自分で買いに行くくらい、ロックを好きになりましたね。 ━━学校にもそういったロックンロールを共有できる友達はいましたか？ いなかったです（泣） ━━子供の頃、共通の趣味について話せる仲間がいないことは寂しくなかったですか？ そういう曲を校内で流したくて仕方なかったので放送委員になって、昼休みにかけまくって満足していました。THE HIGH-LOWSの“なまけ大臣”とか。音はすごくカッコいいのに、歌詞がおもしろいところが好きで。《漫画を読みたい　ビールを飲みたい》、《果報寝て待つ大統領》、《ゴロ　ゴロ　ゴロ》とか、そんな歌詞の曲をあえて学校で流して楽しむみたいな（笑）。 ━━強いですね（笑）。サックスを始めたルーツはストーンズということですが、彼らのサックスと言えばボビー・キーズ（Bobby Keys）。ロックンロール／R&Bのサックス奏者ですから、一般的な吹奏楽部で学ぶこととはまた異なります。 ストーンズのサックスと吹奏楽で主に演奏していたクラシックのサックスは、ぜんぜん違いますよね。でも、当時は何がロックンロールで何がジャズで何がクラシックか、そういうジャンルの線引きや奏法の違いなんてよくわかっていないので、とにかくサックスかドラムをやりたいって希望を出しました。エレクトーンを習っていたこともあって、「指が動くならサックスがいいんじゃない？」って勧められたんです。そこからはみんなで演奏するクラシックにもどんどんハマっていきました。 ━━部活動での思い出について聞かせてもらえますか？ 私がいた吹奏楽部は、50人くらの編成で演奏会を開いたり、コンクールに出場したりしていたんですけど、その中から選抜されたメンバーだけで少人数のアンサンブルコンテストに出たことです。私のほかにそのパートを吹く人がいないから絶対にミスできないんですけど、そういうスリルも好きでした。 ━━緊張感を楽しめるタイプなんですね。 緊張しても隠せる程度というか。こうしてインタビューを受けて自分のことを話すときがいちばん緊張するかも（笑）。ただ、ミュージックステーションに出たときは自分でもびっくりするくらい、想像以上に緊張しました。理由はわからないんですが、やっぱり「テレビの生放送」っていう初めての環境だったからかな？

━━歌を歌うようになったきっかけは何だったんですか？ とにかく興味が湧いたら何でもすぐにやってみたい性格なんです。お囃子とかもやってましたし。 ━━また当初のロックドラムへの憧れとは全く違う方向に。 お囃子、おもしろいですよ。楽譜が「どん　どん」みたいに平仮名とか片仮名で、すごく感覚的。楽器が大好きなんですよ。歌も「声も音だから楽器だろっ」と思って始めました。 ━━今はどんな音楽に興味がありますか？ 特定のジャンルを掘り下げるというよりは、シチュエーションによって選ぶ音楽も違ってきます。散歩しながらイヤホンで音楽を聴くときはメロディの雰囲気やグルーヴ感が好きなもの、お風呂で歌うときは歌詞に没入できるもの、みたいな。ここまで話したロックだけではなくて、海外のポップス、ヒップホップやR&Bも聴きます。自分で歌うようになって、こうして曲もリリースさせてもらえるようになってからは、あらためて日本の音楽にも注目するようになりました。 ━━安斉さんは、渋谷の「RELECT by RUNWAY CHANNEL Lab.」のスタッフだった頃から、そのファッション性も注目されてきましたが、ファッションとの向き合い方についてはどうですか？ ファッションも音楽と同じで、街に出たときも、ネットを見ているときも、「いいな」と思ったものがあったらすぐに採り入れちゃうんです。メイクも大好きで、小学生や中学生の頃から、当時流行っていたギャル雑誌を見て、つけまつ毛を買いに行ったり、カラコンがうまくつけられなくて1時間くらい頑張ったりしていました。すごく直感的にいろいろと手を出しちゃうので、家には服やメイク道具がたくさんあるんですけど、合うもの同士は少ないんですよ（笑） ━━アイテム数を活かせないんですね（笑）。今回のシングル“GAL-TRAP”の「GAL」は、文字通り、ギャル雑誌を読んでいたというご自身含め、「ギャル」と呼ばれる女性のことですか？ 正直に言うと、私自身は「ギャルになりたい」と思ったことはないです。どういう人のことを「ギャル」と呼ぶのか、なんとなくはわかりますし、そういうファッションも好きですけど線引きは難しいじゃないですか。例えば黒髪だったら「ギャル」じゃないってわけでもないですし。 ━━ギャルと呼ばれることに不快感はありますか？ それはないです。ぜんぜん嫌じゃないです。 ━━「ギャル」という言葉は、印象操作的に作られた常識と照らし合わされるなど、良い使い方をされないこともあります。 でも、それって見方を変えれば、自分の好きな物事に素直であるということでもあると思うんです。ようするにギャルって「マインド」。だからここでは、周囲を気にせず個性を大切にすることの象徴というか。そうなると世代的なカルチャーの話ではなくなるので、答えとしてはすごく曖昧かもしれないですけど。 ━━そこは歌詞の冒頭で、《ねえ。曖昧なのが、世界のカタチなんだよね？》と綴られていることにも繋がりますよね？ はい。あらゆることが曖昧だと思います。 ━━先が見えなくても夢を馬鹿にされても《掴み取るまでは戦い続けよう》と歌われている、7月にリリースしたシングル“僕らは強くなれる。”は、おっしゃったような「マインド」とはリンクしてきますが、かなり聴き手を鼓舞する力のある曲なので、今回の《曖昧》とはある意味相反します。また、《全部ヤメにして願う「夢見ないコト」だけ》など、絶望とも受け取れるフレーズも出てきます。 これまでの曲ははっきりしたメッセージ多かったように思います。それは、10代の頃に書いた歌詞が多かったから。私はその時点での等身大の自分を言葉や音にしたいんです。過去を美化したり、今より背伸びしたりしたくないと思っていることが、変化に表れているんだと思います。 ━━それはどんな変化ですか？ もう子供と言われる年齢じゃないし、じゃあ大人なのかとなると、その中間にいるような感覚。きっとそれって、今の21歳という年齢特有のことではなく、これからも抱き続ける曖昧さだと思うんです。 ━━そんな状況を悲観しているわけではなないですよね？ 結論をはっきりさせて圧倒的に共感されたいとは思わないし、そもそも割り切れる感情って少ないじゃないですか。正解なんてそうそうないし、そこに答えを導き出そうとすることもどうなんだろうって思うんです。世界を見て感じることも、私が好きな物事もうまく言葉にできない。その曖昧さをどちからと言えば楽しんでいます。だから、部屋に帰ってなんとなくこの曲を聴いた人が「それな～」くらいに思ってくれたら、私としては十分です。 ━━私はそんな姿勢が感じられるからこそ、圧倒的に共感してしまいました（笑） ありがとうございます（笑） ━━その鍵は、想像力を掻き立てる美しい言葉だと思うんです。私は 《ブリーチしたみたいな街》というフレーズがすごく好きなんですけど、解釈に幅があって印象に残るので、結果的に聴いた人それぞれのシチュエーションに当てはまるんじゃないかと。言葉をチョイスするにあたってのリファレンスはありますか？ 本も読みますけど、影響を受けたと言えるほど活字に強いわけではないですし、強いて言うなら映画かもしれません。

━━もしかしたら映画かな？と思っていました。人の存在そのものや本性に迫るような、例えば、『蛇にピアス」とか。エンディングのスクランブル交差点のシーン、この曲でもばっちりな気がしました。 『蛇にピアス」は大好きで何回も繰り返し観ました。だから、直接的にイメージしたわけではないですが、そう言っていただけるのはすごく嬉しいです。国内の映画だとほかには『ヘルタースケルター』や『チワワちゃん』、『渇き』が好きですね。重い何かが心に残るような作品が好きなのかもしれません。でも、『ボヘミアン・ラプソディー』で思いっきり感動してクイーン（Queen）ばかり聴いてる自分もいますし、やっぱりいろいろ好きですね。 ━━ミュージックビデオも、今こうして話を聞いたうえで、人間の“存在”に迫った世界観を表現しているように思うのですが、いかがですか？ そうですね、昼間は仕事モード（大人）の私が、家に帰ると大きなクマちゃんに守られている（子供）。そこに「達観していくんじゃねえぞ」って、ちょっと私自身を俯瞰している目線も入ってきてのラストに向かう、すごくおもしろい内容だと思うので、ぜひ最後まで観ていただきたいです。

━━サウンド面については、どんなイメージで作っていったのでしょうか。今までの90年代や00年代のJ-POPを思わせるなかでもロック調が軸にあったスタイルから、モダンなポップスやR&B、曲のタイトルにもあるヒップホップ/トラップなどにアプローチしたテイストになっています。 これまでリリースしてきたような、どこかノスタルジックなＪ-ＰＯＰも大好きなんですけど、これまで話したようにいろんなジャンルの音楽が好きなので、その部分を表現していくスタートになる曲を作りたかったんです。とは言え、最初からイメージができていたわけではなく、まったく白紙の状態でスタジオに入って、プロデューサーさん達と話し合って、私が歌って、ということを繰り返してできました。まさに、セッション！な感じで、楽しかったですね。 ━━スタジオで話しあったことのなかでも重要なポイントを挙げるとすれば、何ですか？ まず音を詰め込みすぎてガチャガチャした曲にしないこと。ゆったりしたグルーヴとメロディの立った曲にしたことですね。あとは、曖昧さの話になるんですけど、言葉では表現しきれない感情を、音やメロディにしたくて。細かいところだと、リップロールやなんとなく口ずさんでいるようなコーラス、自分を落ち着かせるために爪を触っている音などを、感覚的に入れていきました。 ━━そんな曖昧な世界を生きる今の安斉さんの夢は何ですか？ 夢……大きな目標は持たないようにしてます。　好きなことを好きだってはっきり言える毎日を過ごせたら、それが一番だと思います。 ━━主演されたドラマ『M 愛すべき人がいて』もそうですが、安斉さんが所属されている〈エイベックス〉は、ポップスターを目指すアーティストの登竜門というイメージもあります。そういった意味合いでの目標となると、どうですか？ シンガーとしてフロントに立たせてもらっていることで、一人で歌うこともあるし、バンドの方々と一緒にやらせてもらえることもあるし、”僕らは強くなれる。”のように、吹奏楽部のみなさんの中に入って踊ったりサックスを吹かせてもらったりしたこともそうですし、いろんなことをやらせてもらっていることが、すごく幸せなんです。だから、そんな状況に感謝しながら、これからもいろんなスタイルの音楽に挑戦していきたいです。

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まずは音楽シーンにおけるデザインに注目してみたい。岩屋にとって、音楽の仕事は特別なものだという。 「中高生のころから音楽が生活の中心にあって、漠然とそれに関わる仕事がしたいと思っていました。デザインに興味を持ったきっかけも信藤三雄やデザイナーズ・リパブリック、ピーター・サヴィルなど、音楽と密接なデザイナーへの憧れが強かったので、音楽ありきでこの仕事についたと思っています。」 ネットレーベル、Maltine Recordsが2010年にリリースした『MP3 killed the CD star?』は、音源のダウンロードコードと空のCD-Rが付属するという、ネットレーベルにとってのCDのあり方を問いかけた一枚だ。刺激的なアルバムタイトルを、遊び心あるタイポグラフィで表現した。

「イラストレーターや写真家の作品を中心に据えてデザインする際は、作品をどう盛り付けるかに徹します。細かくディレクションすると発想に制限がかかってしまうような気がして、基本的にはイメージの大枠だけを伝えてお任せしていますね。僕は上がってきたものを最良の形でしっかりデザインに落とし込む役割です。」 「聖闘士星矢のクロスのおもちゃで遊んでいた記憶がギミックの元ネタ」と語るのは、でんぱ組.incの『サクラあっぱれーしょん』（2014）のメンバー盤ジャケット。ケースを開け、グラフィックが印刷された透明フィルムを外すとメンバーの写真だけが見える仕掛けだ。 メンバーにカオスなグラフィックを纏わせる大胆なデザインは、アイドルのセオリーを覆していくでんぱ組.incの姿勢ともマッチしている。

最後はサンプリングしたようなビジュアルが印象的な、あっこゴリラ『TOKYO BANANA 2018』の配信ジャケット。 「自主制作盤の『TOKYO BANANA』をセルフオマージュした楽曲ということもあって、元ジャケットの素材を使ってリファインしたいと本人から提案されました。元がガーリーなコラージュだったので、それを僕なりにやり直したら……というのがデザインの大枠です。自分にはない行動力やまわりを惹きつける熱量が、彼女の最大の魅力だと思います。」

リスナーとしても、上で取り上げたような若手アーティストのシーンには普段から注目しているという。 「何か新しい音楽が生まれる瞬間に立ち会いたい。今後シーンを騒がせるようなアーティストをいち早く発見したいという単純なファン心理からです。野球ファンが高校野球をチェックするような感覚かもしれないですね。」

もちろん、GraphersRockのデザインは音楽だけにとどまらない。続けてファッションやアートへの広がりについてもその一部を取り上げたい。 近年、特に注目されたのはPUMAとのコラボレーションだろう。2016年の第一弾では、PUMAの90年代を象徴するランニングシューズ「DISC BLAZE」と「R698」をベースに、グラフィックとの融合を試みた。細かいマーキングでガジェット感が強調された外見と、インナーに敷かれた賑やかなグラフィックのギャップが楽しい。

「商品開発の話をいただいてからドイツ本社の承認が下りるまで1年ほどの期間があり、その間、自分でもマニアの視点に立ってみようと実際に買い漁ってWebで最新情報を追い、スニーカーカルチャーに没頭しました。スニーカーが他のアパレルと決定的に違う部分は“自立”している点だと思っていて、そこが観賞性やコレクト性を高めていると考えています。そのため、身につけていなくても彫刻的、フィギュア的にイケているかという部分を強く意識しました。」

さらには、クライアントワーク以外の作品制作にも取り組んでいる。 2017年には赤坂のWIRED Lab.で個展「GROUP SHOT」を開催した。会場に置かれていたのは、シリアルやジャンクフードの空き箱、日用品のパッケージに植えられた植物たち。人工的な照明のなか、量産品と生ける草花が視覚的に心地よいリズムで配置され、それらの写真とともに展示された。

「一時期、狂ったように事務所内で植物を育てていたんです。その記録写真を撮り始めた際に、事務所に転がっているおもちゃやパッケージと一緒に並べてみると、なんとも言えない雰囲気が浮き上がり、この作品を作るきっかけとなりました。」

作品に使われた各国のスーパーやドラッグストアに並んでいるようなパッケージは、自身がデザインの参考資料として日々収集しているものだ。「普通はゴミとして捨てられてしまうパッケージでも、集まることによって何かしらの体系が見えてきたり、意図して作られたものではない価値が生み出されていくことが非常に楽しい」という。 GraphersRockのクリエイティブは、既存の文脈を揺さぶり、ときに異質ともとれる力強いビジュアルを提案する。しかし、その異質さは見る人やファンに背を向けてしまうようなものではない。それはカルチャーを愛し、日々あらゆるデザインに興味を向け、それらがもたらす価値を真摯に考えながら取り組んでいるためだろう。 その姿勢は、次なるフィールドとしてハーレーダビッドソンとのコラボレーションにつながっていく。

ハーレーダビッドソンとGraphersRockのコラボモデルは、2019年のプロジェクト、〈SEEK for FREEDOM〉で制作されたアイアン1200に遡る。昨年は「テクノロジー＆ワイルディ」をテーマに、カスタム可能なあらゆるパーツにペイントを施した1台限りのコンセプトモデルを完成させた。

このプロジェクトが目指したのは、ただアートピースを作り上げることではなく、ハーレーが持つ歴史と新たなシーンとの接続だ。 映画「イージーライダー」に代表されるような1960年代アメリカの自由を求める気風、1970年代のカスタム文化を色濃く受け継ぐアイアン1200を、GraphersRockのグラフィックが彩る。さらにお披露目では、tofubeatsや長谷川白紙をゲストに招いたエキシビジョンイベントを開催し、クラブミュージックや現代の若い感性とのリンクを印象づけた。 そして両者のコラボレーションは、2020年〈RE_SEEK for FREEDOM〉として再始動。冒頭でも触れた完全限定生産モデル〈STREET ROD® “FREEDOM” EDITION design by GraphersRock〉へと展開された。ハーレーの車種の中でも、スポーティで機動性に優れたストリートロッド。ブラックを基調としたダークカスタムの車体に、GraphersRockデザインのフュエルタンクが鮮やかに浮かび上がり、視線を引きつける。 岩屋によると、パワーの可視化に焦点を当てたテーマ「テクノロジー＆ワイルディ」は踏襲しつつ、昨年のヒョウ柄に対して、人体の毛細血管をモチーフに選んだという。 デザインの意図や制作背景については〈RE_SEEK for FREEDOM〉特設サイトのインタビューでより詳しく語られている。ぜひそちらもお目通しいただきたい。

平面のグラフィックを越えて、ファッションからバイクまで――次々に新たなフィールドへと活動を広げるGraphersRock。未知の分野へ挑戦するとき、どのようなことを大事にしているのだろうか。 「なぜ、挑戦したことのない分野のクライアントがオファーをしてくれたのか、その意味と意図を考えます。そして徹底的なリサーチと対象を愛すること。また矛盾するようですが、リサーチし過ぎないこと。知りすぎると発想の伸びしろが薄くなると感じています。」 最後に改めて、〈RE_SEEK for FREEDOM〉特設サイトではGraphersRockがデザインした〈STREET ROD® “FREEDOM” EDITION design by GraphersRock〉の詳細なルックが見られるほか、実物を注文することも可能だ。販売期間は5月19日（火）まで。歴史に残る一台を、その目に焼き付けてほしい。

Tomggg 1988年、千葉県生まれ。国立音楽大学 大学院 修士課程 作曲専攻修了。 劇的な展開・キラキラした音を駆使し、ものすごく楽しくなる楽曲を得意としています。 自身のsoundcloudや、Maltine Records等のネットレーベルにて楽曲を発表を続け、2015年3月には CD /配信で”Butter Sugar Cream”をリリース 。2016年5月には CD /配信で”Art Nature” をリリース。2020年1月には4年ぶりの配信EP “Unbalance”をリリース。国外勢とのコラボレーションや、シンガーのプロデュース、広告関係、TV番組の楽曲制作、オーディオビジュアルイベントへの出演などジャンルや国を飛び越えた広がりを見せています。

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Looking Back 2019

Gotch ／ Kan Sano ／ uri gagarn ／ ovall ／ Nenashi ／ 角銅真実 ／ TENDRE ／ DYGL ／ THE NOVEMBERS ／ TOSHIKI HAYASHI（%C） ／ chelmico ／ TENDOUJI ／ Pistachio Studio ／ Dos Monos ／ Luby Sparks ／ Kojoe ／ 堀込高樹（KIRINJI） ／ TAWINGS ／ Tomggg ／ Mom

「最初はボン・ジョヴィのようないわゆるヘアメタル、LAメタルをカッコイイ不良の音楽として聴いていたけど、もっと違う音楽があることを知るようになります。きっかけのひとつは、中1の時に、放送部だった友だちのお兄ちゃんが当時流行っていたメロディック・ハードコアを学校でかけたことですね。〈ファット・レック〉（サンフランシスコを拠点とするレーベル）とか〈エピタフ〉（LAを拠点とするレーベル）から出ているバンドの曲をかけたんです。そこから国内海外問わずいわゆるメロディック・ハードコアのシーンが好きになっていきました。90年代中盤は、Hi-STANDARDが人気になり始めた時代でしたし、僕は超メロコア世代。日本ではメロコアは蔑称として使われがちですけど、僕らの町、世代からしたらやっぱりすごく刺激的な音楽でした。たまに大阪に行って雑誌や店員さんの話を頼りにいろいろ買ったりする中学生でしたね。でも、生まれて初めて行ったライヴはなぜか大阪城ホールのKISSだった。なぜか友だちと『KISS観に行こうぜ』ってなって（笑）。それが中2のときですね」

「僕らの地元にはライヴ・ハウスがなかったから、楽器屋さんの上のスタジオにビールケースのステージを作ってアンプを持ち込んでライヴしていましたね。そこに集まってくる人たちも当時の自分にとっては強烈だった。メロコア好きの人もいれば、ハードコア・パンクの人たちもいるし、鋲ジャンの怖い先輩もいたり。めっちゃビビってましたよ。そういう場所に出入りするようになってしばらくして、高2ぐらいのころに知人を介して当時21、2歳ぐらいの地元の先輩たちと知り合う。その人らはNYハードコアのバンドを大阪でやっていて見た目もすごかった。和彫がブワァァァッて入っている体でFUBUみたいなでかい服を着ていたから迫力があって。みんな坊主でバンダナを巻いていたりしてて怖かったけど、高校生からしたらそういうのってカッコ良く見えたんですよ。同じTシャツを着るとか同系統の服装でポッセ感を出してたり。その流れでヒップホップの映画を観るようになったりしました。だから僕の場合は、家族、友人、仲間、コミュニティ、地元を大事にする、そういう価値観を、ハードコア・パンク／ヒップホップ経由で学びました」

「DIYにこだわりを持つ人、ヴィーガンの人、一口にパンクと言っても思想や価値観、趣味趣向は様々あるじゃないですか。中学生のころはハードコア・パンクはだいたい全部一緒に捉えていたけれど、高校生になってライヴに足を運んだり、先輩から教えてもらったりして世の中にはいろんな考え方の人がいるんだなって知りました。ハードコア・パンクで、そういう知見を広げたと思います」

「自分も三重の小さな町の人間だったから、NYとかLA以外のアメリカの地方都市の若い人たちがやることがなくてスケボーとかバンドを始めるのってすごく身近な感覚がしたんですよ。彼らを身近に感じられた。要は、演奏技術はあまりなくても、持て余した情熱や音楽への気持ちだけで始めてもいいんだなって思えたのはでかいですよね」

「圧倒的にピュアなハードコアのライヴを目の当たりにして、これ以上のものはいまの自分にできるとは思えないってぐらいの衝撃を受けてしまったんです。ちょうど、ローカルなハードコア・パンク・シーンの縦社会や村社会的なものに疲れている時期でもあったんですよね。先輩が揉めている相手からライヴを妨害されたり、街で絡まれたり、そういう争いとかしがらみがけっこうあって。当然NYのシーンにもしがらみとかもちろんあるんでしょうけど、彼らのライヴがあまりに衝撃的で僕と同じ地元で同世代のドラムとともにそこで1度燃え尽きてしまった。それで日本に帰ってきてから『僕らはもうバンド辞めます』ってなっちゃって。その後、二十歳ぐらいからの数年間、ハードコアのライヴには1回も行かず、あれだけのめり込んでいたはずなのに、CDもレコードも1枚も買わなくなるようになってしまった。それで享楽的な世界を求めてクラブに行き出すようになるわけです。それもまたベタですが」

「それまでバンド・カルチャーのなかにいたから、レゲエもヒップホップもテクノもハウスもまったく知らない状態だったけど、総合店のオールジャンルのCD担当で入社したから必然的にすべてのジャンルをある程度把握しなくちゃいけなくて必死で。ターンテーブルも持ってなかったんで慌てて買ってDJもそれをきっかけに始めたんです」

「当時はいまほどネット社会じゃなかったからフライヤー・カルチャーがしっかりあって、様々なジャンルの人がフライヤーをお店に毎日持ってきてくれるんですよ。そこで立ち話して仲良くなると、パーティに遊びに来てくださいよって気軽に誘われる。それで、レゲエでもヒップホップでもテクノでもブレイクコアでも誘われたパーティに片っ端から遊びに行っていたし、DJは誘われたら基本やりますってスタンスでいろんなところでやっていました。いろんなジャンルのパーティが混在していた時代でもありましたし、当時は難波ROCKETS（2016年2月閉店）、その横にはclub SAOMAI（2010年4月閉店）って箱、いまも心斎橋にあるSTOMPもすでにあって毎週イベントもたくさんあったから。音楽についての考え方も友人関係もそこで培った部分が大きいと思います」

「＜DUBSTEP RUDE＞は国内DJ／アーティストをゲストで呼ぶ一方、スクリームやベンガ、シャックルトンといった海外の気鋭のアーティストの大阪公演を受けたりしていたんです。そういった初期ダブステップのクリエイターがNOONでやっていたのはけっこうすごいことだったのかもと思います」

「僕の地元の仲間はイベントをきっかけにDJや制作を本格的に始めるんです。ダブステップの曲を作るだけじゃなくて、ダブステップのマシンライヴをしたりして。当時のロンドンでもダブステップのライヴ・パフォーマンスする人はあまりいなくて、海外の人からしてもその点は新鮮だったと思う。だけど、やっぱり悔しい思いもしましたね。＜DUBSTEP RUDE＞に出演するUKのダブステップのアーティストは、10インチのアセテート盤やダブ・プレートでしかDJしなかったんですよ。当時のロンドンでは誰でも手に入れられるヒット曲をかけるとブーイングされたらしくて、スクリームには『日本は、普通にヒット曲をかけて盛り上がるから良いよね』って言われたんですよ。それがちょっと悔しくて。でも、UKダブステップのダブ・プレートなんて僕らは手に入らないじゃないですか。それでMCをつけることにしたんです。僕はDEKISHIと組んで。それから、ダブステップだけではなく、グライムにも意識が行ったのはありますね」

「she luv itは、atmosphäre（2008年オープン）っていう心斎橋にあるバーに集まっていた人たちで始めたバンドですね。ヴォーカルはそのバーのオーナーのショウヘイくん。ショウヘイくんはテクノのパーティに行くと会うクラスト・パンクの人っていう印象は持っていたんですけど、そのバーに出入りするようになってさらに仲良くなって。で、そのバーでは東京のSEMINISHUKEIの人たちがDJしたり、ショウヘイくんは自分のイベントにSTRUGGLE FOR PRIDEやDREADEYEを呼んでいた。Atmosphäreがオープンする以前、僕がCISCOにいる時代に当時KING KONGで働いていたmichioshka（現・EBBTIDE RECORDS店主）に〈WDsounds〉のMercyくんを紹介されていたという経緯もあるんです。Mercyくんがやっていたハードコア・バンド、W.O.B（ラッパーのERAもメンバーだった。ERAはtofubeatsが2013年にデジタル・シングルとして発表した“夢の中まで”に客演参加、この曲はアルバム『lost decade』に収録される）はもちろん知っていたしCDも持っていたけど、そういう出会いがきっかけで東京のハードコア・パンクやその周りにあるカルチャーをバンッて一気に見せられて。まず感じたのは、『こんなに自由にやっていいんだ』ってことですね。個人的には、それでもう1度ハードコア・バンドをやってみようかなってなったんだと思いますね」

「ShigeruくんがKihira Naokiさんといっしょにやっていたパーティ＜Social Infection＞は僕がクラブ・ミュージックのイベントで初めて行ったものだったし、僕のなかでShigeruくんはテクノDJだったんですよ。テクノDJをやる前に、Beirut5（Ooshima Shigeruの結成した3人組のバンド）をやっていることも知らなかった。それがあるとき、僕がチェイン・オブ・ストレングスってハードコア・バンドのパーカーを着てCISCOで働いていたら、『ハードコア好きなん？』っていきなり話しかけられて（笑）。それがきっかけでちょくちょくクラブとかで会って話すようになってその後に仲良くなったっていう感じですね。だから23、4歳ぐらいからの付き合いですね。Shigeruくんは結成メンバーではなくて、のちに加入するんですけど、まさか一緒にバンドやるとは思ってなかったです」

「まず、僕ら東京以外に在住の人は毎月2回ぐらい、新しいアーティストの情報を持って東京に行ってプレゼンするんです。こんな若手がいますよと。そこで通ると、数ヶ月に1度、レーベルのA&R／ディレクター／マネージャーが集まるプレゼンテーションで紹介します。そこで興味があるスタッフが手を挙げて面談、上手くいけば契約。そこまで行ったら僕らの仕事は終わり。その先はノータッチで。だから、アーティストを紹介して第1歩目を作るところまでが仕事。そして、もちろん最も売れるジャンルはJポップですよね。でも僕はまったくJポップを聴いてこなかったから、若いトラックメイカーを見つけようと考えて、当時インターネットで話題になり始めていたtofuにmixiで『会いましょう！』って連絡するんです。でも最初は『嫌です！』って断られて（笑）。それでも諦めずに、たまたまいた共通の知人にtofuを説得してもらってなんとか会うことができた」

「当時、tofuは僕の家によく遊びに来ていたんですけど、『最近このバンド観たんだよね』ってCrossfaithのYouTubeを見せると、『ベースは俺の同級生ですよ！』って言ってきて（笑）。驚きましたね。で、すぐに連絡先を教えてもらって『メジャーに興味はありますか？』って単刀直入に訊いて、それからは他のスタッフに紹介して、いろんな話が進みました」

「僕は基本的に自分の知らないことを知っている人に興味を持つんです。自分よりも年上の先輩の音楽や考え方への興味は昔からありましたし、年齢を重ねて自分より若い人が出てくれば彼らの音楽や考え方も知りたい。それと、ハードコア・パンクにハマった10代のころからハードコアなものとナードなもの、その両極端なものが好きなんでしょうね。だから、tofuに関心を持ったんです。10代という若さでトラックをパソコン1台で作っているのがまずカッコ良く感じたし、ヒップホップもハウスもテクノもJポップも並列に聴く世代らしいセンスも刺激的だった。しかも、サンプリング・ソースとなる音楽をTSUTAYAで借りてきたり、ブックオフとかハードオフで買ったCDをサンプリングして作った曲をインターネットにアップしていた。2008年ぐらいはtofuを“ナードな過激派”だと思っていたんですよ。tofuが最初僕に会いたがらなかったのは、メジャーの音源を勝手にサンプリングして曲を作ってインターネットにアップしているのをメジャー・レコード会社の人間に咎められると思ったかららしいですしね。tofuが同世代とインターネット上で交流しているのも新鮮で、僕はtofuを介して若い世代のいろんなアーティストに会っていく。Maltine Recordsのtomadやimoutoid（imoutoidについてはimdkmが『ナタリー』で執筆した「18歳の若さでこの世を去った天才アーティスト、imoutoidが遺したもの」を参照）もtofuに教えてもらいましたね。いまではよくある話でしょうけど、tofuがそういう人たちと直接会ったことがなかったのがまた驚きだった。だって、会ったこともないのにめちゃめちゃマイメンみたいに熱く語っていたから（笑）」

「＜WIRE＞にはSUN STAGEという新人が出る枠があったんですけど、そこで、tofuに出演を促したんです。でも最初すごく嫌がりましたね。いまでもそうですけど、彼は人前に出るのがそこまで得意じゃないと思うんです。だけど、高校生のトラックメイカーで、しかも、純然たるテクノではなく、アイドル・ソングやJポップをサンプリングした、いわゆるナード系のカットアップハウスを作っているからこそ、tofuが＜WIRE08＞に出演する面白さがあると考えたんです。それでtofuを説得して、結果出ることになった。で、そのときに、横浜に住んでいたtomadに事前に連絡して会うんです。tomadとtofuの初対面ですね。で、もちろん僕もその場にいたんですけど、『うわ、なんだこの空気……この二人全然喋らない！』って感じでしたよ（笑）」

「10代から20代前半の若者の人生を2、3年いじる責任は重いですよ。だから僕は誰にでもメジャー・デビューをすすめることはしなかったんです。『契約できたとしても決して高くない月給制になるかも』とか『2年後に契約を更新できるかはわからない』って現実は伝える。『それでもやりたいですか？』と。レコード会社はちょっとでも売れそうならばもちろんやりたがるけど、契約が切れたあとに彼ら若いアーティストの生活の面倒を見るわけではない。人が作っている音楽、作品にあーだこーだ言った挙句、最後まで面倒は見ない業界の人のネガティヴな面も目の当たりにしていましたから。そういう現実を踏まえた上で、tofuとは、付き合いの途中からいっしょに本気でメジャー・デビューを目指そうって空気になっていたんですよね」

「『今後、トラックメイクだけでなく、作家的なこともできるように歌詞とか書いてみるのはどう？』とアドバイスしたことはあったかもしれません。tofuは元々、TEI TOWAさんのようなプロデューサー志向で、そのスタンスはいまも変わっていないと思うんです。また、中田ヤスタカさんや小西康陽さんにも影響を受けていた。それだったら、歌詞やメロディを書けた方が仕事の幅も広がるだろうと。僕がそういうアドバイスをしたのにはもうひとつ理由があって。当時、tofuのライヴを彼の地元の神戸の小さいライヴ・ハウスで観たんですけど、お客さんにバンドの転換だと思われて外に出られちゃっていたんです。それもあって歌詞を書いて歌ってみたり、ハードの機材でライヴしてみたら、とは伝えましたけど、ここまで歌詞を書いて歌うアーティストになるとは思っていなかったですね」

「僕は立場上、メジャーのレコード会社と若いアーティストの通訳的な役割も担っていたんです。だからたとえば、レコード会社の40、50代の人たちにYouTube、SoundCloud、Bandcamp、ニコニコ動画とかの説明をするわけです。こういうサーヴィスやメディアがいま若い子から人気を集めているんですよと。その上で、tofuをなんとかメジャー・デビューさせるために数年かけてプレゼンしたり、いろいろ動いた。けれども、いつも同じ理由で蹴られて。要は、『インターネットで無料で聴ける音楽をマネタイズする方法がわからない』ってことなんですよ。当時、ソニーはmora（ソニー・ミュージックエンターテイメントグループのレーベルゲートが運営する音楽配信サーヴィス）があってiTunes Storeを利用できなかったのも大きかった。2012年に解禁するんですけど、まあそういう時代ですね。それで僕は、自分を社員にしてA&Rかディレクターの立場に就かせてもらえないかと交渉した。そうすれば、tofuをデビューさせられると考えたんですけど、僕の契約上、それはできないと断られてしまって……。八方塞がりでしたね。tofuはその時のことをインタヴューでよく語っていますけど、そうしたメジャー・デビューにまつわるストレスで胃潰瘍になって大学を休んでいる間に『lost decade』を作るんです」

「tofubeatsのアルバムに自分は〈HIHATT〉のマネージャー兼ディレクターとしてクレジットされていますが、いまはtofuの制作にはほとんど口を出しませんし、僕は職人肌／プロデューサー気質のディレクターではないんですよ。その理由として、そうである必要がない。それは、tofubeatsが職人肌のプロデューサーだからです。彼の感性を信じていますから。僕は物事を整理する役回りとしてのディレクターなんです。それで僕は自分のことをマネージャーだと言うようにしています。ただそれだからと言って、いわゆる芸能界的なマネージャーのつもりもないんです。日本でマネージャーと言うと、どうしてもタレントやアーティストのお世話をする付き人的なマネージャーと捉える人が多いじゃないですか。もちろん自分も、tofuのストレスを減らすための、世間一般がイメージするようなマネージャー的な仕事もします。でも、やるべきことはそれだけじゃない。彼がやりたいと思う表現や音楽で作品を完成させるためのサポートをしたり、完成した作品をどう配置して、どう見せるかが重要な仕事なんです」

「tofuと出会ったころは彼も子供でしたけど、もう立派な大人ですからね。僕が25歳でtofuに会ったころから『僕が40歳になったら、してやれることはないかもしれない』って言っていたんですけど、最近また言っちゃったりして。『僕がやれることはそんなにないかもなあ』って。そうすると『そんなことないっすよ～！　精神的支柱ですから！』ってtofuは言うんですけど、『それって何もしてないっていうことだね！　フォローになってないよ！』って（笑）」

「例えば、Tohjiさんってラッパーがいるじゃないですか。僕は、彼はすごいと思うんです。もし自分が25歳だったら何か手伝いたいって言っているかもしれない。そうやってこの歳でも10代後半から20代前半の若い人の音楽やセンスをカッコイイと感じたり、また理解しようとすれば理解できることも多い。ただ今後まったく意味がわからんぞ、みたいなことが起きてくると思うんです。それでもやっぱり若い人が作った音楽は信じたいんですよ。だから、大人の存在が必要な場面もあるけれど、若い人は基本的に好きにやればいいと思うんです。ヘンに大人の力を借りなくていい。それは昔からずっと思っていますね。できる限り若い人たちは自分たちのやり方でやった方がいいと思うんですよ」

「DJ、というかレコードや音源収集は大好きな趣味みたいなものです。大阪にはいまも良いレコード屋さんがあるのも大きいですし、tofuのツアーで訪れる各地でも、できる限りレコード屋さんは行きますね。レコードでしか出てないダンス・ミュージックの新譜も買ったりしますし、たとえば60、70年代の音楽でレコードでしか出回っていない曲を聴きたいと思って中古のレコードを買う機会もあります。どの時代の音楽でも自分が聴いたことのない音楽はすべて新しい感覚で聴けると思いますし、若いアーティストのデモ音源を聴かせてもらうのも大好きです。歳を重ねて趣味趣向が変わるというのは当然あるとしても、『ロックはもう聴かない』とか『EDMは嫌い』とか言いたくないですね。できる限り音楽は肯定したいんですよ」