──会うのは久しぶりですか？

アツキタケトモ（以下、アツキ）　最後は下北の地下？　先月かな。

岡林健勝（以下、岡林）　会うときはすごく会うんですけど、制作期間が被っていたんですよね。

──じゃあお互いが忙しいときはほとんど会わずに。

岡林　そうですね。2ヶ月ぶりくらいの電話で5時間話して埋め合わせをするっていう（笑）。

アツキ　先週も今日会うのが決まっていたので事前打ち合わせしようよって言って、電話で5時間くらい事前打ち合わせという名の雑談をして。

──お二人が出会ったのはいつ頃だったんですか？

アツキ　2015年ですね、7年前。

岡林　8年前に〈EMI RECORDS〉から本名の竹友あつき名義でデビューしていて、その頃から一方的には知っていたんです。あきる野市の古民家で弾き語りのライブ、というか夏の催し物のようなものがあって、そこで知り合って。

──そのときはどちらも演者として？

アツキ　そうです、二人とも弾き語りで共演でしたね。彼は当時、岡林健勝って名前で弾き語りをやっていて、僕もそのライブに出る前にTwitterとか知って曲も聴いていて、仲良くなりたいなと思っていたんです。そのときも楽屋で4、5時間話したよね。

岡林　そう。当時タケトモは所属していたレーベルとの契約が切れて、オレはオレで所属していた事務所の契約が終わったタイミングで。お互い「この先どうやって音楽を続けますか？」っていうターニング・ポイントを迎えていて。

アツキ　お互いに、レーベルなり事務所なりと契約して、さらにそれで思うような結果が出せなくて関係が切れる、というところまでを10代のうちに経験して。周りは20代の中盤とかでデビューしている人が多かったし、そういう経験をしている人が当時は今以上に少なかった。10代でいきなり大人の人たちと一緒にやっていく難しさを感じていたりと共通項が多かったんです。

──お互い出会う前は話が合う相手があまりいなかった？

岡林　同じ境遇という意味では、ここまでピッタリっていう人は後にも先にも本当にここしかいないんじゃないかな。

──ちなみに年齢的には？

岡林　オレが2つ上で、ほぼ同世代ですね。

アツキ　僕がちょっと生意気な感じで（笑）。

岡林　ライブのときに意気投合して、その2、3週間後とかにご飯に行って。そのときには、タケトモは次に向けてバンドを組むためのデモを作っていたり、オレはオレで自主制作でもとりあえず編曲を始めていたりして。もっと自分の音楽性を高めればもう一度チャンスが掴めるかなと思って、作っていたデモを聴かせ合ったりしましたね。お互い前は向いていたけど「もどかしいね」っていう時期でした。

──その当時はお互いに対抗心のようなものはありましたか？

岡林　オレはガチガチにあったけどどうです？（笑）

アツキ　いや、僕もガチガチにありました。だから先に言いたくなかった（笑）。すごい対抗心を燃やしてましたね、いまだにですけど。

──最近だとGhost like girlfriendの“Birthday”で共作もしていますね。出会ったときからお互いの印象は変わりましたか？

岡林　取っている手法とかは変わりつつ、出会ったときから目指しているものは互いにブレてないというか。J-POPを聴いて育って、J-POPをやりたいと思って音楽を始めたっていうところが1番深い共通項な気がオレはしているんですけど、そこに向かっていく中で、紆余曲折はありつつもゴール設定は一切ブレることなくやっている印象ですね。

アツキ　いっしょにカラオケ行っても、だいたい同じ曲を入れてたりしますね。洋楽と邦楽を聴くバランスも近いというか。洋楽にハマると洋楽ばっかり聴いて「J-POPはダサい」ってなっちゃう人も多いと思うし、J-POPが好きな人はJ-POPばかりを聴く人が多いイメージがあるんですけど、そのときどきでニュートラルにどっちも同じ熱量で好きな人が僕の周りには健勝さんくらいしかいなかった。

──聴いている音楽をシェアしたりしているんですか？

アツキ　最近してないけどたまにCD貸しあったりとか。

岡林　リアルタイムで知ることは少ないかもしれない。ある程度デモとかが出来たときに、リファレンスでこの曲を聴いてたよっていう種明かし的に後から教えることはありますね。でも種明かしのときに「うわ、オレも同じ時期にこれ聴いてた！」みたいなことは往々にしてあって（笑）。

アツキ　口に出してないだけで同じものを聴いてたってことは結構ある（笑）。

岡林 それは気持ち悪いくらいあるね（笑）。

──いっしょに仕事をしてみたときの印象はどうですか？

岡林　まず参加してもらおうと思った理由として、歌心がありながら前衛的なサウンドを作れる人が、身内から世界的な人まで見てもタケトモ以外に思い浮かばなくて。参加してもらった曲（“Birthday”）はオーセンティックな往年の歌モノ感を出しつつ、どこかで自分らしさを出したくて作った曲だったので、そこに合うものを作りそうだなと思って声をかけたんです。

──依頼するときは細かくオーダーしたんですか？

岡林　最初は曲のサビ中にだけコーラスをお願いしますと伝えたんですけど……。

アツキ　すいません（笑）。

岡林　AメロBメロとか他のセクションのウーアーも含め、コーラスとかいろんなものを足してくれて、それがオレの狙いにまさにハマって。自分がそれまで抱えていた「王道であり前衛的」というタケトモの印象は、むしろあの作業によって深まったかなと思います。

──想像以上だったんですね。

岡林　やっぱりそうだよね、こういう人だよねっていう認識をさらに深めましたね。

──アツキさんはいかがですか？

アツキ　もともと健勝さんの曲をずっと聴いていて「良い曲書くな」と思いつつ、コーラスワークに対してそれまでの作品はあまり重きが置かれていない感じが僕の中ではしていたんです。“Birthday”でコーラスをお願いしたいって言われたときに、ずっと僕が一人のファンとして夢見ていた「健勝さんのこの感じにこのコーラスワークが乗ったらさらに良くなるのに」っていう部分を入れるだけ入れてみたんです。「ハマらなければミュートしてもらって大丈夫です」って半ば送りつけた感じで。サビだけと言われていたんですけどね。僕が望む最高のGhost like girlfriendを目指して、僕の中でも足しすぎなくらい入れたので、使わないだろうなと思ってたんですけど、ほぼ全部使ってくれて。逆に大丈夫？っていう。

岡林　9割9分9厘使ったね。それくらい理想にハマっていて、すごく嬉しかったです。

──話を聴いているともっと二人でいっしょにやってほしくなります。

アツキ　一回だけ二人でいっしょにライブしたことがあって。

岡林　6年前とかだよね。

アツキ　しかも二人で曲作って。10日前とかに決まったんですよね？

岡林　そう、ライブハウスの方から一枠空きがでたから出てくれっていわれて。その30分のために5曲作ったんです。

アツキ　僕が曲を書いて健勝さんが歌詞を書く曲と健勝さんが曲を書いて僕が歌詞を書く曲とか、あと二人でスタジオでせーので作ったり。「老け顔」ってユニット名で。

岡林　覚えてないな（笑）。

アツキ　岡林とタケトモでオカトモズにしたいって言ったんですけど健勝さんに却下されたのを覚えてます（笑）。

岡林　そのときは作詞作曲だけだったけど、“Birthday”でコーラスアレンジとして入ってもらった先で、6年前とは違う今持っているスキルで曲を作れたらいいなと思ってます。

アツキ　楽しそう。いっしょにスタジオ入りたいですね、純粋に。

──もうお互いの新作を聴いていらっしゃいますか？

岡林　オレはマスタリングスタジオを出てすぐ送りましたね。

アツキ　速攻でくれた！　デモとかも制作段階で送ってもらっていたので、完成形は絶対エゲツないことになるなと思ってたんです。「絶対マスタリング終わったらすぐください」と伝えていたら本当に出来立てホヤホヤのものを送ってくれて、すぐ聴きましたね。

岡林 タケトモからもEPが出来上がってすぐのタイミングで貰っていて。だからもう何周も聴いてます。

──お二人の新作は、どちらも別のアプローチでありながら生きづらさの中に希望を見出そうとしているのを感じました。岡林さんの作品ではまず“ERAM”のリリックに驚かされます。いつ頃から作品のイメージがあったんですか？

岡林　コロナ禍を含め、情勢だったりいろんなことがあって、それが絡んだうえでの人間関係や仕事関係を経て、良くも悪くも人の気持ちがわかる人間になれる自信がなくなったというか。一つの議題に対して今まではAかBかの二択だと思っていたのが、答えが100通りも1000通りもあるように感じて。それが世界レベルの議題でもあれば、二者間の問題の中でもあったりする。こんなに細分化されているなら、もう人の気持ちはわからないなと思ったときにすごく寂しくなって。人といっしょにいることを諦めたくないし、むしろわかり合いたい気持ちがより強まったんです。

今までは自分の中にある気持ちはこの世界に生きている人全員に共通している前提で、考えていることをそのまま書いていれば絶対どこかで共鳴するものが生まれると思っていました。いろんな経験を経て、「そうでもないな」というか、自分の中にあっても他人の中には全くない気持ちもこの世の中にはたくさん存在する。それからは、わかり合うことの成功確率を上げるために、抱えている気持ちの中でもこれなら、あの人やこの人の中にもありそうだなってものからピックアップして曲に起こす作業を積極的にやっていったんです。

そうなると衣食住にまつわること、自分の近くにあることが増えていって、だから“ERAM”は夜中にラーメン食べることだけだし、コインランドリー行くだけとか（“laundry”）、日々の生活の営みに関する曲が結果的に増えていった。人恋しさがそうさせたのかもしれません。

──ラーメンを食べることだけ書いていて、俯瞰してこれでいいのかと迷う瞬間はなかったですか？

岡林 書いている時は最高！　って思ってましたね（笑）。

アツキ　そういうタイプですよね（笑）。

岡林　嬉しいんです。食レポに近い歌詞だったりも、自分と他人の間にある共通項が探っていくうちに出てくるものがどんどん人懐っこいものになっていった結果で。ラーメンの具体的な描写を歌詞に入れるのも個人的には愛くるしく感じたし、これを面白がってもらえたらいいなとも思うし、空腹時に食べ物が魅力的に見える瞬間がみんなもあるんじゃないかなって。思い切って入れてみた。今はそれを俯瞰で見て、もっといけ！って感じですね。迷いは意外となかったです。

──以前別のインタビューで、振り返ると“fallin'”は外向きだったのかなという話をしていて。自分の純度と外の世界の解像度を上げていくことにはかなりこだわったのかなと思いました。

岡林　そうですね。自分自身を見つめて作るより、自分が内だとしたら自分以外は外だから、自分と他人の間を探すことで、否が応でも目線が外にいくんです。だから自分と他人の間にあるものを形にしていくことで自動的に外向きなものが出来上がっていく。他人だけを見て、自分のエゴを一切投影せずに曲を作るのは性質上おそらく無理なんですが、極力ギリギリまで外を見ようと頑張って、外向きな曲でありつつ、確実に自分の曲でもあるというそのバランスを探りながら作っていました。だから純度は上がっていて欲しいですね。

──『ERAM』にはアツキさんの影響もありましたか？

アツキ　全然お気遣いなく答えてもらって（笑）。

岡林　いやあ、実は去年の年末、お互い制作期間中に1回電話で話したときにタケトモが「Ghost like girlfriendに自分が寄せていそうで怖い」って言ってくれて。心の中で「オレもだぜ」みたいな（笑）。

アツキ　そう、寄らないか怖かったんですよね。健勝さんの前回のアルバム『version』とかは「今に見てろ！」感みたいなものを強く感じて。そういうヒリヒリしたものもすごく魅力的だったけど、それから3年で優しくなったというか。「今に見てろ！」だったのが、「いっしょに何を見るか」に変わっていった。

同じような心境の変化が自分にもあって。バンド時代はどうやったら売れるかばかり考えていて、そのためにキャッチフレーズをサビの頭に置いてとか、そういう作り方だったものが、だんだんどうやったら人々の生活に寄り添えるかに変化していて。そういう解像度の高まりを彼の作品を聴きながら感じたし、自分自身の解像度も高まってきていると思っていたので、寄らないか不安だったんです。でも結果的に出来上がった作品を並べて聴いたら全然違う表現になっていましたね。

岡林　出音のイメージのリファレンスをエンジニアさんに投げていて、いくつか投げるうちのひとつにタケトモの曲を入れていたりしましたね。サウンドを作るときに、ポップでありながらソリッドなバランスのものを作りたいってなると、どうしてもタケトモに寄っていく。だけど寄り過ぎないように頑張りつつ、似たような匂いを感じてもらえたらなと思いながら作っていた節もどこかあります。タケトモとの距離に気を使いながら意識していた感じです。

アツキ　それでいうと前に電話で、新曲試聴会をしたことがあって“Highway”を聴かせてもらったあとに、“それだけのことなのに”っていう曲を投げたら、「サビのクワイアの感じをアルバムの別の曲でやろうとしてる」って言ってなかった？

岡林　そうそう、だから曲としては残ってるけどクワイアの部分はカットしました（笑）。それくらい意識的に削いだりしていかないと寄っちゃう。

アツキ　その曲は僕の“それだけのことなのに”を聴かせる前にもう健勝さんが作ってたものだったので、意識せず知らぬ間に寄っている部分があるってことですよね。そういう意味では僕も健勝さんの曲聴いて、「あ、シティポップ外そうかな」と思いました。“Highway”で100点取られちゃってるからもういいやみたいな。

──アツキさんはEP『Outsider』で意識を変えた部分はありましたか？

アツキ　今までの作品は1曲単位で作っていてアルバムリリースのタイミングでどうやってまとめるかを考えてたんですけど、今回は先に作品全体の聴き応えのイメージがあって。そこにどのピースが必要かを考えて、去年は23曲くらい作ったんですけど、結局それでも納得のいくものができずに今年に入って24曲目を作って、その曲が今回のEPに入ったりしてます。どこにどのピースを嵌めるかという部分ですごい苦労した作品でしたね。

──それだけイメージが明確だったんですね。

アツキ　そうですね、今までの作品より洗練されたものにしたいと思っていて。今作では“Family”でTAARさんとやったり、“Shape of Love”でPARKGOLFさんとやったり、共同作業する中で他の人がどうやって音作りをしているのかを学べて、自分の音作りに生かしていけた。

健勝さんも昔はそう思っていたらしいんですけど、これまでは良い歌詞を書いて100点、良いメロディを書いて100点、良いアレンジをして100点、だから300点、最高！　って思っていたんですよ。今はそうじゃなくて、どう調和させるか、100点じゃない歌詞の方がアレンジを引き立てたりもするし、どう聴かせたら歌詞が届いて、メロディーが美しく響いて、サウンドがかっこよく聴こえるのかっていう、全体の聴き応えで100点を目指したい。だからこそ、音数を減らして声を変調させたり、クワイアを重ねたりすることで歌詞が届くようにしたり、クラッシュ・シンバルの代わりにサビ頭にコーラスを加えたり、より全体のバランスで考えるようになりました。

──アツキさんは以前別のインタビューで「ベッドルームポップから一歩進んで、次に向かいたい」と話していましたね。

岡林　タケトモは出会ってから7年分くらいデモを聴かせてもらっている中で、シンガーシングライターが作った曲をシンガーソングライターとしての自分がアレンジをしているってところから、「作詞作曲するタケトモ」と「アレンジをするタケトモ」っていう2つの人格を持っていっていて。セルフコライトというか外部のアレンジャーを自分の中で呼び寄せて作っているような。“無口な人”を聴かせてもらったときに人格が別れた瞬間があったのかなって思うくらい、それまでと違う視点が入っていた印象があった。作品を重ねるごとにどんどん洗練されてそれぞれの人格に深みが出ている気がしています。それは自覚があった？

アツキ　それを見つけたのがこのアツキタケトモのスタートラインです。中学時代は秦基博さんとかを聴いていた世代なんですけど、そういったいわゆるオーセンティックな、シンガーソングライター然としたアレンジを聴いていたから、このメロディーにはこういう音っていう固定観念が自分の中にあって。一方で打ち込みのポップスはこういう譜割りじゃないとダメみたいな固定観念もあって、別物として考えていた。

でも両方好きなんだったら、両方まとめてやればいいという意識にどこかで変わった瞬間があって。別軸のものでそれぞれに寄せていたのが、それぞれの好きなところを混ぜようっていうミクスチャー的な感覚が自分の中で見つかったからことでアツキタケトモの音楽性が生まれた。それを最初に聴かせたのが健勝さんで、“リセット”と“愛なんて”だったかな。それまで「良いね」とか文字で返してくれていたのが、そのときだけはすぐ電話してきてくれて。

岡林　あまりに違い過ぎたんですよ。

アツキ　そこで自信が持てました。そのときはレーベルや事務所の話も無い中で、自主制作でしたが、そういう曲を出してからいろんな人と出会ったり、音楽活動の状況も良くなっていった。信頼している人に「良い」と言ってもらえた作品が評価に繋がっていったことでより信頼度は高まりましたね。健勝さんに「良い」って言ってもらえる曲をちゃんと作らなきゃなっていう一つの基準になっていきました。

──お互いのターニングポイントで関わってきたんですね。お二人の作品は生きづらさに対して希望を見出していますが、世の中の具体的にどんなことに生きづらさを感じますか？

岡林　自分の性根の問題だなっていうのもあるかもしれないです（笑）。社会に何かされるというよりは自分の受け取り方というか、自分の性根が良くない部分があるというか。

──契約の関係だったりで燻っていた時期も関係しているのかなとも思ったんですけど。

アツキ　たしかに“煙と唾”聴いたときはびっくりしましたね（笑）。

岡林　自分の理想とのギャップがあり過ぎて、それに対するやるせなさが物心ついてからずっとあって。音楽を始めてからのやるせなさは、音楽が自分が思っているように届いていないなっていうやるせなさだし、学生の頃は学生の頃なりの「なんでこうならないんだろう」みたいなやるせなさだったり。やるせなさってものと腐れ縁みたいになってるんですよね。

──コロナ禍は自分と向き合う時間も長かった分、そういったことを感じやすかったかもしれないですね。

岡林　世の中に対して「寂しくさせんなよ」というな気持ちがあったかもしれないです。タケトモの社会に対する憂いみたいなものは、社会に対して歌っている感じがしますね。

アツキ　昔から「何のためにあんの？」みたいなものが嫌いで。それぞれの人生がそれぞれの正解だと思っているんだからそれでいいじゃんっていう気持ちがずっとある。必要のない常識とかで周りを気にしなきゃいけないっていうことに対するやるせなさや反抗心が昔からあったのかもしれないです。

岡林 そういう不満に対する半径のサイズ感がタケトモはどんどん広がっている気がしていて、オレはどんどん狭まっていっている。言いたい事は似ているけどそれに対する視座の持ち方にはどんどん差が出ているんじゃないかな。

──盛り上がってきたところで答えの出なさそうな質問を投げてみたくなりました。、今回何度か話にも出てきた「ポップ」って何だと思っていますか？

アツキ　僕はまず、ポップであるためにはオルタナティブじゃなきゃいけないと思っていますね。すでに20年前に開発された方法論をそのままやるとか、すでにポップとして認められているものを模倣することは一見すると一番ポップに思えるんですけど、それは20年前の面白さ、多くの人の共感を得る面白さであって、今は違うじゃないですか。その頃とは消費税も違うし、社会の在り方も変わり続けているから、昔と同じことを模倣してリバイバルだっていうのがポップだとは全く思わない。ちゃんとそこに新しい方法論で、世の中の人が求めているものにバチっと嵌められた人がそのときのポップスターになれる。

だからポップをそのまま模倣してポップスターになれる人はいないんじゃないかな。それを常に自分の制作の上でも意識していて、ポップを作るからこそ守りに入りたくない。例えばアルバム全曲をキャッチーな曲で固めるんじゃなくて、どこかに変な音を入れたりしたい。今回のEPで言えば“Shape of Love”はスタッフ間で入れるかどうか議論があったけど、絶対これをやりたいって突き通す必要があると思った理由はそういうところで。ポップであるためには絶対どこかにオルタナティブがないといけない。そのときの時代をひっくり返そうって気概がないとポップにはなれない。

岡林　自分のものであり、誰のものになってもいいというか。前作から自分と他人の間にあるものを形にしていく作業を意識的に始めたんですけど、やればやるほど自分が慣れ親しんでいたようなポップスに不思議と近づいている感じがあるんです。あと、100％聴き手のために作ったとしたら、集められたのはいいけど誰と話しているんだろう？みたいな状態になってしまうから、誰の何と共鳴しているのかの目印をわかりやすくしておくためにもちゃんと一定のエゴもなきゃいけない。つまり対話がしやすいような遊び場を作るのがポップスなのかなと。

──対話のきっかけを作る感覚ですね。

アツキ　今の話聞くと、お互いに似たようなものに影響を受けていたり、感覚が似ていたりするけど、全然違う。これは昔からずっと思っていたんですけど、僕よりも健勝さんの方が圧倒的に芸術家肌というか、感覚派な気がしていて。僕は、「ここはこうだからこっちはこう」みたいな論理的なアプローチをしてしまう。

それこそ健勝さんの初期の自主制作盤『when we meet up』から聴いているんですけど、それはすごい音にリバーヴが掛かっていて。そのキラキラ感みたいなものがちゃんと引き継がれて“fallin’”になっていったりする。あのとき健勝さんがイメージしていた感覚を洗練していった結果がこれなんだって後から答え合わせができてるんです。そもそもキラキラ感を出したいという発想そのものが僕の中には無いので、そこに対する強い嫉妬と憧れがあって。その発想力に追いつけないなと思ってますね。

岡林　ありがとうございます（笑）。

──理論派と感覚派なんですね。

アツキ　だからぶつからないのかなと思います。理論派と理論派はぶつかっちゃうので。その発想でこうなるのねっていつも驚いていて。“Highway”のラップの部分とかモーニング娘。の“抱いてHOLD ON ME!”のオマージュだったりとか。

岡林　オレが幼少期のとき父親とドライブいくときに必ず流れていた曲だったので、ドライブ・ソングを作りたいと思ってオマージュしたんです。

──理論ではたどり着けなさそうですね。

アツキ　理論では絶対たどり着けない。理論的には“Highway”と“抱いてHOLD ON ME!”はリンクしていないけど、確かにフィーリングは共通しているんですよね。そうやって作っているところにずっと憧れています。

岡林 恐縮です（笑）。

──最後にお互いの作品の中で印象に残っている部分を教えてください。

アツキ　“laundly”が名曲だって話をしたくて。「貸したあのTシャツの柄と乾燥機の中で時折目が合う」っていう歌詞があって、まず服と目が合うことで別れたであろう恋人を思い出している状況が思い浮かぶ。あと《カ・シ・タ》って「貸した」を分けて歌うところにその切なさとかランドリーでボーッとしながら回っているのを見ている映像が、メロディーの譜割と歌詞の言葉選びとでバシッと情景描写できていて、僕は泣きましたね（笑）。今からでもシングルにして欲しい（笑）。

岡林　僕は先行シングルの“Family”をニューリリースのプレイリストの中で聴いたんですけど、明らかに他の曲とは出音からして異質で。これをどうやって浮かないようにするんだろうと思っていたらEPで見事にまとまっていたんです。

シグネチャーアレンジというか、この人なりの歌詞やメロディーの癖のようなものが鍛錬されていく中で、この先何に自分らしさを見出すんだろう？　これ以上やることって何かあるかな？　と思っていたら、とうとう自分なりの出音というものに手を出したなと。例えばNUMBER GIRLは聴いた瞬間に「NUMBER GIRLだ」ってわかるじゃないですか。タケトモはそういうものにどんどん近づいている気がしますね。あとオレが思うアツキタケトモはポップス職人で、今回はすごくオルタナティブな音像の中にも歌のメロディーだけじゃなくリフとかにも歌心が垣間見える瞬間がありました。今こうやって小出しにしているものが全面に出てきたときが、この人の本気であり真骨頂な気もするんです。オレは早くそれが聴きたいので作ってください。

アツキ　それは実際そうで、このEPで終わりではなくてEPの曲もいくつか入れる予定のアルバムへ向けての過程なんです。この先さらにポップに開けたものにする。ジャンルがどれだけ散らばっていても出音で個性を作る、出音の質感がいっしょだからこの人の曲だって思ってもらえるものを今回のEPで作れたから、さらに何でもできる気持ちになっています。健勝さんは『ERAM』で一旦出し切った感はありますか？　『2020の窓辺から』のときは「もう曲なんて作らない」ってくらい燃え尽きてたじゃないですか。

岡林　それで言うと「できるわけない」と思っていたポップスが頑張ったらできちゃったのが今作なので、逆にあれもこれもできるってこと？って感じで。だから燃え尽き症候群というよりはむしろやりたいことが増えてる。それは音楽をやり始めてから初めてのことですね。アルバムってアーティストによってアルゴリズムが似ている気がしていて、ファーストで一度集大成を出して、セカンドで迷走して、サードでまた真骨頂が出る、みたいな。オレはサード・アルバムを作るためにセカンド・アルバムを作った節があるというか。圧倒的にいろんなアーティストのサード・アルバムが好きなので、ようやく関門を突破して「やっとサード・アルバムを作れる」って気持ちですね。視界はいつもより開けています。

━━まず、結成の経緯を訊かせてください。

鮫島竜輔（Vo/Gt）　もともと高校の軽音楽部を通じて結成したんです。ベースの袋本とギターの和田とドラムの高清水が同じ高校で、僕だけ違う高校で。今、軽音楽部って甲子園みたいな感じで大きい大会とかやってるんで、それを通じて知り合って。で、結成して。僕と袋本は幼馴染でもあるんですけど……で、キーボードの狩野は大学を通じてですね。

━━高校時代は共通して好きなバンドはあったんですか？

高清水完太（Dr）　当時は邦ロックバンドばっかりでもないんですが、でも共通点はありましたね。

━━ちなみに最初はコピーですか？

高清水　僕らの高校の軽音部がオリジナル曲をひたすら作ってやるっていうのが方針のひとつだったんで、あまりバンドとしてコピーを何曲もやったって感じではなかったです。

━━面白いですね。

鮫島　僕の高校も夏に最初の合宿があるんですけど、その合宿で１曲、最初にオリジナル作らせるので、そこからずっとオリジナル作ってやっていくみたいな感じでしたね。

━━専門学校の作曲科みたいな。

鮫島　（笑）。確かに良くも悪くもロックじゃないかもしれない。

━━鮫島さんは最初から打ち込みとかしてたんですか？

鮫島　いや、作曲し始めたのは高校からなんですけど、昔ちょっとジャズピアノとかやってて。で、小中がちょっと合唱に力を入れてるような学校だったんで、音楽的な感性みたいなものをそこでちょっと培いつつ、高校で初めて作った感じですかね。

━━どんな感じの曲でしたか？

鮫島　どうだろう。僕、よく言うのはNUMBER GIRLとフー・ファイターズ（Foo Fighters）を足して２で割ったみたいな（笑）。

━━ゴリゴリのオルタナじゃないですか。

鮫島　そうですね（笑）。よく学校の人に言われたのは、僕、結構静かだったんですけど、文化祭とかですごい煽ったりして「ギター持つと人格変わる人」みたいな。

一同　（笑）。

━━高清水さん、和田さん、袋本さんがいた４ピースバンドはどんな感じだったんですか？

高清水　オルタナって言っちゃえばオルタナ（笑）。何系なんだろう？　まあでもNUMBER GIRL系かも（笑）。

袋本和寛（Ba）　NUMBER GIRLとお祭りを足して２で割ったみたいな。

和田 燎（Gt）　あと、お祭りとNothing's Carved In Stoneみたいな（笑）。それと頭悪い感じを出して。

━━当時の高校生の青春的な感じではあったんですね。

鮫島　そこに力を入れて、みんなで「本当に楽しかったね」っていう青春時代だったなって感じですね、思い返すと。

━━もう終わったみたいな感じですね（笑）。

一同　ははは！

━━NOMAD POPって名前がついたのはいつ頃ですか？

鮫島　これが本当に2019年に始めるタイミングで。

━━NOMAD POPを始める際には狩野さんももう加入していた？

狩野龍太郎（Key）　そうですね。最初になんかNOMAD POPって名前じゃない、お試しライブに。

鮫島　公的にNOMAD POPとしてライブをする前に一回、公に何も言わずにライブやろうっていうので、そこでサポートやってもらって。

高清水　最初からいたかのようなぐらいの雰囲気ですごい溶けてこんでくれたんです（笑）。

狩野　その年の5月ぐらいに声かけてもらって一回ライブやって、その日に入って（笑）。

鮫島　二つ返事でオッケー（笑）。

━━その時にはもうすでにその最初のリリースの『move／ジャックとブナの木」みたいな音楽性になっていた？

鮫島　リリースした曲はもうそのライブの時からやってたので、特に毛色は変わってないかなっていう。

━━でも高校時代からは全然違うわけですよね。

鮫島　そうですね。やっぱ各々の音楽的な趣向の変化とかも大いにあったのかな。

━━それって高校生から大学で聴くものがガラッと変わった自覚はありますか？

鮫島　でも、たぶんみんな共通してるのはセッション系が強かったもんね。

和田　R&Bとかに興味を持ち始めました。

鮫島　ロバート・グラスパー（Robert Glasper）とか大学で始まったね？

━━『Black RadioⅡ』リリース時ですかね？　ロックの中で違うジャンルを見つけたっていうよりは全然違うものを見つけた感じですか？

鮫島　個人的には延長にあったなって気がして。結局NOMAD POPっていうバンド名をつけたのも理由なんですけど、2016年ぐらいにアメリカでヒップホップがポップスの中で一番売れた頃で、自分たちも自然とそれを聴くようになって。いわゆるその精神性的に果たしてどっちがロックなのか？　みたいな話もあるじゃないですか。というところで、音だったりメッセージっていうところで、自然と他のジャンルにもロック的な要素を見つけて広がっていったっていうのが大きいのかなっていう気がします。

━━例えばフランク・オーシャン（Frank Ocean）の『Orange』とか。

鮫島　そうですね。僕の中でフランク・オーシャン以前・以降で本当に音楽の捉え方が変わっちゃったなと思ってます。

━━あの頃バンドやってる人は多かれ少なかれ出会ったのかも。

鮫島 多分、2016年が他のアーティストもエポックメイキング的な作品が多くて。ビヨンセ（Beyonce）も『Lemonade』以降、オリジナルアルバムを出してない。で、チャンス・ザ・ラッパー（Chance The Rapper）もそのタイミングで。やっぱ同時多発的なもので僕らみたいなものでも自然と触れざるを得ないというか（笑）。触れることができるぐらいの波になってたのかなっていうのは思いますよね。

和田　その前にディアンジェロ＆ザ・ヴァンガード（D'Angelo And The Vanguard）の『BLACK MESSIAH』も出たし。あれもロックだった。

━━ところで狩野さんは割とルーツにジャズがあったりするんですか？

狩野　僕はもともと中学生の時にローリング・ストーンズ（Rolling Stones）から海外の音楽を聴き始めて。最初、ギターをずっとやっていたので、そこからジミ・ヘンドリックス（Jimi Hendrix）とか聴いて、そのバックミュージシャンに結構興味持ち始めて。ジャズ界隈の人もジミヘンの後ろで演奏したりしてて、そこから結構広がりました。大学時代もソウル・ファンク系のセッションサークルに入って行って、ジャズにもちょっと触れてます。

━━鮫島さんのルーツはどんな？

鮫島　バンドは最初やりたいって思ったのは聴いた音楽で言うとやっぱりBUMP OF CHICKENとかASIAN KUNG-FU GENERATIONが最初の記憶として強いんですけど、僕、６個上の兄貴がいて。兄ちゃんが中学校の文化祭でバンドをやっていてて。それにすごい憧れて始めた要素が強いかもしれないですね。で、そこからレッド・ホット・チリペッパーズ（Red Hot Chili Peppers）とかジャミロクワイ（Jamiroquai）とか聴くようになってっていう経緯があるんですけど、今の自分のメンター的な部分にあるのはビートルズ（The Beatles）とカニエ・ウエスト（Kanye West）が強くて。

━━すごい、神＆神（笑）。

鮫島　やっぱそこだなっていうふうになんか自分の中ではなったって感じですかね。自分が何を作りたいのかと思ったときに、一番思い返すっていうのはやっぱりその2組になるんですね、今は。で、ビートルズはどっちかっていうといわゆるオルタナティヴな色が強くなった中・後期以降が好きですかね。ミックスの感じとかも影響を受けた部分が強いのかなっていう。

━━カニエ・ウエストはどういう部分ですか？

鮫島　「それとそれ一緒にしていいんだ」みたいな（笑）っていうところが聴いててすごいあって。全然違う曲が急に始まったり。あと、やっぱり僕は昔ちょっと合唱に力入れた学校にいたっていうのもあって、声が全部楽器になっちゃうんだなみたいな、フィーチャリングする人も自分の楽器の一種みたいな感じで使っちゃうじゃないですか、カニエって。そこはすごい憧れますね。

━━高清水さんは？

高清水　ドラム始めた理由が単純にゲームの「太鼓の達人」がすごい好きで、当時ひたすらやってて。親に「そんなに叩くの好きなら、知り合いにドラムやってる人いるからそこの教室紹介してもらいなよ」って言われたのが中学生ぐらいで、ドラム始めて。そこから軽音楽部が強い高校を紹介してもらって、そのままバンド始めたって感じだったんです。それで高校卒業してから当時同期で軽音楽部界隈のレジェンドだった鮫島にNOMAD POPの前身バンドに誘われたって事がバンドを続けるにあたっての一番大きなきっかけではあります。

━━なるほど。

高清水　聴いてた音楽とかは割としまちゃん（鮫島）と近くて。 入りはBUMP OF CHICKENをPSPに入れて聴いてたんですけど（笑）。そっからあとは 自分のドラムのプレイスタイルとかにつながってくるんですけど、ロック系のインストとかを聴くようになったり、高校時代に友達にEDMオタクみたいなのがいて、プレイリスト作ってもらって全部貰って聴いてたり、あとはハードコア系とかですかね。共通してるのはドラムという楽器はリズム系の楽器なんですけど、支えるっていうよりかはメロディーラインを表現するようなジャンルが多かったんですね。それが今のプレイスタイルにつながっているなっていうのを感じます。

和田　バンドを始めたきっかけはアニメの『けいおん』なんですけど。バンドを始めてスティーヴィー・レイボーン（Stevie Ray Vaughan）ってブルースギタリストを知って、そっからギターにすごいのめり込んでいっていう感じですね。一番どっぷり浸かったところとしては。

袋本　僕は中学校で鮫島と同じサッカー部だったんで、結構一緒に遊んでいて。鮫島のお兄ちゃんの影響とかもあったのか、レッチリとかジャミロクワイとか自分が聴いたことないバンドっていう音楽を割と結構流してくれて。それがきっかけで、俺もギターやってみたいなと思って。で「バンドやろうよ」って、中学校の催しで一緒にやったんですけど、僕は当時から眼鏡かけてたんで、「いや、眼鏡はベーシストだろ」と言われて。

一同　（笑）。

袋本　じゃあまあいいかってベースやって。でもレッチリのベースとかめっちゃカッコいいじゃないですか。そういうのでどっぷり浸かってったって感じですね。

━━皆さん一応00年代の邦楽ロックは通ってきてるんですね。

鮫島　共通してあるかもしれないです。

━━そういう背景を持ってるバンドがすでにもう2019年の段階で“move”みたいな曲を出してるっていうことに驚きます。グルーヴするSF的民謡世界みたいな曲なので。

鮫島　なんかあんのかな？　変になった理由はあんのかな。

袋本　一番好きなものはそれぞれ違うから、混ざっちゃってる。

━━NOMAD POPの曲作りはどんな手法なんですか？

鮫島　基本は誰かが作曲の元となる楽曲をDTMでバンド音楽として、ワンコーラス作っちゃって。で、だいたいそこにその他の楽器の音も入ってるんで、「こういう曲にしたいんだよね」っていうコンセプトを最初にその作ってくれた人が提示して。で、それに合わせてメンバーがちょっとずつ自分の色を追加してアレンジして行くみたいなのが多いですね、今は。

━━これまでにリリースされている曲はどれも特徴的なんですけど、動画が多く見られた曲でいうと“45のセカイ”とか。この曲の種は誰ですか？

鮫島　僕が持ってって。G-ファンクが好きなんで、その感じを……見ても分かる通り、僕らはイケイケの陽キャラとかではないんで（笑）、ちょっとナードな日本人のバンド解釈みたいなことができたらどうなるかな？　みたいなことを考えて作りました。

━━サウンドはファンクなんだけど、鮫島さんの歌詞は描き方がフォーキーでもありますね。

鮫島　そうですね。あと、先輩から「パンキッシュな側面はあるよね」みたいなことを言ってもらえたりしますね。オタクっぽい中にも棘があるのかもしれないですけど（笑）。

━━いや、棘だらけでしょう（笑）。2020年のミニアルバム『PRISMATIC NOMAD LOVE』にはなかなか濃い曲が集まってました。

鮫島　ラーメン二郎みたいなモリモリな曲が五曲も入ってる（笑）。今思うのはやっぱコロナで自粛期間になっちゃって、で、ちょうどその時期にマネージャーのTOKIOさんと会って。で、一緒にやっていこうって話になったんで、「自分らでやってやるぞ」って意気込みと、コロナ禍の鬱憤みたいなので、元気過ぎちゃったんだろうなっていう。

━━（笑）。その頃、集まれる状況はあったんですか？

鮫島 その時はコロナだったんで、データをオンラインでやり取りして作ってました。

袋本　ほぼオンラインでアレンジ完成させて、後スタジオでちょっとレコーディングみたいな。それも二郎系になった原因かもしれない（笑）。

鮫島　実際にスタジオでやり取りしてたら「こういうフレーズ弾くんだな、弾けるんだな」ってことが分かると思うんですけど、オンライン上なんで「これぐらい行けるっしょ」みたいな過激な物をガンガン入れてくんですよ（笑）。

━━あのミニアルバムが完成したことで、二郎系になってしまう第一章が終わったのかもしれない。

鮫島　まあ明確にちょっと二郎と別れを告げたかもしれない（笑）。 周りには面白いって言ってくれる人も多いんですけど、僕ら的にはちょっとクールダウンしようと。

━━NOMAD POPの音楽は海外とのリンクより、時代を変えてきた日本のバンドを思い出させるんですよ。その辺はどうですか？

鮫島　他のメンバーはちょっとわかんないんですけど、僕は今のとこ世界的にどうのとかはそんなに思ってなくて、自分たちが一番最初に触れたいわゆるJ-POPと言われるようなものを作りたいなっていう気持ちがありますね。あと根底のところで思うのはやっぱり今って日本そのものがすごく辛い場所になってる気がするんで、それを差し置いて、じゃあ海の向こうへっていう風に個人的に思えてないっていうのが大きいですかね。まず身近な人に明るい気持ちになってもらえるものを作りたいなっていうのはすごく大きいですね。

━━それすごい感じます。今現在、同世代ぐらいのバンドでシンパシーを感じる人たちはいますか？

鮫島　まあでもあれだよねさっきのLINEで出たけど、単純にビアリ（Bialystocks）とか。

袋本　あとGhost like girlfriendとか。

━━先人っていう意味ではサカナクションとか、Base Ball Bearとかそういう人たちの名前も浮かぶんですよね。

鮫島　今出たバンドは全部結構自分たちの憧れのところにあるので（笑）、すごく嬉しいですね。

━━ボカロは皆さんの世代だとどうなんですか？

高清水　黄金期って言われてる時に小学生だったんで。中でも僕は一番聴いてるかもしれないですね、当時。

━━ハチさんとか。

鮫島　そうですね。僕も作曲では結構、初音ミクを使うんですけど、ボーカロイドは高清水ほど聴いてなくて、自分の好きな女の子がハチさんのこと好きだったりして、嫉妬したみたいな（笑）、そういう記憶。

一同　ははは。

━━曲作りをする人には遠くもない世界なのかなと。

鮫島　そうですね。でもその要素で言うと僕は結構ニコニコ動画そのものが大きくて。 当時の歌い手さんを勝手にたくさん集めて合唱曲にしちゃうみたいなのが結構流行ってて。今、実際に僕らもごちゃ混ぜの合唱みたいなのを曲として作ったりしてるのはそういう違和感とか面白さみたいなのが強いのかなって気はしますね。

━━今回、６月１日から３ヶ月連続で配信シングルをリリースするいうことで、今回からは曲作りからフィニッシュまで考え方は変わりましたか？

鮫島　結構変わった気がしますね。なんか生身のバンド感みたいなものを追求したいなって思ったですかね。肉体的な部分をもうちょっと音楽として落とし込たいなってのがあって、１年前に出した曲とかに比べると、スタジオでみんなでセッションして考えて作っていくっていうのが多くなったし、多分これからもそういう作り方をしていくんじゃないかなって気がします。

━━今回はデモを必要以上にごちゃごちゃさせずに？

鮫島　そうですね。そういう意味だと今までより多分デモは簡素にしてあって、それをこうおのおのでどうバンドナイズして行くかみたいな側面は強かったかもしれないです。僕らもこの辺がバンドの土台になっていくんじゃないかなと、今回の三部作に関しては思っているところです。

━━だけどやっぱりなんか相変わらず歌詞はすごく聴いてしまいます。

鮫島　ありがとうございます。

━━ちょっと絵本みたいな世界観を持ちつつも毒があるみたいな感じなのかなと思って。鮫島さん的に詞のインスピレーション的なところって例えば詩を読んだりとかあるんですか？

鮫島　たとえば僕が山口一郎さんぐらいめちゃくちゃ詩集を読み込んでいるかというとそうではないと思うんですけど（笑）、たださっきの合唱っていう話もあったんですけど、詩集を読むぐらいに好きなのは谷川俊太郎さんで。簡単な表現を使ったりもするし、ものすごく遠回しな言い方をしたりもするんですけど、その中に人の根源的な部分だったりとか、はっとさせられるようなことを、時に笑っちゃうように、時にちょっと残酷なような書き方をしたりするっていうところで言うと憧れではありますね。

━━読書家ですか？

鮫島　本の虫かって言われたら全然自信ない（笑）、まあ上には上でひたすら上ががいるんで。これとは歌詞とは違いますけど、村上春樹さんもめちゃくちゃ好きですね。世界の書き方、なぜ異界とか異形のものを出すのかっていうところとかに、人間の根源的な悩みだったり、あとはすごく孤独というものを優しく書くっていう印象があって、そこはすごく好きですし、詞に反映されているか分かんないですけど人生観として影響はされてると思います。

━━なるほど。新曲の「いろはにほへト」はまさに合唱的なところも特徴的で。

鮫島　今回は今までで一番その側面を前に出してて。コーラスライン、男性のテノール、バスと女声もあって、混声四部の合唱で、おのおのがどういうメロディーをたどってどうハモっていくかっていうところを今までより一番楽しんで作っているのが、まあ今回の三部作の特徴かなって感じはします。

━━今回の曲に関してのそれぞれのアプローチとしては？

狩野　今までと考え方は結構変わったなっていう印象で、スタジオで多分一番ジャムって作ったところが大きいかもしれないですね。だから『PRISMATIC NOMAD LOVE』みたいに自分らの力量の上を行くってよりは、もっとグルーヴとかを大事にして、自分らの範囲内で、よりちょっと新しくやるっていうところは意識したというか。

袋本　例えばドラムがなんかフィルしたら、じゃあそこ行こうとか、そういう話し合いでアレンジを組み立てて行ってるんで、バンド力はより強くなってるなっていうところはあると思います。

狩野　今までのアレンジは５人じゃ絶対できない音数を入れてて、ライブでも同期の音に頼って演奏してたんですけど、今回シンセみたいな音を例えばギターで出すとか、そういうものを人力で全部やっちゃうみたいな。昔クイーン（Queen）のレコードに「これはシンセ入ってません」って書いてたあの感じには結構憧れて作りましたね。

和田　結構ベタなソロを入れたりとかね（笑）。

━━アレンジのせいか、「言葉は教えられたけどちゃんと使えてんのかな」みたいな歌詞がすごく入ってますよね。

鮫島　確かに一番人として根源的な部分っていうか、嬉しいのか悲しいのかみたいなところに結局生きてるってことも全部あるのかなっていう気がするんで。そういうかなり根っ子の部分のことを訴えているのも、納得もあるし楽しさもありっていうような感じですかね。

━━今回は、いわばインディーズやメジャーレーベルの枠組みとも違う形でやっていらっしゃるわけですが、この時代の活動形態について考えていることはありますか？

鮫島　それこそそのHYPE、TOKIOさんとの出会いもそうですけど、自分たちが何を作りたくて、どういう人にシンパシーを感じるのかとか、どういう人と一緒にいたいのか、そういう人といたらどういうものが作れるのかっていうところだと思うんで。単純にインディーなのかメジャーなのか、小規模なのか大規模なのかっていうところじゃなくて、結局は人対人で共感できるか、人対人で自分たちの理想に近づけるのかっていうところなのかなとは思ってますね。で、結局自分たちが面白いなと思う人たちもメジャー、インディー問わずに動いているような気はしてます、僕は。

━━今後バンド総体で目指していきたい方向ってありますか？

鮫島 でっかいことを言うべきところだと思うんですけど（笑）、やっぱ一番根底の部分が大事だと思ってて。さっき言ったように本当に目の前の人に、何か明るい気持ちになってもらえるものを届けたいっていう、本当にちょっとほかのメンバーかどうかわかんないですけど僕はそこに尽きるってところがあって。明日がくるのが嫌だなって思う人って今たくさんいると思うし、実際に自分もそういう期間が長かったから、自分たちの音楽でそれが変えられるとまでは思ってないですけど、一人でもそういう気持ちに対して明るいものを見出せる音楽でありたいなあっていうのが、僕個人的には全部ですね。ないですね、それ以上。どうです？（笑）

高清水　鮫島くんが言った通り一人でも多くこういう言葉や歌を聴いて、こういう考えでもいいんだみたいに肯定してあげられる、一人でも多く増やすためには自分らがある程度大きくなっていく必要はあるなというのがあって。そのためにやっぱり大きい存在にはなりたい……（笑）、ちょっと言葉にはしにくいんですけど、そういうざっくりとしたものは常にありますね。

NOMAD POP ロック、R&B、HIPHOP、エレクトロを基調に、大和情緒を感じさせる詩とメロディー、極彩色のバンドアンサンブルによってジャンルに囚われないポップスをアップデートしている。

6月にリリースした『move』は、Spotify公式プレイリスト『キラキラポップ:ジャパン』に3週連続で選出される。 12月、1st EP『355』のリリース2マンライブ『POP INVADER』@下北沢DaisyBarがソールドアウト。 2020年1月、いきものがかり水野良樹氏がナビゲーターを務めるJ-WAVE『SPARK』にてリード曲『45のセカイ』がオンエア。 活動開始から1年、コンセプチュアルなミュージックビデオが話題を呼び、「文学的でSFチックな世界観がクセになるバンド」としてライブハウス、キュレーター、耳の早いリスナーの間で注目を集めている。

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━━昨年のフジロックのステージは印象的でした。アフタームービーには”Under The Influence”が使用されていたり、多くのオーディエンスの記憶にもあなたたちのパフォーマンスが残っていることかと思います。初めてのフジロックでのパフォーマンスはどんな体験でしたか？ フジロックでの体験はとても素晴らしかったよ。今までバンドが経験してきた中で最大のステージで、最も多くのオーディエンスの前でのパフォーマンスだったんだ。フェスとしてとてもよくオーガナイズされていたし、みんな素敵で温かい人達ばかりで僕たちを大いに歓迎してくれたよ。

━━昨年の来日ではテレビ番組『スッキリ』にも出演されていました。来日時の印象的なエピソードを教えてください。 そうだね、印象的なエピソードといえば素敵なレストランに連れて行ってもらって、本格的な日本料理を食べたことかな。東京を散策した時は最高な時間を過ごせたし、スカイツリーで夕食を食べたのも良い思い出だよ。 ━━東京という街への印象は？ 僕は人混みが苦手で最初に東京で電車の人の多さを見た時少し不安になったんだ。でも、ロンドンとは違って東京はみんなとても礼儀正しくて、周りを気にかけている人ばかりだったから安心して旅を楽しむことができたよ。僕の家族も一緒に連れて行ったんだけど、美しい庭園を散歩したり、スカイツリーで夕食をしたり、とても素晴らしい時間を過ごすことができたよ。旅の締めくくりに皆でカラオケバーに行ったんだけど、僕たちは皆ミュージシャンだからすごく盛り上がって楽しかったよ。 ━━改めて、バンドのメンバー構成について教えてください。 バンド構成は3人のバグパイプ奏者(ウィリー・アームストロング、ケビン・マクドナルド、ジェームス・ハーパー)、ベースギター(ルーリー・マクリーン)、リードギター(アルド・マクギオック)、キーボード(クリス・ピュー)、パーカッショニスト(ジェイ・ヘップバーン)と2人のブラス演奏者、そしてボーカル(クリス・ジャッジ)というメンバー構成だよ。

━━レッド・ホット・チリ・パイパーズ以外でも活動されているメンバーもいますが、どのように練習しているんですか？ 普段はサウンドチェックの時に練習するんだ。新しい曲があれば練習のためにスタジオを予約するときもある。メンバーの中には他のバンドで演奏している人もいるけど、レッド・ホット・チリ・パイパーズをメインバンドとして活動していて、昨年は152回のライブをこなしたんだ。 ━━演奏楽曲はどのように決めていますか？　オリジナル楽曲は誰が作曲していますか？ ライブではスコットランドの伝統的な音楽が50%、有名なロックやポップスの曲が50%という割合で演奏していることが多いよ。セットリストはバンド全体で決めていて、観客とバンドメンバーの両方が楽しめるように曲を混合させているんだ。オリジナル楽曲もメンバー全員で作曲しているよ。 ━━ファースト・アルバム『The Red Hot Chilli Pipers』にも収録されているスコットランド龍騎兵連隊合唱隊の曲“Highland”を今回の最新アルバム『FRESH AIR』にも収録しているのはなぜですか？ “Highland Cathedral”はとても有名な曲なんだけど、実際にはスコットランド人が書いたものではなく2人のドイツ人によって作曲されたものなんだ。僕たちの音楽ジャンルにもよく合っているので今回もこの曲を収録したんだ。 ━━アルバムに収録されている楽曲“Leave a Light On (feat.Tom Walker)“は、トム・ウォーカー（Tom Walker）本人をシンガーとして招いたカバー楽曲ですね。このコラボはどんなプロセスを経て実現したんですか？ ソニーレコードは彼のアルバムをスコットランドで発売したいと思っていたんだ。そこでアルバムの中の1曲にバグパイプを入れてみるのは良いのではと思い“Leave a Light On”にバグパイプの演奏を入れてみた。そうしたら曲との相性がすごく良くて、シングルとして再リリースすることを決めたんだ。メインストリームチャートで４位を獲得した楽曲なんだ。トム・ウォーカーはスコットランドとイギリスのハーフでとても素晴らしいミュージシャンだよ。

━━今年の10月は、そんなアルバムを提げての来日となりますが、どんなことをしたいですか？ もっと色々な場所を散策してみたいし、もっと日本の最高なバンドを見てみたいね。そして本格的な日本の料理をもっと食べたいな。 ━━日本のファンへレッド・ホット・チリ・パイパーズの来日公演に向けて期待してほしいことはなんですか？ 日本の皆さんは僕たちがライブをするために来日すると思っているかもしれないね。でも僕たちがやることは”ショー”なんだ。素晴らしい照明機材を用意して、最高な照明エンジニアとサウンドエンジニアもいる。民族衣装を着て音楽に合う振り付けをして、観客全体を巻き込むのさ。僕らのショーには、喜びや高揚感、哀愁といった幅広い感情が引き出される要素があるんだ。 ━━日本のファンへメッセージをお願いします。 独自の文化と伝統を持つ日本という美しい国で、僕たちの民族衣装を着て民族楽器を演奏するのをとても楽しみにしているよ。

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