その日、恵比寿LIQUIDROOMは物々しい低音とカオスなシンセサイザーの波動で充満していた。熱狂の輪の中心にいたのはファット・ドッグ（Fat Dog）。今年9月に〈Domino〉からデビューアルバム『WOOF.』をリリースし、瞬く間にサウス・ロンドンのライブシーンで熱狂的な支持を得た彼らは、その狂騒を満杯のLIQUIDROOMに丸ごと召喚したのだ。スペシャル・インタレスト（Special Interest）やマンディー・インディアナ（Mandy, Indiana）といった現行のインダストリアルなダンスパンクにも通じる重量感、彼らの“狂犬”たる所以が表現された一夜であった。

来日公演の数時間前、フロントマンでありバンドの首謀者であるジョー・ラブ（Joe Love）にインタビューをすることができた。夜に行われるライブが熱狂的なものになることは明明白白、ならばジョー自身が体験してきたライブの記憶をじっくり訊こう……そう思い彼のルーツについて質問すると、『マインクラフト』や『スーパーマリオ64』といった意外な単語が飛び出してきた。ケミカルな激しさを伴うファット・ドッグの魅力、その補助線として読んでいただければ幸いだ。

──ファット・ドッグの話をする前に、まずはジョーさん自身の音楽体験について聞かせてください。最初にライブハウスへ行った日の事は覚えていますか？

15か16歳の時、確かロンドンのサウスバンク・センターだったかな。友達がアメイジング・スネイクヘッズ（The Amazing Snakeheads）っていうパンクバンドのライブに連れていってくれたんだ。ファット・ホワイト・ファミリー（Fat White Family）にも参加してたギタリストのバンドで、デビューしてから1年くらいで解散しちゃったんだけど、それがとにかく良かった。ステージの横から男がふらふら出てきて、そのままマイクを握って歌って、最後は客席の柵を飛び越えて暴れてたんだ。とにかく生々しかったし、初めてのライブで大当たりを引いたと思ったよ。その時に、もし自分がバンドを組んでレコード会社と契約するなら（アメイジング・スネイクヘッズが所属していた）〈Domino〉が良いと思ったんだ。

──ずっと激しいバンドが好きだったんですか？

いや、俗っぽいダンスミュージックばっかり聞いてたよ。アヴィーチー（Avicii）とかデッドマウス（Deadmau5）とかね。それと、当時は『マインクラフト』にハマってたから、そのサウンドトラックもよく聞いてたね。

──そういえば“Wither”のMVはPCゲーム風でしたよね。ファット・ドッグの作品にはそういったゲーム作品やチップチューンからの影響もあるのでしょうか？

そうだね。『Stickman RPG』って知ってる？　インターネット初期のオンラインゲームなんだけど、サウンドトラックがマジで良くて。思わずサンプリングしたよね（笑）。あとは『バンジョーとカズーイの大冒険』とか『スーパーマリオ64』も大好き、NINTENDO64でずっと遊んでたよ。ふたつともゲームのサウンドトラックがサンプルパックになってて、誰でもダウンロードすることができるんだ。ちょっと聞くだけでノスタルジックになるよね。

──レディオヘッド（Radiohead）やエイフェックス・ツイン（Aphex Twin）をNINTENDO64風のサウンドでカバーする動画もありますもんね。

そうそう！　ナイン・インチ・ネイルズ（Nine Inch Neils）のカバーとか最高だよね。MIDIでああいうサウンドを構築するのは本当にクレイジーだし、色んなバリエーションがあるよね。

──ジョーさんの中で、そういった音楽と今の激しいライブのスタイルはどのように重なっていったのでしょうか？

インターギャラクティック・リパブリック・オブ・コンゴ（The Intergalactic Republic Of Kongo）っていうバンドが好きだったんだ。8人組のバンドで、エレクトロニックミュージックとパンクのサウンドを融合させたようなライブをしてた。彼らのスタイルは今のファット・ドッグのベースになってると思うよ。

僕は「エレクトロニックミュージックとパンクの融合」っていうスタイルがとにかく好きなんだ。例えばデス・グリップス（Death Grips）とか、あとはNYのリップ・クリティック（Lip Critic）っていうバンドとかね。（リップ・クリティックは）ツインドラムでギターがいなくて、その代わりにキーボードでディストーション・ギターみたいな激しさを演出するんだ。めちゃくちゃ好きだし、音色をコピーして自分のバンドに組み込もうともしたよ。そういう意味では、バイアグラ・ボーイズ（Viagra Boys）からも影響を受けたね。彼らみたいな曲を書こうとしたことがあるよ、好きな曲をコピーしたがるのは僕の癖なんだ。

──様々なプロジェクトから影響を受けている最中だとは思いますが、今の時点で判明している「ファット・ドッグらしさ」とはなんですか？

そうだな……まず、僕は色々なものをコピーするけど、それを単なるパクリにとどめる気は全然ない。例えば、デヴィッド・ボウイ（David Bowie）は様々な作品の手法をコピーして、そこから自分らしい音楽に落とし込む天才だったと思うんだ。自分のやってることはそういうことだと捉えるようにしているよ。

その上で、「ファット・ドッグらしさ」っていうのは、国とかエリアによって解釈が異なるものなんじゃないかな。例えばポーランドだと、自分たちと近いハイエネルギーなバンド──『ユーロビジョン』に出場するようなバンドだね──が80年代から広く聞かれているから、ファット・ドッグはあまり新鮮ではないのかもしれない。ただ、ウィンドミル（注：ファット・ドッグが拠点としているサウス・ロンドンのヴェニュー）では別の解釈をされる。そういうズレこそが音楽のエキサイティングな部分でもあると思うよ。

──なるほど。デビューアルバム『WOOF.』の曲はパンデミックの最中にジョーさんの家で書かれ、それがライブハウスで多くの人に開かれていくというプロセスを経ましたよね。今話していた「音楽の聞かれる環境」という話題に関連づけると、部屋に籠って作る音楽とダンスミュージックとしてオーディエンスが一つになって踊る音楽は、ある種の対極にあるとも思うんです。この二つはジョーさんの中でどのように繋がっているのでしょうか？

パンデミックの最中はとにかく孤独だった。だからこそ、一人で静かに聞くような音楽じゃなく、みんなで楽しく踊ったりとかできるような曲を書きたいと思ったんだ。自然な流れだと思うよ。

ただ、ロックダウンが明けた後のロンドンはライブ中に着席する必要があったんだ。少しでも客席から立ち上がったら、セキュリティに即注意されるんだ。僕はそんな状況に全く合わない音楽ばかり作ってしまった、ちょっと後悔したよね（笑）。

あぁ、2021年だったかな。その後に状況が緩和されて、最初に普通の状態に戻った時のライブはよく覚えてるよ。小さい会場だったんだけど、みんなが観に来てくれたことが本当に嬉しくて。つい興奮して客席に降りていったら、もみくちゃにされて、足首を捻ってね（笑）。それが2曲目だったから、残りの曲は何事もなかったようにやり過ごしたけど、それから10日ぐらいは歩けなかったよ。ただ、その怪我をするだけの価値はあったね。

──ファット・ドッグのライブはステージと客席がとても近いですよね。単純な疑問なんですけど、客席に入るときって何を考えているんですか？

ステージからだと、オーディエンスとアイコンタクトが取れない。だからみんなとコミュニケーションをして、より踊らせるために客席の中に入ってるんだ。ただ、最近はパンパンなフロアが多くなったから、あんまり降りれてないんだよね。この前のロンドンのライブなんか、最後の曲で完全に押しつぶされて、もう散々だったよ（笑）。

──そういう激しいスタイルと『マインクラフト』とか『スーパーマリオ64』が繋がっているのも、「ファット・ドッグらしさ」の一つだと個人的には思います。

そうだね。『マインクラフト』のサウンドトラックってアンビエントでリラックスできるし、もしかしたらファット・ドッグの2ndアルバムもそうなるかもね（笑）。

ELLEGARDEN／Nothing's Carved In Stoneの生形真一さんと、SUPER BEAVERの柳沢亮太さん。ともにバンドの結成にあわせてギブソンを手にしたという二人が、互いのリスペクトを込めつつ、それぞれの人生の真ん中にあるギターへの思いを語り合った。

──まず、お二人の出会いからお聞きします。

生形真一（以下、生形）　最初にSUPER BEAVERを見たのは、一緒に出演した大阪のライブイベントだったんじゃないかな。

柳沢亮太（以下、柳沢）　2014年でしたよね。僕が病み上がりの時期だったので、ライブが終わったらすぐ帰ってしまい、ウブさんと話せなかったんです。

生形　俺はその前からSUPER BEAVERを知っていて、特に『ありがとう』がすごくいい曲だと思っていたんです。しかもバンドの詞曲のほぼすべてをギタリストがつくっていると聞いて、その珍しさにも興味を引かれていました。一緒に出演した大阪のイベントでは絶対に観たいバンドだったんですよ。

柳沢　僕も大阪でウブさんのライブを見るのを楽しみにしていました。中学生でELLEGARDENと出会って以来、ずっと聴いてきた人ですから。生で見たウブさんは、やっぱりウブさんそのままでした。

──その後はどんな接点を持たれたのですか？

柳沢　同じステージに立つ機会はあまりなかったんですけど、プライベートでお食事をさせてもらうようになりました。そこがバンドマンのいいところで、特にフェスやイベントで知り合えると、年齢やキャリアに関係なく、学生時代からファンだった人ともつながれるんですよ。

生形　それでヤナギからいろんな話を聞いて、彼らがとても苦労したことを知るんですけど、そういう経験もあるからこそメッセージを放てるバンドなのだと思い直しました。久しぶりに現れた感じでしたよ。バンドマンだからこそ好きになるライブバンドというのは。

柳沢　嬉しいです。ありがとうございます。僕にとってのウブさんは憧れの存在だったので、学生時代はオクターブ奏法から真似しました。聞き込むほどに驚いていくんです。ウブさんが奏でる裏メロ的でキャッチーなフレーズの素晴らしさに。それに影響された人間の多さは、ELLEGARDENの復活で証明されました。まさにカリスマだと思ったんです。

生形　ありがたい話だね。

柳沢　2018年でしたよね。何の前触れもなく活動再開が発表されたら、その日の音楽トピックスがELLEGARDEN一色に染まった。同じ日に新曲をリリースしなくてよかったと思ったくらいです。10年のブランクを経ても大注目されるところに、圧倒的なバンドの強さを感じました。

──音楽とギターの始まりについて教えてください。

生形一番のきっかけは、中学生のときのバンドブームでした。当時はそこら中にバンドがいて、みんなギターを手にしていたんです。俺も同じように弾き始めたけど、ブームが去るとやめるヤツが増える中で、自分は夢中でい続けられた。我ながら上達が早いと思えたのがよかったんじゃないかな。

柳沢　そういう感覚は大事ですよね。

──センスを実感できたのですか？

生形　それは自分じゃよくわからないですね。未だにやりたいプレイが完璧に弾けるわけじゃないし、バンドを長く続ける中ではギターを遠ざけたこともあった。けれど最近は、1周回ったのかよく弾いています。

柳沢　家でもですか？

生形　練習やフレーズをつくるためではなく、ただひたすら好きなギターを触っている時間が大半だけどね。

柳沢　やっぱりそうなんですね。僕がギターを始めたのは、親父がギタリスト（柳沢二三男氏）というきっかけもあるんですが、飯と風呂とトイレ以外はずっと弾いている人でした。家族旅行にもギターを持っていくくらいだったんです。

生形　それヤナギが酔うと必ず口にする話だね。

柳沢　そういう家庭で育ったおかげもあって、ウブさんと親父が被るんです。ギタリスト然としたイメージが。

生形　お父さんのギターは弾かせてもらえた？

柳沢　一度もないです。子供の頃から「仕事部屋には絶対入るな！」が言いつけでしたから。

──柳沢さんがギターを始めたのはいつですか？

柳沢　最初に触ったのは10歳くらいで、一旦飽きるのですが、小学6年生でバンドを組むんです。幼稚園から知っているSUPER BEAVERのヒロ（藤原”35才”広明）がドラムで。週一で学校の音楽室を貸してもらえたので、ランドセルと一緒にギターのスターターセットを担いで通っていました。

──その当時からプロになろうと？

柳沢　10代の頃は思いませんでしたね。親父の話に戻りますが、函館からギター1本担いで上京した父に、「プロは甘くねぇぞ。もっと弾け！」と言われると、返す言葉がなくなるというか。そこまで弾ききれない自分にコンプレックスを感じてしまって。ただ、『GLAY』と出会ったのが大きな転機になりました。ギタリストのTAKUROさんが曲をつくることを知って、そこから僕もギターを使った曲づくりに目覚めたんです。親父と同じではなくてもギターを弾く道を見つけられたのが救いになりました。

生形　ギタリストにもいろんなタイプがいるけれど、ヤナギは『Nine Inch Nails』のトレント・レズナーに似ているんだと思う。作る曲調とかではなく、作曲家としてのギターに対する姿勢が。彼は作曲もするしボーカリストでもあるので、ギタリストという見られ方をほとんどされないんだけど、実は曲にマッチした素晴らしいギターを弾くんだよね。

──ギブソンとの出会いを聞かせてください。

生形　22歳のときにELLEGARDENを始めるので新しいギターが欲しいと思って、地元の楽器店で見つけたのが赤のES-335でした。ハムバッカーの音が好きでギブソンを選んだのですが、当時の335が手頃な価格だったのも大きかったですね。安くなってて14万円くらいだったかな。楽器店でガンガン試奏していたらアンプの音量を下げられたんですよ。あれは忘れられないな（笑）。それと、天邪鬼なので誰も弾いていないギターがよかった。ギブソンの代表格はレスポールだけど、パンクバンドのギタリストがこぞって使っていたし、一方で俺らのシーンで箱物を弾いている人はいなかったんです。それでこれにしようと。

柳沢　僕も335を持っていますけど、アンプをつながなくても鳴るのがいいですよね。それによって生まれる音もある。

生形　このギターを最初に選んだことでバンドの中で生まれた音があるし、箱物ならではのサウンドやフレーズが出せたおかげで自分のスタイルが確立していったところもある。やっぱり、ギターに引っ張られ続けて今日まで来ているんでしょうね。

コンスタントに作品をリリースしながら、映画音楽やリミックス（昨年にはD.A.N.を手掛ける）など、幅広い活動の中で確固たる評価を得ているポスト・ロック・バンド、モグワイ（MOGWAI）が英チャート6位を記録した前作『Every Country’s Sun』から3年半ぶり、10作目となる新作『AS THE LOVE CONTINUES』を2月19日（金）に全世界同時リリースする。 モグワイやザ・フレーミング・リップス（The Flaming Lips）らの作品などで知られるプロデューサー、デイヴ・フリッドマン（Dave Fridmann）と共に、2020年初頭からレコーディングはスタート。元々アメリカでレコーディングされる予定だったが、パンデミックの為、そのロケーションはイングランドのウスターシャーへと変更となった。 収録曲“Midnight Flit”“Pat Stains”では、ナイン・インチ・ネイルズ（Nine Inch Nails）のトレント・レズナー（Trent Reznor）と名作曲家コンビとして、多くの映画音楽を担当するアッティカス・ロス（Atticus Ross）をコントリビューターに迎えるなど、多彩な音色を奏でながらも、バンドの源流を継承するハードコアなモグワイサウンドを堪能できる一作が完成した。 COVID-19の影響や映画音楽との関わり、またモグワイというバンドの姿勢についてを訊いた、フロントマンのスチュアート・ブレイスウェイト（Stuart Braithwaite）へのインタビューが到着した。この記事が『AS THE LOVE CONTINUES』の先行シングルから想像を広げ、また作品の理解を深める助けになれば幸いだ。また、2月13日（土）には、アルバムの先行視聴会がウルトラ・ヴァイヴによる新レコード店「ULTRA SHIBUYA」で開催される。詳細は記事の最後にあるので、こちらもチェックしていただきたい。

──今作は当初アメリカでレコーディングする予定だったのが、COVID-19の感染拡大による影響でロケーションがウスターシャーに変更されたと聞きました。前作『エヴリ・カントリーズ・サン』ではメンバー間でMP3を交換しながら曲のアイデアを練り上げていったと聞きましたが、今回の曲作りは具体的にどのようなかたちで作業は進められたのでしょうか？　また、レコーディング地の変更によって他に当初のアイデアや計画の変更や中止を余儀なくされたことはありましたか？ そうなんだよ。最初はニューヨークのアップステイトでレコーディングする予定だったんだけど、海外渡航ができなくなってしまって、国内でレコーディングしないといけなくなった。それで、ウスターシャーのVadaスタジオでレコーディングすることになったんだ。プロデュースはそのままデイブが担当してくれたけど、作業は全てzoomを通してだった。まあそれでも結果全て無事に作業を進めることができたからよかったんだけどね。予定よりも2、3ヶ月作業が遅れる羽目にもなったけど、完成してよかったよ。 ──ソングライティングのプロセスに関してはどうですか？　コロナの影響はありましたか？ いや、そこまで影響はなかった。僕たちは普段から個々で曲を書いているから、プロセスは同じだったんだ。バリーがベルリンにいたから、彼がグラスゴーにスムーズには帰ってこれなくて、それでちょっと手こずったりはしたけどね。最終的には帰ってこれた。まあ障害はいくつか出てきたけど、全てどうにかなったから大きな影響はなかったと思う。 ──コロナがなかったから、アルバムの出来は違っていたと思いますか？ 正直、コロナがあったことで、作品はベターになったと思う。何より集中が出来たし、時間も出来たから色々な作業が出来た。あと、コロナのせいで何もすることがない、何も出来ないという人たちも多かったと思うけど、僕たちの場合、アルバム制作というプロジェクトがあった。その作業が出来ること、何か取り組むべきプロジェクトがあるということに感謝を感じて作業することができたのも良かったと思うね。 ──前作では、その前のアルバム『レイヴ・テープス』がシンセを作曲段階や演奏に大きく取り入れたこともあって、“よりギターを重視したラウドなサウンド”が求められたと話されていました。対して、今回のレコーディングで重視したこと、新たな試みはどんなことでしたか？ 意識していたのは、できるだけ良いサウンドを作ることだけ。ギター重視にするというよりは、電子音と楽器音のバランスがとれたサウンドにしたかったから、シンセとギターのバランスを取るという意味で前回よりもギターが増えたんだよ。そのバランスが今回でのレコードでは一番重要だったと思う。

──そのバランスは始めから定めていたゴールだったのですか？ いや、作業していくうちにそうなったんだ。作業を始めた時、ゴールは全く定まっていなかったからね。自然にバランスが重視されるサウンドになっていったんだ。 ──今回試した新たな試みは何かありましたか？ 色々あるよ。でもその中でも難しかったのは“Ceiling Granny”。あの曲はめちゃくちゃ早かったから、作っていくうちにどんどんスピードが上がっていって、自分たちが演奏できくなるまでスピードアップしたんだ（笑）。 ──今作では前作に引き続きデイヴ・フリッドマンがプロデューサーに起用されています。フリッドマンとは旧知の間柄ですが、今回の制作に際してはどんな話し合いが持たれましたか？　バンドとフリッドマンとの間で共有していたプランやアイデア、また前作からの変化や違いという部分で意識されてたことはなんしょう？ デイヴは、今回のレコードをこれまでのどのレコードとも違う作品にするために、僕たちに曲ごとに違うこと、新しいことに挑戦させたんだ。さっき話した“Ceiling Granny”のスピードも、その試みの中の一つ。挑戦したことの中には、成功したものもあれば、失敗したものもある。それを採用するしないにかかわらず、とりあえず他の曲ではやっていないことを各曲で挑戦してみたんだよ。 ──今作にはアッティカ・ロスやコリン・ステットソンをゲストに迎えています。彼らは映画音楽を数多く手がけてきた作家として知られています。モグワイもこの10年、同じく数々の映画音楽を手がけてこられましたが、そうした映画音楽の作家として二人の活動や作品をチェックしたり、また刺激やインスピレーションを受けたりしてきた部分もありますか？ そうだね。モグワイも映画音楽を手がけてきたから、映画音楽にもっと興味を持つようになったし、学ぶ姿勢が強くなっていった。その過程で、彼らはもともと素晴らしいミュージシャンたちだけど、彼らの音楽の素晴らしさに更に気づくようになったというのはあるかもしれない。 ──モグワイとしては、今作と前作の間にサウンドトラックを2作品、『Kin』と『ZEROZEROZERO』をリリースされています。そうした映画音楽の制作が今回のアルバムに与えた影響、フィードバックされた部分についてはいかがでしょうか？　また、今のモグワイの活動において、スタジオ・アルバムの制作と映画音楽の制作はどんな関係性にあるのか、教えていただけますか？ 影響しているとは思う。どんな作業でも、自分たちが何かを気に入れば、それを次の作品で使ったりすることはあるから。でも、サウンドドラックを作るのと自分たちの音楽を作るのとではプロセスが全く違うから、そこまで意識した影響はないかもしれない。モグワイの音楽を作る時は、もっとパーソナルだからね。それに、アルバム制作でもデイヴやエンジニアと作業したけど、テレビや映画のために音楽を作るときは、それとは比にならないくらい沢山の人たちが制作に関わるんだ。この2つの作業は、本当に異なるんだ。

──逆に何か一つでも共通するものは思いつきますか？ レコーディングを初めてしまえば、流れは似ているかなとは思う。でもインスピレーションやプロセスはやっぱり全然違うね。正直、自分たちがより楽しめるのは自分たちのレコードを作る方かな。ダメ出しをされることがないから。ジャーナリストからはされるけど（笑）。でも、映像音楽の場合は、大変なぶん達成感はかなり大きい。 ──以上の話を踏まえた上で、自分たちのアイデアやプランが思い通りにはまったと思える楽曲、あるいはあなたの個人的なベスト・ナンバーでもいいので、できれば理由も合わせて教えてもらえますか？ “Ritchie Sacramento”にはかなり満足している。実際曲として形にできるかわからなかったアイディアの数々を、ちゃんと合わせて曲にすることが出来たから。アルバムを代表する一曲として選ぶのは、“Dry Fantasy”かな。あの曲には本当に沢山の音楽的要素が含まれていて、昔のモグワイの曲とは全然違うだんだけれど、どこかこれまでのモグワイにも聴こえる。その両方を含んだサウンドを達成できたのが“Dry Fantasy”だと思う。昔のサウンドと今のサウンドを組み合わせてバランスをとるのが難しいわけではないかもしれない。でも長い時間をかけて曲を作っている中で自然にそれが起こると、すごく達成感を感じるんだ。リスナーには新しいサウンドも提供したいし、これまでのモグワイサウンドを聴きたいという期待にも答えたい。その両方が出来る曲が出来上がるのは嬉しいことだね。

──どのようなサウンドがバンドを特徴づける定番の“モグワイ・サウンド”だと思いますか？ なんだろうな。僕たちが頻繁に使うサウンドがそのサウンドになるとすれば、ドローン・サウンドはその一つ。あと、何か特定の音というよりは、エモーショナルになるという部分はモグワイのサウンドの特徴の一つだと思う。 ──「As the Love Continues」というタイトルはどうやってつけたのか、込められた意味と合わせて教えてください。 ドラマーのマーティンの娘が言った言葉なんだ。まだ5歳で、彼女が何を言おうとしてたのかはわからないんだけどね（笑）。本人自身もわかってなかったかも（笑）。でもメンバー全員がそれを気に入って、レコードのタイトルにすることにしたんだ。 ──このタイトルとアルバムの内容、もしくはサウンドに繋がりは？ あまりないと思う。このアルバムは暖かい雰囲気を持ったレコードだと思うから、そことは繋がっているかもな。でもアルバムにはダークな面もあるから、やっぱり違うかも（笑）。 ──今作はスタジオ・アルバムとしては10作目になります。いわば節目を飾る作品と言えるわけですが、その辺りの感慨がありましたら教えてください。 そうだね。やはりスペシャルに感じる。バンドを結成して25周年の記念アルバムでもあるから、それも合わさって特に意義深く感じるよ。10作目になっても、自分たちが納得のいく“グッド・サウンド”を作るのは未だに難しいものだね。音楽の可能性は無限。だから、これからも挑戦したい新しいことが、間違いなくまだまだ沢山でてくるはず。自分自身でもそれが何かはわからないけど。 ──COVID-19以降の音楽活動については、どんな考えや展望をお持ちですか？　特にライヴやツアーが行えないことは、ビジネス面においてもそうですが、クリエイティヴの部分においても大きな影響をもたらすことが想像できます。その辺りの率直な思いを教えていただきたいです。 今はライブ・フィルムを完成させようとしているところ。あとは、ドキュメンタリーも製作中。それ以外は、とにかくワクチンが普及してライブができるようになることを祈るのみ。それがやはり、僕たちが一番楽しみにしていることだからね。自分たちのクリエイティヴィティにコロナが影響しているとはあまり思わないんだ。逆に、よりクリエイティヴになる機会を与えられているような気がする。だって、音楽を作る以外他に何もすることがないからさ（笑）。今のこの状況が、バンドの状態を左右しているとはあまり感じていないね。

MOGWAI 1995年にグラスゴーで結成されたロック・バンド。現在のメンバーはStuart Braithwaite（G／Vo）、Barry Burns（G／Piano／Syn／Vo）、Dominic Aitchison（Bass）、Martin Bulloch（Dr）の4人。1997年にデビュー・アルバム『Mogwai Young Team』をリリースし、続く1999年のセカンド・アルバム『Come On Die Young』はUKトップ30ヒットを記録した。2011年の7枚目のアルバム『Hardcore Will Never Die, But You Will』より、バンドはグラスゴーをベースとする自身のインディペンデント・レーベル、Rock Action Recordsより自らのアルバムもリリース。2014年の8枚目のアルバム『Rave Tapes』はUKチャートの10位/スコットランド・チャートの2位を記録。2017年の9枚目のアルバム『Every Country's Sun』はUKチャートの6位／スコットランド・チャートの2位を記録した。 Twitter｜Instagram

22歳のミュージシャンMomが、12月13日(金)にVeats Shibuyaにて開催した自主企画＜look forward to science Vol.3＞の模様をお送りする。 今年9月からMomが始めた自主企画も3度目。Vol.1はDENIMSとbetcover!!、10月に開催されたVol.2はxiangyuとTOKYO HEALTH CLUBを招集。それぞれジャンルやスタイルを超えた独自の魅力を持つアーティストたちと、ライブを繰り広げてきた。そしてVol.3では初めての対バン形式で敢行。6人組エレクトロポップバンドLucky Kilimanjaroを迎え、Mom自身もバンドセットでライブを行うことが発表され、注目が集まる一夜であった。

会場となったVeats Shibuyaは8月22日にオープンしたばかりのキャパシティ最大600人ほどのライブハウス。全面フローリング張りのフロアとオシャレなカフェのような明るく洗練された空間は、ライブハウスに行ったことがない人も馴染みやすいと評判になっている。そのような空間にふさわしく、会場内もどこかホームパーティのような雰囲気。来場者にはオリジナルステッカーとフリーのチュッパチャプスが振る舞われ、会場のいたるところにはポップアート風のポスターが貼られている。しかし、会場の中で流れていたのは高田渡のアルバム『汽車が田舎を通るそのとき』。オシャレな空間に高田渡のメランコリックな声と語りが響き渡るミスマッチさと奇妙さが、ジャンルや文脈を横断し続けるMomの粋なこだわりのように思えた。 19時半を少し過ぎた頃、ゲストアクトのLucky Kilimanjaroのライブがスタート。シンセサイザーのリフと情緒的な歌詞が印象的な“風になる”と、アーバンなサウンドの“新しい靴”に続いて、3曲目には“Burning Friday Night”を披露。金曜日の夜にふさわしく、熱の籠った演奏で会場を沸かせる。パーカッションの奥真人が「熱いね」とMCでつぶやくほどフロアの熱気を高めた彼らは、その後も10月にリリースされたEP『FRESH』の楽曲を中心に、次々とアッパーなビートの曲を演奏していく。

ドラム、シンセパッド、ベースによる厚みのあるグルーヴに乗り揺れるように踊るボーカルの熊木幸丸に呼応するように、フロアの観客たちも体を揺らす。中盤には来年1月にリリースされるアルバムより新曲“ Galaxyを披露。この楽曲は熊木が「酒を飲む歌です」と宣言していた通り、コンビニで酒を買い、家で晩酌する喜びを歌ったダンスナンバー。移り変わるリズムパターンとディスコ調のギターフレーズに、フロアの熱は増していく。そこから畳み掛けるように代表曲たちを披露しライブは終了。ほとんどMCもなくシームレスにダンスナンバーを演奏し続けたLucky Kilimanjaroのステージは、幸福な余韻と熱を残した。

20分の転換の間にステージ上には、普段のライブでもお馴染みとなっているMomロゴライト、観葉植物、砂嵐の映るブラウン管テレビ、ガイコツの模型が置かれると、Momのライブがスタート。

ダニエル・ジョンストンの記号“Life In Vein”のSEが流れる中、サポートメンバーのShin Sakiura(Gt/Ba) と堀正輝 (Dr)、Momが登場すると、リリースされたばかりの最新曲“ハッピーニュースペーパー”を一曲目にいきなり披露。堀正輝が鳴らす緻密なビートとShin Sakiuraのギターフレーズに乗せて、Momがエネルギッシュに動き回りながらラップを繰り出していく。続く二曲目は“Boys and Girls”。

ダ今年の初めにリリースされて以降すでにライブアンセムに成長したこの曲を、ドライブ感溢れるドラムビートと共に熱量たっぷりに歌うと、観客たちにもその熱が伝播し、歌い踊る。そして観客たちがスマートフォンでライトを照らす中披露された“タクシードライバー”に続いて、“気になるあの子（運動靴とディストピア）”、“いたいけな惑星”などライブの定番曲を次々に演奏していく。堀正輝が叩くビートとShin Sakiuraのブルージーなギターの中に響くMomの声に、観客は酔いしれる。

6曲目に演奏されたのは11月にリリースされた新曲“マスク”。世の中に対する違和感と静かな怒りを歌った内省的なこの曲の狂気と暴力性が、サビの強烈なドラムビートと猟奇的なギターフレーズによって強調される。マイクスタンドを持ちながら歌うMomのボーカルスタイルもナイン・インチ・ネイルズ（Nine Inch Nails）のトレント・レズナーを彷彿とさせるものであった。

個人的にこの曲がライブの前半の大きなハイライトの一つであった。“マスク”を演奏したのち、堀とShin Sakiuraが袖にはけ、Momがエレキギターを持ちMCタイムへ。好きなチュッパチャプスの味の話（Mom曰く『コーラとプリンを交互に舐めるのがクレバー』だとか）やゲームが下手になって老いを感じた話に、先ほどのシリアスな演奏とは打って変わりアットホームな空気感に会場が変わる。そして「歌えたら歌ってね」と言いながらおもむろに歌い始めたのは、まだタイトルが決まっていないという新曲。 “デビルマン”や藤子・F・不二雄作品を彷彿させるような寓話的でディストピア感に満ちた歌詞と諦念に満ちたメロディで、再び会場に緊張感が生まれる。それに続いて歌ったのは『Detox』のラストナンバー“冷たく輝く星の下で”。音源ではローファイなビートと、ボイスエフェクトのかかったボーカルで歌わるこの曲だが、エレキギターの弾き語りで歌われることで歌詞とメロディがより立体的に響く。 そして“マスク”や“ハッピーニュースペーパー”、そして先ほどの新曲とも通じる静かな怒りと諦念を《It’s Gonna Be Arlight》というフレーズで肯定するこの楽曲を聴き入りながら、今のMomが目指すコンシャスな表現に想いを馳せずにはいられなかった。それでも最後の「オーライ」の「オー」を観客全員で合唱しながら、ピースフルに弾き語りパートは幕を閉じた。

再び堀正輝とShin Sakiuraがステージに戻ると、Momもギターを手に取りスリーピースバンドスタイルで“ひみつのふたり”、“東京”、“卒業”を披露していく。ロックバンドのようなソリッドな音でエレキギターを弾きながら歌われるメロディは、会場内をエモーショナルな空気で包み込む。演奏が終わると3人は楽器を置き、そそくさと退場。あまりにもあっけない本編終了に自然とアンコールを望む拍手が巻き起こる。

その拍手に押されるかのようにステージに戻る 3人。すぐさまキャッチーなクラップビートが鳴り響き、代表曲“That Girl（better mix）”からアンコールが始まる。《君のプレイリストに僕を加えてよ》というフック部分ではシーケンスとドラムとギターが生み出すグルーヴに観客たちは体を揺らす。会場中が幸福感に満ちるなか、Momが「もう一曲やっていい？」と言うとライブ定番のアンセムソング“Boyfriend”が始まる。サビで「手を挙げて一緒に！」と煽るとフロアのグルーヴに一体感が増していき、この夜最大の熱気に包まれた。

ポップで人懐っこいこの楽曲を観客と共に歌いながら、「なんでもできるShin Sakiura！なんでも叩ける堀正輝！そして僕がMom！ありがとう」と改めてメンバー紹介をするMomの表情からは幸福感が溢れていた。演奏を終え、Lucky Kilimanjaroやスタッフ、観客に感謝を告げたのち、一本締めで＜look forward to science Vol.3＞は終了。Momは最後に「みんなで新しい時代を築いていきましょう」と言って、ステージを降りた。

9月・10月・12月と3本連続で開催してきたMom初の自主企画シリーズ＜look forward to science＞はこれにてひとまず終了。しかし、終演後にはライブで披露した新曲のデモがSEで流れ、入場時に配られた特典ステッカーにも新曲(弾き語りVer)のダウンロードコードが。次の作品への期待と、来年以降のMomの活動がますます楽しみになる一夜であった。

Mom シンガーソングライター／トラックメイカー。現役大学生の22 歳。 現行の海外ヒップホップシーンとの同時代性を強く感じさせるサウンドコラージュ・リズムアプローチを取り入れつつも日本人の琴線に触れるメロディラインを重ねたトラック、遊び心のあるワードセンスが散りばめられた内省的で時にオフェンシブなリリックに、Mom のオリジナリティが光る。また音源制作に限らず、アートワークやMusic Video の監修までも自身が担当。マルチな才能でファンを魅了し続ける。 2018 年初頭から本格的に活動を開始。同年11 月、初の全国流通盤となる『PLAYGROUND』をリリース。Apple Music『NEW ARTIST』にも選出され、渋谷O-nest で開催したリリースパーティは完売。2019 年5 月、前作よりわずか半年間のハイペースでリリースした2nd album 『Detox』は、TOWER RECORDS 『タワレコメン』に選出。渋谷WWW にてchelmico をゲストに招き開催したリリースパーティも完売させた。

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