2026年1月17日（土）・18日（日）、幕張メッセで開催される＜GMO SONIC 2026＞（以下、GMO SONIC）。2023年に初開催されて以来、毎年1月の開催を重ねてきた日本発の大型音楽フェスティバルは、今回さいたまスーパーアリーナから会場を移し、4回目の開催を迎える。

＜GMO SONIC＞のラインナップで最初に注目すべきは、なんと言っても2日目のヘッドライナーを務めるダンスミュージックシーンの伝説的スーパーグループ、スウェディッシュ・ハウス・マフィア（Swedish House Mafia）（以下、SHM）だろう。スウェーデン出身のアクスウェル（Axwell）、スティーヴ・アンジェロ（Steve Angello）、セバスチャン・イングロッソ（Sebastian Ingrosso）の3人で構成されるこのスーパーグループは、2008年の結成以来、“Don't You Worry Child”、“Save The World”といったダンスミュージック史に残るアンセムを生み出してきた。

一方、海外勢では現行シーンを牽引する新鋭が揃った。ドム・ドラ（Dom Dolla）はテックハウスシーンを代表するオーストラリア出身のプロデューサーで、グルーヴィーなベースラインと遊び心あふれるトラックメイキングで知られる。メデューサ（Meduza³）は“Piece of Your Heart”で世界的ヒットを記録した人気トリオで、ディープハウスのグルーヴとエモーショナルなボーカルを融合させたサウンドが特徴だ。 ヒップホップ／R＆Bからも重要なアーティストが出演する。グロリラ（GloRilla）はグラミー賞ノミネート経験を持つメンフィス出身の女性ラッパーで、2022年の“F.N.F. (Let's Go)”でブレイク。2024年のデビューアルバム『Glorious』は全米アルバムチャートで5位を獲得した。SIRUPは日本のR＆B／ネオソウルシーンを牽引するシンガーで、ラップとボーカルをシームレスに行き来する変幻自在の歌唱が持ち味だ。

Text：Jun Fukunaga

今年、結成20周年を迎えたONE OK ROCK。2月にリリースされた11thアルバム『DETOX』を引っ提げ敢行された南米ツアー、そして過去最大規模となった北米ツアーを経て、＜ONE OK ROCK DETOX JAPAN TOUR 2025＞で堂々の帰還を果たした彼ら。本ツアーおよびバンド史上最大規模で挑んだ日産スタジアムの初日公演を振り返る。

8月30日（土）。横浜・日産スタジアムには、日昼の気温を上回るほどの熱気と高揚感が充満していた。アルバム『DETOX』のリリースから数えること約半年、南米最大級のフェス＜Tecate Pal Norte 2025＞への出演、そして史上最大規模となった全米ツアーを経てのジャパンツアーは、凱旋帰国であり最早来日というに相応しい様相だ。

開演時刻を過ぎた18時10分、客入れBGMが止み、照明が暗転。開幕を前にすでにヒートアップ気味の観客席から轟くような歓声があがる中、スクリーンにはアルバムジャケットに描かれたフラッグに続いて、『DETOX』と書かれた本の表紙が映し出される。語られるのは、絶えない紛争、ウィルスの蔓延、AI信仰といった現代社会の混沌を隠喩するファンタジー。それまで響いていた歓声とは対照的な、無機質な人工音声が「平和な国があるのは、平和でない国があるから」と静まり返った会場に突きつける。そして、物語はこう締めくくられた。「ワンオクロックは音楽の力で世界を浄化する」――。『DETOX』の大命題であり、ONE OK ROCKが自らに課した使命が高らかに宣言されると同時にステージにメンバーが登場。ここで沸き起こった喝采は、ライブへの期待感を超えた7万人の同志たちの共鳴そのものであった。

＜先攻か後攻で決まるような　馬鹿げたペテン師のゲームに　実際踊らされて狂わされ　騙されたあげく　They want to make us pick a side＞と力強く突き抜けるTaka（Vo.）の声を号砲に、「Puppets Can't Control You」で幕を開けた日産スタジアムに爆炎があがる。アグレッシブなリズムと深く重たいベースにギラついたギターリフが絡むダイナミックなサウンドに興奮が渦を巻く。ライブではすでにお馴染みとなった2曲「Save Yourself」、「Make It Out Alive」では、Takaの「もっとイこうぜ！」という煽りにオーディエンスがシンガロングとヘドバンで応える。Toru（Gt.）とRyota（Ba.）もスタジアム中が一斉に頭を振り乱す圧倒的エネルギーをステージ前方で浴びていたが、一方でどこか覚悟を決めたような強い眼差しが印象的だった。

怒涛の勢いで3曲を披露、この日初めてのMCではTakaが「今日この瞬間を、僕たちはずっと待っていました。四角く広がったこの空は全部僕たちのもの。一夜限りの勇気を与えたいと思います」と語りかけた。

結束力がさらに高まった会場で続いて披露されたのは、2015年発表のライブ必須アンセム「Cry out」。バックスクリーンには＜Cry out〜＞と声を合わせるオーディエンスの姿が映し出される。空を揺るがすほどに鳴り渡る7万人のシンガロング、あの壮大な光景は今思い出しても鳥肌が立つほどだ。さらに続けて、『DETOX』のオープニングを飾る「NASTY」で畳み掛ける。Tomoya（Dr.）が打ち出す地鳴りのようなビートに、Ryotaのゴリゴリと唸るベースラインと空間ごと切り裂くほどに鋭いToruのギターが重なる。目を見開き全身全霊で怒りを叫ぶTakaの姿にONE OK ROCKというバンドの原動力を見た。

「ひとりひとりのエネルギーが届いています。この景色は、ここまでの積み重ねだと思っています（Ryota）」と、各メンバーから本ツアー最大規模でもある日産スタジアムでオーディエンスとの再会が叶った喜びが語られたあと「古い曲をやります」というTakaの言葉に続いて披露されたのは「Living Dolls」。ファンのあいだでは名曲と名高いミドルバラードの同曲は、今回のツアーでおよそ10年ぶりにセットリスト入りしたこともあり、Toruのギターイントロが鳴るや否やどよめき混じりに感嘆の声があがった。20周年の記念すべきタイミングにライブで聴く同曲は、オーディエンスにとって最高のサプライズになったはずだ。すっかり空も暗くなり涼しい風が吹き始めたころ、メランコリックなギターを聴かせる抒情的な「Party’s Over」では、入場口で配布されていたシンクロライトが一斉に点灯。演奏に合わせて波形が変わる幻想的な光景が、このスペシャルな夜に彩りを添える。

今回のライブを観て、スタジオ音源のクオリティを生演奏で届けるスキルには改めて驚かされた。スタジオ音源というひとつの到達点を基点とするからこそ生まれるオーディエンスとの一体感によって“今ここで『DETOX』が完成しているのだ”と感じられる場面が何度もあった。MCの際、Ryotaが「今日の僕たちは仕上がりすぎなくらいに仕上がってます」と笑っていたが、緻密に構築された楽曲を、スタジアムという音響的にシビアな環境で爆発的なパフォーマンスとともに再現する力量は、まさに凄絶というほかない。 Takaにいたっては、超人的とも言えるほどの声量と歌唱力でスタジアムを圧倒していた。そのボーカリストとしての表現力を存分に発揮したのが『DETOX』収録曲の中でもメロウなギターリフと哀愁ある歌声が異彩をはなつ「Tiny Pieces」、サポートメンバーGakushiのピアノ伴奏で歌いあげた「All Mine」、「Renegades」そしてTakaにとって“愛を教えてくれた人”と語る祖母に向けた曲「This Can’t Be Us」だ。

「アルバムのテーマからは外れてるけど、僕的には想いがたくさん詰まった曲。みなさんも周りにいる大切な人たちを思い浮かべて、ここに一緒に来てる人たちはしっかりと絆を深め合いながら、この曲を聴いてもらえたら嬉しい」と語った「This Can’t Be Us」には、心の奥底にまで沁み入るような感動があった。スクリーンに映し出される歌詞の日本語訳と、小さなころから祖母が注いでくれた優しい眼差しを表現したアニメーションも相まって、曲の終わりには拍手とともに啜り泣く声も聞こえた。

深い余韻に浸る観客に向けて、楽器隊によるインストが後半戦の始まりを告げる。凄まじい手数で怒涛のドラミングを見せるTomoya、5弦ベースを唸らせるRyota、舌を出しギターを鳴らすToruは、まさにギターヒーローと呼ぶにふさわしい存在感を放っていた。

ここで、観客席から真っ赤なギターを掻き鳴らすDAIDAI（Paledusk）とCHICO CARLITO、ステージにはPaleduskが登場。爆炎があがるなか膨大なエネルギーが激突する「C.U.R.I.O.S.I.T.Y.」に、先ほどまで静かな感動に包まれていたスタジアムは一転して混沌へ。座席がなければアリーナ席には巨大なサークルモッシュが発生していただろう。「これだけのメンツが登場してくれたんですから。やっちゃおうぜ！日産！」と、続く「One by One」ではKAITO（Paledusk）の全身全霊のシャウトとCHICO CARLITOの斬り込むフロウが絡む激烈コラボを披露、会場の熱量は一気に沸点へ。メンバーたちの顔に浮かんだこの日一番の無邪気な笑顔が、最高の瞬間だったことを証明していた。

スタジアムを焼き尽くしたPaleduskとCHICO CARLITOが去ったステージで続いて披露されたのは、彼らの無二のスタイルを世に知らしめた「The Beginning」。この曲だからこそ感じられるバンドの成熟とオーディエンスとの絶対的な結束感が印象的だった。

16曲目、「Delusion:All」が始まる前に、Takaから観客へ向けて、「この汗のぶんだけ、みなさんの愛情をすげえ感じてます。スタジアムツアー切ってるけど、当たり前なことだとは思ってない。だけどね、なぜか不思議と緊張してねえんだ。それは、俺らとお前らの信頼関係があるから」と、今日この場に立つことへの想いと感謝を語り、さらにこう続けた。「今回のアルバムは、ものすごく政治的なアルバムだしONE OK ROCK的にも強い表現で臨んだ。次にやる曲は俺らにとっても今の日本にとっても大事な曲だと思ってる。俺は、それがいいと思ったら右でも左でもいい。でも、そこを超えたところでなにかがおかしくなってることは事実だし、俺はONE OK ROCKを愛してくれているみなさんたちとこの混沌を乗り越えていきたい。いろんな考え方があるから、僕はそれを尊重します。でももし、心の中に溜まってるものがあるんだったら、次の曲で思いっきりぶち撒けてください」

アルバムの核心部というべき曲「Delusion:All」、Takaのハイトーンボイスがスタジアムを突破して夜空に響き渡る。＜why does it feel〜those walls＞と声を揃えるオーディエンスの姿、力強く音を刻むステージの光景は、革命絵画のような気迫と解放への渇望が満ち溢れていた。続く「Dystopia」では、スクリーンに映るメンバーの姿にリアルタイム映像合成を重ねMVさながらの世界観を演出。ドライブ感のあるサウンドが噴き上げた炎とともに憂うつもすべてさらっていく。怒りを原動力に、希望を掴み取っていく。そんなバンドの現在地が見てとれた。

＜May this space heal you. Step into your personal sanctuary of peace. Your TROPICAL THERAPY.（この空間があなたにとっての癒しの場になるように。さあ、あなただけのトロピカルセラピーへ）＞のメッセージに続いて披露された「Tropical Therapy」。力強くも哀愁を帯びたサウンドと楽園への逃亡を渇望するエモーショナルな歌声は、同志たちに希望を託す賛歌だ。モノクロームのスクリーンには、感慨深そうに声を揃えるメンバーたち、そして＜I need a getaway＞とレスポンスする7万人の姿が映し出される。ステージと観客席の垣根を越えて空間が一体化した「Tropical Therapy」は、間違いなくこの日のハイライトのひとつであった。

本編のラストを飾ったのは、「The Pilot＜/3」。Takaの内面を投影した私的な歌詞であるとともに、途方もない怒りを燃やし尽くした先に掴んだ愛と学び、ONE OK ROCKが歩んできた20年を体現するこの曲に、この日のすべてが詰まっていたように思う。持てる力を振り絞るように楽曲に想いをぶつける4人の表情は、限界を突破した清々しさがあった。Takaの「I will fight for myself」というロングトーンに会場中が驚嘆の声をあげる中、ストリングスが加わる。壮大なサウンドスケープに7万人の感動が溶けていくあの光景は、ONE OK ROCK史のみならずロック史の伝説として語り継がれるだろう。弦楽の音色を残し、マイクを放り投げ燃え尽きたようにサイドへ捌けるTaka、続けてステージを去っていくRyota、Toru、Tomoya。その背中に贈られる喝采の嵐は、しばらく止むことはなかった。

アンコールでは、「Stand Out Fit In」、「＋Matter」そして、不動のアンセム「We are」を披露。本編とはまた違った多幸感のあるパフォーマンスと打ち上がった花火とともに非の打ち所がない大団円を迎えた。終演後、名残惜しそうにステージに佇むメンバーの姿を眺めながら、前進し続ける彼らと時代を共有する喜びを噛み締めたのではないだろうか。怒りの先でたどり着いた大きな使命、そして世界とは自分自身であるということを啓示する『DETOX』。この日、この場に立ち会ったすべての人が受け取ったものが、ONE OK ROCKの軌跡そのものなのだ。

最後に、本編ラストを飾った「The Pilot </3」前にTakaが語ったMCを記しておく。

「僕は、この今の世の中が許せません。思い返すと、俺の人生はいつもなにかを許せない人生でした。生まれてからこの方、自分のことを許せなかったことがある。両親のことを許せなかったことがある。時に本気で世の中を許せなかったことがあって。強い感情を持ち続けて前に進むときって、すごいパワーがいるし、自分自身が燃え上がっている。あまりにも強いパワーを持ち続けて前に進み過ぎると大事なことに気づけない瞬間があるんです。今この世の中は、許すという気持ちを忘れた人たちが多すぎる。少なくとも許せないことの連鎖がこの混沌とした世の中を作っているんだと僕は思っています」

「俺は悲しいしツラいし、でも自分もそうだったなと思うと、なかなか大きな声で、ましてアルバムにすることってすごい勇気のいることだったんだけど、いつも背中を押してくれたのはみなさんたちでした。要はなにが言いたいのかと言うと、人間許せないという気持ちをいつまでも強く持ち続けると、それはいつか、今度はあなた自身が誰かに許された人になってしまうということ。それを俺は、俺らの音楽を聴いている皆さんたちにはわかってほしいなと思いました。これが今回のアルバムの裏テーマです」

「右があるから左があります。左があるから右があります。それでひとつの道です。僕はそう信じています。だから、みなさんたちの未来がこのアルバムを聴いて、僕はより明るいものになってほしいなと切実に思って作りました。今日みなさんたちがここに来てくれたこと、心より感謝します。そしてこの僕らの魂の叫びを、少しでもキャッチしてくれることを切に願っています。明日からみなさんたちはまた戦場に戻ります。でも、忘れないでください。ONE OK ROCKはいつもここにいます。明日からがんばりましょう。ONE OK ROCKでした、また会いましょう」

7月末、【ロバート・ダウニー・ジュニア「マーベル」復帰！】という驚きのニュースが報じられたこと、読者のみなさんの記憶に新しいことと思います。むしろあれから約3週間経った今でも、「マーベル」の次なる展開に期待がむくむく膨らみすぎて目が冴え眠れぬ日々を送っている方もいるのではないでしょうか？　さて、その情報が初お披露目された場というのが、アメリカ・カリフォルニアで開催されていた＜サンディエゴ・コミコン＞です。

＜サンディエゴ・コミコン＞とは何ぞや？　という方へ説明しましょう。同イベントがスタートしたのは、1970年。当初は主にコミックやSF／ファンタジーなどに特化した300人規模のものでしたが、年数を重ねるうち、映画、ドラマ、ゲーム、コミック、アニメ、玩具などありとあらゆるジャンルを取り扱うようになり、来場者13.5万人超えの世界最大級＆唯一無二のポップカルチャーの祭典へと発展していきました。具体的に何が行なわれているかというと、先に述べた「マーベル」などの映画・ドラマをはじめとする様々なコンテンツの発表会や、ハリウッドスターやクリエイターによるトークイベントやサイン会、各企業によるブース出店、限定グッズの販売、作家による作品展示販売、ゲーム大会、コスプレイヤー交流会、ワークショップなどなど……。ありとあらゆる楽しいことが集結しています。

そんな＜サンディエゴ・コミコン＞ですが、近年は苦難の時期が続いていました。2020年はパンデミックの影響で中止＆バーチャルイベントに変更して開催、2021年はワクチン接種者且つコロナ非感染者のみマスク着用必須で参加可という条件で、規模縮小のうえ開催。2022年は規模が戻るも、参加条件はそのまま。2023年にはパンデミックにまつわる条件が撤廃となるも、全米脚本家組合ストライキとSAG-AFTRAストライキの影響で、アメリカの映画・ドラマ業界の人たちが発表会やサイン会などの参加を軒並みキャンセルし、“平常運転”とは言えぬ内容に。幸い、2023年11月にストライキは終結。ということで、今年2024年の＜サンディエゴ・コミコン＞は本格的な復活イヤーになると注目を集めていました。

＜東京コミコン＞、＜大阪コミコン＞へと足を運び、＜サンディエゴ・コミコン＞への参加願望を心に秘めていた映画やドラマ好きのライター／編集者である私も、「2024年こそ行くべきなのでは」と思い始めたらもう止まらず。円安のことは無視して、現地入りを果たしてきました！　この“初体験”の鮮烈な記憶をしっかりと残すべく、持参したのは、富士フイルムの『X-T50』。1,000を超える出展者が集う会場や、訪れる人々、「RDJ（＝ロバート・ダウニー・ジュニア）！」コールが巻き起こった例の瞬間など、現地の熱気を撮り収めてきました！

＜サンディエゴ・コミコン＞の会場となるのは、サンディエゴ国際空港から車で15分ほどのコンベンション・センター。総面積2,60万平方フィート（約24万㎡）の巨大ホールで、ちょうど千葉・幕張メッセ（敷地面積約21万㎡）よりひと回り大きいぐらいです。

今回参加したのは、前夜祭にあたるプレスプレビューナイトを含む7月24日（水）から28日（日）まで。プレビューナイトのオープン時間18時にあわせて17時頃に到着しましたが、すでに混雑が激しく、入場パスの交換口に辿り着くまで30分ほどかかりました。今年の来場者は、なんと15万人超。世界中から人が集まっていたのなら、まだスムーズに入場できた方だったのかもしれません。

会場内のメインエリアに足を踏み入れると、巨大ブースが乱立する圧巻の光景が広がっています！　Funko、MATEL、Jazwaresなどのおもちゃ会社、Dark Horse Comics、Udonなどのコミックス系の出版社、ABC、Paramount＋、hulu/Disney＋などの放送局・配信系……といった具合で、他分野に渡っていました。

中でも一際目立っていたのは、コミック・映画・ドラマ・関連グッズなど幅広く展開している「マーベル」と「DCコミックス」、そして今年25周年を迎えた『スポンジ・ボブ』のブースです。

「マーベル」のブースでは、開催期間中に公開日を迎えた『デッドプール＆ウルヴァリン』の予告編が上映されており、思わず足を留める人たちが続出。『デッドプール＆ウルヴァリン』や、2025年2月公開予定の映画『キャプテン・アメリカ：ブレイブ・ニュー・ワールド』で使用された衣装も飾ってありました。

「DCコミックス」のブースでは限定Tシャツやフィギアなどが販売されており、ブースの外にまで長蛇の列が。それを発見した少年がパァッと目を輝かせて直進していった姿が印象的でした。

『スポンジ・ボブ』のブースでは、パイナップルの家を再現。お家の中では限定グッズの販売をはじめ、フォトスポットやミニゲームコーナーが設けられるなど盛りだくさんのようでしたが、盛況につき入場は叶わず。ですが、パトリックの声を務めるビル・ファッガーバッケと、スポンジ・ボブの声を務めるトム・ケニーの公開インタビューは目撃できましたよ！

日本発のコンテンツも大人気！　『ONE PIECE』、『Ultraman: Rising』、『鬼滅の刃』、『ポケットモンスター』、『遊☆戯☆王』など、どのブースも連日大賑わい。日本作品のキャラクターTシャツやグッズを身につける人たちも多く見かけ、嬉しくなりました。

異彩を放っていたのは、“可愛い”系の日本ブース。「たまごっち」ブースにて、米バンダイナムコの方に話を伺ったところ、今年はおもちゃ本体だけでなく、ヘアクリップやリップなどのライフスタイル雑貨を初めて販売したそう（アメリカ市場においても初！）。「蓋を開けてみたら大好評で、嬉しい驚きだったよ」とホッとした表情で話していました。

「シルバニアファミリー」（※北米では「Calico Critters」という名称）のブースにも人だかりが。商品補充や整列などをされていたエポック社の方に話を伺うと、初出店で全く予測不可能だったところ、飛ぶように売れ、翌日分の在庫を前倒しで陳列したのだとか。＜コミコン＞と聞くと大人向けイベントの印象があるかもしれませんが、＜サンディエゴ・コミコン＞はファミリー参加率も高め。「シルバニアファミリー」は、“可愛い”にノックアウトされた大人たちをはじめ、小さなお子さま連れの方たちから支持を得られたのでしょう。

会場内には企業ブースの他に、作家たちが自らアートを展示販売する「アーティストアレイ」のコーナーもあります。人気作品を独自の世界観で表現したものが多く、ポスターやポストカード、コミック、Tシャツや缶バッジなど販売物も多種多様。見て回るだけでも充実した時間を過ごせます。

思わず見入ってしまったのは、「JUSSCOPE（＠jusscope）」名義で活動するジャスティン・オーさんの作品。『燃えよドラゴン』、『パルプ・フィクション』などの名作を版画テイストで描いており、カタカナと組み合わせているのがカッコいい！　「日本からは常にインスパイアされているよ。＜コミコン＞東京＆大阪にも行きたいと思っているんだ」と、今後の展望を教えてくれました。

実はこの際、ドラマ『ブレイキング・バッド』のポスターをゲット。ビビッときたら即購入する勇気が必要です。なぜなら、会場の広さや混雑具合から、一度離れた場所にまた戻るのは体力・気力がいるからです……！

＜コミコン＞と言えば、コスプレイヤーの存在も忘れてはいけません。アニメ、ゲーム、映画、ドラマなど、様々な世界のキャラクターに扮した方たちが、会場を華やかに彩って来場者の目を楽しませていました。「マーベル」ブース前にいた写真家・CJHCAPTUREさん（@cjhcapture）は、3代目キャプテン・アメリカのコスプレで大人気。ひっきりなしに「撮影させてほしい」と声をかけられていました。

ちなみに、レゴジョーカー＆レゴバットマンに扮したお2人は、＜サンディエゴ・コミコン＞参加16回目、ウェンズデーに扮したカリナさん（@kncosplay）は＜サンディエゴ・コミコン＞参加12回目とのこと。みなさん、恒例行事として年間スケジュールに組み込んでいるようです。カリナさんは「（期間中は）あちらこちらで面白いことが行なわれているから、特にお目当てはなしで、予定は決めずに遊びに来ているよ」と話していました。早くこのレベルに到達したいものです……！

さて、＜サンディエゴ・コミコン＞のお楽しみはこれだけではありません。連日、様々な発表会も開催されています。

「一体どんな内容になるのだろう？」と気になり、1日目（7月25日）に参加してみたのは、Room 7ABで行なわれた＜Fun with Tamagotchi＞（訳：たまごっちと楽しむ）です。登壇者は、ブランドディレクター、アシスタントブランドマネージャー、商品開発者の計4名。「たまごっち」が＜サンディエゴ・コミコン＞で発表会を行なうのは初の試みとのことで、「たまごっち」の歴史紹介から始まり、「たまごっち」雑学、「たまごっち」を育てる上で大切なことなどが語られていきます。

会場に駆けつけた約400人のファンにおいて、5個持ちは普通レベルで、60個以上持っている強者も。客席から「たまごっち」の音が鳴るという、同イベントならではのハプニングも笑いを誘っていました。発表会ではそのほか、今秋公開予定の「たまごっち」の短編アニメ初上映や、観客を巻き込んだ「たまごっち」クイズ大会、Q＆Aなどが繰り広げられていきました。そして最後にサプライズ、くちぱっちが登場です！！

イベント終了後、会場脇の廊下にてくちぱっちの撮影大会も行なわれました。

発表会も大小様々で、より大規模なスペースを使ったものもあります。その最たるものが、「マーベル」、「DCコミックス」など世界中が注目するコンテンツの発表会が催される、約6,500人収容のホールH。コンベンション・センターの端にあります。

このホールHですが、入場は至極困難。会場そばに設けられている専用列に並ぶのですが、その日のスケジュールによっては入場できない場合もありますし、入場できたとしても座席を確保できずに場内を彷徨い続ける場合もあるため、確実に入場＆座席を確保するべく2日前・3日前から待機する人もいるのです。

今回、太陽が昇る前から活動し始めたことで、2日目（7月26日）10時から開催された『ザ・ボーイズ』、3日目（27日）18時から開催された「マーベル」の発表会に参加することができました！

『ザ・ボーイズ』の発表会は、作中で登場した楽曲の生歌パフォーマンスから始まり、クリエイター＆キャスト陣へのインタビューが実施。その後、シーズン4のNG集、スピンオフドラマ『ジェン・ブイ』シーズン2の予告編（※おそらく編集段階のもの）が初上映され、サプライズゲストとしてソルジャーボーイ役のジェンセン・アクレスも登壇。前日譚ドラマ『ヴォート・ライジング（原題）』の製作決定もアナウンスされ、『ザ・ボーイズ』ファンにとってはたまらない情報満載の中、幕を閉じていました。

「マーベル」の発表会は、＜サンディエゴ・コミコン＞最大の目玉イベント。隣に座っていた少女に話を聞くと、毎夏家族旅行として＜サンディエゴ・コミコン＞に参加しており、この日は「マーベル」の発表会のために朝8時45分から列に並び始め、11時頃にホールHにやっと入場することができ、以降ずっと席で待機していたとか。

会場は18時を回ると「マーベル！　マーベル！」という声が沸き始め、異様な熱気に。オープニングの『デッドプール＆ウルヴァリン』にまつわるミュージカル演出で賑わうと、「マーベル」社長のケヴィン・ファイギが登壇し、「本日は3作品の発表をする」と予告。その通り、『キャプテン・アメリカ：ブレイブ・ニュー・ワールド』、『サンダーボルツ*（原題）』、『ザ・ファンタスティック・フォー：ファースト・ステップス（原題）』の最新予告編上映と、キャスト登壇＆インタビューが行なわれていきました。

『キャプテン・アメリカ：ブレイブ・ニュー・ワールド』発表におけるハリソン・フォードのサプライズ登壇も非常に盛り上がりましたが、会場がとんでもないことになったのは、ラスト。『アベンジャーズ・ドゥームズデイ（原題）』と『アベンジャーズ・シークレット・ウォーズ（原題）』発表に伴い姿をあらわした、ロバート・ダウニー・ジュニアです！！

『アベンジャーズ／エンドゲーム』で逝ってしまったトニー・スターク／アイアンマン役のロバートが、まさかのヴィラン役で復帰するという衝撃……！　歓声、口笛、拍手と、客席からは人間が出せるありとあらゆる音がけたたましく鳴り続け、皆狂ったように興奮していました。あの高揚感は今までに経験したことのないもので、3週間経った今でも思い出すたび心臓が震えます。

実は2日目『ザ・ボーイズ』の早朝待機列に並ぼうとした時、誤って3日目待機列の方へ行ってしまったのですが、その場にいた方が、「これから先、28時間並ぶよっ」と満面の笑みを浮かべていました。「私は想像しただけで無理」と思ったのですが、前述の凄まじい体験をしてしまった今、「それぐらい並ぶのもアリかも」という考えに。来年の＜サンディエゴ・コミコン＞に備え、今から体力作りに励みたいと思います！

IRODORI編集部が＜サンディエゴ・コミコン2024＞に参加！　IRODORIではその場外エリアの様子を、『X-T50』で撮影した写真とともにお届けします。コミコンのポップでカラフルなラッピングに包まれた、活気あふれるサンディエゴのスナップ写真をたっぷりご覧ください！

福岡を拠点に活動するラッパーのPEAVISが最新MV“Family”を公開した。本作はPEAVISの実の父、そして義理の父の二人の父親について綴った楽曲だ。

これを記念して、Qeticではヒップホップをテーマにしたマンガ『スーパースターを唄って。』の著者である薄場圭との対談を企画。“Family”と薄場の読み切り作品『僕とお父さんについて』の話題を軸に、現代のヒップホップシーンのバックボーンにある社会や感覚についても話してもらった。

PEAVIS：自分が薄場くんを知ったのはジャンプ＋に掲載された『僕とお父さんについて』という読み切りです。偶然知ってなんとなく読んでみたら、「これ俺の話やん」と思ったんです。自分にも血のつながってない父がいて。コミュニケーションのぎこちなさとかはすごく共感できました。

──どんなポイントで共感できたんですか？

PEAVIS：ある日突然知らない男の人がいきなり家に来て「お父さんです」と言われる違和感の表現ですね。「サッカーしよう」とか「キャッチボールしよう」みたいなこと言われるけど、こっちからすると結構きつい。あの感じは超リアルでしたね。そこから少しずつ距離が近くなり、家族としてお互いを受け入れていく感じがすごく良かったです。それでSNSで薄場くんとつながって、連絡を取る中で以前リリースした“ガラスの地球”のジャケも描いてもらったんです。手塚治虫さんの著書「ガラスの地球を救え: 二十一世紀の君たちへ」からインスピレーションを受けた楽曲だったので、漫画家の人にジャケを描いてもらいたいと思い、コンタクトを取りました。

薄場圭（以下、薄場）：俺からするとありがたいとしか言えないし、本当に嬉しかったんですよ。ジャケットの仕事をいただいた時にZoomでミーティングしたんです。そこでチラッと「ラッパーのマンガ描いてます」とお伝えしたら、「すごくいいね。楽しみです。」と言ってくださったのを覚えてますね。

PEAVIS：デモを編集者に持ち込んでるって言ってたよね。

薄場：デモというかネームですね（笑）。

──それが『スーパースターを唄って。（以下、スーパースター）』？

薄場：はい。今の担当編集の方が編集部に（連載を）掛け合ってくれてる段階でした。でもなかなか通んなくて。結局連載が決まるまで2年くらいかかりました。

PEAVIS：そうそう。でも始まったら話題になって、月刊誌から週刊誌に移籍していくどんどん広がっていく過程を見れたのはアツかった。薄場くんのマンガはペインの強度がすごい。『ONE PIECE』で言ったらオハラがバスターコールくらって、ニコ・ロビンがガチくらっちゃってるレベルのをぶち込んでくる（笑）。

薄場：『ONE PIECE』で例えていただけるのは光栄です（笑）。

PEAVIS：薄場くんはリアルな痛みはもちろん、いろんな人の気持ちというか心の痛みも感じられる人なんだなって思う。それは短編の頃から思ってた。

薄場：俺もPEAVISさんの作品を聴いて、同じことを感じていました。創作の根っこに痛みがあるというか。

PEAVIS：人生の暗い側面を描きつつ、同時にそこにある光も感じさせるって意味ではお互い表現したいところが似てるのかもしれないね。

薄場：そう言っていただけるとすごく励みになります……。

──PEAVISさんの最新アルバム『The Blooms Album (Deluxe) 』に収録された“Family”は、薄場さんの『僕とお父さんについて』に通じる内容ですね。

薄場：実は“Family”で歌ってる内容は、以前にPEAVISさんから直接伺ってたんです。話を聞いた上で、曲を聴くとさらに感情的な部分も理解できた気がしました。

──“Family”のリリックはかなり重要なテーマだと思いました。なぜこのタイミングで書いたんですか？

PEAVIS：実の父に関することは、ずっと抱えてきたものでもあり、最近母親から真実を聞かされた自分的に新しいトピックでもあるんです。実の父のことについて尋ねても、ずっと「死んだ」と言われてました。小学校低学年の頃に自分には父親がいないということに気づいて、実の父親のことを何も知らないことがコンプレックスとして心の奥にありました。当時は母に実の父のことを質問すると毎回キレられてました。うまく言えないけど、実の父の存在は自分の中でずっと抜け落ちた情報だったんです。そしたら、30歳の誕生日ぐらいに彼女と母と3人でご飯食べてる時に、母が唐突にそのことを話し出したんです。

薄場：お母さんから実のお父さんの話を聞いた時、PEAVISさんはどんな感覚だったんですか？

PEAVIS：嬉しかったよ。幼い頃から抱えてきた自分の問題でもあったから。実の父はもう亡くなってて、詳細は言えないけど、まあリリックの通りなんですよ。どんな人でどんな人生を歩んできたのかを知れただけで、どこか温かい気持ちになりましたね。母としては僕が若い頃に実の父の話を知ったら、父親を追いかけて悪い道に行ってしまうのではないかって危惧があったみたい。それも実際に聞けて納得できました。実の父親が本当は自分と暮らしたがっていて、母が無理矢理引き離したみたいです。母も父も自分を想っての行動だったということ。捨てられたことじゃないということがわかって救われました。

薄場：“Family“を今のお父さんに聴いてもらったってお話しされてましたよね？

PEAVIS：うん。ワクチンを打ったその日に急に倒れちゃって、今も通院してるんです。それもあって“Family”を書こうと思ったんだよね。正直若い頃は、今の父のことが嫌いだった。しょっちゅう殴られてたし（笑）。でも年取ってだんだん普通に話せるようになってきてたんですよ。この曲って、実の父親のことも赤裸々に話しているし、「お父さんありがとう」みたいな内容だから、「複雑な気持ちにならないか」って思ったけど妹にデモを送って。病室で聴いてもらったら照れくさそうにしてたって言ってました。

薄場：すげー良い話ですね。

PEAVIS：なんかね。まさか父との関係をこんなふうに改善できるとは思ってなかった。年取るのも悪くないなって感じたね。

薄場：《大きかった背中／今は小さく見える》ってリリックがいいですよね。

PEAVIS：なんか照れるな……（笑）。父はMVの最後に背中だけ出演してもらってるんでみんなチェックしてほしいです。

──お二人にとって創作は日常的な行為だと思いますが、自分からすると0を1にするのはとても難しいように感じます。それぞれどのように制作と向き合ってるんですか？

PEAVIS：どうだろうな……？　自分は今日体験したことを明日リリックに書くみたいなタイプなんです。だからどの曲もダイレクトな感情がそのまま歌詞になってる。今回のEP／アルバムに収録された曲はだいたい一昨年〜去年くらいの出来事が中心ですね。

薄場：『The Blooms Album (Deluxe) 』はペインと光が行ったり来たりする内容だと思ったんですけど、そこも意識的なんですか？

PEAVIS：いや、曲を作ってる時は考えてないね。ラップ自体はオートマティックに書けちゃうから。曲が揃った段階で自分で書いたリリックを読み返して、ペインも光も感じてることに気づいて、そこから花を咲かせるみたいなニュアンスを込めて「Blooms」って言葉が出てきたんだよね。アルバムのテーマとか曲順とかは後付けが多いかも。そういう意味ではマンガのほうが緻密な感じもする。

薄場：俺の場合も「0を1にする」みたいな高尚な行為ではないですよ。完璧に作り込む先生もいらっしゃいます。キャラクターの立ち位置、ヘイトコントロール、物語の伏線みたいなことを完全に把握して描かれてる。でも自分の創作はPEAVISさんに近いです。描きたいように描いてる。最近『スーパースターを唄って。』はよく「社会問題を〜」みたく言っていただくことが多いんですが、自分的には全然そういうことを考えてなかったりもします（笑）。

PEAVIS：描きたいことを描いた結果、「社会問題」をトピックとして扱っている作品みたいに言われるようになった的な？

薄場：はい。それこそ『NARUTO -ナルト-』はファンタジーの世界だけどペインの強度がすごいと思うし、『ONE PIECE』で海に出てる人たちも、痛みを抱えてるキャラクターが多い。ファンタジーではあるけど、出てくるキャラクターと似た境遇で共感してる人も多いと思います。

PEAVIS：絶対読んだほうが良いですよ（笑）。

薄場：読むべきっすね。フィクションだから楽しめるぶっ飛んだアウトローな世界というか。同じことをリアルな設定で描いたら怒っちゃう人とか出てくると思う。

PEAVIS：でも根本にあるペインはフィクションとも言い切れないよね。

薄場：だからあんなに人気あるんだと思います。みんなどっかでペインとそこから生まれる光を求めてる気がします。

PEAVIS：薄場くんが描いてるラッパーの世界だって全然現実にあるっすもん。働いてた会社をヤクザが経営してて、ほぼパシリみたいな扱い受けてるとか。

薄場：漫画には描けないことも多いけど、そこにあるペインの強度だけはきちんと描くことは意識してます。

PEAVIS：でも『スーパースター』は薄場くん的には少年マンガなんだよね？

薄場：そのつもりで描いてます。

──薄場さんの考える少年マンガの定義とはなんですか？

薄場：定義ってことで言っちゃうと『スーパースター』は青年マンガなんです（笑）。これは俺の定義だから異論はあると思うし、曖昧なんですけど、少年マンガは根っからかっこいいやつ、つまりヒーローが主人公なんです。でも青年マンガは自己矛盾を抱えたヒーローになりたいやつが主人公の話かなと思ってます。

PEAVIS：めっちゃわかりやすい（笑）。そういう意味だと、いわゆるラップスタアと言われてる人は少年マンガの要素も青年マンガの要素も持ち合わせてる気がするな。これまでヒップホップをトピックにしたマンガはいくつかあったけど、ナレッジ系が多くて、こういうヒップホップのリアルな痛みに触れた作品は『スーパースター』が初めてだと思う。やっぱ改めてヒップホップが日本に馴染んできてると思うんですよね。薄場くんの世代だから描けたっていうのは絶対にあると思う。

──日本のヒップホップは80年代から始まって、暗中模索の90年代〜00年代を経て、10年代〜現代で完全に定着した感があります。その背景には日本社会がどんどん貧しくなってきて、社会への不信感が極限まで増大したことも関係していると思います。

PEAVIS：それはありますね。薄場くんは僕よりちょっと下の世代ですけど、すでに僕の段階で「世の中終わってる」って感覚は当たり前でした。政治家は嘘つきだし、お金がないのも当たり前。それが前提なんです。たぶん上の世代の方にもそういう感覚はあったと思うけど、平成生まれの僕らはもっと当たり前に突きつけられてる。そこは決定的に違うと思います。

薄場：そうですね。世の中にあんまり期待してない。だから絶望もしない。あとやっぱインターネットがでかいと思うんですよ。昔だったらリアルに友達に会ってあれこれ話したり、違う価値観と交わることも多かったと思うけど、俺らは思春期ですでにインターネットがめちゃくちゃ発達してたから、近しいコミュニティを見つけたら、どんどんそこにハマりこんでいく。それは専門性というより、偏りって言ったほうがニュアンス的に近い。だから「みんな仲良く」って感じにはなりづらい。「あの人は考え方違うよね」って良くも悪くもドライに割り切っちゃう感じ。ちょっと冷たいくらい。でも、逆に同調圧力はちょっと弱まってる感じがします。

PEAVIS：あー、「みんな好きにしてていいんじゃん」みたいな。でもいわゆる世の中で言われてる多様性のポジティブさともちょっと違う。この前、ラッパーになりたい若い子とちょっと話したんです。その子は建設会社でバイトしてて、月に28日出勤して、朝から晩まで働いてるのに給料11万なんですよ。しかも社長の誕生月は高級ブランドのバッグを買うために全員の給料から6万も天引きされて手取り5万だったって。5万じゃ生活できないじゃないですか。しかもその会社はヤクザが関係してるらしくて辞めることもできないんです。

薄場：大変ですね。

PEAVIS：その子、まだ20くらいなんですよ。片親らしくて。「辞めたいです」って言ったら先輩に「お前の母ちゃんどうなるかわかってるだろ」って脅される。普通に両親がいて、当たり前に高校行けて、大学に行けてみたいな人がいる一方で、そういう境遇の子もいて、別に極端な例じゃないっていう。

──その話を聞くとWatsonやguca owl、7が支持される理由もわかりますね。

PEAVIS：みんな普通に共感してるんだと思います。

薄場：そういう境遇があることは前提なんですよね。Watsonさんもドライじゃないですか。貧しさを嘆き悲しむとかじゃなくおもろい話にも聞こえる。

PEAVIS：確かに客観的だよね。大人が思ってるよりも今の20代には貧しい子が多いから、日本でもアメリカみたいにヒップホップが馴染んできてるんだと思う。ちなみに薄場くんが『スーパースター』のメインの登場人物の年齢を10代にしたのは、何でなの？　

薄場：あれはあんまり伝わらなかったんですけど、民法で成年が20歳から18歳に引き下げられたじゃないですか。主人公の雪人は17歳なんです。ドラッグを売っててもまだ少年犯罪なんです。でも18歳になると扱いが変わってくる。そこが岐路になるようにしたかったんです。そしたら全体の年齢層が下がったっていう。

PEAVIS：確かに25歳の売人がラッパーを目指す話だと生々しすぎるもんね（笑）。

薄場：（笑）。少年マンガを描きたいって気持ちがあったのと、構想段階でLEXさんが登場したのも自分的にはデカかったんです。あと俺、WILYWNKAさんがめっちゃ好きで。16〜17くらいで“STUPID 6 CORE”をもうやってたっていうのも影響してますね。

PEAVIS：初めてタカちゃん（WILYWNKA）と会った時はたぶんまだ14〜15歳だったと思う（笑）。自分もそれくらいからストリートにいましたね。ラッパーの優等生はだいたいそれくらいからラップを始めてる気がするから間違いないと思うよ。

薄場：今日こうして対談させていただいて、改めて思ったのは、無責任に痛みや希望を描かないってことですね。ラッパーの方たちはリアルを歌っているけど、自分が描いてるのはフィクションなので、だからこそしっかりと向き合うべきだと思いました。

PEAVIS：やっぱツラいシーンを描くのはツラい？

薄場：ですね。そういうとこを描いてる時は、いつもめっちゃ嫌な気持ちになってます……。だからといって描かないわけにもいかないので。

PEAVIS：薄場くんの根本にその感覚があるから、僕は『僕とお父さんについて』でフィールできたし、こうして対談することもできたんだと思う。

──最後に、同じ境遇やペインを抱えている人たちへ向けてメッセージはありますか。

PEAVIS:自分よりもっと過酷な環境の人もたくさんいると思うけど、自分がラップを見つけたように、その辛い過去すらも力に変えれる、自分にしかないものが一つでも見つかると人生が楽しくなると思います。今の父親とピースに話ができる世界線が来るとは思わなかったし、人生何があるかわからないですね。難しいけど、どんな状況でも卑屈にならず、差し込む光を見落とさないように、前を向いて歩み続けたいと思います。

薄場：自分はしんどい時フィクションの世界に逃げてたので、自分が描いてるのも誰かにとってのそれになれば嬉しいです。

──Please tell us about the "Bergmál" mask that Björk wore during the first week of Coachella.

James　Yes, the inspiration for this particular mask was to make something that would radiate outwards from the head, like a soundwave frozen in air. I spend a lot of time sculpting these pieces in 3D software - playing with particular forms and shapes until they produce something I find interesting. So it is often a mixture of accident and intention.

For the Bergmál headpiece I was exploring spirals and trying to produce a shape with one continuous edge that would rotate around its own axis, folding back in on itself many times. Once I had created that form I realised that it looked like a soundwave, so I pushed it further in that direction knowing that it could fit well into Björk´s sonic world.

────I feel that the word "Bergmál", which is also the title of this mask, reflects some kind of unique Icelandic values. What do you think about the word "Bergmal" and its values? Do you ever experience those values while living in Reykjavik?

James　Bergmál has always been one of my favourite words in Icelandic. It literally translates to “mountain language” - because of the way an echo bounces down a valley, as if the mountains are speaking to each other. I love that image evoked by the word. I have lived in Iceland for almost 10 years now, but the culture still reveals itself to me bit by bit - through the language as I learn it, the books I read and the music I listen to.

──Next, I would like to ask about the "Ossein" mask that Björk wore during the second week of Coachella.

James　The form of the Ossein mask was a product of many experiments in the 3D sculpting phase, and turned out to be one of the most complex things I have sculpted. I was amazed that it was even printable. My intention with the references and inspirations was more concerning the texture - I really wanted it to look like cartilage or fishbones, something with a very organic translucency to it.

──I see, so the distinction wasn’t made intentionally. The characteristics of this mask are clearly evident from the source of its inspiration, but I think one of its characteristics is that it turns blue when exposed to a certain type of ultraviolet light, in order to reproduce the glow of living organisms underwater.

James　I had originally planned for these masks to include some LED lights, moving around and flashing inside them like an underwater sea creature. However, early on in the sculpt I realised that this was going to be difficult to achieve without sacrificing a lot of the design elements, so I decided to use UV light instead. I had used UV threads a lot in some of my first early embroidered pieces, which glowed under certain stage lights - so it was an aspect I was keen to revisit in the 3D printed iterations. I´m very happy we ended up going in this direction, as this gave the mask a more organic and bioluminescent feeling (wheres LED might have become too “disco”!)

──These two masks were created with the secca team. How did you feel when you actually held the mask that they had created?

James　I was totally overwhelmed! Their meticulous craftsmanship and alchemical ability to make some beautiful textures really brought the pieces to life in a way I could never have expected. I travelled to Kanazawa to visit them and it was such a great experience - getting to know them personally and professionally was a lot of fun, and I am so proud of what we made together.

──This time, you used 3D printing to carve these two masks. What is your thought behind incorporating these new technologies into your design project with Björk?

James　Since I started making masks, I have always moved between different mediums almost unintentionally just as a result of wanting to evolve my designs. At first they were all embroidered, then I started to use wire and beadwork, then silicone sculpting, and then into metalwork and silversmithing. 3D printing was a very natural extension of that journey, particularly as I had also started to 3D sculpt and programme my masks as AR filters.

I really enjoy switching between the physical and digital worlds when I work now - and I find that the two disciplines can accompany and enhance each other, rather than compete. The last few masks i have made have come out of a back and forth between the two, designing by hand in quite a traditional silversmith practice and then putting that into 3D sculpting software and manipulating it there, and then back again into the physical world. 

──Generative AI is currently gaining popularity around the world, but many people question its existence. As technology develops. What do you think about the future where technology coexists with art?

James I think we have lived with AI for a while now, as an integrated function of all sorts of softwares and technologies that we didn't necessarily call AI until recently. But rather than perceive it as a threat, I take it more like a challenge - if your concepts or aesthetics can be so easily replicated by an algorithm, then I would rather use that as an impetus to keep evolving and think of something new that the machine can't do.

99.99% of the AI art that I have seen is quite homogenised, unless someone is doing something clever with it or incorporating it their existing practice rather than just relying on it entirely. As with any other tool or technology I am most interested when an artist finds their own idiosyncratic way to use it and lean into the glitches, making the nature of the medium part of the artwork but bending it towards their own world.

──When you started the production of the masks did you start with the design presented by James?

Sugano　James is responsible for the overall art direction of the project and the design of the masks. James presented us with a concrete design that was digitally sculpted using 3D data, and we were responsible for how to make it a physical 3D print with the quality that Björk and James wanted. I was involved as a technical director, and the secca team was in charge of production, and they demonstrated their craftsmanship to the fullest. We follow a process where we make adjustments to areas that need to be carefully adjusted during implementation, such as the strength of the live performance, without damaging the original design, then print them out and refine them.

──Did you have a concept for each mask already decided when you received the 3D data from James?

Sugano　If anything, we had a specific design image from the beginning, and we started by figuring out how to make it a reality. James was the one who directly discussed the concept with Björk, but I was able to fully understand the important parts of the concept from James' design. It doesn't look like a digital design at all, it feels very organic. The design is inspired by things that are close to living things, or rather things that are natural. Based on my experience with previous projects with Björk, I knew from the beginning that even though this design was implemented using the latest technology, I had to make it look extremely organic and not give the impression that it was implemented using the latest technology. I think we started off by properly aligning our understanding with the secca team.

Uemachi　What really deepened our understanding was when James came all the way to Kanazawa, where we are based. By talking to him in person, face-to face, we felt like we were able to figure out what quality we should improve on and what we should propose. Just like his attitude toward this project, he was very polite and careful about how he treated us. During our exchanges, I learned that the beauty of Iceland's natural beauty that he sensitively observes on a daily basis is a source of inspiration for him, and that the beauty in nature is an expression of himself. I could feel that he was trying to embody that through his costume. It feels like part of your skin rather than something you wear. That's the kind of costume James and Björk were looking for.

──Were you able to print the prototype with a 3D printer when James came to Kanazawa?

Uemachi　Yes we were. By the time James came to Kanazawa, the secca team had had detailed discussions, adjusted the data, and printed out samples. While analyzing the rough data we received in advance, we realized that there were many parts that were physically difficult to reproduce. It was only 0.3mm thick, and there were parts where I thought it would break if I moved it around during a live performance. We also create works using 3D modeling on a daily basis, but when we look at the parts that we thought were beautiful on screen, when we hold them in the actual space, we find that they are far from what we imagined, and there is a gap between them. It is a series of tasks such as filling in the information, printing it out, and checking it again. When James came to Kanazawa, he was able to see the test printed samples and was able to give his opinions directly. We were able to share a concrete image of how we wanted the product to look and fine-tune it, allowing us to make solid adjustments. For example, we said things like, “If we want to make it look that way, let's keep it thick here and make it thicker in other areas”, and we worked out what areas we couldn't compromise on and where we could compromise.

────Sugano-san wrote on Instagram, “the 3D data sent by James was beautiful in every way, and secca was just amazing!’.

Sugano　As Uemachi-san mentioned, when we looked at the data, we felt that it would be difficult to achieve the strength of the masks due to the relationship with the material and shape. There were some parts that needed some work to make sure they would be fixed. This is because both masks were designed by calculating backwards from an ideal picture surface, so it was assumed that if things remained as they were, it would be physically difficult to put the masks on the face in the first place. Despite this, the secca team has taken the initial inspiration and implemented it in a way that enhances it without compromising its design at all. I felt that secca's ingenuity was wonderful in that respect.

In addition, this mask cannot be completed simply by printing it out with a 3D printer; it requires a considerable amount of manual labor by craftsmen in order to achieve the ideal appearance, including texture and transparency. It is not something that can be learned in a few days. It is difficult, even for experienced engineers, to realize the designs and concepts conceived by world-class creatives such as Björk and James without sacrificing any of them. In other words, both digital engineering skills and artisanal manual skills are required. In addition to having experience and an understanding of the work, you also need the ability to not give up to the limit, which is a psychological thing. The secca team was perfect in all aspects, so we owe Uemachi-san and his team a huge thank you that we were able to make it happen this time.

────Uemachi-san previously said that when secca produces crafts, it strives to achieve an expression of art and functionality as a product used in everyday life. I thought this story might have some similarities to that.

Uemachi　That may be the ultimate thing. For example, when it comes to tableware for everyday use that is mass-produced, the people who use it and the situations in which it is used are diverse, so in order to satisfy each person who picks it up, it may be necessary to reduce it to an average design to meet the diverse needs of each person who uses it. This time, I made it just for Björk, so I focused on how she could concentrate on her performance at her best, and I was most conscious of making sure the mask didn't create noise. If the mask itself were to break, or come off during the performance, something would be ruined, including the time and value of the experience for those attending the concert. That's what I was most afraid of, because it will effect matters even after the show.

──So, Sugano-san, when you first became involved with Björk in the music video for "Mouth Mantora" in 2015, is there anything that stands out to you through that experience?

Sugano　First of all, the most important thing is being very careful and taking the time and effort to make creative decisions. The music video for "Mouth Mantra", which I helped out with, was a very difficult idea to visualize the inside of the mouth. The live video for "Quicksand" that I also helped out at exhibition which was held in Tokyo was streamed in real time using a live camera, but after that, we had to carefully consider and have a lot of creative interactions before releasing the archived work. I remember there were lots of creatives discussions about it.

Another thing that struck me was when I asked Björk about the relationship between art and technology during our conversation was that, she told me that she really likes incorporating new technology, and she gave examples of traditional instruments that have become commonplace in modern times, such as the piano and violin. She says, “when the piano and violin were created, they were the latest technology”. As for the piano, the technology itself was treated as the subject matter of a song. However, in modern times, the use of the piano is rarely the main theme of music. At first, the use of technology may be touted and become a theme, but before you know it, the technology will disappear and only the music and the emotions it brings will remain. She says, “When it comes to expressing emotions, playing the violin in a certain way allows you to express your emotions. Performance methods and expressions have been cultivated over a long period of history. In other words, the violin is like an old computer. What artists have to do is express themselves by using the tools that we take for granted, which are unique to the era in which we live. I think it's an artist's job to put their heart into technology.” Those words really impressed me and stuck with me.

Sugano　Björk's attitude toward technology is the same when it comes to creations that use cutting-edge technologies such as 3D printing, which is the specialty of the secca team. One of the reasons we invited secca to join our team was because, even though they are skilled at creating things using the latest technology, they do not emphasize that as the main aspect for the final product. It is obvious that there is new technology behind the scenes when you understand the process by which the design was created, but the intervention of technology never comes before the design. I thought that this really matched the feeling I had gained through my communication with Björk.

──That sounds like a very important and interesting topic. When we previously interviewed Uemachi-san, you said that using technology is not the purpose for expression, but rather, technology is primarily a tool for realizing expressions.

Uemachi　Yes. We are also conscious of the exact same thing, whether it moves our hearts or not. I think this is the most important point that creates value. Therefore, I view things in this order: experience is necessary to move the mind, and things exist as interfaces for that experience. We learn from what people in the past have done and make use of it, but if we just do the same things as people in the past, we won't create much value. The times are changing, and the sensibilities of the recipients are also changing, so if we pursue new experiences, experiences that fit the present, and experiences that we want to deliver only to that person, we will inevitably find ways that people in the past could not choose. There are often hints. For example, if 3D printing existed in the Edo period, I think it would definitely be used by craftsmen and artists. If there are tools in front of us that people in the past couldn't choose, and if there's a destination beyond that that people in the past couldn't reach, we should actively try them out. We are working with this attitude.

What impressed me when I worked with James this time was that even though we each have different identities and values, we can connect non-verbally through creation. It was difficult for me to communicate verbally because I can’t speak English well, but I think we were really in sync with each other in terms of what we think is beautiful and what moves us. This may have been a big realization that I gained behind the scenes of this activity.

Sugano　I am the creative director of the entire project for over 90% of the work I am involved with, and secca is of course in the same position, and they usually work on their own signed ideas and creations. Secca is by no means a company that only handles technical direction and 3D printing. This time we were not the ones leading the project; Björk is the creative director and James is the artist and designer. What Uemachi's realized is something that was possible because someone else was leading the project rather than himself. The question was - how can we support the creations of a rare artist like Björk and make them realize what they want to do? Although the thinking process is different than usual, we take what Björk and James want to do very seriously, and want to understand their vision, and then help them implement it. It was new and a lot of fun. The vision we all had in common this time was what kind of emotion we wanted to convey to the audience through our creations. The secca team that I know are good at expressing this, and I think they have world-class talent when it comes to achieving this. I wanted many people to know this fact.

It's extremely rare that a project by a world-class artist like this involves a domestic craftsmen like secca who are well versed in traditional Japanese techniques that have been passed down for a long time and are able to handle cutting-edge technology. I hope that by conveying the greatness of secca's participation in a world-class project with a different approach from their usual main work, they will be able to shine a light on it from a different angle than usual. If people understand what kind of valuable work they do, their recognition will expand. I'm sure more and more people will become interested in their products and work, and I sincerely hope for that.

──コーチェラの1週目にビョークさんが着用された「Bergmál」について教えてください。このマスクは「音波、生物学的スパイラル、ソニックブーム」といったものに着想を得たそうですね。過去のインタビューでは「音を視覚化する」ことこそがビョークさんの表現方法の真骨頂だとお話されていました。今回は改めてその「音の視覚化」に意欲的に臨まれたという認識でしょうか？

James　そうですね。このマスクを作る上で、頭から外側に放射していく様子が見て取れるスカルプチャーにしたいと思っていました。空気中で音波が凍っているようなイメージです。作品を3Dソフトウェアで作り上げていく際は、毎回かなりの時間をかけています。面白いと思うものができるまで、特定のフォルムや形をあれこれいじりながら考えていくんです。そうしていると、偶然発見する要素と意図的に作り上げた要素が混ざったデザインができることが多くあります。

「Bergmál」のヘッドピースは、「螺旋（スパイラル）」を深掘りしていった作品です。マスクの軸を中心に回転していき、何度も折り重なるようにぐるぐると縁が連続していくような形状を作りたいと思っていました。その形を作り上げた時に、それが音波のように見えることに気づいたんです。ビョークの音の世界観にぴったりマッチするということがわかっていたので、その方向へとさらに追求していきました。

──このマスクのタイトルでもある「Bergmál」という言葉は、ある種アイスランド特有の価値観を反映しているようにも感じています。Jamesさんは「Bergmál」という言葉や価値観にどのような考えをお持ちですか？ レイキャヴィークに住まれている中で、その価値観を実感することはあるんでしょうか？

James　「Bergmál」は、私のお気に入りのアイスランド語の言葉の一つです。 英語では文字通り「山の言葉」と訳されますが、それはまるで山々が互いに語り合っているかのように、エコーが谷を下って跳ね返る様子から来ています。その言葉から醸し出されるイメージが大好きなんです。アイスランドに移住してから約10年が経ちますが、学習する言語、読む本、聴く音楽を通じて、今でもアイスランドの文化がいろんな形で私に影響を与えてくれていますね。

──続いてコーチェラ2週目にビョークさんが着用された「Ossein」についてですが、こちらは「魚の骨、蘭の花、植物の雄しべ、軟骨」から着想を得ていますよね。「Bergmál」に比べると、実際に目に見える形のものを着想源にされていますが、そこには明確に区別する意図があったのでしょうか？

James　このマスクの形状は、3Dで彫刻する段階で数々の実験を繰り返した成果であり、結果的にこれまでに彫刻してきた作品の中でも最も複雑なものの一つとなりました。この形状が実際に3Dプリンタでプリントアウトできたことにも驚きました。リファレンスやインスピレーションの段階でとても気にしていたのが、マスクそのもののテクスチャーでした。軟骨や魚の骨のように、非常に有機的な透明感のあるものにしたかったんです。

──なるほど、では意図して区別したわけではないのですね。このマスクはインスピレーション源からもその特徴がはっきりと表れていますが、水中で生物が発光するさまを再現するために、特定の紫外線をあてることで青色に変化するのも特徴のひとつかと思います。「水中で生物が発光するさま」とはどのようなイメージだったのでしょうか？

James　当初マスクにいくつかのLEDライトを組み込んで、その光が水中の海の生き物のようにマスクの中で動き回ったり点滅したりすることを考えていました。ですが、スカルプトモデリングの早い段階で、それをするには、多くのデザイン要素を犠牲にしなければいけないと気づいたんです。なので、LEDライトを組み込む代わりに、UVライトを照射すると色が変化する素材を採用することにしました。これまでに刺繍の作品を多く作ってきましたが、初期の刺繍作品でUV糸を使った作品を作っており、その糸は特殊なステージライトの下で光るものでした。今回マスクを3Dプリントする際にも、その手法を使ってみたいと思ったんです。結果的にとても良いものができたので、この手法を採用してとても良かったなと思います。このことで、マスクがより有機的で、まるで生物が発光しているようなイメージにすることができました。LEDライトを使っていたら、もしかするともっと“ディスコ”っぽいものになっていたかもしれませんからね（笑）。

──この二つのマスクはseccaチームとともに作り上げられています。彼らが具象化した完成形のマスクを実際に手に取った際、Jamesさんはどのように感じられましたか？　seccaチームへの印象とともに教えていただけますか？

James　本当に圧倒されました！　彼らの細心の注意を払った職人技と美しいテクスチャーを生み出す能力の高さは、私の想像力を遥かに超えていましたし、予想だにしない方法で作品たちに息が吹き込まれたと思います。（ビョーク来日公演の際、）金沢にいる彼らに会いに行ったのですが、それもとても素晴らしい経験でした。友人としても職人としても、彼らと知り合うことができてとても楽しい時間を過ごせましたし、そこで彼らと一緒に作り上げたものにとても誇りを持っています。

──今回はこの二つのマスクを彫刻していく上で、3Dプリンティングを採用されていますね。こうした新しいテクノロジーをビョークとのデザインプロジェクトの中に取り入れて挑戦している背景には、どのような考えがあるのでしょうか？

James　マスクを作り始めてから、デザインを進化させたいという思いから、意図せずに常に異なる媒体を選び続けてきました。最初はすべて刺繍でしたが、ワイヤーとビーズ細工を使い始め、次にシリコン彫刻、そして金属細工に銀細工と、どんどん新しいものに挑戦していったんです。3Dでスカルプトを実践したり、自分で作り上げた現実世界のマスクをARフィルターにプログラミングしたりしていた私にとって、3Dプリンティングに行き着いたのはごく自然な流れでした。

何かを作る時、物理的な世界とデジタルの世界を切り替えながら製作するということをとても楽しんでいます。そんな中で、この二つの領域は相反するものではなく、お互いに補完し、強化し合えるということに気づいたんです。最近新たにいくつかマスクを作ったんですが、その時はリアルとデジタルの領域を行ったり来たりしながら製作していきました。非常に伝統的な銀細工師の手法を用いながら手作業でデザインしていき、それを3Dのスカルプトソフトウェアにデータを入れて手直ししてから、再びリアルな世界に戻し具象化したんです。

──「テクノロジー×アート」という文脈でいうと、今生成AIを活かしたアートが世界中で人気を集めていますが、一方でその存在意義自体に疑問を投げかける方々も多くいらっしゃいます。これまでもテクノロジーが発展する中で、ご自身のアートに影響を及ぼす機会は良し悪し問わずあったと思いますが、テクノロジーがアートと共存していく未来について、Jamesさんはどのように考えていますか？

James　私たちは最近まで必ずしも”AI”と呼ばれていなかったあらゆる種類のソフトウェアやテクノロジーの統合機能として、ここ数年AIと共に生きていると思います。だけど、それを脅威と考えるよりも、むしろチャレンジのひとつのように捉えています。もしコンセプトや美学がAIやアルゴリズムによって簡単に複製できるのであれば、私はむしろそれを進化させる推進力として利用したい。機械では決してできない、これまでにない新しいものを創り出したいと思っています。

それに、私がこれまで見てきた“AIアート”の99.99%は、誰かが工夫しているものを除けば、かなり均質化されたものばかりですし、とても醜いものに見えます。2021年に、AIモデルを使用してビョークの限定版レコードのアートワークを作成しましたが、すごく興味深いものだと感じました。とはいえ、あれからもテクノロジーは大きく進歩しています。最近は画像のサイズ変更や色付けなど、調整するためのソフトウェアとしても使用しています。

アーティストがツールやテクノロジーを駆使する際に、その人特有の使い方を見つけていきながら、時にはグリッチさえも受け入れて、媒体の性質をアートワークの一部にし、独自の世界に取り込んでいく。私はそんな瞬間にとても惹きつけられるんです。

──まずは今回のマスクの製作プロセスについてお話を伺えればと思います。コーチェラの1週目・2週目と、2種類作られています。製作に入られた際は、Jamesさんからデザインが提示されているところから始まったんでしょうか？

菅野　プロジェクト全体のアートディレクションと、マスクのデザインはJamesが担当しています。Jamesから3Dのデータでしっかりデジタル彫刻された具体的なデザインが提示されて、我々はそれをどうやって物理的な3Dプリントで実現するか、ビョークやJamesの求めるクオリティでどう実現するかを担いました。僕はテクニカルディレクターとして関わり、seccaチームがプロダクションを担当してくれて、存分にクラフトマンシップを発揮してくれました。ライブパフォーマンスの中での強度など実装としてしっかり調整しなきゃいけない部分は元々のデザインを損なわないかたちで調整して、プリントアウトして磨き上げていくというようなプロセスをたどっています。

──Jamesさんから3Dデータが送られてくる段階で、それぞれのマスクのコンセプトは決まっていたんでしょうか？

菅野　どちらかというと、最初から具体的なデザインのイメージをいただいていて、それをどうやって実現していくかというところから始まりました。コンセプトをビョークと直接話していたのはJamesですが、Jamesのデザインから十分コンセプトの大事な部分は理解出来ました。とてもデジタルデザインにはみえない、すごくオーガニックな印象を受けますよね。生命体に近いというか、自然のものに近いインスピレーションを受けたデザイン。ビョークとのこれまでのプロジェクトの経験からも、このデザインを最新のテクノロジーで実装していたとしても、それを感じさせず、極めてオーガニックに見えるように製作しなきゃいけないと感じていたので、当初からそこらへんをちゃんとseccaチームと認識をすり合わせながらスタートしたと思います。

上町　特に理解が深まったのは、Jamesさんが我々の拠点でもある金沢にわざわざ来てくれたことがきっかけです。面と向かって話を伺ったことで、僕たちもどういうクオリティに落とせばいいか、どういうことを提案したらいいかをつかめた感覚はありました。このプロジェクトに対する彼の姿勢もそうですが、僕たちに対する振る舞いも本当に丁寧に積み上げる方でした。やりとりの中で、日頃からアイスランドの自然の美しさを敏感に観察されていることがインスピレーションの源泉になっていることもわかりましたし、自然の中の美しさがそのまま自分自身を表している、ということをコスチュームで体現しようとしているんだということも伝わってきました。何かを身につけるというよりは、皮膚の一部に感じられる。そういうコスチュームをJamesさんやビョークさんは求めていたわけなんですよね。

──Jamesさんが金沢までいらっしゃったタイミングでは、3Dプリンタで試作品をプリントできていたんでしょうか？

上町　そうですね。Jamesさんが金沢に来るまでに具体的な議論を重ねて、データを調整し、サンプルとなるものをseccaチームでプリントした状態でした。事前にいただいたラフのデータを解析する中で、物理的に再現が難しい箇所が多いことに気づいたんですね。厚みが0.3mmしかなく、ライブ中に動き回ったら割れてしまうと思う箇所もありました。僕たちも日常的に3Dモデリングを活用して作品を制作していますが、画面上で美しいと思っていた箇所が、実際の空間で手にとって見てみると、そのイメージとかけ離れていて、そのギャップを埋める作業を行い、またプリントして確認するといった作業の連続です。Jamesさんが金沢に来てくれて、実際にテストプリントしたサンプルを見ながら意見を伺い、どう魅せたいかという具体的なイメージを共有しながらチューニングアップできたことで確かな調整をすることができました。例えば「そう見せたいならここの厚みはキープして、別の箇所を厚くしよう」というやりとりをしつつ、どこが譲れなくて、どこが妥協できるのかというさじ加減を議論しながら詰めていったんです。

────菅野さんはInstagramで、「Jamesから送られてくる3Dデータはどこをとっても美しく、とにかくseccaがすごかった」と書いていますが、seccaの皆さんのすごさを実感されたのはどんな場面でしょうか？

菅野　上町さんからお話もあった通り、データを見た際に素材や形状との関係から、マスクの強度について実現が難しいと感じる部分はあったんですが、それに加えてそれぞれのマスクがどうやって顔に固定されるのか工夫が必要そうな部分がいくつかあったんです。というのも、どちらのマスクも理想的な絵面から逆算されて作られたデザインだったので、このままだとそもそもマスクを顔に着けることが物理的に難しい部分もあるんじゃないかと想定されました。そんな中でも、seccaチームはあくまでも最初に得たインスピレーションと、そのデザインの良さを全く損なうことなく、むしろそれを良くする形で実装まで持ち込んでいる。その点においてseccaの創意工夫が素晴らしいなと感じていました。

また、このマスクはただ3Dプリンタでプリントアウトすれば完成というものではなくて、しっかり手触りの触感や透明度などの外観の質感を理想的なものにするためには、職人的な手作業が相当程度発生します。それは今日明日学べば出来るというものではないわけです。ビョークやJamesという世界最高峰のクリエイティヴな人が発想するデザインやコンセプトを一切損なわずに実現するというのは、熟練のエンジニアさんでもなかなかできることではありません。もっと言えば、デジタルエンジニアリングの能力と職人的な手作業の能力が両方必要になってくる。経験値や作品に対しての理解はもちろん、精神論にはなりますが極限まで諦めない力も必要になってくる。seccaチームはトータルにおいて完璧だったので、今回は上町さんたちのおかげで実現したと思っています。

────以前上町さんは、普段seccaが工芸品を製作する中で、作品としての表現と、日常の中で使われるプロダクトとしての機能性を両立することを追求しているとおっしゃられていましたね。今回のお話はそれに通ずる部分があるのではないかと思いました。

上町　その究極的なものかもしれないですよね。例えば、量産前提の日常で使う食器だと、使っていただく人やシーンが多様であるため、手に取る一人ひとりに満足いただけるように、多様な欲求に対してどうしても平均的なデザインに落とし込むことがあります。今回はビョークさんのためだけに作ったので、彼女がいかにベストの状態でパフォーマンスに集中できるかに注力し、マスクがノイズにならないことを最も意識しました。もしマスク自体が折れたり、壊れたり、パフォーマンス中に外れてしまったりするようなことが発生したら、ライブに来られている方の時間や体験価値も含めて、一度何かが崩れてしまう。それが一番恐れていたことで、ひょっとすると公演後にも影響しかねないですから。

──菅野さんは2015年の“Mouth Mantora”のMVで初めてビョークと関わって以降、“Quicksand”のストリーミングライブのVR映像を制作されたり、トークイベントや雑誌で対談されたりと、ビョーク自身のクリエイティヴや考えについて触れる機会も多くあったと思います。その中で印象に残っていることはありますか？

菅野　まずはクリエイティヴな判断に対して、非常に丁寧で、ちゃんと時間と手間をかけるということです。一番最初にお手伝いした“Mouth Mantra“のMVも口の中を映像化するという極めて難易度の高いアイデアを実現するまでに丁寧に手間をかけてちゃんと検討をして実現していた。2016年に東京で開催された＜Björk ： Digital VR＞展でお手伝いした“Quicksand”のライブ映像も、ライブカメラでストリーミングしたものはリアルタイムで配信されたんですが、その後アーカイブ作品を公開するまで、かなり丁寧に検討したり、たくさんのクリエイティヴなやりとりが発生したりしたのを覚えています。

もう一つ印象的だったのは、対談中にアートとテクノロジーとの関係性についてビョークに質問した時の話です。彼女は新しいテクノロジーを取り入れることはすごく好きだと話してくれたんですが、その例にピアノやバイオリンといった現代では当たり前となった伝統的な楽器を持ち出して話してくれたんです。「ピアノやバイオリンも誕生した時は最新テクノロジーだった」と。ピアノに関しては、その技術自体が楽曲のタイトルになるほど主題として扱われていました。けれど現代では、ピアノが使われていることが音楽の主題になることはあまりないですよね。テクノロジーは当初それを使うこと自体が喧伝されたり、一つのテーマになり得たりもしますが、いつの間にかテクノロジーは消えて、音楽とそれがもたらす感情だけが残るわけです。彼女は「感情表現をするにあたって、バイオリンをこう弾けば感情を表現できるという演奏方法や表現は、長い歴史の中で培われてきました。言ってみれば、バイオリンとは昔のコンピューターみたいなもの。アーティストがしなければいけないことは、自分たちが生きる時代ならではの、当たり前のように使っているツールをあえて使って表現すること。テクノロジーに心を入れるのがアーティストの仕事だと思う」という言い方をしていました。それが一番印象に残っています。

菅野　そういうビョークのテクノロジーに対しての姿勢は、seccaチームが得意とする3Dプリンティングのような最新の技術を使ったクリエイションでも同じことが言えます。seccaをチームに誘った理由の一つは最新テクノロジーでものづくりすることに長けていながら、あまりそれが最終的な成果物の前面に押し出されていないこと。裏側に新しい技術があることはそのデザインが成立したプロセスを読み解くと当然わかるんですが、テクノロジーの介在がデザインより前に出てくることがないんです。それがビョークとのこれまでのコミュニケーションの中で得た僕の感覚とすごく合うなと思いました。

──とても重要で興味深いお話ですが、以前上町さんにインタビューさせていただいた際も、テクノロジーを使用することが目的なのではなく、あくまでも表現するためのツールなのであって、何を実現するかが重要だ、というお話もされていましたね。

上町　はい。僕たちも意識していることは全く同じで、やっぱり心を動かすかどうか。そこが価値を生む最も重要なポイントだと思っています。なので、心を動かすために体験が必要で、体験のためにインターフェースとして物が存在しているという順序でものごとを捉えています。僕たちは過去の人がやってきたことを学んで活かしているわけですが、ただ過去の人と同じことをやったとしてもあまり価値を生めない。時代も変わっているし、受け手の感性も変容しているわけで、新しい体験や今にフィットした体験、その人だけに届けたい体験を追求すると、必然的に過去の人が選択できない手段の中にヒントがあることが多いんですね。例えば3Dプリンティングも江戸時代にあったとしたら、職人やアーティストたちに必ず使われていると思います。過去の人が選択できなかったツールが僕たちの目の前にあって、その先に過去の人が到達できなかった着地点があるのであれば、積極的に試すべき。そうした姿勢で取り組んでいます。

今回Jamesさんと共同で作業してみて感動したのは、お互い違うアイデンティティや価値観を持っていたとしても、クリエイションを通して非言語で繋がれるんだということ。僕が英語をカタコトでしか話せないので、言語でコミュニケーションを取るのは難しかったんですが、何を美しいと思うのか、何に感動するのかという点においてはすごく息が合っていたなと思います。今回の活動の裏で得た大きな気づきだったかもしれないですね。

菅野　僕は関わる仕事の9割以上でプロジェクト全体のクリエイティヴディレクターを担っていますし、seccaももちろんそうで、普段は署名が入った自分たちのアイデアとクリエイションで戦っています。ただテクニカルディレクションや3Dプリンティングだけを受託している会社というわけでは決してありません。ただ今回のプロジェクトは我々がリードするのではなく、ビョークがクリエイティヴディレクターで、Jamesがアーティストでありデザイナーなわけです。上町さんの気づきは、自分たちではなく他の誰かがリードするチームの中での取り組みならではですよね。ビョークという稀代のアーティストのクリエイションをサポートする、彼らのやりたいことをどう実現するか。普段と思考のプロセスは違いますが、ビョークとJamesのやりたいことを真摯に受け止めて、ビジョンをしっかり認識した上で我々が実装をお手伝いしていくわけです。それが新鮮でとても楽しかったです。今回僕らが共通して意識していたビジョンは、クリエイションを通して受け手にどんなエモーションを届けるかということ。僕の知っているseccaはそれを表現することに長けていて、世界に誇る才能と実績もある方々だと思っています。この事実を多くの人に知ってもらいたかったんです。

今回のような世界的なアーティストのプロジェクトに、彼らのような日本で長く受け継がれる伝統技術を熟知して最先端のテクノロジーを扱うような職人が参画していることはすごく珍しいことですよね。普段のメインワークである自分たちの仕事とは違うアプローチで、世界的なプロジェクトに参画したseccaの素晴らしさを伝えることで、普段とは違う角度から光が当たればいいなと思います。こういう仕事でも、世界から評価されるような仕事をする人たちであるということを理解してもらえれば、彼らに対する認識も広がっていく。これから彼らの製作物や仕事に興味を持つ方々も増えるはずですし、僕もそれを心から願っています。