「時間もお金もない。でも……＜フジロック＞には行きたい！」というあなたへ。新潟・苗場スキー場を舞台に、今年は7月24日（金）・25日（土）・26日（日）に開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL’26（以下、フジロック）＞。日本最大級のフェスと聞くとどうしても「お金がかかる！」「行くのが大変そう！」というイメージを持つかもしれないけれど、実は選び方次第でコスパ（費用対効果）＆タイパ（時間対効果）よく楽しめるフェスでもある。そこで今回は、＜フジロック＞にどうしても行きたい＆なんとなく行ってみたいと思っているあなたにチェックしてほしいHOW TOをお届け。

「フェスはお金・時間・体力が必要」という話は聞くし、まあそれも事実！ それと引き換えにしても十分すぎるお釣りがくるのが＜フジロック＞の魅力だが、冒頭でも言ったようにコスパとタイパをできるだけ重視したいのであれば、「フル参加」に縛られないことをオススメする。 ＜フジロック＞は3日間（前夜祭を入れたら4日間）を通しで参加できればMAX楽しめるけれど、それは唯一の正解ではない。チケットは3日通し券のほかに、1日券や金曜ナイト券、Under22＆Under17割引の1日券などもあり、実は参加スタイルの自由度は高いとも言える。 主なチケットの種類 ・3日通し券：最もフルに楽しみたい人向け ・1日券：好きな日だけ参加 ・金曜ナイト券：金曜夜18:00〜翌5:00まで参加 ・1日券 [Under 22]：22歳以下割引 ・1日券 [Under 17]：中高生世代向け割引 ※15歳以下は保護者の同伴に限り入場無料

むしろフル参加は毎年のように＜フジロック＞に標準を合わせる人たちで、実際は1〜2日だけ行く人も多い。上記の中から自分の楽しみ方やスケジュールに合わせてチケットを購入すれば、無理なくフジロックを楽しめるので、限られた時間の中で＜フジロック＞の旨みをピンポイントで味わおう（ただしチケットは続々と売り切れていくので、行く気持ちがあるなら急ぐが吉！）。

＜フジロック＞の開催地である苗場は、都内からクルマだと約2〜3時間だが、移動時間や宿泊費がどうしても負担になりがち。そこでポイントは「移動の工夫」と「宿泊の節約」だ。 移動の工夫 ・クルマで相乗り：交通費をシェアすることでコストを分担 →クルマで来場する場合は事前に駐車券購入が必要（入場券2枚以上とのセット販売のみ） ・夜行バス：早朝に苗場入りできるので、宿泊費0円プランが可能 ・公式ツアー：バス＋チケット＋宿泊のセットもあるので初心者は安心 →公式ツアーの商品は売り切れに近いものが多いのでお早めに！（特に宿泊関連） 宿泊の節約 ・苗場周辺の旅館や民宿を事前に予約 ・越後湯沢エリアで安宿を探す（シャトルバス利用が可能） ・キャンプサイト活用で宿泊費を削減 ※移動や宿泊の詳細は下記を参考に！ オフィシャルサイトツアーセンターオフィシャルサイト

移動・宿泊の準備は、フェス体験そのものの質に影響する。たとえば夜行バスは移動時間を睡眠時間に当てることができるし、クルマの相乗りは単に費用を割り勘できるだけではなく、行き帰りも含めてフェス体験と捉えると、思い出の密度と濃度が上がる。＜フジロック＞仲間との車内での音楽談義や、初対面同士の会話から始まるコミュニケーションもフェスの楽しみの内だ。 宿泊に関しては、快適さとコストのバランスをどう取るのかが重要。苗場プリンスはもちろん、会場近辺のロッジやホテルは人気のため競争が激しい。そのため、越後湯沢エリアの安宿に泊まってシャトルバスで通うというスタイルも、キャンプは不安＆したくない人は検討しよう。 一方で「キャンプできるぜ」の人はぜひ！ 現地のキャンプサイトを使えば、一気にコスパは上がる。公式サイトでは、キャンプサイト券（全期間共通で6000円）が用意されており、自前のテント・寝具を持ち込むことで宿泊費を圧倒的に節約できる。ただし、キャンプにまつわるルールやマナー、傾斜のある地形への対応、最低限の装備などは事前にしっかり把握しておきたい。

せっかく＜フジロック＞に来たのなら、タイムテーブルを見て「どれもこれも観たい！」と思うのはごく自然なことだが、それが疲労やストレスにつながってしまっては本末転倒。フジロックをタイパ的な視点で考えて楽しむコツは、“余白”をあらかじめ予定に組み込むことにある。

移動時間や休憩時間を計算せずに予定を詰め込むと、結果的にどのライブも集中して楽しめなくなってしまいがち。あえて余白の時間を作り、川辺で休んだり、森の中を散歩したりすることで体力も気持ちもリセットできるので、気負いすぎずに苗場の自然の気持ちよさも堪能しよう。 そして効率的に回るコツは、自分なりの「最高タイムテーブル」を見つけること！ 効率的に回るコツ ・タイムテーブルをチェックしてマストで観たいライブを決定 →その上で、観たいライブをどういう順番で回るかのルートを組む ・各ステージの場所と、ステージ間の移動距離を把握 →フジロック初心者は、散歩がてらすべてのステージを回ると◎ ・人気ステージ＆時間帯は、混雑回避を意識して移動 →出演直前は混雑が予想され、移動に時間がかかるので余裕を持って

また、まったく聴いたことのないアーティストのライブに、直感を信じてふらっと行ってみるのも案外良い。世界中＆日本中から、極上のライブを披露してくれるさまざまなアーティストたちが集結する＜フジロック＞という機会は、思いがけない出会い・発見・感動も醍醐味だ。

本気で向き合えばいくらでもお金と時間を使えるフェスだ。しかし同時に、制限があっても十分に楽しめるフェスでもある。限られた予算や日程などさまざまな事情や想いを抱えながらも、とにかく＜フジロック＞に行きたいという一心で皆が苗場に集う。そうやって生まれる一体感も魅力で、その中でどう遊ぶのかを決めるプロセスもフェスの楽しさだ。 「全部行けなくてもいい」「全部知らなくてもいい」──そう思えた瞬間から＜フジロック＞は一気に身近になる。2026年の夏、あなたなりの距離感で苗場の時間を楽しんでほしい。

Text by ラスカル （NaNo.works）

──みなさんにお会いするのは、2025年秋から約半年ぶりとなります。前回のインタビューでは、年末に向けて「ギャンパレ流行語大賞2025」を選出してもらいました。

（参考：GANG PARADE 感謝と再出発の8thシングル“KIMI☆NO☆OKAGE”――メンバーが語る10年の軌跡）

キャン・GP・マイカ（以下：マイカ）　ありましたね〜。「ハーイみょん！」やら「勝訴！」「盗んでいい？」などなど。

ナルハワールド（以下：ナルハ）　しょ、勝訴……？

マイカ　裁判のときにバッて開くやつ。最近は全然使ってないよね。

チャンベイビー（以下：ベビ）　ハーイみょんはまだ生きてる！

ココ・パーティン・ココ（以下：ココ）　うち、今日も使ったもん。

──この約半年で、新たに流行語となったものはありますか？

ベビ　やっぱりアレじゃない？

マイカ　「うっふ〜ん♡　⚪︎⚪︎だわ〜ん♡」っていう、うっふん構文。

ココ　うちら、というよりXで流行ったネットミームだよね。

ナルハ　あとは「僕っ子」みたいなやつ？

アイナスター（以下：ナス）　一人称が「ボキ」になるやつね。ボキは〜、って。派生形で「俺は〜↑」って、イントネーションが上がるバージョンもある。

──古きよき「漏れ」「ぽまいら」みたいなノリですね。

ベビ　それです。ほかにもなんかあったよね？

ココ　いまはミーム自体、サイクルが早いから私たちも忘れちゃって。

マイカ　1日で消えるのもあるし、グループ内禁止がかかることもあるからね。最近だと「おねがいします！」みたいに、無駄に敬語で喋るやつ。シンプルにウザいからって理由で禁止になりました（笑）。

──そうしたミームは、どなたが率先してグループに輸入しているのでしょう。

ナス　誰だろう。前提としてネットに張り付いている人だらけなのと、そのせいでXのタイムラインに流れてくるポストも似てくるんです。だから、会話中に誰かがぼそっと呟いたことに、みんなが「えっ、待って。私もそれ見た！」って飛びつくパターンが多くて。

ココ　パイオニアはいないけど、ドク（ユイ・ガ・ドクソン）がこないだミーム集をまとめてたよね（笑）。

──なるほど。まだ上半期も終わっていませんが、現時点で「ギャンパレ流行語大賞2026」を予想しておくとすると？

ココ　うっふん構文で！

ベビ　うっふ〜ん♡

ナルハ　（笑）

──あまりに満場一致すぎて、ナルハさんがもう笑っちゃってますよ。本題に入りまして、ギャンパレは来たる6月17日に結成から満10周年を迎えます。そこで今回は、これまでメンバーと過ごしてきた数年間のなかで、最も印象的だった6月17日の出来事を教えてください。発表は、お手元のフリップで一斉にどうぞ。

マイカ　各々、カメラロールを見返してみよっか。カレンダー機能から検索とかでいけるのかしら？　あっ、いけるのかしら〜ん？

ナス　いけるのかしら〜ん♡

──そこでも応用が利くんですね。

ナス　あっ、2024年はセイがメンバーに「脱退する」って言った日だ。見てこれ、泣きながら練習してるセイの写真。（編注　カ能セイのこと。現在は“華乃”名義でソロアーティストとして活動）

ベビ　その後、FC生配信もした日だっけ？　2025年は千羽でアルバイトしてる！（編注　WACKが毎年恒例で企画している渋谷ジャック広告施策の一環として、メンバーが神泉にある「串焼き 千羽」で接客するイベント「千羽で角パンしよ。」を開催していた）

マイカ　2023年はローモバの得点争いに追われてるな。（編注　スマホアプリゲーム『ロードモバイル』のこと。​​ギャンパレは同年、WACKに所属する全グループ対抗でのコラボ企画『集められた6つの騎士団 -玉座をかけたイス取りゲーム-』に参加していた）

ココ　私は同じ日、メイ（キラ・メイ）とパンケーキ食べに行ってる（笑）。

ナルハ　私のスマホ、数年前に機種変したから2022年より前の写真が全部消えてる……。

ナス　かなしい（笑）。2022年は、みんなで普通に練習してるね。

ココ　2021年は、マイカと茶豆の誕生日会してたんだ。

（※茶豆は、キャン・GP・マイカの飼い犬。2020年6月18日生まれのペキチワ。Instagramアカウント）

マイカ　私も毎年6月17日は茶豆の誕生日会がほとんどだった（笑）。

ココ　でも、意外と毎年メモリアルなことをしてるし、こうして振り返ってみると、大体はメンバーと一緒に過ごしてきてたんだね。色々なことがあって、わりと全部覚えてる。いま出てきたのなんて、ベビが練習中にすごいブリッジしてる写真（笑）。そんな感じでみんなフリップ書けた？　一斉に出すよー、せーのっ！

──わりと回答が固まった年もありますね。せっかくなので、時系列に沿って振り返ってみましょうか。

──ちょうど振り付けのお話がありましたので、マイカさんが特に意識したポイントがあればぜひご共有を。

──お話を聞いていて、改めてこれが最後の新曲になるのがとても寂しいなと……。気を取り直して、ここからは収録される3枚のCDから、Disc 2に絞ってお話を聞かせてください。

ココ　Disc 1はリード曲を厳選した“LEAD BEST”、Disc 3は遊び人の投票で上位10位を獲得した曲が集まる“ASOVIVA BEST”。そして、メンバーが選ばせてもらったのがDisc 2の収録曲です。流れとしては、Disc 1→2→3の順番で決まっていったのかな。私たちのターンではすでにDisc 1で“最強のギャンパレベスト”が決まっていたので、みんなの個性が自ずと出る選曲になったと感じています。

マイカ　というか、打ち合わせなしで収録曲が一人も被らなかったのが驚きだよね。

──これ、打ち合わせなしだったんですね。さておき、今回はアルバムの特設サイトで「“MEMBER BEST” PLAYLIST」も公開されていましたが。

ココ　うち、マイカのやつめっちゃ面白いなって思った。自分で振り付けを考えた「マイカcreative Best 10」は、さすがにマイカにしかできない選び方すぎる。

マイカ　ありがとう！　最終的に収録曲に選んだ「don't forget me not」は、初めて自分で振り付けを考えた思い出の曲で、カラオケに行くと必ず歌っちゃう（笑）。遊び人にも人気なイメージがあるし、たしかメンバー11人中5人がこの曲を選んでたよね？

ナス　ほんとだ。なんならメンバー人気1位じゃん！

ココ　この場にいるメンバーだと、ナス、ナル（＝ナルハ）も選んでる。

──この10曲をそのままセットリストにしたライブも観てみたかったです。

ベビ　めっちゃ面白そう！

マイカ　いや、待って。だとしたら、結構死んじゃうかも……。

ココ　あはははっ！　そうだね、マイカのは、やだ（笑）。

マイカ　落ち着いた曲が最後の「Where are you?」だけだし、レア曲も多いから頭も体もパニックになるの間違いないわ。

──個人的に、ベビさんのプレイリストがお気に入りでした。

ベビ　私のは、シャッフル再生で回ってきたときにうれしい曲たちを中心に選びました。普段は同じ曲をずっと聴くタイプなんですけど、そうなる基準がイントロの時点で「この曲、好きだな」って思えるかどうか。でも、イントロが好きな曲って、結局は2番とか曲終わりまでずっと「いいな」って思っちゃうから、あんまり基準の意味がないかも（笑）。

マイカ　そう言われると、たしかにイントロに迫力のある曲が多く並んでるね。

ココ　というか、うちとベビって3曲も被ってるんだ。ギャンパレの全曲（171曲）が候補だったなかで、3曲も一緒ってなかなかすごくない？

──そうなんですよ。実は今回、みなさんのプレイリストを生成AIに読み込ませてみたのですが、選択曲が最も被っていたペアに対するコメントがなかなか興味深く。みなさん、お手元の資料をご覧ください。

マイカ　ほんとだ。アイナスター×ナルハワールド……。

ナルハ　「👉強い一致」だって（笑）。

ココ　待って、「👉かなり“思想レベル”で近い」とかおもろすぎる。（絵文字のように、頭に指を強めに当てながら）

ナス　ほんとだ。私とナル、4曲も被ってるんだ。

マイカ　そんなに一緒だったの！？

ナルハ　そうなんだよね、びっくり。

ナス　たとえば「シグナル」だと、私の加入曲でもあり、ナルの活動復帰タイミングでのシングル表題曲だったから思い出もたくさんあって。あと「お願い」は、ナルの作詞曲。私はまだグループ加入前だったんですけど「こんなに自分のことを代弁してくれる歌があるの？」ってくらい、最初に聴いたときは本当に衝撃的で。この曲に出会えたことが、私のアイドル人生でも大きなターニングポイントのひとつになっているので、ナル自身もこの企画で選んでくれていてうれしかったです。

ナルハ　それまでの作詞曲は前向きで明るい気持ちを書いたものが多かった一方、「お願い」では暗い部分を表現するのに初挑戦して。自分としても気に入ってるし、そんな歌詞をメンバーに大好きだと言ってもらえたので、私もすごくうれしいです。

──そんなおふたりは、実際のところ「思想レベルで近い」のでしょうか？

ナルハ　どうだろう。プリキュアが好きなところとかは一緒かもだけど……。

ナス　キャラクターや性格自体はそこまで似てないよね。でも、これは活動のなかで表には出さないんですけど、自分に対する不安や自信のなさをうっすらと抱えているところが、もしかすると同じなのかな。つい先日、楽屋で似たような話をしたことがあって、そこでふとわかり合える感覚になったんです。もちろん、こんな話はしょっちゅうしませんけど、「お願い」の歌詞がお互いの重なる部分をさらに見つけてくれたのかも。

ココ　それでいうと、私は性格的にナスと近くて、言い換えればナルと正反対。でも、正反対だから逆に似てしまう部分があると思うんです。なんだろう、ほんの少しズレているんじゃなくて、180度で思いっきり違うから、むしろ繋がるところが生まれてくるというか。感覚的な話ですけど、ナスの言ってることもわかるなって気がします。

ナス　言葉にするのが難しいよね（笑）。ココはたしかに私と似ていて、ギャンパレで唯一、ENFP（広報運動家）でMBTIが一緒なんです。「お願い」もそうだし、いまのココもまた、私の気持ちを代弁してくれちゃいました（笑）。

──とても考察が深まりました。遊び人はすでに同じ楽しみ方をしているかもしれませんが、このプレイリストを眺めながらだと、おいしいお酒が飲めそうです。

ナルハ　あははははっ（笑）。

ココ　たしかに。これで語るの、めっちゃ楽しそう（笑）。

──さて、ここまで何度か触れてきましたが、残念ながらギャンパレは2026年内をもって解散をすることが決まっています。しかしながら、解散以降にグループの作品に触れ、後追いで遊び人になる方々も少なくはないかと。

ナルハ　うんうん。

──そこで、既存の遊び人を含め、これからをギャンパレと生きていくすべての人々のために、2027年以降に読んでもらいたいメッセージを残しておくのはどうでしょう？

マイカ　おぉ〜！

ココ　すごい切り口！

ナス　新視点だ！

ココ　じゃあ、私から。2027年以降のあなた、へ。

マイカ　お手紙形式なんだね（笑）。

ココ　GANG PARADEに、どのような形でたどり着いたかはわかりません。ですが、こうして私たちを見つけてくださって、本当にありがとうございます。GANG PARADEは、もう解散してしまって、いるとは思うんですけど……。

ナルハ　……あぁ〜。

ナス　悲しいね。いま、ちょー悲しくなった……。

ベビ　ね。

ココ　やめる？

ナルハ　やめようよ。

マイカ　なんか、ちょっと、うるっときちゃった……！（目元を手でぱたぱた仰ぎながら）

（しばし沈黙）

ナス　2027年ってさ……本当にもう解散してるの？

ベビ　解散日じゃなくて、それ以降を考えるのがめっちゃリアルだったよね。

マイカ　わかる。なんだろうね、この気持ち。

ナス　ラストツアー『GANG PARADE SO LONG TOUR』が開幕してもなんとも思ってなかったのに、いま初めて実感が湧いたというか。リアルな想いを目の当たりにしたし、もしかしたら少し逃げてたのかも。

ベビ　本当にみんな泣いちゃいそうじゃん。でもそっか。私たち、実は現実から目を逸らしてたんだ……。

ココ　でも、そうですね……出会ってくれてありがとう、というか。GANG PARADEは10年間くらい活動してきて、名曲も数えきれないくらいたくさんあるし、メンバーもきっと元気にしているとは思うんですけど……人生のどんなタイミングでもいいので、私たちの音楽を聴いてもらえたら、「やっててよかった」って、本当に思えます。遊び人たちが残してくれた写真や動画もたくさんあるはずだし、いまからでも遅くないので、GANG PARADEの応援をよろしくお願いします。

ナルハ　その通り。私たちの楽曲は消えないから。「もし、解散がもう少しだけ遅かったら……」とか、色々と考えて悔しい気持ちになることはあるけど、残るものもちゃんとあるので。これからもずっと、ギャンパレを好きでいてほしいです。

ベビ　それこそ遊び場は写真も動画撮影もOKだから、昔のアーティストさんたちに比べて、後から楽しめる情報量もものすごく多いと思う！

マイカ　私、あれ好きなんだよね。YouTubeのコメント欄に残ってる「2026年だけど、まだ見てる人いる？」ってやつ。この記事を読んでくれた人、ギャンパレの動画にコメントをお願いします！

ナス　ぜひぜひ！　というか、私たちもみんなと同じように、ギャンパレで過ごした日々を回顧して、寂しい気持ちになるんですよ。これはもう絶対なるに違いないし、なんたっていま、この瞬間だって“直面なう”だし（笑）。でも、そうなった方が絶対いい。この解散は11人全員にとって人生の大きなターニングポイントになるはずで、ここまでが最高じゃないと、これから先を生きていけないと思うから。とにかく、私たちもいま同じ気持ちだよって、このインタビューを通して遊び人のみんなに伝わっていればうれしいです！

BADSAIKUSH（舐達麻）が表紙を飾る書籍『BLUEPRINT THE RECORDS 001』が刊行された。6月11日（木）より、CYZO BOOK STORE限定で先行予約販売がスタートしている。 『BLUEPRINT THE RECORDS』は、HIPHOPカルチャーのアーカイブメディア『BLUEPRINT THE MAGAZINE』の総集編として新たに刊行される書籍シリーズである。今号は株式会社サイゾーより発売される。 創刊号となる『BLUEPRINT THE RECORDS 001』では、日本語ラップシーンに大きな足跡を残してきたヒップホップクルー・舐達麻のBADSAIKUSHを表紙に起用。巻頭では28ページにおよぶ2万字超のロングインタビューを掲載し、「俺にとってヒップホップって文学なんですよ」という言葉とともに、舐達麻の現在、ヒップホップという生き方、家族との向き合い方、そして自身の偽らざる心境について語っている。 舐達麻は2019年のアルバムリリース以降、近年は表舞台に立つ機会も限られてきた。本書では、数年の沈黙を経たBADSAIKUSHが「外部の事情なんて、入り込む余地はない」「音に導かれ、言葉と生きる」をテーマに、その重い口を開く。

また本書には、過去の『BLUEPRINT THE MAGAZINE』に掲載されたインタビューも収録。Zeebra、SEEDA、ILL-BOSSTINO（THA BLUE HERB）、ANARCHY、LEXをはじめ、7、JNKMN、$MOKE OG、GREEN ASSASSIN DOLLAR、DJ TATSUKI、Brooklyn Yasらのロングインタビューが再録され、日本のHIPHOPシーンを多角的に振り返る内容となっている。

『BLUEPRINT』編集部は、本書刊行の理由について、「HIPHOPは、ライフスタイルであり、生き様であると思う」と説明。ラッパーたちの生い立ちや日常、楽曲の背景にあるリアルな思いを記録し、「消費はされるけど、風化はしない」アーカイブとして残していきたいとしている。 さらに、公式YouTubeチャンネル『BLUEPRINT THE MOVIE』では、BADSAIKUSHのロングインタビュー動画を順次公開。誌面と映像の両面から、その言葉に触れることができる。

Text&Edit by Qetic編集部

近年の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞（以下、フジロック）に足を運んでいる人なら、会場の空気が少しずつ変わってきていることを肌で感じているのではないだろうか。苗場の森に響く音楽は、もちろん今も欧米のロック、インディー、ダンス・ミュージック、ジャズ、ワールドミュージックなど、多様な音楽を内包している。しかし、その中で近年ひときわ存在感を増しているのが、アジア圏からの来場者とアーティストの存在だ。 2025年のフジロックでは、インバウンド販売数が全体の1割強を占め、そのうち約7割が中国、台湾、韓国、香港などアジア圏からの来場者だったという。さらに、国内販売でチケットを購入している外国籍の来場者もいるため、現場感としては、その数字以上にアジア圏の存在感があったようだ。会場を歩いていて、中国語、韓国語、英語、タイ語らしき言葉があちこちから聞こえてきた、という経験をしたフジロッカーズも多いはず。かつて洋楽や海外という言葉が主に欧米のアーティストやリスナーを指していた時代から考えると、それはとても大きな変化である。

もちろんフジロックは、もとより国籍やジャンルを限定するフェスではなかった。ロック、ジャズ、ヒップホップ、テクノ、レゲエ、フォーク、ワールドミュージックまで、ありとあらゆる音楽が同じ山の中で鳴り響く。その雑多さこそがフジロックらしさでもあった。ただ、冒頭で述べたここ数年の変化は、単に「アジアのアーティストが増えた」というだけのことではない。オーディエンスの側にも、アジアの音楽やカルチャーを日常的に受け取る感覚がすでに根づいている。韓国、台湾、タイ、中国、インドネシア、フィリピン、そして日本。若いリスナーにとって、それらはもはや“遠い国の音楽”ではない。SNSやストリーミング、YouTube、TikTokを通じて、国境を越えた音楽体験は日常の一部になっているといえよう。 そうした流れを象徴するように、昨年のフジロックではHYUKOH（ヒョゴ）やSUNSET ROLLERCOASTER（サンセット・ローラーコースター）がメインである＜GREEN STAGE＞に登場し、新設ステージの＜ORANGE ECHO＞ではKim Oki（キム・オキ）やYONLAPA（ヨンラパ）が名を連ねた。これまで様々なアーティストを輩出してきた＜ROOKIE A GO-GO＞には、台湾のフェス＜ROCK IN TAICHUNG＞とのコラボレーションにより震樂堂（シンガクドウ）が出演するなど、アジアのアーティストたちはフジロックの〈現在〉を形作る重要な存在となった。リスナーの聴き方、アーティストの活動範囲、フェスの在り方が同時に変わっていくなか、アジアの音楽シーンとフジロックはごく自然に交差しはじめているのだ。 そうした流れを踏まえた上で、今年のフジロックのラインナップにXG、HYUKOH、Fujii Kazeが並んでいることは、単なる話題性以上の意味を持っている。

まず注目したいのはXG。メンバー全員が日本人でありながら、彼女たちの存在は従来のJ-POPという枠には収まりきらない。英語詞を中心とした楽曲、ヒップホップやR&Bをベースにしたサウンド、緻密に設計されたダンスパフォーマンス、グローバルな映像表現。それらは国内市場のみを見据えたものではなく、韓国の音楽番組、英語圏のリスナー、アジア各地のファンダム、およびグローバルな配信環境を前提に組み上げられている。「日本から海外へ進出する」というプロセスではなく、最初から国境をまたいだポップミュージックとして鳴らされてきた。だからこそXGは、J-POPでもK-POPでもない「K-POP以後のアジア発グローバルポップ」として捉えるべき存在なのだ。 そして、フジロックにXGが出演する意味もそこにある。フジロックは長らく、ロックやオルタナティブ、クラブ・ミュージックを中心に、音楽好きたちが集まる場所として認識されてきた。一方、XGはポップミュージックの最前線にいる存在であり、グローバルなファンダムを持つアーティストでもある。彼女たちが苗場のステージに立つことは、フジロックが“ポップ”をどう受け入れ、どのように更新していくのかを示すひとつのトピックになるだろう。

HYUKOHは、XGとはまったく異なる角度から、アジアの音楽シーンの豊かさを示す存在だ。韓国の音楽と聞くと、どうしてもK-POPのイメージが先行しがち。しかし韓国には、インディー、ロック、ジャズ、ヒップホップ、エレクトロニック・ミュージックなど、実に多様な音楽シーンが存在する。HYUKOHは、その中でも韓国インディー／オルタナティブの存在感を世界に知らしめてきたバンドの一つである。乾いたギターの響きやゆるやかなグルーヴ、余白を残したアンサンブルは、国境やジャンルを軽々と越えていく。K-POPのように強いコンセプトや華やかなビジュアルで押し出すのではなく、バンドとしての佇まい、音の質感、都市的なメランコリーによって、海外のリスナーからも支持を獲得してきたからだ。 そういう意味では、フジロックとHYUKOHの親和性は高い。周知の通りフジロックもまた、メインストリームの音楽だけを紹介する場所ではなく、まだ大きく一般化されていない音楽や、国境やジャンルの隙間にある音楽と出会う場所であり続けてきた。「韓国音楽＝K-POP」という見方を相対化し、アジアの音楽シーンがいかに多層的であるかを体現するHYUKOH。彼らの音楽が苗場で鳴らされることは、アジアのインディーシーンがもはやローカルな出来事ではなく、世界中のリスナーの耳と接続していることの証でもあるだろう。

そしてFujii Kazeである。彼の音楽は、R&B、ソウル、ジャズ、ゴスペル、歌謡曲、ポップスなどを自然に横断しながら、どこか祈りにも似た独特の精神性を帯びている。もちろん、日本発のアーティストが海外へ届く道筋は、Fujii Kaze以前にも切り拓かれてきた。たとえばきゃりーぱみゅぱみゅやPerfumeがヴィジュアルとダンスミュージックの鮮烈さで、ONE OK ROCKやBABYMETALがロック／メタルの強度で海外のリスナーを惹きつけてきたとすれば、それに続くFujii Kazeは、日本語の響き、独特のユーモア、ピアノを軸にしたソングライティング、R&Bやソウル、ゴスペルの感覚によって、国外のリスナーにも広く届いている。 日本語の意味を完全には理解できなくても、声の揺れ、旋律の柔らかさ、ライブ映像に映る身体の動き、飾らない佇まいから何かを受け取ることができる。コストリーミングや短尺動画によって、言葉の意味よりも先にその質感が共有される時代において、Fujii Kazeの音楽は現在のリスニング環境と非常に相性がいい。そしてそのあり方は、多様な音楽をそのまま受け入れる場としてのフジロックともよく響き合う。Fujii Kazeが苗場のステージに立つことは、日本のポップスが「アジア」の中でどのように受け取られているのかを考える上でも、象徴的な瞬間となるだろう。

もちろん、2026年のラインナップから見えるアジア的な広がりは、この3組だけに限らない。アジアン・カンフー・ジェネレーションは、日本のロックがアジア圏のリスナーにどう届いてきたかを考える上で重要な存在だし、Yo-SeaやIO、Kroiのようなアクトからは、R&B、ヒップホップ、ファンク、ポップスを横断する現在の日本の都市音楽が、アジアや海外のリスナーとも共有可能なビート感覚やメロディ感覚を持っていることが見えてくる。また、平沢進＋会人のように、ネット以後に海外リスナーから再発見されてきた日本のオルタナティブな存在もいる。さらにMitski（ミツキ）のように、アジアにルーツを持ちながら英語圏インディーの中心で支持されているアーティストの存在も、“洋楽フェス”でも“国内フェス”ではない、現在のフジロックの多層性を物語っている。

かつてフジロックは、日本にいながら世界の音楽と出会える場所だった。そこには、欧米のロックやクラブミュージックを生で体験するという意味合いが強くあったはずだ。しかし現在のフジロックは、それだけではない。アジアの観客が日本に集まり、日本のアーティストがアジアに届き、韓国や台湾、タイのアーティストが苗場のステージに立つ。そこには、欧米を中心とした一方向の“海外音楽”ではなく、アジアの中で音楽が循環し、交差していくリアルがある。 2026年のフジロックは、その変化をよりはっきりと可視化する年になるのかもしれない。XG、HYUKOH、Fujii Kazeという3組は、アジアの音楽がいまどれほど多様で、どれほど自然に国境を越えているかを示す存在だ。そして彼らを目当てに苗場を訪れる人々もまた、フジロックという場の風景を少しずつ変えていくだろう。 さまざまな国や地域の音楽、人、価値観が出会い混ざり合う場所として、フジロックは今、アジアの熱狂とリンクしながら新しいフェーズへと向かっている。

「音楽を本気でやることと、東京に行くことはイコールではない。」 そんなメッセージを掲げる新たなレーベルが、北九州から動き出す。ビクターエンタテインメントが、メジャーレコード会社として国内初となる地域特化型レコードレーベルプロジェクトを始動。第一弾として福岡県北九州市とタッグを組み、新レーベル「STEELING SOUND（スティーリングサウンド）」を発表した。 同社は2027年の創立100周年に向け、新たなグループ理念「Good Music, Good Culture ——エンタテインメントの力で時代を切り拓き、文化と社会に貢献する——」を策定。その取り組みのひとつとして、地域に根ざした才能や文化を発掘・育成・発信する新プロジェクトをスタートさせる。

本プロジェクトが目指すのは、施設整備やイベント開催といった従来型の地方創生ではなく、地域に根ざした才能と文化がつながり、継続的に創作活動が生まれる「クリエイティブなコミュニティ」の形成だ。 その中核を担うのが、ビクターエンタテインメントの音楽制作・発信力と、地域が持つ人材や文化資源を掛け合わせた「地域特化型レコードレーベル」である。 地域社会や行政、地元企業、スポーツチームなどと連携しながら、アーティストやクリエーターの発掘から育成、発信までを一体的に行う。生み出された作品は地域から全国へ、そして世界へと届けられる。

第一弾の舞台に選ばれたのは福岡県北九州市。シーナ＆ロケッツやUP-BEATなど、多くのアーティストを輩出してきた街として知られる北九州市では、現在「うたのまち北九州市」プロジェクトを推進している。 今回の取り組みでは、ビクターエンタテインメントと北九州市が連携協定を締結。「クリエイティブ人材の育成活動支援およびエンターテインメントを活用したコミュニティの創出」を目的に、新たな地域カルチャーの創出を目指していく。

ビクターエンタテインメント代表取締役社長の小野朗氏は、本プロジェクトについて次のように語っている。「ソーシャルメディアやデジタルの進化で、東京に出なくても世界中に音楽を発信できる時代になりました。一方でその分、音楽が均質化しているのではないかという問題意識があります」。 さらに、「地域のリアルなコミュニティと向き合い、音楽の力で継続的にエコシステムを作っていくこと——それが、私たちが次の100年に向けて挑戦すべきことだと考えています」とコメント。地域に根ざした音楽活動の可能性に期待を寄せた。

一方、武内和久北九州市長も、「これまでは『才能があるなら東京へ』という流れが当たり前でしたが、私はこの既成概念を壊したいと思っています」と語り、「北九州市を、音楽を聴く街から、発信する街へと、この街から全国へというサイクルを創っていきたい」と展望を明かしている。

レーベル名「STEELING SOUND」は、鉄の街として発展してきた北九州市の歴史と、ビクターエンタテインメントとの融合をイメージして名付けられた。「STEELING」には、強める、研ぎ澄ますといった意味が込められており、地域のカルチャーをさらに力強く発信していくという意思が表現されている。 また、所属アーティスト像として掲げられているのは、「地元で、地元から作品を発信する」という考え方だ。北九州で暮らし、働きながら音楽活動を続けるミュージシャンをサポートし、新たな音楽シーンの創出を目指していく。

現在、「STEELING SOUND」ではオーディションを実施中。ミュージシャン部門ではオリジナル楽曲による応募を受け付けるほか、クリエーター部門ではレーベルロゴのデザインを募集する。音楽だけでなく、地域から新たなクリエイティブを生み出す挑戦としても注目を集めそうだ。

5月14日に幕を開けた『Suchmos The Blow Your Mind TOUR 2026』は、全国9都市18公演におよぶ対バン形式のライブツアー。遡るとSuchmosの対バンツアーは2020年に開催予定だったが、新型コロナウイルスのパンデミックの影響で中止を余儀なくされ、その当時の想いはSuchmos自身も、関係者も、ファンも同じテンションで共有していたことだろう。それもあって本ツアーの開催が発表されると、Xなどでは「あのときのリベンジ！」という声があふれた。 Suchmosがリスペクトするアーティストを各地の公演ごとにゲストとして迎える本ツアーは、単に自分たちの楽曲を披露する巡業ではなく、異なる背景と音楽性を持つ表現者たちと共鳴し合うことで、新たなステージを切り拓こうとする挑戦とも捉えられる。そして何と言っても、ゲストの顔ぶれが同じ時代を駆け抜けた戦友から憧れの先輩まで実に多彩かつ豪華で（神奈川・IO、愛知・GLIM SPANKY、大阪・くるり、福岡・長岡亮介、北海道・cero、宮城・ハナレグミ、広島・GRAPEVINE、新潟・The Birthday、東京・Fujii Kaze）、チケットの争奪戦は凄まじかったようだ。 今回のKT Zepp Yokohamaでの2DAYSは文字通りツアーの出発点で、ゲストは日本のHIOPHOPシーンで独自の立ち位置を築くラッパーのIO 。Suchmosと同じく都市の空気と向き合ってきた表現者であり、両者は若き頃から定期的に交流があったという。本稿では、SuchmosとIOの両者が“現在進行形”の音楽を携え、交差し、共鳴し、そして更新した夜をレポートする。 〈過去記事〉 LIVE REPORT：Suchmos The Blow Your Mind 2025 新たな未来へと歩み始めた復活の夜 振り返るフジロック2025｜Suchmos 変わるもの　変わらないもの　そのすべてがSuchmos LIVE REPORT：Suchmos Asia Tour Sunburst 2025 横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaを経て 辿り着いたSuchmosというバンドの現在地

開演時刻の19時をやや過ぎ、場内の照明がゆっくりと落ちていく。Suchmosの対バンツアー初日、その幕開けを託されたのは、ラッパーのIO。昨年リリースしたアルバム『JUST ALBUM』と同じく、始まりの“Just intro”のビートと共にステージ上に現れたIOは、過剰な煽りも、演出的な前振りもなく、ほとんどそのままの佇まいでステージを見渡す。まだはっきりと見えない、暗闇に浮かぶシルエットだけで、観客を納得させる──それがIOのズルいまでのカッコ良さだ。 “本牧カーチェイス”は、曲の輪郭がはっきりと浮かび上がる。横浜という街の具体的な地名、夜の匂い。IOが紡ぐ言葉は抽象的な都市論ではなく、生活の延長線上にあるストリートの感触そのもので、KT Zepp Yokohamaというライブハウスは一瞬にして“どこかの街の夜”へ。続いて「横浜行けますか！」の煽りから“Spotlight”へ。ここまで3曲はアルバムの曲順と同じで、レーザーのライトがタイトル通りのスポットライトになり、照らされた観客の手も自然と上がった。 オープニングから「むむ？」と思ったが、サックスをはじめとした演奏陣が次々と見せ場をつくるこの“Kidy”で、IOのバンドメンバーが“ヤバい”ことを確信した。MELRAW（Sax./Gt.）、熊代崇人（Ba.）、大樋祐大（Key）、荒太洸（Dr.）、KORK（DJ / MP）という、この対バンに臨むIOの本気度が伝わる布陣。「堀米みたいに付ける金」「ここが生まれ死ぬ街」とTOKYOとHIPHOPをREPする“1942”では、哀愁漂う極上の演奏にIOも満足気な様子で、余裕な素振りで客席をゆっくりと見回す。

続く“Racin’”が放たれるころには、オーディエンスの熱は高まり、自然と声が上がる。さらにその熱は、Kohjiyaの登場で急沸騰。「シャバイ事してる……」のリリックに、「暇ねぇよ！」と大声で答えるヘッズたちの純粋さが眩しい。そして“Mamacita”から“Trust Me”（feat. MALIYA & Shurkn Pap）と“Lowkey（feat. MALIYA）”では、メロウな曲調に浸る時間が訪れた。 IOのステージのハイライトは、次の“Say My Name”。松葉杖で現れたRyohuを見て、もちろんいい意味で“ズルい”と心の中でつぶやいた。ただし、さすがに立ちっぱなしはしんどいのか、ステージに用意された椅子に座ってタイトなラップを披露。そのパフォーマンスの貫禄に、松葉杖が“王笏”、椅子が“玉座”に見えた（のは自分だけか）。さらに、Ryohuが残って“All in One（feat. IO）”。KANDYTOWN、言わずと知れた関係値。盟友との時間にIOの表情が柔らかい。 「Suchmos、呼んでくれてありがとうございます」と穏やかな口調で告げたIOは、ラストナンバーの“左利きのBenz”へ。 この曲が持つ疾走感と内省性は、IOの二面性を表している。成功を手にしながらも、自分自身を疑い続ける視線。その葛藤を作品として差し出す覚悟が、聴く者の胸に深く刺さる。曲が終わった瞬間に残ったのは、言葉にしきれない余韻と静かな納得感だ。 この夜が「対バンツアー」であることを考えると、IOの役割は極めて重要だった。彼は会場を温めるためにステージに立っているのでもなければ、Suchmosの前座として存在しているわけでもない。むしろ、この夜全体のリアリティを先に提示するという役割を、完璧に果たしていた。IOのステージで鳴らされた言葉とビートが、あとに続くSuchmosの音楽をより現在進行形のものとして浮かび上がらせる。その土台をIOは確実に築き、この夜が“本物”であることを証明した。

IOのステージが終わり、転換の時間が訪れる。言葉とビートが刻んだ余韻がフロアに残る中、観客は静かに、しかし確かな期待を持って次の瞬間を待っている。20時10分、照明が落ち、SEが鳴り始めると空気が変わる。しかしそれは、IOの余韻を断ち切るような変化ではない。むしろ彼が提示した現実の上に、もう一層、異なる質感のレイヤーが重なっていくような感覚だった。

そしてステージにSuchmosのメンバーが登場。YONCEは深々とお辞儀をした。 「Suchmosです。どう楽しむか見させてもらいます。ご自由にどうぞ」 その言葉に続いて始まった1曲目は“MINT”。グルーヴはしなやかで、どこか抑制されている。それでいて、音のひとつひとつが確実に身体へ染み渡り、首を揺らす。過去にライブで何度も演奏されてきた楽曲でありながら、その響きはどこか新しい。それはアレンジの刷新だけによるものではない。バンド全体が今のテンポで呼吸していることが、ナチュラルに伝わってくる。「気の抜けたコーラでも飲んで」のときにコーラを掲げる、1階席・観客のシンクロ率は今日も100％。「破けたジーンズで良い」と歌うYONCEのジーンズが、しっかりと破けているのも100点だ。 続く“Alright”が持つポジティブなムードは健在だが、過剰な高揚感はなく、むしろ落ち着きがある。TAIKINGとRen Yamamotoがステージ最前線に移動して観客を煽るとともに、曲の後半で見せたアレンジも新鮮だった。音の余白がより際立つ“Whole of Flower”では、ドラムの一打、ベースラインのうねり、ギターのカッティングが主張しすぎることなく、しかし確実に存在感を放つ。フロアの観客は盛り上がるというよりも、浸るようにSuchmosの音を受け取っている。

そしてYONCEにアコースティックギターとスタンドマイクが用意され、その流れの中で披露された新曲（タイトル未発表）が深い印象を残した。昨年リリースのEP『Sunburst』収録の“Marry”と同じ世界線にあるような、フォーク＆ブルース感。“Marry”では「君らしい君でいてほしい」と歌っていたが、この新曲でも「何も言わず 何かしている 君を見ているだけでいい」と直球の愛を歌う。今後、Suchmosでこのテイストの曲が増えていくのかなと思いを巡らせた。 「今日は初日、横浜です。来てくれてありがとう。あと何より出演を快諾してくれたIOくんと、彼のバンドメンバーに大きな拍手をお願いします。ロックとヒップホップ。違うようで、まあハッキリ言って、俺は一緒だと思っています。だから今日、言ったらどちらのお客さんもいる、ぐちゃぐちゃに混ざっている状況が、僕にとってはすごく心地が良いです」（YONCE）

さらに「喋りすぎたぜ〜今から歌〜う」とYONCEが“Pacific”を歌い始めると、会場の雰囲気が変わる。この曲が持つ浮遊感はやはり格別で、KT Zepp Yokohamaというハコに夜の海風が吹き抜けるような気持ち良さを感じた。その余韻に浸ろうとした瞬間、OKのタイトなドラムが響き、こちらもタイトル未発表の新曲に突入。「片隅のメモリー」「気が向けばプレイバック」「気がつけばフラッシュバック」などの歌詞や曲調も含め、どこか昭和の歌謡曲のような響き。観客はその新鮮な変化を正面から受け止めていたし、この曲からはSuchmosの今のテンションを感じた。

「あと5曲」とYONCEが告げて始まる後半戦。ライブ中盤までにSuchmosが提示したのは抑制や洗練、そして静かな自信だった。だがライブはここから先、このバンドが長年かけて培ってきた「熱の扱い方」のようなものが姿を現す。“GAGA”はリズムセクションの音が前に出ることで、グルーヴの輪郭がより明確になり、フロアの観客の身体が自然と揺れ始める。この曲が持つミニマルな反復性とじわじわと高まっていく高揚感は、ライブという空間でこそ真価を発揮した。 続く“YMM”では、空気が一転。この曲が持つポップネスは健在だが、その鳴らされ方はどこか落ち着いていて、成熟したバンドが選び取った余裕が感じられるアプローチだ。Ren Yamamotoはステージ中央で堂々とリズムを刻み、TAIKINGのギターはいつも以上に吠えていた。さらに終盤のTAIHEIのキーボードの音色とKaiki Oharaのスクラッチは、いつ聴いても惚れ惚れする。

そして“STAY TUNE”へ。この楽曲が持つ象徴性を考えればライブの山場になりそうなものだが、ここで鳴らされたのはアンセムというよりは、時間を経たからこそ鳴らせる1曲として異なる表情を見せていた。感情を前面に押し出すのではなく、あくまでグルーヴに委ねる。マイクをくわえ、「グッナーイ」をふざけて歌って自分で笑ってしまうところもYONCEらしかった。 本編ラストに向けて、“A.G.I.T.”でフロアのテンションは一気に跳ね上がり、“VOLT-AGE”でその熱はピークに。それらの曲が鳴るときに会場はひとつになるが、それは予定調和の盛り上がりではない。これまで積み重ねられてきた流れの上に、必然として生まれたクライマックスだ。 メンバーがはけると、観客はもちろんアンコールを求める。文字通り「アンコール！」と声に出して呼ぶのは珍しかったが、手拍子に呼ばれてSuchmosが再びステージへ。「お得なビジネスのご案内」（YONCE）という言葉で、2027年3月から5月にかけて仙台・福岡・横浜・神戸で開催される全国アリーナワンマンツアー『Suchmos BAY SIDE TOUR 2027』が発表された。

そしてここまでの文脈を振り返れば、アンコールで披露される曲は決まっている。そう、feat.呂布の“GIRL”。彼らの言葉を借りるなら、“百億光年ぶり”にライブでやる曲だ。実際にこの日は急遽やることを決めたという経緯もあり、曲が始まるとメンバー同士で顔を合わせながら、丁寧に演奏をしている様子が伺える。そして「出会いは11年前だった。あのころの俺たちは明日のことなんて知らない。何も持たない男たちだった」というYONCEの口上に誘われて、呂布with松葉杖が再登場。呂布はピースなラップを届け、ラストはYONCEと向かい合って踊り、肩を組んだ。 和やかな空気のまま、あと5分で全国アリーナワンマンツアーの先行販売が始まるタイミングで、オーラスは“Life Easy”。観客は充足感に満ちた表情で、穏やかなフィナーレを迎えた。

この日のライブで感じたのは、本ツアーは「現在を更新する旅」であるということ。現にSuchmosの活動再開後、横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaといった要所のライブを追いかけて感じるのは、「ライブで鳴る音が、今が一番カッコいい」というシンプルな事実だ。 このあと対バンツアーは、7月2日にゲストでFujii Kazeが登場するZepp Hanedaまで続いていく。異なるフィールドと方法論で自らを磨いてきたアーティストたちが、同じ時代、同じ空間で鳴らす音楽。その貴重な交差点に立ち会える感動を、日本各地の会場でぜひ味わってほしい。 2026年、Suchmosが選んだ“Blow Your Mind”の旅は、まだ始まったばかりだ。

Text by Rascal （NaNo.works） Photo by Yukitaka Amemiya

クラフトワーク（KRAFTWERK）は、紛れもない伝説だ。彼らはテクノポップ、もしくはエレクトロミュージックなるジャンルのパイオニアとも呼ばれ、アメリカとイギリス以外の場所からも世界的なポップミュージックが生まれることを証明しただけでなく、1970年の結成以後、テクノロジーと人類との関係性を徹底的に探求し続け、様々な領域のアーティスト／ミュージシャンたちに絶大な影響を与えてきた。そんなクラフトワークが、約7年ぶりに来日ツアー『MULTIMEDIA TOUR 2026』を敢行（ライブはFUJI ROCK FESTIVAL '24の2日目のヘッドライナー公演以来約2年ぶり）。本記事では、5月1日にSCGホール有明にて行われた東京公演1日目の模様をお届けする。

完璧なパフォーマンスだった。というか、圧倒されてしまった。 すでに彼らのライブをご覧になったことのある方のほとんどが知っているように、クラフトワークのライブは2000年代序盤から、ステージ上にメンバーが横並びになり、それぞれが直立して機材を触りながら進行していく形だ（10年代前半のある時期は観客が3Dメガネを着用して体験するという特別な演出はあった）。基本MCはなし。観客を煽るなんて以ての外。それは今回も例外ではなかった。電飾スーツを着た4人がステージに並び、動きという動きはなし。その上、2003年のアルバム『Tour de France』以降、クラフトワークはオリジナルアルバムをリリースしていない。つまり、ライブのスタイルに変化はなく、新曲という新曲もないということだ。にも関わらず、クラフトワークが届けたのは間違いなく素晴らしいライブ体験だったのだ。 この圧倒的なライブ体験の大きな要因の一つは、おそらく会場に由来しているだろう。2026年3月に開業したSGCホール有明には、日本国内のホールとしては初めてイマーシブサウンドシステム「d&b Soundscape」が常設導入されている。テクノロジーと人類との関係性を徹底的に探求し続けてきたクラフトワークだからこその会場選びと言えるだろう。その筋の専門家ではないので下手なことは書けないのだが、事実としてライブの序盤で“Numbers”、“Computer World”と披露した時点で音響の良さは際立っていた。立体的で、音量も十分。だが耳が痛いということもない。これまで聴き馴染んできたクラフトワークの名曲の数々を、このような優れた環境で聴くことができるというだけで価値があると言っていい。それに加え、この抜群の音響設備は、個人的にクラフトワークの音楽に対して抱いていた印象──機械的で無機質、それが徹底されているからこそ踊れない音楽であり、それゆえに素晴らしい──をも覆してくれた。四方八方から響く音が身体を自然と揺らし、踊りたくなる。これはとても嬉しい発見だった。言い換えるなら、クラフトワークがこれまでヒップホップやデトロイトテクノに天啓を授けたことを身体で納得する体験だったのだ。

もちろん、このライブを完璧たらしめている理由は他にもある。これまでの彼らのライブでもそうだったが、『MULTIMEDIA TOUR』と題された今回のツアーでも音だけでなく、映像、照明などが完全に同期している点はいつ観ても新鮮だ。中でも“Spacelab”では、レトロフューチャリスティックな映像で宇宙船がSGCホール有明に到着し、“Autobahn”ではチープな映像で高速道路を走る車内が、“Tour de France”では疾走する自転車が映し出されるなど、テーマに応じた移動するための乗り物のモチーフが度々現れた点は、クラフトワークが人類の発展をどれだけ意識してきたかを物語っていただろう。なお、クラフトワークにはステージ上に映像を制御するメンバーがいるのも特徴で、2023年以降はゲオルク・ボンガルツ （Georg Bongartz）がその役割を担っている。 この日のハイライトは、間違いなく坂本龍一へのトリビュートとして鳴らされた“戦場のメリークリスマス”からの“Radioactivity”だった。坂本龍一とステージの上にいるクラフトワークの創設者でバンドリーダーであるラルフ・ヒュッター（Ralf Hütter）が、笑顔で映る写真が映し出され、“Radioactivity”の日本語歌詞を坂本が監修したエピソードか語られると、“戦場のメリークリスマス”が荘厳に鳴り響く。その間、モニターは真っ暗で、4人の着ているスーツだけが発光しており、この日のライブ中、最も静寂と共に過ぎていった時間だった。そして、心音のようなドラムが徐々にスピードを増して“Radioactivity”へ。＜日本でも　放射能＞＜きょうも　いつまでも＞＜フクシマ　放射能＞＜空気　水　すべて＞というリリックがモニターに映る様は強烈だ。もちろんこれだけを切り取るなら、福島で今も生きる人々への侮辱とも受け取られかねない危険は孕んでいるが、坂本とクラフトワークの関係性を踏まえてその音を浴びていると、彼らが放射能や原子力発電に対して、この歌詞を採用した当時からどれほどの危機感を抱いていたのかがはっきりと伝わってくる。そもそも、Kraftwerkとはドイツ語で発電所を意味しているように、テクノロジーと共に進化し続けてきたクラフトワークにとって動力源はどんなときも重要だったに違いない。何より、中東情勢の緊迫に応じて、ホルムズ海峡が事実上封鎖されるなどエネルギー問題に直面する現在においても、“Radioactivity”は私たちにとって重たい問いを投げかけていた。 約2時間ほどのライブ本編のラストは“Boing Boom Tschak”〜“Techno Pop”〜“Musique Non Stop”のメドレー。過去のライブでも最後に演奏されることの多いメドレーであり、とりわけ“Techno Pop”〜“Musique Non Stop”の流れは、伝説として世界中に認められる存在となった後も、例えば2008年のオリジナルメンバーだったフローリアン・シュナイダーの脱退や彼の死など、様々な困難を乗り越えて活動を続ける彼らを象徴しているだろう。メドレーが終盤に差し掛かると、クラフトワークは一人ずつ観客に深く頭を下げて去っていく。それはライブ中ほとんど人間的な動きのなかった彼らが血の通った人間であることを確認できる貴重な瞬間でもあり、どこか安心を覚える瞬間でもある。逆説的に言えば、それほどライブ中の彼らは音や映像の制御に徹していたということだ。最高齢のラルフが79歳で、ほぼ不動の直立で2時間パフォーマンスを届けていることも、冷静に考えると常軌を逸している。メンバーそれぞれに、割れんばかりの拍手が降り注いでいた。

アンコールでは“The Robots”を披露。冷たいサウンドに、機械的な音声で＜We are the robots（我々はロボットだ）＞というリリックが響き渡る。これぞクラフトワーク！　テクノロジーと人類との関係性を探求し続け、それによって様々な視点を、疑問を、私たちに与えてくれるのだ。 現在の私たちの日常の中には、配膳ロボットも、AIも、自然と組み込まれているが、それは私たちの願ったことだったのだろうか。テクノロジーとの同居／共生の先に何があるのか。その先を、私たちは本当に求めているものなのか。私たちは折に触れて自らに問い直す必要があるのだろう。そして、きっとクラフトワークほど楽しさの中にそのような機会を生み出す存在は他にない。まだクラフトワークのライブを体感したことのない方は次の機会を逃さないでいてほしいと願うと同時に、何度でもこのような体験をしておくべきだと強く感じた一夜だった。

INTERVIEW MoMo

LAで触れた”一音”への執念と、制作の流儀

──1stアルバムがまもなくリリースということで、まず最初にここ最近の心境だったり、今のムードを教えていただけますか

──そのLAで感じた”一音に対する執念”って、具体的にはどんなところに表れていたんですか？

──そのために歌詞自体を変えることもありますか？

──そうすると、いろんな共同制作があったことで、ご自身の中でもかなりスキルが上がった感覚がありますか？

──その流れで、今回の1stアルバムの制作中で、MoMoさん自身の中で何が変わったのかを聞かせてください。以前のインタビューで「今はジャンルやカテゴリーを強く意識するというより自由な気持ちで作っている」とおっしゃってましたが、そうした自由さって、今回の1stアルバムではどう表れていますか？

──リミッターを外したというと？

──そんな影響の中で改めて「音楽って面白い」と思った瞬間はありましたか？

固定観念を外して、自分の言葉で歌うまで

──今回の制作期間は、単にアルバムを作ったというだけじゃなく、音楽との向き合い方自体が少し変わった時間でもあったのかなと思います。過去作のときと比べて、ご自身の中で変わったところはありますか？

──その固定観念がなくなっていく感じ”という意味では、誰かと作ることもかなり大きかったのかなと感じました。今作では笠原瑠斗さんだったり、reinaさんやZINさんとコラボしてますよね。誰かと作りあげることは、1人で表現することとはどんな意識の違いがありましたか？

──1人で書いたときより大きいものが返ってきた感覚もありましたか？

──その話の延長で伺いたいのですが、以前のインタビューで「日本にいる以上、どこかでJ-POPを意識してしまっていた」というお話もありました。R&BやNeo-Soulのような欧米で生まれたジャンルに日本語でアプローチすることに、難しさを感じることはありましたか？

──固定観念にとらわれなくなったことで、変化していった感覚ですね。

──その変化って、手応えとしても返ってきていますか？

──今回『BLUE DREAM』に寄せていた「言葉の壁を越えて音楽そのもので聴いてほしい」というコメントもすごく印象的でした。MoMoさんにとって、その”音楽そのもの”ってどういう感覚なんでしょう。

自分の物語を音楽に託すということ

──日本にも素晴らしいR&BやNeo-Soulのアーティストはたくさんいて、ライブシーンも豊かで、日々「いいな」と思う音楽に出会える。でもその一方で、ヒップホップやJ-POPのようにメインストリームのど真ん中には、まだ出てきづらいジャンルでもあると感じています。そんな中で、MoMoさんは今、日本のシーンでR&BやNeo-Soulを表現することに、どんな意味を感じていますか？

──そこから作品の中身の話に入っていきたいんですが、今回のアルバムって、ここまで伺ってきた"自由になれたこと"とか、"固定観念がなくなったこと"とか、そういうものが具体的に音楽に表れている印象でした。その象徴のひとつが、やっぱりタイトル曲でもある「BLUE DREAM」なのかなと思っていて。タイトルを決めた理由と、この曲自体のエピソードを聞かせてもらえますか？

──曲自体にも、かなり個人的な感情が入っていますよね。

──reinaさんが参加することで、バランスが生まれた感覚があったんですね。

──なるほど。笠原さんとの曲も気になります。

──今回のアルバムって、かなりダイレクトな表現も多いですよね。自分の中で思っていたことを、以前よりも自然に出せたというお話もありましたけど、その感覚に近い曲でもあるんでしょうか？

──「MY FATE」ってタイトルも象徴的ですよね。

──（笑）。かなりリアルな体験が、そのまま楽曲に反映されていくんですね。

──相当エネルギーが必要な作業だったんだろうなと感じます。

──少しキャリア全体の話にも戻りたいんですが、バークリーで学んで、海外の制作環境にも触れながら、日本で活動してきた中で、今振り返って「遠回りじゃなかったな」と思える経験ってありますか？

──そのうえで、1stアルバムのリリースというのは大きな節目でもあると思います。今その節目に立ってみて、昔の自分が思い描いていたキャリアと比べて、違う場所に来た感覚はありますか。それとも、ここに向かって突き進んできた感覚でしょうか？

──最後に1stアルバムが出た先の話を聞かせてください。ここがゴールではなくて、むしろスタートだとも思うんですが、これからMoMoさんが日本で鳴らしていきたい音楽って、どんなものですか？

──最後にもうひとつだけ。以前、「自分が音楽で救われてきたから、自分の音楽で誰かを救いたい」というお話をされていましたよね。1stアルバムが出る今も、その信じているものは変わっていないですか？

MoMo

幼少期より都内の教会でゴスペルに触れ、歌うことに目覚める。90年代〜2000年代のR&Bを中心に影響を受け、高校卒業後は単身渡米。現地のプロデューサーやソングライターと制作を重ねながら、シンガーソングライターとしての活動を本格化させる。英国やタイでのライティングキャンプにも参加し、JAZZ／HIP HOP／SOULを昇華したジャジーかつオーガニックなサウンドと、繊細さと力強さを併せ持つボーカルで独自の存在感を確立していく。

2021年10月、配信シングル「Faces」をきっかけにアーティスト“MoMo”として本格始動。2023年にはLOVE SUPREME JAZZ FESTIVALへの出演を果たし、同年EP「Jaded」をリリース。続く2024年にはEP「FlowinTokyo」、シングル「Shirley」を発表するなど、精力的に作品を発表した。

2025年3月には、Apple Musicの国際女性デー企画において日本人唯一の代表アーティストとして選出され、Doja CatのWOMANをカバー。同年8月にはEP「KTST」をリリースし、国内外のクリエイターとの交流を深めながら活動の幅を広げた。

2026年に入り、「JUICE」「MIDNIGHT GLOW」などのシングルを立て続けにリリース。ロサンゼルスでの制作を経て完成した、自身初のフルアルバムBLUE DREAMを2026年4月29日にリリース予定。 LAの空気と自由な感覚の中で生まれた本作では、英語と日本語を自在に行き来しながら、ポジティブなエネルギーと揺れ動く感情の両面をリアルに表現している。

ジャンルや言語の境界を越え、グローバルな感性で自己表現を続けるR&Bシンガーソングライターとして、今後さらなる飛躍が期待されている。 More Info｜Instagram｜X｜YouTube｜TikTok｜Spotify｜AppleMusic

INFORMATION

1ST ALBUM「BLUE DREAM」

2026.04.29 (WED) RELEASE

詳細はこちら

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1988年にGUNS N’ ROSES（ガンズ・アンド・ローゼズ）が発表した「Sweet Child O’ Mine」。Slashによる象徴的なギターイントロで世界中を魅了し、多くのギタリストに影響を与えてき […]

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1988年にGUNS N' ROSES（ガンズ・アンド・ローゼズ）が発表した「Sweet Child O’ Mine」。Slashによる象徴的なギターイントロで世界中を魅了し、多くのギタリストに影響を与えてきた名曲をテーマに、Gibsonとのスペシャル・コラボレーションが本日4月28日（火）よりスタートした。

本プロジェクトでは、アーティストやプレイヤーそれぞれの視点からギター・サウンドを見つめ直し、その可能性を改めて紐解く。特設サイトでは、Gibsonにゆかりのあるギタリストによる演奏動画をはじめ、リフの構造やプレイのニュアンスにフォーカスした解説記事など、楽曲の魅力に迫るコンテンツを順次公開予定だ。

「Sweet Child of YOURS」投稿キャンペーン開催！豪華プレゼントが当たるチャンス

「Sweet Child O’ Mine」のイントロ演奏をテーマにしたユーザー参加型の投稿キャンペーン「Sweet Child of YOURS」を展開。演奏動画をInstagramに投稿することでプロジェクトに参加可能だ。抽選でSlashのシグネチャーモデルのギターやオリジナルグッズが当たる、見逃せない内容となっているのでぜひ愛用のギターで挑戦してほしい。

▼応募は3ステップで簡単！ STEP1 ギブソン・ジャパン公式Instagram（@gibson_japan）をフォロー STEP2 「Sweet Child O’ Mine」のイントロ演奏動画を撮影し、指定ハッシュタグ「#GUNSGIBSON」を付け、投稿文内に「@gibson_japan」を記載して投稿 ※ハッシュタグとメンションの両方が正しく記載されていない場合、応募対象外となります。 STEP3 応募完了 ※応募詳細・規約は特設サイトをご確認ください。

投稿された動画は特設サイト内「Sweet Child of YOURS」セクションに掲載予定。さらに、スラッシュ・モデルのギターを始め豪華賞品をプレゼント。また、特設サイトではGibsonにゆかりのあるギタリストによる演奏動画など、楽曲の魅力を紐解くコンテンツも順次公開予定なので引き続きチェックしてほしい。

INFORMATION

Gibson×GUNS N' ROSES
　 「Sweet Child of YOURS」演奏動画投稿キャンペーン

実施期間：2026年4月30日（木）17:00～7月5日（日）23:59まで ガンズ・アンド・ローゼズ×ギブソンのスペシャルコラボレーション企画『Sweet Child O' Mine』のアイコニックなイントロをお題に、ユーザー参加型の投稿キャンペーンを開催中。愛用のギターで演奏した動画に、ハッシュタグとメンションを付けて、Instagramへポストしよう。投稿された方の中から抽選で、豪華なプレゼントが当たる！ 特設サイトはこちら

© Qetic Inc.

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TuneCore Japan「INDEPENDENT ARTIST 100 – 2026」ついに発表！ 未来のカルチャーを紡ぐ100組のアーカイブが完成インディペンデントアーティストのための音楽デジタルディス […]

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TuneCore Japan「INDEPENDENT ARTIST 100 - 2026」ついに発表！

未来のカルチャーを紡ぐ100組のアーカイブが完成インディペンデントアーティストのための音楽デジタルディストリビューションサービス「TuneCore Japan」は、未来のカルチャーへ繋ぐプロジェクト「TuneCore Japan INDEPENDENT ARTIST 100-2026」において、最終選出となる100組のアーティストを発表した。

データを超えた「耳と視点」を記録する

本プロジェクトは、再生数やチャートといった「目に見える指標」だけでは捉えきれない、表現の本質やアーティスト同士が共鳴し合う「熱量」を記録し、讃え合う場として発足した。2026年2月10日の始動から「推薦フェーズ」、そして200組から絞り込む「本投票フェーズ」を経て、最終100組が決定。アルゴリズムやファンの投票だけでは捉えきれない、インディペンデントに活動する当事者たちの「耳と視点」による評価をアーカイブとして刻んでいる。選出の軸となったのは、シーンの前進を体現したアーティストに贈られる「実感(Impact)」と、独自の創作活動でさらなる飛躍を予感させる新鋭への「予感(Potential)」の二つだ。

現場の熱量が刻んだ、2026年のアーカイブ

選出されたアーティストには、Awich、GEZAN、Jinmenusagi、KEIJU、maya ongaku、サニーデイ・サービス、ピノキオピー、こっちのけんと、乃紫、星導ショウなど、現在の日本のインディペンデント・シーンを象徴する多彩な100組が揃った。 投票期間中には、アーティスト同士や業界関係者から「今一番、ライヴハウスでバンドマンに愛されているバンド」「とても憧れているアーティスト」といったリスペクトの溢れる推薦コメントが数多く寄せられた。また、「本企画を通じて新たな才能と出会えた」という声も複数あり、アーティスト同士が互いを発見し合う場としての機能も果たしている。

未来の表現者へ繋ぐ「種」として

TuneCore Japanは、このアーカイブが5年後、10年後のアーティストにとって「あの時代のアーティストたちは、この魂に共鳴していたのか」と新たな創作のヒントを受け取る場所になることを目指している。今回記された100組の軌跡が、次なる変革を呼び起こす種となり、未来の音楽シーンを豊かに耕し続けるきっかけとなることを期待したい。 現在、発表ページおよびApple Music、Spotify、YouTube Music、LINE MUSICの各プラットフォームでは、選出された100組を網羅した公式プレイリストも公開されている。

INDEPENDENT ARTIST 100 - 2026 最終選出アーティスト（五十音・アルファベット順） 11/15MUS/5Leaf/Ámina/Äura/aimi/AIRIE/ANORAK!/ARUM/Awich/AWOL CARTEL/cambelle/cephalo/CIVILIAN/coco./cono/Daichi Yamamoto/Eminata/farmhouse/Fried Banana Shop/GEZAN/Gottz/Hanemii/HIMI/HoneyWorks/HUGEN/I'm/icn_oO/JaysicK/Jinmenusagi/Julia Takada/KEIJU/killwiz/Kommune/KOTA/Kyiku/Linen Frisco/Manda/Masato Hayashi/maya ongaku/MIKADO/Mili/Mom/MUD/NELKE/nikiie/OKOJO/PM Kenobi/POLTA/PompadollS/Popal Daoud Akira/RAY/redraw/reina/Roka/SHOW-GO/sidenerds/Siero/Skaai/SKRYU/Som/SUKISHA/SUSHIBOYS/SUTEZENI/SWEE/T-STONE/tamanaramen/Tete/the BLOOM/Tylan Willetcrass/valknee/YOHLU/YOWLL/ZIN/安次嶺希和子/苺りなはむ/稀羽すう/梅井美咲/楓/カフェインジャンキー/カフネ/カンザキイオリ/こっちのけんと/ゴリラ祭ーズ/サニーデイ・サービス/白神 真志朗/スーパー登山部/田山ショーゴ/超☆ヤンキース/トップシークレットマン/なきそ/乃紫/浜野はるき/春野/ひとひら/ピノキオピー/星導ショウ/水いらず/未来電波基地/雪国

INFORMATION

TuneCore Japan INDEPENDENT ARTIST 100 - 2026

インディペンデント・シーンの前進に「実感」と「予感」をもたらした音楽アーティスト100組
100 Independent Artists: From Performance Impact to Future Potential

プレイリスト：Apple Music | Spotify | YouTube Music | LINE MUSIC

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