結局、この10年でTempalayに重力は通用しなかった。他のどのバンドとも似つかぬ独特な軌道で、2024年の10月3日に日本武道館へと到達した彼ら。それは記念すべき祝福の日でありながら、飽くなき探究心に駆り立てられたメンバーの無邪気さが爆発した瞬間の連続でもあった。

「まもなく当宇宙船は離陸します」というアナウンスと共に、ライブの注意事項が場内に流れる。こういう遊び心は、Tempalayというバンドのポップな魅力を語るのには外せない。＜惑星X＞のHPでカウントされていた日数が0になり、各々が溢れんばかりの感慨を抱えながら集まった武道館。眼下のアリーナにはカラフルなグッズの数々を纏った“乗組員”の姿が見える。そう、我々は武道館に乗って＜惑星X＞を探索するのだ。

微かになっていたジェット音が唸りをあげ、ステージ両端のスクリーンに映る地平が遠くなる。ウーファーの振動が武道館の隅々にまで伝わる。とてつもない音響だ。そこから乗務員がコンセプトを説明するパートに突入。映像がサイケデリックに入り乱れ、長年活動を共にするPERIMETRONが早速コンセプトに沿った世界観へと引き込む。

そして壮大なスクリーン演出が続きメンバーが登場、待ちに待ったオーディエンスの大歓声を切り裂くように“のめりこめ、震えろ。”から派手にショーがスタートした。AAAMYYYのシンセサイザーは空間をスペーシーに引き伸ばし、藤本夏樹のドラムがライブバンドとしての重厚感をそこに加える。そして小原綾斗の、フロントマンとしての強烈な引力。彼らのワンマンライブ史上、最も大きなステージであるはずの日本武道館が、Tempalayが10年で培ってきたバンドとしての地力と早速呼応していた。

続く“人造インゲン”をシンプルなライティングで披露したかと思えば、“続・Austin Town”からはレーザーも登場しますますスペクタクルな空間に。サポートで参加したベースの榎元駿（ODD Foot Works）とパーカッションの松井泉が肉感的なダンスフロアを作り上げる。“とん”では小原が「惑星Xへようこそ！」と紹介し、サポートギター／シンセのOCHAN（NIKO NIKO TAN TAN）とブルージーに絡み合う。ウォームアップをすっ飛ばして、序盤からフルスロットルのセッションを堪能させる6人。オリエンタルな“ああ迷路”からインストナンバー“未知との遭遇”、そしてシームレスに“my name is GREENMAN”へと繋げ、余すところなくバンドとしての色を出し切る姿に、観客も抜群のリアクションで応える。

MCでは小原が感謝の挨拶を述べると共に、事前に公式SNSでも告知されていたAAAMYYYの第二子妊娠を改めて報告。「昨日生まれるかと思った」というAAAMYYYの言葉にはどよめきも。そして急遽参加することになったサポートのermhoiと和久井沙良が歓声に迎えられて登場。AAAMYYYが一旦退場して「どうぞよろしく！」とスタートしたのは“Booorn!!”、第一子の誕生に合わせて制作されたフレッシュな一曲だ。赤ちゃんの声がエフェクトに入り、スクリーンには胎児のエコーが映るなど、Tempalayなりの祝福なのだろうか。《全身全霊の泣きように泣きそうにね／知らずに育つよ こんな小さな心臓が鳴る》というリリックが一層深い意味を帯びて聞こえる。

ミドルテンポのビートからギターソロをきっかけにバーストする“Festival”、＜惑星X＞のコンセプトに適った荒涼とした地平がVJに映し出される“カンガルーも考えている”、そして“大東京万博”とバンドを黎明期から支える楽曲が次々に披露される。そのどれもが武道館にピッタリとハマり──むしろ、どんなキャパシティでも彼らの想定するスケールよりは小さいのかもしれない──、ネオ・サイケデリックバンドとしてのTempalayが10年で作り出してきた楽曲の新たな側面に気付かされる。

スナックのカラオケのように歌詞テロップが映し出され、往年のラテン歌謡のような風格さえ漂う“今世紀最大の夢”が終わると一本のレーザー光線が会場を貫く。それが途切れて始まったのは“脱衣麻雀”。「まさか」なのか「あえて」なのか「だからこそ」、ファンもどよめいた「あの」VJは来場者全員の脳裏にこびりついたであろう。この猥雑さも、Tempalayのエッセンスの一つなのだ。

PERIMETRONのクリエイティブが絶好調だ。“どうしよう”ではスクリーンに映るメンバーがリアルタイムでコミック風に変換され、“GHOST WORLD”では一際サイケデリックな演奏にジブジブと没入できるように演出。直後のMCでサポートメンバーが紹介されると共に、Tempalayのメンバーの家族が武道館へ来ている旨が伝えられると会場からは暖かな拍手が送られる。急遽の参加となったermhoiと和久井沙良も含め、彼らが築いてきた関係値は独特ながら唯一無二のものだ。

AAAMYYYが再びステージに登場し、撮影もOKとなった後半戦。早速AAAMYYYの麗らかなボーカルから幕を開ける“預言者”からアトモスフェリックに始まり、代表曲の一つでもある“革命前夜”を発射。メロウな時間を予感させたのも束の間、ここからさらにボルテージをあげてアッパーチューンを投げ続けていく。“新世代”のハウスを意識したリズムセクションでは武道館が一気にダンスフロアへと華やぐ、この宇宙船はどれだけの顔を持っているのだろうか？

小原綾斗は、その直後のMCで「やめなくてよかった」と切に語った。その重みは各々の胸に刻まれただろう。彼らの足跡を振り返るとして、確かにその道が平坦でなかったことは確かだが、むしろ彼らは新時代のジャパニーズ・ロックバンドとしてのパイオニアを積極的に果たしてきたと言えるのではないか。彼らの軌道が未来への糧になるのならば、この武道館のステージはより大きなものになる。その予感を引っ張り上げるように披露された“愛憎しい”はこの日のハイライトであり、小原の「ありがとう！」というシャウトは屋根の外まで飛び出しそうなほど響いていた。

最新アルバム『((ika))』のナンバーを立て続けに披露し、本編ラストはメランコリックな“そなちね”で終了……いや、もちろんまだ終わりたくない。アンコールの拍手に迎えられて暗い照明のままメンバーがゾロゾロと登場し、ステージの両端へとふいにライトが当たる。そこにいたのはコーラス隊、束の間の美声に歓声が上がった。サックス・小西遼の伸びやかなトーンも相まって、ゴスペル調の“続・New York City”が醸す祝祭的なムードは、今日という日にピッタリだ。

この日を締めくくる“LAST DANCE”は＜惑星X＞を作り上げてきたスタッフたちのエンドロール。そして最後に映し出された「TEMPALAY」の文字がフッと消えると客電が一気に付き、開演前と同じ地平が両端のスクリーンに広がっていた。万雷の拍手が瞬間鳴り響き、かくして約2時間の星間旅行は幕は閉じた。2024年10月3日（木）、忘れることはないだろう。

どれだけ足を運んでもまだまだ底の知れない東京の地。オフィス街、高級住宅地、それぞれの街にそれぞれのイメージがあるだろう。しかし、響きからだけではイメージにない、あの街にも心が「ホッとする」意外なスポットが。そんなマーケット＝開拓地から発信する、放課後の教室の様な緩やかな対談企画がQeticでスタート。

日々、東京の街を徘徊するBOY・奧冨直人がゲストを招き、目まぐるしく移り変わる都会の中で心が「ホッとする」味わい深いスポットで杯を交わしてのトークセッション。きっと僕らがこれからの時代に必要な気持ちの安らぎや「ホッとする」事の大切さを感じられるはず。

今回はゲストに映画『AFTERGLOWS』でも話題の監督・木村太一とPERIMETRON・佐々木集を迎え、渋谷の街を探索......する予定だったのですが、1月末の異常な寒波に参ってしまい、早速お店に。今回は渋谷・神山町にある滝乃家さんにお邪魔しました。ゆったりトークするつもりでしたが、あれやこれやと5時間弱白熱。第2回にして早速テーマから少し脱線してしまいましたが、笑いあり悪口あり、その様子の一部をお届けします。

奧冨　今日は何やってたの？

木村太一（以下、木村）　今日は次の映画の打ち合わせをやってた。今朝の5時くらいまで『ワンピース』観てたよ。24時から5時くらいは自分タイムで、映画流しながら、何かやってる。集くんとはよく飲むんだよね。

奧冨　そうなんだ。集くんとは結構会うけど、ゆっくり話すタイミングがないからいい機会だよ。

佐々木集（以下、佐々木）　いろんなところで会うよね。この前も福井で会った。TOMMY（奧冨）くんは本当によく外に出てる。一人寂しく家にいるTOMMYくんなんか見たくないですから。

木村　よくそんなに外に出れるよね。俺は家っ子だから。ライブは好きだけど、クラブは......。

奧冨　BOYの10周年のイベントをやった時も、木村さんは来てくれたのにすごい不機嫌だったもん。大祝いのタイミングなのにさ（笑）。

木村　俺はクラブを撮るところからキャリアを始めてるから、その影響があるかもしれない。たまたまそういう流れになって週4本は撮ってたから、かなり頻繁にクラブに行ってた時期がある。だから今興味がちょっと別のところにあるかも。俺は好奇心を保てないから、TOMMYはすごいと思うよ。

佐々木　フットワークが重いって言ってますけど、millennium paradeのライブで大阪まで来てくれたこともありましたよね。

木村　友達はサポートしたいからさ。あと、クラブもそうだし、フェスにもよく行ってたよ。だけど今はもうちょっと.......。

一同　（笑）

佐々木　こんなによく会えてるのが奇跡だよね（笑）。仕事のマインドになっちゃうってこと？

木村　そう。仕事以外、遊びで気合い入れて行ったのはザ・プロディジー（The Prodigy）とDJ KRUSH、ケミカル・ブラザーズ（The Chemical Brothers)、スクエアプッシャー（Squarepusher）とかのショー。プロディジーのライブのコンセプトは凄かった。マヤ文明だと2002年に地球が終わるっていうから、「地球が終わるならその時俺たちと一緒に過ごそうぜ」ってライブをやってたの。めっちゃヤバいでしょ。アルバムのツアーじゃないからヒット曲をやりまくってたんだけど、俺は人生で初めて脱水症状になった。俺の倍くらい屈強な奴らがモッシュしてんだもん。

佐々木　俺も2010年にロンドンで開催されてた＜Warrior's Dance Festival＞に行きましたよ。めちゃくちゃ面白かった。

木村　DVD出てるやつだ。あれはもう暴動だよね。ロンドンのクラブを撮りまくってた時期、アンダーグラウンドのシーンにはディスクロージャー（Disclosure）やサブストラクト（SBTRKT）が普通にやったりしてた。そうやって日常的に、仕事でいろんなものを見てると、セレブリティーみたいな超大物を観たくなるんだよね。それでケミカルを観にいって、嫁と喧嘩してさ......。

一同　（笑）

佐々木　太一さんって音に対する映像の体感的な当て方がめっちゃ良いですよね。気持ち良いポイントが分かってる。音を立体的に捉えているというか。

木村　あんまり考えてないけどよく言われる。でも、クラブで撮影してた経験が身に染み付いてるのかもしれない。そのタイミングでYouTubeが流行り始めていて、俺も編集をするようになったんだけど、浴びた音楽の体感をすごい大事にしてたよ。理性から作品を作るのも大切なんだけど、なんだかんだ言って、遊んできた体感や培った感覚が一番重要だと思う。TOMMYはそういうことを分かってると思う。PERIMETRONのみんなはめちゃくちゃ遊ぶでしょ。

佐々木　遊びますね（笑）。でも俺は飲むと長いので、最近ちょっと控えるようになりましたよ。それにちょっと飲まない方が心なしか頭回りますよ。

木村　そうだよね。俺はプライベートで全く飲まないタイプだから。

佐々木　飲まないです。外に出てるタイミングで飲む。

奧冨　僕と太一さんはランチだよね。ランチでしゃぶしゃぶ。

佐々木　ランチでしゃぶしゃぶは売れてるな〜（笑）。

奧冨　その節はご馳走様です。

木村　ランチしゃぶしゃぶ、響きがダサいね（笑）。でもダサいのって大事だよ。だってmillennium paradeだよ。

佐々木　おい！（笑）もう......さすがですね。そういえば太一さん、最近ちょっとTwitter落ち着かせてませんか？

木村　いろんなタイミングが重なったんだよ。自分の映画公開（『AFTERGLOWS』）もあるし、俺はもう35歳だから。若い時に言ってるなら良いけど、俺はもうちょっと......。

佐々木　遅くないですか？（笑）

木村　あと、周りがちゃんと言うようになったから、俺はもう言わなくても良いかなって。でもタイミングで「I’m Back.」って戻っちゃうかもしれない。それで何か言うたびに1,500人フォロワーが減っていく。

奧冨　そんな人生ゲームみたいなTwitterやめてくださいよ（笑）。

木村　それで映画公開したけど、調子良い。新しい感じだよ。これまで、俺らクリエイターはカッコつけてるところがあったけど、ちゃんと告知したりするのは大切だと改めて感じたね。

佐々木　太一さんのTwitterを見て反省しました。めっちゃちゃんとやってるなと。

木村　土下座してでもチケットを買ってもらうことが重要なんだなって思った。TOMMYのお店に行ってポスターを置いてもらったりしたけど、それが自分に足りなかったんだ。アーティストはそれを自分でやってるから、さらにリスペクトするようになった。売れてる売れてないの前に、それをやってるアーティストは本当に偉いよ。人から（チケット代の）2000円近くいただくのがこんなに難しいことなのかって痛感した。俺ら映像作家は仕事を受注して出してただけだからさ。だからTwitterも落ち着いてるんだけど、「丸くなったんだ」って言われるというかさ.....。

佐々木　ダメな犬が急に賢くなるみたいなね（笑）。それが可愛かったのに！って。

木村　（笑）。めちゃくちゃ大事だけど、面白いかって言ったら面白くはないよ。分かるけど、正直に意見交換して、対立する方が進歩する。クリエイティブもそうじゃん。でもそれはリスペクトがあってのことだし、そうやって予期せぬものが生まれるわけだから。例えば最近、「このミュージシャンはこの人としかやらない」みたいなのがあるじゃん。あれは一個の表現しかできていないなと思ってしまう。何年かに一回、クリス・カニンガム（Chris Cunningham）とエイフェックス・ツイン（Aphex Twin）、ヒロ・ムライ（Hiro Murai）とチャイルディッシュ・ガンビーノ（Childish Gambino）みたいに「これ以外あり得ない」という組み合わせが出てくる。でもそれを当たり前のように捉えるものではないと思うんだ。モノを作るとき、その表現によって人が変わるのは当たり前の話。それは俺のクリエイティブの信念でもある。だから、例外を除いて「この役者さんで全てをやります」というのは、あり得ないと思うんだよ。

奧冨　その都度の表現には拡張する相手を選んだり、共に引き出したりするって意味で、意見が割れても最終的にどこか重なったりする方が進歩するっていうのは思いますね。例えば今日は渋谷で飲んでますけど、この街の移ろいについても常にいろんな意見があって。わかりやすくいうと、開発するべきか、とか。渋谷区については常に開発の動向を調べてるけど、多分今まで自分が見てきた中で一番激しい状況だと思う。だけどその分、気持ちが燃える状況でもある。この緊迫感は昔から渋谷に必要なものだったなって思う。渋谷は表層的な面ではすごくポップに捉えられるからこそ、違和感を作り続けたい。

佐々木　都市開発みたいな話で言うと、そこによく金をかけるなって思う側面もあるけども、生まれ変わる必要を強く感じる部分もある。ずっと当時の話をしててもしょうがないし、確かに生まれるものもあるから。渋谷は移り変わりが特徴的な都市でもあるから、街規模でやれることをポジティブに捉えて好き放題やれば良いんじゃないのって思う。新宿もそう。

木村　俺は全く同意見だよ。変わることの意味は、俺にとって気合が足りないってことなの。いろんなクラブが閉まっちゃったこともそう。本当だったら、カルチャーは常に忙しくしないといけない。お客さんも含めて、カルチャーに対する気合が足りてないだけの話。弱肉強食の街に対して常に緊張感を持ってないといけない。それはもう文明として仕方ないこと。それがなくなることに対して悲しがる人たちがいるのに、これまでなんでちゃんとやんなかったのそれまでって思う自分もいる。もちろん都市開設でふざけんなって時もあるけど。でも、そういう風に続けて、ずっとある場所もあるから。ホープ軒とか。

一同　（爆笑）

木村　分かるでしょ！　そういうことなんだよ。（ラーメン）二郎とかも絶対潰れない。

佐々木　同じやつがずっといるからジジイなのか、ジジイが循環してるのか分からない（笑）。

木村　でもとりあえずそこにいて、そこは触んなって雰囲気出すじゃん。そういうこと。昔は路上でも「あそこに行くと必ずあの人いるよね」って人がいた。クラブとかには今もいると思うけど、そういう意味で大事だったと思うんだけどね。TOMMYはずっと渋谷にいるよな。流石だよ。常に中心にカルチャーがあるっていうのはすごい良いことだと思う。でも、俺がすごいと思うのはお前に金の執着心がないとこ。もちろんお店の継続だったり、しっかりする部分はあると思うけど。とてつもないビッグな男になって、ビバリーヒルズに家を持って、日本でも家を持ちたい、そういう俺が持つような欲がない。自分の好きなものを突き詰めてる。お前みたいな人間はあまり見たことないな。集くんの出身の街はどこだっけ？

佐々木　京都だよ。

奧冨　木村さんは？

木村　桜新町。

佐々木　なんかわかる。出身って、映像とかにも現れますよね。作品を見て聞いて、どこの人かわかるような気がします。京都は音楽とかカルチャーの発展の仕方が独特で、どちらかというとシュールな捉われ方が多い。東京はやっぱりなんか悔しい（笑）。

木村　ある。OSRINとかガツガツしてるじゃん。愛知のやつってアツいし、その良さがめちゃくちゃある。それを隠そうとしたらダメだよね。クリエイティブってことは“自分であり続ける”ってことだし。嘘ついちゃダメ。ダサくてもいい。だから、無理して派手な衣装着て注目を集めようとか、ちょっと違う気がするんだ。作品の設定はどんなごちゃ混ぜにしてもいいけど、絶対的に必要なのはリアリティ。ファンタジーだったり、派手な要素はすごく重要だけど、それより先にリアリティが重要。海外は必ずリアリティがあると思う。リアリティーを確かめてから日本らしいファンタジーを加えれば良いと思う。日本のファンタジーは他にないものだから。

佐々木　TOMMYくんはこうやって飲む時、落ち着いてるじゃないですか。でもDJでは狂気的ですよね。俺も一応ステージに立つので、どう側面を使い分けてるのかなって。

木村　集くんはそのままの延長でやってるよね。TOMMYと俺は近いかもしれない。恥ずかしがり屋だから、余計にやっちゃう、みたいなのがわかる。

奧冨　なんで僕、恥ずかしがり屋になってるんだろう。

木村　お前はシャイだよ！　溜めてるものを発散するみたいな感じのステージ。

奧冨　（笑）。それはある。溜めてるものを攻撃的にしないようにはしてる。その場のフロアの底から多幸させたいとイメージしてやってるし、自分自身多幸してる。

佐々木　ステージ上でその形を変えられるタイプと変えられないタイプがいると思うんですよ。大希の話をすると、変えられるタイプ。俺は頑張ろうとするけど、どちらかというと同じでいたい、みたいな。それでいうと、TOMMYくんのステージングを見ていると、良いなと思う。

奧冨　正直、自分では何も変わってないのよ。なんか分からないけど、ああいう運転をしちゃう。だから、喋ったら意外に普通なんですねって怖がられる。

佐々木　ステージで自分の中のスイッチを無意識に押してるってこと？

奧冨　押すというか、押されてるというか。「よし、いってこい、カマましてこい！」みたいな、1人なのに円陣組んで掛け声上げて、自分に押されてる部分もあるね。

佐々木　それはそれですごい。

木村　たこ焼き焼いてる時は殴ってやろうかなって思ったけどな。

一同　（爆笑）

奧冨　急だなー（笑）。ひどいのよ。CEKAI（木村所属事務所）のラウンジでたこ焼き振る舞う事になって一同で 盛り上がってる中、「俺はたこ焼き嫌いだから食べない。一個だけなら食ってやるよ」って（笑）。

佐々木　タコ焼き嫌いって珍しいですよね。けど、俺もお好み焼きは嫌い。俺の中でたこ焼きはお菓子。

奧冨　もんじゃは？

木村　もんじゃはイケイケ。あと、おでんも分からない。おでんって何が面白いの？

奧冨　面白さで飯食ってないから（笑）。

木村　何の楽しみもないし、何の魅力もないよ。

佐々木　全く同じ考え方で、豆腐と油揚げが分からない。

木村　豆腐も油揚げも楽しくないね。納豆とか入れたりするけど、何も楽しくない。頑張ってアレンジしてるもんね。その時点で楽しくないんだよ。冷奴もさ、キムチとか焼肉のタレとかで楽しんでる。

奧冨　寿司はどうなの？　醤油で楽しむ人もいるって言うじゃん。

木村　寿司はクソ楽しい。一番楽しいよ。寿司・焼肉はキングオブキング。天ぷらも最高に楽しい。あと焼き鳥は深すぎる。

一同　（爆笑）

木村　あと、最近の悩みなんだけど、インスタントラーメンを一食で必ず2個ずつ食べちゃうんだよ。

奧冨　食い過ぎだよ。

木村　2個で1食だから、5個パックが中途半端で許せない。6個じゃなくて、必ず5個じゃん。偶数にしろよって。これがすごい悩みなのよ。

奧冨　2パック買うしかないね。

佐々木　悩みだとしたら、解決策が出ましたね。

木村　それめっちゃ賢いわ。というか、俺の人生の悩みなんてこんなものなんだよ。くだらない。

一同　（爆笑）

佐々木　BOYって俺らのサイズありますか？　デカいサイズがあまりないから、古着屋って行きづらくて。

木村　めちゃくちゃわかる。

奧冨　木村さんにはわざわざ特注探したじゃん！（笑）

木村　それは特注で探してくださいと言ったからで、俺らだってパッと行って買いたいんだよ。TOMMYと会った時、それがあるから古着屋は嫌いなんだよって言ったよね。

奧冨　（笑）。でも、その時買い付けて買ってくれたジャケット、映画の撮影期間中ずっと着てくれてたよね。ありがとう。もちろんデカいサイズもあるよ。そもそもヴィンテージこそサイズ感に奥行きがあるから。

木村　今サイズなに？

佐々木　2XLか3XLだね。国内仕様の2XLは着れない。

木村　そうだよね。俺たちが求めてるのはそんな大きい人のための服じゃない。おしゃれな服屋にちゃんとあるっていうのがいいんだよ。

佐々木　その分、マジでフィットしたものに出会った時、すごい感動がある。

木村　一生大事にするよ。

一同　（爆笑）

木村　2XLとか3XLに出会った時の感動ね。Xが多ければ多いほど、信頼度が増すから。100kgある？

佐々木　ある。ありますか？

木村　110kgあるよ。

佐々木　太一さん、骨太ですよね。

木村　そう。骨密度が人の1.8倍あるらしい。

佐々木　僕の骨は細すぎて太るはずのない骨らしくて。太一さん、手もでかいですよね。

木村　うん、手もでかい。「手もでかい」ってなんだよ。

一同　（爆笑）

佐々木　けど、でかいわ、確かに。

奧冨　本当だ、指の太さが違う。

木村　こういう話が一番最高。次作は愛と優しさの話だから。

シンガーソングライターのさらさが、昨年12月にリリースしたファーストアルバム『Inner Ocean』が話題を集めている。「ブルージーに生きろ」をテーマに、自身の悲しみや孤独、生きづらさを赤裸々に綴った歌詞と、スモーキーかつ包み込むような優しさを帯びた歌声は、コロナ禍で生活が一変してしまった私たちの心にそっと寄り添うかのよう。

ヒップホップやR&B、ジャズ、シティポップなど様々な音楽を取り込みながら、音数を絞り込んだシンプルなサウンドプロダクションには、彼女の一貫した美学や哲学が感じられる。

高校時代はセッションボーカリストになることを目指し、横浜のライブハウスで開催されていたジャムセッションに通い詰めていたというさらさ。今回Qeticでは、そのジャムセッションで準レギュラーを務めていたKing Gnuのベーシスト・新井和輝との対談を敢行。当時のエピソードを振り返りつつ、アルバム『Inner Ocean』の聴きどころについてなどじっくりと語り合ってもらった。

━━お二人が出会ったのは、横浜・関内にあるライブハウスでのセッションだったそうですね。

さらさ　はい。私が高校生の時に入った軽音楽部が、いわゆる「ジャムセッション」を定期的にやっていて。そのうち「部活以外のジャムセッションにも参加してみたいな」と思うようになって、高三の時に初めて行ったのが＜Battle of Study＞という、関内のライブハウス「KAMOME」で月に2回開催されていたセッションだったんです。主催は元SOIL & "PIMP" SESSIONS（以下、SOIL）の元晴さんで、新井さんもホストとして参加していたんですよね。

新井　そうなんです。僕と、後にKing Gnuのドラマーになる勢喜遊も元さん（元晴）に誘ってもらって準レギュラーみたいな感じで出ていたんです。そこにはSOILのみどりんさん（ドラム）や秋田ゴールドマンさん（ベース）もいたし、他にもPOLYPLUS / Calmeraのつーじーさん（サックス）やEMPTY KRAFTの永田こーせーさん（サックス）、それからSWING-Oさん（キーボード）も時々加わっていて。

毎回、元さんがお題を決めるんです。例えば今回は「ディアンジェロ」がテーマとか、「ビートルズ」がテーマとか。そのことについて掘り下げていくから＜Battle of Study＞というタイトルが付いていて。毎回その日のMVPを決めて賞金も渡していた。最近さらさちゃんと再会した時、「そういえばボーカルでMVPをもらっていた高校生の女の子、いたかも……」っておぼろげながら思い出したんですよ（笑）。当時は僕たちもセッションについていくのに必死すぎて、あんまり人のことを気にしている場合じゃなかったんです。だから、さらさちゃんに言われるまで、その時のことを全く覚えてなかった。

さらさ　そんな必死だったなんて全然わからなかったです（笑）。私からしたら、ライブハウスの扉を開けるのすら怖かったくらい。友人と「KAMOME」の前まで行って、「どうしよう、帰ろっか……」「でも、ここまで来たんだし」みたいなやりとりをしていました。

新井　＜Battle of Study＞、怖かったよね？（笑）　ホストの人数もやたら多いしさ。あそこまでしっかりしたセッション、他にあまりないと思う。オーディエンスも楽しめるような工夫もしっかりしていたしね。そういう、オーガナイザーとしての手腕が元さんにはある。めちゃめちゃ偏った内容ではあったけど（笑）。

次に会ったのは、『PERIMETRON HUB』というinterfmで放送しているラジオ番組。メインパーソナリティは「PERIMETRON」のクリエイター佐々木集と神戸雄平で、たまたまその番組の収録現場に遊びに行ったらゲスト出演することになって（笑）。僕の収録の後に来たのが、さらさちゃんだったんだよね。で、「実は＜Battle of Study＞の時に……」って話をされて「ええー！！」って（笑）。

さらさ　そのあと、新井さんの番組（『SPARK』J-WAVE）でも私の“ネイルの島”という曲をかけてくださったんですよね。

新井　そうそう。（佐々木）集が「すげえいい感じだよ、聴いてみてよ」という感じでさらさちゃんのことを推してくれたのもあって、聴いたらすごく良くて。すでにアーティスト像みたいなものが固まっていて、サウンドも然りで。これは是非ともかけたいなと。

さらさ　ありがとうございます。実は、＜Battle of Study＞でMVPをいただいたあと、いろんなセッションに顔を出していたんですよ。でも、元さんに紹介してもらったセッションはどこもストイックで厳しくて。1年頑張ってみたけど心折れてしまって……（笑）。「音楽聴くの、楽しくないかもしれない」と思ってしまい、一度は音楽活動を辞めていたんです。

新井　そうだったんだ。

さらさ　でも1年くらい歌わずにいたら、やっぱり歌いたくなってきちゃって（笑）。とはいえ、セッションは自分には向いていないから、他のことをやろうと思って作った最初の曲が“ネイルの島”でした。

新井　それはすごいね。

さらさ　一度挫折しているのもあって、「もう誰にどう思われてもいいや」「誰にも評価されなくてもいい」みたいな気持ちが強かったし、実際にそういうことを歌った詞なんです。でも、あきらめたり手放したりする方が、実は届きたいところに届くこともあるんだなと、この曲のおかげで気づくことができました。あの時の経験があって本当に良かったなと今では思っています。

━━お話を聞いていると、セッションはスキルを磨く場所でもあり、ミュージシャン同士の交流を深める場所でもあるのですね。

新井　そう思います。特に元さんは、人を惹きつける「引力」みたいなものを持っているんですよ。それこそ僕と（常田）大希を引き合わせてくれたのも元さんですし。さらさちゃんのバックを務めているメンバーにも、どこかのセッションで知り合いになった人が多い。

━━新井さんは、これまでの音楽活動で壁に当たったり、挫折のようなものを味わったりしたことってありましたか？

新井　壁はもう常にありますよ。僕には師匠が二人いて（日野賢二、河上修）、そこでかなり厳しく鍛えられていたので「行きたくねえなあ」と思ったことも何度もありました。ただ、「辞めよう」と思ったことはなかったかな。ただ思い返してみると、ここがターニングポイントだったなと思う時はいくつかありました。それこそさらさちゃんみたいに「KAMOME」の前まで来て、入るか入らないか迷った末に飛び込んだ、みたいなことは僕も何度かあるんですよ。

さらさ　それはいつですか？

新井　ひとつは高一の時。地元にあるライブハウスに遊びに行ったら、そこでPAをやっていた先輩に「出てみる？」と言われてセッションに飛び入りで参加したんですよ。それは自分にとって、大きなターニングポイントだったと思う。あとは、高校2年のタイミングで日野さんの弟子になった時も、大学卒業が決まってすぐ河上さんのところで住み込み修行をした時もそう。バンドを組む時もそうだな。飛び込むかどうしようか、基本的に迷ったら飛び込む道を選んできたからこそ、今があるんだなと思う。

━━岐路に立った時に、とにかく一歩踏み出すことが大事だと。

新井　そう思います。セッションって、基本怖いですから。

さらさ　怖いですよね！？（笑）　セッションより怖い瞬間って、シンガーソングライターになってから経験したことがないくらい。

新井　さらさちゃんの音楽の原体験というと？

さらさ　私は物心つく前からフラダンスをやっていて、母親が先生だからいまだに続いているんですよ。3歳で初舞台を踏んだのですが、小学校1年生から高校1年生まではストリートダンスを習っていました。R&Bとの出会いはそこなんですよね、パティ・ラベル（Patti LaBelle）などに出会って「やばい！」と思ったりして。それと、ディズニーチャンネルでミュージカル映画を見るのが子供の頃から大好きで、自分でもやりたくなって小学校の頃は劇団に入って子役もやっていたんです。

新井　へえ！

さらさ　2018年くらいに一度舞台に出て「やっぱり違う」ってなって。そこで完全に辞めちゃったんですけど、歌ったり踊ったりするのはずっと好きなんですよね。今につながるような音楽活動を本格的にやり始めたのは、最初に話したように高校で軽音部に入ってからです。

新井　でも、高校の部活でセッションに重きを置いているのって珍しいよね。普通、軽音部というといわゆる「コピバン」が中心だと思うけど。

さらさ　顧問がベーシストで、セッションミュージシャンみたいなこともやっていたらしいんです。だから活動内容も本当に独特で。ディープ・パープル（Deep Purple）の曲だけ1日中やったり、「今日はジャズ祭りだ」みたいな日もあったり。部活で選抜されたバンドを結成し、それで校外の催し物にも出ていたんです。それこそシーナ＆ロケッツやBLANKEY JET CITYをやることもあって。昔の音楽にどんどんハマっていったのは、そういう環境で過ごしたのが大きいかもしれないです。

新井　「ONE OK ROCKやりたい！」と思って入部した人とか、それで1日中ディープ・パープルやらされていたらキツいよね？（笑）

さらさ　そう、入部して最初の夏に「ディープ・パープル祭り」があるので、そこで半分以上辞めていくんです（笑）。まだ何も分からない高校生たちが、あっつい部室に押し込められて“Smoke On The Water”のリフとか弾かされるんですよ？

新井　あははは。ふるいにかけられて、残った精鋭たちで構成されているんだね。

さらさ　すごいですよ。PAも自分たちでやるし、配線から何から叩き込まれる。ストップウォッチ片手に、「何分でセッティングできるか？」を競わされたりして。モタモタしてると「お前、おせえぞ！」って怒鳴られるし……もう昭和のスポ根なんですよ（笑）。そこで学んでいれば、音楽の趣味がどんどん偏ってくるのも当然というか。でも先生はみんなに慕われてるんですよね。今もたまに連絡を取るんですけど、そうすると喜んでくれます。不思議な部活でした。

━━では、昨年11月にリリースされたアルバム『Inner Ocean』についてもお聞かせください。本作は、「これまで以上に内省的な作品になった」と様々なインタビューやインスタライブなどでも語っており、実際サウンド面でもトラックや弾き語りなど様々なアプローチを行う多彩な内容となりました。リリースから2ヶ月が経ちますが、手応えはいかがですか？

さらさ　これはアルバムを出してみて初めて味わった感覚というか、そんなつもりで作り始めたわけじゃなかったけど、「確実に一つの区切りになったな」と思います。自分たちはサブスク世代と言われるように、あまりCDで聴くことをしないんですけど、それでも「アルバム」として作品を世に出すのはすごく大事なことだなと実感しました。聴いてくださる方も、すごく増えましたしね。

━━新井さんは本作を聴いて、どんな感想を持ちましたか？

新井　さっき話したように、僕は“ネイルの島”を聴いた時から「彼女はアーティストとしての軸がしっかりあるな」と思っていて。きっと彼女の中で「これは『あり』で、これは『ない』」みたいな基準がちゃんとあるんだろうなと。だからこそ、いろんなチャレンジに挑戦していても、一貫したものが流れているのだなと今作を聴いたときにも感じました。前回のEPには入っていなかった要素も今回は入っていて、それもすごく新鮮でしたね。本筋の幹の部分は変に捩れたり捻れたりせず、そのまま真っ直ぐに大きく成長しているなと。

それって今まで聴いてきてきた音楽の中から、自分が感動するポイントを抜き出し積み上げてないと出来ないと思うんですよ。例えば、「自分よりも偉いプロデューサーがこう言ってるのだから、まあいいかな」みたいに判断してしまうアーティストってきっといると思うんです。例えば、自分のやりたいことを達成するための「手段」としてプロデューサーを起用するのではなく、そのプロデューサーと一緒に作ることが「目的」になってしまうと、往々にしてそうなりがち。

でも、彼女の場合はおそらくそうはならないと、作品を聴いていてもわかる。理論など専門知識がなかったとしても、感覚として「これはいい、これは違う」を判断できる人だと思うんですよね。そうじゃないと、こういう作品にはならないんじゃないかなあ。

さらさ　嬉しいです。おっしゃるように、「アーティストとして何を大事にしているのか？」はブレないように気をつけていますね。「こういう曲を作りたい」というのがまずあって、「だったら、どんな人に（プロデュースなどを）お願いしたら理解してもらえるかな？」というところを大切にしているというか。しかも、最終的な判断は自分で行うようにしているんです。

それに、「なるべく音数を増やさない」ということを今回も意識しました。トラックを「引き算」で作っていくというか。バンドでレコーディングするときも、まずは「盛り盛り」で演奏していただいて、ミックスの段階で私とマネージャーでどんどん引き算していくんです。

━━それってある意味「リミックス的な発想」といいますか、トラックメイキングに近いものがありますよね。

さらさ　確かに。なのでバンドでもトラックでも、最終的に出来上がった音像は似たものになりました。例えばアルバムのリード曲“太陽が昇るまで”は、最初トラックが送られてきたときイントロだけに入っていたギターリフがすごく良かったので、それをサビにも入れてもらいつつ、もともとあった弾き語り音源のサビのメロディを書き換え、リフが主役になるような曲にブラッシュアップしています。

━━歌詞にはコロナ禍で考えていたことも反映されていますか？

さらさ　私はデビューしたのがコロナ禍だったので、思うようにライブもできず前に進んでいけない感覚がずっとあったんですよ。ファンの方にお会いすることもないし「なんだかなあ」って。基本的に私は、ライブでお客さんに歌を聞いてもらうためだけに曲を書いていたタイプなので、別に曲作りそのものが好きなわけでもないんですよ（笑）。コロナ禍では目的を失い、現状が変わらないことへの焦りから生まれたのが“午後の光”で。

今までももちろん、ネガティブな気持ちにとらわれたことはあったんですけど、常に俯瞰で見る第三者的な視点があったからこそ“ネイルの島”のような曲が書けたんです。でも、本当に落ち込んでいる時って、そういう多面的な視点が持てなくなるのだなということを痛感しました。それで、今まで人には見せたくなかったようなエネルギーの強さ、激しさ、孤独とか、そういうぐちゃっとしたものを出さざるを得なくなって。

こういう“午後の光”みたいな曲が、人にどう伝わるのかはちょっと怖くもあったんですけど、逆にそういう曲の方が人と繋がれることもあるのだなと実感しました。アルバムを通していろいろな繋がり方ができたし、これからの人生でもっといろんなことを経験すれば、もっと繋がり方が増えていくんじゃないかと思っていますね。

新井　例えばアルバム冒頭曲“朝”みたいに、サビでは《いい感じでいたい》とリフレインしているだけ、みたいな（笑）。そういうシンプルな歌詞も僕は好きですね。もともと洋楽をずっと聴いてきた人間なので、歌詞の意味よりも語感の心地良さみたいなところに惹かれることが多くて。あまり説明的で周りくどい表現よりも、余地や余白が残されている表現の方が好きなんですよ。

そうじゃないと、作品としてあまりにも一方通行すぎるというか、作り手と受け手の間のコミュニケーションが生まれにくいんじゃないかと思うんです。今さらさちゃんが、このアルバムについて「人といろいろな繋がり方ができる」と言ったけど、それはやっぱりサウンドだけでなく歌詞の中に、受け手の想像力を投影する余白がちゃんとあるからじゃないかなと。

さらさ　おっしゃる通り、余白はすごく大事にしていますね。最初のMVは自分で監督しているのですが、とにかく「画角で余白を出したい」と思ったのも、見たものや感じたことを、なるべく抽象的に捉えたいからなんです。

例えば「悲しい」という感情を、ただそのまま「悲しい」というのではなくて、色や音で表した方が、聞いてくださった人の想像力に委ねられるんじゃないかって。もちろん、その方が自分自身にとって楽しいからやっているだけですけどね（笑）。結果的に受け取る人によって、歌詞の意味が変わっているのがすごく面白い。「この曲って、こういう意味なんですか？」と聞かれたときに「そんなこと、考えもしなかった！」ってなるのが楽しいんですよ（笑）。「さらさの曲を聴いていると、5年前のあの景色を思い出すんだよね」みたいに言ってもらえたら最高だなって。

━━新井さんは、今後のさらささんにどんなことを期待しますか？

新井　いや、期待とかそんなのは全然ないですよ（笑）。もう、やりたいことをやりたいようにやればいいと思う。ただ、これからきっと、もっとたくさんの人に聞いてもらえるようになると、コミュニケーションの分母が大きくなると思う。僕らもある時期、King Gnuが僕らから離れていくというか……実態が無くなっていくような感覚があったんです。

「みんなが思っているKing Gnuってこうだよね？」みたいな理想の姿が、本来の僕たちと乖離していくというか。特にメディアに出過ぎていた頃は大変でしたね。程よく人前に出るのはいいんですよ。作品や自分について話すことでより思考が深まっていく感覚もありますし。でもテレビや雑誌に出まくっていた時は、なんかパラレルワールドみたいになっちゃって、自分がどこにいるのかさえ分からなくなってくるんです。 さらさ　へえ！ 新井　ずっと同じところにいるような錯覚に陥っちゃったというか。基本的に音楽にはずっと正直でいられたから、そこでストレスがなかったからよかったのかなと思いますけどね。もしそこでもストレスを溜めるというか、変に期待に応えようとしていたら、もっと大変なことになっていたかもしれない。だからさらさちゃんにも、「音楽」が常に「自分の戻る場所」であるようにしていてほしい。 さらさ　確かに音楽を始めたばかりの頃は、「あ、これがやりたい」「こんな曲を作りたい」みたいに自分の欲求にダイレクトだったんですけど、仕事になるとクリエイティブ以外のところでも考えなきゃいけないことも増えてくるじゃないですか。もちろん、気持ちも環境も続けていけば変わっていくのは当然なんですけど、自分が「いい」と思ったものをこれからも追求していかないと、活動自体が続かなくなってしまうよね、みたいな話はスタッフとよくしていますね。「遊んでなきゃダメだな」って。 新井　King Gnuもさらさちゃんも、きっと真面目なんだよね（笑）。もっとわがままでもいいかも、って。いつもそこは自分に問うようにしています。 さらさ　私も80歳になっても音楽をやっていたいので、そうありたい。今日はファーストアルバムを出したこのタイミングで、新井さんといろいろお話できて本当に良かったです。これからもよろしくお願いします！ 新井　こちらこそ！

80年代にはまだストリート＆アンダーグラウンドだったヒップホップが、各々のローカルを飛び出し勢いよく世界を魅了した90年代、アイルランドからロサンゼルスへ写真の勉強をしにやってきた1人のアーティストがいた。後に「B＋（ビー・プラス）」という名でフォトグラファーとして活動し始めてからは、ヒップホップアーティストをメインに数々のポートレートを撮影。このジャンルが少しでも好きな人であれば、きっと一度はB＋が撮影した写真や映像を目にしたことがあると思う。 そのヒップホップ界にて生きるレジェンドフォログラファーB＋が、約3年半ぶりに東京・渋谷にあるTRUNK HOTELにて個展＜12th presents Tried by Twelve：photography by B＋＞を開催した。

新旧問わず、これまでにB＋が撮影をした写真の中から選ばれた12枚のヒップホップアーティストたちのポートレート……Damian Marley、Erykah Badu、Flying Lotus、Jay Electronica、Kamasi Washington、Kendrick Lamar、Lauryn Hill、Madlib、Notorious B.I.G.、Ol’ Dirty Bastard、Questlove（The Roots）、Thundercat（アルファベット順）らの姿を捉えた大きなサイズのポートレートが、各々の世界観を放ち壁一面に展示されているギャラリーの空間は圧巻だった。   今回の個展は、今年2月にコロナでこの世を去った、B＋の友人であり、ロサンゼルスをベースにラジオ番組を中心にレコードプロモーター、DJとして活躍をしていたByze Oneへの追悼の意を表したものでもあり、タイトルは1996年にリリースされたThe East Flatbush Project「Tried by Twelve」より引用。ブルックリン発の名曲を、当時ラジオでロサンゼルスに広めたのがByze Oneだったのだそうだ。

7月15日（金）～18日（月）まで、4日間に渡り開催された個展では、7月15日（金）の夕方からはB＋も在廊しレセプションパーティを開催。会場にはヒップホップカルチャー、ストリートカルチャー、そしてアートにゆかりのある人々が、年齢層幅広く続々と来場。ファッションディレクターの小木”POGGY”基史、BEDWIN & THE HEARTBREAKERSデザイナー／DAYZディレクターの渡辺真史などファッション界で活躍する人々から、Rip SlymeのILMARIとRYO-Z、WISE、Tempalayの小原綾斗、PERIMETRON／millennium paradeのShu Sasaki、NITRO MICROPHONE UNDERGROUNDのXBS、K DUB SHINE、DJ BAKUなど音楽界で活躍するアーティストたちが姿を現した。

またギャラリーと併設しているTRUNK HOTELのロビーでは、7インチコレクターでもあるB＋が自らDJプレイをしたほか、IZPON、ARIWA（ASOUND）、applebum team、dayz team、Tasshin（田代音造園）、12th teamなどが、ヒップホップ、レゲエ、ダブ、ブレイクビーツとビートの効いた選曲でDJプレイ。ロサンゼルスからレコードを持ってきたB＋は実に楽しそうにソウル、ファンク、カリビアン、南米系のサウンドをプレイし、音楽が本当に好きなんだなと感じさせてくれる一面を見せてくれた。

来場をしている人たちを見て感じたことは、それぞれにお気に入りのアーティストがいて、その写真（ポートレート）の前で記念撮影をする人たちの姿が多かったということ、またB＋という写真家を通じて各々のアーティストたちの魅力を改めて感じた人たちも多かったのではないだろうかということ。そしてアート好き、音楽好きが多く集まったからか、この先もヒップホップ史上に記録されていB＋による世界最高峰の写真と、グッドミュージックに溢れたTRUNK HOTELの1階の空間は始終良い空気感で溢れかえっていた。