2026年1月17日（土）・18日（日）、幕張メッセで開催される＜GMO SONIC 2026＞（以下、GMO SONIC）。2023年に初開催されて以来、毎年1月の開催を重ねてきた日本発の大型音楽フェスティバルは、今回さいたまスーパーアリーナから会場を移し、4回目の開催を迎える。

＜GMO SONIC＞のラインナップで最初に注目すべきは、なんと言っても2日目のヘッドライナーを務めるダンスミュージックシーンの伝説的スーパーグループ、スウェディッシュ・ハウス・マフィア（Swedish House Mafia）（以下、SHM）だろう。スウェーデン出身のアクスウェル（Axwell）、スティーヴ・アンジェロ（Steve Angello）、セバスチャン・イングロッソ（Sebastian Ingrosso）の3人で構成されるこのスーパーグループは、2008年の結成以来、“Don't You Worry Child”、“Save The World”といったダンスミュージック史に残るアンセムを生み出してきた。

一方、海外勢では現行シーンを牽引する新鋭が揃った。ドム・ドラ（Dom Dolla）はテックハウスシーンを代表するオーストラリア出身のプロデューサーで、グルーヴィーなベースラインと遊び心あふれるトラックメイキングで知られる。メデューサ（Meduza³）は“Piece of Your Heart”で世界的ヒットを記録した人気トリオで、ディープハウスのグルーヴとエモーショナルなボーカルを融合させたサウンドが特徴だ。 ヒップホップ／R＆Bからも重要なアーティストが出演する。グロリラ（GloRilla）はグラミー賞ノミネート経験を持つメンフィス出身の女性ラッパーで、2022年の“F.N.F. (Let's Go)”でブレイク。2024年のデビューアルバム『Glorious』は全米アルバムチャートで5位を獲得した。SIRUPは日本のR＆B／ネオソウルシーンを牽引するシンガーで、ラップとボーカルをシームレスに行き来する変幻自在の歌唱が持ち味だ。

Text：Jun Fukunaga

2026年1月17日・18日に開催される大型音楽フェスティバル「GMO SONIC 2026」。同フェスは過去3年間にわたり、さいたまスーパーアリーナで開催されてきたが今回は新たな会場である幕張メッセに場所を移して開催されることでも注目を集めている。 幕張メッセといえば、毎年8月に開催される日本を代表する音楽フェス「SUMMER SONIC」東京会場のひとつとしてよく知られる。しかし、今や音楽フェスは夏に限らず、1年を通して開催されるようになった。その中でGMO SONICは「冬の大型音楽フェスティバル」という地位を確立してきたが、新会場での開催は同フェスのどのような新たな魅力を引き出すのだろうか。

GMOインターネットグループとクリエイティブマンプロダクションが共同で主催するGMO SONICは、これまでにMarshmello、The Chainsmokers、Zedd、Kygo、Skrillex、Martin Garrixといった世界的なDJ・プロデューサーがヘッドライナーを務めてきた。しかし、こうしたヘッドライナーに象徴されるエレクトロニックミュージックを軸としながらも、K-POP、ヒップホップ、国内アーティストまでが出演する、ジャンルを横断したラインナップが特徴として挙げられる。

その流れを踏襲した今回は、先述のMarshmelloが初日のヘッドライナーとしてカムバックするほか、ダンスミュージックシーンのレジェンド、Swedish House Mafiaが2日目のヘッドライナーとして日本の音楽イベント初出演。さらに新しい学校のリーダーズ、JO1、SIRUPといった国内アーティストまでが出演する。 ここで幕張メッセで開催されるGMO SONIC 2026ならではの魅力をご紹介しよう。まず、注目したいのは公開されている会場マップを比較することで見えてくる新旧会場の空間としての特性の違いだ。さいたまスーパーアリーナでは、2階と1階（アリーナ）に分かれた構造で、スタンド席から見下ろす形でステージを観覧するエリアも存在した。

一方、幕張メッセのフロアマップを見ると、ステージ前方に専用ビューイングエリアや専用ラウンジなどの特典付きの「PLATINUM STANDING」エリア、その後方に広大なフロアを楽しめる「GA」エリア、最後方に今回より新設の「GA PANORAMA ZONE STANDING」エリアが配置された、フラットな一体型のレイアウトになっている。こうしたオールスタンディングのフラットな空間では、観客同士がより近い距離で一緒に声を上げ、一体となって盛り上がりやすい。 チケット価格面でも「GA PANORAMA ZONE STANDING」は注目だ。PLATINUM STANDINGは1日券28,000円/2日通し券50,000円(どちらも税込)、GAが1日券17,000円/2日通し券30,000円(どちらも税込)に対し、同チケットは、2枚購入必須（かつ2人同時入場）という条件はつくものの、各日9,800円（税込）となっている。1万円を切るこの価格設定は近年のフェスのチケット相場からするとかなりお手頃価格。友人と一緒にフェスデビューしたい初心者や「GMO SONICを一度体験してみたい」層に最適なチケットとなっている。 また、冬開催のフェスだからこそ、幕張メッセを会場にするメリットもある。夏の野外フェスには野外だからこその開放感や一体感、そして「夏の思い出」としての特別さといった魅力があるが、天候の悪化や熱中症リスクといった課題もつきまとう。 一方、冬の野外フェスは、熱中症リスクこそないが気温を考えると野外で長時間過ごすのは難しい。また、天候リスクは夏と同様に残る。しかし、屋内フェスであるGMO SONICでは、空調管理された快適な環境で、天候を気にすることなく音楽に没頭できる。そして、その環境だからこそ実現するのが服装の自由度の高さだろう。夏・冬どちらも野外開催となると服装はどうしても機能性重視になりがちだ。しかし、屋内であればファッションを楽しむ余地が生まれる。この点は特に都心からのアクセスも良好な幕張メッセの強みであり、"冬ならではの都市型フェス・ファッション"で自己表現を楽しみたい人にはうってつけだ。

こうして積み上げられてきた確かな実績と熱量を背景に持つGMO SONICが幕張メッセへと会場を移すことで、音楽フェスとしての可能性はさらに広がるだろう。世界を魅了することを目指す”これまでにないフェスティバル”のアップデートされた魅力を、ぜひ会場で体感してほしい。

Text：Jun Fukunaga

オーストラリアのエレクトロニック・デュオ、Cosmo’s Midnight（コスモズ・ミッドナイト）。双子の兄弟、CosmoとPatrick Lineyによるこのユニットは、グルーヴ感溢れるキャッチーなサウンドで人気を博してきた。そんな彼らが、待望の日本公演を4月2日（水）に控えるなか、日本での思い出、これまでのコラボの舞台裏、そしてファンへのメッセージについて語ってもらった。

──これまでにも日本でライブをしていますが、特に印象に残っている思い出はありますか？

2018年に大阪でライブをしたときかな。道頓堀の近くに1週間滞在して、オーストラリアから来た友達と一緒に大阪を満喫したよ。ちょっとした電車旅で琵琶湖などの自然にも行けて、とても楽しい時間を過ごしたんだ。

──今回の東京公演で、特に楽しみにしていることは？

今回は僕たちにとって、日本では最大規模のライブをするんだ。バンドをフル編成で連れて行く予定で、昨年末にアメリカやヨーロッパで披露したようなアルバムライブをお届けする予定。それに、SIRUPと初めて共演できるのも本当に嬉しい！

──日本のファンとの思い出で、特に印象に残っているものはありますか？

2023年にクラブで出会ったファンと仲良くなったことかな。その後、一緒に大黒PAの有名なカー・ミーティングに行って、彼がオーストラリアに遊びに来たときは、僕たちのお気に入りのレストランやハングするような場所を案内したんだ。

──今回、日本で訪れたい場所はありますか？

今回はスケジュールがタイトであまり観光できないと思うけど、いつか箱根や阿蘇山には行ってみたいな。

──日本のオーディエンスは、ほかの国と比べてどんなエネルギーを持っていますか？　そして、どんなライブを届けたいですか？

日本のファンは本当に最高だよ！　なかなか日本でライブができないからこそ、僕たちが来るとすごく喜んでくれて、それが僕たちがパフォーマンスをする時の感謝にも繋がってるんだ。今回は新曲も昔の曲も織り交ぜながら、エネルギッシュなステージにしたいと思ってるよ！

──BTSの「Fly To My Room」の制作に関わりましたが、特にアジアのファンからの反応はどうでしたか？

みんなすごく驚いていたね！　「この曲が一番好き」という声をたくさんもらえて、本当に嬉しかった。新しいファンも増えたとは思うけど、やっぱりBTSの新曲が出たこと自体にみんなが興奮していた感じだったね！

──Cosmo’s Midnightの楽曲にはコラボ曲もたくさんありますが、アーティストとのコラボを決める際のプロセスは？

ボーカリスト、プロデューサー、楽器奏者として、面白いアイデアや素晴らしい才能を持っていると思うような人たちとコラボするようにしてるよ。僕らをコンフォートゾーンから抜け出させてくれたり、作曲プロセスを活性化してくれる人たち。

──SIRUPとShin Sakiuraとの「Breakthrough」は、日産のCMにも起用されました。このコラボの制作過程はどんな感じだったか教えてください。

めちゃくちゃ楽しかった！　SIRUPとShin Sakiura、どちらも素晴らしいミュージシャンだよ。このセッションは、僕らにとって初めて通訳（竹田ダニエル）が入った制作だったので、とても新鮮だったんだ。ダニエルがとてもフレンドリーで一生懸命働いてくれるおかげで、この曲が生まれたよ。

──Cosmo’s Midnightの独特のサウンドと、SIRUPとShin Sakiuraの音楽性を融合するのはどんな体験でしたか？

とても自然に馴染んだよ。僕たちの音楽はディスコやファンクの要素が強いんだけど、Shinはギタリストとしてすごい才能の持ち主だし、僕（Cosmo）とPatrickだけでは生み出せないような新しいエネルギーやセンスを加えてくれた。SIRUPもとっても才能のあるボーカリストで、Patrickが歌っているメロディーも一緒に考えてくれたんだ。実際に会えるのがとても楽しみ！

──「Breakthrough」を日本のライブでも披露する予定ですが、初めて来るファンに向けて、Cosmo’s Midnightのライブの魅力を教えてください。

とにかく踊りたくなるライブ、ということを期待していてほしい！　たくさんの曲を披露するので、どのファンの「一番好きな曲」も網羅できるかなと思うよ。僕たち自身もすごく楽しんで演奏しているので、そのエネルギーが伝われば嬉しいな。

──デビュー当初と比べて、Cosmo’s Midnightの音楽性はどう変わりましたか？

かなり変わったね。最初はラップトップだけで作っていて、何をやっているのか手探り状態だった。曲を作り終わるのにめちゃくちゃ時間がかかったし、とにかく音楽についてもっと学んだり、できるだけ多くの曲を作ることが楽しかったんだと思う。今では、自分たちが音楽に対して求めるものが明確になったし、何より「制作過程を楽しむこと」が最も大切だと気づいたんだ。そのほうが気楽に制作できるし、最近のアルバムは、とても楽しく制作できたよ。

──海外のアーティストとのコラボや海外ツアーは、音楽制作に影響を与えていますか？

間違いなく影響を受けているよ。環境が変わることで大きく刺激を受けるし、いろいろな都市に行くことで創造力が湧いてくる。いろんなミュージシャンと一緒に制作すると、新しい視点をたくさん得ることができる。それぞれのアーティストが独自のやり方を持っていて、そのおかげで自分たちの型を破ったり、同じパターンに陥るのを防ぐことができるんだ。

──Cosmo’s Midnightの音楽には独特のグルーヴがありますが、そのシグネチャーサウンドを保ちつつ新鮮さを出すにはどうしていますか？

あまり考えすぎないことが大事かな。「今回は新しいサウンドになった！」と思っても、友達に聴かせると「やっぱりCosmo’s Midnightらしいね」と言われることもよくある。なので、とにかく色々なアイディアをつぎはぎしながら、特に魅力的に感じたものを起点に広げていくようにしているよ。

──今後コラボしてみたい日本のアーティストはいますか？

もう叶わないのが残念だけど、Yellow Magic Orchestra（YMO）と一緒にやってみたかったな。僕らがすごく幼い頃から父が聴かせてくれていて、いつ聴いても素晴らしかった。

──影響を受けた日本の音楽はありますか？

坂本龍一の「Bibo no Aozora（美貌の青空）」や「Merry Christmas Mr. Lawrence（戦場のメリー・クリスマス）」が特に好き。ずっと心に残っている曲だよ。もちろん、子どもの頃は久石譲の音楽がまるで人生のサントラかのように育ったけど、今聴くとノスタルジアでいっぱいになるよ。

──2024年はCosmo’s Midnightにとって忙しい1年でしたが、最近はどんなことをしていますか？

とにかく新しい音楽をたくさん作ってる！　音楽的に新しい方向性に向かっているので、リスナーも楽しみにしてもらえたら嬉しいな。

──新曲のリリースは近いですか？

はい！　数か月以内にはリリースできると思うよ。

──特に楽しみにしているコラボやプロジェクトはありますか？

残念ながらまだ話せないけど、ワクワクするようなものをたくさん控えているよ！

──今後の活動の方向性を3つの言葉で表すと？

High energy, evocative, euphoric (高エネルギー、喚起的、多幸感）

──最後に、日本のファンへメッセージをお願いします！

長年にわたって応援してくれて本当にありがとう。美しい日本に行くのが待ちきれないよ！

ALIがニューシングル“NEON feat. The Crane”を12月4日にリリースする。台湾のシンガーソングライター・The Craneをフィーチャーしたこの曲は、LEOが台湾で目にしたもの、感じたことを真空パックされているという。今回は来日中のThe Craneもキャッチして、“NEON”の制作秘話を中心に2人がこの楽曲に込めた感情やストーリーを忌憚なく話してもらった。

──今回のコラボはどんな経緯で実現したんですか？

LEO　俺、3年くらい前からかなりの頻度で台湾に呼んでいただいてるんです。台湾の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞みたいなフェスでメインステージに立たせてもらったし、何度かワンマンもやらせてもらえた。台湾の人たちはみんな優しい。街並みも美しい。飯もうまい。俺は台湾が大好きになってしまった。だから現地で感じたことを真空パックにした曲を作ろうと思いました。そしたら、今日も通訳をしてくれてる友達の女性がThe Craneを紹介してくれて。彼女は台湾のイケてるやつらとみんな友達なんです。

The Crane　台湾は日本と比べてコミュニティが小さいんです。みんなが集まる遊び場は3軒くらいしかない（笑）。音楽シーンもメジャーとインディーの2つくらい。僕はインディーアーティスト。飲み屋に行けば大体友達がいます。だから台湾人から見ると日本には本当にいろんな音楽があって、しかもそれぞれがシーン化していてすごいと思います。

LEO　まあ良くも悪くもって感じだよ。俺からすると、クリエティブの中枢にアクセスしやすい台湾は素晴らしいと思うしさ。あと台湾ってすごい有名な人でも全然調子に乗らないんですよ。超フラット。そこもびっくりした。The Craneもそういう人たちの中の1人。いまアジアでヒップホップ／R&Bのすごいやつらがたくさん出て来てて、The Craneはその中の1人という感じですね。

──ALIはなぜ台湾で人気があるんですか？

LEO　日本ではまだまだこれからなのに（笑）。

The Crane　そんなことないでしょ（笑）。ALIを知ったきっかけは『呪術廻戦』のエンディング曲“LOST IN PARADISE feat. AKLO”でした。その後、昨年ALIが台湾でライブを行い、間接的な知り合いが主催したこともあり、ライブの前後で口コミが広がり、音楽仲間や友人の間で自然と話題になりました。私は当日のライブにも足を運びましたが、本当に素晴らしいパフォーマンスで、非常に強い印象を受けました。

LEO　シンプルなんですよ。イケてる音楽を作るとイケてるやつに届くっていう。かっこよく遊んで、かっこいい音楽をプレイすると、かっこいい仲間たちが集まってくる。

──LEOさんが「台湾を真空パックにしたい」と感じた背景をもう少し詳しく教えてください。

LEO　それこそちょっと難しい話になっちゃうけど、この曲にはもともと“The Garden”って仮タイトルが付いてたんです。3年前っていうと、アジア全体が今よりも不安定で。俺の知ってる美しくて優しい台湾が変わってしまうかもしれないという雰囲気すらあったんです。だったらせめて音楽で残したいと思って、音楽の楽園というニュアンスで“The Garden”という曲を作ってたんです。同時にその段階から台湾のネオンもイメージしてました。

──“NEON”というワードにはどんな意味を込めたんですか？

LEO　暮らしの明かりのこと。どんどん点いて、どんどん消える。悲しみも非難も消えることはないけど、手を取り合う選択肢もあるよねって。俺はそれが音楽だと思ってる。“NEON”はもしもお互いの故郷がどうにかなってしまっても、俺たちは音楽の中で側に居続けようという誓いの歌です。だって俺たちは愛こそが全てだって知ってるわけじゃん。なのに世界中のどこかでいつも戦争が起こってる。なんなんだよって。どんだけの時間を過ごさないと人類は理解できないんだよって。愛と平和の歌だけど、俺の中のやるせない気持ちも入ってます。

The Crane　僕は“NEON”がシンボルになってるのがすごく好きです。明かりのあるところに人が集まってくるじゃないですか。僕はLEOさんから聞いたテーマを踏まえて、台北と東京の印象を歌詞に落とし込みました。

LEO　ほんとThe Craneはパーフェクトでした。すぐにヴォーカルパートを送ってくれて。

The Crane　いえいえ。最初にお話しをいただいた時は、僕とALIでは音楽性が違うので、クリエイター性がどう噛み合うか不安な面があったんですよ。でもコンセプトが最初から明確だったのと、常にプロジェクトをリードしてくれたのですごくやりやすかったです。

──トラック制作はどのように進めたんですか？

LEO　The Craneにヴォーカルをいれてほしい箇所だけ空けて俺が作りました。でもそんな難しくなかった。台北の街を絵で描くような感覚。あと台湾の人のあたたかさも。制作自体はかなりスムーズでした。一番時間がかかったのは副題かな。

The Crane　“萬千霓虹”。意味はさっきLEOさんが話した内容と同じだけど、台湾人が見てもかっこいいと思える言葉の並びにしたかったんです。副タイトルやカバーフォントについて話し合っている際、LEOが王家衛（ウォン・カーウァイ）の映画ポスターを例に挙げました（笑）。それを聞いて、私たちはみんなすごく共感しました。

── リリースまで3年かかったのはなぜですか？

LEO　実際に制作にかかった時間は1年くらいなんです。でもはっきり言ってめちゃくちゃ大変だった。The Craneは全然関係ない。ALIとしての問題。やることが多すぎたけど、投げ出さずにやり遂げることができた。

──「ALIとしての問題」の内訳を差し支えない範囲で教えてください。

LEO　シンプルにバンド内の問題ですね。俺ら本当に貧乏で、しょっちゅう喧嘩もしてました。サポートメンバーたちにもギャラを払わなきゃいけないし。何度も投げ出しそうになったけど諦めずに音楽を続けていたら新しい出会いがあった。“NEON”はそういう状況の中で作った曲。こうやってリリースにまで持っていけたことは自分にとって誇りです。

The Crane　大変さで言ったらLEOさんとは比べ物にならないんですが、少し前に甲状腺の手術を受けました。10年ぶりに悪性腫瘍が再発したのですが、幸いなことに、摘出手術を受けた後はしっかり休養を取れば完治する見込みです。でもLEOさんとポジティブなメッセージの“NEON”を作れたことは僕にとっても励みにました。

──制作で印象に残ったことはありますか？

LEO　The Craneは音楽に対してものすごくストイックな人だと思いましたね。ミックスひとつとっても完全に納得がいくまでやり続ける。だから彼の作品はあんなにクオリティが高いんだなって納得できました。あがってきた音源を聴いて驚きましたもん。ほんと完璧でした。

The Crane　僕は制作を通じてLEOさんのパーソナリティを知ることができたのが嬉しかったですね。最初にお会いしたのはALIが台北でライブした時だったんですが、彼はいわゆるロックスターだったんです。汗も唾もいっぱい撒き散らしてて、エネルギッシュで本当にかっこよかった。でも実際にプラベートでお話しすると本当に優しい。あと音楽に対して一生懸命です。さっき台湾の人は優しいと言ってたけど、それはLEOさんが優しいからだと思います（笑）。

──ALIがいろいろなアーティストとコラボするのはなぜですか？

LEO　うーん。なんか単純に面白いかなって。「俺が！　俺が！」っていうより一緒に遊ぼうよって感覚。ALIは俺にとって3つ目のバンドなんです。俺の人生って挫折だらけで。スタッフなんかは自信のない俺の姿も知ってる。不安な時のほうが多かったし、頑張りがすべて報われたわけじゃない。そもそも俺らが客演を呼ぶようになったのは、当初在籍してたラッパーが抜けちゃったからだし。「じゃあ誰が良いかな？」と思った時、AKLOくんにオファーしたら快諾してくれて。それが“LOST IN PARADISE”だったりするんですよ。運命に逆らわずにやってたらこうなったって感じ。

── The Craneさんにとって二回目の日本人アーティストとのコラボになります（一回目はSIRUP）。今後日本でも活動していきたい気持ちはありますか？

The Crane　もちろんです！　もっと多くの人に私の音楽を知ってもらいたいと思っています。これからも自分が好きな作品を作り続け、さらに多くの素晴らしい音楽家たちとコラボする機会があればと願っています！

LEO　日本も台湾も島だけど、世界の一部でもあるんだから、もっとワールドワイドに自分たちの音楽を届けたいよね。そこはお互いにシンパシーを感じてる。矛盾するようだけど、俺は同時に日本で成功することを絶対に諦めない。俺が世界に何かを発信したとしても、日本で成功してないと見向きもされないから。今の世の中、物騒なニュースばかりだけど、まずはアジアからユニティしていきたい。俺は中目黒から新宿に行くように、台湾に行きたい。別に「みんなで手を取り合っていこうぜ」みたいな大袈裟なことじゃなくて。ダサいやつらにバレないようにこっちはこっちでカッコよくやろうぜって。この感覚がわかる人に“NEON”が刺さったら嬉しいです。

The Crane　この曲はいろんな言語で歌ってるけど、今日話したようなエネルギーを感じてくれたら最高です。音楽は最高です。あと僕はもっと日本語を練習します（笑）。