Bimiが最新作となるEP『新作EP『【人】／INORI』をリリースした。作詞／作曲を自ら行い、俳優としての顔も併せ持つ多才なBimiが新たに掲げるのは「オリエンタル・ポップス」というテーマだ。 現代社会の閉塞感をスピットするアーティスト／ラッパーとしてバラエティ豊かなトラックを乗りこなしてきたBimi。今回はアジアン・サウンドへの興味を前面に押し出したサウンドを展開し、これまでにも追求してきた和ネタをDJ dipと共に掘り下げる。同時に、本作ではBimiによる「祈り」という行為への洞察も込められている。「自問自答でもあり他問他答でもある」と語るタイトルトラックをはじめ、射程の広いポップスの意匠を借りて哲学を放出するBimiの脳内に迫った。

──前作『R』が集大成のような内容であったのに対し、『【人】／INORI』は明確なコンセプトを立てた意欲作であるように感じました。 『R』ではこれまでの人間関係やルーツを清算できたので、それを踏まえた上でアップデートされた自分のアイデンティティを出す方法について考えたんです。将来的には世界のハコも周りたいですし、新しい作品に自分が生まれ育った日本のサウンドを取り入れるっていうのは一種の義務というか。その中で現代社会を過ごして感じた価値観を自分なりに出すことにしました。 ──『【人】／INORI』では「オリエンタル・ポップス」をテーマに掲げていますね。以前から抱いていた日本のカルチャーへの興味が前面に出たような。 はい。インディーズ時代から考えていましたし、メジャーになってからも「軽トラで轢く」や「博徒街道」って曲で和を取り入れていました。USやUSのサウンドを参考にしたものが飽和している状態で、「これが日本人です」っていうので海外へ出て台頭できる音楽を考えていたんです。それも昔の音楽をなぞるんじゃなくて、今の感覚でそれをアップデートするための曲。それでヨナ抜き（注：日本の歌謡曲や演歌に特有の音階）とかを試していました。 僕は演歌も聴けばロックも聴くし、ヒップホップも聴くんです。まぁ全部好きなんですけど、前回までは「こういうのも出来ますよ」みたいなフレックスとして色んなジャンルをまとめていたんです。その先で見えた景色として、「オリエンタル・ポップス」を軸に据えるのが改めて重要だなって実感したんです。他のアーティストさんは一つのことを突き詰めた後に色んなジャンルに手を出すんですけど、僕は色んなジャンルに手を出した後に一つへ絞るっていう（笑）。

──Bimiさん自身が最初に演歌や歌謡曲の魅力に気づいたのはいつですか？ 祖父母が氷川きよしさんを聴いていたんです。当時は演歌界の新星で、よく一緒に聴いていました。あと八代亜紀さんとか石川さゆりさんも聴いていましたね。演歌って耳に残るじゃないですか？　それって僕らのライフスタイルに寄り添っていることを示していて、そういう要素をうまく取り入れるのは重要だなって常々思っていたんです。 ──どのような着想から「オリエンタル・ポップス」というフレーズを作ったのですか？ 自分の感覚の通りに作ったんです。「ポップス」というのは何も考えなくても聴ける音楽ですし、深読みしようと思えばいくらでも考察できるものなんです。さっきの話にも通じていますけど、生活に寄り添うことを考えたんです。今回も歌詞自体は難しく書いちゃってますけど、サウンドは軽めにして聴きやすくしているんです。そうやって生活に溶け込むというか。それで日本のイメージに沿ったので「オリエンタル」という。 ──確かに。溶け込んだ後によく考えるとゾっとするというか、演歌もよく聴けば逆恨みばかりですもんね（笑）。 そうなんです、恨み節か情景に思いを馳せるかっていう。「軽トラで轢く」も男女の愛憎劇なので演歌とテーマは近いんですよ、僕はそういう風に曲を作っていくことが多いです。

──『【人】／INORI』ではどのように恨み節や愛憎入り混じるテーマを取り入れたのでしょうか？ 今回は恨み節という「祈り」というテーマが強調されているかもしれません。例えば、僕はギャンブルをするんですけど、「これ頼むから当たって！」って軽薄に祈ったりするんです（笑）。かと思えば、誰かに生きながらえてほしいとか、あの人が無事に帰ってきてほしいとか、そういう重い祈りもある。今回の曲は「祈り」のバリエーションについて表現しているんです。 ただ、「オリエンタル・ポップス」の要素を意識したものとして最初の「ガラポン」は作りました。今のリスナーって最初の15秒しか聴いてくれないと思っていて、そこに強い言葉をぶつけたかったんです。 ──「ガラポン」の歌詞は親ガチャを絡めた内容ですよね。 現代の歪みってルッキズムとその僻みだと思うんですよ。「自分はこうなのにあの子は違う」っていう悩みが蔓延しているというか。そこで僕は「自分の価値を高めればみんな一等級だよ」っていう戦いの歌を作ったんです。この世に産み落とされた時点ですごい確率なんだから、もうやるしかなくない？　そんな歌です。 ──以前と比べてフレックスする対象が変わったようにも感じました。自分ごとから、自分の周囲も丸ごと誇るための言葉というか。 そうですね。今までの曲はもっと攻撃力が高かったんです。 いい意味で若くてイタいというか、 ガツガツしてたというか（笑）。それで28歳になった今は考えが変わったというか、「お前が頑張ってたら俺のことも引っ張り上げてくれるでしょ？　それで俺が頑張ってたらお前のことも引っ張り上げられるよね」みたいな相乗効果を狙った方が良いと感じたんですよね。人としてのビジネスマン、みたいな。 それと歳を経て自分に自信が持てたっていうのもあります。これまでは満たされない気持ちをぶつけがちだったんですけど、人生の中で色々と気づくことがあって。『R』でも呂布（カルマ）さんとか新藤（晴一 from ポルノグラフィティ）さんのような大人に触れることでリスペクトする気持ちが湧いたんです。前までは「どこの土俵でも戦えるっしょ」っていうフレックスをどこかでしていたんです、お恥ずかしい話ですけど（笑）。それは僕が勝手に思ってるだけで、向こうからしたら胸を貸しているだけだったりするんです。そういう意味で、寄り添える人こそが本当に強いなって思います。

──「人」はまさに達観の境地というか、今のお話にも通じる内容かと。 これもテーマは一緒というか、つまり「祈り」なんです。「往来の中で俺は生きるよ」っていう意志表明なんです。ポップスの性質上、当たり障りのないことをキャッチーなメロディーに乗せたら刺さるんです。でもそれってショットガンに近いというか、当たる範囲が広範囲すぎて胸までエグられないんです。やっぱりマグナムじゃないといけない。だからマグナムの威力でどれぐらいショットガンのように届けられるかっていう、そういう挑戦をしています。

──続く「INORI」はその路線をさらに強調しているように聴こえます。ギャンブルの話も生々しいというか。 はい、本当に負けてるんで（苦笑）。これは自分への内省でもあるんです。ボロボロの状態で頑張る中でも誰かのために祈れることの素晴らしさというか、それが巡り巡って自分にも返って来るだろうっていう祈りなんです。「人」と「INORI」は、自問自答でもあり他問他答でもあるんです。宮崎駿の『君たちはどう生きるか』みたいな、そういう問いかけです。 ──「カグツチ」では一転、日本神話のモチーフが登場します。 悲しい神話なんですよね。イザナミが産み落とした時に、火の神であるカグツチはイザナミの身を焼いてしまうんです。だからイザナミは忌み嫌われて、今度はイザナミの夫に恨まれて殺されてしまう。カグツチは破壊と創造の神でもあって、そういう二面性を取り上げたかったんです。不条理に打ちのめされて苛まれていることも歌っているし、「そういう世界も素晴らしいかもね」みたいな歌でもある。サウンドとしても、この曲が最も「オリエンタル・ポップス」らしいかもしれません。 ──なるほど。ラストに「exorcist」の味変バージョンを入れたのはなぜですか？ 「昔の衝動に戻ったらどうなるんだろう？」っていう挑戦です。3年前の自分は攻撃力が高すぎたというか、それを今回は拡張させようっていう試みで入れました。 それと、音楽を続けるならビジネスのことも考えなくちゃいけないし、アーティストとしての表現と塩梅を取らなきゃいけないですよね。僕の場合、「exorcist」の歌詞だとメディアに出るのも厳しいですけど、「カグツチ」とかなら大丈夫なんです。そういう意味でポップスを作ることは重要というか、広く聴いてもらった上で「exorcist」みたいなものとも出会ってほしいんです。

──ありがとうございます。最後に、これから始まる二つのツアーについても聞かせてください。 ライブツアーには＜SOME MINGLE＞というサブタイトルを付けました。普段自分が聴いている人や仲良い人を集めたライブになります。同じ年代のアーティストから受ける刺激が今の僕には足りてないというか、まだ絡みのなかった人たちともこれを機に会いに行こうと思います。 バンドツアーに関しては自分の夢でもあるんです。ルーツがバンドだったので、「生演奏でライブをやる」っていうスタイルを今やろうかと。その先でフロントマンとして見えてくる文書があるんじゃないかっていう挑戦でもあります。インディーズ時代の楽曲をメインに据えることも考えていますし、ライブツアーとはガラッと違う演出になると思います。

JT（日本たばこ産業）が2025年に発売した、味わいを追求した進化版の加熱式たばこ用デバイスブランド『Ploom』と世界的に注目を集めるグラフィックデザイナー・VERDY率いるプロジェクト『Wasted Youth』との2度目のコラボレーションが実現。最新デバイス『Ploom AURAをキャンバスに、ユースカルチャーのエネルギーと革新的なテクノロジーが交差するプレゼンテーションが実施された1日限定のポップアップストアの様子をレポート。

12月13日（土）、原宿・表参道エリアの「81 BELOW」にて開催された1日限定のポップアップストア。階段を降り、地下の会場に一歩足を踏み入れると、そこにはPloom AURAが持つスマートな印象と、VERDYが提示する世界観を体現した世界が広がっていた。 本コラボレーションでPloomがタッグを組んだVERDYは、現代のストリートシーンを象徴する最重要人物。ファッションブランド「Wasted Youth」や「Girls Don’t Cry」といったプロジェクトを通じて、自身の感情やルーツを投影したグラフィックを展開。アイコニックなキャラクター「VICK（ヴィック）」や、独特のタイポグラフィを用いたデザインは、ファッションの枠を超え、ユースカルチャーの象徴として現代アートの領域にまで及んでいる。 2024年末にVERDYが開催したクラブイベント「Wasted Night」でのPloomによるサポートをきっかけに実現した今回のコラボレーション。パッケージや空間設計のベースとなった装飾やポスターデザインは、「Wasted Night」での披露されたものが基になっている。

訪れた人々の目をまず釘付けにしたのが、巨大LEDビジョンで上映された2つの映像によるビジュアル演出。 一つは、本コラボレーション用に制作され情報解禁のタイミングで先行公開されていたスペシャルCGムービーだ。VERDYによるディレクションのもと、アジアのクリエイティブシーンで注目を集めている韓国の気鋭クリエイター・HAHYUNG（ハヒョン）が制作を担当。Ploom AURAのモダンな美しさとWasted Youthの世界観を融合させた、革新的なCG映像表現で来場者を魅了した。

もう一つは、VERDYのスケートチームによるパフォーマンス映像が会場のムードを創出。ポップアップで初公開となる、ロンドンやバルセロナへの海外スケートツアーで撮影された疾走感あふれるパフォーマンスが映し出された。 一瞬のトリックに集中する彼らの姿は、Wasted Youth の掲げる“無駄なものなんて一つもない”という哲学を鮮烈に示すとともに、ストリートカルチャーの発祥の地である表参道の空気感とのシンクロによって独特のムードを創出していた。プロダクトが持つモダンな美しさに加え、ストリートから湧き上がるエネルギーが体感的に表現された会場内は、そのものがひとつのアートとして完成されたものだった。 会場全体は、鏡面の素材を多用した什器により非日常的かつ幻想的な空間を演出。Ploom AURAを象徴するLEDの光とWasted Youthのアイコンであるリボン型を融合したベンチを設置。テイスティング用のPloom AURAを片手にベンチに腰をかけリラックスする来場者の姿も見られた。

会場で提供されたのは、最高品質のたばこ葉のみを使用したPloom専用プレミアムスティックの新ブランド「EVO（エボ）」の7種。コクと豊かなフレーバーを最初から最後まで堪能できるレギュラーをはじめ、カプセルを潰すとアロマが香るトロピカル系まで、多彩にラインナップ。その力強い吸いごたえに驚かされるとともに、加熱式ならではの緩やかな燃焼が叶えるクリアな味わいは新体験そのもの。味への追求とスマートに楽しめる加熱式たばこの優位性、そしてプロダクトそのものの存在感から、喫煙行為そのものの位置付けを再定義する説得力を感じられた。

本コラボレーションの目玉である、数量限定発売の「Ploom AURA x Wasted Youth LIMITED EDITION BOX」。本商品は、デバイス本体のPloom AURAスターターキットと、Wasted Youthのデザインが施された専用アクセサリーをVERDY自らがデザインを手掛けたスペシャルボックスに収めた希少な限定セットだ。

ブランドのキーカラーであるネイビー×ホワイトを基調に、「Wasted Youth」のロゴやモチーフを配置したバックカバー1種、フロントパネル3種類を同梱。その日の気分やファッションに合わせて、デバイスの表情を自由に着替えられる仕様だ。「今回はPloomに寄り添ったイメージを落とし込んだ」とVERDY自らが語ったとおり、Ploom本来の洗練された佇まいに、ポスターデザインの要素を融合させることで大人のストリートスタイルを完成させた。また、プロダクトそのものの手触りにもこだわりが。従来のデバイスとは質感の異なるマット仕上げを採用し、馴染みのいいグリップ感で機能とスタイリッシュさを両立している。

ポップアップ当日は午前9時半から先着順による抽選を実施。わずか150セットが当選者のみに限定販売数された。早朝からつくられた行列は、あらためてPloomユーザーからの支持と本コラボレーションへの注目度の高さを見せつけるかたちとなった。 なお、当日惜しくも手にすることができなかったPloomファンにも、まだチャンスはある。このスペシャルボックスは、12月22日（月）10時より「CLUB JT オンラインショップ」でも数量限定で発売予定。さらにオンライン限定の展開として、ピンク・ホワイト・シルバーの別注カラーパネルが当たるキャンペーンも実施される。特にホワイトは今回の限定デザインと反転カラーになっており、既存のデバイスカラーとの相性も抜群だ。 ストリートのエネルギーを纏い、最高の一服を。加熱式たばこのイメージを刷新するVERDYとPloomが描き出した新しい世界観をぜひ体感してほしい。

連日、超・大盛況の賑わいとなっている「EXPO 2025 大阪・関西万博」。その中でも＜ハイジと共に、テクノロジーの頂へ＞をコンセプトに掲げるスイスパビリオンでは、アーティストの江原彩子が、グローバル企業・ネスレの未来に向けた活動そのものをジェネレーティブアートで表現した映像作品『A Taste of Good for Tomorrow』が展示されている。 『A Taste of Good for Tomorrow』に関する江原彩子スペシャルインタビューはこちら そんなスイスパビリオンにて、特別なライブが敢行された。江原彩子がVJとして映像を、アンビエントアーティストの畠山地平と安河内秀太がサウンドを担当。ネスレのサステナビリティへの取り組みを踏まえ、映像作品に合う音楽を構築し、ライブで披露された。 ここでは、音と光によって特別な空間を紡ぎ出した3人に、ライブパフォーマンスのことやネスレの取り組み、そしてサステナビリティに対する思いについて話し合ってもらう。 大阪・関西万博は10月13日（月）までと、いよいよ終盤を迎えるが、こんな機会は滅多にない。ぜひ多くの方々に、生ミャクミャクを見に、そしてスイスパビリオンや会場の空気を味わいに、万博に足を運んでほしい。

──今回、どういう経緯があって3人でライブを行うことになったんですか? 江原彩⼦（以下、江原）　まず、私が制作したネスレさんの映像作品があって、その映像を使用してライブパフォーマンスを行わないか、という話をいただいたことが前提にあります。（安河内）秀太には、これまでに色んなプロジェクトで音楽を作ってもらっている経緯もあって、クリエイティブの面で絶大な信頼があり、ライブに参加してもらうことになりました。（畠⼭）地平さんのことは、秀太からも話を聞いていて、何年も前から存じ上げていたので、せっかくなら今までご一緒したことのない方と一緒にパフォーマンスをしようと思ってお願いさせていただいたんです。

──江原さんと安河内さんの繋がりがあり、そこに畠山さんがジョインされた形だったんですね。では、安河内さんと畠山さんはどのような関係なのでしょうか? 畠⼭地平（以下、畠山）　安河内くんと出会ったのはコロナ禍前くらいですね。 江原　もともと秀太と地平さんはセッションしていたんですよね? 畠⼭　そう。お互いにサッカー観戦が趣味で、2、3年前のUEFAチャンピオンズリーグの決勝を一緒に観ることになり。試合開始の朝方まで時間があったので、それならセッションしながら決勝が始まるまで待とうって話になってね。 安河内秀太（以下、安河内）　そうでしたね、眠気も吹っ飛ぶほど楽しかった。僕は地平さんのことはアーティストとして昔から知っていたので、ライブ後に知り合ってから仲良くさせていただいている感じです。 ──そんな3人でライブを作るにあたって、ネスレの取り組みを踏まえて、どのようなやり取りをしていったのでしょうか? 畠⼭　江原さんが制作した映像がベースにあったので、そこからネスレさんのサステナビリティに対する取り組みや思いを音楽的に咀嚼してイメージを膨らませていくという作業でした。映像のコンセプトに対して、どんな音が合うのか考えながら、安河内くんと2人で音出しして試行錯誤していったんです。結果的に、序盤はサステナビリティ感にプラスしてスピリチュアルな雰囲気を演出しつつ、音楽と映像の世界に没入していけるメロディを表現しました。そこから徐々に盛り上がっていくように緩急をつけていった感じでしたね。

安河内　 VJ映像の最後は光がキラキラしている表現だったので、そのイメージに合わせて、地平さんと2人でサウンドを構築していったんです。僕らはフィールドレコーディングも好きなので、音楽制作という面において自然の力が必要なんです。なので、ネスレさんのサステナビリティや自然に対する取り組みに対して、純粋に共感できる部分がありました。今は当たり前に享受しているものですけど、それがずっと続くとは限らないわけなので、感謝して大事にしなくてはいけないと、今回のライブを通じて改めて思いました。 江原　ライブではスイスパビリオンに展示している映像作品の延長線にある世界観を提示しているのですが、音楽に関しては私からは詳細なリクエストはすることなく、信用しているお2人にお任せしていた形です。さっき話にも出ましたので、最後のキラキラ音はすごく綺麗でしたね。 畠山　そうだね。そこは僕らの中でキラキラ音って呼んでいるんですけど、最後その映像にいくまでの演出にはこだわりましたね。直前まで少し音を下げてキラキラ音が映えるような感じにして。やはりライブの最後は、来てくださった方々に観てよかったなって喜んでもらいたいので、一瞬だけカオス状態にして高揚感が生まれるような流れを3人で作っていったんです。

──ネスレが掲げるサステナビリティへの考え方が映像や音楽制作の念頭にあり、また、フィールドレコーディングのお話もありましたが、改めて、サステナビリティに対してどう思いますか? 安河内　自然というのはとても完成されているもので、知れば知るほどに人間の力で太刀打ちできるようなものではないというか。圧倒される部分があるんですよね。そうやって長い年月をかけて完成されたものなので、ありがたみを持って大切にしなくてはいけないと強く感じます。私は湘南出身で、海で遊んだり、波打ち際の音を聞いて育ったんですけど、東京に来ると自然が少なく窮屈だなと感じることも多いので、やはり自分には自然が必要なんだと感じますね。地平さんも制作するにあたってそう思ったりすることはないですか? 畠山　いや、本当に思うよ。最近は自然を体感した方が絶対にいいと思って、意識的に山登りしたり海に行ったりすることも多くて。よく江戸時代って完璧にリサイクルが成立していたって言われるじゃないですか。昔の日本は人と自然が理想的な形で回っていたのかもしれない。そんな文化を持っていた国なので、それを現代のサステナビリティに昇華させて発信できるといいんじゃないのかな、なんて考えますね。 江原　私は、ネスレさんとコミュニケーションを取りながら作品を作っていくにあたって、2050年頃までにカカオやコーヒーの生産に適した土地が半分に減ってしまうかもしれないという話を聞いて衝撃を受けました。私も日々、コーヒーやチョコレートを口にしていますけど、危機的な状況であることを知ってすごく驚いてしまって。今回の大阪・関西万博で実際にパビリオンを体験して、環境に対する問題提起を行っているのを見聞きすると、すごく刺激を受けます。アーティストとしてできることは限られていると思うんですけど、表現を続けるうえで無視できないことだと強く思いました。 ──では、ネスレの商品で好きなものはありますか? 畠山　僕は「キットカット」が大好きで1日に2、3ピース食べているんですよ。音楽制作の合間の休憩でリフレッシュする時に口にしていて、普段からネスレさんに馴染みがあったので、今回のお話はすごく嬉しかったですね。とにかく味が好きですし、季節によって異なるフレーバーが発売されるのも嬉しいです。スタジオに来たミュージシャンとも、どの味がいいか選んで会話したりしているので、もはや私の音楽制作には欠かせないものの1つになっています。 安河内　その話、さっき聞いたんですけど知らなかったですよ（笑）。僕は「ネスプレッソ」が実家にあって、昔からコーヒーは「ネスプレッソ」でした。 江原　自宅で手軽に美味しいコーヒーが飲めるのって、ちょっとした贅沢をしているようで、すごく心地いいですよね。 安河内　思えば「ネスプレッソ」もそうなんですけど、「ミロ」や「キットカット」など、身の回りに昔からあったけどネスレさんの商品だって知らなかったものも多いです。改めて振り返ると、こんなにネスレ商品を愛用していたんだって思います。

──最後に今回の大阪・関西万博について、気に入っている場所など、おすすめのところを教えてください。 安河内　各パビリオンはこれから回ろうと思っているんですけど、会場の雰囲気はやはりすごいですね。非日常が味わえて海外に来ているような感覚になります。散歩するだけでも楽しめると思いますよ。 畠山　ちょうど台風が近づいていて、大きな雲に夕陽が重なって壮大な景色が見れたんですけど、素晴らしかったですね。景色を楽しみながら散策するのもおすすめです。僕が特に好きなのは大屋根リング。あのリングの上で景色を見ながら歩くのはすごくよかったです。 江原　万博のテーマは「いのち輝く未来社会のデザイン」ということですが、全世界の人たちが、同じテーマについて考えて未来のことを思う機会って、今後もそうそうないことだと思うんです。この万博自体がすごく貴重なものだと思いますし、そうしたサステナビリティに対する取り組みも押し付けがましい形ではなく、エンターテイメントとして子供でも楽しめるような展示になっているのがすごくいいですね。誰もが楽しみながら地球の未来について考えることができる空間だと思うので、機会があればぜひ、万博全体の空気を体感してほしいです。

“黒ミャクミャク”が一世を風靡している2025年の日本。あなたはもう「EXPO 2025 大阪・関西万博」には行っただろうか? 今回フォーカスするは、大阪万博の中でもテクノロジーに特化した内容を展示しているスイスパビリオン。＜ハイジと共に、テクノロジーの頂へ＞というコンセプトが設けられ、アルプス文化と最先端技術が共存するスイスの姿が体感できる空間になっている。 その中に、スイスを代表するグローバル企業・ネスレの未来社会に向けた活動そのものを表現した美しい映像、『A Taste of Good for Tomorrow』が展示されている。この作品を制作したのはアーティストの江原彩⼦。ジェネレーティブアートなる手法で表現されており、実にユニークで面白い。 今回のスペシャルインタビューでは、彼女がどのようなアートを表現しているのか、そのバックボーンに何があるのかを探る。そして、スイスパビリオンの魅力はどこにあり、ネスレの理念や活動にどう共感して作品に想いを込めたのかを尋ねた。

──江原さんが行われているジェネレーティブアートとはどのようなものですか? 一般的には、設定したアルゴリズムに基づいてコンピュータが生成するアートのことを指します。私の場合はTouchDesignerというアプリを使用して作品を作っているのですが、このアプリは自然で有機的な表現をしやすくて、私の表現したいものを形にするのに適していると感じています。

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──そもそもジェネレーティブアートをやろうと思ったきっかけはなんですか? もともと仕事としてVJを10年以上やっていて、キーフレームアニメーションやCGなどを必要に応じて作っていました。仕事を続ける中で、もう少し作品性に特化したものを作りたいとずっと考えていたんですが、自分がやりたいことを表現するには技術的にも難しい部分があったんです。そんな時、TouchDesignerに出会って、これが自分の性に合ったんです。ネットにもチュートリアルがたくさん公開されていて習得しやすい環境でもあったので、ワークショップに参加したりして勉強していったんです。そんな風にして自分のスタイルを作っていきました。 ──江原さんの作品は華やかでキラキラした表現が特徴的だと思うのですが、あえて自分のスタイルを説明するとしたら、いかがでしょう? 私はAIとジェネレーティブアートとの両方をやっているんですけど、双方の技術を駆使してキラキラした作品を表現するというのが自分の作風だと思います。花をモチーフにした作品が印象的と言っていただくことも多いのですが、幼少期から花の図鑑をボロボロになるまで読んでいたりしたので、そういった自身のルーツが自然と作品にも反映されていると感じます。あとは日常生活からインスピレーションを受けて制作に向かうことも多いですね。普段見過ごしてしまいがちなものや、何の価値もないと思っていたものに、実はすごく価値があるんだと思っていて。なので、自宅や近所の何気ない風景を撮影して、それをAIに取り込んでアニメーションを生成して作品としてアウトプットしたりしているんです。そのような価値観を、作品を通して伝えたいと考えています。