新譜の試聴会に行く。 レコードショップ、ギャラリースペース、あるいは小さなカフェ。会場の全員がとても静かで、「新しい音楽を聴いています」という顔をしている。そういった、ある種の儀式めいた空気が流れるイメージが想像できるだろう。 ところが今回、案内された会場は猫カフェだった。Thundercatの新譜『Distracted』の先行試聴会である。 文字にするとやっぱり意味がわからない。現地に着くまではどんな試聴会なのか想像がつかず、着いてからの入場待ちも半信半疑のままだった。新譜の試聴会に来たはずなのに、この先にいるのはふわふわの毛並みを携えた猫たちである。 いざ入場。猫たちとご対面。どこかのテーブルでは丸くなって眠っているし、別の一匹は「あ、来たんだ」くらいのテンションでこちらを一目見ては、すぐ興味を失った。そんなそっけなさが、「試聴会に来た」という緊張感を一気にほぐしていく。どの来場者からも思わず笑みがこぼれ、声にならない声が出る。 音楽の前に、まず猫がいた。いや正確には、Thundercatを聴く前に猫がいた。けれど不思議なことに、その異様な状況は数分ですぐに「当たり前」になったと思う。というより、流れ始めた音楽と、猫たちの自由な振る舞いが妙に馴染んでしまっていた。こちらが戸惑っていたのは最初だけで、しばらくして「たしかにThundercatを聴くなら、猫カフェでもおかしくないかもしれない」という、よくよく考えると、あまり納得してはいけない方向の納得感が生まれてきた。 普通なら、試聴会には独特の緊張感があると思っている。一音目から集中し、些細な変化も聞き漏らすまいと気を張る。だから個人的に試聴会があまり得意ではなかった。新譜というものは基本的に「ちゃんと受け止めるもの」としてそこに置かれる。その真面目さが少しだけ音楽を固くしてしまう気がするからだ。しかし猫カフェには、その種の緊張を維持するための装置がほとんどない。いるのは猫だけだ。 ずっと眠り続ける猫。かわいい。 来場者が持っていたThundercatのアクリルスタンドに興味津々な猫。かわいい。 「我こそはThundercat」と言わんばかりに、等身大パネルの前に居座る猫。最高。 こちらが音の細部に耳を澄ませようとするたび、視界のどこかで別の生き物が、好き気ままに同じ時間を過ごしていた。一般的な試聴会ではまず起こらないことである。だがしかし、本来なら集中を妨げるはずだった猫が、Thundercatの音楽にむしろ合っていた。いや合っていたというより、その音楽の持つ柔らかさや気まぐれさを、新しい角度から照らしてくれたと言ったほうが近い。 Thundercatの音楽には、常に2つのベクトルがある。 ひとつは言うまでもなくその超絶技巧だ。ベースの運動量、メロディのひねり、ジャズやフュージョンといった複雑さを軽々と横断する身のこなし。耳が早い人ほど、その構成の細やかさや演奏の異常な精度に反応するだろう。 けれど、もうひとつは彼の音楽にはそれと同じくらい強く、脱力とユーモアがある。すべてを深刻にしない軽やかさ。テクニカルでありながら、決して「ありがたく拝聴します」だけにはならない親密さ。ふざけているようでいて、それだけでは到底たどり着けない領域にこそある、その不思議なバランス感覚。 お分かりだろうか。だから猫カフェだったのだ、と今だから思う。 猫という生き物は、基本的には媚びない。こちらの都合で盛り上がってくれないし、いくら名盤を聴かせても、静かな顔で聴き入ってくれるわけでもない。気が向けば近寄ってきて、そうでなければ去っていく。あまりに自由で、そしてあまりに勝手だ。 そしてThundercatの音楽もまた、ジャンルや文脈や期待に対して、猫と同じくらい自由だと思う。ジャズの方法論を知り尽くしているのに、そこに閉じこもらない。ソウルの甘さを鳴らしながら、すぐ横で変な角度でひねる。シリアスにもなれるのに、シリアスなだけでは絶対に終わらない。言ってしまえば、高尚さとユーモアを同時に成立させるのが上手すぎるのである。 そう考えると、猫カフェは単なるネタ会場ではなかったのかもしれない。むしろThundercatというアーティストの輪郭を、かなり正確になぞる空間だったのではないか…？ 音楽に、かしこまって対峙するというより、あの日は自分自身が空間に溶けてしまっていた気がする。耳を澄ませることもできるし、猫の気配に意識を持っていかれることもある。集中と脱線が同時に存在していた。そして何より面白かったのは、あの場でいちばんフラットなリスナーが、おそらく人間ではなかったことだ。音楽に対して猫のほうがずっと誠実だったかもしれない。状況にも新譜にも敬意を払いすぎない。ある意味でその態度は理想的ですらある。 もちろん猫たちがThundercatの新譜をどう聴いていたのかなんて、本当のところはわからない。ただ少なくとも、あの日の人間たちは「ちゃんと聴かなきゃ」という気持ちから、少しだけ自由になっていた。そのこと自体が、ひとつの発見だったように思う。試聴会は静かな場所でやるもの。良い音楽は良い環境で聴くもの。その認識はだいたい正しい。けれどそこから少しだけはみ出したときに見えるものがあった。 Thundercatを猫カフェで聴くという体験は、おかしな話ではあるが、彼の音楽の持つ魅力をそのまま会場にしてしまっていたわけで、新譜『Distracted』の直訳である「気が散る」にこんなにもぴったりな場所はなかったはずだ。あれだけ終わるのが寂しかった試聴会も初めてだった。 最後にひとつだけ伝えたい。これは決して猫の可愛さの前に、すっかりやられてしまった人間の言い訳ではない。たぶん。

RELEASE INFORMATION

Distracted

Thundercat RELEASE: 2026.04.03 LABELS: Brainfeeder 01. Candlelight 02. No More Lies (feat. Tame Impala) 03. She Knows Too Much (feat. Mac Miller) 04. I Did This To Myself (feat. Lil Yachty) 05. Funny Friends (feat. A$AP Rocky) 06. What Is Left To Say 07. I Wish I Didn’t Waste Your Time 08. Anakin Learns His Fate 09. Walking on the Moon 10. This Thing We Call Love (feat. Channel Tres) 11. ThunderWave (feat. WILLOW) 12. Pozole 13. A.D.D. Through the Roof 14. Great Americans 15. You Left Without Saying Goodbye 詳細はこちら

EVENT INFORMATION

Thundercat Japan Tour 2026

TOKYO 2026/5/19 (TUE) TOYOSU PIT TOKYO 2026/5/20 (WED) TOYOSU PIT OSAKA 2026/5/21(THU) NAMBA HATCH NAGOYA 2026/5/22 (FRI) COMTEC PORTBASE **SOLD OUT OPEN 18:00 / START 19:00 チケット：https://linktr.ee/thundercat2026 数々のステージを駆け抜け、ジャンルもメディアも軽やかに越境しながら、音楽そのものと生き様で世界中のファンを魅了し続ける唯一無二の存在、サンダーキャット。 世界有数の超絶技巧を誇るベーシストでありながら、メロウでスウィートな歌声と、底抜けに自由なキャラクターで、常にシーンの中心に立ち続けてきた彼が、待望の最新アルバム『Distracted』(4月3日発売)を携え、2026年5月、ふたたび日本へ帰ってくる。 詳細はこちら

© Qetic Inc.

https://qetic.jp/music/d-a-n-purple-sunshine/473850/ https://qetic.jp/music/d-a-n-purple-sunshine/473850/ https://qetic.jp/music/d-a-n-purple-sunshine/473850/#respond Tue, 31 Mar 2026 12:36:22 +0900 6 https://qetic.jp/?p=473850

2022年に活動を休止し、約3年を経て再始動したD.A.N.が、新曲 “Purple Sunshine”を4月3日（金）にリリースする。 昨年末に発表された“Daydreaming”に続くニューシングル “Purple […]

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2022年に活動を休止し、約3年を経て再始動したD.A.N.が、新曲 “Purple Sunshine”を4月3日（金）にリリースする。 昨年末に発表された“Daydreaming”に続くニューシングル “Purple Sunshine”は、前半と後半で大胆に表情を変えるドラマチックな構成が特徴。前半は、余白を活かしたサウンドでゆっくりと深層へと引き込み、そこから一転、後半ではリズムとグルーヴが一気に躍動。“Purple Sunshine”というタイトルが示すコントラストを、音像そのもので体現した8分におよぶ大作に仕上がった。 前作同様、ミックスはアデル（Adele）やリトル・シムズ（Little Simz）などを手がけるリアム・ノーラン（Liam Nolan）、マスタリングはオジー・オズボーン（Ozzy Osbourne）やウェット・レッグ（Wet Leg）の作品でグラミー受賞歴を持つUKのトップエンジニア マット・コルトン（Matt Colton）が担当した。 配信同日、羊文学を招いた自主企画 “Resonance”の開催を控えるD.A.N.。まずは、このイベントに来場予定の方も、そうではない方も、ぜひ新曲 “Purple Sunshine”を4月3日（金）にチェックしよう。

RELEASE INFORMATION

Purple Sunshine

リリース日：4月3日（金） アーティスト名：D.A.N. 詳細はこちら

EVENT INFORMATION

Resonance

会場：SHIBUYA Spotify O-east 時間：OPEN 18:00 / START 19:00 GUEST ACT：羊文学

詳細はこちら

2月某日。都内の一角に用意されたのは、豪華なサウンドシステムでも、仰々しいステージでもなかった。手元のスマートフォンで再生ボタンが押されると、スピーカーから流れ出したのは、フリーが「ようやく時間と空間ができた」と語る、50年近いキャリアで初となる本格的なソロ・プロジェクト『HONORA』の音だ。 そこには、レッド・ホット・チリ・ペッパーズで見せる爆発的なエネルギーとはまた違う、柔らかく、それでいて剥き出しの体温が宿っていた。 「音楽がなければ、今の自分はなかったかもしれない」 ——そんな言葉を、彼は笑いながら口にした。 これまで影響を受けてきたすべての音楽、出会った人々、そして自分自身の血。そのすべてに「愛」があり、等しく「ソウル（魂）」が宿っているのだと彼は言う。世界的なロックスターという鎧を脱ぎ、ひとりの人間として、音楽という「救い」に真っ向から向き合ったフリー。あの親密な空間で、彼が自身の魂のありかを辿るように語った、いくつかの大切な言葉をここに記録する。

トランペットと平穏 フリーにとって、世界はもともと「醜く、偽善に満ちた場所」だったという。そんな環境で手にしたトランペットは、彼にとって唯一、心に平和をもたらすものだった。周囲がどれほど混沌としていても、楽器を吹いている間だけは自分が自分らしくいられる。その「平穏」こそが、彼の音楽の原点にある。 長年のキャリアの中で、時には楽器を見たくないほど疲弊し、音楽と距離を置いた時期もあった。現在のパートナーと出会い、心身が落ち着きを取り戻したのは、そんな時期を経た後のことだ。静かな日常の中で、彼は再び「自分とは何か」を問い直すことになる。 「自分は完璧でも特別に善い人間でもない。けれど、悪い人間でもない」 そう語る彼は、マイルス・デイヴィスやクリフォード・ブラウンに少しでも近づけるかと自問しながら、今も一音一音と向き合っている。彼にとって、ジャズというジャンルへの挑戦はテクニックの誇示ではない。50年の旅を経て、もう一度あの頃の「平穏」を取り戻すための、極めて個人的な試みなのだ。 自由と制作 フリーの義父はジャズ・ミュージシャンだった。「ジャズこそが最高で、ロックはくだらない」と言われて育った彼は、その反発からロックの道へ進んだ。正規の音楽教育を受けていないこともあり、ジャズというジャンルに対しては、どこか躊躇や距離を感じていたという。 その意識を変えたのが、近年のロサンゼルスのジャズ・シーンだ。カマシ・ワシントンやジェフ・パーカーといったアーティストたちは、理論に縛られず、ジャンルを横断しながらオープンに表現する。その姿勢に感化されると同時に、彼らの音楽からは現状を突破しようとする闘争心を受け取った。「一時期のジャズにあった、理論ばかりの頭でっかちな感じが好きではなかった。でも今の彼らを見て、見方が変わった」と彼は振り返る。 カマシたちと実際に関わっていく中でわかったのは、彼らがジャズ至上主義ではなく、互いにすべてをさらけ出せる人たちだということ。 今回のアルバムのメンバーについても、言葉はシンプルだ。ウッドベースにアンナ・バターズを起用したのは「彼女の演奏が好きだから」。トム・ヨークとの共作曲については、当初歌を入れる予定はなかったが、デモを聴いたときに自然と彼の顔が浮かんだ。「友人であり、家族でもある」——そう言い切れる関係だから、声をかけた。 彼にとってのジャズは、もはや敬遠していた「理論」ではなく、気心の知れた仲間と鳴らす「自由な対話」へと形を変えている。 家族と日常 アルバムタイトルに冠した『HONORA』は、二世代前の祖母の名に由来する。出演したテレビ番組を通じて知ったという彼女の半生は、アイルランドでの貧困、オーストラリアへの移住、そして闇市で酒を売りながら生き抜くという、壮絶なものだった。フリーは、その凄惨とも言える家族の歴史を、自身のルーツとして淡々と受け入れている。 今の彼の生活は、驚くほどシンプルに整理されている。朝起きて祈り、練習し、食事を摂り、家族と過ごす。読書や映画を楽しみ、時には邪魔になるというスマートフォンを意識的に遠ざける。多感な自分をいかに簡素に保ち、音楽に反映させるか。それだけを意識しているという。 かつては結婚に対して否定的だった価値観も、現在のパートナーとの出会いを経て変化した。「幼い頃の自分が見たら、よくやったと思うだろう」と笑う姿には、力みがない。 彼にとっての「ソウル」とは、特別な瞬間にあるものではない。過酷な先祖の歴史も、朝の祈りも、仲間と鳴らす一音も、すべて地続きだ。その日常の延長線上に、今回のアルバムは置かれている。

友人の家のリビングでくつろぐような、親密な空気の中で響いた楽曲たちは、めまぐるしく表情を変えながら私たちをいくつもの鮮やかな場所へと連れて行ってくれた。それは、共に走ったり、踊ったり、時に寝転んだりするように、フリーと一緒に音の中で遊んでいるような心地よい体験だった。 そこから溢れ出していたのは、信頼するメンバーたちと音を交わす喜びだ。彼が教えてくれたのは、音楽とは知識や理屈ではなく、「人が楽しく音を鳴らすこと」そのものなのだという、シンプルで力強い真理だった。 『HONORA』を聴くとき、そこにはフリーというひとりの人間の魂がある。理論でも肩書きでもなく、50年かけて辿り着いた、彼自身のソウルのありか。耳を傾ければ、その感覚に触れることができるはずだ。

そのバンドにしか表現できない音というものは実在するもので、まさしく個性の塊とも言えるサウンドを生み出し続けているロックバンドがいる。その名もNikoん。2023年結成、オオスカ（Gt/Vo）、マナミオーガキ（Ba/Cho）の2名を中心に音楽好きの間では話題沸騰中。まぁ本当に凄まじいスピードでシーンを駆け巡りメジャーデビューを果たしたわけだ。すごい。

2026年9月に2ndアルバム『fragile Report』を発表。現在はアルバム購入者特典ツアー「アウトストアで47」、同時に「Re:TOUR」を開催中。ライブしまくりだ。

サウンドもさることながら、その活動も他のバンドとは一風変わった打ち出しが多く、常にリスナーをワクワクさせてくれることでも知られているNikoん。そんなNikoんの本当の魅力を知りたいのならば、彼らのディープなファンに話を聞くのが1番だろう。というわけで、Nikoん愛を語ってくれるファンを公募しインタビューを行った。一問一答的な感じの内容で3人に話を聞いたわけだが、なるほど、3人ともNikoんの魅力に共通するものを見出しているご様子。それは一体何なのか？

1人ずつ、3本の記事にわけてお届け！　3人目、ラストはイベントの企画制作や映像制作を行う会社に勤務する20代の男性！

ーNikoんを知ったきっかけを教えてください。 THE NOVEMBERSの小林さん（Gt&Voの小林祐介）が、「最近カッコいいと思っているバンドを挙げる」という企画でNikoんの名前を出していたんですよね。それで聴いたのがきっかけで、これはカッコいいなと。たしか1年ほど前のことでした。初めて行ったライブは2025年1月のCLUB QUATTRO（渋谷）です。 ーどの辺りがカッコいいと感じたんですか? 最初に聴いた曲が「step by step」なんですけど、まずイントロがヤバすぎて食らっちゃったんです。オオスカさんの声がカッコいいし、ギターもすごくて。個人的には小林さん（THE NOVEMBERS）の声にもちょっと似ているような気がして、どんどん他の曲を聴いていったんです。当時はまだサブスクでNikoんが聴けたので。 ーNikoんで1番好きな曲は「step by step」? やっぱりそうですね。イントロが流れたらめっちゃアガります。1stアルバムだと「ghost」も好きです。 ー2ndアルバム『fragile Report』を聴いた感想を率直にどうぞ。 めっちゃ好きです。特に「靴」がいいです。ペヤングさん（マナミオーガキ）とオオスカさんが各々に乗せている歌詞がすごくよくて、そのコントラストがめっちゃカッコいいと思いました。前作とも全然違うし、よりストイックになっているように感じます。まさに新しいNikoんが見れたという感じです。ペヤングさんが書いている歌詞が実に人間的というか。血の通った人間が書いている温かみが読み取れましたし、曲にも灯りが増えたように感じました。 ーNikoんのサウンドはどういうところが魅力的だと思いますか? 僕は趣味でギターを弾いていて、最近は友人とバンドを組んでコピーをやったりしているので、よく感じるんですけど、ギターの表現力がすごいです。鋭利な感じがするというか。エフェクターの使い方も上手ですよね。機材紹介をしているnoteも読んだんですが、マルチエフェクターに入っている音を使っているだけ、と書いてあって『ウソだ、どういうこと?』ってなりました（笑）。あと、サウンドだけではなく、MVも最初から全部カッコいいのが好きです。絵作りがめっちゃ綺麗だと思います。映像制作の仕事もしていたのでカラコレとか気になっちゃうんですけど、色も整っていて作品全体を通して統一感もあるし、そういう点もNikoんの魅力だと思います。いつか一緒に仕事ができたら嬉しいので、お願いします!（笑）。

ーNikoんの活動で特に好きだと思ったところは? とあるライブのMCでビラ配りのことを話していたんですが、話している内容と行動が一貫していて、すごく筋が通っていてエラいなと思ったんですよね。それで、Nikoんについていこうと思いました。草の根活動じゃないですけど、SNSで発信するだけではなく、地道に自分の足を使ってドロくさくやっていこうとするのって、逆に今の時代にはないことじゃないですか。SNS時代の中でアナログ的な活動をするというか、人との繋がりを大事にしつつ、そこに感情を乗せるという姿勢はすごく信頼できると思いました。ライブハウスにおいても、とにかく楽しい場を作ることに徹底してスピーディに行動していますよねん。最近、そんなバンド見たことがないですもん。 ーNikoんを知らない人に薦める時、「こんなバンドが好きな人にはオススメ!」という言い方をするとしたら、どう伝えますか? Nikoんにしかない個性があるバンドなので言い方が難しいんですけど、個人的には凛として時雨が好きな人には響くんじゃないかなと。3人組であるという点、ルーツがパッとわからない点などが共通しているというか。1stアルバムの好きな曲で「mouton」という曲があるんですけど、その曲にちょっと時雨っぽさを感じたんです。だから、あのTKサウンドを荒々しくした感じの音が聴けるバンドだぞ、とか。そういう薦め方をするかもしれません。 ーぶっちゃけた話、Nikoんは凛として時雨のように売れていくと思いますか? これまで、時雨の継承者っていなかったと思うんですけど、そういう存在になっていきそうだなと思います。売れる売れないっていうのは難しいし、よくわからないですけど、規模感はもっと大きくなっていくと思います。それに、長く続けていくことで、海外でも評価される日本のバンドっていう感じの存在になっていくんじゃないかと思うんですよ。 ーNikoんにやってほしいことはありますか? 2ndアルバムの曲はキャッチーなものも多いですし、アニメのエンディングになってもおかしくないと思うんですよね。というか、やってほしいです。「靴」や「nai-わ」とかはNHK Eテレの土曜夕方にやっていたアニメのエンディングテーマ感があるというか。ちょっと寂しい感じもありつつ明るい未来が見たいんだよな、みたいな。その感じが超好きです。

ーお仕事はどんなことをしているんですか? 会社員として映像を作ったりイベントを企画運営したりする部署にいます。 ーでは、Nikoんとイベントをやるとしたらどういうことをやりたいと思いますか? チャリティ系のイベントなんか面白そうだと思いましたね。福祉に関連することであったり、若者がそっちの方面に興味が持てるような内容だったらいいのかもと。オオスカさんが子供たちと花火していたりとか。洗練されたオシャレな企画というより、そういう人間と触れ合いを感じさせるものの方が意外と見たいかもって思いました。 ーNikoんのメンバーに伝えたいことは? 下北沢のビラ配りの時にもらいにいった時、「どこにいるのかわからない」ってポストしたらすぐに反応してくれたり、実際に会った時に話をしてくれて、ギターにサインしてくれたりしたんですけど、その人間的な温かみや大人のカッコよさに惹かれます。今やっていることをずっと続けてさえもらえれば、僕らはずっと尊敬し続けるし、信じ続けるし、めっちゃ売れることはなかったとしても、一生Nikoんについていきます。

渋谷PARCO「PARCO MUSEUM TOKYO」にて2025年12月26日から開催する、岩盤／GAN-BAN 25周年記念特別展「TIME CAPSULE 2025：A FUJI ROCK Odyssey」。フジロックとともに歩み、音楽ファンの記憶を更新し続けてきたオフィシャルショップ＜岩盤／GAN-BAN＞の25年と、“音と記憶”を辿る体験型展示として注目を集める本展では、展示を抜けた先に、会場限定のスペシャルミュージアムショップが登場予定。 展示体験の余韻とともに楽しめるミュージアムショップでは、フジロックの記憶を“持ち帰る”ための特別なラインナップが展開される。

本展は、フジロックフェスティバルとともに歩み、音の磁場を築いてきたオフィシャルショップ＜岩盤／GAN-BAN＞の25周年を記念した特別展。展示は、キュレーター／アートディレクター・半田淳也氏のもと構成され、会場は3つの展示室で展開。映像、音響、グラフィック、立体作品など多様な表現が交錯し、フジロックと岩盤／GAN-BANが積み重ねてきた時間と記憶を、空間全体で体験できる内容となっている。

また本展覧会の音響演出は、「GAN-BAN NIGHT」を象徴するDJ／プロデューサー／ミュージシャンのSUGIURUMN氏が担当。彼がメンバーとして活動するTHE ALEXXは、約4年半ぶりとなるニューシングル「Beautiful Surrender」を「岩盤／GAN-BAN」25周年記念シングルとしてリリース。本楽曲は、ミックスをzAk氏、マスタリングを砂原良徳氏が手がけ、アートワークは本展のキュレーターでもある半田淳也氏が担当。本展のテーマソングとも言える1曲となっている。 THE ALEXX「Beautiful Surrender – 2025 FUJI ROCK Odyssey Edition –」

展示空間を巡り終えた来場者を迎えるのは、本展の世界観を引き継ぐ会場限定のミュージアムショップ。 伝説として語り継がれる、フジロック史上唯一の東京開催「フジロック’98」の秘蔵写真をプリントした、ブランキー・ジェット・シティ、ミッシェル・ガン・エレファントの超レアなスペシャルコラボTシャツをそれぞれ発売する。 また、＜岩盤／GAN-BAN＞25周年を記念したオリジナルアイテムも登場し、Tシャツ、ロングTシャツ、キーホルダー、ポスター、トートバッグなど、アニバーサリーイヤーならではのラインナップが揃う。

岩盤25周年を記念したこれらのアイテムは、展覧会終了後、2週間のみオンラインで受注販売も予定だが、いち早く手に入れられるのは本特別展のミュージアムショップのみ。 岩盤／GAN-BAN 25周年記念 オリジナルグッズ受注サイト受付期間：2026/1/13(火)正午12:00-1/25(日)23:59 発送予定：2026年3月上旬より順次発送予定 詳細はこちら

さらに会場では、有名ブランドが集う「FUJI ROCK COLLECTION」の2018年から2025年までのラインナップを、本展限定のスペシャルプライスで展開する。各アイテムはいずれも数量限定となるため、この機会に特別な一品との出会いを楽しみたい。 FUJI ROCK COLLECTION: DESIGN PARTNERS 2018 SEASON：TAKAHIROMIYASHITATheSoloist. 2019 SEASON：Yosuke Aizawa (White Mountaineering) 2021 SEASON：Takayuki Fujii (nonnative) 2022 SEASON：SOPH. 2024 SEASON：N.HOOLYWOOD 2025 SEASON：MHL. 特典として来場者には、「フジロック」の生みの親・日高正博氏がフェス誕生から現在に至るまでを語った「富士祭電子瓦版」の貴重なインタビューを再録した、フジロックファン必読のタブロイドペーパーを無料配布。展示とともにフジロックの時間軸をより深く辿ることができる。

展示で呼び起こされたフジロックの記憶は、ミュージアムショップでかたちとして残すことができる。会場限定のアイテムは、ぜひ現地で手に取ってほしい。

フジロックとともに歩み、音楽ファンの記憶を更新し続けてきたオフィシャルショップ＜岩盤／GAN-BAN＞が、25周年という大きな節目を迎える。そのアニバーサリーを祝う特別展を渋谷PARCO『PARCO MUSEUM TOKYO』にて開催される。 岩盤は長年にわたり、フジロック・フェスティバルのオフィシャルグッズ制作や、フジロック・ファンに長年愛されてきた＜GAN-BAN SQUARE＞ステージのプロデュースなど、フェスに関わるさまざまな側面を形づくってきた存在。そんな岩盤が積み重ねてきた時間と、フジロックの歴史が交差する本展には、さまざまなキュレーター／アーティストも参加している。フジロックを知ってる人も、まだ知らない人も楽しめる特別な体験型展示となっている。

日本の音楽フェスの源流、FUJI ROCK FESTIVAL。 自然と音楽の共生を目指す、日本最大級の野外ロックフェスティバル。その歩みとともに、音の磁場を築いてきたオフィシャルショップ「岩盤/GAN-BAN」が、25周年を記念して特別展を開催。 “音の記憶”が眠る新潟県・苗場ノ森から、タイムカプセルを発掘。 その残響を、冬の東京・渋谷PARCOで甦らせる。 時間とモノが交錯する空間へようこそ。 これは、ただの展示ではない。 あなたの中の記憶の風景が呼び覚まされる、時空を超えたフジロック遭遇体験。

展覧会のロゴは、NASAのボイジャー探査機に搭載された「ゴールデンレコード」に着想を得たもの。左のカプセルは映像データの走査線、右のカプセルは音声波形を象徴しています。デザインを手がけたのは、展覧会キュレーター/アートディレクター・半田淳也氏。

展示の導入となるこの部屋では、初代GAN-BAN NIGHTのVJでもある映像監督・関和亮氏による作品が、タイムカプセルの世界へと来場者を引き込みます。映像は、静かに、しかし確かに、記憶の奥にある、あの“夏への扉”を開いてゆきます。

ここは、まさにタイムカプセルの内部。 過去に向かって遡っていく電車に導かれた空間には、フジロックの歴史的な写真をプリントしたTシャツ（非売品）232枚と膨大な数のフジロック・オフィシャルグッズが、まるで“記憶の部屋”のように展示されています。 来場者がすべての写真や展示物を見つけるには、部屋中を（ウンザリするほど）“探査”し、“探索”する必要があります。

幾層にも積み重ねられたフジロックの記憶。 美術作家・松本千広氏の手によって、乱雑で非現実的に“モノ”が配置され、それは一つの舞台背景であり、まるで映像の一場面のよう。 その中には、フジロックのメインビジュアルを手がけるグラフィックデザイナー・渡辺明日香氏のデザインや、GAN-BAN SQUAREのVJを担当しているビデオチーム・最後の手段の映像が散りばめられています。 音の記憶をさらに呼び覚ます音響演出は、＜GAN-BAN NIGHT＞を象徴するDJ/プロデューサー/ミュージシャン・SUGIURUMN氏が担当。彼がメンバーとして活躍するTHE ALEXXの約4年半ぶりにリリースされたニューシングル「Beautiful Surrender」は、岩盤GAN-BAN25周年記念シングルとして制作され、まさに周年を祝うテーマソングとも言える１曲です。

ここでまず出迎えるのは、岩盤/GAN-BANの初代店長であり、現代美術家として活躍するShohei Takasaki氏によるキャンバスコラージュ作品。GAN-BAN NIGHTのフライヤーや、これまでに制作されたTシャツが層をなして重なり合い、“岩盤／GAN-BANの時間の過去と未来”が一枚の作品として凝縮されています。 その向かいには、フジロック2025で公開された本展覧会のティザーを制作したグラフィックデザイナー・Kamikene氏による音波のインスタレーション作品が設置されます。 展示の最後は、最後の手段が手がける、時空を越えるような映像作品が。現代のフジロックから未来に向けての展望を想起させる作品です。

展示を抜けた先には、この展覧会限定のスペシャルミュージアムショップが登場。 2025年のフジロック・オレンジエコーにて、橋の下世界音楽祭チームと共に木工のステージを制作したZERO ACTION ARCHITECTによるアーチ状のオブジェが空間を彩ります。 ここでは、本展オリジナルグッズに加え、共に後の伝説としてそのステージを目撃した人たちの語りぐさとなったフジロック’98のステージがプリントされたブランキー・ジェット・シティ、ミッシェル・ガン・エレファントとのスペシャルコラボTシャツが発売されます。さらには有名ブランドが集うフジロックコレクションの2018年から2025年までのラインナップを、本展限定のスペシャルプライスでご紹介します。各アイテムは数量限定のため、ぜひこの機会に特別なアイテムをお楽しみください。

スペシャルミュージアムショップで販売されるどの商品も、フジロックをモチーフに過去と現在をつなぐデザインとなっていますので、本展を象徴する『作品』としてもお楽しみ下さい。 岩盤25周年だからこそ実現した、フジロックの“記憶”を掘り起こす特別展。 苗場で過ごしたあの夏の感触を思い出す人も、まだ知らないフジロックの奥行きに触れる人も、きっとそれぞれの時間と出会えるはず！ この冬、『PARCO MUSEUM TOKYO』で、音楽と記憶が交差する体験を。

多様化したストリーミング時代の音楽の聴き方

『JOJO』に込めたのは、熱っぽいセクシーさ

━━お二人とも、ZINさんの言う「エロさ」を共有できている感覚はあったんですか？ grooveman Spot：ZINくんからはもう常にエロさが出てるよね。 Kzyboost：はい（笑）。それだけじゃなくて、悲しみとか哀愁みたいなブルージーさも感じるんですよね。儚さもあるし、一言では言い表せないような人間臭さを感じます。それを醸し出せているアーティストがいちばんかっこいいと思います。 grooveman Spot：弱みを出せる感じというかね。 ZIN：今回お願いしたプロデューサーの皆さんそうですけど、ちゃんと人間的な部分も共有できてる人たちなんですよ。そういう人たちと一緒に作品をつくりたいっていう想いは変わってないですね。 ━━お二方の曲はEPの1曲目と締めの曲になっていますよね。この構成にしたのは、どういう意図があったんでしょうか？ ZIN：あんまり考えずに並べて、いちばん気持ちいい順番にしました。新曲2曲（“Say So”、“In The End”）以外はシングルでリリースした順番なんですよ。構成を考えるときに、めちゃくちゃ影響を受けてるなって思うのはエリカ・バドゥ（Erykah Badu）の『MAMA'S GUN』。あれは本当に頭から順番に聞いたら完璧な流れですよね。曲の寄せ集めじゃないっていうか。 Erykah Badu - Didn't Cha Know

grooveman Spot：アルバムが1つのストーリーになってるよね。 ZIN：『JOJO』に関しては4曲をシングルで出してて、“In The End”はリードトラックとしてサブミットしたり、プレイリストに入れてもらったりしてたけど、Aru-2と作った“Say So”だけそういう手続きはしてないから、やっぱり自然と聴かれにくくなるじゃないですか。聴いてもらえるように1曲目にしようかなとも考えたんですけど、そうじゃないよなって。 ━━お二方も通しで聴かれたと思いますが、どんな印象でしたか？ grooveman Spot：流れで聴いてると、もっと聴きたいと思いましたね。ぞくぞくが止まらない状態で、あと3曲ぐらい続いたらなって。 Kzyboost：いざ流れで聴いてみたら結構自分の曲と最後の曲が好きやなって感じました。いいまとまりがあるというか。あとはフィーチャリングで1人だけ入ってるのが、Kojoeさんなのはすごいと思いますね。 grooveman Spot：そういうところだと思うんですよね。「ZINくんってどういう人なんだろう」ってもっと謎にさせられるじゃないですか。実験的な感じもするし、アプローチが綺麗にまとまってないようにも見えるし。そういう不完全さにやっつけられる人もたくさんいると思います。

ライブで滲み出る、不完全な人間らしさ

━━身近な人たち以外の楽曲に対して、人間臭さを感じる瞬間はありますか？ Kzyboost：ライブを見た時かな。もちろん音源を聴いてかっこいいと思うものもあるんですけど、ライブで印象が変わることは多いですね。特にR&Bの人たち。ディアンジェロもそうですけど、ライブになったらめちゃくちゃファンキーじゃないですか。そういうアレンジを見て、「うわっ！」って惹き込まれる時もあります。 D'Angelo - 'Untitled (How Does It Feel)' [HD] | North Sea Jazz (2012)

grooveman Spot：逆に音源で食らったのはハイエイタス・カイヨーテ（Hiatus Kaiyote）。変わった音楽をいっぱいミックスしてて、DJでかけづらいところもあるからちょっと敬遠してたんだけど、いざしっかり聴いてみたらやべえなって。まだライブは見れてないんですけど、見た人たちはみんなすごいって言いますよ。 Hiatus Kaiyote - Live at The Evelyn Melbourne

━━ライブを見た瞬間に180°印象変わったとか、音源も好きだったけどもっと好きになったっていうアーティストはいますか？ ZIN：僕はリアン・ラハヴァス（Lianne La Havas）とか、ドゥウェレ（Dwele）かな。サラッとした感じのライブなのかなと思ったら、めっちゃエンターテイナーな感じがして。あとはアンソニー・ハミルトン（Anthony Hamilton）もめちゃくちゃライブ力がありましたね。 Lianne La Havas: NPR Music Tiny Desk Concert

Kzyboost：僕はビルボードライブで見たレヴィン・カリ（Leven Kali）。普段結構しっとり歌ってるのかなって思ったら、「多分マイケルが好きなんやろうな」って思うぐらいエネルギッシュな感じがしましたね。余計好きになったのはレイラ・ハサウェイ（Lalah Hathaway）ですかね。 grooveman Spot：マック・エアーズ（Mac Ayres）もいいよね。 ZIN：ジェイコブ・コリアー（Jacob Collier）もそんなイメージあるな。 Kzyboost：こう聞くと、みんな「音楽やってる」って感じするよね。歌を歌いに来てるとかじゃなくて、その人自身が出てる感じがすごい。 grooveman Spot：そんなにライブを観れてないんですが、日本のアーティストだと、めちゃくちゃ歌がうまいなと思う人はたくさんいます。aimiちゃんやBaneちゃんとかピッチ感とても良いし、Hanah Springなんてとんでもない歌唱力だし。 Kzyboost：シンガーは難しいな。 ZIN：ラッパーは？ Kzyboost：ジェイ（JJJ）くんのライブはめっちゃ好き。 ZIN：田我流さんもやばかった。ライブの人って感じでした。 grooveman Spot：ザ・人間だし、飛ばされるよね、あれを見ると。 JJJ - Eye Splice (Live at POP YOURS 2023)

田我流 - センチメンタル・ジャーニー from「OLD ROOKIE at 日比谷公園大音楽堂」

━━僕はZINさんのライブも結構やばいなと思っちゃいます。 grooveman Spot：なんか当たり前になっちゃって出てきませんでした、すみません（笑）。 ━━（笑）。お二方はZINさんのライブのどういうところに人間臭さを感じますか？ grooveman Spot：MCのトークが可愛い。 一同：（笑）。 grooveman Spot：もうZINくんなんですよ、全部。歌ももちろんそうだし。昔のシャーデー（Sade）のライブを見てる感じがするよ。 ZIN：それは言い過ぎじゃない？（笑） grooveman Spot：めちゃくちゃシンプルな最初期のライブを収めたVHSがあって。それの何がいいかって、本当にすごくシンプルなんですよ。トークもほとんどしないし、本当にクールにやっていく感じなの。それがすごくセクシーで。ZINくんのライブも同じように感じるのよ。今年何回かバックDJもやらせてもらってますけど、同じような空気感をまとってましたね。 Kzyboost：僕も一緒にライブに出ることもあるし、端から見ることもあるけど、ZINくんのバンドセットは「ずっと見ていたい」って思いますね。でもいつも見ると、良すぎるから凹むんですよ。どんどんブラッシュアップされている感じがするし。 ZIN：僕嘘っぽいのが嫌で。自分で見てても嫌やし、自分がステージに立つ上で「うさんくさいこと言ってんな」って思われるようなことは絶対したくないというか。もちろん魅せ方はこだわってはいるけど、パフォーマンスで繕うということはしたくないんです。飾らない姿で魅せてくれるアーティストに僕自身も惹かれますし、僕もそういう姿を見てほしいと思っています。 ZIN - If I lose (Live from "CURVE TOUR 2023 FINAL" at WWWX)

PROFILE

ZIN

福岡県生まれ。18歳より大阪を拠点にシンガーソングライターとしてのキャリアをスタートさせる。R&B/SOULを軸に、そのスタイルは時に優しく、時にダイナミックに人間の深層を浮かび上がらせるような独自のサウンドを追求している。痺れるような低音の深みと、透き通るような高音の両方を併せ持つ歌声はまさに唯一無二である。　ソングライティングに定評があり、様々なアーティストとのコラボレーションや楽曲提供も行う。2015年からおよそ3年半のNew York留学へ留学。滞在中、全米最大級のゴスペルフェス「McDonald’s Gospelfest」のソロ男性ボーカリスト部門ファイナリストに選出される。帰国後、東京を拠点に精力的にシングルやEPのリリースやライブ活動を行う。2022年自身のワンマンライブでは渋谷WWWをSOLD OUT。2023年9月にはフルアルバム「CURVE」をリリースし業界内外でも高い評価を得た。同アルバムのリリースツアーも全国4箇所で行われ、ファイナルの渋谷WWWXはSOLD OUTし、2024年1月にはBillboard live YOKOHAMAでの追加公演、サマーソニック2024、りんご音楽祭2025、Billboard live Tourを行うなど、今注目の集まるアーティストである。また関西を中心に活動するアーティストコレクティブ「Soulflex」の一員としても活動中。

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Kzyboost

1989 年生まれ、大阪出身。トラックメーカー／トークボクサーであるとともに、平日は会社員として某メーカーで勤務する。 grooveman Spot や Aru-2、JJJ、Kojoe、ZIN、Kaneee など、国内屈指の様々なアーティストの作品に参加。G-Funk や R&B、ネオソウルを得意とし、幅広いジャンルの楽曲を制作する。繊細で表現力豊か、かつグルーヴィーなトークボックス＆キーボードのプレイは必見。 2023 年に EP『Too Wise』をリリース。2024 年には全国ツアー「Daichi Yamamoto Radiant Release Tour "Watch Your Step 2024"」のサポートメンバー、そしてフロントアクトとしても会場を大いに沸かせたことは記憶に新しい。

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grooveman Spot

1993年からのClub DJキャリアを持ち世界が注目するビートメイカー/プロデューサー。JazzySportの最重要選手。 ヒップホップは勿論のことソウル、ファンク、ジャズ、ハウス、テクノ、果ては和物シティポップなど育んできた音楽的経験をターンテーブルから発信し、自身の作品にも落とし込む。 ヒップホップ小僧は雑食型に進化。様々なジャンルをDJに表現する。 2020年4月自主レーベル「Scotoma Music」を立ち上げ2021.8月「LUV 4 ME」をリリース。 そして2023年7月、ヴォーカルアルバムとしては13年ぶりのNew Album「Lie-Sense」をリリースし国内外DJツアー中！

grooveman Spot WorksInstagramX

RELEASE INFORMATION

JOJO

2025.10.22（水） 1.超えてゆく (Prod by Kzyboost) 2.Everytime I feat.Kojoe (Prod by FKD) 3.Distortion (Prod by 1Co.INR) 4.Moegara (Prod by ji2kia) 5.Say so (Prod by Aru-2) 6.In The End (Prod by grooveman Spot) 配信リンクはこちら

EVENT INFORMATION

ZIN “JOJO” RELEASE BILLBOARD LIVE TOUR

2025.11.08（土） @Billboard Live OSAKA Open / Start 1st stage open 15:30 start 16:30 / 2nd stage open 18:30 start 19:30 Price BOXシート: ￥17,100 (2) S指定席: ￥8,000 (1) R指定席: ￥6,900 (1) カジュアル: ￥6,400 (1) 2025.11.14（金）@ Billboard Live YOKOHAMA Open / Start 1st stage open 17:00 start 18:00 / 2nd stage open 20:00 start 21:00 Price DXシート カウンター: ￥8,000 (3) S指定席: ￥8,000 (3) R指定席: ￥6,900 (2) カジュアル センターシート: ￥7,500 (3) カジュアル サイドシート: ￥6,400 (2)

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砂原良徳、LEO今井、白根賢一、永井聖一からなる4人組バンド・TESTSET。2023年発表の1stアルバム『1STST』、2024年の2ndEP『EP2 TSTST』を経て辿り着いた2ndフルアルバム『ALL HAZE […]

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砂原良徳、LEO今井、白根賢一、永井聖一からなる4人組バンド・TESTSET。2023年発表の1stアルバム『1STST』、2024年の2ndEP『EP2 TSTST』を経て辿り着いた2ndフルアルバム『ALL HAZE』は、音数を整理し、よりシンプルな構造の中に個々のパーソナリティをにじませることに挑んだ意欲作となった。タイトルが示す“HAZE＝霞”のイメージの通り、メンバーそれぞれのアイデアが滲み合い、絡み合うことで立ち上がるサウンドは、バンドとしての成熟と実験精神の両立を印象づける。制作プロセスやレコーディングについて、メンバー全員に聞いた。

INTERVIEW TESTSET

──今作『ALL HAZE』はどんな作品にしようと考えていたのでしょうか。

砂原　最初から明確なテーマを決めていたわけではないですね。EP、ファースト、さらにもう1本EPを出す中でライブも重ね、メンバーそれぞれに変化があった。その延長線上で自然と制作に入ったという感じです。

今井　前作と比べると、音数を減らそうという意図はありました。オーバーダブなど“余分なもの”をもっと排除して、それぞれのパートをよりくっきり見せる。結果としてバンドとしての一体感がより強く伝わるようになったと思います。

──タイトルの『ALL HAZE』は、どんなイメージから名付けられたのですか？

今井　4人それぞれの要素が霧のように溶け合い、混じり合っていく──そんなイメージを込めました。音はシンプルに整理されていても、個々のパーソナリティがにじむように存在している。それが“HAZE＝霞”という言葉に象徴されていますし、アルバムのアートワークともつながっています。

──音数は整理されているけど、制作面では4人のパーソナリティが滲み合うような……。

今井　そうです。今回は曲作りの過程でも、お互いの出す曲にもっと踏み込んだり、新しい組み合わせで取り組んだりと、より複雑に絡み合った感じがありますね。

砂原　当初は僕とLEOくんが中心メンバーで、他の2人はサポート的なスタンスに見える場面はあったかもしれません。でも実際には最初から4人で「バンド」としてやっていますし、今作では完全にイーブンな立場でやれている気がしますね。

──以前のインタビューで砂原さんは、「ロックとテクノを融合させる上でファンクが機能した」とおっしゃっていました。そうした感覚は今作でもありましたか？

砂原　うーん、確かにバンドを結成した当初は「ロックとテクノの融合」や「ファンク」みたいなワードを出して方向性を確認していました。でも今は、そういうふうに言葉で共有する必要はほとんどないですね。「4人でやればこういう音になる」という感覚が、言語化以前に共有できているというか。そういう意味では極端に「違う」曲が出てくることもないし、ジャンルで確認する段階はもう過ぎたと思います。結果的に「ロックとテクノの融合」や「ファンク」をやっていたとしても。

白根　さっきLEOくんが言ったように、今回は最初に出した曲のアイデアにみんながどんどんコミットして混ざっていく感じが強かったんです。たとえば「Dry Action Pump」は、僕が最初にアイデアを持ち込んだのですが、そこからどんどん変化して熟成・発酵し、最終的には大豆が納豆や味噌になるように（笑）、全く別の形に変化していった。そういう変化は以前より多くなりましたね。

永井　ただ、曲自体は前からあったものも多く、「Rabbit Hole」や「Dry Action Pump」あたりは去年の時点で存在していました。制作を進めるうちにアルバムのコンセプトが見えてきて、それに合うなら既存のデモも採用する。そういう形だったのでストックはあるし、「なけなしの9曲を詰め込んだ」という感じではなかったんですよ。プロセス自体は今後もこのやり方で進むんじゃないかと思います。あと、僕は歌う曲が増えました（笑）。

──確かに、声の多層性が増して、バンドらしさがより強まった印象です。

砂原　僕以外の3人が歌ってますからね。

今井　曲によっては、以前は私が9割くらい歌っていたものが、今回は7:3くらいに分散されていて。コーラスも増えましたし、その分立体感が自然に出ていると思います。白根さんも今回は歌っていますし。

白根　メインじゃないですけどね。それに、砂原さんも歌えることがわかったから次は……。

砂原　いやいや、僕は歌わないですよ、歌えないし（笑）。

白根　でも電気グルーヴのときに「歌えるんだな」と思いましたよ。「ママケーキ」で。

砂原　あれは歌じゃなくてセリフです（笑）。

──シングルカットされた2曲目の「Vapour Cream」は、中でも特にミクスチャー要素が強い曲ですよね。

砂原　これはアルバムの中では最後にできた曲です。僕はどんなプロジェクトでも基本的に“後出し派”で、後から出すことで全体を調整したいという意図があるのですが、今回なかなかいいモチーフが出てこなくて。後になればなるほど“アルバム全体の中の一曲”としての的がどんどん狭まっていくじゃないですか。

プロセスとしては、僕がまず土台を作り、それをLEOくんに渡したり、永井くんにギターをお願いしたりして仕上げていきました。ドラムはこの曲のために新録したわけではなく、もともとバラで録ってあった素材や使っていなかった音源を再構築して組み合わせてます。永井くんのギターはこの曲では割とミニマルで、シンセ的なアプローチですよね。“ギターっぽくない音をギターで出す”という機会はこれまでなかったので、新鮮でした。

永井　あれはミッシング・パーソンズですね。オクターバーやワーミーを使うアプローチは昔から自分の中にあって、ある意味“遺伝子”のようなものなんです。最初にインストのデモトラックを聴いた時点でそのアイデアがすぐ浮かんだし、やることもすぐ決まったぶん手離れも良かった曲ですね。

──今井さんのスキャットも、ちょっと“ケチャ”みたいで強く印象に残りました。

今井　おっしゃる通り、あれはケチャがモチーフです。歌詞を書こうと思ってこの曲のイメージについて砂原さんに聞いたところ、「積乱雲」というキーワードが出てきた。そこからイメージを広げていきました。積乱雲って、生クリームのようにも見えるじゃないですか。蒸気がクリーム状になって、空に広がっていくようなイメージ……それが私の中でなぜか“ケチャともリンクして（笑）。バリの空、特にモンスーンの時期の空気感とも重なっていったのかもしれない。つまりこの曲は“天気の移ろい”を歌っているんです。この世のすべてはアップダウンでできている──そういう感覚を表現しています。

──「無常」といいますか。

砂原　そう。アルバムを作っているときに「無常」というキーワードも出ましたね。タイトルとして「ヘイズ（霞）」が最初に決まって、それに関連するテーマを探していたときに「無常」に行き着いた。何を考えても結局は無常に帰結する……という感覚ですね。

──そういえばCorneliusにも「無常の世界」という曲があります。形あるものはいつか消えてなくなる……そんな「無常感」を、歳を重ねていく中でより強く感じますか？

砂原　もちろん、人生経験の中でそう感じる部分もありますが、それだけではなく物理的なレベルでも「無常」は避けて通れない。小学生のときに宇宙の始まり、ビッグバンで空間が生まれた……みたいなことを考えていて。その時点では 「無常」という言葉を知らなかったとしても、それと同じことを考えていたわけです。人間は、生きていれば自然とそういうことに向き合わざるを得ないのかなと思いますね。

──「Neuromancer」はどのように作られた曲ですか？

永井　“Neuromancer”という響きがまず浮かび、そこから肉付けしていった感じです。ちょっと80年代寄りのポップロック的なアイデアが。自然発生的に出てきたのも大きかったと思います。

今井　確か、アルバムの中に鋭いギターで始まる曲があるといいねみたいな話を4人でしていて。永井くんが最後に出してきたデモがこれでした。

永井　僕自身クイーンが好きで。彼らって4人とも曲を書くじゃないですか。で、それぞれの曲の始まりが、そのメンバーのパートになっていることが多いんですよ。

砂原　え、そうなの？

永井　そう。たとえばギターで始まる曲はブライアン・メイ、ドラムで始まる曲はロジャー・テイラー、ボーカルで始まる曲はもちろんフレディ、みたいに。今回、自分の中でそれを少し意識して持ち込もうとしたんです。結果的にシンセ始まりにはなったのですが（笑）。

──そしてタイトル曲の「ALL HAZE」。とてもメランコリックで、美しいメロディラインが印象的でした。

白根　これは僕が出したデモがもとになっていて、これまであまりなかったタイプの曲になりました。歌もの寄りで、ハーモニーもあって、二声、三声で歌う部分もある。バンドのカラーからは一番遠い楽曲だったんですけど、「こういうのを投げてみたらどうなるかな？」と。結果的にこの位置に収まったのがちょうどよかったと思います。

今井　デザートみたいな存在の曲ですね。ちゃんとしたコースメニューの最後にデザートが出て……でもその後にちょっとしょっぱいものが来る、みたいな。ディナーの締めとしてのバランスです。

白根　アルバムはディナーと同じ、ということですね。

今井　そういうことです。

──そういえば、ファーストでは「夜から朝にかけて」という時間の流れが意識されていました。

砂原　今回は具体的なテーマがあったわけではないのですが、それでもアルバム全体に流れるストーリーのようなものは自然と浮かび上がりましたね。

永井　僕は90年代にCDで育った世代なので、「頭3曲で掴まれるかどうか？」みたいな感覚が強いんですよ。バイト代を貯めて買ったCDを、最初の3曲で「これは当たりだ」と思えると本当に嬉しかった。今回のアルバムもそういう作品になっていたらいいなと思います。

──確かに、序盤で引き込み中盤はディープに、そして終盤はメランコリックに……という流れがありますよね。

永井　そうそう。そして最後に「Initiation」で締めることで、また「Dry Action Pump」に戻るような循環を意識しました。

──アンビエント寄りのインスト「Initiation」で終わることによって、循環性を持たせると同時に次作への“予告編”のようにも感じます。

永井　まさにそうです。この曲に副題をつけるとすれば「to be continued…」という感覚ですね。

──歌詞についてはいかがでしょう。今井さんは前作と比べて、社会への懐疑や風刺のような視点が強まった印象があります。例えば「Dry Action Pump」は、SNS社会や匿名性、現代的なアイデンティティの希薄化といったテーマを連想しました。

今井　確かにそういう解釈もできますね。この曲は、デモを聴いたときにジャーマン系のアンダーグラウンドなボンデージクラブの映像が浮かんだんですよ。たとえばインダストリアルなビートの感じとか。実際にそういう場所に行ったわけではなく、映画とかで観たイメージですけどね（笑）。歌詞のモチーフは、そんなふうに特定の映像──そのとき観ていたニュースやドラマから来ることも多いです。ちなみに「Deleter」は、死神が近づいてくるようなイメージで書きました。終わりは必ずやってくるけれど、それにどうしても抗いたい。そういう感覚を歌った曲です。

──今井さんと永井さんが歌詞を書いた「Rabbit Hole」は？

今井　これも、ある意味「Dry Action Pump」と似ているかもしれません。「俺を助けてくれ！」という叫びですね。

永井　え？そうなの？（笑）。この曲は最初に僕が書いて、途中からLEOくんにパスして二人で組み立てたんですよ。僕の場合、どうしてもSFか内省か、その二択から始まることが多いのですが、「Rabbit Hole」は完全に内省寄り。自分の心の奥を書いたものです。「本来はこういう人間です」っていう。

今井　「ラビットホールにハマる」って、本来はネガティブな意味合いが強いですよね。思考が堂々巡りしてダウナーに依存していくような。

永井　そうそう。でも僕の場合は、実際に飼っているウサギとも重なっているんです。家にフレミッシュ・ジャイアントっていう大型のウサギがいて、体重5キロ以上、中型犬みたいなんですよ（と言って、写真を見せる）。

砂原　え、前に見せてもらったより大きくなってない？

白根　ほんとだ、ちょっと羊みたい。

永井　そうなんですよ、なので最近ラム肉が食べられなくなっちゃって（笑）。「Rabbit Hole」って言葉は、スラング的には悪循環やバッドトリップを意味するけど、僕にとっては「ウサギとの生活」という日常ともリンクしてるんです。ずっと前からあった曲なんですが、今回ようやく形にできました。

──全体的に、今回特にチャレンジした部分や、新しく試みたことはありましたか？

砂原　そもそも「存在しなかった曲を作る」という時点で、新しいことをやっているわけですからね（笑）。手法そのものは特別変えていないんですが、意識としては、音数を整理して減らすというのはありました。それは変化でもあり、自分たちにとっては新しい試みとも言えると思います。とにかく「変化してきている」という実感はあります。

永井　僕は「今の機材じゃ物足りない」と思うとすぐ新しい機材を買ってしまう。なので毎回赤字なんですよ（笑）。だいたいミュージシャンってそういうものかもしれないですけど。「新しい音が欲しい」と思ったら機材を変える。その瞬間にインスピレーションが変わって、アプローチそのものが変わるんです。

砂原　細かいところで言うと、以前はコンピューターで音を作って「どれだけクリーンにするか」を重視していました。でもここ数年で「やっと理想のクリーンな音が出せる」と思ったら、今度は逆に「汚したい」という気持ちになってきて。そこで今回は、カセットテープに録音したような質感をシミュレートするプラグインをけっこう使ったんです。今まで「汚す」方向にはほとんど行っていなかったので、自分にとっても新鮮でした。

今井　なるほど、だから中域が特にサチュレーションされて心地よく飽和しているように聴こえるんですね。ライブで鳴っているTESTSETの音に、より寄り添った感覚があります。

永井　俺のギターも、そのテープシミュレーターに突っ込んでるんですか？

砂原　一部の曲ではやってますね。でもむしろ多いのは歌とシンセです。高音域の出方も変わったし、中域の飽和感も違う。ちょっと“破損している”ような質感も出せるんですよ。最近のシンセって、プラグインを立ち上げるとすごく綺麗で真っ直ぐな音が出ますよね。でもそれだと面白くない。なのであえてテープに突っ込んでレベルを変えたり、消して録り直したりして質感を作るんです。テープの種類もメタル、ノーマルなど選べるし、回転数なんかも変えられる。今回は特にシンセと歌をそういう処理で仕上げました。

──今回のアルバムが完成して、TESTSETとしては次にどんな方向に向かっていきたいと考えていますか？

永井　まだライブでやっていない曲が大半なので、どうなるかは僕ら自身もすごく楽しみですね。

砂原　さっきLEOくんが言ったように、ある意味「ライブで演奏するために作った」という側面もあるんです。まずは今回の曲をレパートリーに入れてみて、そうするとコース料理の出し方というか、演奏のバリエーションが広がる。その中で何本かライブを重ねていくうちに、また自然と次の作品が生まれていくと思います。

今井　ファーストからセカンドへの流れを考えると、今回はジャンルで言語化するよりも「自分たちの曲をリファレンスにする」感覚が強かったと思います。「これはTESTSETらしい」とか「あの曲っぽい」とか。だから次は、この新作も含めて過去の作品をデータベースにして、「もっとこういう曲が欲しい」とか「ここの要素はいらない」とか、そういう取捨選択をしていくんじゃないかなと思いますね。

白根　ライブでどう受け取ってもらえるのか、どんな人たちが足を運んでくれるのか。顔が見えるのはやはりライブですし、そこで初めてエネルギーの交換が起きる。今は時代的にも不安やモヤモヤした空気が漂っていると思うんですが、だからこそ一緒に時間を共有することが大事なんじゃないかと感じています。

──今回、3人で歌うパートも増えたので、ライブでの見え方もまた変わりそうですよね。

白根　そうですね。歌の分散が進んでいるので、そこはバンドの新しい一面になると思います。さらに今後は、砂原さんも歌うしね。

砂原　じゃあ新曲では僕がリードボーカルを（笑）。

Interview&Text：黒田隆憲 Photo：Yukitaka Amemiya

RELEASE INFORMATION

ALL HAZE

TESTSET 2025.10.22（WED） ＜Track list＞ 1. Dry Action Pump 2. Vapour Cream 3. Neuromancer 4. Enso 5. Coptic Feet 6. Deleter 7. Rabbit Hole 8. The Haze 9. Initiation 詳細はこちら

LIVE INFORMATION

‘LIVE ALL HAZE’


TESTSET (砂原良徳 × LEO今井 × 白根賢一 × 永井聖一) 2026.1.30.（FRI） EX THEATER ROPPONGI OPEN 18:00 / START 19:00 料金 ¥8,000 (1D 別) 全席指定 INFO: HOT STUFF PROMOTION: 050-5211-6077 https://www.red-hot.ne.jp 
▼先行販売情報 TESTSETオフィシャル先行予約受付（抽選）[期間: 10/22(水)20:00〜11/3(月祝)23:59] ●チケット一般発売 11月29日 先行URLはこちら

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岡山県玉野市で11月15日（土）、11月16日（日）に開催される再生可能エネルギーフェス＜Setouchi C ontemporary 2025＞の最終ラインナップが発表した。 “MUSIC FESTIVAL”と“LIFESTYLE MARKET”の2軸で構成予定の＜Setouchi C ontemporary 2025＞は、“衣・食・住・遊”の複合フェス。“MUSIC FESTIVAL”は11月15日（土）のみの開催となり、第1弾出演アーティストとして、すでに韓国のバンド SE SO NEON、SIRUP、水曜日のカンパネラ、YONA YONA WEEKENDERS、第2弾としてJeremy Quartus（Nulbarich）が発表されていた。 今回発表された最終ラインアップでは、SCANDAL、SKRYU、Ovall、中村佳穂、そしてオープニングアクトとしてJairoが追加。なお、ただいまお得な早割チケットの先行販売が受付中。多彩な顔ぶれが集まる同フェスに、旅行がてら訪れてみるのはいかがだろうか。

EVENT INFORMATION

Setouchi Contemporary 2025

MUSIC FESTIVAL

日時：11月15日（土） OPEN 10:00 START 11:00 CLOSE 19:00(予定) 場所：UNO SEASIDE PARK(岡山/宇野港) 住所：岡山県玉野市築港1丁目1−11 出演： Jeremy Quartus(Nulbarich) 中村佳穂 Ovall SE SO NEON SIRUP SKRYU 水曜日のカンパネラ YONA YONA WEEKENDERS OPENING ACT:Jairo ticket： 早割一般：¥6,800 早割グループ：¥18,600 (3枚) 早割UNDER25：¥5,000 イープラス： https://eplus.jp/setocon/ ローソンチケット： https://l-tike.com/setocon/ チケットぴあ： https://w.pia.jp/t/setocon/

LIFESTYLE MARKET

日時：11月15日（土） OPEN 10:00 11月16日（日） OPEN 10:00 場所：たまの湯(岡山宇野港) 住所：岡山県玉野市築港1丁目1−1

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神奈川県逗子出身のソウルポップアーティスト Eminataが、キャリア初となる中国でのライブ開催を発表した。 10月17日（金）に上海・ジャズリンカーンセンター、翌10月18日（土）には北京・福浪Live House 浪 […]

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神奈川県逗子出身のソウルポップアーティスト Eminataが、キャリア初となる中国でのライブ開催を発表した。 10月17日（金）に上海・ジャズリンカーンセンター、翌10月18日（土）には北京・福浪Live House 浪での公演が決定。圧倒的な歌声とエネルギーで、現地の観客を魅了するステージとなりそうだ。 今回の中国公演に先立ち、10月4日には渋谷WWWでのライブも予定。国内で新作を披露した後、その熱をそのまま海を越えて届ける。ライブでは代表曲に加え、最新アルバム『to be a bird』からの楽曲も披露される予定だ。 『to be a bird』は、新曲 “brain”、“ano kiss”をはじめとする未発表曲4曲、さらに代表曲 “Selfish”のリミックスを含む全7曲を収録。NEWLY、磯貝一樹、pedestrian、“柊人 -好きなこと”を手がけたShinnosuke Minagawaなど、多彩なクリエイターが参加し、Eminataの透明感ある世界観に新たなレイヤーを加えている。 また、収録曲 “tippy toe”のミュージックビデオも公開。中国公演への期待をさらに高める作品をぜひチェックして見てほしい。 Eminataは「初の海外ツアーは中国！エミナタ、ついに初上陸します。近いようで遠かった中国に、音楽を通して足を運べることがとても特別に感じています。未来的な都市、深い伝統、そして音楽を愛する熱いカルチャーを体いっぱいに感じながら、皆さんと一緒に最高の時間を作れるのを楽しみにしています！」とコメント。Eminataの歌声が海を越え、未知の地で観客とともに新たな瞬間を刻む瞬間に、お近くの方はぜひ立ち会ってみてはいかがだろうか。

EVENT INFORMATION

日付：10月17日（金） 会場：上海・ジャズリンカーンセンター 日付：10月18日（土） 会場：北京・福浪 Live House 浪 チケット： 上海 https://c.c1nd.cn/VawQm (※WeChatのみでリンクを開くことが可能) 北京 https://wap.showstart.com/pages/activity/detail/detail?activityId=275038

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EVENT INFORMATION

FOO FIGHTERS LIVE IN 2025

日程：10月8日（水） 会場：さいたまスーパーアリーナ〈追加公演〉 Support Act：マキシマム ザ ホルモン ▶︎　チケット発売中！ 日程：10月7日（火） 会場：さいたまスーパーアリーナ Support Act：おとぼけビ〜バ〜 ▶︎　完売！ 日程：10月10日（金） 会場：ジーライオンアリーナ神戸 ▶︎　注釈付き指定席チケット追加販売、決定！

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MaMaREMONe、777inch、HARD STAR BORAD 大阪でメロディック・ハードコアの時代が到来 左から、Tomohiro Ohga(waterweed) / Takayuki(POP DISASTER) […]

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MaMaREMONe、777inch、HARD STAR BORAD 大阪でメロディック・ハードコアの時代が到来

多くの人が知る由もないのに、知らぬ間に影響を聞いている’90-’10年代の大阪バンドシーン。今はオーバーグラウンドで認知されている大木（メジャーシーン）にも、仄暗い地下に（決して燃え盛ることはなかったが）熱く深い根が張っている。デジタルやサブスク、つまり、配信の仕方や経済の在り方に変化が訪れてもその根は変わらない。音楽はどこまでいっても、誰かにとっては毒でしかないような感覚や刺激で、それでしか救われない者にとっては「唯一（逸脱）」だ。 時を遡り1990年代。大阪でメロディック・ハードコアの時代が到来していた。 Takayuki　当時はメロディックハードコアが流行ってて、俺らも大阪のファンダンゴとかのライブハウスに、SPREADとかEASY GRIPのライブを観に行っていた。まだそんなに客がおらんかったけど、その中に「あいつ前もおったよな」みたいなのがチラホラいて。何回かライブに行くうちに「自分、毎回来てない？」みたいな話になって、それがのちに777inchのボーカルになるmaco。山梨出身で、一緒に777inchを始めたのはたぶん98年とかやったんちゃうかな。 植野秀章（以下、植野） 実は僕、けっこう早い段階で777inch を知っていて。というのも自分は19で広島から大阪にバンドをやりたくて出てきたけど、当時は（バンドを結成できずに）まだフリーターで時間があったのもあって、音楽関係のお店によく行ってました。その中でそれっぽいなと思ってたまたま入った服屋で、腰履きDickiesにスタッズベルトでゴリゴリに刺青が入った人がいて。その人に「バンドやりたいんですよ」って言ったら「このバンドがオススメだよ」って勧めてくれたのがFINCH。さらに「自分もバンドやってるんだよね」って教えてくれたのが、HARD STAR BOARDでした。 Takayuki　おおーー！ それHARD STAR BOARDのベースのShunくんや。Shunくんはガオっていう、当時流行っていたSURFブランドのHURLEYとかを置いている店にいた。 植野　そうだったんですね。そのShunさんが、スプリットCDを教えてくれて。たしかそれに、MaMaREMONe、777inch、HARD STAR BORADが入ってたかと。 Takayuki　ああ〜アメ車のジャケットのやつ（『BITCH BITCH BITCH』）。 植野　あとそのときに店員さんだったのかな、777inchのドクターさん……？ Takayuki　あー！ そいつは俺らが抜けたあと、777inchのドラムになるやつやねんけど。たぶん、客としてガオに来てたんやろな。 777inchは、macoがMaMaREMONeのメンバーとリハーサル・スタジオで出会ったことや、ドラマー同士が同じ大学だったこともあり、交流を深めていく。また、MaMaREMONeでベースを弾いていたDoigeは、MaMaREMONeを脱退後にHARD STAR BOARDを結成（そこではGu & Vo）。さらにHARD STAR BOARDのベースは、macoの山梨の同級生だった。 MaMaREMONeはライブハウスで続々と企画を打ち、そこに777inchやHARD STAR BOARDなども出演。物販では自分たちの音源だけではなく、ほかのバンドの音源も取り扱っていた（いわゆるディストロ）。実はそのころに、植野さんはMaMaREMONeに出会っている。 植野　MaMaREMONeも当時から知っていて、メロディが良くてめちゃくちゃ好きでした。会ったのはSTRUNG OUTとNERF HERDERとEASY GRIPが出ていたイベントに行ったときで、MaMaREMONeの人がサンプルCDを会場で配ってて、そのときにちょっと喋りました。当時の自分はバンドがなかなかカタチにならなくて、3年ぐらい何もしてないというか。大阪が楽しすぎて、バイトしながらライブハウスばっかり行く感じでした。777inchとかMaMaREMONeを初めて聴いたときは、こんなに海外のバンド直結のスタイルで、ちゃんとカッコいい人たちがいるのかと思いましたし、自分が知る限り、ほかにそういうバンドがいなかった。 Tomohiro Ohga（以下、Ohga） そのころ俺はまだ高校生。当時の岡山ってWATSON、LIDLESS TOYBOX、THE COWS JACKSONとかめっちゃバンドがいて。友達が卒業イベントみたいなのをMAMA 2（CRAZYMAMA 2ndRoom）を借りてやろうとしたら、箱の人に「東京から来るバンドを出してあげてもいい？」って言われて、来たのがFACTとASIAN HAND。個人的にはFACTが衝撃的やった。ちなみに、そのときの自分のバンドがエスカルゴっていう名前で……フフ。FACTのHiroくんには、いまだに「エスカルゴのギターボーカルの人ですよね」ってイジられる。 Takayuki　ハハハハハー！ もうあいつぐらいしかイジれるやつおらんやろ。

ポップパンク・エモ・スクリーモなどへシーンが変遷 POP DISASTERとwaterweedがバンド結成

2000年代の初頭、90年代に流行ったメロディック・ハードコアが徐々に多様化し、ポップパンク・エモ・スクリーモなどへシーンが変遷。その代表格であるレーベル・Drive-Thru Recordsが台頭していく。 Takayuki　あの頃はハタチ超えたぐらいで就職するやつもけっこういたし、活動を止めるバンドも多くなってきて。俺は俺で777inchを続けてたけど、2000年代の最初ぐらいはそれこそFINCHがいたDrive-Thru Recordsのバンドにけっこう影響を受け始めて、DoigeとかとNew Found Gloryのカバーバンドをしてるうちにそっちが楽しくなってきて……。それで777inchを抜けてPOP DISASTERを組んだ。それがたぶん2003年とかかな。 Ohga　俺は大学進学で大阪に出てきたけど、岡山の同世代でバンドをやってたやつらは、大阪に出る場合が多くて。そういうやつらに連絡したらけっこう近くに住んでいて、初代のwaterweedのギターになるやつもめっちゃ家が近所で。バンドやるのが目的で大阪に出てきたわけじゃないけど、そいつと一緒に遊びでスタジオに入ったりはしてた。WATSONが大阪に来たときは一緒に観に行ったりもして、そこに777inchとかもいた。最初は……マジで怖かったよ。 Takayuki　そんなことないって。めちゃくちゃ（人間として）ポップやったはずやで。 Ohga　いや、怖かった。まあそもそも（新神楽の）あの建物が怖い。めっちゃ暗くて、まず「エレベーターのボタンどれなんだろう……」みたいな感じで、なんとか上がって開いたら怖い人ばっかり。岡山から出てきたOhga青年にはだいぶ衝撃的で。そこから狂った、人生が。 当時、Ohgaと同じ大学の1つ上に、COCK SUCK RECORDSというレーベルもやりながら、Now Or Neverというバンドで活動するZORI（井上）がいた。ZORIはMaMaREMONe、777inch、HARD STAR BOARDなどに影響を受けており、Ohgaはさらにその彼から強く影響を受ける。ちなみにZORIはディストロもやっていて、Ohgaはそれを見て初めて“ディストロ”の存在を知った。 Ohga　777inchしかり、その辺ってけっこう先輩だけど、井上くんは1個上で大学も同じ。大阪に来てからすごい良くしてくれた。でも、音楽マニア過ぎてついていけない部分もあった。BBS（かつてインターネット上に存在したファンやアンチが自由に書き込める掲示板）に、否定じゃなく批判を書かれたこともあって。でも、全部含めて、めちゃくちゃ影響を受けた。彼は大学に行きながらバンドをやって、自分のレーベルを作って。その姿を追いかけてたところは正直ある。 植野　僕はまだそのときもバンドは始められていなくて。でも大阪は楽しかったですね。広島にいたときは市街地まで電車で1時間ぐらいかかったけど、大阪ではチャリでどこでも行けたので。ライブは有名なところしか行ってなかったですけど。ラモーンズとかの影響を受けたバンドとかが好きで、ZORIさんはそういうのも好きだったし、本当にマニアだと思う。僕もNow Or Neverは好きで、のちのち話せるようになりましたけど、その時点ではまだ出会ってないです。 Ohga　waterweedは2003年に結成だけして、ずっとドラムを探してた。俺は元々ギターボーカルだったけどギターの友達とふたりだったから、じゃあどっちかをベースにしたほうが早いなってことで、俺がベースボーカルになって。１年経ってようやく、岡山からメタリカのコピーをやってたやつが大阪に出てくることになって、しかも同じ大学に入ったから連絡して。2004年の4月にそいつが来るまで曲は作ってたから、ドラムのやつには2ヵ月で曲を覚えてもらって、6月にはなかば無理やりオリジナル曲でライブをし始めて……。 その頃、TakayukiのPOP DISASTERは結成当時から親交の深いHEAR FROM HERE（2003年結成）との共同企画で、国内外のツアーバンドを迎えて大阪のシーンを外に向けて発信する『PASSING TIME』というイベントを開催。そこにwaterweedも出演するようになる。 Ohga　waterweedは初期から出させてもらった。ほかにもNAFT、SAMSON FIVE、JT301とか、MaMaREMONeや777inchの影響下で生まれたバンドがけっこう出てて。 植野　JT301は、僕ものちに自分のバンド（THE ANTS）で対バンしたことがあります。 Ohga　当時は普段、新神楽で1,500円を15枚、合計22,500円のノルマで、月に２・３本のライブをする地獄みたいな日々を繰り返していて。もちろんお客なんて呼べないから、毎回22,500円を払って帰るっていう。でも『PASSING TIME』はノルマなしで呼んでくれたから、当時の自分からしたらボーナスステージみたいな感じで。しかもカッコいい人たちとやれるのがうれしかった。

アングラで音楽性を模索したTHE ANTS シーンの盛り上がりを先導するバンドたちの躍進

2005年、POP DISASTERがCAFFEINE BOMB RECORDSから7曲入りのEP『ALL BEGINNINGS』をリリースし、徐々に頭角を現す。それでも、地方のリリースツアーは自分たちで直接電話をして組み、広島では客がゼロということもあった。東京では、FACTとも共演している。 Takayuki　NEW STARTING OVERが2004年くらいにCDを出したあと、森くん（CAFFEINE BOMB RECORDSの代表）を紹介してくれて。大阪にライブを観に来てくれた結果、一緒にやろうってなって『ALL BEGINNINGS』を出した。そこから大阪はツアーファイナルが多くなって、東京とかほかの地方はツアーで行くことが多くなったな。 Ohga　waterweedは動員もクソもない時期。友達がギリ来てくれるか、みたいな。 植野　自分はTHE ANTSってバンドをようやく結成したけど、新神楽とかに出させてもらっても、もう全然で。KICK ROCK MUSICやCAFFEINE BOMB RECORDSのコンピとか、Roadrunner Records Japanからリリースされていた『SUMMER RHYME』とかが好きで、あとK.O.G.A RECORDSもかなり好きでした。 2007年にPOP DISASTERが初アルバム『Make A Promise』をリリースし、スマッシュヒット。当時、植野もリスナーとしてよく聴いていたというアルバムであり、Ohgaはそのライブを観てシーンの盛り上がりを実感したという。ちなみにツアーファイナルはclub massive（2020年に閉店）で、NEW STARTING OVER、TOTAL FAT、BIGMAMAなどを迎えて開催された。 Takayuki　『Make A Promise』は千葉のNESTって、FACTとかも録ってたインディー界隈では有名なスタジオに泊まり込んで作って、そのあとツアーもした。あれが出てからライブの動員も一気に増えた。東京の方が大阪より動員が多くなってったけど、東京に行こうとは思ってなかったな。 Ohga　そのレコ発に遊びにいったとき、シーンの盛り上がりはめちゃめちゃ感じた。2005年から2007年くらいは、ブッキングのライブに出たくなくて、自主企画をやり出した時期。新神楽にノルマ払うより、ハコ代を払った方がええわっていうので、自分の好きなバンドを呼んで企画を打つようになってた。2007年に初めてtheory & practiceからEP（『Killing the earth means our suicide 』）を出して、東京と大阪でレコ発はやったけど、ツアーはやらなくて。それはバンド内の意見の相違で、そいつはのちにバンドを抜けることになった。 ちなみに東京はtheory が組んでくれて、新宿のACB に350人ぐらい入ってソールドアウト。そのときに、知らない人が俺らの曲でモッシュやダイブをするのを初めて見て衝撃的やった。あとその日にtheoryから初めてのギャラをもらって。たしか2万くらいだったけど、初めて音楽で稼げたことにキャッキャしてた。 そのEPが話題となり、waterweedの知名度は急上昇。収録曲の“Revelation”は、今なお日本のスクリーモの金字塔と称されている。一方で植野もTHE ANTSで2006年に1st DEMO『SHE IS COOL ep』、2007年に2nd DEMO『ONE LAST CHANCE』を制作。自主企画イベント「ONE LAST CHANCE!! vol.1」を新神楽で開催し、ソールドアウトさせている。 植野　寺田町のFireloopによく出ていて、当時そこのブッカーだったJUNIOR BREATHってバンドのホシヲさんがTHE ANTSを気に入ってくれて。自分がK.O.G.A RECORDSの大ファンということを知ったホシヲさんが、ROCKET-K（K.O.G.A RECORDSのオーナー・古閑氏が在籍するバンド）が大阪に来たときの打ち上げに誘ってくれて、古閑さんにデモを直接渡したら後日、連絡をくださって。結果、K.O.G.A RECORDS（傘下のGrooovie Drunker Records）からリリースすることができたんです（EP『REMEMBER IN THOSE DAYS』。 新神楽のオーナーの鹿毛さんにリリースを報告したときに、「え？ お前らが？」と不安そうな顔になったのを覚えています。waterweedもNAFTも、CDを出して反応があっていいなぁと思っていました。自分たちのCDへの反応の薄さに少し寂しい想いを抱えていたのも事実で、さらにレーベルメイトのSpecial Thanksが一気に売れて、正直、嫉妬のような気持ちもありました。