フジロックの記憶は単なる音楽体験ではなく、音・ビジュアル・ライフスタイルが交差する場として、時代の痕跡が同居している。PARCO MUSEUM TOKYOで2025年12月26日から2026年1月12日にかけて、フジロックのオフィシャルショップ＜岩盤/GAN-BAN＞の25周年を記念して開催される『TIME CAPSULE 2025 : A FUJI ROCK Odyssey -時空を超えるフジロック展-』は、その記憶をアートの文脈で再構築し、来場者の既視感と共感を呼び起こす場となるだろう。

この展覧会はディレクションを担うキュレーター・半田淳也の視点により、来場者自身の感覚を刺激する“時と記憶の空間”として設計されている。遡ると半田淳也は、N.HOOLYWOOD 在籍時の2007年にフジロック・コレクションの制作依頼を受け、独立後の2017年からもGAN-BANのショップデザインやフジロックのグッズデザインなどを数多く手掛けている。展覧会のロゴは、NASAのボイジャー探査機に搭載されたゴールデンレコードがインスピレーションの元。音声波形と映像データを象徴するふたつのカプセルは、観る者を「夏の回想」と「音の宇宙」の旅へと誘う。

展示の始まりは〈記憶への入口〉。初代GAN-BAN NIGHTのVJで映像監督の関和亮による作品が、来場者を迎え入れる。印象的な光と影の反復とともに映し出されるフジロックの映像は、記憶の奥底へと沈み込むような感覚を与え、観客の身体は共鳴する余白が生まれる。関和亮は、音楽と映像の融合をひとつの芸術形式として昇華してきた映像作家だ。彼の映像はフジロックという野外フェスティバルの体験を、身体的記憶から普遍的なヴィジュアルへと転換する力を持っている。 その映像が流れる向かいの壁には、2017年のポスターからフジロックに関わり始め、直近では2025年のキービジュアルも手掛けるデザイナー＆アーティスト・渡辺明日香の作品が大胆に描かれている。それらの作品を見た時点で、渋谷にいながらも“夏への扉”はゆっくりと開いていった。

展示の中心となる＜タイムカプセル＞は、観る者の探究心を刺激する空間だ。過去へと遡る旅を示すかのように電車を模した導線が空間を貫き、歴代フジロックのビジュアルをプリントした232枚のTシャツ（非売品）や、膨大なオフィシャルグッズが無造作に配置されている。来場者はそこに散りばめられた展示物をじっくりと探索しながら、記憶の断片をひとつずつ紐解いていく。 このセクションを担当する美術作家・松本千広による乱雑なモノの配置は、いわゆる一般的な展覧会の形式からは逸脱し、空間全体を1枚のコラージュとして捉えていたように感じる。同時に、この空間の世界観は観る者の内的時間を刺激し、それぞれの記憶と現在を同時に立ち上げる装置としても機能していた。

＜タイムカプセル＞に関しては、とりわけ生で見た方がいい。ベンチにもたれかかる人、落ちたリストバンド、フジロック記事の切り抜き、色褪せたオフィシャルグッズなど、いくつかのキーワードだけを残そう。この空間には、あの夏の“わたし”や“あなた”が確かに存在しているはずだ。

展示空間では、GAN-BAN NIGHTを象徴するDJ・プロデューサー・ミュージシャンのSUGIURUMNが音響演出を担当し、音と記憶が交差する展示体験に重要な役割を担う。そして彼がメンバーであるTHE ALEXXの新曲“Beautiful Surrender”は、この展覧会のテーマソングとして制作された。ちなみに会場内で流れている音には、2025年のフジロック会場で収録した音が含まれているという。聞き当てるのはなかなかの無理難題だが、ぜひあなたの記憶と耳を頼りに探してほしい。

最後の展示ゾーン＜現在、そして未来へ＞では、GAN-BANの初代店長であり現代美術家のShohei Takasakiによる、大胆なキャンバスコラージュ作品が眼前に広がる。過去のフライヤーやTシャツを重層的に取り込むことで、GAN-BANの歴史をひとつの絵画として表現していた。

そしてその向かいには、本展覧会のティザーを制作したグラフィックデザイナー・Kamikeneによる音波のインスタレーション作品が配置。形態と音響の関係性をアナログなギミックで探る作品は、不思議なほどに親和性を持っている。

展示の最後は、ビデオチーム・最後の手段による映像作品。現代のフジロックから未来へと視線を向ける効果を果たしており、音楽史と未来志向が同時に立ち上がる空間として巧みに設計されていた。そして、2025年のORANGE ECHOで木工ステージを制作したZERO ACTION ARCHITECTによるオブジェとともに、オリジナルグッズが並ぶミュージアムショップへ。ここではBLANKEY JET CITYやTHEE MICHELLE GUN ELEPHANTの限定Tシャツや、2018年から2025年までのフジロックコレクションなどが販売され、物販空間自体が展示作品として機能していた。

ミュージアムショップを巡り終えた先には、「フジロック・オフィシャルショップ岩盤/GAN-BANはみんなの夢を叶えます。」というメッセージが掲げられていた。それはフジロックにまつわる夢を書き込むことで応募できる企画であり、その想いに応える形で特別な何かが用意されているという。展示の余韻を胸に夢や想いを書き残してみるのも、この空間ならではの楽しみ方だ。 『時空を超えるフジロック展-』は単なる懐古的展示ではなく、映像・音響・グラフィック・空間デザインなど多様な表現が不思議な共存を果たし、観る者の身体感覚を刺激する場として存在していた。そしてその“実験性”や“遊び心”こそ、GAN-BANがGAN-BANたる所以なのかもしれない。

25年にわたってGAN-BANが築き上げてきた“音の磁場”は、渋谷の地で新しい形として再演された。来場者はこの展覧会を通して時空を越え、その先の未来、そう来年の苗場で会おう。

Text by ラスカル （NaNo.works） Photo by SOUTARO SHIMIZU

渋谷PARCO「PARCO MUSEUM TOKYO」にて2025年12月26日から開催する、岩盤／GAN-BAN 25周年記念特別展「TIME CAPSULE 2025：A FUJI ROCK Odyssey」。フジロックとともに歩み、音楽ファンの記憶を更新し続けてきたオフィシャルショップ＜岩盤／GAN-BAN＞の25年と、“音と記憶”を辿る体験型展示として注目を集める本展では、展示を抜けた先に、会場限定のスペシャルミュージアムショップが登場予定。 展示体験の余韻とともに楽しめるミュージアムショップでは、フジロックの記憶を“持ち帰る”ための特別なラインナップが展開される。

本展は、フジロックフェスティバルとともに歩み、音の磁場を築いてきたオフィシャルショップ＜岩盤／GAN-BAN＞の25周年を記念した特別展。展示は、キュレーター／アートディレクター・半田淳也氏のもと構成され、会場は3つの展示室で展開。映像、音響、グラフィック、立体作品など多様な表現が交錯し、フジロックと岩盤／GAN-BANが積み重ねてきた時間と記憶を、空間全体で体験できる内容となっている。

また本展覧会の音響演出は、「GAN-BAN NIGHT」を象徴するDJ／プロデューサー／ミュージシャンのSUGIURUMN氏が担当。彼がメンバーとして活動するTHE ALEXXは、約4年半ぶりとなるニューシングル「Beautiful Surrender」を「岩盤／GAN-BAN」25周年記念シングルとしてリリース。本楽曲は、ミックスをzAk氏、マスタリングを砂原良徳氏が手がけ、アートワークは本展のキュレーターでもある半田淳也氏が担当。本展のテーマソングとも言える1曲となっている。 THE ALEXX「Beautiful Surrender – 2025 FUJI ROCK Odyssey Edition –」

展示空間を巡り終えた来場者を迎えるのは、本展の世界観を引き継ぐ会場限定のミュージアムショップ。 伝説として語り継がれる、フジロック史上唯一の東京開催「フジロック’98」の秘蔵写真をプリントした、ブランキー・ジェット・シティ、ミッシェル・ガン・エレファントの超レアなスペシャルコラボTシャツをそれぞれ発売する。 また、＜岩盤／GAN-BAN＞25周年を記念したオリジナルアイテムも登場し、Tシャツ、ロングTシャツ、キーホルダー、ポスター、トートバッグなど、アニバーサリーイヤーならではのラインナップが揃う。

岩盤25周年を記念したこれらのアイテムは、展覧会終了後、2週間のみオンラインで受注販売も予定だが、いち早く手に入れられるのは本特別展のミュージアムショップのみ。 岩盤／GAN-BAN 25周年記念 オリジナルグッズ受注サイト受付期間：2026/1/13(火)正午12:00-1/25(日)23:59 発送予定：2026年3月上旬より順次発送予定 詳細はこちら

さらに会場では、有名ブランドが集う「FUJI ROCK COLLECTION」の2018年から2025年までのラインナップを、本展限定のスペシャルプライスで展開する。各アイテムはいずれも数量限定となるため、この機会に特別な一品との出会いを楽しみたい。 FUJI ROCK COLLECTION: DESIGN PARTNERS 2018 SEASON：TAKAHIROMIYASHITATheSoloist. 2019 SEASON：Yosuke Aizawa (White Mountaineering) 2021 SEASON：Takayuki Fujii (nonnative) 2022 SEASON：SOPH. 2024 SEASON：N.HOOLYWOOD 2025 SEASON：MHL. 特典として来場者には、「フジロック」の生みの親・日高正博氏がフェス誕生から現在に至るまでを語った「富士祭電子瓦版」の貴重なインタビューを再録した、フジロックファン必読のタブロイドペーパーを無料配布。展示とともにフジロックの時間軸をより深く辿ることができる。

展示で呼び起こされたフジロックの記憶は、ミュージアムショップでかたちとして残すことができる。会場限定のアイテムは、ぜひ現地で手に取ってほしい。

フジロックとともに歩み、音楽ファンの記憶を更新し続けてきたオフィシャルショップ＜岩盤／GAN-BAN＞が、25周年という大きな節目を迎える。そのアニバーサリーを祝う特別展を渋谷PARCO『PARCO MUSEUM TOKYO』にて開催される。 岩盤は長年にわたり、フジロック・フェスティバルのオフィシャルグッズ制作や、フジロック・ファンに長年愛されてきた＜GAN-BAN SQUARE＞ステージのプロデュースなど、フェスに関わるさまざまな側面を形づくってきた存在。そんな岩盤が積み重ねてきた時間と、フジロックの歴史が交差する本展には、さまざまなキュレーター／アーティストも参加している。フジロックを知ってる人も、まだ知らない人も楽しめる特別な体験型展示となっている。

日本の音楽フェスの源流、FUJI ROCK FESTIVAL。 自然と音楽の共生を目指す、日本最大級の野外ロックフェスティバル。その歩みとともに、音の磁場を築いてきたオフィシャルショップ「岩盤/GAN-BAN」が、25周年を記念して特別展を開催。 “音の記憶”が眠る新潟県・苗場ノ森から、タイムカプセルを発掘。 その残響を、冬の東京・渋谷PARCOで甦らせる。 時間とモノが交錯する空間へようこそ。 これは、ただの展示ではない。 あなたの中の記憶の風景が呼び覚まされる、時空を超えたフジロック遭遇体験。

展覧会のロゴは、NASAのボイジャー探査機に搭載された「ゴールデンレコード」に着想を得たもの。左のカプセルは映像データの走査線、右のカプセルは音声波形を象徴しています。デザインを手がけたのは、展覧会キュレーター/アートディレクター・半田淳也氏。

展示の導入となるこの部屋では、初代GAN-BAN NIGHTのVJでもある映像監督・関和亮氏による作品が、タイムカプセルの世界へと来場者を引き込みます。映像は、静かに、しかし確かに、記憶の奥にある、あの“夏への扉”を開いてゆきます。

ここは、まさにタイムカプセルの内部。 過去に向かって遡っていく電車に導かれた空間には、フジロックの歴史的な写真をプリントしたTシャツ（非売品）232枚と膨大な数のフジロック・オフィシャルグッズが、まるで“記憶の部屋”のように展示されています。 来場者がすべての写真や展示物を見つけるには、部屋中を（ウンザリするほど）“探査”し、“探索”する必要があります。

幾層にも積み重ねられたフジロックの記憶。 美術作家・松本千広氏の手によって、乱雑で非現実的に“モノ”が配置され、それは一つの舞台背景であり、まるで映像の一場面のよう。 その中には、フジロックのメインビジュアルを手がけるグラフィックデザイナー・渡辺明日香氏のデザインや、GAN-BAN SQUAREのVJを担当しているビデオチーム・最後の手段の映像が散りばめられています。 音の記憶をさらに呼び覚ます音響演出は、＜GAN-BAN NIGHT＞を象徴するDJ/プロデューサー/ミュージシャン・SUGIURUMN氏が担当。彼がメンバーとして活躍するTHE ALEXXの約4年半ぶりにリリースされたニューシングル「Beautiful Surrender」は、岩盤GAN-BAN25周年記念シングルとして制作され、まさに周年を祝うテーマソングとも言える１曲です。

ここでまず出迎えるのは、岩盤/GAN-BANの初代店長であり、現代美術家として活躍するShohei Takasaki氏によるキャンバスコラージュ作品。GAN-BAN NIGHTのフライヤーや、これまでに制作されたTシャツが層をなして重なり合い、“岩盤／GAN-BANの時間の過去と未来”が一枚の作品として凝縮されています。 その向かいには、フジロック2025で公開された本展覧会のティザーを制作したグラフィックデザイナー・Kamikene氏による音波のインスタレーション作品が設置されます。 展示の最後は、最後の手段が手がける、時空を越えるような映像作品が。現代のフジロックから未来に向けての展望を想起させる作品です。

展示を抜けた先には、この展覧会限定のスペシャルミュージアムショップが登場。 2025年のフジロック・オレンジエコーにて、橋の下世界音楽祭チームと共に木工のステージを制作したZERO ACTION ARCHITECTによるアーチ状のオブジェが空間を彩ります。 ここでは、本展オリジナルグッズに加え、共に後の伝説としてそのステージを目撃した人たちの語りぐさとなったフジロック’98のステージがプリントされたブランキー・ジェット・シティ、ミッシェル・ガン・エレファントとのスペシャルコラボTシャツが発売されます。さらには有名ブランドが集うフジロックコレクションの2018年から2025年までのラインナップを、本展限定のスペシャルプライスでご紹介します。各アイテムは数量限定のため、ぜひこの機会に特別なアイテムをお楽しみください。

スペシャルミュージアムショップで販売されるどの商品も、フジロックをモチーフに過去と現在をつなぐデザインとなっていますので、本展を象徴する『作品』としてもお楽しみ下さい。 岩盤25周年だからこそ実現した、フジロックの“記憶”を掘り起こす特別展。 苗場で過ごしたあの夏の感触を思い出す人も、まだ知らないフジロックの奥行きに触れる人も、きっとそれぞれの時間と出会えるはず！ この冬、『PARCO MUSEUM TOKYO』で、音楽と記憶が交差する体験を。

━━まず、お二人がお互いの存在を知ったのはいつ頃なんですか？ ケンモチヒデフミ（以下、ケンモチ）　僕はちょうど専門学校時代ですかね。当時クラブミュージックを結構聴いていて、荒木飛呂彦さんがジャケットをやっている『WEEKEND』（2000年/SUGIURUMN名義）とかにも触れていたんです。もはや僕にとってはレジェンドのような存在です。 杉浦英治（以下、杉浦）　「レジェンドって言われたら終わり」って、この前石野卓球さんに言われたばっかなのに！（笑） ケンモチ　でも本当に昔から聴いていたんで……なんて表現すればいいんですかね、難しいです（笑）。雑誌『Remix』や『Groove』、『サウンド&レコーディング・マガジン』や『Studio Voice』なども買って読んでましたよ。「イビザでDJしている日本人がいる！　すごい！」って。 杉浦　確かにイビザは当時誰もやってなかったですからね。 ケンモチ　そういった経験をしつつ、年々音楽のスタイルも変えられていて。2017年の『AI am a boy.』も音作りがすごくかっこいいし、ミックスも綺麗だなって思いました。 AI am a boy.／SUGIURUMN ━━実際にケンモチさんが杉浦さんのDJないしTHE ALEXXのパフォーマンスを生で観たことは？ ケンモチ　水カンをやるようになってからですね。20代の頃はあんまり外に出なくて、水カンを機にようやくフェスへ行くようになったんです。そこで杉浦さんを見ることもありました。 杉浦　そうだったんだ。実は僕も2017年の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞で水カンを観ようと思ったんですよ。もともと存在は気になっていたから。でもその時ちょうどレッドマーキーが入場制限で入れなかったんですよね。「めちゃくちゃ人気じゃん！」って思いました。当時は今よりももっとビートが強くて、ベースミュージック寄りの音がするのが印象的だったなと。あのレッドマーキーでのステージって、バンドでやってました？ ケンモチ　いや、オケだけですね。それこそTHE ALEXXのエンジニアも手がけているzAkさんに音響に入ってもらって、ベースを結構強調してもらったんですよ。 でも、そこから5年が経って改めて今回お誘いいただいたじゃないですか。水カンは第一期であるコムアイが脱退し、第二期である詩羽に突入してから、曲調が結構ポップになったんです。正直「期待に応えられるかな」って心配にはなっています。 杉浦　3〜4年前には確かに存在しなかった感性が曲に込められているからこそ、今の水カンも面白いですよ。ボカロを初めて聴いた時と感覚的には近いかもしれない。 ケンモチ　杉浦さん、ボカロ聴くんですか？ 杉浦　娘が教えてくれるんですよ。正直、僕らが若い頃はニューウェーブやインディーズのバンドがすごく良い感じだったけど、今の10代が受け取るカルチャーがどんなもんかわからなくて。でも、蓋を開けてみたらいろんな要素が混ざったコンテンツがバリバリ生まれている。 特にボカロは歌詞もすごいし、コミュニケーションに費やすエネルギーを音楽に凝縮させているような世界観があって、そこでのカリスマ性などの価値観が根本的に違うんです。僕が水カンに抱いた印象も、そんな感じでした。

━━先ほどケンモチさんは「曲調がポップになった」とおっしゃっていましたが、アイコンが20歳下である詩羽ちゃんという存在になったことで、曲作りはどの変化しましたか？ ケンモチ　もともと水曜日のカンパネラが発足した当初は「僕らの10歳下であるコムアイが、僕らの世代が聴いていた音楽を事情も知らずに歌っているのが面白い」という構造だったんですよね。でも、それが今度は20 歳も下になった。離れ過ぎているからこそ、むしろ僕らが20歳若返らないと、とシフトチェンジはありました。今、必死に勉強しているところです。 杉浦　どんな勉強を？ ケンモチ　サブスクやTikTokを使いながら、10代の子が音楽の良し悪しを判断する感覚を身につけているところです。動画をどんどんスワイプして代わるがわるチェックし、気になる音があったら手を止める。レコードで針を飛ばしながら試聴する感覚に近いですよ。 杉浦　なるほどな。それでいうとすごく最近の曲で気になるのが、変にせわしないだけじゃなく、せわしなさの逆張りパターンもあるんですよね。ボカロだと歌が入るまでに3分くらいイントロがある曲とかもあるらしくて。 僕らが音楽を作る時って、剣道や柔道のように「型」があると思うんです。でも若い世代が作る楽曲は「型」が見えにくくて、シンセの音色からもルーツがわかりにくい。わからないなりに「なんかあるな」っていう輪郭は分かる感じ。すごく漫画っぽいストーリー展開だし、何に影響されたかが読めないのが面白いなと思います。 ケンモチ　バンドサウンドにしても縦がビッシリ揃いつつ、ベースはテクニカルなファンクだったり。逆に昔ながらの八分刻みなルートベースは出てこない（笑）。どの文脈からなんだろうって思います。 杉浦　歌詞も漫画とかと世界観がシンクロするんですよね。一部の人にだけグサッと突き刺さることを表現している感じ。多分、売れることを目的にしていないからだと思うんです。「再起不能にしてやる」って意思を感じさせる攻撃的なものもありますし。ただ、逆にそれが人気になるというか。ケンモチくんは水カンを作る時、そういった歌詞表現はどう考えながら作っているんですか？ ケンモチ　僕は逆にあんまり刺しに行かないように、なるべく丸くしてますね。元々クラブミュージックでインストばっかり作っていたからこそ、歌詞に意味を持たせすぎるのが恥ずかしいなと思っていて。なるべく意味のない語感だけを言わせる歌詞にしようと思って、今のスタイルになりました。 杉浦　僕もケンモチくんの初期の楽曲を聴かせてもらったんですけど、今の活動とは全然違いますよね。いつから今のスタイルになったんですか？ ケンモチ　東日本大震災の時ですね。停電して布団にくるまっている時に「音楽ってなんだろう」ってぼんやりしていて。その時にYouTubeでももいろクローバーの“ココナツ”を聴いたんです。そこで初めて「日本語の歌で元気付けられる感覚ってあるのか！」って理解できて。やっと日本語や歌もののポップスをやってみたいと思うようになりました。 杉浦　僕がそこまで知ってるわけじゃないですけど、コムアイさんも詩羽さんもすごくカリスマ性があるじゃないすか。そういったアイコンと出会えることがすごい。 ケンモチ　ボーカロイドや初音ミクも、元々は何も意思を持ってないじゃないすか。その上で歌詞やストーリーを持ってくることで、崇められる御身体みたいになる。そこに、今時の歌い手やアーティストの見え方を感じます。 それが水カンの場合は、僕が作ったキャラクターをコムアイや詩羽に憑依させて、ステージ上でパフォーマンスしてもらう。そういったところがボカロ以降のアーティストっぽいなと思いますね。

━━杉浦さんはElectric Glass Balloonでのバンド活動からSUGIURUMN名義としてのDJ活動を経て、現在のTHE ALEXXを結成されましたよね。そのキャリアもぜひ伺いたいです。 杉浦　本能的に「1番やっちゃいけないこと」を常に考えているんですよね。ドアに「押す」って書いてあったら100%引くんですよ、そのドアを（笑）。THE ALEXXを始めた流れもまさにそれ。一度は「バンドをもう一生やらない」と思ってソロで活動できるダンスミュージックを始め、今度は一周回って自分が「一生やらない」と決めていたことをやりたくなった。バンドやっている奴がDJをやるのはハードルが高かったですが、周りからの「あいつダメだな」がひっくり返る瞬間が面白いんですよね。 ケンモチ　できないことができるようになった時が1番楽しいですよね。 杉浦　だから、あともう一回だけやってみて完璧なものができたらやめるつもりです。「これ以上できません」というのを作りたい。 ケンモチ　バンドだと、杉浦さんが一人で作ってる時よりも不確定要素が多いじゃないですか。完成するまでの難しさを感じることはありますか？ 杉浦　やっぱり「一人でやっとけばよかったな」って時はありますよね（笑）。一番最初にバンドが嫌になったのも、それが理由だったかもしれない。それで、自分の思う通りにだけやってみようと思って始めたら、それがハマっちゃった。 ケンモチ　初期にやられてたバンドと現在の活動は、地続きになっていますか？ 杉浦　そうですね。むしろ、もう苦手を克服する寿命すら残ってないというか。ロウソクの最後の灯火があるなか、得意な部分だけでやろうとしています（笑）。 ━━水カンもコムアイ時代を経て詩羽時代に突入しましたが、地続きなところと刷新したところがあると思います。そこの切り替えはどう捉えていますか？ ケンモチ　僕自身が一貫して「組み合わせの面白さ」を楽しめる音楽をやりたい、と思っていて。それを半分はコムアイに合わせ、もう半分は合わせないようにする、という感じです。バランスを取っていたんです。今の詩羽の場合も同様、「ここからはちょっと変に聴こえそう」というラインを攻めようとしています。 杉浦　ポテンシャルを引き出す感じだ。それに応えられるからすごいですよね。 ライブもYoutTubeで観たけど、一人で場を制圧してるのがすごかった。度胸があるし、演劇っぽいからこそショーとして惹かれるというか。そう思うと新しいスタイルかもしれないです。

━━コロナ禍に突入してからは、楽曲の作り方や現場との向き合い方に変化はありましたか？ 杉浦　アンダーグラウンドな感覚に戻ったんじゃないかな、ってのはあります。多分大きくなりすぎたというか、単なる友達の集まりで、素人だった頃に戻ってきているような感じです。 ━━ケンモチさんは過去のインタビューで「生活の中で聴く音楽は、秒単位で切り替わっていかないと間が持たなくなっちゃう」とおっしゃっていましたよね。 ケンモチ　コロナ前は渋谷を訪れるたびに生活のリズムの速さが世界一早いんじゃないかと思っていましたね。アメリカではゆっくりしたトラップが聴けるのに、なんで東京はこんなにトラップが似合わないんだろう、って。僕がブッキングされるDJイベントもBPMが速いし。でも、その後コロナ禍に突入してステイホーム期間を過ごすうちに「ダンスミュージックとは……」みたいなモードには入りました。 瑛人の“香水”とかを聴くようになって「やっぱこういうのがいいんだ」って思いましたね。でも2021年が過ぎた頃からイライラしてきました（笑）。Adoの“うっせぇわ”みたいな曲も流行ってきていて、ちょっと乗れる曲が聴きたいな、と思っている頃に第二期に突入した感じです。 杉浦　まだ一年ぐらいなんですね。第一期は何年ぐらいやっていたの？ ケンモチ　2012年頃から始めたから、9〜10年くらいですね。杉浦さんも聴き方は変化しましたか？ 杉浦　自分の中でまたハウス熱が出てきました。オーソドックスな曲がグッとくるというか。多分ビヨンセ（Beyonce）の新譜とかもそういう雰囲気だったし、ケンモチくんが言った通り「もういいんじゃないの？」って感じなんでしょうね（笑）。ここまで世の中がダークになってしまうと、ダークなことをやろうとも思わない。流石に。 ケンモチ　今ちょうど90年リバイバルみたいな流れもあるし、ハウスに立ち返る時期なのかもしれませんね。その上で、昔の曲を若い子達は新しい感覚で聴いている気がします。「変な音が鳴ってる！」みたいな。 ━━ケンモチさんが次に詩羽さんにどういう曲を提供するかも気になります。 ケンモチ　EPが出たばっかりで「次はどうしよう」って感じなのですが（笑）。次はハイパーポップっていうジャンルが一番予想がつかなくて面白そうです。ニューウェーブ期のパンクのように「なんでもやったもん勝ち」な奇抜さがあって。どれも短くて2分くらいに音を詰め込むから「今のはなんだったんだろう？もう一回聴こう」ってなるんです。 あとはカラーベースっていうdub stepの進化系みたいなジャンル。音作りをどうやってるのか分からない面白さがあって。それがポップスに活かせるかは研究中です。

━━最後に、9月12日のTHE ALEXXが主催するイベント＜BUZZER＞についてもぜひ意気込みをお聞きできればと思っています。第三弾として水カンを呼んだ意図はなんだったのでしょうか？ 杉浦　すごくシンプルですよ。本当に自分達が好きで呼びたい人を呼び、媚びないイベントにしようと思ったから。結構、1回目・2回目とやって良い感触なんですよ。みんな真剣に聴いてくれる。DJをしている時よりも、もっと集中して音楽を汲み取ろうとしてくれる感覚があります。 昔は結構「DJが出す音がすごいよね」という感覚があったんです。だんだんそういう「音を楽しむ」という習慣がクラブでは薄れてきたものの、ライブではそれがあって。各々が感じ取り、持ち帰ろうとするんです。クラブとは違うアンテナが会場を覆っている感覚はあります。 ケンモチ　僕目線になっちゃうのですが、杉浦さんと水カンが一緒のイベントに出れるのは嬉しい。楽しみです。 ━━杉浦さんがケンモチさんに＜BUZZER＞というイベントの世界観を伝えるとするなら？ 杉浦　そうですね……。タイトル通り「警報」や「アラート」のような意識はあります。 僕、SNSが本当に苦手なんですよ。そういうのができないから音楽をやっているんです。でも、面白い音楽がたくさんあるからこそ、音楽をもう一度信じたくなったというか。忌野清志郎さん然り、音楽を通し社会へ何かを伝えられる可能性を信じたい。 同時に、今は面白い音楽がありすぎて、意識的に掘りに行かないと面白い音楽までたどり着けない。だからこそレコメンドではないものの、＜BUZZER＞を通し「こういう音楽がある」ということを伝えていきたいなと思っています。 ケンモチ　ライブを通し、言葉では出さなくとも「こういうのもありだな」「こういう考えもあるんだな」というのを感じ取ってもらいたいですね。音楽としてうっすらと伝わるのが一番いいなあと。 杉浦　すごい単純なことだけど、SNSのせいで忘れちゃってますからね。でも詩羽さんの世代は時代の回転も感覚も速くて、僕らの時代よりモノに溢れているからこそジャッジを急がないといけないでしょう。すごい時代に生きているんだなと思います。 ケンモチ　普通のスピードで消費していたら吸収しきれないですからね。Netflixで1時間の動画を観てても「長いな〜！」って（笑）。 ━━そう言った意味でも、今回の＜BUZZER＞は異なる時間感覚を持ったオーディエンスが同じ空間で一緒にライブを観る、という稀有な会になるのではと思います。 杉浦　そうですね。なんかフジロック感があるんじゃないかなと思っています。実は僕ら、去年のフジロックの配信でTHE ALEXXとして出た時「すごい新人現る！」っていう煽りで出てきたんですよ（笑）。当初は僕がやってることを出さずにやるつもりだったんですよね。 ━━ひょっとしたら水カンを観に来たお客さんにも「なんだこの新人は」って思われるかもしれないってことですね。 杉浦　それが本当に楽しみです。若い子達も受け入れる間口が広いですからね。訳わからないものに対しても反応が早い。 ケンモチ　THE ALEXXの音楽は空間と時間の芸術。だからこそ、持ち時間のなかで作られる流れを、水カンのファンがどう受け入れるかは観てみたいです。僕らがやっていることもクラブミュージックに近いですが、もっと小刻みで四コママンガみたいな感じなので。一本のストーリーをどう楽しむかに期待しています。

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━━アルバム『God Bless You』はTHE ALEXXとしてのアイデンティティを強く打ち出した一枚だと感じました。バンドサウンドもダンスミュージックも、どちらのスタイルもありつつ、他に類を見ないタイプの音楽になってきている。みなさんとしては、新作が出来上がってどんな感覚がありますか？ 杉浦 英治（Programing 以下、杉浦）　みんながお互いのことをより信頼しているのが大きいと思いますね。最初は「この先どうなるんだろう？」ってみんな思っていただろうし、俺も正直わからなかったところがあって。でも、今は「面白いものを作ろう」という感じがどんどん出てきていて、前作よりみんなで作っている感じはありますね。 Tonton（Vocal）　前は「杉浦さんの作った曲を歌う」っていう感じだったんですけど、実験的なものが集約されてきたというか、だんだん「こういうのをやってみたい」と思ったものを形にできるようになってきた感じがあります。 杉浦　そうだね。思いつきからはじめることが多くなってきたよね。 筒井朋哉（Guitar 以下、筒井）　コロナのせいでリモートで作る時もあったし、がっつり演奏して作る時もあるし、制作の選択肢がいろいろあったというのもあるかな。 ━━THE ALEXXがスタートした時は杉浦さんのソロプロジェクト的なイメージもあったんですが、そこから1年以上をかけて徐々にTHE ALEXXというバンドのアイデンティティが確立されてきたような気がします。 杉浦　共有する時間も多くなったし、仲間っぽくなっている感じはありますね。余計なこだわりがなくなって、より研ぎ澄まされてきた感じはします。 筒井　杉浦くんが言った通り、一緒に旅をしてメンバー同士が溶け合っていったのは僕も感じます。その途中に普通にあるケンカとか、今後も普通にあるだろういろいろなことも含めてね。僕はずっとロックバンドをやっていたので、1枚目の時は新しい作り方に慣れるのに時間がかかってたんですけれど。このアルバムはそれを超えて、もっと広い意味でバンドとして面白いもの、大きなものが作れたとは感じています。 ━━アルバムを作る上での最初のアイディアやモチーフは、どんなところから出てきたんでしょうか。 杉浦　いろいろあるけど、宮下（貴裕）さんのショーの音楽をやったのは反映されているかもしれないかな。 ━━TAKAHIROMIYASHITATheSoloist.の宮下さんとは前からの付き合いですか？ 杉浦　NUMBER（N）INE（1996年、宮下貴裕が設立したファッションブランド）の時から知っていたし、前からショーにも行っていたんですけど、こんなに仲良くなったのは最近ですね。THE ALEXXの『VANTABLACK』にすごく衝撃を受けた、めちゃめちゃいいって言ってくれて。宮下さんからメールがきたんですよ。そこからいろんな話を週１か週２くらいでするようになった。そんな中で「次のコレクションは初めてショーをやらずに映像で見せたいからその音楽を作ってくれ」って言われて。宮下さんはバンドっぽいっていうか、発想が音楽っぽいんですよね。世界的にもコレクションを映像で見せたのはかなり早かったんじゃないかな。それでコレクション（「TAKAHIROMIYASHITATheSoloist. Spring / Summer 2021 collection. doe(s)」）の音楽をやることになって。 ━━宮下さんとの共同作業はどんな感じでしたか？ 杉浦　「こんな感じの曲を作ってほしい」って言うんだけど、作ったことがないような音楽ばっかり言ってくるから、「なんでそれを俺ができると思ってるんだろう？」って。 tonton　（笑）。 杉浦　実際、どう始めればいいんだろう？　っていうところから始めて。でも「できない」とか「わからない」って言うのもあんまりないから「わかりました」って言って作って。それが結果としてできたから、そういうところから広がっていったという感じだったかな。アルバムの“Wrathful”っていう曲も、最初のニック・ケイヴ（Nick Cave）っぽいドラムのアイディアをもともとTHE ALEXXでやろうと考えていたのを宮下さんのコレクションに使って。そこから曲になっていったという。

筒井　“17”もそうだったよね。 杉浦　“17”はその次のやつだよ。“Wrathful”は、宮下さんと最初に一緒にやったコレクションのときに作った曲で、“17”は最近のコレクション（TAKAHIROMIYASHITATheSoloist. Autumn / Winter 2021 collection. RE:）の時に作った曲。結局、音楽としては使われなかったんだけれど、そのコレクションはドッペルゲンガーをテーマにしていて。世界に自分にそっくりな人が３人いて、それを見つけたら死んでしまうという話で。だから“17”っていう曲は、3拍子で、３つの音で、３つの展開でっていうふうに、全部「3」で考えようと思ったのが、最初のアイディアだったんです。

━━たしかに「３をモチーフにして３拍子の曲を作ろう」という発想は、普通だったらなかなか出てこないですよね。 杉浦　そうやって、1曲に対してテーマとアイディアを詰め込むようになってきたというのはあるかもね。ただ「いい曲」を作るというよりは、アイディアのある曲を作るというか。THE ALEXXを始めてからアーティストっぽくなった感じがする。 ━━そうなんですか？ 杉浦　Electric Glass Balloonの時も、SUGIURUMNの時も、ミュージシャンとかプロデューサーとかDJって言われるのはよかったんですけど、アーティストって言われると気持ち悪い感じがあったんですよ。幸運なことに、今までずっと頼まれて、お金を貰って音楽を作ってきたから、どちらかと言うと職人のような立ち位置だと思っていて。でも、THE ALEXXを始めてからは、誰にも頼まれてなくてもやる、お金をもらえなくてもやるものになった。完全にこのバンドはゼロから始めているから。 ━━それは、扉が開いた感覚ですね。しかも、それが宮下さんという別のクリエイティブに携わる人を触発して、つながりが生まれて、それが新たな作品につながっている。 杉浦　クリエイティブな話ですよね。宮下さんと話しているうちにアイディアとか発想みたいなものが出てきて、それを音楽に翻訳していくような感覚で作っていく。そういう作り方も、もちろん今までもあったけれど、100%そうしたことはなかったから。 ━━いくつかの収録曲についても聞かせてください。まず“Cold Love”はどういう風にできていった曲ですか？ 杉浦　この曲のメロディは全部tontonだよね。俺たちが作ったオケにtontonが歌ってくれたのを編集して、そこに歌詞を乗せていった感じです。 ━━この曲のMVは宮下さんが監督を担当していますが、これは？ 杉浦　宮下さんがやりたいって言ったんです。このMV、モールス信号が入ってるんですけど、本当はもっと長いんですよ。長いんで全部は使わなかったんだけど、歌詞をモールス信号に変換して、それをシンセの音で鳴らしてるんです。それを俺が作っていて。実際使われたのはちょっとだったけど、ものすごい量があって。モールス地獄でした（笑）。

━━“Art Hurt”は徐々にテンションを上げていくタイプの曲で、アルバムの中でもキラーチューンになっていると思います。 杉浦　ありがとうございます。この曲、サビが一回しか出てこないんだよね。それはビデオを作るときに改めて気付いたんだけど。 ━━“Art Hurt”のMVは杉浦さん自身が監督を手掛けていますが、これは？ 杉浦　これはもう予算もなかったんで僕がやるしかないっていう選択肢で。これまでも何本かやったんだけど、同じ方法論のやつは通用しないと思ったんで、メンバーがちゃんと映っているやつをやろうと。あと、今、何かを爆破したり燃やしたりするビデオがめっちゃ多いんですよ。トレンドだと思うんですよね。きっと、みんな鬱憤が溜まっているから。 ━━杉浦さん自身にも鬱憤や怒りの衝動はありますか。 杉浦　それは本当に、まったくない。 一同　（笑）。 杉浦　むしろ、感謝しかないですよ。でも、世の中的に怒ってる人が多いのはわかる。マジでキツいだろうなって。「燃やすしかないな」って気持ちになるのは、よくわかります。

━━“Bug”はどうでしょう？　これは日本語詞の曲ですけれども。 杉浦　ちょっと変わった曲ですよね。イレギュラーな曲で。“Outsider”を日本語で書いたので、もう一曲日本語で書こうというのは最初から決めていたんですけど、この曲を書いた時は並行世界にハマってて。北海道で１万円玉が見つかったとか、スペインでビートルズが解散してない並行世界に行っちゃった人の話とか、ヤバいのがいろいろあって。時間の歪みのようなものがあって、そういうところから曲になりました。だから、アコギ弾いているんだけど、小節の中で何拍目と何拍目がランダムで逆回転になったりしているんですよ。 筒井　オケはすごい凝ってるよね。 杉浦　あと、最初にフルートの音が入ってるんですけれど、あれは俺と筒井くんがマイ・ブラッディ・ヴァレンタイン（My Bloody Valentine）の初来日をクラブチッタ川崎まで観にいった時のことを思い出して。『Loveless』が出た頃で、みんな「このギターの音はどうやって出してるのか」って夢中になってたじゃないですか。あのフルートみたいな音をどうやってギターで出してるのか、どうしてもわからなくて。それでライブを観にいったらステージにフルートを吹いてる人がサポートでいたんですよ。「フルートじゃん！」って（笑）。それを思い出して、あえてフルートを入れたらいいんじゃないかって。 筒井　結果よかったね（笑）。 ━━この曲もそうですし、他にも“Ready To Play The Future”とかラストの“Something Great”とか、サイケデリックな感じの曲も多いですよね。じっくりと時間をかけて陶酔感を作っていくという。 杉浦　そうだね。みんなも好きだもんね、こういうの。 tonton　そうですね。