7月24日（金）～26日（日）の3日間、新潟・苗場スキー場にて開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL ’26＞（以下、フジロック）の出演アーティスト第2弾が発表。 第2弾では、新たに13組の出演者が発表。国内外で注目を集める気鋭アーティストから、SNS上やライブシーンで話題を集めるアーティストまで、今年のフジロックを象るにふさわしい多彩なラインアップが揃い踏み。さっそく日別に振り返ってみよう。

フジロック ‘25において、新ステージ ORANGE ECHOに登場したmaya ongakuが、今年も出演決定。昨年、初となるUSツアーを成功させ、アーシーでサイケデリックなサウンドで国内外から視線を集める彼らが、どのようなステージを魅せるのか、期待が高まる。

チケット先行販売開始！ 全券種の先行販売が開始された。フジロックのチケットは、早く買うほどリーズナブルな先行特別価格が適用されるほか、配送を選択すればリストバンドの事前受け取りが可能。 ※満15歳以下は保護者の同伴に限り入場無料（要写真付き身分証）となっている。 入場券のみ、キャンプ券、駐車券付きなど券種はさまざま。公式サイトのチケット詳細ページを要チェック！ チケット詳細ページはこちら

＜FUJI ROCK FESTIVAL ’26＞（以下、フジロック）が、2026年7月24日（金）〜26日（日）の3日間、新潟・苗場スキー場にて開催される。 本日2月20日、出演アーティスト第1弾ラインナップ全66組が一挙発表。出演日別ラインナップも公開され、早くもSNS上でも熱いリアクションが飛び交っている。 再始動となるアーティストから、長らく出演のなかった国内レジェンドの帰還、そして現在グローバルに活動する日本を代表するアーティストまで、現在の音楽シーンを網羅したラインナップが連なる。さっそく日別に振り返ってみよう。

初日のメインを飾るのは、昨年から活動を再開した The xx（ザ・エックス・エックス）。第1弾のヘッドライナーとして登場するのではと予想されていたが、2010年の初出演から数えて4度目、初のヘッドライナーとして登場する。 国内からは、1999年以来27年ぶりの出演となる Hi-STANDARD、結成30周年の ASIAN KUNG-FU GENERATION の出演が決定。この2組が同日に出演というのも話題に。 また、2026年のグラミー賞で2冠を獲得した米ボルチモアのハードコア・バンド TURNSTILE（ターンスタイル）、ブリット・アワード受賞のARLO PARKS（アーロ・パークス）、韓国インディーシーンを牽引するHYUKOH（ヒョゴ）、今春に3枚目の新作リリースが注目されるUSインディーロックSNAIL MAIL（スネイル・メール） アムステルダム発のサイケロック・バンドALTIN GÜN（アルトゥン・ギュン）、昨年のソロ弾き語りに続いて今年はバンド編成での出演となる奇妙礼太郎BAND、沖縄出身シンガーソングライターYo-Seaらなど、近年の音楽シーンを象徴するアーティストと、初日から盛り上がること間違いなし。

フジロックの2日目は、国内外から多彩なジャンルの実力派アーティストが並ぶ。 まずはじめに、2019年にフィールド・オブ・ヘブンに出演し幻想的なステージを届けてくれたタイ・ファンクの雄、KHRUANGBIN（クルアンビン）が再び登場。 そして、フジロック初出演となるシンガーソングライター藤井風（Fujii Kaze）。自然に囲まれる苗場のステージで、どんなパフォーマンスをみせてくれるのか期待が高まる。さらに初出場組には、グローバルな活躍を広げる7人組ガールズグループ XGにも注目。 ダンスミュージック・シーンからレジェンド勢も顔を揃える。THE CHEMICAL BROTHERSのトム・ローランズとAURORAによるスペシャルユニット TOMORA（トモラ）、シーンをリードし続けるDJ/プロデューサーユニット BASEMENT JAXX（ベースメント・ジャックス）が出演。 その他、KOKOROKO（ココロコ） 、 YUUF（ユーフ）、サニーデイ・サービス、 Kroi、 Bialystocks、 柴田聡子 など、音楽ファンから熱い支持を集めるアーティストが続々出演。どのステージも見逃せないラインナップだ。

最終日、まさにこれぞフジロックといった濃厚な面々が揃う。 トリップホップというジャンルを確立し、ブリストル・サウンドのオリジネーターとして世界的な影響力を持つMASSIVE ATTACK（マッシヴ・アタック）。2010年、豪雨のなか伝説と呼ばれたアクトから、実に16年ぶりとなる待望のカムバック。 続いて、2021年来の出演となるのは平沢進+会人。音楽の深化と進化を追及し続ける孤高の存在「師匠、ヒラサワ」を求め今年も馬骨が苗場に集結するだろう。さらに、世界的なブレイクを果たしたシンガーソングライターのMITSKI（ミツキ）、そしてポトロックのパイオニアMOGWAI（モグワイ）や、AMERICAN FOOTBALL（アメリカン・フットボール）、JAPANESE BREAKFAST（ジャパニーズ・ブレックファスト）といった、オルタナティブ・ロックシーンを代表するアーティストたちも名を連ねる。 そのほか、never young beach、Tempalay、浅井健一、GOGO PENGUIN（ゴーゴー・ペンギン）ら世代とシーンを象徴するアーティストがラインナップされている。 第1弾ラインナップ発表後のフジロック・ファンの歓喜による余波が残るなか、昨年に続いて3日間通しチケットが早々にソールドアウトする予感。以降の追加ラインナップにもまだまだ目が離せない。

チケット先行販売開始！ 全券種の先行販売が開始された。フジロックのチケットは、早く買うほどリーズナブルな先行特別価格が適用されるほか、配送を選択すればリストバンドの事前受け取りが可能。 ※満15歳以下は保護者の同伴に限り入場無料（要写真付き身分証）となっている。 入場券のみ、キャンプ券、駐車券付きなど券種はさまざま。公式サイトのチケット詳細ページを要チェック！ チケット詳細ページはこちら

26日（土）GAN-BAN SQUAREにはAAAMYYYが登場。Tempalayのメンバーとしても知られる彼女は、DJセットでオーディエンスをリラックスさせつつ、緩やかに熱を高めていった。観客はフジロックの夜の空気に包まれながら身体を揺らし、それぞれのスタイルで彼女の選曲を楽しんでいた。

Tempalayとしての活動やソロライブを精力的に行いながら、2児の母として日々を過ごすシンガーソングライター／トラックメイカーのAAAMYYY。最新作『THANKS EP』は、妊娠・出産を経た彼女のリアルな日常と、その中で見つめ直した“創作”と“人とのつながり”が、全編を通して反映された作品だ。

子育てによる時間的制約、心身の変化、家族や周囲への感謝の気持ち──そうした感情を抱えながら、時には寺にこもって制作に向き合った経緯や、chelmicoや鎮座DOPENESSとの共作エピソード、パートナーに向けた楽曲「救世主」に込めた想いまで、本作にまつわるさまざまな背景を語ってくれた。

──今回の作品『THANKS EP』には、妊娠・出産の影響が色濃く表れています。まずは、ここ最近の心境や近況、この作品が生まれるまでの流れについて教えていただけますか？

AAAMYYY：昨年はTempalayの活動も多かったですし、自分のライブもあって、かなりライブ中心の1年でした。その合間での制作だったのですが、長女の保育園のお迎えがあったり、土日は預けられなかったり、なかなか制作に集中できる時間が取れなくて。ゼロからトラックを作るには、やはり“余白”の時間が必要でした。一人でぶらぶら歩いたり、ぼーっとしたり、ゆっくり休んだり。そういう“何もしない時間”が、実はすごく大切なんだなと改めて感じましたね。

しかも子育ては、毎日ずっと続いていくものじゃないですか。この先どうやって制作と折り合いをつけるかを家族と相談していたのですが、7月にビルボード大阪でライブがあった際、「そのまま関西に滞在しちゃえば？」と提案してもらったんです。それで、大阪在住のバンドTAMIWのメンバーが持っているお寺のスタジオに1週間こもらせてもらいました。その間、子どもは家族にお願いして、いろんな曲の原型を作ることができたんですよね。他のアーティストに提供した楽曲もいくつか生まれたし、自分でも驚くくらい久しぶりに「たくさん作れた！」と思えました。

──今回のEPは、コラボレーションの多さも印象的でした。“一人で作るのではなく、いろんな人の力を借りて作る”ことが、一つのテーマだったのかなと感じたのですが。

AAAMYYY：最初は単純に時間が足りなくて、人の力を借りざるを得なかったんですけど、そこから“全部を自分で抱え込まない”というスタイルが自然とできていって。結果的に、それが作品全体のテーマにもつながった気がします。

──歌詞にも、感謝や愛があふれている印象を受けました。それと同時に“変化”や“成長”、さらには“人生の旅”や“終わり”といった視点も感じられて。そのあたりは、お子さんを育てる中で芽生えた感覚だったのでしょうか？

AAAMYYY：それはすごくありますね。特に「拝啓生きとし愛おしきあなた」は、その気持ちが色濃く出ている曲です。たしか書き始めたのは、第一子が生まれて1年か1年半くらい経った頃。初めての出産で右も左も分からず、目の前の状況をどうにか乗り越えるような毎日で。睡眠不足もすごかったし、“この子の命を守らなきゃ”という感覚が常にあって。

自分がちゃんと見ていないと、生きていけない存在がそばにいる。その事実が、ものすごく重くて……。栄養や睡眠環境にも神経質になっていたし、悪夢もよく見ていました。そういった心の状態が、そのまま曲に出ていると思います。

──〈いつかは必ず来るさよならの時はできるなら／ありがと愛してるって笑ってたいからさ〉という一節が印象的でした。育児や日々の忙しさの中でも、人の死や人生の終わりに思いを馳せるような感覚が込められている気がします。

AAAMYYY：もちろん、今一緒に生きている子どもへの思いが一番にあります。でも同時に、これまでの時間がどんどん遠ざかっていくような感覚もあって。

──というと？

AAAMYYY：たとえば、以前は気軽に行けていた飲み会も、今はそう簡単には行けない。昔は（小原）綾斗たちと朝までどうでもいい話をして笑い合っていたけど、その時間があまりにも当たり前すぎて、「今日は行かなくてもいいか」なんて思えていたんですよね。

でも出産して育児が始まってから、ふと「ああ、またああいう時間を過ごしたいな」と思うようになりました。思い出がじわじわとよみがえるというか、「あの瞬間、すごく楽しかったな」「またみんなに会いたいな」って、気持ちの向け方が少しずつ変わってきた気がします。

──第一子と第二子で、気持ちの違いもあったのでしょうか？

AAAMYYY：まず、心の余裕がまったく違いました。1人目のときは“理想の母親像”みたいなものを自分の中に抱えていて、それに近づこうと必死で頑張っていたんです。

でも、思った通りには全然いかなくて。産後って記憶力や集中力が落ちたりすることがあるんですよ。私も実際に忘れっぽくなったりして、「なんでこんなにできないんだろう？」って自分でも信じられない状態が続いて……。

──それが産後うつを引き起こすこともあると聞きました。

AAAMYYY：まさにそうです。パートナーに強く当たってしまうようなこともありましたね。「私ばっかりやってるのに、なんであなたは？」みたいに、つい比べてしまう。その差を埋めようと無理に“対等でいよう”として、でもそれってすごく不自然なバランスじゃないですか。結果的に、相手を責めるような言い方にもなってしまうし、攻撃することで自分の“正しさ”を確認しようするのは、自分を守るための本能みたいなものだったのかなと。

──子育てをされている人たちで、AAAMYYYさんのお話に共感する人はきっと多いと思います。

AAAMYYY：あと、当時の自分は“社会的な正解”みたいなものにすごく囚われていた気がしますね。さっきも言ったように、いわゆる“古き良き母親像”、。“こうあるべき”という価値観を無意識に引きずっていたんですよ。今はもうまったくそう思わないですけど。

もちろん、理想を持つこと自体は悪いことじゃないと思います。大事なのは、自分が苦しくなるような“正しさ”からは、ちゃんと距離を取っていいんだということですね。

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──子育てを通して、他に何か気づいたことはありますか？

AAAMYYY：“人に頼ること”が自然とできるようになったことです。もちろん、ご迷惑をかけている面もあるとは思います。が、まわりの方が本当に優しく受け止めてくださっていて。ありがとうって思う瞬間が、毎日の中にたくさんあるんです。日々、感謝の連続というか。

──その感覚は、「リラックス」の歌詞にも表れていますよね。〈なんといってもこればっかりは／お陰様お互い様〉とか。

AAAMYYY：あれは鎮座DOPENESSさんが考えてくれたリリックなんですけど、本当に象徴的だなと思いました。言葉にしなくても、こっちの大変さをちゃんと汲んでくれていて、さりげなく寄り添ってくれるような。鎮座さんならではの優しさが詰まっていて、リリックを読んだとき本当に感動しましたね。

──先ほど、お寺にこもっていた時期の話をしてくれましたが、お子さんが2人になって、日々の生活の中で制作時間を作るのも大変ではないですか？

AAAMYYY：ほんとにそうですね。今回のEPのリリックがしっかり書けたのも、お寺合宿とは別に、実はお正月の5日間だけもらえた“ひとり時間”があったからなんです。12月末から年始にかけて、家族や周りの人にお願いして子どもを見てもらって、その間は家でのんびり過ごしてました。銭湯に行ったり、サウナに入ったり、サウナのテレビで箱根駅伝を観たり（笑）。「HAPPY」のリリックも、実はそのお正月のタイミングで浮かんだんですよ。実家に子どもを預けて草津温泉に1人で行って、雪景色を見ながら温泉に入ってたら、「あ〜最高！」って、やっと力が抜けて。その瞬間にリリックがどんどん湧いてきて。

世の中って「どれだけ頑張ったか？」が評価されがちだけど、「ちゃんと休むこと」「自分を緩めること」も同じくらい大事なんだなって、そのとき強く感じました。まわりを見ていても、そういうのはわかってるのに、忙しさに流されて自分を追い込んでしまう人が多いなと感じます。頑張りすぎてうつになってしまったり、自分を責めたり……。そんな人たちに向けて、「セルフケアしていいんだよ」「自分を大事にしていいんだよ」「あなたは幸せになるに値するよ」という気持ちを込めたのが「HAPPY」のリリックです。

──この曲はchelmicoさんの普段の楽曲とはまた違ったテイストで、とても新鮮でした。お二人の新しい一面も引き出されていて、異色だけど印象的な1曲だと感じました。AAAMYYYさんご自身の楽曲としても、これまでにない浮遊感や明るさがあったように思います。

AAAMYYY：この曲のトラックは、お寺での合宿の時に作りました。これまでの自分の曲は、どちらかというと暗めで単調なものが多かったので、「もっとアゲアゲな曲もあっていいよね」という気持ちがあって。そこにさらに“陽”の要素を加えてくれる存在として、「これはchelmicoしかいない！」と思ってオファーしました。

私、彼女たちの曲がすごく好きなんですけど、今回はいつもの雰囲気とは違うこともやってみたくて。たとえばメロディを一緒に歌ってもらったりして、ふだんとは少し違うアプローチで、彼女たちの“今までにない魅力“を引き出せたらいいなという、ちょっとした下心もありましたね。

──「救世主」も、メッセージ性の強い、とても印象的な曲でした。

AAAMYYY：これは、完全にパートナーに向けて書いた曲です。さっきも話したように、私は当時“社会的な正解”を信じていて、それと“自分にできる現実”とのギャップを受け入れるのに結構時間がかかりました。もしかしたら、最初に産後うつっぽくなってしまったのも、それが大きかったのかもしれません。

そんな私に対して、パートナーもその家族も、本当に誠実かつ思いやりを持って接してくれました。自分の家族以外で、あんなふうに自然に優しく受け入れてくれる人たちに出会ったのは初めてでした。だから、「救世主」だなって思ったんです。

さっきも言ったように、昔の私は社会に絶望してるような暗い曲ばかり書く人間だったんですけど、彼らとなら自分も楽しく生きていけるかも、と思えるようになった。この曲は、そんな彼らへの感謝と、そうした気づきを込めた1曲です。

──トラックはMONJOEさんとの共作ですか？

AAAMYYY：今回は、MONJOEくんにほぼ丸投げでした。一応「こんな感じで」とリファレンスを渡していて、それはNewJeansだったんですよ。とにかくこの時はポップな曲が作りたくて。

彼は今すごくアクティブで、自費で韓国のソングライティング・キャンプに毎週のように参加しているくらい、制作が楽しくて仕方ないみたいなんですよ。私のソロライブでもDJをしてくれているので、音楽性や好みもよくわかってくれていて。「こういう感じで」と伝えたら、すぐにこのトラックが返ってきました。

──「そのまさか」では、冒頭にソーシャルメディアの話が出てきますよね。以前のインタビューでも、Xなどから距離を取っているとおっしゃっていましたが、最近はSNSとの向き合い方に変化はありましたか？

AAMYYY：私はもう、自己顕示欲がほとんどなくなっちゃって。“着飾る”とか“盛る”みたいな感覚が、自分の中からすっかり消えたんです。多分それは、“自然体でいる”ことに対して、今の自分がすごく肯定的になれているから。Xを辞められたことが、大きなきっかけだったと思います。今はInstagramも、上げたいときに上げるくらいの距離感。ビジネス的にはダメかもしれないけど、私にとってはすごく健やかなバランスなんですよね。

──この曲の〈はたから見たら外れた世界だが／誰も見れない景色が俺たちを待ってると／信じながらもまぁ気楽にいこうZ〉という一節が印象的でした。

AAMYYY：ミュージシャンって、ある意味水仕事だなって思っていて。Pecoriもちょうどこの間Number_iの「BON」って曲にラップ提供で参加して、それがすごく跳ねたんです。彼にとっても、大きな手応えだったんじゃないかな。ODD Foot Worksでずっと活動してきて、急にアリーナクラスのアーティストの曲に関わることになって。桁違いの規模を目の当たりにして、「ああ、音楽って本当にギャンブルなんだな」って。だから、あの歌詞にもそんな実感が滲んでいるのだと思います。

──Pecoriさんのリアルな感覚が反映されていたのですね。

AAAMYYY：音楽をやってる人って、極端な話、音楽しかできない人が多いと思うんですよ。私もそうで、音楽以外のことを人並みに器用にできない。でもなんとかこの世界でやってきていて、でも外から見たら“売れてないミュージシャン”もしくは真逆で“有名人”って思われがちだったりして。

──誰かに「音楽をやっている」と話すと、「食べていけてるの？」と聞かれることが多いという話はよく聞きます。

AAMYYY：そうそう。この間Tempalayが武道館をやった時も、今まで音楽にまったく興味がなかった親戚のおじさんが「武道館！？」って急に盛り上がってくれて。もちろん、作品を作ってそれでちゃんとご飯を食べていけるのが一番いいと思うんですよ。とはいえ、売れたら売れたで別の大変さも出てくる。そういうのを見ていると、程よく、楽しく、健康に音楽を続けるって、何より大切なことだなって思うようになりました。

もちろん、私一人じゃなくて、支えてくれるスタッフさんもいるので、その人たちがきちんと生活できるよう、みんなが音楽で食べていける健全なチームでいたい。そういう意味での熱量は、ちゃんと持ち続けていますね。そんな温度感で、これからもやっていけたらと思っています。

──AAAMYYYさんご自身のソロ活動には、今どんなスタンスで向き合っていますか？

AAAMYYY：最初の頃は、「ガーと行くぞ！」みたいな勢いでやっていました。でも、今は自分の状況もありますし、「ちょうどいいペースで続けていけたら」と思うようになりました。音楽って常に変わっていくものですし、そのときどきの自分のスタンスが一番色濃く反映されいてると思うんですよね。トラックも、歌詞も、その時の“ベスト”がそのまま出てくるというか。

インプットに関しては、子どもができてからは童謡やアニメの曲に触れる機会も増えましたし、音楽をじっくり聴く時間がなかなか取れないので、友達に「最近いい曲ある？」と聞いて、なるべく情報を集めるようにしています。リスニング量は減ったけど、そのぶん「人づての音楽」はすごく大事にしていますね。

──お子さんができたことで、たとえば子どもが好きな音や反応する音色・リズムを意識するようになった部分はありますか？

AAAMYYY：まだ成長の途中なので、好みも時期によって変わると思うんですが、今は実験段階という感じです。たとえば今は、車の中で私の昔のアルバム『BODY』を流すと気に入ったフレーズを何度も繰り返して歌ったりして。『バーバパパ』のサウンドトラックもよく一緒に聴いていますし、車のCDプレイヤーに入れている小原綾斗とフランチャイズオーナーのCDの中に、“同じことをずっとリピートしている曲”があって、それを延々と歌ってたり（笑）。

ちゃんと流行りもキャッチしていて、「Bling-Bang-Bang-Born」や「APT.」なんかも踊りながら聴くし、もちろんアンパンマンも大好き。でもだからこそ、自分が「これはいいな」と思って育ってきた音楽や作品も、ちゃんと触れさせてあげたいなと思っていて。親の好みも、さりげなく混ぜ込むようにしています。

結局、この10年でTempalayに重力は通用しなかった。他のどのバンドとも似つかぬ独特な軌道で、2024年の10月3日に日本武道館へと到達した彼ら。それは記念すべき祝福の日でありながら、飽くなき探究心に駆り立てられたメンバーの無邪気さが爆発した瞬間の連続でもあった。

「まもなく当宇宙船は離陸します」というアナウンスと共に、ライブの注意事項が場内に流れる。こういう遊び心は、Tempalayというバンドのポップな魅力を語るのには外せない。＜惑星X＞のHPでカウントされていた日数が0になり、各々が溢れんばかりの感慨を抱えながら集まった武道館。眼下のアリーナにはカラフルなグッズの数々を纏った“乗組員”の姿が見える。そう、我々は武道館に乗って＜惑星X＞を探索するのだ。

微かになっていたジェット音が唸りをあげ、ステージ両端のスクリーンに映る地平が遠くなる。ウーファーの振動が武道館の隅々にまで伝わる。とてつもない音響だ。そこから乗務員がコンセプトを説明するパートに突入。映像がサイケデリックに入り乱れ、長年活動を共にするPERIMETRONが早速コンセプトに沿った世界観へと引き込む。

そして壮大なスクリーン演出が続きメンバーが登場、待ちに待ったオーディエンスの大歓声を切り裂くように“のめりこめ、震えろ。”から派手にショーがスタートした。AAAMYYYのシンセサイザーは空間をスペーシーに引き伸ばし、藤本夏樹のドラムがライブバンドとしての重厚感をそこに加える。そして小原綾斗の、フロントマンとしての強烈な引力。彼らのワンマンライブ史上、最も大きなステージであるはずの日本武道館が、Tempalayが10年で培ってきたバンドとしての地力と早速呼応していた。

続く“人造インゲン”をシンプルなライティングで披露したかと思えば、“続・Austin Town”からはレーザーも登場しますますスペクタクルな空間に。サポートで参加したベースの榎元駿（ODD Foot Works）とパーカッションの松井泉が肉感的なダンスフロアを作り上げる。“とん”では小原が「惑星Xへようこそ！」と紹介し、サポートギター／シンセのOCHAN（NIKO NIKO TAN TAN）とブルージーに絡み合う。ウォームアップをすっ飛ばして、序盤からフルスロットルのセッションを堪能させる6人。オリエンタルな“ああ迷路”からインストナンバー“未知との遭遇”、そしてシームレスに“my name is GREENMAN”へと繋げ、余すところなくバンドとしての色を出し切る姿に、観客も抜群のリアクションで応える。

MCでは小原が感謝の挨拶を述べると共に、事前に公式SNSでも告知されていたAAAMYYYの第二子妊娠を改めて報告。「昨日生まれるかと思った」というAAAMYYYの言葉にはどよめきも。そして急遽参加することになったサポートのermhoiと和久井沙良が歓声に迎えられて登場。AAAMYYYが一旦退場して「どうぞよろしく！」とスタートしたのは“Booorn!!”、第一子の誕生に合わせて制作されたフレッシュな一曲だ。赤ちゃんの声がエフェクトに入り、スクリーンには胎児のエコーが映るなど、Tempalayなりの祝福なのだろうか。《全身全霊の泣きように泣きそうにね／知らずに育つよ こんな小さな心臓が鳴る》というリリックが一層深い意味を帯びて聞こえる。

ミドルテンポのビートからギターソロをきっかけにバーストする“Festival”、＜惑星X＞のコンセプトに適った荒涼とした地平がVJに映し出される“カンガルーも考えている”、そして“大東京万博”とバンドを黎明期から支える楽曲が次々に披露される。そのどれもが武道館にピッタリとハマり──むしろ、どんなキャパシティでも彼らの想定するスケールよりは小さいのかもしれない──、ネオ・サイケデリックバンドとしてのTempalayが10年で作り出してきた楽曲の新たな側面に気付かされる。

スナックのカラオケのように歌詞テロップが映し出され、往年のラテン歌謡のような風格さえ漂う“今世紀最大の夢”が終わると一本のレーザー光線が会場を貫く。それが途切れて始まったのは“脱衣麻雀”。「まさか」なのか「あえて」なのか「だからこそ」、ファンもどよめいた「あの」VJは来場者全員の脳裏にこびりついたであろう。この猥雑さも、Tempalayのエッセンスの一つなのだ。

PERIMETRONのクリエイティブが絶好調だ。“どうしよう”ではスクリーンに映るメンバーがリアルタイムでコミック風に変換され、“GHOST WORLD”では一際サイケデリックな演奏にジブジブと没入できるように演出。直後のMCでサポートメンバーが紹介されると共に、Tempalayのメンバーの家族が武道館へ来ている旨が伝えられると会場からは暖かな拍手が送られる。急遽の参加となったermhoiと和久井沙良も含め、彼らが築いてきた関係値は独特ながら唯一無二のものだ。

AAAMYYYが再びステージに登場し、撮影もOKとなった後半戦。早速AAAMYYYの麗らかなボーカルから幕を開ける“預言者”からアトモスフェリックに始まり、代表曲の一つでもある“革命前夜”を発射。メロウな時間を予感させたのも束の間、ここからさらにボルテージをあげてアッパーチューンを投げ続けていく。“新世代”のハウスを意識したリズムセクションでは武道館が一気にダンスフロアへと華やぐ、この宇宙船はどれだけの顔を持っているのだろうか？

小原綾斗は、その直後のMCで「やめなくてよかった」と切に語った。その重みは各々の胸に刻まれただろう。彼らの足跡を振り返るとして、確かにその道が平坦でなかったことは確かだが、むしろ彼らは新時代のジャパニーズ・ロックバンドとしてのパイオニアを積極的に果たしてきたと言えるのではないか。彼らの軌道が未来への糧になるのならば、この武道館のステージはより大きなものになる。その予感を引っ張り上げるように披露された“愛憎しい”はこの日のハイライトであり、小原の「ありがとう！」というシャウトは屋根の外まで飛び出しそうなほど響いていた。

最新アルバム『((ika))』のナンバーを立て続けに披露し、本編ラストはメランコリックな“そなちね”で終了……いや、もちろんまだ終わりたくない。アンコールの拍手に迎えられて暗い照明のままメンバーがゾロゾロと登場し、ステージの両端へとふいにライトが当たる。そこにいたのはコーラス隊、束の間の美声に歓声が上がった。サックス・小西遼の伸びやかなトーンも相まって、ゴスペル調の“続・New York City”が醸す祝祭的なムードは、今日という日にピッタリだ。

この日を締めくくる“LAST DANCE”は＜惑星X＞を作り上げてきたスタッフたちのエンドロール。そして最後に映し出された「TEMPALAY」の文字がフッと消えると客電が一気に付き、開演前と同じ地平が両端のスクリーンに広がっていた。万雷の拍手が瞬間鳴り響き、かくして約2時間の星間旅行は幕は閉じた。2024年10月3日（木）、忘れることはないだろう。

──このインタビューをしている時期が、ASIAN KUNG-FU GENERATIONの皆さんが夏フェス出演を終えて間もないタイミングということもあり、是非感想をお聞かせください。＜SUMMER SONIC（以下、サマソニ）＞については、17年振りの出演とのことで、かなり久々でしたね。

喜多　そうですね。＜サマソニ＞は個人的に遊びに行っていたので、長い間出演していなかったことにびっくりしました。＜RISING SUN ROCK FESTIVAL＞でのライブも、＜サマソニ＞でのライブも、現在行っているツアー（※ASIAN KUNG-FU GENERATION Tour 2022＜プラネットフォークス＞）で培ってきた今のバンドの良いところが出せたという手応えがあります。セットリストに関しても、いつものフェス向きのセトリではなく、ツアー寄りの選曲をできましたしね。＜サマソニ＞では、UKバンドに挟まれたタイムテーブルということもあったので、そういう意味でもかなり楽しんで演奏できました。

山田　セトリは大きいステージに映える選曲だったし、＜サマソニ＞東京編は特に、会場の空気感とフィットした感覚がありましたね。結構コアなセトリだったので、昔の楽曲を聴きたいというお客さん側の想いもあったと思うのですが、自分たちの新しい曲を聴いてほしかったからね。そういう意味では、ライブの良さと併せて届けられたと思っています。

伊地知　ツアーでサポートしてくれている二人（※Achico(Ropes)、George(Mop of Head)）と一緒にできたというのも良かったよね。すごく心強かったです。フェスってリハーサルができないんですけど、ツアー前半を終えてステージングも固まってきた状態だったので、ストレスを全く感じることなく本番を迎えられました。

後藤　自分たちがフェスに出られる喜びというのも勿論あったんですけど、主催側のスタッフの皆さんの笑顔を見ていると、こういうフェスにも当然存在する意味があって、誰かの切実な生活であり、仕事であるんだなと再確認できましたね。「仕事だから」と全てが守られなければいけないとは思わないけど、何年か我慢した先に、このタイミングでこうして形になって良かったなと思いました。観客の方たちにとっても「ルールを守りながら、皆で新しいフェスの在り方に向けて、音楽ファン同士考えていこう」という空気を共有しつつ、それを確認する場所になっていると思いますし。なので率直に、こういう場があるということがありがたいなと思います。

──今年のフェスは、再確認の場である一方、ASIAN KUNG-FU GENERATIONの皆さんにとっては「現在のバンド」を示す場としても大きな意味を持っていたということですね。その上で、最新作『出町柳パラレルユニバース』についてじっくりとお聞きしたいと思います。“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”は、メロディは共通ししつつも歌詞が異なる楽曲ということで、これは斬新なアイデアですね。

後藤　江ノ島電鉄の各駅をモチーフとした『サーフ ブンガク カマクラ』というアルバムを2008年に出した際に、全15駅中の10駅分しかリリースできなかったんですよ。そこで、残り5駅分の楽曲を作っていく過程で、今回の『四畳半タイムマシンブルース』というアニメ作品にすごく合うようなアイデアが生まれたんです。この『四畳半タイムマシンブルース』という物語は、京都という街を舞台に、タイムマシンを使いながら色々な青春が同時進行されつつ、実はそれらが繋がっている──という不思議な世界を描いているんですよね。そういう部分でも、京都の青春と、鎌倉の青春と、さらには僕たち自身が経験した横浜の青春が同時進行するというパラレルワールド感を、“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”の構成や歌詞の違いで表現できたら面白いんじゃないか？　というふうに考えて、制作しました。

山田　僕は、作品の京都感と鎌倉のイメージは共存できるのか？　と疑問を抱いた派だったんです。曲としてはめちゃめちゃ良かったので、なんとか合致させられたら美しいなとは思っていたんですけど、これまで『四畳半神話体系』や『夜は短し歩けよ乙女』にも関わらせて頂いていたので、作品が持つイメージも分かっていましたしね。なので、最終的に見事なまでに融合できたので、これは素晴らしいことだなと。

後藤　今回の話を進めていく上での一番の障壁は、山ちゃんでした。

全員　（笑）

伊地知　僕はアリ派でしたね。以前『四畳半神話大系』の主題歌をやったこともあって、今回のストーリーがそこと繋がっている作品じゃないですか？　曲調も近いし、これは合うんじゃないかと思いました。実は“荒野を歩け”も、『サーフ ブンガク カマクラ』の続編として採用予定の楽曲だったんですよ。

──え、そうなんですか？

後藤　そうそう。その為にストックしていた楽曲だったんですけど、『夜は短し歩けよ乙女』の話がきたので、手持ちの曲で一番良い曲だったその曲を渡したんです。今回もコンセプト的には、僕の趣味であるパワーポップを全開にすればハマるんじゃないか？　と思っていた節はありますね。

──驚きました。“荒野を歩け”然り、今回の“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”然り、不思議な繋がりがあるんですね。

後藤　そうなんですよ。何故か分からないけど、どんどん京都に吸い寄せられていっちゃう。何か魔力のようなものがあるんでしょうね、不思議ですけど。

──コメントでは“迷子犬と雨のビート”と“荒野を歩け”との繋がりも考えたとありましたが、ここの部分はどのように意識されていたんでしょうか？

後藤　僕はこの3曲を「ラルラルラ三部作」と呼んでいるんですが、「ラルラルラ」という歌唱部分は共通項になっていますね。ああいうポジティブなメロディを歌うというのは、生きていることを謳歌していることにも繋がると思うので、そういった“喜び”というフィーリングは共通させるように意識しました。

──“迷子犬と雨のビート”の《風のない午後を恨むような》というフレーズから、《午後からは街の風になって》という歌詞へ繋がったり、“荒野を歩け”の《「君らしくあれ」とか／千切ってどこか放す》から《君らしく踊ればいいじゃない》に繋がったりしているのでは？と考察していましたが……。

後藤　なるほど。そこまでは狙っていなかったです。でも、フィーリングとしては同じところから持ってきているので、使う言葉が似通うことはあると思います。

──なるほど。あとは「柳」「狸」「出町」「小路」「小町」といった言葉で、“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”との繋がりを表現されていますが、これも京都と鎌倉の美しき縁だなと思いました。

後藤　でもここで「狸」を出していることによって、最終的には“狸小路パラレルユニバース”も作らなきゃいけないんですよね。

伊地知　あはは。札幌のね。

後藤　そうそう。まぁ「狸」っていうのはふざけて入れたんですけどね。

──でも“追浜フィーリンダウン”の「追浜」は京浜急行本線の駅名ですし、スケールは着実に広がっている感はありますね。

後藤　喜多くんが作った楽曲に“八景”があるので、そことも上手く繋がっていますよね。あの辺りの駅って、駅メロがミュージシャンの楽曲になっているじゃないですか？　どこかの駅でアジカンの楽曲を使ってほしいという気持ちがないといえば嘘になるかな。

喜多　この記事が駅関係の方の目に留まればいいね。

──張り切って周知します（笑）。この楽曲は、後藤さんと喜多さんが作曲を手掛けたということですが、歌唱パートの入れ替わりや、喜多さんパート・後藤さんパートにおける歌詞のニュアンスの違いも面白いなと感じました。

喜多　これは元々、ゴッチ（後藤）から、僕が歌うカップリングを久々に入れたいんだよね、というリクエストがあって書き始めたんです。それを皆で合わせていた時に、「ここはこうした方がいいんじゃない？」という感じでゴッチが仮歌を入れていたんですけど、それを聴いた時に、そこはそのままゴッチに歌ってもらった方がいいなと思って。そこから初のツインボーカル曲として仕上げていきました。

後藤　僕は建ちゃん（喜多）の歌を“ドブ声ファルセット”って呼んでいるんですけど（笑）、僕が歌っているパートは、文字数も多いし、雰囲気的にもそこは建ちゃんじゃないな、と思ったんですよ。あと、歌詞に関しては、一日で書きました。

喜多　オケの翌日には歌録りでしたからね。

後藤　僕、歌詞を書くのがめちゃくちゃ早いんですよ。なぜならば、歌っちゃえば必然的にその歌になると思っているからなんですけど。一言一句完璧な歌詞なんて存在しないと思っていますし、こだわりがない訳ではないんだけど、歌詞に関して“間違ってはいけない”という考えはないんです。自分が書いた歌詞なんだから、録り終えた後でも変えちゃえばいいと思ってますし、歌っていて気持ち良い方を優先するというか。

──なるほど。でも確かに、歌詞の内容的にも、ナイーブになっている部分と《海へ行こう》と開き直る部分とのコントラストを鑑みると、ツインボーカルがぴったりハマっているなと思いました。

後藤　僕らが大学生の頃に初めてライブで演奏した曲がThe Beatlesの“Help!”なんですけど、《ヘルプ！》以降の歌詞は、そこから引用しているんです。なので、分かる人は笑ってくださいという気持ちもあります。

──おぉ。ここでも鎌倉＝海とのシンクロのみならず、バンドとしての過去と現在がシンクロしているんですね。引用で言えば、“柳小路パラレルユニバース”には、WEEZERの “Buddy Holly”のフレーズも出てきますし、色々と散りばめられていますね。

後藤　その《BGMはバディ・ホリー／メアリー・タイラー・ムーアはいないけど》のところは僕も気に入っているんです。リフにもWEEZERの“Surf Ｗax America”の引用も入っていたりして、『柳小路パラレルユニバース』は、そういった90年代っぽい色んな面白引用が随所にあるので、より楽しめると思います。

──今後の楽曲に対しても期待が高まります。ここで“出町柳パラレルユニバース”と“柳小路パラレルユニバース”の話に戻りますが、この2曲は、サウンド的にはどのようにして違いを出していったんですか？　分かりやすいところでいえは、アウトロの違いがありますが。

後藤　“出町柳パラレルユニバース”のアウトロは、タイムマシン＝時空が歪んでいるという雰囲気を出すために、セブンスコードを入れつつ、サイケデリックさとシュールさを共存させていきました。そこを含めて“出町柳パラレルユニバース”では、途中のエフェクトに関してもサイケデリック感を前面に出しています。他にも、演奏マナーが違いますね。“出町柳パラレルユニバース”は、エフェクトのかけ方やミキシングなどのポストプロダクションを『プラネットフォークス』＝現代風の延長線上で行っていったんです。一方“柳小路パラレルユニバース”に関しては、我々が過ごした90年代のオルタナティブ／パワーポップの音楽的手法を踏襲して行いました。なので、実は音楽的な音の処理の仕方が違うんですよ。聴いても分からないところも多いんですけど、作っている側としては、そこの部分はかなり作為的にやりました。

喜多　レコーディングをした時期とスタジオも違うんですよ。“柳小路パラレルユニバース”の方は藤沢の方のスタジオで録って、“出町柳パラレルユニバース”は都内のスタジオで録ったので、音の鳴りも異なりますね。

伊地知　場所と時期の違いにおけるドラムへの影響は結構あったと思います。“柳小路パラレルユニバース”の方はかなり大きな空間で、“出町柳パラレルユニバース”の方は、天井もそんなに高くない場所だったので、音の反響の違いは大きくありました。なので、聴き比べてもらうと面白いかもしれませんね。あと、“柳小路パラレルユニバース”は、『サーフ ブンガク カマクラ』をレコーディングした場所と同じところで録ったんですよ。

──そうなんですか！　時を超えて、同じ場所で続きが作られたというのは、『サーフ ブンガク カマクラ』好きとしてはかなりグっときます。『サーフ ブンガク カマクラ』は全曲一発撮りの作品だったと思うのですが、“柳小路パラレルユニバース”も同様ですか？

伊地知　完全に一発録りではないんですけど、ほぼ同じですね。ドラムとベースは一緒に録って、全体的にもテイクを重ねる回数は少ないです。

山田　ベースは逆に、2曲の中で同じ部分を探っていくというか、共通する要素をあえて残すように意識していました。違う部分と同じ部分が2曲間に散りばめることでパラレル感を演出していく、というところが面白かったですね。

後藤　この曲は、潔にブチ切れながら録ってましたね。なんで邪魔すんだよ！　って。まあ、それは俺の勘違いだったんですけど（笑）。

伊地知　そうそう。ブリッジの前の裏返るところね。

後藤　40歳過ぎてもそういう喧嘩はなくならないですね。だれも邪魔しようとなんていないのに、気に食わない演奏をした人の事を「邪魔してる」って言っちゃう（笑）。

──ははは！　そういう尖った部分もまた、作品の青春感に繋がるのかもしれませんね。今作にはWEEZERの“I Just Threw Out The Love Of My Dreams”のカバー楽曲が収録されていますが、なぜこのタイミングで、この楽曲を入れようと思ったんですか？

後藤　この曲は、WEEZERのシングル作品『The Good Life』のＢ面に入っていた楽曲なんです。僕は『サーフ ブンガク カマクラ』に入れられなかった5曲のことを、WEEZERの2ndアルバム『Pinkerton』と掛けて「サーフ ブンガク カマクラ 半カートン」と呼んでいるんです。WEEZERが『Pinkerton』に向かってリリースしていた“El Scorcho”や“The Good Life”などのシングルがめちゃくちゃ良かったということもあって、彼らのそうしたシングルワークを彷彿とさせる方法で。自分たちも『サーフ ブンガク カマクラ』の完成に向かっていこうという意図で、今回カバーしました。AAAMYYYについては、Tempalayで一度アジカンのツアーに参加してもらったこともあって、彼女のソロも大好きだし、以前からいつか一緒にやってみたいなと思っていたので、声をかけさせてもらいました。

──なるほど。でも、これまでお訊きしたお話を振り返ってみても、今作は『四畳半タイムマシンブルース』の物語同様、ASIAN KUNG-FU GENERATIONの現在・過去・未来を行き来する作品になっているように思います。

後藤　そうですね。まあでも、綿密な設計をした上で始めた訳ではなく、面白いことがあればそれにどんどん乗っかっていくという行き当たりばったり的な進み方があったからこそだと思いますよ。「よく練られてますね」と言われればポカンとしちゃうし、とはいえ「何も考えていないのによく出来ましたね」と言われればムっとしちゃうので、微妙なところではあると思いますけど。

──結成25周年ということもあるので、バンドとしての総括的な意味合いもあるのかな？と勘ぐってもいましたが、そういう訳ではないと。

後藤　総括感はないですね。というよりむしろ逆で、何をやってもいいよね、という空気感になっているように思います。意味を持たせるとか、何かをしなければいけないとか、そういった概念からは解き放たれているというか。さらに言うとそこに付随して、バンドに対する考え方も変わってきている感覚はあります。大学時代からの友達とやっていることなので、めちゃくちゃレアな関係だと思うんですよ。仕事とも言い切れないところもあるし、＜サマソニ＞で演奏している時も「これを仕事と呼ぶのは違うかもな、だって仕事がこんなに楽しい訳ねぇもん」と思ったんですよね。音楽っていうのは不思議なものだなと思うし、こういう出会いって人生の中で何回も起きないはずだから、もう楽しんでやることが一番いいなとは思います。なので、作曲に関しては、特に25周年という節目を意識せず、朗らかに、リラックスしながら楽しんでやれています。

山田　もちろん仕事っぽく感じることはありますけど、最近は特に、ステージに立っていて楽しいと思える瞬間が増えてきている実感がありますね。コロナ禍を経ているということもあるんでしょうけど、「仕事」という言葉の枠を超える幸せを感じますね。

喜多　うんうん。ツアーにしてもフェスにしても、大勢の人の前で演奏ができるということに対する喜びは、特に大きく感じるね。

伊地知　バンドの雰囲気はめちゃくちゃ良いよね。でも、フェスに呼ばれるバンドでいなければいけないという使命感は衰えていないですし、まだまだ若い奴らには負けてらんねぇぞ！　という気持ちは強くあります。

──そういった良い雰囲気が構築されたと実感したのは、ここ最近ですか？

後藤　ここ数年ですね。コロナ禍もあったからかな？　純粋に、バンドが続けていられてるってすげぇなと思っちゃって。でも、洗練された音楽をやる若いバンドが増えてきたこともきっかけのひとつかもしれないな。それこそ25年くらい前のロックバンドって、限られた情報の中で正解を想像しながら、デタラメのまま世に出ていったと思うんですよ。往々にして間違えているというか。その点、今のバンドってめちゃくちゃ上手い。環境が違っているだけかもしれないですけど、そんな育ち方をした僕たちがここまで続けてこれたというのは、ただただありがたいことだし、当たり前だと思っちゃいけないなと思いますね。

──なるほど。

後藤　『Wonder Future』（※2015年リリース）ぐらいまでは、新しいことをやってくれよ！　ってメンバー同士でピリピリしていましたけどね。そういう気持ちが完全になくなった訳ではないですけど、興味の向きが変わったのかもしれないです。その頃は、例えば山ちゃんが、ある日突然びっくりするような必殺技を持ってくることを期待していたんですけど、今は「何が得意なんだろう？」というベクトルで考えられるようになったというか。俺らも40歳を超えましたし、フィジカル強化で勝負するのではなく、アイデアやフィーリング勝負でいこうという考え方になりました。そうなると、バンド内の風通しが良くないとやっていけないとは思うので、今の状態はかなり良いですね。まあそれも、ターニングポイントがあったこその変化ではなく、徐々に変化していったものです。

──その柔軟な考え方に行き着くまでには、25年という年月は短すぎず長すぎず、といった感じだったんでしょうか？

後藤　バンドによるとは思いますけど、それくらいかかるんじゃないんですかね？　やっぱり、続けてみないと分からないことってあると思うのでね。

80年代にはまだストリート＆アンダーグラウンドだったヒップホップが、各々のローカルを飛び出し勢いよく世界を魅了した90年代、アイルランドからロサンゼルスへ写真の勉強をしにやってきた1人のアーティストがいた。後に「B＋（ビー・プラス）」という名でフォトグラファーとして活動し始めてからは、ヒップホップアーティストをメインに数々のポートレートを撮影。このジャンルが少しでも好きな人であれば、きっと一度はB＋が撮影した写真や映像を目にしたことがあると思う。 そのヒップホップ界にて生きるレジェンドフォログラファーB＋が、約3年半ぶりに東京・渋谷にあるTRUNK HOTELにて個展＜12th presents Tried by Twelve：photography by B＋＞を開催した。

新旧問わず、これまでにB＋が撮影をした写真の中から選ばれた12枚のヒップホップアーティストたちのポートレート……Damian Marley、Erykah Badu、Flying Lotus、Jay Electronica、Kamasi Washington、Kendrick Lamar、Lauryn Hill、Madlib、Notorious B.I.G.、Ol’ Dirty Bastard、Questlove（The Roots）、Thundercat（アルファベット順）らの姿を捉えた大きなサイズのポートレートが、各々の世界観を放ち壁一面に展示されているギャラリーの空間は圧巻だった。   今回の個展は、今年2月にコロナでこの世を去った、B＋の友人であり、ロサンゼルスをベースにラジオ番組を中心にレコードプロモーター、DJとして活躍をしていたByze Oneへの追悼の意を表したものでもあり、タイトルは1996年にリリースされたThe East Flatbush Project「Tried by Twelve」より引用。ブルックリン発の名曲を、当時ラジオでロサンゼルスに広めたのがByze Oneだったのだそうだ。

7月15日（金）～18日（月）まで、4日間に渡り開催された個展では、7月15日（金）の夕方からはB＋も在廊しレセプションパーティを開催。会場にはヒップホップカルチャー、ストリートカルチャー、そしてアートにゆかりのある人々が、年齢層幅広く続々と来場。ファッションディレクターの小木”POGGY”基史、BEDWIN & THE HEARTBREAKERSデザイナー／DAYZディレクターの渡辺真史などファッション界で活躍する人々から、Rip SlymeのILMARIとRYO-Z、WISE、Tempalayの小原綾斗、PERIMETRON／millennium paradeのShu Sasaki、NITRO MICROPHONE UNDERGROUNDのXBS、K DUB SHINE、DJ BAKUなど音楽界で活躍するアーティストたちが姿を現した。

またギャラリーと併設しているTRUNK HOTELのロビーでは、7インチコレクターでもあるB＋が自らDJプレイをしたほか、IZPON、ARIWA（ASOUND）、applebum team、dayz team、Tasshin（田代音造園）、12th teamなどが、ヒップホップ、レゲエ、ダブ、ブレイクビーツとビートの効いた選曲でDJプレイ。ロサンゼルスからレコードを持ってきたB＋は実に楽しそうにソウル、ファンク、カリビアン、南米系のサウンドをプレイし、音楽が本当に好きなんだなと感じさせてくれる一面を見せてくれた。

来場をしている人たちを見て感じたことは、それぞれにお気に入りのアーティストがいて、その写真（ポートレート）の前で記念撮影をする人たちの姿が多かったということ、またB＋という写真家を通じて各々のアーティストたちの魅力を改めて感じた人たちも多かったのではないだろうかということ。そしてアート好き、音楽好きが多く集まったからか、この先もヒップホップ史上に記録されていB＋による世界最高峰の写真と、グッドミュージックに溢れたTRUNK HOTELの1階の空間は始終良い空気感で溢れかえっていた。