BADSAIKUSH表紙の書籍『BLUEPRINT THE RECORDS 001』が刊行。HIPHOPメディア『BLUEPRINT THE MAGAZINE』の総集編として、BADSAIKUSHの2万字超インタビューや豪華アーティストの対談を多数収録。CYZO BOOK STOREで先行予約受付中。
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BADSAIKUSH（舐達麻）が表紙を飾る書籍『BLUEPRINT THE RECORDS 001』が刊行された。6月11日（木）より、CYZO BOOK STORE限定で先行予約販売がスタートしている。 『BLUEPRINT THE RECORDS』は、HIPHOPカルチャーのアーカイブメディア『BLUEPRINT THE MAGAZINE』の総集編として新たに刊行される書籍シリーズである。今号は株式会社サイゾーより発売される。 創刊号となる『BLUEPRINT THE RECORDS 001』では、日本語ラップシーンに大きな足跡を残してきたヒップホップクルー・舐達麻のBADSAIKUSHを表紙に起用。巻頭では28ページにおよぶ2万字超のロングインタビューを掲載し、「俺にとってヒップホップって文学なんですよ」という言葉とともに、舐達麻の現在、ヒップホップという生き方、家族との向き合い方、そして自身の偽らざる心境について語っている。 舐達麻は2019年のアルバムリリース以降、近年は表舞台に立つ機会も限られてきた。本書では、数年の沈黙を経たBADSAIKUSHが「外部の事情なんて、入り込む余地はない」「音に導かれ、言葉と生きる」をテーマに、その重い口を開く。
また本書には、過去の『BLUEPRINT THE MAGAZINE』に掲載されたインタビューも収録。Zeebra、SEEDA、ILL-BOSSTINO（THA BLUE HERB）、ANARCHY、LEXをはじめ、7、JNKMN、$MOKE OG、GREEN ASSASSIN DOLLAR、DJ TATSUKI、Brooklyn Yasらのロングインタビューが再録され、日本のHIPHOPシーンを多角的に振り返る内容となっている。
『BLUEPRINT』編集部は、本書刊行の理由について、「HIPHOPは、ライフスタイルであり、生き様であると思う」と説明。ラッパーたちの生い立ちや日常、楽曲の背景にあるリアルな思いを記録し、「消費はされるけど、風化はしない」アーカイブとして残していきたいとしている。 さらに、公式YouTubeチャンネル『BLUEPRINT THE MOVIE』では、BADSAIKUSHのロングインタビュー動画を順次公開。誌面と映像の両面から、その言葉に触れることができる。
Text&Edit by Qetic編集部
INFORMATION
| 仕様 | 発売元：株式会社サイゾー / 188ページ |
|---|---|
| 価格 | 3,600円＋税（税込3,960円） |
| 販売 | CYZO BOOK STORE（先行予約受付中） |
収録アーティスト
BADSAIKUSH（舐達麻） Zeebra SEEDA ILL-BOSSTINO（THA BLUE HERB） ANARCHY LEX 7 JNKMN $MOKE OG GREEN ASSASSIN DOLLAR DJ TATSUKI Brooklyn Yas
公式リンク
Official Site YouTube Instagram X TikTokお問い合わせ
| 窓口 | BLUEPRINT™ Shunichi Oda（FOUNDER） |
|---|---|
| homie@the-blue-print.jp | |
| TEL | 080-5933-0011 |
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]]>ブラジル・サンパウロを拠点とする身体表現作家 Aun Helden（アウン・エルデン）の来日公演が6月26日（金）、京都に位置するライブスペース 外（SOTO）にて開催される。 ドイツを拠点とするオルタナティブカルチャー […]
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ドイツを拠点とするオルタナティブカルチャー/アートマガジン『MOLS MAGAZINE』を主宰するAri Matsuokaとのつながりを通じ、開催される今回の来日公演。アーティスト/映像作家のJACKSON kakiによるアートコレクティブ EMTIRE AXON MOSQUITO（E.A.M.）が主催し、＜NAA＞と題された本公演は、Aun Heldenによる日本ツアーをきっかけとして始動。音響彫刻・身体表現・実験音楽・空間演出を横断しながら、“現代における儀式性”を再構築する試みとして立ち上がった。
本公演では、音響彫刻・空間演出・即興表現を軸に活動するアーティスト NA2による約2年ぶりのライブパフォーマンスを中心に、儀式、死、再生、他者性をテーマとした強い身体表現を行うAun Helden、そしてインターネット以後の私的感性を独自の世界観として構築する天使天国を招聘。さらに、オープニングアクトとしてgen seiichiによる電子音響が空間の門を開き、異なる身体性・感覚性を交差させるという。
また、会場では『MOLS MAGAZINE』によるZINE販売・関連展開も予定。ライブイベントに留まらない文化交流/記録媒体としての側面も含んだ企画として進行する。＜NAA＞のチケットは、現在前売り予約受付中。お近くの方は、ぜひ足を運んでみてはいかがだろうか。
EVENT INFORMATION
Presented by NA2 & SOTO/ Supported by MOLS MAGAZINE
日程：6月26日（金） 時間：OPEN 18:00 会場：外 - soto 住所：京都府京都市左京区鹿ケ谷法然院西町１８ ACT : Aun Helden 天使王国 Gen Seiichi NA2 チケット： 前売り予約：3500円 当日：4000円© Qetic Inc.
]]>開催20周年を迎えた都市型フェス＜GREENROOM FESTIVAL＞。オーガナイザー釜萢直起が、JON BATISTEら豪華ラインナップの裏側と、横浜で目指すフェスの未来を語る。
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音楽フェスが全国各地にあふれ、規模や話題性だけでは差別化が難しくなった現在においても、独自の存在感を放ち続けているのが横浜・赤レンガ倉庫で開催される〈GREENROOM FESTIVAL〉以下、GREENROOM）。“Save The Beach, Save The Ocean”をテーマに掲げ、音楽とアートを軸にしたカルチャーフェスを20年以上にわたって続け、「都市型フェスの理想形」とも言える立ち位置を築いてきた。その背景には明確なコンセプトと、時代に合わせて進化を続けてきた柔軟なスタンスがある。本企画では同フェスのオーガナイザーである釜萢直起氏へのインタビューから、〈GREENROOM〉が支持されている理由と、都市型フェスが持つ思想や在り方をひも解いていく。
Interview：釜萢直起
フェスの原点はアメリカ・ラグナビーチ 雪の2月に開催された伝説の第１回目
──釜萢さんは地元が町田で、原体験としては中高でサーフィンやスケボーに夢中になり、大学時代にはサーフィン目的でシドニーに留学。フェスに関しては、〈MOONSHINE FESTIVAL〉（アメリカ・ラグナビーチ）に影響を受けて〈GREENROOM〉を始めた、と過去のインタビュー記事で仰っていました。 〈MOONSHINE FESTIVAL〉に行ったのは2004年。『The Surf Gallery』のWill Pennartz（ウィル・ペナーツ）や、『The Moonshine Conspiracy』というクリエイティブ集団のChris Malloy（クリス・マロイ）などがオーガナイザーで、アーティストだけではなくフィルマー、ペインター、ギャラリーのオーナー、ミュージシャンのマネージャーなど多様な人とカルチャーが混ざり合う現場に影響を受けました。〈MOONSHINE FESTIVAL〉を見て帰国したのが2004年の9月。そこからすぐに準備を始めて、2005年の2月に第1回目の〈GREENROOM〉を開催しました。 ──サラッと語っていますが、帰国から開催までの期間がかなり短いですよね。 そのときは火がついていたので。〈MOONSHINE FESTIVAL〉のオーガナイザーに「このフェスを日本でもやれないか」という話はしていて、初めは〈MOONSHINE FESTIVAL JAPAN〉のような形をイメージしていました。ただし資金難でフェス自体がなくなってしまって、途中からは「自分たちでやろう」という方向にシフトして、オリジナルの名前で開催することになりました。なので〈GREENROOM〉は〈MOONSHINE FESTIVAL〉の意思を引き継ぐフェスです。 ──〈GREENROOM〉開催に至るまで、特にどのような点で苦労しましたか？ フェスを開催する前、GREENROOMという会社はブランドのブランディングや編集プロダクションがメインの事業で、自分としても以前は『warp MAGAZINE』という雑誌で働いていて音楽やライブは近いものでしたが、音楽イベントを開催したことは1度もありませんでした。 〈GREENROOM〉の制作を受けてもらうためにいろいろな会社にお願いしましたが、こちらはフェス界隈ではまったく無名でしたし、素人が来たみたいな感じでどこもダメでしたね。なので自分たちでなんとか作っていって、第1回目の〈GREENROOM〉を開催しました。
──第1回目の〈GREENROOM〉で特に印象的なエピソードを教えてください。 いま振り返ってもなぜと思いますが開催は2月。雪が降る中で100名ぐらいが並んでくれたのは印象的でしたし、すごく感動しました。初回はTommy Guerrero（トミー・ゲレロ）やRay Barbee（レイ・バービー）など海外のアーティストと、日本のバンドが半々くらい。当時は海外アーティストを招聘する難しさも素人すぎてわかっていなかったけれど、出版やブランドの事業でサーフィンやスケートボード界隈の繋がりはあったので、とにかくパッションでオファーしました。 ──今回は〈GREENROOM〉の現在のお話をメインにお聞きしたいので少し駆け足になりますが、そこから5年・10年・15年とフェスを続けていく中で感じた変化は？ まず開催場所が、大さん橋から赤レンガに移ったのが大きな変化ではありましたね（2010年〜）。あとはブッキングを含めお客さまに喜んでもらうクオリティを上げることに邁進してきた20年ではありますが、フェスはプロモーターがブッキングを担当しているのが多い中、自分たちはインディペンデントなやり方だったので、最初はなかなか苦戦しました。 それでも10年目ぐらいから流れが変わって、海外の旬なアーティストを呼べるようになったり、ペインターやアーティストたちが作品を出してくれるようになったりして。あと赤レンガに移ったことでマーケットも拡大していきました。〈GREENROOM〉は無料エリアにもライブステージがあって、DJがいて、いろいろなブランドの出店がある。フェス自体が“ひとつの街”のようになってコミュニティが強くなり、そのお祭りとして毎年遊びに来てくれるようになりました。 〈GREENROOM〉は“Save The Beach, Save The Ocean”をテーマとして掲げていますが、やっぱり海はオープンなものなので、フェスとしてオープンサイドにいることを大事にしてきましたし、そのテーマが「無料エリアの充実」という方向に繋がっていったと思います。
歴史的価値がある場所でフェスを表現 進化の先に迎えた20周年
──〈GREENROOM〉を続けて、横浜という街の見え方は変わりましたか？ そうですね。〈GREENROOM〉を開催するエリアって赤レンガ倉庫のほかにも、少し足を伸ばせば野毛や中華街、みなとみらいなど魅力的なスポットがたくさんあります。海沿いなので景色も朝昼夜といろいろな顔を見せてくれるので、横浜はずっと変わらず好きですね。あと赤レンガ倉庫という歴史的価値がある場所でフェスを表現できていることに意味があると思うので、場所の持つパワーはすごく重要ですし、〈GREENROOM〉を通じて横浜の魅力も伝えていきたいです。 ──年々、会場に遊びに来る人の層も多様化している印象を受けます。 初めは男性ばかりのイベントで、コンテンツもマニアックなものが多かった。ただ海のカルチャーをより多くの人に知ってほしい気持ちがベースにあるので、それを広げるためにどうやったら知らない人たちに届けられるのかを考えていった結果、いまの形になっていきました。 マーケットもサーフブランドだけではなく、いろいろなジャンルのセレクトショップが入ってきてくれたことで広がっていきましたし、アーティストがアーティストを呼んでくれたり、コラボしてくれたり、自発的にどんどん発生してきたことも大きい。そういうのはこちらとしてもうれしいですし、〈GREENROOM〉は関わる人たちみんなで作ってきた感はありますね。 ──〈GREENROOM〉は数ある都市型フェスの中でも、圧倒的に行きやすいし、参加しやすい。横浜散策と合わせてフェスに遊びに行くこともできますし、なんならフェスの途中でちょっと街に繰り出してもいい。参加するハードルの低さが魅力でもあると思います。 例えばサーファーは海も街も近い感覚でONとOFFを楽しんでいて、マリブとハリウッドや、留学していたシドニーもボンダイやマンリービーチからタウンも近くて、そのまま夜はみんな繰り出すのが普通だと思っているので。エシカルなイベントにしていく方向性ではもともとないですし、自然を大事にするというメインコンセプトは重要ですが、カルチャーとしてはそこだけではない。自然と遊び、その両方の面白さをフェスの中に入れて作ってきたという感じですね。 逆にその方が伝わりやすいと思いますし、アカデミックに海のことを言い続けてもなかなか伝わらない。去年の20周年のときに、Jacob Collier（ジェイコブ・コリアー）が素晴らしいライブで自然の良さを伝えてくれたりもするし、いろいろなクリエイターやアーティストが海にインスパイアされた作品を残してくれるので、それをちゃんとエンタテインメントとして伝えていきたいと思います。 ──昨年の開催が終わったあとに、釜萢さんはインスタグラムで「Jacob Collierの自由な素晴らしいライブ、本当に感動した、あらためて俺自身、みんなに届けたいことがクリアに再確認できたと思う」と綴っていたのですが、いま仰っていたような部分ですか？ そうですね。Jacob Collierのライブはみんなで合唱するのも含めて一体感が素晴らしかったですし、なんで自分はフェスを作っているのかという点も含めて、Jacobにわからされたというか。生の体験の重要さを再確認できたことで、改めてフェスを作り続けたいと思いました。 ──釜萢さんは20年以上、フェスを毎年開催するライフスタイルを送っていますが、その年のフェスが終わったあとは少しだけでもクールダウンする期間を設けていますか？ やっぱり少し間を空けないと頭がこんがらがってしまうので、断つというとあれですけど、離れる時間も必要ですね。でもフェスベースでやっぱり日々が動いていきますし、その年の開催が終わると、すぐに次の年のブッキングが海外勢は始まっていくので。あといまはアジアのフェスと連携して、アーティストもアジアツアーのような感じで動いていくことが増えましたね。
──21年目という新たな始まりとして、今年の開催に向けて思うことは？ うちはもともと会社ができたのが先で、そのあとに社名を付けたフェスを立ち上げたので、そういう意味ではみんなにとっても僕にとっても特別なものというか、まさに社運を賭けているような感覚ではありますね。フェスがなくなるときは、会社ごとなくなるときなので。
──今年のラインナップの中で、特に注目してほしいアーティストは？ 今年はJON BATISTE（ジョン・バティステ）をベースに進んできました。コロナのときにNetflixで彼のドキュメンタリーを見てからずっと呼びたいと思っていて。去年のJacob Collierは“音楽の神の子”だとすれば、BATISTEは“音楽の神”そのもの。僕の中ではすべてがナンバーワンですね。 その前に出演するJANELLE MONÁE（ジャネール・モネイ）は、2月にキャンセルを発表したEzra Collective（エズラ・コレクティブ）に変わって急遽出演を決めてくれて。助けてもらったことも含めて思い入れは強いです。あとはロンドンを拠点に活動するEmma-Jean Thackray（エマ＝ジーン・サックレイ）もカッコイイので楽しみにしていてください。 邦楽ではGEZANがRED BRICKステージに出るのが〈GREENROOM〉らしいですし、GADOROのような新しいアーティストも楽しみ。それとTribe Sampler Collective – Nujabes Tribute Set –は鎌倉にスタジオがあって自分も鎌倉に住んでいますし、海岸で聴く彼らのサウンドは合うでしょうね。KREVA、Dragon Ash、スカパラといった定番のメンツも出てくれますし。
──アートに関しても、今年の注目のポイントを教えてください。 個人的に今年はSTACY PERALTA（ステイシー・ペラルタ）。やっぱり『DOGTOWN』や『POWELL』の映画なども含めてずっとインスパイアを受けてきたので、彼の作品が来るのはうれしいですね。アクセルを踏み続けるオーガナイザーの境地 GREENROOM FESTIVALのこれから
──20年以上にわたって続けてきた結果、〈GREENROOM〉は街の風物詩になっていますし、会場から漏れる音を聴く人々も、ある意味で風景として定着しているというか。 めちゃくちゃいますね。でも来年、チケットを買ってくれるかもしれないですし、昔からそういうこともポジティブに捉えてきたので。チケットを買って入ってくれれば最高のライブを観られますが、まずは無料エリアのマーケットなどを目当てにでも遊びに来てほしいです。 ──ちなみに近年の日本のフェスシーンに対して、思うことはありますか？ いまって日本にも500個ぐらいのフェスはあると言われている時代なので、逆に独自路線を生み出すのが難しくなっているとは思います。その点、〈GREENROOM〉は有料・無料エリアがあるカルチャーフェスという形でずっと20年やってきました。あとフェスはこれからも増え続けていくと思いますが、洋楽と邦楽の両方を楽しめるフェスという意味では日本はそれほどまだ増えていないので、そのスタンスはこれからも変えずにやっていきたいという感じですね。 ──釜萢さんは今後、〈GREENROOM〉をどのようにしていきたいですか？ 過去のインタビューでは、「エリアをもっと広げていきたい」というようなことを仰っていました。 やっぱり〈GREENROOM〉は大さん橋で始まったフェスなので、次の周年とかには赤レンガと大さん橋をくっつけたいなと。大さん橋と赤レンガの間には象の鼻パークや広場などもあるので、そういった場所も使いながらいろいろなコンテンツをやっていきたいなとは考えています。あとは横浜みたいな街がほかの地方にあれば、そういうところでも開催してみたいですね。 ──釜萢さんにとってフェスは、もはや切っても切り離せないものだと思います。 いまは主催のフェスと受託のフェスがあるので、そういう意味では1年中、フェスを作っています。自分は場づくりが好きですし、空間も好きなので、みんなが楽しめる場所を作りたい。それが数日で終わる儚さも含めて、自分はそういうのが性に合っているのだなと思います。 ──フェスのオーガナイザーの方にインタビューさせていただくときは、ベタなのですが毎回、最後にこの質問を聞いているのでお願いします。あなたにとってフェスとは？ ちょうど昨日、クリエイティブマンの清水（直樹）さん（〈SUMMER SONIC〉のオーガナイザー）とJ-WAVEの『YOU ONLY LIVE SONIC』で対談したのですが、話していて自分もそうだと思ったのは、やっぱりどこか“ネジが外れている”。フェスはハイリスクなエンタテインメントであり、前を見ることや上を見ることを続けないといけなくて、守りに入ってしまうと停滞していずれはなくなる。 その意味で〈GREENROOM〉は20年間ずっと、ブッキングもコンテンツもアクセルを踏み続けてきましたし、それがオーガナイザーとしての境地なのかなと。それはフジロックの生みの親である日高（正博）さんも、先ほど名前を挙げた清水さんもそう。コーチュラだってずっと踏み続けているし、一方でアーティストはコーチュラのステージで最高のものを揃えてくる。 そういう意味で踏み続けることが重要。先のことはわからないですが、呼べていないアーティストはたくさんいるので、〈GREENROOM〉はまだまだ先があるのかなと思います。
Interview & text by Rascal （NaNo.works） Photo by Shunichi Oda
INFORMATION
GREENROOM FESTIVALʼ26
| 日程 | 2026年 5月23 (土)・24日 (日) |
|---|---|
| 時間 | Open: 11:00／Start: 12:00／Close: 21:00 |
| 会場 | 横浜赤レンガ倉庫 |
| 主催・企画・制作 | グリーンルームフェスティバル実行委員会 |
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]]>MoMoの1stアルバム『BLUE DREAM』には、晴れ渡った大空のような解放感と、コンクリートジャングルで生きる現実の手触りが同時に息づく。 バークリーで音楽を学び、海外の空気と日本のシーンを往復しながら、自分だけの […]
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INTERVIEW MoMo
LAで触れた”一音”への執念と、制作の流儀
──1stアルバムがまもなくリリースということで、まず最初にここ最近の心境だったり、今のムードを教えていただけますか
やっぱりアルバムが完成したので、クリアというかすっきりしたムードです。ただ今回、LAのスタジオで一緒に制作したプロデューサーだったり、ソングライターの人たちの、一音にかける執念や、制作のスピード感を間近で見てて、”この世界のトップクラスの当たり前”みたいなのをすごい吸収してきて、次どういう作品を作ろうかみたいなところも考えてたりします。──そのLAで感じた”一音に対する執念”って、具体的にはどんなところに表れていたんですか？
メロディーにある若干の半音のずれとかだったりとかです。向こうのプロデューサーさんは「これの方がフローがいいよね」とか、歌詞っていうよりも、このリズムがどういうふうにフローしていくかっていうところにすごい重きを置いていた気がします。──そのために歌詞自体を変えることもありますか？
歌詞を変えることもあります。言葉尻がちょっと余ってるとハマらないんですよね。特に速い曲とかだと。「この歌詞、いいけど変えたくない」っていうときもあるんですけど、結局はその流れを一番重要視してるかなっていうところは感じました。あとは今回、コライトで一緒に入ってくれる海外の人がすごく導いてくれました。英語が第二外国語の自分にとっては、そのネイティブが入ってくれることで、自分の絵が実際に曲に表れる感じがあって。そこはすごく大きかったです。──そうすると、いろんな共同制作があったことで、ご自身の中でもかなりスキルが上がった感覚がありますか？
ありますね。あっちの人たちは曲を書く速度が本当に早くて。一曲を2時間で仕上げたりとか。その中で”いかにフローを崩さずにセッションするか”っていうのは、すごくプレッシャーも感じましたけど、修行の部分でもありましたね。
──その流れで、今回の1stアルバムの制作中で、MoMoさん自身の中で何が変わったのかを聞かせてください。以前のインタビューで「今はジャンルやカテゴリーを強く意識するというより自由な気持ちで作っている」とおっしゃってましたが、そうした自由さって、今回の1stアルバムではどう表れていますか？
一言で言うと、「自分はこうあるべきだ」みたいなリミッターを外したことかなって思ってます。バークリー音楽大学で習ったこととか、テクニカルなこととかは一回外して「今の自分が感じて心地いいものを作ろう」っていうことを意識してました。──リミッターを外したというと？
今までは「これってお客さんに受けるかな、受けないかな」みたいな基準で考えてたんですけど、LAでは”自分の自由の中でどういうふうにいい作品が作れるか”っていうところに、みんながすごい向き合ってて。そこにかなり影響されましたね。──そんな影響の中で改めて「音楽って面白い」と思った瞬間はありましたか？
ありましたね。一緒にスタジオに入るミュージシャンも、バイブスが合う人が多くて、音楽を通じてコネクションがすごく深くなるっていうのは面白いなって思いました。セッション後も未だに連絡取ってますし、一回しか会ったことないのに、また次につながっていくっていうか。良いケミストリーを感じました。
固定観念を外して、自分の言葉で歌うまで
──今回の制作期間は、単にアルバムを作ったというだけじゃなく、音楽との向き合い方自体が少し変わった時間でもあったのかなと思います。過去作のときと比べて、ご自身の中で変わったところはありますか？
「固定観念に囚われないで、そのときの心情で書く」みたいなほうに、シフトしていったかもしれないです。以前はそう考えていても、やっぱり気にしてたところがあったんですけど、今回は結構弾けたというか。固定観念がなくなっていった感覚ですね。──その固定観念がなくなっていく感じ”という意味では、誰かと作ることもかなり大きかったのかなと感じました。今作では笠原瑠斗さんだったり、reinaさんやZINさんとコラボしてますよね。誰かと作りあげることは、1人で表現することとはどんな意識の違いがありましたか？
「自分が元々書いてるストーリーラインか、あんまり外れないように書いてくださいね」とは伝えてて。ただあまり縛りを設けたくはなかったので、自由度は保ちながらも、決まっているストーリーラインをどうキャッチボールして曲にしていくかは、すごく大切にしていました。相手の才能を潰さないように、みたいな。そこは結構難しいところでもあったけど、楽しかったです。──1人で書いたときより大きいものが返ってきた感覚もありましたか？
そうですね。自分の中にはない感覚や、自分の引き出しにはない言葉に触れられたのは大きかったですね。「その表現、面白いな」と思うことも多くて、新しい発見という意味でも学ぶところがすごくありました。
──その話の延長で伺いたいのですが、以前のインタビューで「日本にいる以上、どこかでJ-POPを意識してしまっていた」というお話もありました。R&BやNeo-Soulのような欧米で生まれたジャンルに日本語でアプローチすることに、難しさを感じることはありましたか？
日本語は語尾が多かったり、言葉がどうしても長くなっちゃうので、それをメロディにはめ込むのが難しかったんです。でも今回は英語と日本語をミックスして作ってるので、そこはあんまり考えすぎず、自分のやりたいように表現していったっていうのはありますね。他のコラボレーターの方が一緒に入ることで、自然に自分の言葉で日本語を書いたみたいな感じですね。──固定観念にとらわれなくなったことで、変化していった感覚ですね。
ありのままの自分でいていいんだと思いましたし、そのとき、その場所で「私はこの言葉を言いたい」と日本語で自然に思えたんです。だから、そこを無理に”絶対に英語じゃなきゃいけない”と縛る必要はないなとも感じました。やっぱり自分は日本人ですし、リスナーの方にも自分の音楽が持つ意味をちゃんと受け取ってほしいと思って、そういう要素も取り入れました。──その変化って、手応えとしても返ってきていますか？
感じますね。コラボしてて、自分の歌詞を見てくれて「あ、これわかる」とか言ってくれたときに、人に共感してもらえる歌詞をちゃんと書けてるなって感じました。──今回『BLUE DREAM』に寄せていた「言葉の壁を越えて音楽そのもので聴いてほしい」というコメントもすごく印象的でした。MoMoさんにとって、その”音楽そのもの”ってどういう感覚なんでしょう。
音楽そのものは、言葉とか理屈で表せないものですね。自分のエネルギーだったり、バイブスそのものだなと思います。考えるものっていうよりも「そのときの自分がどういう心情でいるか」っていうふうに感じてます。
自分の物語を音楽に託すということ
──日本にも素晴らしいR&BやNeo-Soulのアーティストはたくさんいて、ライブシーンも豊かで、日々「いいな」と思う音楽に出会える。でもその一方で、ヒップホップやJ-POPのようにメインストリームのど真ん中には、まだ出てきづらいジャンルでもあると感じています。そんな中で、MoMoさんは今、日本のシーンでR&BやNeo-Soulを表現することに、どんな意味を感じていますか？
確かにR&Bとかって流行りづらいというか、やっぱりポップスが一番になって、その後にロックとかもありますよね。でもその流行りに左右されない、エバーグリーンな価値があるなっていうふうに自分は感じてますね。R&Bはソウルをはじめとする深いルーツの上に成り立っていて、長い歴史の中で育まれてきた音楽でもあると思っています。心の叫びのようなものを宿した音楽でもあるからこそ、流行に左右されないことも大事にしています。──そこから作品の中身の話に入っていきたいんですが、今回のアルバムって、ここまで伺ってきた"自由になれたこと"とか、"固定観念がなくなったこと"とか、そういうものが具体的に音楽に表れている印象でした。その象徴のひとつが、やっぱりタイトル曲でもある「BLUE DREAM」なのかなと思っていて。タイトルを決めた理由と、この曲自体のエピソードを聞かせてもらえますか？
今回この 「BLUE DREAM」って名前にしようと思ったのが、LAに行ったときの突き抜けるような大きい海と空と、東京に帰ってきたときのコンクリートジャングルの対比です。東京出身ってこともあって、この色の差をすごく感じて、ブルーっていう言葉は絶対入れたいなって思いました。ドリームっていうのも、LAで感じた非現実感からです。普段Ye（カニエ・ウェスト）とやってるような人たちがいたり、ご飯を食べてたらアーノルド・シュワルツネッガーさんが来たりとか。そういうのをすごい感じて、このタイトルにしました。──曲自体にも、かなり個人的な感情が入っていますよね。
これは当時付き合っていた彼と別れて、そのときに何を書こうかみたいな始まりでした。「今、何を私は思ってる？ 確かに毎日眠れないし」みたいな、そういう別れた後のジャーナルみたいなものの中から、言葉をピックアップしたっていうのはすごく大きかったです。でもこの曲って1人で歌ってもただの日記みたいになっちゃうから「どうせならもう1人、女性シンガー入れてやりたい」ってずっと相談してたんです。それで話し合ってreinaさんに決めました。reinaさん、すごいソフトに歌うじゃないですか。私と本当に対照的で、逆に一緒に歌ったら面白いんじゃないかって。──reinaさんが参加することで、バランスが生まれた感覚があったんですね。
そうですね。年齢も離れているしたまたまなんですけど、出会いに運命を感じた部分もありました。──なるほど。笠原さんとの曲も気になります。
笠原さんとの曲はあらかじめ、「こういうストーリーに基づいて男女が会話してるような感じで書いて」っていうのがあって、彼が持ってきた歌詞をベースに、一緒にスタジオに入って微調整しました。ZINくんとの曲もそうですけど、男女が喋ってる感じが好きなんですよね。笠原さんの声もすごいディープで、ちょっとかすれてて。──今回のアルバムって、かなりダイレクトな表現も多いですよね。自分の中で思っていたことを、以前よりも自然に出せたというお話もありましたけど、その感覚に近い曲でもあるんでしょうか？
そうですね。たまに、その場の空気で言葉を入れてしまったりとかもあるので、”このラインに深い意味はない”っていうときもあるんですけど、普段からメモしている言葉のストックから拾うことも多いです。「届きそうで届かない、消えそうで消えない」とかもノートから拾いましたね。──「MY FATE」ってタイトルも象徴的ですよね。
実は最初は曲名が「SHOW YOU」だったんです。ただ笠原さんが北海道からレコーディングに来る日に大雪が降ってしまって。ほとんど欠航の中で彼の便は奇跡的に飛んで、これはもう運命だなって、それで 「MY FATE」にしました（笑）。──（笑）。かなりリアルな体験が、そのまま楽曲に反映されていくんですね。
だから作り終わった後は記憶喪失みたいな。「どうやって書いたんだろう」みたいな感じでした。──相当エネルギーが必要な作業だったんだろうなと感じます。
うん、そうですね。1回ちょっとガーッとみたいなのはありましたし、今はかなり完全燃焼に近いです。──少しキャリア全体の話にも戻りたいんですが、バークリーで学んで、海外の制作環境にも触れながら、日本で活動してきた中で、今振り返って「遠回りじゃなかったな」と思える経験ってありますか？
アメリカに行って、音楽大学に行って、いろんな音楽の基礎を学んだことですね。最初これって自分にいるのかなとか思ってたんですけど、そこで学んだことって、やっぱこっちに帰ってきて絶対できなかったことだし、レコーディングのときとかも、自分の声域が日本に帰ってきて上がったなって感じたこともあったので。あとは海外のプロデューサーが来ても、コミュニケーションが円滑にできるし、あの4年間は無駄じゃなかったなって感じました。
──そのうえで、1stアルバムのリリースというのは大きな節目でもあると思います。今その節目に立ってみて、昔の自分が思い描いていたキャリアと比べて、違う場所に来た感覚はありますか。それとも、ここに向かって突き進んできた感覚でしょうか？
「プロとしてこのキャリアを築きたい」と思ってからは、突き進んできた感覚ではありますね。ワーナーミュージックさんだったり、マイカホリックスさんだったりと、海外的な考え方ができる。そういう意味でも今、自分がいる環境はすごく大きいです。何より、自分のやりたいことができてるので。その上で英語っていうのを自分の強みだとも思ってます。日本語だけだと、やっぱり海外に出づらいっていうのもあるけど、”自分のやりたい音楽を、今もちゃんと続けてできている”ってところが大きいんじゃないかなって思います。
──最後に1stアルバムが出た先の話を聞かせてください。ここがゴールではなくて、むしろスタートだとも思うんですが、これからMoMoさんが日本で鳴らしていきたい音楽って、どんなものですか？
確かにアルバムがゴールじゃないので、リリースを経て、日本人の人により多くの人に聴いてもらえたらいいなって思います。英語だから聴かないって思っちゃう人もいると思うんですけど、そこをどういう風に乗り越えて、より多くの日本人リスナーにも聴いてもらえるかなっていうところもすごく重視したいなと思ってます。合わせてもちろん海外もそうです。海外のリスナーにも聴いてもらいたいし、その両方をやっていきたいです。──最後にもうひとつだけ。以前、「自分が音楽で救われてきたから、自分の音楽で誰かを救いたい」というお話をされていましたよね。1stアルバムが出る今も、その信じているものは変わっていないですか？
変わってないですね。自分の積み重ねてきた先にだけ訪れる奇跡みたいなものってあると思うんです。自分の歌を聴いてもらって「勇気が出た」とか、「辛いこと乗り越えられた」とか、友達やリスナーから言われるのが一番嬉しいです。音楽をやっててよかったって思う一番の理由です。
Photo：Kana Tarumi
Text：Kaede Hayashi
MoMo
幼少期より都内の教会でゴスペルに触れ、歌うことに目覚める。90年代〜2000年代のR&Bを中心に影響を受け、高校卒業後は単身渡米。現地のプロデューサーやソングライターと制作を重ねながら、シンガーソングライターとしての活動を本格化させる。英国やタイでのライティングキャンプにも参加し、JAZZ／HIP HOP／SOULを昇華したジャジーかつオーガニックなサウンドと、繊細さと力強さを併せ持つボーカルで独自の存在感を確立していく。
2021年10月、配信シングル「Faces」をきっかけにアーティスト“MoMo”として本格始動。2023年にはLOVE SUPREME JAZZ FESTIVALへの出演を果たし、同年EP「Jaded」をリリース。続く2024年にはEP「FlowinTokyo」、シングル「Shirley」を発表するなど、精力的に作品を発表した。
2025年3月には、Apple Musicの国際女性デー企画において日本人唯一の代表アーティストとして選出され、Doja CatのWOMANをカバー。同年8月にはEP「KTST」をリリースし、国内外のクリエイターとの交流を深めながら活動の幅を広げた。
2026年に入り、「JUICE」「MIDNIGHT GLOW」などのシングルを立て続けにリリース。ロサンゼルスでの制作を経て完成した、自身初のフルアルバムBLUE DREAMを2026年4月29日にリリース予定。 LAの空気と自由な感覚の中で生まれた本作では、英語と日本語を自在に行き来しながら、ポジティブなエネルギーと揺れ動く感情の両面をリアルに表現している。
ジャンルや言語の境界を越え、グローバルな感性で自己表現を続けるR&Bシンガーソングライターとして、今後さらなる飛躍が期待されている。 More Info｜Instagram｜X｜YouTube｜TikTok｜Spotify｜AppleMusic
INFORMATION
1ST ALBUM「BLUE DREAM」
2026.04.29 (WED) RELEASE
詳細はこちら© Qetic Inc.
]]>TuneCore Japan「INDEPENDENT ARTIST 100 – 2026」ついに発表！ 未来のカルチャーを紡ぐ100組のアーカイブが完成インディペンデントアーティストのための音楽デジタルディス […]
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TuneCore Japan「INDEPENDENT ARTIST 100 - 2026」ついに発表！
未来のカルチャーを紡ぐ100組のアーカイブが完成インディペンデントアーティストのための音楽デジタルディストリビューションサービス「TuneCore Japan」は、未来のカルチャーへ繋ぐプロジェクト「TuneCore Japan INDEPENDENT ARTIST 100-2026」において、最終選出となる100組のアーティストを発表した。データを超えた「耳と視点」を記録する
本プロジェクトは、再生数やチャートといった「目に見える指標」だけでは捉えきれない、表現の本質やアーティスト同士が共鳴し合う「熱量」を記録し、讃え合う場として発足した。2026年2月10日の始動から「推薦フェーズ」、そして200組から絞り込む「本投票フェーズ」を経て、最終100組が決定。アルゴリズムやファンの投票だけでは捉えきれない、インディペンデントに活動する当事者たちの「耳と視点」による評価をアーカイブとして刻んでいる。選出の軸となったのは、シーンの前進を体現したアーティストに贈られる「実感(Impact)」と、独自の創作活動でさらなる飛躍を予感させる新鋭への「予感(Potential)」の二つだ。現場の熱量が刻んだ、2026年のアーカイブ
選出されたアーティストには、Awich、GEZAN、Jinmenusagi、KEIJU、maya ongaku、サニーデイ・サービス、ピノキオピー、こっちのけんと、乃紫、星導ショウなど、現在の日本のインディペンデント・シーンを象徴する多彩な100組が揃った。 投票期間中には、アーティスト同士や業界関係者から「今一番、ライヴハウスでバンドマンに愛されているバンド」「とても憧れているアーティスト」といったリスペクトの溢れる推薦コメントが数多く寄せられた。また、「本企画を通じて新たな才能と出会えた」という声も複数あり、アーティスト同士が互いを発見し合う場としての機能も果たしている。未来の表現者へ繋ぐ「種」として
TuneCore Japanは、このアーカイブが5年後、10年後のアーティストにとって「あの時代のアーティストたちは、この魂に共鳴していたのか」と新たな創作のヒントを受け取る場所になることを目指している。今回記された100組の軌跡が、次なる変革を呼び起こす種となり、未来の音楽シーンを豊かに耕し続けるきっかけとなることを期待したい。 現在、発表ページおよびApple Music、Spotify、YouTube Music、LINE MUSICの各プラットフォームでは、選出された100組を網羅した公式プレイリストも公開されている。 INDEPENDENT ARTIST 100 - 2026 最終選出アーティスト（五十音・アルファベット順） 11/15MUS/5Leaf/Ámina/Äura/aimi/AIRIE/ANORAK!/ARUM/Awich/AWOL CARTEL/cambelle/cephalo/CIVILIAN/coco./cono/Daichi Yamamoto/Eminata/farmhouse/Fried Banana Shop/GEZAN/Gottz/Hanemii/HIMI/HoneyWorks/HUGEN/I'm/icn_oO/JaysicK/Jinmenusagi/Julia Takada/KEIJU/killwiz/Kommune/KOTA/Kyiku/Linen Frisco/Manda/Masato Hayashi/maya ongaku/MIKADO/Mili/Mom/MUD/NELKE/nikiie/OKOJO/PM Kenobi/POLTA/PompadollS/Popal Daoud Akira/RAY/redraw/reina/Roka/SHOW-GO/sidenerds/Siero/Skaai/SKRYU/Som/SUKISHA/SUSHIBOYS/SUTEZENI/SWEE/T-STONE/tamanaramen/Tete/the BLOOM/Tylan Willetcrass/valknee/YOHLU/YOWLL/ZIN/安次嶺希和子/苺りなはむ/稀羽すう/梅井美咲/楓/カフェインジャンキー/カフネ/カンザキイオリ/こっちのけんと/ゴリラ祭ーズ/サニーデイ・サービス/白神 真志朗/スーパー登山部/田山ショーゴ/超☆ヤンキース/トップシークレットマン/なきそ/乃紫/浜野はるき/春野/ひとひら/ピノキオピー/星導ショウ/水いらず/未来電波基地/雪国INFORMATION
TuneCore Japan INDEPENDENT ARTIST 100 - 2026
100 Independent Artists: From Performance Impact to Future Potential
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]]>イギリスのフットウェアブランド〈Dr.Martens（ドクターマーチン）〉が、東京・表参道に構えるコンセプトストア Dr. Martens SHOWROOM TYOにて、アーティスト Wataru Komachiによる個 […]
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本展では、Wataru Komachiの新作コラージュ作品を発表するほか、クラシックな〈Dr.Martens〉の1490などをキャンバスにした作品、ステンシルやシルクスクリーンでTシャツにアートワークを施した作品も展示。また、Dr. Martens SHOWROOM TYOのショーウィンドウも、アーティストのアトリエをイメージした特別展示空間となる。
さらに、同氏は、本展のためにZINE “THANX GOD MUSIC IS MY OASIS”を制作。本書には、Z世代に厚く支持されるポストパンクバンド Sorry No CamisoleのYurinaとHarukaを被写体にした、スタイリスト 島田辰哉による写真作品、Wataru Komachiのカスタムキャミソールを着用したフォトグラファー Sofiya Loriashviliによるセルフポートレイト、Wataru Komachiによるコラージュなどを収録。海外でも注目を集めるパブリッシャー Motoyoshinoから出版される本書は、会場にて100部限定で無料配布予定だ。
独自のスタイルで時代を描き続けるWataru Komachiのユニークな作品群を、この機会にぜひ刮目してほしい。
EVENT INFORMATION
WATARU KOMACHI SOLO EXHIBITION “SWEET DREAMS”
会期：4月17日（土）〜6月15日（月） 会場：Dr. Martens SHOWROOM TYO 住所：東京都渋谷区神宮前 5-2-28-1F 時間：12:00 - 19:00 (火曜・水曜定休日) 入場無料 詳細はこちら© Qetic Inc.
]]>2025年に始動したクリエイティブコレクティブ PLAYFORD CAPITAL（プレイフォード・キャピタル）が、新たなアイテムをリリースする。 4月17日（金）より、東京・原宿のGR8限定でリリースされるのは、アーティ […]
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4月17日（金）より、東京・原宿のGR8限定でリリースされるのは、アーティスト 小町渉本人がシルクスクリーンで1点ずつプリントしたTシャツ2型。パンクやスピリットを感じさせるプリントは、位置やバランスなどがすべて異なるユニークピースに。デザインは2種で、各4点限定の展開となる。さらに、同アイテムには、小町によって制作されたZINE “THANX GOD MUSIC IS MY OASIS”がノベルティとして付属されるとのこと。
また、同日よりPLAYFORD CAPITALの公式サイトならびにGR8にて、“REFLECTIVE NOIZE PACK”と題されたフーディ1型とTシャツ2型も展開。本シリーズは、PLAYFORD CAPITALが提唱する、現代都市・東京をサウンドスケープとして捉えた音楽概念 “QUANTUM NOISE”を体現するアパレルギア。PLAYFORD CAPITALが不定期に展開する、マーチャンダイズプロジェクトに新たな解釈と深みを持たせるシリーズとなる。
これらのアイテムは、洗いをかけた生地に、リフレクタープリントでミニマルなグラフィックをレイアウト。ダメージ加工も加え、都市のノイズや時間の経過を感じさせる質感に仕上げている。そのほかの詳細は、ブランドの公式Instagramよりご確認を。
PLAYFORD CAPITAL公式Instagram© Qetic Inc.
]]>TuneCore Japanが新たに始動させた「BLUEW」は、恵比寿のBLUE NOTE PLACE（以下BNP）を舞台にインディペンデントアーティストを紹介するショーケースイベントだ。特別な空間で世代やシーン、そして […]
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TuneCore Japanが新たに始動させた「BLUEW」は、恵比寿のBLUE NOTE PLACE（以下BNP）を舞台にインディペンデントアーティストを紹介するショーケースイベントだ。特別な空間で世代やシーン、そして人を紡ぎ、新しい音楽カルチャーを醸成（=brew）していく。そんな思いが込められたこの夜には、開演前から満ちみちた期待感が漂っていた。 今夜、ここで共鳴するのは二人のシンガーソングライター。J-POPの情緒とK-R&Bのビートを自在に行き来するSom。そしてR&B/SOULを軸に、時に優しく、時にダイナミックに人間の深層を浮かび上がらせるZIN。BNPというスタイリッシュな空間でありながら、そこには「音楽で誰かを、そして自分を救う」という、切実で温かい体温が通っていた。
暗闇の先にある「自分」に会いに
先にステージに現れたSomは、公募オーディションで選ばれ、ステージに立った。BNPにとってもオーディションから出演者を決めるのは初の試みだという。そんな記念すべきステージに、彼女はドラム、ベース、キーボードを迎えた久々のバンド編成で臨んだ。会場は、カラッとしたバンドサウンドと彼女のスモーキーな歌声に包まれる。
ハイライトは、1月にリリースされた新曲“ミッドナイト”だ。「もがいてもがいて書いた」というその曲について、彼女はこう語っていた。
「生活を進めていくと、楽しいことも苦しいこともあると思うんですけど、しんどい中でも自分のことをもっと救いたいなって思うことがあって。しんどいことから抜け出したいという気持ちが、見方を変えれば『その先の自分に会いたい』という気持ちになるんですよね。会いたい自分に向かって進んでいく、それが原動力になる、そういう気持ちで書いた曲です」
自分を救いたいという切実な願いから生まれたこの曲。でもその音は、暗闇にいる誰かの手を引くような、優しい強さに溢れていた。
Somのステージが終わり、心地よい余韻が会場を包む中、DJのji2kiaがドロップしたのはMoonchildの“The List”。個人的にも大好きな曲だ。Somの世界観を引き継ぎながら、ZINへとしなやかに空気が紡がれていく。
音楽を「共に生き抜く力」に
煌めくキーボードの音色が鳴り響き、腰にくる骨太なベース、粘り気のあるドラムが重なっていく。ZINが拍手で迎えられ、会場の熱が動き始めた。 バンドサウンドが次第にスイングし、グルーヴが膨れていく。その波に乗り、ZINの歌声も熱を増す。一曲目の“The Sign”が終わる頃には、みんな彼の色に染まっていた。
彼は生粋のエンターテイナーだ。
客席に語りかけながら、MCのたびに会場の熱をひとつ上のステージへと引き上げていく。
「戦争が他人事ではなくなってきている今、同じ空間で同じ空気を吸って同じ音を聴いているのは、すごく奇跡だと思う。音楽は衣食住の中にはないけど、すごく自分の人生を豊かにしてきてくれたもの。だから止めずに、皆さんの元に届け続けていきたい」
歌い始めて約20年、自分のありのままを表現できるようになったという彼の信念は、まっすぐで強いものだった。
“Midnight Run”と“相愛”で会場が一体になり、ラストの“Buddies”で愛が溢れたとき、ZINは優しい声で言った。
「しんどい世の中、みんなで生き抜いていきましょう。支え合って。ひとりじゃない」 ーその言葉が、この空間にいる全員を救ってくれた気がした。
バンドメンバー全員のクオリティもまた、圧倒的だった。各方面をひた走るミュージシャンたちが奏でる音は、一音一音がとても濃密だ。特に、ZINのバックを務めたドラムのRyuya Inoueが見せたソロは圧巻。あの32小節で、会場の全員が彼の虜になっていたはずだ。
こうした現場があることで、フロントマンだけでなく、バックを支えるプレイヤーたちの才能にもスポットライトが当たる。アーティストが信頼する仲間をフックアップし、リスナーに新しい出会いを届けてくれる。そんな循環を作ってくれる「BLUEW」に、心からリスペクトを贈りたい。
異なるスタイルを持つZINとSomだが、二人が音で示してくれたのは、私たちがこの世の中を進み続けるための光だった。BLUE NOTE PLACEで醸成されたこの熱量は、誰かの明日を照らしていく。こうした場所がある限り、私たちはまだ見ぬ才能と出会い続けることができる。一人のリスナーとして、この先に待つ新しい出会いに、胸が高鳴っている。
INFORMATION
INDEPENDENT ARTIST 100 - 2026
未来へ繋ぐ、カルチャー・アーカイブ
100組を決定する本投票フェーズがスタート
インディペンデントアーティストのための音楽デジタルディストリビューションサービス「TuneCore Japan」は、新たに未来のカルチャーへ繋ぐプロジェクト「TuneCore Japan INDEPENDENT ARTIST 100 - 2026」のノミネートアーティストを発表。
プロジェクト始動の2月10日から3月9日までの推薦フェーズを経て、ノミネートアーティスト200組が決定。
3月18日より、最終選出となる100組を決定するための「本投票」が開始された。
詳細はこちら
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]]>ファッションシーンでも活躍する多くの写真家が参加した職人ドキュメンタリーマガジン DIRT MAGAZINEが創刊した。 某カルチャー誌出身の編集者が、過去に培ってきたコネクションを活かしてフォトグラファーやスタイリスト […]
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創刊号の特集テーマは、“ワークカルチャーが刺激する”。庭師、塗装屋、鳶、大工、設備屋など、日本の職人たちのファッションやカルチャーを掘り下げ、現場で培われた美意識やスタイルを通して、“仕事”が生み出すカルチャーの魅力を紹介している。
〈KENZO（ケンゾー）〉創業者 高田賢三の自宅庭園に携わった神奈川県の植木屋 Toru Endoをはじめ、不眠遊戯ライオンでイベントを行う、植木屋ルーツのラッパー DJ/飲食人、〈MOONEYES（ムーンアイズ）〉や〈CHALLENGER（チャレンジャー）〉の店舗塗装を手掛けるNobuyuki Kajitani、〈SUBU（スブ）〉の撮影現場制作にも関わる栃木の造園屋 Takahiro Hasegawaらが登場。
さらに、プロサーファーとしても活動する大工・澤村康生、モデルや俳優、古着屋が所属する荷揚げ屋・タイタン トーキョー、全員がスケーターの鳶集団・吉野組、フェス＜THE BEACH＞でケミカル・ブラザーズの舞台デザインを手がけた職人集団・DEAD STOCK WORKERSなど、カルチャーと地続きの職人たちにもフォーカス。 加えて、BAD BOY AUTO編集の連載「NEO KAIDO RACERS VISION」、KTYL誌の描き下ろし挿絵を使用した解体屋による連載「HOME BOY BLUES」も収録する。
また、今回の創刊を記念して、3月8日（日）にはGALLERY KEKKAIが主催するイベント＜TOKYO BOOK BODEGA＞にも参加。会場では、雑誌の販売を行う予定だ。なお、今後は、作業着店を中心に展開され、都内のショップやオンラインストアでも販売予定だ。
RELEASE INFORMATION
DIRT magazine
発売日：3月8日（日） 発行部数：2,000部 ページ数：全80ページ サイズ：A4変形 印刷形式：フルカラー／無線綴じ製本 配布形態：1000円（税込）にて販売 配布場所：全国のワークショップ／都内のセレクトショップ／都内の一部の書店／オンラインストア 詳細はこちらEVENT INFORMATION
TOKYO BOOK BODEGA
日程：3月8日（日） 時間：12:00-18:00 入場無料 会場：GALLERY KEKKAI 住所：東京都新宿区市谷薬王寺町16−13 リヒャルト市谷薬王寺 1F© Qetic Inc.
]]>サンダンス映画祭でのワールドプレミア上映で大反響を呼び、気鋭の映画製作・配給会社 NEONが配給権を獲得した映画『トゥギャザー』。恐怖映画のサブジャンルであるボディ・ホラーの“身体の突然変異”と恋愛の“共依存”を融合させ […]
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既にA24製作の次回作が決定している、オーストラリア出身の新人監督 マイケル・シャンクス（Michael Shanks）の手がける映画『トゥギャザー』。物語の主人公となるのは、長年連れ添ってきたミュージシャン志望のティムと小学校教師のミリー。住み慣れた都会を離れ、田舎の一軒家に移り住んだ彼らが、森で道に迷い、不気味な地下洞窟で一夜を過ごしたことから、超自然的な身体の変異現象に見舞われる。そして、“感情は離れても、身体はくっついていく”という、世にもシュールで皮肉な極限状況に陥ってしまう姿を描いている。
今回、そんな“共依存ボディ・ホラー”の公開に合わせて、FREAK’S STORE（FREAK’S MOVIE）が公式グッズを製作。映画製作・配給会社 NEONが『トゥギャザー』で映画作品の公式グッズ制作および販売を許可するのは、日本がアジア圏で初となる。
具体的には、2人の腕が融合しているキーアートをフロントに、劇中の洞窟のなかで目撃する壁画と“No dissonance, only warmth.”のセリフを背面に両面シルクスクリーンにてあしらったものや、キスの後に唇がくっついてしまうシーンのキーアートをプリントしたデザイン、2人の腕がくっついてしまう現象を表現したTシャツなどのアパレル全5型に加え、歯に挟まった髪の毛を抜き出すシーンに着想を得たフロス風のキーホルダーを展開。映画『トゥギャザー』の世界観を表現した異質なデザインのアイテムを、公開前にチェックしておこう。
RELEASE INFORMATION
映画『トゥギャザー』公式グッズ
発売日：2月4日（水） POPUP STORE OPEN STUDIO（FREAK'S STORE渋谷） 〒150-0041東京都渋谷区神南1-13-1 TEL 03-6415-7728 販売店舗 FREAK’S STORE 渋谷 FREAK’S STORE MEN'S ＋ANDY FREAK'S STORE FREAK’S STORE ラゾーナ川崎 FREAK’S STORE ららぽーとTOKYO-BAY FREAK’S STORE 京都 FREAK’S STORE 梅田ルクアメンズ オンラインストア Daytona Park ※オンラインストアでの販売は12:00～となります。 Daytona Park© Qetic Inc.
]]>カルチャー誌『COMET MAGAZINE』を手がけるクリエイティブクルー・COMET主催の音楽イベント＜COMET SOUND＞が2月10日（火）、新宿・ZEROTOKYOにて開催決定。 2025年、7月と9月に開催さ […]
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EVENT INFORMATION
COMET SOUNDS vol.3
日程：2月10日（火） 会場：ZEROTOKYO 時間：OPEN 23:00 DOOR：¥3,500- FASTPASS TICKET：¥3,000-（優先入場・入場料金含む・特別ホログラムverのアーティストカードパック(3枚入り） 【ZAIKO】https://zerotokyo.zaiko.io/e/comet-sounds-vol-3-0210 【Z HALL】 LIVE：kZm / ralph / JUMADIBA / lj / kegøn DJ：nasthug / MARZY / ECEC / 101 【ENTER】 YeYan / DIGOOD / SWAGGIN BOYS / 3GO / MABUYA / Sounds good© Qetic Inc.
]]>サッポロ生ビール黒ラベルが、〈Maison MIHARA YASUHIRO（メゾン ミハラヤスヒロ）〉手掛けるデザイナー 三原康裕とのコラボレーションスニーカーをリリース。 三原康裕が制作した本スニーカーは、〈Maiso […]
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三原康裕が制作した本スニーカーは、〈Maison MIHARA YASUHIRO〉のサステナブルライン “General Scale.（ジェネラルスケール）”とのコラボレーションに。“大人の☆生。”をコミュニケーションテーマとして掲げているサッポロ生ビール黒ラベルとのコラボとして、ブラックを基調としたシックなデザインに、大人の遊び心を潜ませたスニーカーに仕上げている。
さらに、中敷には黒ラベルと“General Scale.”のロゴを重ねたデザインをオン。カラー展開や、星型のハトメ、かかとのロゴなど、他にも黒ラベルらしさを感じさせるデザインを随所に散りばめた。
本コラボスニーカーは、1月5日（月）13:00〜2月27日（金）23:59の期間、受注を受け付けたのち、8月下旬に出荷・発送予定とのこと。ビールはサッポロ派だという方必携のコラボスニーカーのデザインディテールは、記事内の画像からチェックしよう。また、CLUB黒ラベル内の特設サイトでは、三原康裕へのインタビューも公開中。気になる方はこちらも併せてご確認を。
インタビューはこちら© Qetic Inc.
]]>Instagramをベースに国内外の新譜紹介やフェス・ライブ情報を発信する〈漂流音楽〉。このたび、同音楽メディアによるバイリンガル音楽マガジン『漂流音楽マガジン』第4弾が刊行する。 漂流音楽は、世界中に溢れる膨大な音楽の […]
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EVENT INFORMATION
ZINE発売記念・漂流音楽大忘年会
日程：12月29日 時間：18:00 START 会場：渋谷 club bar FAMILY （東京都渋谷区渋谷1丁目10−2 志水ビル B1F）© Qetic Inc.
]]>ギタリスト/コンポーザー/プロデューサーの関口シンゴが、2023年にリリースした自身のアルバム『tender』に収録した全12曲を新たな視点で再構築するリミックス企画を始動。その第5弾として、“Mystic（TiMT R […]
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“Mystic（TiMT Remix）”は、 関口シンゴのギターの質感を生かしながらも、 TiMTの挑戦的なアプローチにより、原曲とは全く異なる幻想世界へと導くリミックスが誕生。海中をゆったりと泳ぎ、身体ごと浮かび上がるような没入感をもたらす、神秘的なサウンドトリップが味わえる1曲に。
TiMTは「今回のRemixでは、原曲が持つ“くぐもったギターの質感”を活かしながら、そのフレーズをサンプリングし、遅回しの処理を施すことで、関口さんのギタリストとしてのタッチやニュアンスを残しつつも、作為が前に出ない“新しいフレーズの再構築”を試みました」と説明。さらに、「Ovall、そして関口シンゴさんを学生時代から追い続けてきた一ファンとして、今回このような形で作品に関わる機会をいただけたことを本当に光栄に思います。ぜひ原曲と聴き比べながら、新しい視点で楽しんでいただけたら嬉しいです」と付け加えている。
気鋭のアーティストたちによって、少しずつ新たな息吹が吹き込まれていく『tender』。第6弾はどの楽曲が、誰の手によって生まれ変わるのか、期待が高まる一方だ。
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]]>芸人として数々の受賞歴を誇る傍ら、アーティストとしての活動も広げる霜降り明星の粗品が、渋谷PARCOにて展覧会 “粗品の音楽 soshina music exhibition”を開催する。 今年1月から5月にかけて、ボカ […]
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今年1月から5月にかけて、ボカロ曲のセルフカバーなどの楽曲を連続で配信リリース、9月にはアルバム『佐々木直人』をリリースし、ライブも積極的に展開している粗品。そんな彼の音楽活動に焦点を当てた、初となる展覧会が開催決定。
本展では、幼少期から現在までの粗品の音楽遍歴に迫るヒストリー、実際に使用している楽器や貴重な私物、ライブ写真の展示のほか、楽曲 “告白”のMVセットを再現したフォトブースの設置を予定。さらに、本展覧会のために収録された楽曲制作にまつわる動画も会場にて公開される。
また、ライブ写真やオフショットを収めたZINEなどの本展覧会オリジナルグッズも多数用意。アーティスト 粗品の一面に触れられる空間を、ぜひこの機会に楽しんでみてほしい。
EVENT INFORMATION
粗品の音楽 soshina music exhibition
会期：12月5日（金）〜12月22日（月） 会場：渋谷PARCO GALLERY X BY PARCO（渋谷PARCO B1F） 住所：東京都渋谷区宇田川町１５−１ 時間：11:00〜21:00 ※入場は閉場の30分前まで ※最終日18:00閉場 入場料：500円（税込）※入場特典ステッカー付き© Qetic Inc.
]]>写真家 クリス・ローズ（Chris Rhodes）が、⽇本国内初個展 “EXHAUSTS”をTHE PLUGにて12⽉12⽇（⾦）より開催する。 イギリス・マックルズフィールド出身で、現在ロンドンを拠点に活動するクリス・ […]
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EVENT INFORMATION
Chris Rhodes “EXHAUSTS”
日程：12⽉12⽇（⾦）〜12⽉21⽇（⽇）会期中無休 会場：THE PLUG 住所：東京都渋⾕区神宮前6–12-9 1F 時間：12:00 - 19:00 Opening Reception Party：12 ⽉ 11 ⽇（⽊）18:00 - 21:00© Qetic Inc.
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