藤井 風やiri、adieu などの楽曲をプロデュースするYaffleは、今のポップス界でもっとも注目を集める存在でありながら、国立音楽大学で作曲を学んだ経歴の持ち主でもある。

このたび自身のソロ・ワークスとしては2作目となるアルバム『After the chaos』が、クラシックの名門レーベル、ドイツ・グラモフォンからリリースされることになった。

アイスランドのアーティストと、日本のクラシック演奏家を迎えて録音された今作が、混沌に満ちた世界に投げかけるものとは？ アイスランド滞在の話から、クラシック音楽の未来の話まで、広く深く語ってもらった。

──今回のニュー・アルバムはクラシック音楽の名門レーベル、ドイツ・グラモフォンからリリースされるとあって、「ポスト・クラシカル」といった文脈で捉えられるのかもしれません。でも、ポスト・クラシカルの定義自体が曖昧なものですし、この作品はどちらかと言うとYaffleさんの1st アルバム『Lost, Never Gone』の地続きにある音楽のように感じました。

そうですね、ただ前作（『Lost, Never Gone』）と比べると、今作は技法的探究心みたいなものをあまり出さず、もっとエモーショナルに作ってみた感じです。音楽って、いろんな面がありますよね。メッセージの伝達手段、コミュニケーション手段としての音楽もあるし、逆に深遠なメッセージなどまるでなく、ただ聴いてアガるための純然たる音楽というのもある。そういう意味では、今作は内在するメッセージというか、人に何かを伝えるという方向に、僕なりに関心を寄せて作ったところが、自分のなかで前作と違う部分でしょうか。

『After the chaos』はひとつの環境設定、物語の舞台みたいなもので、僕が描きたかったのは、善良さや醜悪さも含めた人間性に対しての憧憬のようなもの。人間にはやっぱりそういうものがあってほしい、ないと不安になってしまうと思うんです。

ここ2〜3年の社会情勢って、以前に比べるとけっこう絶望的な状況じゃないですか。ポスト・アポカリプス（終末もの）とまではいかないけれど、極限のシチュエーションでどこに希望があるのか？ みたいなことは考えますよね。そんなとき、古い文学や歴史を紐解いてみると、だいたいオチが同じだったりするわけです。舞台設定は全然違うけれど、結局のところ好きとか嫌いとか、生きるとか死ぬとか、勝った負けたとか、愛とか正義とか、そういうところに帰結していく。

つまり人間というものは、どんなに最悪な、極限の状況においても、そこで日々の営みを続けて、たくましく生きていくんだなあと。そう考えたら、それが救いであり希望だと思えるようになって。そんな「人間の生来の営み」に対する憧憬です。僕にとっては、SFみたいに人類が進化して、徹底的に合理化した超人みたいになって、感情からも離脱して、ただ平和で綺麗な世界でぼーっとしているみたいな未来の方が悪夢ですから（笑）。

──今回の録音はアイスランドで行われていますが、極限状況における人間の営みが行われている地ですよね。それとは何か関係がありますか？

それ以前に、寒いところが好きなんですよね。北欧も好きで、よくセッションをしに行っていたんです。とりあえず夏のビーチに行って曲が書ける気がしないというのがあって（笑）。でもたしかに、アイスランドの孤立した環境に身を置いて創作してみたかったというのはあります。

僕は常々、「無意識をコントロールしたい」と考えていて。創作には意識的な部分と、無意識に出てしまう部分がありますが、人間はどうしても意識的に作ったものを評価する傾向があるように思います。ある意図のもとで、それに沿ったものを作ったという方が、パパパッと手癖のような感じで出てくるままに作ったというよりも尊ばれる。

けれど、じつは無意識下で出てきたものって、その人の日々の積み重ねそのものなので、もっと評価されていいのではと思うんです。それならば、無意識下で作ったものがより良いものになるために、コントロールできないかなという感覚はあります。

ありていに言ってしまえば、環境を変えてみたいということなんですが。海外のクリエイターとのコライトが多いのも、そういう理由からです。創作する場所が変われば、気分も変わるだろうし、そうしたら無意識の部分にも変化があるだろうと。その環境は必ずしも自分にとって「快」じゃなくてもいいですよね。あえて不快な環境に身を置いて出てくるものもあるでしょうし。

──ショパンがマヨルカ島で、死の淵を彷徨いながら傑作を生み出したように。

そうそう、だいたいみんな辛いときに良い曲ができるものですよね。

──アイスランドに行ってから曲を作りはじめたのですか？

とりあえず手ぶらで行って、ウロウロしつつ、そこでゼロから考えてみる、みたいな。これまでの創作では、わりと人との出会いがベースになっていて、現地でアーティストと会って会話したときの感じでセッションをして、一気に作っていくことが多かった。ですが、今回は基本的にレイキャビク（アイスランドの首都）のスタジオにひとりでいる時間が長かったかな。フィーチャリング・アーティストとの共作は一部ありつつも。

──参加しているアイスランドのアーティストは、現地に行ってから出会ったのですか？

現地で人づてに紹介してもらったアーティストもいますし、あらかじめ行く前に音源を聴いて、ちょっと会ってみたいなと思ってアポイントをとったアーティストもいます。

──アイスランド滞在はいかがでした？

6月後半から7月にかけて行ったので、ほとんど白夜になっているシーズンでした。毎朝4時ぐらいまでずっと明るくて、体内時計がおかしくなりそうでしたね。現地の人たちは、アイマスクや遮光カーテンなどを駆使して生活しているわけですが、そういうグッズ前提の生き方って大変だなと。

アイスランドの良いところは、レイキャビクの中心地から車で10分ぐらい走ると、もう周囲になにもない田舎になって、一軒家で防音を気にせず音を出せるスタジオがあること。日本だったら、都心から1時間以上かけないと辿り着けないでしょうから、音楽をやる環境としては最高ですよね。

ある日、スタジオの近くを歩いていたら、扉を開けっぱなしにした家の中から弦楽器のレコーディングをしている音が聞こえました。シガー・ロス（Sigur Rós）みたいな大物アーティストのレコーディングだったかもしれませんが、セキュリティもガバガバで（笑）。

──いかにもアイスランドらしいですね。

──アイスランドでのレコーディングのあと、日本でクラシックの若い演奏家たちを迎えてレコーディングしたとのことですが、ヴァイオリンやクラリネットなど、クラシックの楽器をフィーチャーしようと思った理由は？

言ってみれば、骨董品を使ってモダンなものを作った方が、もともとモダンなものをモダンに作るより、斬新で面白いものになると思ったから。耕しがいのあるテーマだなと。

──たとえば石上真由子さんのヴァイオリンは、とても濃密で歌心豊かな演奏ですよね。オーセンティックなクラシック音楽らしいというか。ポスト・クラシカルで聴くようなクールで夢幻的なストリングスとは少しタイプが違って、それがかえって新鮮でした。

そうですよね。いわゆるベッドルーム・ミュージックっぽくなりすぎたらイヤだなと思いながら作っていたので、メッセージ性という意味でも、石上さんのヴァイオリンが良かったなと思います。それにしても、日本は若くて優秀なクラシックの演奏家がたくさんいて、恵まれていますよね。

今作はアイスランドで半分作って、あとの半分は日本で作ったわけですが、そこには自分が日本の人間としてできることはなんだろう？ という問いかけも入っています。アイスランドの人がやっているのと同じことをやって、そこに意義はあるのかって。なので、クラシックに詳しい友人にも相談しながら、演奏家を紹介してもらい、東京でしかできないことをやりました。

──そうかと思えば、1990〜2000年代のポストロックのような響きが聞こえてくる瞬間もありますし、このアルバムには本当にいろいろな要素が入っているなと。

たとえば執拗反復みたいなものとの初めての出会いは、たぶんポストロックだったように思います。スティーヴ・ライヒ（Steve Reich）といったミニマル・ミュージックは、どちらかと言うと、そのあとから知った感じなので。

高校生のとき、六本木の蔦屋書店でずっと受験勉強していたんですが、当時はまだCDレンタルのコーナーがあって、ポストロックの棚に並んでいたシガー・ロスとかトータス（Tortoise）とかモグワイ（Mogwai）とか、たくさん聴きました。「シカゴ音響派」なんて書いてあって、なんだそりゃと思って聴いてみたり。グオーーーっていう轟音がずっと鳴り響いているだけのアルバムもありました。

──音大の受験勉強をしていた頃ですね。ひたすら和声の問題を解いていたという。

そう、あの当時聴いていた音楽は、抜けないですよね。

──それこそ無意識のなかに取り込まれて、あるときぽっと出てきたり。

──今作は、ドイツ・グラモフォンからリリースされるとのことで、アルバムのジャケットにイエローレーベルのロゴが入っているのも印象的です。Yaffleさんとしては、クラシックの殿堂とも言えるレーベルからリリースされることの意義をどうお感じになりますか？

めちゃくちゃびっくりしましたし、光栄なことだと思っています。

──近年のドイツ・グラモフォンは、ポスト・クラシカルをはじめ、アンビエントやエレクトロニカなど、非常に幅広い作品をリリースしています。

前へ、前へ、という感じがすごいですよね。クラシックのリスナーが減っていることに危機感を抱いているのでしょうか。

僕が思うに、クラシックはとにかく「ストラクチャー（構造）」重視の音楽です。五線譜にはストラクチャーの情報しか書かれておらず、音色や響きといった「テクスチャー（質感）」の情報は「力強く」とか「優しく」といった文字でしか伝えられません。それに対し、ポスト・クラシカルやアンビエントはテクスチャー重視の音楽です。それが今後、ドイツ・グラモフォンという老舗がテクスチャーにアイデンティティを置いて、テクスチャーの音楽を「クラシック」として打ち出すのであれば、すごく面白いことだと思います。

──なるほど。Yaffleさんは以前のインタビューでも、「これからはストラクチャーではなく、テクスチャーの時代だ」とおっしゃっていたのが印象的でした。

そういう意味でも今作では、クラシックによって培われたストラクチャー的な語法を、あまり意識しないようにしました。そこがけっこう肝かな。音響のテクスチャーを、ブロックのように組み合わせていく感じ。その方が僕の理想に近いのではないかと。そういったニュアンスを、ずっとストラクチャーの世界で生きてきたクラシックの演奏家に伝えるのは大変でしたけど、石上さんは楽しみながら、とても良くやってくださいました。

──クラシックの楽器と同様に、シンセサイザーもテクスチャーを作るのに重要な役割を果たしていますね。

今作では、生楽器とシンセサイザーの間にギャップを設けないようにもしました。ヴァイオリンとシンセサイザーの境目を自分では意識しないようにしたというか。言ってみればヴァイオリンもオシレーターと同じ、音を生み出す発振器なわけですし。そこにあえて、クラシックの何百年もの歴史のなかで培われた書法を入れ込もうとは思いませんでした。まあ、僕もいちおうクラシックの世界にちょっと身を置いていたので、無意識に出ちゃっている部分もあると思いますけど。

──では最後に、クラシックの専門教育を受けながらポップスの世界で活躍するYaffleさんにお聞きしてみたい質問なのですが、クラシック音楽がこの先、生き残るとしたら、どういう形で生き残っていくと思われますか？

いやあ、難しい質問ですね。たとえば街中でイヤホンをしてサブスクの音楽を聴くとき、その音楽と、その街のデザインや景観、行き交う人々の服の色や雰囲気といったものは、ものすごくリンクしていると思うんですよね。ブラジルの街で流行っている音楽と、東京で流行っている音楽が違うように。

じゃあクラシックはどんな街に合うのかといえば、ウィーンみたいな古都はともかく、現代的な街に溶け込むのは難しいですよね、善し悪しはともかくとして。そう考えると、現代的な構築性を、クラシカルなテクスチャーのなかで感じられる音楽がポスト・クラシカルであり、これだけ支持を得ている理由になるのではないかと。

──なるほど。現代の街に似合うポスト・クラシカル。

そういう意味では、ポスト・クラシカルに、ローファイ・ヒップホップとかチルとかネオソウルと近い匂いを感じます。もちろん音楽的な話ではなく、役割として。コンサートホールに綺麗な格好して聴きに行く特別な音楽ではなく、自分が生きている街の延長線上にある音楽。サブスクやスマホのおかげで、音楽が生活により近づいた今、その流れのなかで出た答えのひとつがポスト・クラシカルなのではないでしょうか。貴族の館の音楽からコンサートホールの音楽へ、さらにくだってスマホの中の音楽へ、ということかなと思います。

──とても興味深いお話をありがとうございました。

━━向井さんは2016年に実施した初ワンマンライブ＜POOL＞で、RUNG HYANGさんをゲストに迎えていましたよね。もともとお二人はいつからお知り合いだったんですか？

向井太一（以下、向井）　10年くらい前です。確かclub asiaに＜DRAMATIC SOUL＞を観に行って、そこでSIRUPに紹介してもらったんだよね。

RUNG HYANG　そうそう。そのあとSIRUP含めた3人でカフェに行って。最近聞いた話だと、そのカフェで当時TENDREも働いていたらしいから不思議だよね（笑）。ちょうどムカタイ（向井）は音楽活動に悩んでた時期だった気がする。

向井　いろんなレーベルから声がかかっていたんですけど、自分の中で考えている時期でした。ルンさん（RUNG HYANG）は、最初出会う前にSIRUPから「泣ける曲だよ！」って“ギターを抱いて”を教えてもらったんですよ。YouTubeで聴いて泣きました。だから第一印象は「キレイなルンさん」だったんですよ。

RUNG HYANG　キレイなって（笑）。確かにあの頃はもっと丁重に扱われていた気がする……。

向井　まだ“先輩”だったから（笑）。でもヒリヒリしていて人間臭い歌詞を書けるスゴイ人、っていう印象は当時から今も変わらないです。

━━RUNG HYANGさんは向井さんの第一印象は？

RUNG HYANG　洗練されていて、何事においても知的でセンスがある人。特に音楽に関しては「その時代の音楽を聴いていたか！」みたいな驚きがあったんです。彼が初めてカバーした曲がHI-Dと聞いていて。引き出しが多く、聴く音楽の幅が当時から広かった。日本のR&Bの話とかしてたよね？

向井　した。自分は日本のR&Bがルーツにあるんですけど、同世代で日本のR&Bを通っている人って意外といなかったからね。ルンさんとコミュニケーションをとるなかで、＜DRAMATIC SOUL＞のゲストに出させてもらったり、自分の自主制作EPのリリースワンマンに出てもらったり、という交流がありました。

当時はアクティブに「自分のことを知ってほしい」と強く思っていたので、＜DRAMATIC SOUL＞に呼んでもらったときは好きなシーンと絡めてありがたかった。嬉しかったです。先輩としてプライベートの相談に乗ってもらうことも多々ありましたよ。

━━どういうことを相談していたんですか？

向井　自分が音楽性や対人関係にすごく悩んでいた時期だったんです。頼りにしている先輩だった。いまだに相談することは多い。ルンさんのことはリスペクトしているから、自分にはない意見でも「確かに」って腑に落ちちゃう説得力があるんです。同じ音楽業界というフィールドで活動していて、キャリアも経験も重ねていて、僕の気持ちを分かってくれるうえで意見をくれる。

━━RUNG HYANGさんは当時の向井さんの悩みをどう捉えていましたか？

RUNG HYANG　当時から可能性に溢れていて、オーラに満ちていたんですよ。だからこそ、自分が一番ときめく、理想とする場所に最短距離で行ってほしいと思っていました。ムカタイはすごくバランスが悪いんです（笑）。持っている才能の大きさと、本人の見積もりが合っていない。音楽のセンスも愛され方も美的感覚も、持つべきもの全て持っていて最高なんです。なのに、何も心配しなくていいシーンで、急に自信喪失してすごい深い所まで沈む。

でも、そういうバランスの悪さがあるからこそ、この人はずっとハングリーでいられるんです。「まだ自分は足りていない」っていう自分に対する欲求不満が原動力になっているんだと思います。

━━当時、RUNG HYANGさんに言われて印象に残っている言葉はありますか？

向井　僕が自信をなくしたときに「ムカタイはすごくたくさんのモノを持っているよ」って一つずつ説明してくれます。自信が一気になくなる瞬間、ルンさんが返してくれるパワーに助けられることが多々あります。

言われたことに対し自分が変わるというより、ルンさんに言われることで自分が持っているモノを再確認することが多いかもしれない。ちゃんとその人自身が持っているモノを見出して尊重してくれるのは嬉しいです。ルンヒャンゼミ（RUNG HYANGが主宰する音楽塾）でも、一人一人の弟子の持つ色を大切にしている。きっと他のアーティストにとってもルンさんの存在が救いになっていると思います。

━━その後、お二人にclaquepot氏を加えた3人によるEP『PARK』を、昨年2021年6月にリリースしましたよね。あのコラボは何がきっかけで実現したんですか？

向井　実は、先輩・後輩の垣根を超えたのはここ数年の話なんです。ファッションの趣味などをきっかけに、3人で一気に仲良くなって。「何か曲を作りたいね」と、スローペースながらもトラック制作を進めるようになりました。急展開を迎えたのはコロナ禍に入ってから。それぞれの生活がストップした時に、ルンさんから「この曲を作り切ろうよ！」って提案があったんです。

RUNG HYANG　緊急事態宣言でライブができない中、原宿のキャットストリートを歩いていたんです。日曜の昼下がりなのに、人が一人もいない。音楽を聴きながら歩いていたら、たまたま3人で作りかけていた“PARK”のデモが再生されたんですよね。

その時めちゃくちゃ切なくなりました。「なんでこんなに悲しいことが起きているんだろう」って思いながら、2人にすぐ「一緒に作ってる曲、完成させるなら今じゃない？」ってLINEしました。

向井　緊急事態宣言が明けてからすぐに入れ替わり立ち替わりスタジオに入ってレコーディングしました。気持ちが高ぶっていたのでスピードはすごく早かった。完成したらYouTubeにパッとアップして。周りの人だけじゃなく、自分自身のためにも曲を作りたいっていう一心でした。

━━“PARK”の歌詞にも当時の想いは反映されているように感じました。でも、結果的に翌年2021年6月にEPがリリースされた経緯は？

RUNG HYANG　もともとリリースするつもりがなかった、というのもあります。でも事務所もレコード会社も違うので、すぐリリースするのが難しかった……というのが大きかったかもしれないです。

向井　制作途中で「リリースしたい！」という気持ちにもなっていたんだけど、勝手に自分たちが動いて進めていたぶん提案が難しくて。曲をとりあえず増やすことを考えていました。リリースの打ち合わせをする頃には、全曲揃っているような状態だった。

RUNG HYANG　レコード会社やスタッフの方たちも、私たちの関係性を理解してくれていたのが良かった。イレギュラーながらも、会社の垣根を超えてリリースできるよう力を貸してくださった。いろんな方々のおかげで形になった気がします。

━━“So Good”のMVも3人の関係性が表れた仕上がりになっていました。MVはどのように制作されたんですか？

向井　プロジェクトの中身はほとんど事務所も関与してなくてほぼ全部DIYで作りました。自分たちで衣装を決め、ヘアメイクやフォトグラファーも自分たちの人脈から「この人がいい！」と思ったクリエイター達に直接オファーするという。

RUNG HYANG　リアルだったよね。いつものふざけた空気感がそのまま出ていて。“Flow”のMVと一緒に撮影していたんですけど、一発録りを繰り返した後の撮影になったから、スタッフ含めて全員ナチュラルハイで（笑）。ソロではできなかったことをやっていたと思う。

━━そして、今年はビルボードでのライブも実現しましたね。改めて、その時のお互いのライブで印象に残ったことを教えていただきたいです。

向井　とにかく刺激的でしたね。もはやバトルみたいな感じ（笑）。もともと個々がソロ活動をしていて、粒を立たせたいからという背景で「PARK」のプロジェクトもユニットではなく連名でのリリースにしていたんです。いざライブになると、改めて各々から「ユニットでありたくない」という気持ちが伝わってきて。びっくりするくらいステージもバラバラでした。

RUNG HYANG　他の二人には残せない爪痕を残すぞ！ って勢いでした（笑）。各々のソロライブの合間に『PARK』の楽曲を挟むような形式でしたね。

━━通常の対バンとはまた違った意味合いをもつイベントになったのではと思います。向井さんから見て、RUNG HYANGさんのライブのどういったところが面白かったですか？

向井　聞かせる力が強い。僕にはできないステージでした。ルンさんの曲って、お客さんを引っ張るというよりも、寄り添ってくれる曲なんですよね。自分の弱っている部分を肯定してくれる。相談している時の感覚がそのまま音楽に現れていて、すごく空気が変わりました。

RUNG HYANG　私から見たムカタイのライブは「とりあえず存在がでかいな」って印象。ステージに立った時の支配力が前方3〜4列目どころじゃないんです。奥まで絶対に届けにいく。普段からライブはよく見ていますが、改めてその存在感を感じ取りました。

向井　claquepotはやっぱり洗練されていました。細かいところまで計算し、自分の演出や全体の動きを一番正確に見ているんですよね。三者三様で面白かったし、お客さんもそれを楽しんでいたように思います。

お互いをリスペクトしているからこそプロとして戦うし、自己満な集まりにはなりたくなかった。制作中もいい意味でピリピリしてたしね。

RUNG HYANG　ちゃんとお客さんに披露する作品としてのエンタメ性は、3人とも常に意識していました。だからこそすごく信頼できると感じましたね。

━━今回、新たにRUNG HYANGさんと向井さん、お二人のコラボレーションによる新曲“Puzzle”が9月21日にリリースされますが、この楽曲はどういう流れで生まれたのでしょうか？

向井　3人でのEPをリリースし終わった頃に「2人でやろう」と話をしていたんですよね。

RUNG HYANG　決してclaquepotを外したいとかじゃなくて（笑）。もともと前から「一緒に作ろうよ」という話はしていたんです。それが今年に入って動き始めた感じ。

向井　結構制作期間は長かったです。一度完成したものの、メロディをごっそり一から変えたんですよ。ソロ活動でいろんなことを吸収していた時期だったから「もっといけそう」と感じていて。

RUNG HYANG　作り直しを決めてからの制作は早かったね。

━━実際に楽曲が完成して、感触はどうですか？

向井　お互いになかった要素が含まれていて新しいです。僕らの関係値を周囲も知っているからこそ、人が想像できるものは作りたくなかったんです。自分たちが思い描いた姿になったんじゃないかなって思っています。

RUNG HYANG　ムカタイのインプットが常に新しいので、メロディもより洗練された感じがします。一人ではあまりやらない遊び方も出来たし。歌い心地の良いものだけではなく、リズムやリリックで遊び、あえて声音も変えてみたりして。自分のルーティンや方程式を一度壊して臨めたと思います。「音楽で遊ぶって最高」って気持ちでしたね。

━━向井さん自身は、楽曲のどういった要素で「トレンド」を意識しますか？

向井　アクセントとリズムが一番じゃないですかね、今は。流行りはあまり気にせず自分たちの中にある新しい要素を引き出していく感じ。最近あるR&Bのプロデューサーとお話ししたんですけど、昔は流行りのビートやサンプリングをベースに作っていればよかったらしい。でも、今はジャンルの垣根がないからこそ、いろんな要素を引っ張ってきては組み合わせて壊して、という作業を延々と繰り返すらしくて。その行為自体にトレンドを感じています。

RUNG HYANG　確かに、今回の制作はもはや発明している感じでした。掛け声やリズムの刻み方ひとつをとっても、国内外の音楽シーンは常に進化し続けているんですよね。その進化の過程の中で、発声やリズムを詰め込みながら「なんだこの曲は！」というアイディアを生み出す。

そしてそれを日本語でやったらどうなるんだろう……とさらに実験を重ねる感じ。インパクトを与える要素をいかに見つけられるかが鍵になっている。絵の具を混ぜるようなものだと思っています。

向井　実は、ルンさんの活動にもその「発明する」っていう姿勢が如実に出てると感じることは多いんです。どんどん新しいアーティストを巻き込むし、作品自体、新しい要素を取り込むのに筋が通っている。古いものを古いままやらず、ちゃんと今の音に調理するところにリスペクトを感じます。

━━最近お二人が音楽を聴く中で、実験のヒントにしているアーティストは？

RUNG HYANG　特に「自分の表現に取り入れよう」とは思わず、シンプルにグッとくる作品に結果影響を受けていることが多いです。いろんな国のアーティストが出す楽曲を聴いて、声質やニュアンス、発声の仕方などを意識的に聴くことは多いかもしれません。

最近はロンドンを拠点とするシンガーソングライターのホープ・タラ（Hope Tala）や、スイスで活動するタミリアン（南インドやスリランカ北部のタミル民族）のプリヤ・ラグー（Priya Ragu）をチェックしています。プリヤ・ラグーは映像も素敵で、独自の民族性やオリジナリティーがうまくR&Bに浄化されていて面白い。あとナイジェリアのアシャ（Asa）も最近また聴き直しています。詩吟をルーツに持つ新人アーティストのバネ （bane）も好きですね。YouTubeで夜な夜な漁ったり、周りの音楽好きな仲間とプレイリストを共有したりするので常に新しい発見があります。

向井　僕は最近だとK-POPのアイドルですね。90〜00年代のR&Bが好きな人には刺さるビートなんです。でも上音やビジュアルは結びつかない。新しいことをやっているなと思います。

やっぱり、調理の仕方を間違えると滑っちゃうリスクってあるんです。ジャンルを理解したうえでどう活かすかが求められる。でも、僕自身は曲を作る時、それを飛び越えて自分から出てくる「J-POP観」にアイデンティティがあるのかな、と思います。

ロンドンのアーティストであるジェーヴォン（Jevon）の楽曲に参加した時、僕が作るメロディが「日本人が日本語で作る曲とはちょっと違うから不思議」って言われたんです。日本語の響きをコンプレックスに感じていたのですが、「それはそれで面白さになるんだ」ってやっと受け入れ始めました。

━━改めて、RUNG HYANGさんは出会った当初の向井さんと現在の姿を比べた際、どのようなところに変化を感じますか？

RUNG HYANG　元々繊細な部分はそのままに、色んなステージや経験を積んでパワーが強くなり、グルーヴも大きくなった。踊れるだけじゃなくロックテイストの強い曲も歌うようになって、骨太になった気がします。表現やお辞儀ひとつ、腕を一本伸ばすだけでも変化を感じますね。

向井　嬉しいです。自分でも強くなった実感はあるし、声帯の筋力は明らかに増えた。ステージが大きくなるにつれ自分のパフォーマンスも変わってきていて、作る曲にも影響は出ているので。

あとデビューしたての頃からレーベルの人に「ハッタリをかます」ことの大切さはずっと言われていたんです。今立つステージのサイズ以上のパフォーマンスをしろ、もっと大きなステージに立つ姿をお客さんが想像できるように動け、って。意識していたからこそ、いまルンさんに指摘されたのは嬉しかった。

━━ニ人が次に目指すステージとお互いのメッセージを。

向井　自分の中では、正直売れなければ音楽をしたくない。より多くの人に知られてほしいです。音楽的感度が高い人以外の人にも伝わればいい。そういう場所で自分の音楽ができたら世界が変わるのでは、と思っています。

RUNG HYANG　今持っている物をよりビルドアップして、目の前にある課題を粛々とクリアしていきたいですね。ステージが変わる前からお互いを知っている仲間たちがいるからこそ、ムカタイは迷った時や立ち止まりたい時に、これからもいい意味で頼ってほしいです。私も頼ると思うし。

向井　ありがたい。そして本気で戦うからこそ、良い意味でいつでもお互いを蹴落とし合おうとする関係でいたいです（笑）。