いよいよ10月19日（土）、20日（日）に福島・あづま総合運動公園/福島あづま球場にて開催される野外音楽フェスティバル＜LIVE AZUMA 2024＞。

同フェスでアクトに次ぐ目玉として毎年注目を集めているのが、東北の人気ラーメン店が一堂に会する「東北拉麺屋台村」。プロデュースを手がけるのは、ラーメン女子歴20年、年間600杯以上のラーメンを食べるイベントプロデューサー・森本聡子さんと、食べ歩き全国47都道府県制覇を目指す『げきからーめんTV 全国制覇の旅』をYouTubeにて配信する激辛ラーメン女子・西谷美希さん。「難攻不落の東北エリア」の名店を相手に、100店舗中90店舗には断られるというほどに過酷な道のりを経て実現した珠玉のラインナップと「おいしいラーメンを食べてほしい」という情熱、そして＜LIVE AZUMA＞だからこそ味わえる楽しみについて語っていただきました。なお、本記事空腹時の閲覧にはご注意ください！

──今年で3度目の開催となる＜LIVE AZUMA＞。森本さんは、前身イベントである＜PARK LIFE＞からラーメン出店のプロデュースに携わっていらっしゃるそうですが、そのあたりも踏まえて改めて「東北拉麺屋台村」の成り立ちについて教えてください。

森本聡子（以下、森本）　当初、主催者側は福島県で大々的に音楽フェスを開催したいという構想はあったものの、コロナ禍が重なったこともあり、試行錯誤のうえ入場無料の小規模イベントとして開催されたのが＜PARK LIFE＞でした。そこでラーメン屋さんを2店舗ご紹介させていただいたことが、現在の「東北拉麺屋台村」に繋がっています。

──当時は「東北拉麺屋台村」という名前もなく、出店も2店舗だったそうですね。

森本　はい。福島県の行列店「うろた」さんと、博多屋台ラーメンの「介ッち」さんに出店をお願いしました。東北以外のラーメン店をお呼びしたのは、あとにも先にも「介ッち」さんだけですね。

初開催のイベントでお客さんがどれだけ来てくださるのか不安な中、雨まで降ってしまって。それでもたくさんの方が来てくださって、雨上がりの虹を見ながら「来年も開催できるといいな」と思ったことを今でも覚えています。そしてその翌年、晴れて初開催となった＜LIVE AZUMA 2022＞の「PARK LIFE」エリア内で5店舗を出店し、「東北拉麺屋台村」が本格的にスタートしました。

──激辛ラーメン女子として活動していた西谷さんにとっても「LIVE AZUMA 2022」は大きな転機になったイベントだそうですね。

西谷美希（以下、西谷）　そうなんです。それまで音楽フェスというものに行ったことがなかったんですけど、師匠（森本）がどんな仕事をしているのか見てみたくて。それで、日帰りで広島からバスで福島まで行って、1日でラーメンを5杯食べて、紅葉を見て帰りました。

もともと私は、9年前に広島から上京して、「蒙古タンメン中本」でアルバイトを始めたことがきっかけで激辛ラーメンが好きになったんですけど、ある日たまたま深夜番組の『森本聡子が全国で見つけた可愛いラーメン屋スタッフを紹介する』っていうコーナーを見たんです。「私、まだ見つかってないんだけど！？」と思って、聡子さんのInstagramを速攻でフォローしたら「可愛いラーメン女子発見！」ってDMをくれて。そこから交流が始まって、自分で立ち上げた『げきからーめんTV 全国制覇の旅』というチャンネルで動画配信をしながら、全国どこでも聡子さんに呼ばれれば行くようになりました。私、これまで一度も断ったことないですよね？

森本　ないね！ 私、ラーメンの食べ歩きをして20年になるんですけど、「師匠！師匠！」って呼んでくれて声をかけるたびに来てくれるクレイジーな女子に出会ったのは西谷が初めてで、その極めつけが日帰りで来てくれた＜LIVE AZUMA＞。これは流石に気合いが違うなと感じたので、昨年の＜LIVE AZUMA 2023＞から西谷には一緒にプロデュースに入ってもらい、激辛ラーメンのセレクトを任せることにしました。

西谷　私にとって＜LIVE AZUMA 2023＞が人生初のプロデュースのお仕事だったんですけど、それまで聡子さんの仕事をそばで見てきたからしんどいところもたくさん知っているし、プレッシャーも相当感じていて。正直、当日を迎えるまでは不安しかないんですけど、たくさんお客さんが並んでくださっているところを見たり「ここ美味しい！」って言いながら食べてくださっている姿を見ると泣きそうになっちゃいましたね。「この瞬間のためにやってきたんだ」って、胸がいっぱいになりました。

――そして、いよいよ迎える＜LIVE AZUMA 2024＞。今年は“バランス”をテーマに、全6店が参加。東北中から人気店が一堂に会する貴重な機会として、すでに注目が集まっています。

森本　ここ数年、ラーメン好きのあいだで最も勢いがあると言われているのが東北エリア。そして、中心地で開催されるイベントには出店しないというお店が多いのも東北エリア。今回も、「福島だから」ということでギリギリまで悩んで出店を決めてくださったお店もあります。ラーメン愛好家やラーメンプロデュースしている人たちから「森本はどうやって口説いているんだ？」って思われるくらい、信じられないくらいの名店が「東北拉麺屋台村」に揃いました。

――そんな珠玉の6店、それぞれご紹介をお願いします。

📢 LIVEAZUMAラーメン店情報
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　📣秋田から出店✨
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🐟LIVEAZUMA限定麺🐔

⚫︎料亭のような美しい煮干しスープ
⚫︎比内地鶏雲呑は売切必須
⚫︎限定30食のつけ麺も

\\秋田ラーメン総選挙で第一位//

🍜 『麺屋にぼすけ』記事https://t.co/EnbdBmlwZc pic.twitter.com/Wwy5uzz7WM

— 年間600杯ラーメン女子　森本聡子 (@majoooon) October 13, 2024

森本　今回、秋田から初出店となる「にぼすけ」さんは、2年連続秋田県での総合大賞を獲っているお店。＜LIVE AZUMA 2024＞では、会場限定のラーメンをつくってくださいます。

ベースは、数種類の煮干し。煮干し特有のクセやエグ味が気になるという人も多いと思うんですけど、こちらのスープは臭みがまったくなくて、お上品なお出汁のような香りと味わい。滑らかなで嫌味がない口当たりは「煮干しが苦手」という人にこそ味わってみてほしいですね。自家製麺の上にのっているのは、秋田県の名産・比内地鶏を使ったオリジナルのワンタン。6店のなかでも比較的あっさりと品のあるラーメンなので、朝ラーにもぴったりの一杯です。

森本　会津若松市の「うえんで」さんは、昭和47年創業の老舗。老舗がフェスに出店することってほぼないんですけど、「福島会津のラーメンを知ってもらうきっかけになれば」という３代目店主の想いもあり今回＜LIVE AZMA 2024＞への出店が実現しました。

いただけるのは、福島で今トレンドと言われるくらい人気の山塩ラーメン。喜多方でも醤油ではなく山塩を使うところが増えてきています。大山の麓の温泉水を煮出してつくる山塩は、海の塩よりも取り出せる量が少なく、ミネラルや旨みが豊富で、皇室にも献上されているそう。スープの味わいは、角張っていなくて、かなりまろやか。すごくシンプルな構成なので、「にぼすけ」さんと同じく朝ラーにもぴったりですし、お肉やご飯系のものと食べ合わせたりとスープ的にじっくり味わうのもおすすめです。

森本 「あはれ」さんは、都内の有名店で修行された店主が地元の仙台で始めたお店。とにかく麺線が非常に美しい芸術的なラーメンで、宮城県で最もミシュランに近い店と呼ばれてるくらいラーメン評論家の方や熱心なフリークスさんたちが大絶賛する一杯です。

麺の美しさと併せて、注目してほしいのがひとつずつ手包されたワンタン。もともとワンタンが得意なお店で修行されていたという経歴もあって、「あはれ」さんの海老ワンタンはとても美味しいと評判なんです。「フェス出店でもこの麺線を崩すことはありません」と店主も張り切ってくださっているので、SNSにフェスでの様子を載せる方にはぜひ「あはれ」さんのラーメンにトライしてほしいですね。

森本　ラーメン大国・山形から。辛味噌ラーメンというジャンルのラーメンで、半濁の味噌スープのうえに辛味噌がのっているラーメンなんですけど、今回はフェス仕様として普段の半濁より少し濃厚に味を寄せて提供してくださるそうです。

あっさりとこってりのあいだのベクトルに辛味噌を溶かすとかなり濃厚になるという仕掛けを楽しめる一杯です。最初は辛味噌を溶かさずに食べていただきつつ、途中2度 3度と味の変化を楽しんでもらいたいですね。スープがよく絡まる特製のちぢれ麺と青のりのアクセントが効いた、どんな人でも美味しく食べられるピリ辛味噌ラーメンになっています。

📢 LIVEAZUMAラーメン店情報
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　📣福島から出店✨
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🦐LIVEAZUMA限定麺‼️

濃厚ラーメン好きさん集まれ〜
レモンと岩のりは味変アイテム🫶

\\ 全国ラーメングランプリ初代準優勝//

🍜 『麺屋傑心』記事https://t.co/Y64vbUdsXj pic.twitter.com/r2T1x9CE4P

— 年間600杯ラーメン女子　森本聡子 (@majoooon) October 12, 2024

森本　今回の6店のなかでもダントツでお腹ペコペコのときに食べてほしいのが「傑心」さんの魚介豚骨ラーメン。ベースはザ・豚骨。長時間炊いてドロドロの状態になった大量の豚骨を冷凍庫で一日寝かせることで濃度を上げ、そこに魚介スープとエビの粉を加えたドロリッチな一杯。濃厚好きな人は、迷わず「傑心」さん一択です。

岩のりとレモンの味変パーツも嬉しいポイント。レモンは麺にチョンとつけるんじゃなくて、ギュンギュンに絞り切って食べていただくと、さらに味の音色が奏でられるということなので、ぜひお腹を空かせて楽しんでいただきたいです。

西谷　＜ガリデブチュウ＞さんの麻婆麺は、激辛ラーメン女子として9年間、年間400杯以上を食べてきた私にとって3本の指に入るくらい本当に感動した一杯です。もともとは、店主が営んでいた居酒屋の人気メニュー・麻婆豆腐をベースに開発したという麻婆麺。唐辛子と山椒手のしびれの融合が本当に素晴らしくて。さらにブドウ山椒っていうめっちゃめちゃ香りがいい山椒のフルーティーさも感じられるんです。

フェスで麻婆麺って、あまり見たことがないと思うんですけど、なんせめっちゃ大変なんです。普通のラーメンに中華鍋を振る工程が増えるので。ただ、私は＜ガリデブチュウ＞さんの麻婆麺がとにかく大好きだから、この夢を叶えたい！ということで、今回は中華鍋を振ってもらいます（笑）。10月後半の肌寒さを感じながら外で食べる麻婆麺、絶対に美味しいですよ！

森本　とにかくどんなお願いにも動じない宮城県の名店を必ず「LIVE AZUMA」に呼びたい！という私の目標が西谷にも伝染したのか、これまで百発百中で断られていた宮城県から今回は2店舗も出てくださることになりました。

──ラインナップとお話しぶりから、並々ならぬ情熱を感じます。その一方で、出店に至るまでには難しさもあるのではないでしょうか。

森本　＜LIVE AZUMA＞を含めると15回ほど十数万人規模のイベントを手がけてきましたが、10店舗展開するためには100店に声をかけて90店にフラれるものなんです。イベントに出るより地元の店を守ることが大切であったり、県外から出店するための交通・宿泊費の問題であったりと理由はさまざま。そもそもイベント出店では、一杯につき900円がデフォルトとされているのですが、実店舗に比べて諸費用がかかるイベントでも従来どおり原価3割で美味しいものが出せますか？ってなると、それは難しいですよね。

その状況を払拭するために、会場限定の仕様で付加価値をつけたり、売価設定を一杯につき100円値上げさせてもらっています。100円上乗せするだけでつくれるものの幅が広がるんです。それでも、大抵のラーメンイベントは台風が来てしまったら中止。半年以上前から準備をして、1日で数千杯売り上げられるはずがゼロになってしまいます。そういったリスクがある以上、お店にとっては二つ返事で受けられるものではありませんし、とにかく頼み込んでほぼOKとなっていても「やっぱりすみません」と断られたことは何度もあります。

──美味しい一杯の裏に、そんなシビアな現実があったとは……。

森本　ラーメンって、お肉みたいに素材の良さを売りに売価を上げるのは難しいですし、茹で麺機を入れたり給排水の工事であったり、一晩煮込んでスープをつくるためのガス代や人件費もすごくかかるんです。だからこそ、当日は全店勝たせるということがプロデューサーの仕事だと思っています。そんなさまざまな事情があるなかで、ラーメンフェスを救ってくれる仕組みだと確信したのが＜LIVE AZUMA＞でした。というのも、フェスに参加する方たちって、はなから雨ガッパと長靴で身軽に楽しむ準備ができているんですよね。昨年度も雨が降ったんですけど、たくさんの方がラーメンを食べてくださっているのが嬉しくて、思わず傘も刺さずにラーメンを食べる様子をルンルンで撮影しました。

西谷　プロデューサーの仕事って事前準備がすべてだと思いますし、本番は思い切り楽しんでいいものだとも思っているので、私たちにとって＜LIVE AZUMA＞は、「これからビールを飲んで最高の景色を見に行くんだ！」っていう2日間なんです。ライブコンテンツもめちゃくちゃいいので、ランチどきまではブースの様子をしっかり見て、夕方くらいから音楽を聴きに行ったり。

森本　＜LIVE AZUMA＞にいらっしゃるお客さんも年齢層が幅広くて、ゆったりした雰囲気。ちょっと漏れて聴こえてくる音楽を聴きながら小さい子がちゅるちゅるラーメンを食べていたりして。そういう景色が最高にいいんです。

西谷　音楽フェスに馴染みがない人も、無料の「PARK LIFE」エリアに遊びに来て、ラーメンを食べながら雰囲気だけでも体感してほしいなって思います。ラーメン自体もフェス仕様で、いろんなものを食べられる量で設定されているので、ライブを観て小腹が空いたから食べるっていうのを繰り返してもいいし、音楽とラーメンで丸一日楽しめると思います！ 朝から参加すれば、1日で6杯いけちゃうはずなので、東北の美味しいラーメンを全部食べられると思って遊びに来てもらいたいですね。

森本　これぞ！と決めているものは朝ラーしておく、というのは＜LIVE AZUMA＞定番の楽しみ方になりそうですね。福島駅からもバスが出ていますし、東京からも「今日天気いいし行くか！」くらいのノリで来られる距離なので。広島からバスで来た女がいるくらいなので、何県からでも来られますよ（笑）。

西谷　気合があれば、来れます！

森本　出演アーティストのラインナップも王道からコアなジャンルまですごく幅広いので、出店のお願いをするときも「〇〇さんが出演するフェスです」って言うと興味をもってもらえることも。ラインナップには絶対にこだわりがあるんだろうなってわかるので、こっちも負けられない！という気持ちで毎年取り組んでいます。出店してくださるお店の方たちも「力の限り頑張ります！」と言ってくださっているので、ぜひ一度足を運んでいただいて、＜LIVE AZUMA＞の楽しさと「東北拉麺屋台村」のおいしいラーメンを味わってみてください！

Newspeakがメジャーデビューアルバム『Newspeak』をリリースした。Rei（Vo）、Yohey（Ba）、Steven（Dr）、そしてサポートギタリストのTake（Attractions）も含めた、それぞれのプレイヤーとしてのシグネチャーが炸裂。それによって、インディーロックやオルタナティブロックをルーツの軸とし、ドラマチックで疾走感のある曲や、ファンキーなダンスミュージック、メロディアスなバラードなどさまざまなタイプの曲を打ち出す持ち前のスタイルが、より強くポップに躍動するセルフタイトルに相応しい作品となった。いったい彼らはどのようにして圧倒的な“らしさ”を獲得したのか。その経緯に迫る。

──Newspeakは2022年11月にシングル「Leviathan」で〈Waner Music Japan〉からメジャーデビューを果たし、ついにアルバム『Newspeak』を完成させました。まずはなぜメジャーを選択したのか、その経緯と理由から教えてもらえますか？

Yohey：活動を始めた頃はちょうどSpotifyやApple Musicといったサブスクが日本でもどんどん広まっていった時期で、僕らはTuneCoreJapanというディストリビューションサービスを使ってリリースを続けていました。

その流れのなかで、自分たちの音楽をもうちょっと広いフィールドに向けて発信したいという想いが芽生えたころに、メジャーレーベルからいくつか話をもらってたんです。でも、コロナ禍の状況が深刻化してきたことで、すべてがいったん白紙になったんですよ。その時は未曽有の事態で誰もがどうしていいのかわからなくなったけど、リリースはできるなら続けていこうということで完成したのが、2021年のアルバム『Turn』でした。

Rei：僕らのサウンドって、カテゴライズするとインディーとかオルタナティブということになると思うんですけど、Yoheyも言ったように、そのスタイルをもっと広い場所に投げかけたらどうなるか、ということに興味が湧いてきたんです。そこまではよかったんですけど……。

──まさかのパンデミックが。

Rei：『Turn』を作ってツアーを回っていた頃もめちゃくちゃ最高で、でもまだまだ先が読めない状況だったから、メジャーとかインディーとかそういう話ではなく、そもそも音楽を続けライブをやっていくことそのものに不安があった。そんなツアーの東京公演に来てくれたWarnerの担当の方が一言目に「Newspeakって海外に出たいでしょ？　また会おう！」って声を掛けてくださって。

──シンプル！

Rei：そのシンプルな一言に引き付けられました。

Yohey：その方にはちゃんとバックグラウンドがあって、もともとは洋楽畑で仕事をされていたんです。日本のバンドを海外に紹介した実績もある方で、その後にいろいろと話をする機会をいただいて契約に至りました。

──メジャーレーベルの下でレコーディングを行ったことで、何か変化はありましたか？

Rei：制作にあたって、音楽性についてレーベルからは一切何も言われなくて。制作過程の中で相談に乗ってくれる、いったん完成したものに対してフィードバックをくれる、といった感じだったんです。それがハマったんですよね。

Steven：Warnerのスタッフやエンジニアのニラジ・ガジャンチ、サポートギタリストのTake（Attractions）も含め、客観的な意見が入ってきたことはほんとうによかったと思う。

Rei：新体制での最初の取り組みがシングル「Leviathan」をリリースすることだったんですけど、この曲はHondaの「FIT e:HEV 」のCMソングで、これまでにやったことのなかった“15秒で伝わる強いサビ”を意識しました。その時、僕らメンバー3人は「ちょっとやりすぎなんじゃないか」って言ってたんですよね。でもスタッフの反応はそうでもなくて、これまでのNewspeakのイメージの延長線上で「いいね！」と言ってくれて。

──私もそう思います。特に「メジャーにいったからサビの強いわかりやすい曲を作った」という印象はなく、むしろNewspeakらしいインディーロックルーツのビッグな曲だと思いました。

Rei：まさに、一歩外に出たときの周囲の反応もおっしゃったような感じが多かったんです。でも、少数精鋭で作っていると意外と自分たちのことってわからないというか、変にメジャーとかインディーということを意識していたのは、自分たちだけだったんじゃないかって。そこからよりナチュラルな思考になったうえで、「Be Nothing」の最後のサビとか、「White Lies」のような、今まで以上にポップで強くて大きな曲ができたんです。

Yohey：「Silver Sonic」もそうだったよね。ベースとドラムについては、そういう強度とは別の音楽的なこだわりで、サングラスをかけたまま淡々といきたいみたいなテンションの僕と、激しくエモーショナルにいきたいStevenの間を取ったんですけど、サビのメロディに関しては当時のReiからするとトゥーマッチだと感じていたほうを選んだんです。

Rei：もともとあったサビのメロディの温度が高すぎると思って、ちょっと抑えたバージョンに変えてレコーディングしたら、スタッフの一人が「前の方がよかった気が」ってボソッと言ったことに対して、「そんな気がする」みたいな波紋が全体に広がっていって、僕だけが「え、そうだったの？」って。で、元に戻してみたら結果、僕もそのほうが納得できたっていう（笑）。自分だけではわからなかったNewspeakの美味しいところが見えてきたんですよね。

Yohey：だからこそ、そういう美味しさとは別軸で続けてきた、グルーヴ重視のダンサブルな側面への愛着もより実感できるようになって、「Alcatraz」はNewspeakのコアな部分として、絶対に先行シングルとして出したいと強くプッシュしました。

──エンジニアのニラジ・ガジャンチさんとの仕事はどうでしたか？

Yohey：誰かいい人がいないか探していたらニラジさんの名前が挙がって、調べてみたら「The Killersの2ndアルバム『Sam‘s Town』を手掛けた人が日本にいるぞ」って。

──『Sam‘s Town』は00年代最高のロックアルバムの一つだと思いますし、Newspeakのイメージにもはまるかと。

Yohey：ニラジさんは僕らのサウンドのリファレンスになるような作品や、それらの作品とプロデューサー／エンジニアとの関りを、事前にじっくりと時間をかけてインプットしてきてくれたので、ロジカルかつ熱のこもったレコーディングできたと思います。Stevenが英語でスムーズにコミュニケーションが取れることも大きかったですね。

──ギタリストのTakeさんとのレコーディングはどんな感触でしたか？

Steven：Takeは最高。ほんとうにいいヤツでギターが上手い。考えすぎない性格だから、バンドに落ち着きといいエネルギーを与えてくれる。間違いないね。

Yohey：Takeは確かな腕があるうえで、サポートと正式メンバーという立場を超えて、Newspeakの作品にギタリストの目線を吹き込んでくれました。そこは本当に大きかったなと。

──イントロダクションとしての「What If You Weren’t Afraid」があって「White Lies」でいきなり泣きのギターが炸裂するところから始まり、今回はギターがかなり効いた作品になっていますよね。

Rei：すごくロックバンドっぽくなったんじゃないかと思います。

──そして、Stevenのパワードラムやタム使い、Yoheyさんの「Alcatraz」のような曲をリードするフレーズやグルーヴは、シンプルなパターンとのコントラストでより際立ち、Reiさんのフロントマンとしての生き様もより躍動しています。みなさんのプレイヤーとしてのシグネチャーが今まで以上に鮮明に伝わってくる、セルフタイトルらしいアルバムだと思うのですが、そういう感触はありますか？

Rei：特にNewspeakらしさを突き詰めて一致団結したみたいなことはなくて、むしろ音楽的な話をあまりしなくなったんですよね。話したところでそもそも音楽の趣味が違うし、折衷案を探ることが増えるだけだから、その必要もないのかなって。そこがポイントになっているのかもしれないです。「こんな曲にしたいから同じ方向を向いてこうしよう」ではなく、「どうせみんな頑固なんだし、お互いのシナジーを大切にしよう」というベクトルで曲を作りレコーディングしたことで、おのずとお互いが期待している通りかその上をいくプレイがいくつも出てきたんだと思います。

Steven：ゴールが見えているよりも、「なんとかなるさ」っていうアプローチの方が楽しいしね。

──“らしさ”って難しいじゃないですか。視野狭窄になることもありますし、そこに気が付いてもなかなか修正できない。自分らしく輝いていたと思っていたことが実はそうでもなかったと後々思うことも往々にしてある。歌詞とサウンドが相まって、そういうモヤモヤに寄り添い引っ張ってくれる作品だと思いました。

Rei：確かに、歌詞について言えば、自分らしさと向き合う、自分らしさを保つ、みたいな感覚は結構あったかも。メジャーからの作品という外向きな打ち出しに反して内向きというか、「これはオレと友達の話です」、「これはオレが好きな人のことを想った歌です」みたいなパーソナルな感覚が強かったことは確かで、そういう感情が外に向いた表現に昇華されているという言い方が正しい気がします。だから、そう思ってもらえたことは嬉しいですね。

Yohey：『Turn』はこの先まともにライブができるかもわからないコロナ禍に、自分たちができることを示すというマインドが起点になっていて、そういう意味ではコンセプトがあった。でも今回はそうではなくて、客観的な視点も入ったうえで見えてきた「これが今のNewspeakです」というアルバムだと思います。

──そして『Turn』と異なり、思いっきりライブができるということがわかったうえで作ったアルバムでもある。

Steven：それもあってドラムはシンプルなパターンを軸にしています。難しいとライブで疲れるから（笑）。お客さんもメンバーも、オレが楽しそうに叩いている方がいいと思うし。難しいのが楽しくないわけじゃないけどね。

──ドラムと向き合っているStevenもカッコいいけど、マイクも使って「今楽しい！」ってフロアに向かって発散しているときは最高ですよね。

Yohey：7月19日にはリリースパーティも開催しますし、どんなライブになるか、楽しみにしていてください。

Q.ラストパーティーでの思い出は？

Arai：元々「TOKIMEKI SOW」は退去時期が決まった状態で貸してもらった物件だったんだけど、この「偶然の出会いの場」がなくなってしまう、それを日常で味わうことができなくなるんだってことがとにかく悲しかったです。多分「TOKIMEKI SOW」で100人以上の新しい出会いがあったんですが、今周りにいてくれる人の多くがそこで出会った人たちなんですよね。それって本当に財産だなと思っています。

0CM：悲しかったけど、「もう次のステップ行くっしょ！」みたいな気持ちだったかな。ねずみとかもよく出たし、地震のときとか震度3でも大きく揺れて1階まで避難していたし、耐震性的にも限界が見えていて！　でも、いざラストパーティーを迎えて、大好きな友達や仕事関係の人たちがたくさん来てくれたら、感傷的になってベロベロになりながらめちゃくちゃ泣いた（笑）。あとは、外国人の友達もたくさん来てくれて、これまでよりももっと国際的なパーティーになって、それも良かったな。

Arai：本当にいつも横を見たら知らない人がいる、みたいな状況だったよね。自分の家なのに（笑）。

0CM：うん。あと、これまでも壁にみんなで絵を描いて遊んでいたんだけど、ラストパーティーでは窓にまで描き始めて（笑）。その様子は印象に残っていますね。あと、私は「TOKIMEKI SOW」に住んで、とにかく絵が描けるようになった。これまではどうしてもアカデミックに考えてしまうことが多かったけど、遊びに来たアーティストの友達が「絵は楽しんで描くもの」だって教えてくれたんです。私は「TOKIMEKI SOW」に住んで、そこが一番成長できたかなと思います。

大貫妙子が毎年恒例で開催している冬のコンサートより、2023年11月の東京公演の模様を完全収録したライブ映像/音源作品『Taeko Onuki Concert 2023』が5月22日（水）にリリースされた。

サポートを務めるのは、前年に引き続き小倉博和（Gt）、鈴木正人（Ba）、沼澤尚（Dr）、林立夫（Dr）、フェビアン・レザ・パネ（Pf）、森俊之（Key）に、大貫の近年の楽曲でアレンジを担当している網守将平（Key）が加わった、「パーマネントメンバー」ともいうべき布陣。昨今、再評価が進むシティポップの代表曲“都会”をはじめ、“色彩都市”や“新しいシャツ”、“Happy-go-Lucky”など各年代の人気曲・代表曲を、当時のマルチテープから抜き出したトラックを織り交ぜながら「現在進行形のバンドサウンド」にアップデートした本作は、コアなファンからビギナーまで楽しめる内容となっている。

今回Qeticは、そんな大貫への単独インタビューを敢行。作品の見どころはもちろん、楽曲制作の背景や坂本龍一との思い出、「孤独」と向き合うことの大切さなど、さまざまなトピックについてたっぷりと語ってもらった。

──『Taeko Onuki Concert 2023』は、大貫さんの歌や楽曲はもちろんのこと、サポートを務めるバンドメンバーの演奏がとにかく素晴らしくて。

大貫妙子（以下、大貫）：まずツインドラムというのが珍しいですよね。いろんな時代の曲をやるので、一人だと手が足りない時があるんですよ。もちろん、二人ドラマーがいるからといって二人で叩きまくるわけでもなく。（林）立夫さんはブラシが得意だから、沼澤くんのドラムにそれを混ぜてみるなど、曲ごとに考えてくれていますね。

鈴木正人さんも、ウッドベースとエレキベースの両方を弾けますし、（小倉）博和さんは「山弦」とのライブでもお馴染み。パネさん（フェビアン・レザ・パネ）ともすごく長いし、森俊之さんもずっとレコーディングメンバーです。

──最年少の網守さんは、どんな経緯でメンバーに加入したのですか？

大貫：ある日、自分のパソコンを立ち上げて、「最近の人ってどんな音楽をやってんのかな？」と思って色々聴いていたんですよ。普段はあんまりそういうことをしないんですけど。そうしたら、たまたま網守くんの“偶然の惑星”（2018年『パタミュージック』収録）という曲が流れてきて。それが私好みの曲調だったんです。「えー、誰だろうこの人？」と思ったら、私のマネージャーが＜Yellow Magic Children（YMO結成40周年記念イベント）＞でちょうど彼と仕事をしていて。「一度、会って話しましょう」となったのが最初の出会いですね。

彼は坂本（龍一）さんの後輩でもあるわけじゃないですか（注：網守は東京藝術大学音楽学部作曲科卒業。同大学院音楽研究科修士課程修了）。網守くんの曲を聞いたときに、ものすごく自分と「近い」感じがしたんですよね、世界観が。そうしたら、やっぱり近いところにいたという。それで早速メンバーに加わってもらいました。

──結果、非常に幅広い年齢層のバンドになりましたね。

大貫：年齢のこととか考えたことはないんですけどね。そのミュージシャンが出す音やセンスはもちろん、いちばん大事なのは人間性です。そういえば先日、ジェイムス・テイラーを観に行ったんですけど、もう感動して。私は1970年代から音楽を始め、ああいうサウンドを聴いてきたわけだから、やっぱり話が合うのは私と同世代か少し上の人たちになってくる場合が多いんですよ。

網守くんはちょっと若いですけど、彼には彼の良さもある。積み木でもそうですが、普通に積んでいっても面白いものはできないですよね。三角の積み木を差し込んでみるとか、「これを載せたら崩れそうだな」と思うものをあえて載せてみるとか（笑）。そういう凸凹したところがないと、積み木って楽しくない。音楽も同じで、「上手なのはわかってます」という人だけ集めても、結局予定調和になっちゃう。やっぱり年代も含めて少し凸凹している方が楽しいですよね。

──7人それぞれが確固たるバックグラウンドを背負っているわけですが、すぐに打ち解け合いました？

大貫：新しく組む人って、探り合うわけじゃないけどちょっと緊張感があって。友だちでも最初は話していて硬かったりするでしょう？　でもだんだん、「こんなことで笑っちゃうんだ」みたいなこととかが分かるようになってきて。音楽ってほとんど言葉にできないことなので、その辺のセンスというか共通言語がある人じゃないと、なかなかバンドを組むのは難しいでしょうね。

──前回の『Taeko Onuki Concert 2022』では、オリジナル・マルチトラックからのサウンドや、シークェンサー、シンセサイザーを使用していました。今回も、たとえば“船出”や“Volcano”のコーラスなどは、オリジナル音源をそのまま使用していますね？

大貫：前回はリズムトラックなども使ってはいたのですが、今回は割と削ったところもあります。ただ、“虹”や“Happy-go-Lucky”、“Volcano”、“船出”などのコーラスは、どうしても必要なんですよね。しかも自分の声じゃないとうまく混ざらない。ハーモニーを自分でやっていることには意味があって、例えばバックコーラスでも、もし自分とは違う声で重ねたとしたら、同じメロディとハーモニーであってもまったく別モノになるんです。それだったら当時のマルチトラックから引っ張り出してくる方がいい。スタッフは大変だったと思いますけど。

──そういえばジェイムス・テイラーのライブでも、ジョニ・ミッチェルの声が使われていました。「そこにいない人の声を出すのはおかしい」と誰も思わないのは、あの声そのものがアンサンブルのフレーズとして必要だからなのだろうなと。それと同じことですよね。

大貫：うん、まさにそうですね。

──今回のセットリストでは、個人的に“色彩都市”（『Cliché』収録曲）がすごく好きです。2020年12月に開催された＜Onuki Taeko Symphonic Concert 2020＞では坂本龍一さんがサプライズ出演を果たし、網守さんが編曲を手がけた新たなバージョンの“色彩都市”を披露されていました。

大貫：この曲、リリースは1982年でしょう？　すごい昔（笑）。当時のことはもうほとんど覚えていないですね。ただ、坂本さんがアレンジしてくれていた頃は、曲を書いていて転調しすぎて戻れなくなった時とか、「戻しといて」って渡すと「ああ、いいよ」ってすぐ直してくれて。それがすごく楽というか、助かっていました。

──（笑）。あの曲、オリジナル音源では教授がドラムを叩いているんですよね？

大貫：あれ、別に「叩いて」なんて頼んでないんですよ（笑）。確か「ドラムどうしよう？」という話になって……ごめんね間違ってたら（と、天に向かって言う）。「誰か呼ぶと言ってもなあ……」みたいに、二人とも全然思いつかなかったんです。この世界観だとポンタ（村上秀一）でもないし。そしたら坂本さんが「じゃあ、俺叩こうかなあ」って。まんざらでもない顔をしてブースに入って行ったのを覚えていますね（笑）。

大貫：でも結構、時間、かかってしまって。「時間がかかるならキックから先に録る？」とか提案してみたんですけど。あまり言うと怒られそうだから（笑）、エンジニアさんと「待ちましょう（小声）」って。

──“色彩都市”が収録された『Cliché』では、他にも“黒のクレール”や“ピーターラビットとわたし”、“LABYRINTH”も教授がドラムを叩いていますね。

大貫：そう。だから、ビートが重いんです。なんだかんだ言って「やりたがり」ですよね、坂本さんは。というか……アレンジャーとしては、たとえばドラマーを呼んで「ここをこうして」と細かくリクエストをしても、彼の頭の中で鳴っているサウンドを正確に再現はしてくれない。当たり前なんですけど、「だったら俺に叩かせてくれ」みたいなことを言いやすかったのが、当時の私だった。

──教授自身もこの曲のアレンジは「自信作」とおっしゃっていて。

大貫：そうですよね。名曲です。

──教授といえば、先日放送された大貫さんのラジオ番組『THE UNIVERSE』でも、坂本さんとの思い出をいろいろ語っていらっしゃいましたね。ものすごい早食いだった話とか、パーソナルなエピソードも明かされていてとても興味深かったです。

大貫：「そんなノロノロ食ってて、もし爆弾が落ちてきたらどうするんだ！」ってスタジオでよく怒られましたよ。何を言ってるんだろうな？　と思っていましたけどね（笑）。変わった人だったなあ。でも歳を重ねてからは、まるで人が変わったように優しくなった。

──それは、なぜだと思いますか？

大貫：環境問題や、子供たちの未来に関心を持つようになったことも大きかったのではないでしょうか。子供たちの未来もそうですし。私たちは、この星の美しさをもっと大切に考える時が来ているのだと思います。いつからか……私がネイチャーマガジンの執筆で、アフリカや南極へ行ったりしていて、その話を彼にするたびに「そっか、そっか」と聞いていて、それで彼も行ってみようと思ったのではないですかね？　と私は思っているんです。「いや、関係ないよ」と、言うかもしれませんが（笑）。

──（笑）。ちなみに大貫さんは、どうして90年代に雑誌『マザー・ネイチャーズ』で連載を持ち、積極的に海外へ行くようになったのですか？

大貫：1986年に初めてアフリカへ行った、旅行記「神さまの目覚まし時計」が、角川文庫から出ているんですが。その時の話を、坂本さんにはよくしていて。その後、新潮社から「マザーネイチャー」と言う雑誌が創刊されて、その旅行記を書いてみないか、と言う話になり。ガラパゴス諸島、南極などなど、いろいろ行きました、音楽を作るのも楽しいけれど、たとえばアフリカのサバンナでは、遥か地平線まで連なる、ヌーの群れや、ライオンの狩りも、目の当たりにして、生きると言うことの壮絶さを知ることになった。そこで目にしたことは生涯、忘れることのない肌感覚として、今も残っています。

──楽曲についてももう少しお聞かせください。“都会”や“街”など、今の若い人たちから再評価されている「シティポップの代表曲」は、都会の「喧騒」に対するアンチテーゼが含まれています。それは今、どんなふうに受け止められていると思いますか？

大貫：今の若い方たちのことは、正直分からないです（笑）だからといって、「若い方」と言う、ひとくくりな感覚では見ていません。印象としては、スマホばかり見ている、という印象はありますが……。

──たとえば《その日暮らしは止めて　家へ帰ろう一緒に》（“都会”）という歌詞は、当時の浮かれた時代へのアンチテーゼとしてインパクトがあったと思うんですけど、今の人たちは普通に家に帰るんだろうなって思うんですよ。

大貫：あははは。確かに、羽目を外すみたいなことってないのかもしれないですね。坂本さんも、新宿のゴールデン街へ飲みに行って、そのまま道端でダンボールをかぶって寝てしまって。で、朝パッと目が覚めたら、目の前を通勤する人の革靴が行き来してたって！　「こんなところで横たわっている自分はなんなんだろう？」と思い、通勤時間が過ぎるまで段ボールから出られなくなったらしい（笑）。「世界のサカモト」と言われている彼にも、若気の至りはあるんです（笑）。

──今のミュージシャンは、そういうのほとんどないでしょうね。

大貫：飲まない人が増えましたしね。別に飲むことがいいとは思わないけど（笑）、お酒も飲まずにどこで発散しているのかな？　とは思う。だから、若者のことはよくわからない。

──“街“は孤独であることの大切さを歌っていますが、以前のインタビューで「あのときの（孤独な）気持ちを忘れないっていうことが、きっと素敵な大人になる秘訣なのかな」とおっしゃっていました。今は社会との断絶が進み、人々の孤立が進んでいることをどう思いますか？

大貫：うーん……人はみんな孤独だし、そこは今も昔も変わらないのではないですかね。たとえ長年添い遂げたパートナーがいたとしても、一緒にお墓に入るわけではないし。時間差があっても、みんな死ぬ時は一人です。私はずっとひとりですが、音楽を仕事として続けている限り、新たなものを生み出そうとする限り、今の環境が自分には適している、と思っていますので。もう、このままで（笑）。誰かと食事をしたければ、会いますし！

大貫：そして、孤独を知らないと作品は作れないとも思います。作家でも音楽家でもそう。「孤独」をテーマにしていなかったとしても。それに向き合うと辛いからみんなでワイワイ騒いでいたとしても。何かを作るときは、そこと向き合わなきゃならないから大変なんですよね。そういう思いで歌詞を書いてきたので、今も多くの方々に聴いてもらえているのかなという気がします。

──大貫さんの音楽を聴いていると、孤独であることや一人でいることを肯定されている気がする理由がわかりました。

大貫：だからみんな、私のコンサートに一人でくるのかな（笑）。

──（笑）。今年は＜フジロック＞にも出られますよね？

大貫：初日にね。フェス自体、これまでそんなに出ていなかったんですよ。福岡の＜CIRCLE＞と＜WORLD HAPPINESS＞くらいかな。去年出演した軽井沢の＜EPOCHS 〜Music & Art Collective〜＞がとても楽しかったので、フジロックはそのときのメンバーで出る予定です。楽しみにしていてください。

今年1月にPIZZA OF DEATHとのマネージメント契約およびポニーキャニオンからのメジャーデビューを発表し、「サバの日」にあたる3月8日に1stアルバム『覚悟を決めろ！』をリリースしたサバシスター。フレッシュでポップ、それでいてパンク譲りの反骨精神も感じさせる『覚悟を決めろ！』の14曲は、DTMをベースにしたソロアーティストの活躍が目立つ2020年代において、バンドの楽しさや痛快さをもう一度世の中に知らしめるものであり、なち、るみなす、GKの3人が活動開始からわずか2年で躍進を遂げた理由を雄弁に物語っている。今回、彼女たちがなぜ楽器に魅せられたのかについて聞くとともに、それぞれが進化を遂げてリリースされたニューアルバムについても語ってもらった。

──まずは、現在演奏している楽器を始めた経緯を教えてください。なちさんは小さい頃からピアノやギターを触ってはいたけど、バンドでギターを弾きながら歌うことを強く意識したのは、横山健さんを「HEY!HEY!NEO!」で観たときだったそうですね。

なち：音楽を聴いたり、歌ったりするのも好きだったし、ピアノを習ったりもしていたのですが、テレビで健さんを観たときに、それぞれのパートの楽器があって、それが合わさって構成される「バンド」というものを改めて認識しました。その中でギターを弾きながら歌を歌うことがかっこいいなと思ったんです。

──るみなすさんは中学生の途中で部活をやめて、母親から塾か習い事に通うことを促され、ギターレッスンを選択したそうですね。

るみなす：それまで吹奏楽部でホルンを吹いていたのですが、1年の終わりに辞めて。ずっとアニメオタクだったんですけど、そのときは「けいおん！」がすごく好きで、ギターをやってみたいなと思っていました。塾には行きたくなかったので、「ギターをやりたい」と母に相談したのが始まりです。「けいおん！」の中でもリードギターの中野梓ちゃんが特に好きで、ツインテールを真似したり、初めて買ったギターも中野梓ちゃんと同じギターでしたね。

──GKさんは小さい頃からクラシック育ちで、ピアノやバイオリンをやっていたけど、小学生のときに「太鼓の達人」にハマったのをきっかけに、中学生からドラムを習い始めたそうですね。

GK：もともとは母の勧めで、姉と一緒にバイオリンとピアノを習っていました。結局ピアノは３歳から高３まで続けて、ドラムは自分からやりたいと言って始めたんです。中学生のときはバンドというものをそこまで意識していなくて、毎週日曜日に1人でレッスンに行く程度でした。でも、高校生のときに違うクラスの子から、「ドラムやってるんでしょ？一緒にバンド組もうよ」と誘われて、そこからさまざまな曲をコピーするようになり、バンドにハマっていった感じですね。

──なちさんとるみなすさんが現在使っているギブソンのギターについて教えてください。なちさんが使っているES-335は横山健さんから借りているものだそうですね。

なち：ES-335は立っても座っても弾きやすいので、お借りしてからギターに触る機会が増えました。最初、ギターをどれにしようか迷っていたときに、健さんから「自分が一番テンション上がるものを持っていればそれでいいんだよ」と言われたんです。機材のことはあまり詳しくないので、「憧れの人のギターを借りている」ということもそうだし、色や見た目がかっこいいと思うものを自分で選んで、それを演奏することが一番大事だなと思い、今はES-335に支えられている感じがします。

──るみなすさんはなぜSGを選んだのでしょうか？

るみなす：私が一番尊敬しているギタリストがKEYTALKの小野武正さんで、その方と同じギターを使いたいと思ったのが始まりです。武正さんが弾くと武正さんのギターになるなというのをすごく感じていて、自分もそうなりたいと思ったし、いろんな面で尊敬できるプレイヤーです。武正さんが使っているギターをネットで見つけて以来、ずっとギブソンのSGを使い続けています。

──GKさんの現在の機材についてもお伺いしたいです。

GK：最近シンバル類をマイシンバルに変えたのと、レコーディングのときにブラックビューティーというスネアをお借りして以来、サバシスターの音楽にも自分の演奏にも合うなと思ったので、今そのスネアを取り寄せ中です。なちと同じく、私もシンバルを選ぶときに、音も大事だけど、最終的には見た目もかわいくて、自分のテンションが上がるものを選びました。

──『覚悟を決めろ！』でのプレイについても聞かせてください。なちさんは今回のアルバム制作でこれまで以上にギターの魅力にハマり、練習もするようになったそうですが、意識の変化はどういったきっかけがあったのでしょうか？

なち：きっかけのひとつは健さんにギターを借りたことです。私はもともと弾き語りをやっていて、アコギは高く構えることが多いので、手元が見えやすくて、エレキよりも弾きやすいと思っていました。ですが、ES-335はアコギを持ったときの感覚に似ていて、これなら私でももっと弾けるなと思ったんです。あと、私は基本頭の中で音楽を作り上げるタイプで、打ち込みはあまりしないのですが、頭の中で思い描くものをより正確に形にするためには、自分がギターを弾けなきゃまずいと思い、練習するようになりました。

──「覚悟を決めろ！」はリフもなちさんが作っていて、マイナー調だったり、リズムが4つ打ちだったり、新しい挑戦が詰め込まれた一曲になっていますね。

なち：基本的には「こういうことを言いたい」というメッセージが先行して曲を作るんですが、曲を作る動機が音や楽器に向かって行ったんだろうなって。「こういうことをやっているサバシスターかっこいいよね」とか「こういう曲をライブでやれたら楽しいだろうな」っていうのを、客観的に考えて作曲できるようになったと思います。

──「！」では初めてソロも弾いたそうですね。

なち：最初は一番だけしかなかったんですが、健さんが「サビがいいから、2番も作ったら？」と言ってくださって。ただ、一番の歌詞で既に言いたいことは言い切っている曲だったので、私は一番だけでいいと思っていたんです。それを健さんに相談したら、「ギターソロを入れて、それでサビをもう1回やれば？」と。それは自分の中にはないアイデアだったので、それならいいかもと思いメンバーに相談したら、「なちが弾けばいいやん」となり、ソロを弾くことになりました。

るみなす：もともと、なちが弾き語りで演奏していた曲なので、そこはやっぱりなち主体で演奏するのがいいのかなって。

──KEYTALKが好きな、るみなすさんからすると、「覚悟を決めろ！」のような4つ打ちの曲はもともとやりたかったタイプの曲だったんじゃないですか？

るみなす：そうですね。4つ打ちの曲をやるにあたって、KEYTALKや、前から好きだった邦楽の曲を改めて聴いてみたりして、「こういうノリを作るにはこういうアプローチがいいんだろうな」みたいに、判断材料にしていました。もともと4つ打ちの引き出しはたくさんあったので、すごくイメージしやすかったです。

──アルバムの曲の中で、自分にとって挑戦だった曲を挙げてもらえますか？

るみなす：私はライブキッズだったので、「ミュージック・プリズナー」の2ビートはもともと耳馴染みのあるジャンルではあったのですが、速いし、演奏するにはすごくハードルが高いと思って、手を出していませんでした。なので、今回挑戦するにあたって、他のバンドの速い曲をコピーしてみたり、高校生の頃にやっていた練習法でメトロノームを少し速めに設定し、それに慣れさせておいて、後から普通のインテンポに戻すというような基礎練をやり直しました。

──「ミュージック・プリズナー」の2ビートに関して、GKさんはいかがですか？

GK：私はこれまでああいう音楽は聴いてこなかったので、最初は「私にできるかな？」と不安があったのですが、たくさん練習して、今はすごく楽しめるようになりました。「覚悟を決めろ！」の4つ打ちも、「よしよしマシーン」みたいに一曲の中でフレーズがコロコロ変わる曲も、今までのサバシスターにはなかったので、新しい挑戦は多かったですね。「22」のフレーズ自体は単純なんですが、ハットの速さに追いつくように右手を鍛えたり、スティックコントロールはかなり練習しました。

──ここまで楽器の話を軸にお伺いしましたが、音楽以外のクリエイティブについても聞かせてください。なちさんはもともとグラフィックデザインを勉強していたそうですね。

なち：昔から絵を描いたりものを作るのがすごく好きでした。で、専門学校を決めるときに、音楽系か美術系かですごく迷ったのですが、音楽は自分がプレイヤーとしてやる未来を想定していなかったのと、今所属している事務所のPIZZA OF DEATHでどうしても働きたくて、私が高校生の頃PIZZA OF DEATHの募集要項に「イラストレーターを使える人、優遇します」と記載があったのを見て美術系の専門学校に進学することを決めました。専門の先生にも「行きたい場所があって、そこに入れなかったらデザイナーになるつもりはないです」と言っていましたね。

──あくまでPIZZA OF DEATHに入る手段としてデザインを勉強したけど、結果的にはミュージシャンとして所属することになったと。でもバンドでもなちさんのデザインが生かされていて、今回のアルバムのジャケットもなちさんが作っているそうですね。

なち：「覚悟を決めろ！」っていう文字は鉛筆で書いたんです。専門学校でタイポグラフィの授業があったので、その技術を生かしました。前から『覚悟を決めろ！』というアルバムを出すなら黒にピンク文字がいいなという構想があったので、そのアイデアを実現できたのはよかったです。あと、メジャー一発目で顔は出したくないと思っていたので、文字だけっていうのはすごくこだわりました。

──なちさんはミュージックビデオの編集や監督もやっているそうですが、るみなすさんとGKさんから見て、なちさんの発想力や、ものの見方の面白さについてはどう感じていますか？

るみなす：なちは無意識で、これまでやってきた人が少ないやり方をやっているなとすごく思います。一見、ひとつの物事に対して歌っているように見えても、実は一筋縄ではいかないぞっていう感じがすごく好きです。

GK：自分が思っているもの、想像しているものをそのまま伝えようとしているから、すごく純粋だなと思っていて。私だったらもっと悪い意味で捉えたりすることでも、なちは純粋にものを捉えていて、それが歌詞とかにもつながっているのかなって。

──3月8日から23本に及ぶツアーがスタートしていて、ファイナルは7月10日の渋谷クラブクアトロでの初ワンマンになりますね。最後にここまでの手応えと、ファイナルに向けた想いを聞かせてください。

なち：ツアーが始まって、お客さんからの期待がすごくあるんだなっていうのは実感します。自分たちが音楽を届けに行くツアーではあるのですが、新しく出会ってくれた人も、これまでずっと応援してくれた人も、メジャーデビューを含め、今のサバシスターを応援しに、お祝いしに来てくれている空気を感じるので、それに対して今できることを出し切りたいです。ファイナルに関しては、クアトロに立つことは自分の夢で、「初ワンマンで初クアトロ」というのはずっと思い続けてきたので、すごく嬉しい気持ちです。20本以上のツアーはやったことがないので、不安もあるのですが、それを乗り越えた先のサバシスターがどうなっているのか、どんなことができるようになっているのかは未知の部分があるので、そこは純粋に楽しめたらいいなと思います。