「PUBLIC MUSEUM」。2026年6月、名古屋・栄にオープンした商業施設『HAERA』は、コンセプトをそう掲げる。ラグジュアリーブランドの旗艦店や個性的な飲食店が連なるこの空間が提供するのは、単なる買い物や食事の場ではなく、五感を用いた“体験”といえるだろう。そんな『HAERA』らしさを最も体現しているのが、地下2階／地下1階／2階／4階の客用WCに展開された「Natural Artifacts」というアート作品群である。 空間デザインスタジオ・NOWが「万物の起源」をテーマに空間演出を手がけた各階の客用WC。その空間には、塩内浩二氏によるサイトスペシフィック・アートが、単に“展示される”のではなく、空間を構成する要素のひとつとして組み込まれている。 名古屋にルーツを持つクリエイティブディレクター・アーティストの塩内氏は、東洋の自然観や五行思想、自身のルーツを背景に、「水」「洞窟」「雷」「宇宙」をモチーフとした4作品を、平面や立体など異なる手法で展開した。空間そのものと作品の関係性を組み立てながら、商業空間とアートをシームレスに共存させる試み。その狙いと、実現するうえでの難しさとは。今回は、そのうち「Discharge」「Accumulation of history」の造形・制作で協働した矢口周太郎氏と塩内氏の対談から紐解いていく。

──まずはお二人の自己紹介をお願いします。

塩内：株式会社カトレヤトウキョウ代表で、クリエイティブディレクター・アーティストの塩内です。2025年の3月、目黒にCCI Creative Complex®︎という文化複合施設を作りました。1階では“開かれた場所”として、展示会や音楽ライブのほか、ワインイベントなどを行っています。コロナ禍以降、デザインを取り巻く環境が変わったこともあり、こういったスペースを設けました。 矢口：株式会社YAW代表の矢口です。学芸大学駅の近くで『YOU ARE WELCOME』というインテリアショップを運営しながら、インテリアや什器のデザインも担当していますね。 ──お二人の交流はいつからですか？ 塩内：およそ13年前ですね。僕がCattleyatokyo™を立ち上げたばかりの頃は中目黒に住んでいて。そのときにふらっと入った『new territory』というアンティークショップで働いていたのが矢口くんです。 矢口：そこで意気投合して、飲みに行ったりして。塩内くんは『new territory』から徒歩5分ぐらいのところに住んでいたんですよね。当時から塩内くんはだいぶ“仕上がって”いて（笑）。自分の思想をしっかり持っていたんですよね。 塩内：矢口くんは“ディガー”でしたね。ヴィンテージのことをめちゃくちゃ深いところまで掘り下げているし、デザインに対する造詣もかなり深かった。当時から視野が広い人でしたね。 矢口：僕らはデザインが好きという共通点がありましたよね。 塩内：共通点でいうと、ファッションに詳しいのも一緒ですね。親友のスタイリストと一緒にファッションブランドのルックを担当したこともあります。 矢口：ファッション周りに同年代のかなり広いコミュニティがあって。デザイナーやフォトグラファーからスタイリスト、アートディレクターなど幅広い職業の人がいたんです。 塩内：『BODYSONG.』や『BALMUNG』のような前衛的なファッションブランドや、その周りの人たちですね。十何年経って作るものも働き方も変わったけど、今もどこかで意識しあっている感覚があります。

──先ほど塩内さんがおっしゃっていた「コロナ禍以降、デザインを取り巻く環境が変わった」というのはどのような意味でしょうか？ 塩内：コロナ禍で人と人の接触が制限されてから、「“場所”には意味がない」という風潮が生まれましたよね。そんな流れで会社がリモートワークに切り替えたりした。そのアンチテーゼで「場所の方を拡張してみよう」という考えも生まれて、メタバースが一瞬だけ流行したりもしました。でも、コロナ禍が収束しはじめた頃には、「やっぱり人同士が結びつく行為が必要だ」と、場所の再評価が行われて。そこで僕も、デザインやアートの定義を、単なる作品のような“二次元”から、作品を通じて人と人が交流する“三次元”まで拡張しようと試みたんです。やっぱり人は人と会わないと生きていけないし、その感動体験は超えられないのではないかと。 矢口：“作品”ではなく“場”を作るという試みはヨーロッパなんかではよく見られますよね。 塩内：ファッション、アート、内装まですべてを行っていた『SURFACE TO AIR』や、テレビの制作会社がデニム作りを始めたことからスタートした『Acne Studios』なんかは、根幹にある考え方が一緒なのではないかと思います。僕自身、イギリスに訪れたときに彼らが境界を超える軽やかさに影響を受けましたね。でも日本だと「貴方は私の分野のことを何も知らないだろ」なんていがみあっていて（笑）。 矢口：それでいうと僕らは境界を超え始めた世代ですよね。 塩内：柔軟性を持った人がたまたま同世代に多くて、コロナ禍によってその傾向がはっきりした。今ではみんなが自身の専門領域にとらわれずに様々なことをやっていて面白い時代になったと思います。

──『HAERA』のプロジェクトはどのようにスタートしたのでしょうか？ 塩内：空間デザインスタジオ・NOWから客用WC及びCS諸室のデザインは3年前に動き始めたと聞いています。それこそ、コロナ禍ですよね。何度もブラッシュアップを重ねたそうで、NOWから僕にオファーがあったのは2024年の11月。そこから「Natural Artifacts」の構想を考えました。 ──作品のアイデアは、塩内さんのルーツに着想したと伺っています。どのように思いついたのでしょうか？ 塩内：アートに強度を持たせるための方法論として、「自分にしかないアイデンティティを探す」と「歴史と照らし合わせて、自分の立ち位置がどこになるのかを知る」ことが大事だと思っていて。つまり、目に見える美しさだけを表面的に追い求めるのではなく、観念的な美にフォーカスする必要がある。そのためにまずは、自分が生きてきた道筋を辿ったという流れですね。 矢口：ルーツを辿ることは、「Natural Artifacts」に限らず、アートを手がけるときの基本的な方法論ですね。 塩内：そうです。そこで着想したのが、僕の高祖父である伊藤安三郎の長男、伊藤覚典（萬松寺三十七世の大円覚典和尚）でした。彼は名古屋の大須にある萬松寺というお寺を引き継いで、境内の大部分を解放したんです。そこが今の大須商店街ですね。萬松寺は内装が妙にギラついていたり、今はお賽銭がPayPayしかできなかったりと革新的で面白いのですが、その話は長くなるので割愛して。いずれにせよ、格式が高いけど“開かれ”たお寺だった。そもそも寺院は宗教施設としての機能を持ちながら、多くの人が行き交う場所でもあったんです。『HAERA』も同じく、たくさんの住民や観光客が訪れる施設ですよね。そんなところに常設するアートには“祈り”の意味を込められるのではないかと思ったんです。

矢口：五行思想に着想したのはなぜでしょう？ 塩内：萬松寺の仏教思想と、東洋の伝統的な考え方である五行思想、それと僕が学んできたモダニズムに見られる丸・三角・四角のような基本的な造形の要素がうまくハマったんですよね。ただ、あんまり“和”に寄りすぎても良くないので、すべての要素が混じり合って、それぞれを密かに感じるぐらいの絶妙なバランスを探りました。 ──矢口さんがプロジェクトに参加したのはいつからですか？ 矢口：2025年の末かな。「雷」をテーマにした「Discharge」と、「洞窟」をテーマにした「Accumulation of history」の2つの作品制作に関わりました。

──塩内さんが矢口さんに声をかけたきっかけはなんでしょう？ 塩内：「Discharge」を作っているとき、壁にぶち当たってしまって。神社にある紙垂のような形状の作品なのですが、3Dプリントで何度試作してもしっくりこない。そんなときに矢口くんの顔が浮かんだんです。 矢口：塩内くんは1年以上ひとりで考えているし、作らないといけない点数もかなり多い。お話を聞いて、今は頭の整理が難しい状態なんだろうなと思いました。 塩内：ずっとこねくり回していましたからね。毎週必ずプロジェクトチームの打ち合わせを行っていたのですが、その回数を数えたら約80回でした。長期間考えているとやっぱり煮詰まってくるんですよ。 矢口：コンセプトがしっかり固まっていたから、スッと入ってきましたね。僕から見たら、あとは交通整理をするだけの状態でした。具体的な造形のイメージや、空間への落とし込み方を提案しましたね。 塩内：矢口くんが見事にブレイクスルーしてくれました。

──商業施設に設置するアートを作るときは、どのようなことを意識するのでしょう？ 塩内：「Natural Artifacts」はサイトスペシフィックな（特定の場所に存在するために作られた）作品なので、寸法や素材もすべて空間に合わせて考えているんですよ。たとえば建物の構造に対してボリュームがどうしたら美しく見えるのかなどを、徹底的に考えます。スケッチアップの段階で、「間違いないだろう」と踏み切れたら、ペラペラな紙に印刷して何回も現地でアタリをつける。そしてようやく実際の作品を制作する、という流れですね。実はかなりアナログな手法なんです。 矢口：「Discharge」については、『HAERA』の2階にある三角形のくぼみのようなスペースに飾るのが、サイズや照明の関係でベターだという判断になったんです。そこから設置する高さや、パーツ一つひとつが最も美しく見える角度を探りました。 ──「Discharge」は、構成するパーツの材質が異なるところが目を引きます。 塩内：パーツの素材は最後に決まりました。ネロマルキーナや蛇紋石のような大理石と木材、アルミ無垢材をコラージュのように配置しています。 矢口：単純な形状の連続なのですが、そこでどんなリズムを生み出すかを意識しましたね。 塩内：長く残るものなので、形状はクドすぎない方がいいと思うんですよ。 矢口：素材の仕上げには僕の好みも反映されていますね。大理石は「本磨き」というツヤツヤに光沢を出す方法が一般的なのですが、今回はあえてマットな「水磨き」を採用しました。

──「洞窟」をテーマにした「Accumulation of history」は、立体的に削り出した無垢材のヒノキやスギ、ケヤキを縦に積み上げた作品です。現在の形に至るまでには、かなり造形の変化があったそうですね。 塩内：そうですね。最初から今のような積層した形を考えていたわけではありません。出発点にあったのは、NOWが地下1階の空間に設定していた「洞窟」というテーマです。最初はそこから連想して、お椀のような形を重ねたり、洞窟そのものを抽象化したような造形を考えていました。3Dプリンターで何度か模型も作ったのですが、なかなか作品としての強度が出なかったんです。 ──当初は全く異なるアプローチを想定していたのですね。 塩内：そうですね。その頃、NOWから、立体物が積み上がっているイメージを共有してもらいました。それがひとつの転換点になって、「洞窟」というモチーフをそのまま形にするのではなく、長い時間をかけて物質や地層が堆積していくように、異なる形態を積み上げていく方向へ発想が変わっていきました。同時に、自分自身の過去にも立ち戻りました。学生時代、名古屋の画塾で最初に学んだ表現が、丸や三角、四角のような基礎的な図形で画面を作る「平面構成」だったんです。それを今度は二次元ではなく三次元でやってみようと。だからこの作品には、洞窟のような自然の時間だけでなく、自分が表現を学び始めた頃から現在までの個人史も積み重なっています。それが「Accumulation of history」というタイトルにもつながっています ──そこから、矢口さんが制作に加わっていったのでしょうか？ 塩内：積み上げるという大きな方向性が見え始めた頃に、矢口くんにも相談しました。そこから、実際にどんな形状や素材で成立させるのか、どうすれば空間の中で作品として強度を持てるのかを一緒に詰めていきましたね。 矢口：基本的なコンセプトや積層する方向性はすでにあったので、僕はそこから立体としてどう成立させるかを考えていきました。この作品は、名古屋でも数社しか所有していない5軸加工という技術で作られているんです。 塩内：愛知県にある「Artistry」さんという家具メーカーですよね。素材についても、そこからかなり検討しました。 ──「Natural Artifacts」を手掛けるにあたり、二人が感じたことはありますか？ 矢口：最初に話を聞いた時はワクワクしましたね。こんな大きいプロジェクトに携われることが嬉しいですし、何よりそれを発注してくれたのが顔馴染みの塩内くんだった。それがとにかく新鮮でしたね。13年前に飲み歩いたり、仕事をした仲間と、まさかこんな形でまた一緒にプロジェクトができるとは思わなかったです。 塩内：矢口くんは立体的な構造における細かい知識を持っていたので心強かったし、勉強になりました。それに、素材のバランスとずっと向き合ってきた人の感覚はやはり参考になりますよね。人工物と自然物を隣り合わせたときの見え方や、形状、素材、色に対して「こういうものがいい」と言える肌感覚も大事だなと。矢口くんが携わったことで、自分だけでは辿り着けない場所に行けたと思います。

──『HAERA』がオープンしてから、実際に作品の周りを人が行き交っています。製作した側としてはどのような感覚なのでしょうか？ 矢口：設置のタイミングで見たのが最後なので、僕はまだ営業中の光景を見ていなくて（笑）。 塩内：僕が嬉しかったのは、常設した日からSNSでメンションがたくさん飛んできたときですね。みんなちゃんと作品を見てくれているんだなと。あと、親戚の中には『HAERA』の一般向けレセプションに参加したり、雑誌で僕が「Natural Artifacts」について語った記事を読んでくれた人もいて。僕が自分のアイデンティティを表現していることを、血の繋がっている人が喜んでくれたのも、印象的な出来事でした。

──今後、「Natural Artifacts」という作品とどのように接してほしいですか？ 塩内：じっくり向き合ってもらいたい、というのは大前提で、それぞれのキャプションに実は『HAERA』の公式サイトで僕のことが分かるQRコードが載っているんですよ。そこからぜひ芸術やポストモダンのことをリサーチしてもらったり、僕に関連する記事を見てもらうことが、何かブレイクスルーのきっかけになったら嬉しいです。純粋な画家やデザイナーとは違って、僕はクリエイティブディレクターやアーティスト、『ハナマルキ』のCCO、京都精華大学の評議員など肩書きが多いタイプで。あまり好きな言葉ではないですが、「スラッシャー」とも言ったりしますね。そんな複眼視点の人がこの時代に領域を超えたユニークなモノづくりをやっていることを知れば、活動方針を考える上でひとつの支えになるのかなと思います。 矢口：「Natural Artifacts」が置かれた空間デザインについては塩内くんはいかがでしょうか？ 塩内：そうそう、実は『HAERA』の空間デザインを担当しているNOWの鈴木 弦さんとも20年近い付き合いがあるんですよ。彼の兄も親友で、その周りの人たちとも交流があった。僕が20歳くらいのときは宇田川町のクラブで毎月みんなとイベントをオーガナイズし、DJやVJをやっていて。そんな付き合いの長い人たちと、今こうやってコラボレーションできるのは面白い話だなと。交わったり離れたりしながら歴史が続くような、仏教の言葉で言う「離合集散」を実感しました。 ──まさしく先ほど塩内さんがおっしゃった、作品を通じて人と人が交流する“場”ですね。 塩内：あと、もう一つ興味深いのが、かつてイベントという刹那的なものを作っていた自分たちが、空間デザインや常設展示といった、長く形に残るものを作っていることですよね。そんな時間軸の転換も大事なことなのではないかと。若い時は「軽くて」「速くて」「安い」ものばかりを追い求めていましたが、感性と知識と経験を備えたことで、「重くて」「高くて」「遅い」ものに耐えられるようになってきた。つまり、耐用性のあるものを作れるようになった。そのためには、瞬間的な創作とは比べ物にならないほど、コストやリスクがかかることもある。それでも、そんなリスクを負った上で表現することが、作品の出力や耐用性を圧倒的に高めるきっかけになる。何もかもが加速する今の時代において、そんな経験がデザイナーやアーティストの創作のヒントになったら嬉しいです。

塩内 浩二 | KOJI SHIOUCHI 株式会社カトレヤトウキョウ代表取締役。クリエイティブディレクター／アーティスト。ハナマルキ株式会社CCO（チーフ・クリエイティブ・オフィサー）、学校法人京都精華大学評議員。 1985年愛知県生まれ。英国留学後、京都精華大学デザイン学部ビジュアルデザイン学科卒。2013年、クリエイティブコレクティブ「Cattleyatokyo™」を設立。これまで10年以上にわたり、ファッション、音楽、アート領域を中心に、アートディレクション、グラフィックデザイン、映像、プロダクトデザイン、インスタレーションなどを通して、集団的創造による文化醸成に寄与している。 コレクティブ名義での展覧会に加え、個展を「OIL by 美術手帖」にて発表するなど、アーティストとしても精力的に活動。2024年6月よりハナマルキ株式会社のCCOに就任し、2024年12月より学校法人京都精華大学評議員に就任。ファッションブランドFlexible Visual SPCE™ではディレクターとして、ブランドの世界観構築やクリエイティブディレクションにも携わっている。 2025年には東京・目黒に、創造・交流・発信を目的とした文化複合拠点「CCI Creative Complex®」を開設。アート、デザイン、ファッション、食、教育を横断する活動を通じて、都市における新たな文化の場づくりを展開している。 Koji Shiouchi official site：http://kojishiouchi.com/ Cattleyatokyo™ official site：https://cattleya-arts.com/ Instagram：@kojishiouchi

矢口周太郎 | SHUTARO YAGUCHI インテリアショップでのバイヤー経験を経て、ヴィンテージ家具を中心としたショップ「YOU ARE WELCOME」を2018年にOPEN 。 70年代以降のモダンデザインや、アート、工芸、古道具やプリミティブに至るまで幅広くセレクトしている。 ショップと並行し、空間デザイン、什器デザイン、セットデザインも手掛ける。 Instagram : @youarewelcome.tokyo

Interview&Text by Koki Yamanashi Photo by Kai Tamaki Edit by Akechi Sanae, Kazuki Hyodo（Qetic）

「The Clock」は、ただ時刻を表示するだけの時計ではない。光による新しい時刻表現「Light Hour」をはじめ、穏やかな目覚めをサポートするアラーム、集中を助けるタイマー、心地よい環境音を流す「Relax Time」など、日々の時間をより豊かにする機能を備えたプロダクトだ。専用アプリ「BALMUDA Connect」と連携することで、自分好みに設定することもできる。 伝統的な懐中時計の美しさから着想を得たクラシックなフォルムに、アルミニウムのボディやLEDによる光の表現など、現代的なテクノロジーを融合。小さなサイズの中に、BALMUDAらしい思想が凝縮された、新しい時の道具となっている。 光と音によって時間の流れそのものを再構築することで、単なる“時計”を超えた体験を提示している点も特徴だ。 2026年3月18日（水）より予約販売を開始。価格は59,400円（税込）。4月中旬より順次出荷予定で、BALMUDAオンラインストア、旗艦店「BALMUDA The Store Aoyama」、ブランドショップ各店にて販売される予定だ。

「The Clock」の特徴のひとつが、光によって時間の流れを表現する「Light Hour」だ。 単に時刻を表示するのではなく、時間そのものを心地よく感じるために設計されたこの機能では、毎正時にチャイムとともに、振り子の動きを光のモーションで表現する。 針やカバーガラスを用いず、温かみのある光の動きだけで時間の流れを伝えることで、視覚的な情報としての“時刻”ではなく、体感としての“時間”を届ける。

「The Clock」には、日常のさまざまなシーンで役立つ機能も搭載されている。 Relax Time 雨音や水の流れ、暖炉の音などの環境音を、光の演出とともに再生。静かな没入感のある時間をつくり出す。 Alarm 設定時刻の約3分前から環境音が静かにスタートし、徐々に音量が変化。自然な覚醒へと導く。 Timer 最大60分まで設定可能。ホワイトノイズが周囲の雑音を覆い、読書や作業など集中したい時間をサポートする。 搭載されているサウンドには、「Long Rain」「Infinity Boat」「White Noise #1」「Morning Forest」「Milan」などが用意されている。いずれも空間に溶け込むよう設計されており、時間の質そのものを整える役割を持つ。

デザインのモチーフは、伝統的な懐中時計。 長く愛されてきた道具の持つ親しみと美しさをヒントに、現代のプロダクトとして再構築されている。 約7.5cmのコンパクトなボディには、75個のLEDによる均一な発光構造と、200点以上のパーツが組み込まれている。 クラウン（リューズ）による直感的な操作、アルミニウムブロックから削り出されたボディ、ウーファーとツイーターを備えたステレオスピーカーなど、細部にまで機能と体験の設計が行き届いている。 コンパクトなサイズからは想像できない、奥行きのあるサウンドも特徴のひとつだ。

専用アプリ「BALMUDA Connect」を使用することで、スマートフォンとの連携が可能。 アラーム時刻やサウンドの選択、光の演出などを細かく設定できるほか、セカンドタイムゾーンの設定にも対応。日常使いはもちろん、仕事や旅行など幅広いシーンで活用できる。 対応はiOS、Android。今後のアップデートにも対応予定となっている。

奇想天外な音楽ユニットというのはこういうことだろう。

DJ・プロデューサーの大沢伸一によるソロプロジェクト、MONDOGROSSOと、ラッパーの森、プロデューサーのチョモからなる2人組、どんぐりずがフュージョンし、DONGROSSOなるプロジェクトがスタート。1stアルバム『ANTI SOCIAL SOUNDSYSTEM』が完成し、4月23日（水）に配信スタート。5月21日（水）にはCDがリリースされる。

MONDOGROSSOとどんぐりずが兼ねてより繋がりがあり、過去に共作を発表してきた経緯があり、その活動がきっかけとなって今回の取り組みに繋がっている。彼らが表現したのは、現代に対するアンチの心。世の中に言いたいことを言わんとする強烈なメッセージが、DONGROSSOらしいウィットに富んだ表現で落とし込まれている。今作について、どのように制作を進めたのかたっぷりと話を訊いた。

──まず、DONGROSSOがスタートした経緯を教えてください。

大沢伸一：どんぐりずの2人と出会ったのは、2022年にMONDO GROSSOでリリースしたアルバム『BIG WORLD』に参加してもらったときでした。知人に紹介してもらって、自分からお誘いしたんですよ。そこで「B.S.M.F」を作ったんですけど、その制作がすごく楽しかったんですよね。数か月後には「RAVE (HUNGRY DRIVER)」を作ったり、僕のステージに飛び入りで参加してくれたりと、みんなでわちゃわちゃして面白い時間を過ごしたんです。そういうのもあって、1つのまとまった作品を作れればもっと面白いんじゃないかという考えになったんです。それが発端ですね。

──コラボ作が増えていく段階で、何か決定打になるような出来事があったんですか？

大沢：以前、森と僕が〈Red Bull 64 Bars〉に出演して「YAZAWA」という曲を披露したんですけど、そのときにうちのスタジオで擬似パーティーみたいなことをやって、それを映像にしたんですよ。その曲もそうですし、その前に作った「RAVE (HUNGRY DRIVER)」の時点で、リリックに「DONGROSSO」というワードが入っていたので、思えばその頃からDONGROSSOが始まっていたのかもしれないですね。でも、僕としてはわりと自然に3人での制作がスタートしたように感じています。

チョモ：そうですね。最初に「B.S.M.F」を制作したときは緊張しながらスタジオにいきましたし、大沢さんの制作や機材も含め、すべてに衝撃を受けたんですよ。そこから始まって、今ではファミリーとして、一体感を持って制作できるようになって、すごく嬉しいし楽しいです。

大沢：最初はお互いに緊張感があったけど、夜遊んだり、現場で出会うことが多かったからね。そうなるとお互いに酔って破茶滅茶にやっている姿を見せることになるわけなんで、一気に距離が近くなった感じがあると思う。

森：自分としては、そのレッドブルの撮影が大きかったです。あの後にライオン（渋谷のクラブ、不眠遊戯ライオン）でパーティーをやって、そこで飛び入りで「YAZAWA」を歌ったんですよね。まだ曲が世に出る前に。

──3人でいくつもの夜を乗り越えてきたわけですね。

森：そうですね。特に、大沢さんには自分が酔っ払っている姿を見られてきたと思います（笑）。

──そのような関係の中で、アルバムの制作はどう進んでいったんでしょうか？

大沢：これねぇ（笑）。本当に自由な感じなんですよ。3人でお昼ご飯を食べにいって、冗談を言ったことがそのまま曲になったりするケースが意外とあったりとか。

チョモ&森：あるある！

大沢：タイトルが『ANTI SOCIAL SOUNDSYSTEM』なんですけど、DONGROSSOは、みんなが言い出せないようなことを代弁して発信するというパンキッシュな側面を持ったプロジェクトでもあるんです。そこで思い立った「これを言いたい」っていう言葉を起点に制作がスタートすることがけっこうありますね。

森：けっこう日本人感を大事にしているところもありますよね。

大沢：そうだね！　3人とも、自分たち日本人のアイデンティティって何だ？　という感覚が良くも悪くもあって、「日本人、しっかりしろ！」という内容の曲もあれば、「俺ら日本人だぜ」っていう内容の曲もありますね。

──そうしたアンチの思想や怒りを作品に落とし込んでいこうというのは、何か3人で話し合ったことだったりするんですか？

大沢：そこは僕の中にけっこうあったんですよ。もともとポストパンクやニューウェーブを聞いて育ってきて、時代に対して自分の考え方を表現する方法を探し続けてきたんですけど、DJをやりながら歌うってことはなかなか想像がつかないじゃないですか。そうなると、誰かと一緒にやりたくなるわけなんですけど、どんぐりずと「B.S.M.F」を作ったときに、自分が発言したかったことを形にできるなって思って。みんなが世の中に対して言いたいことを代わりに言っちゃおうよって。DONGROSSOなら、このモヤモヤした世界に対して中指を立てることをシリアスになり過ぎずに発信できるんじゃないかって思うんです。

──そのアンチの表現について、リリックを書くにあたって意識していることはありますか？

森：いや、俺は歌っていたら自然とアンチになっていることが多いので、あんまり意識していないですね。多分、根っこの部分にアンチがあると思うんです。意識していたら出てこなくなるタイプなので。

──それこそアルバムラストの楽曲「MTHRFCKR」なんて、〈ふざけるなよ〉という歌詞をリピートするわけなので、すごくDONGROSSOらしい怒りを感じたのですが……。

大沢：そうですね（笑）。2人に説明した曲の方向性としては、令和のヘッドバンキングができる、めっちゃ遅い曲をやろうっていう感じだったんです。そこにはっきりとしたメッセージ性のあるアイコニックな叫びを入れたいよねって話をして、3人で各々フックを書いたのが曲になってるんですよ。なんか作っているうちに笑けてきちゃって（笑）。特にチョモのパートはリアルで面白いので聴いてほしいですね。なかなかこの曲みたいに言いたいことを自由に言ってるのもないと思うので、1日の終わりにどこかで聴いてスッとしてくれたらいいなって思いますけどね。

森：それ、めっちゃいいっすね。

──それでもただふざけているわけでも言いたいことを叫んでいるだけでもないところにDONGROSSOならではのユーモアを感じます。

大沢：チョモも森も、僕が知っている若者の中で1番知的でコンテクストの中で生きていると思うし、それぞれに違った発想から生まれる言葉があるので、インテリジェンスを感じるんですよ。すごくレベルが高いと思いますね。ここは声を大にして言いたいです。

森：バレちゃいましたか。もうバカなふりするのも疲れてきましたからね。

一同：（笑）。

──一方で「BOUROU」も途中でビートダウンするというか、これも頭を振れるポストパンクなアプローチがカッコいいと思いました。

森：ビートダウンするところは自分のパートですね。あそこはエナジー×3って感じで解放するイメージです。もともと俺もチョモもハードコアだったりロックがルーツにあるので、その側面が出ている感じだと思います。

──そこでいくと「SUKIYAKI」もロックしていますよね。

大沢：そうですね。チョモにも手伝ってもらってトラックを作ったんですけど、あの曲はDONGROSSOを始めようって話をして最初に入ったスタジオでサクッと出来ちゃったんですよ。

──「SUKIYAKI」のタイトルは、坂本九さんの名曲とも関係があるんですか？

森：俺、知らなくて。

大沢：知らんかったんかい（笑）。またそれがいいんですよ。何度聴いていくうちに「SUKIYAKI」でしかないと思うようになってきたので。

森：この曲は最後にチョモが叫んでいるんですよ。

チョモ：ラストの〈くそったれ Japanese〉は自分が叫んでいるんですけど、その後に〈日本 I like you〉って歌っちゃっているところが、まさにDONGROSSOらしいんじゃないかなと。

大沢：本当にそうだよね！

チョモ：そんな反抗期というか、矛盾があるところがDONGROSSOの面白いところなんじゃないかと思います。

大沢：そんな風に言葉から始まる曲が詰まったアルバムでもあります。重要なのは瞬発性ですね。その日に思ったことを歌っているような曲が多いです。

──全体を通して遊び心も伝わってくるしすごくエネルギッシュなアルバムですね。

大沢：そうですね。僕ももういい歳なんで、彼らと一緒のときぐらいしかふざけらんないので助かってます（笑）。10代のときにやれなかったことをDONGROSSOに乗っけているような部分があります。

──ちなみに、DONGROSSOとしてのアートワークはAI生成によるものなのだとか。その辺りにはどんなこだわりがあるんですか？

大沢：これは僕がそうやろうと判断したんですけど、アートワークやアー写にしても普通じゃないことをやりたいと思ったんですよね。そうなったときにAIが1番手っ取り早かったというのがあります。あと、僕自身がAIに対して警鐘を鳴らす部分はありつつも、AIで作られたものを叩く風習に対してはアンチなんです。つまり、アンチ・AIではなくてアンチ・プロヒューマン（人間主義、AIと共存）として人間を肯定しているんです。そんな立ち位置でAIを使っています。

──そういったアートワーク制作は大沢さんが1人で行われているんですか？

大沢：いえ、アレックス・ミッチェルというプロンプトデザインに詳しいアーティストと一緒にやっています。彼は自分が手を施すものとAIのハイブリッドで、どこまで非現実的で面白い作品を作れるか、ということをやっているんですけど、彼が深くDONGROSSOのことを理解してくれていて、クオリティの高いものを出してくれるんですよ。そこから選んだものをどんぐりずの2人に見せて判断してもらうことが多いですね。

森：選ばせてもらっていますけど、結局みんなの判断は大体一緒になるというか。不思議と行き着く先は大体一緒ですね。

──どんぐりずのお2人は大沢さんとの制作を経て、何か新たに得たものや表現できたことはありますか？

チョモ：システムが違うというのは当然あったんですけど、大沢さんの、ぶっ込む力みたいなものをすごく勉強させてもらいました。今までぶっ込みたいけどできないみたいなことが多かったんですよ。特に衝撃を受けたのが「SUKIYAKI」もそうだと思うんですけど、最初のノイズかシンセっぽい音を、全然関係ない歌謡曲みたいなところから持ってきていませんでしたっけ？

大沢：そうね。ネタを使うときも人と被りたくないから、みんなが絶対に使わないソースを持ってきたりとか。

チョモ：そのソースの持ってき方が衝撃だったんですよ。歌謡曲の間奏部分を短くループさせて音を作ったり、それを鍵盤にあてて弾き直して音階をつけたり。そうやって独自の音を曲にぶっ込むんですよね。ここまで大胆に音を足していっていいんだっていう発見があったし、そうじゃないとこういう音になんないんだなって気づきがありました。

大沢：いや、そう言ってくれると嬉しいです。僕もチョモくんから勉強させられる部分は多いし、一緒にやることでDNAの交換が行われていると思うから、本当に吸収させてもらっています。

──DONGROSSOは実際にやっていて、3人に良い作用をもたらすシステムとも言えますか？

大沢：ええ、楽しいことしかないですね。制作についても、森はたまに寝坊して来なかったりするんですけど、それでよかったりするんですよ（笑）。3人揃っていないとできないことではなくて、その場にいなくとも森が発した言葉が曲のテーマになったりするので。本当に不思議ですし、楽しいですね。

──ちなみに、冒頭に話していただいた「お昼ご飯を食べにいって」できた曲というのは、どの曲なんですか？

大沢：「MY HARDCORE VALENTINE」など何曲かあるんですけど、今作に入れられなかった「ANTI SOCIAL SOUNDSYSTEM」という曲もそうです。そして、この曲こそ、僕らにとって渾身の1曲で、これぞDONGROSSOって感じの曲なんです。諸事情でアルバム収録は叶わなかったですけど、ある意味それも面白いというか。ライブでは披露すると思うので、この曲を是非聴いてほしいんです。

森：俺も1番好きな曲です。みんなで歌えるし、みんなが知っているワードですし。なんとかして出せないかって最後まで言ってました。

大沢：まだ諦めてないですからね。この曲が話題になって夏にシングルでリリースできたらカッコいいんじゃないかと。

──そうなると、「ANTI SOCIAL SOUNDSYSTEM」を現場で聴くしかないですね！　リリパの予定はいかがでしょう？

大沢：むしろリリパをやりたいので、このインタビューを以て募集したいです。1年間やろうと思っているので、DONGROSSOを呼びたいという方、ご連絡ください！

INFLUENCE, INFINITY, INTERNATIONAL FUCKIN’ AWSOME.

2024年8月1日、音楽シーンに突如現れた謎の音楽プロジェクト“INF（アイエヌエフ）”。その後、8月27日に発表した1stデジタルシングル「DAWN」を皮切りに、5か月連続でシングルをリリース（「GETDOWN LIL’DEVIL」「Hot!!!!!!!!」「CATCH THE MONEY」「HELL BABY」）。その間も素性を一切明かすことはなく、12月13日に東京・TOKIOTOKYOで行われた＜1st ONE MAN LIVE＞でも、アイコンのヘルメットを着用。純粋にINFの“音楽”のみが、リスナーの耳に届き続けた。

そして、INFの約半年にわたる音楽的実験の産物として、1stアルバム『DAHONDA』が2025年3月26日にリリース。F（エフ）・IVE（イブ）・NAIL（ネイル）から成るINFが提唱する、“エレクトロ・アシッド・ファンク”が凝縮された全10曲が収録されている。今回は改めてINFの全貌と、アルバム『DAHONDA』の全曲解説を、Q&AでINFのコンダクター・Fに訊いた。

──Fの素性・目的・趣向について。

まず前提として、私は宇宙人でも未来人でもなく、音楽がない廃退した多元宇宙（マルチバース）からやってきた地球人です。私はダンス・ミュージックという音楽に着目し、この次元の未来のために多幸感あふれるダンス・ミュージックを残すべく、INFという音楽プロジェクトを2024年に立ち上げ、東京に拠点を置きました。私はこう見えてティーンエイジャーであり、スケボーが趣味で、ブラック・ミュージックを敬愛しています。アイコンとして被っているヘルメットは、お互いの顔を知らない世界線が広がっている、元々いた次元の名残と言えるでしょう。

──INFのメンバー、ジャンル、演奏形態について。

INFはバンドではなく、私がコンダクターを務める音楽プロジェクトであり、言葉を変えると“運動”なのかもしれません。私とIVEとNAIL。現在の3人のメンバーがいる状態は、第一形態と言えるでしょう。私はブラック・ミュージック、IVEはクラシック・ミュージック、NAILはダンス・ミュージックに源流があり、その三角形の中心に存在する音楽ジャンルがエレクトロ・アシッド・ファンク。そしてINFはPCを使用しない多種多様なアナログ・マシンを用いた、複雑かつ独自の演奏形態を採用しており、ステージ・セッティングを“コックピット”と呼んでいます。

──リリース作品と、1st ONE MAN LIVEについて。

ここまでのリリース（「DAWN」「GETDOWN LIL’DEVIL」「Hot!!!!!!!!」「CATCH THE MONEY」「HELL BABY」）に関しては、INFとして大切にしている、ダンス・ミュージックによってもたらされる“多幸感”というものを、ひとつずつ研究・実験してきた道筋と言えるでしょう。

1st ONE MAN LIVE（12月13日 @東京・TOKIOTOKYO）は、みなさん面食らった部分もあると思いますが、私たちとしてはとても可能性を感じるライブとなりました。何より自分たちが演奏していて面白い。あの場にいた方たちには、その場の音を体感し、純粋に受け取ってもらえたらと。

──アルバム『DAHONDA』の全曲解説

1. ONE これは私が作った曲で、INF初期のファーストデモです。それをアルバムのイントロとして採用しました。エレクトリックピアノのワンループのリフが巧みに変化しつつ、生音のようなタフなキックとシンセのうねりが、より没入感を増幅するハード目な1曲となっています。

2. FOREVER TEENAGER これも私の曲で、今回のアルバムのリードトラックです。今まで使っていなかったボコーダーとオートチューンを多用したボーカルと、キャッチーな旋律。生のギターを採用してグルーブを作り、大人になりたくない永遠のTEENAGERを歌うエレクトロのクラシックナンバーです。

3. GROOVE BOY NAILの曲で、アシッドのベースラインはBEHRINGERのTD-3を使い、トークボックス（トーキング・モジュレーター）を初めて採用しました。あとはロシアの謎のリズムマシンを使うなど、デジタルな印象がありつつ、アナログ機材を多用した曲になっています。「GROOVE BOY」は、クラブなどで端の方にいる子に「それでもいいんじゃない？」というINFのメッセージです。

4. FLYDAY NIGHT シンセギターで幕を開けるラブソングであり、IVEのコーラスと、ボコーダーのルーティンが続いていくディスコチューンです。私が“ジャリキラ感”と呼んでいる、ジャリジャリしたディストーションだがキラびやかな音をミックスで調整しました。実は私が好きなある曲の構成と同じ進行で、とあるレジェンドユニットへの敬意とオマージュをINF流に表現した曲です。

5. AH! ミニマルで、エレクトロで、ファンクネスを意識したインストゥルメンタル。ダビーなシンセベースと、Roland の（TR-）909のドラマシーンを駆使したナンバーです。ファンクネスであるが土臭くはなく、コズミックでギャラクティックなヴィンテージシンセを多用しました。私はスケボーが趣味なので、曲の中に、あるスケボーのビデオから抜いた音をハメています。

6. CATCH THE MONEY NAILによる、2024年にシングルでリリースした曲です。テックハウスとガラージ、その合わせ技のようなトラックに、エフェクティブなラップが走るクラブチューン。今いる、INFの基地であり制作ラボであるCATCH MONEY STUDIOを示唆しつつ、レペゼンしました。

7. ASHWILDERS IVEの畳み掛けるラップがスピットするファンキーなナンバーです。現在の音楽シーンに対する問いと、ミュージシャンたちを鼓舞するINF的アプローチ。INFの架空のラジオで、パーソナリティーのIVEが語っているようなイメージで、とてもパンクな曲です。タイトルの「ASHWILDERS」は、“カッコいい連中”“カッコよくなろうぜ”という意味を込めた造語です。

8. THE CHOCOLATE MAN IVEの曲で、実はこの曲に使われている声は、私ではなくIVEです。ピッチベンドしたコーラスワークが光る、アルバムの中でもロックテイストの曲。トラックスはミニマムに作っていますが、IVEはもともとピアニストということもあり、とても精巧な作りになっています。

9. TALKIN WALKIN SMOKIN 私の作曲で、架空のクライム系ブラックミュージックのサウンドトラック挿入曲がテーマ。シネマティックな作り方で、初期のレコードからサンプリングしました。ブラックミュージックへの愛とユーモア、そしてカオス。追いやられている紙タバコ吸いの喫煙者にこの曲を贈ります。

10. CHECK 2025年を意識したドラムサウンドです。シンセとボコーダーボイスのラップ。歌詞にはアルバムの終わりとINFの始まり、レペゼンなどの要素を入れつつ、私が好きなデトロイトテクノの不穏な雰囲気から、最後は多幸感あふれるコズミックなアウトロで終焉を迎えます。

──INFおよびFの今後の動きについて

GET MONEYではなくCATCH MONEY。私にとってINFは、“潜る”作業ではありません。