“テクノの皇帝”として長きにわたり、シーンを牽引してきたDJ・プロデューサーのリッチー・ホウティン（Richie Hawtin）は2024年来日30周年を迎えた。記念ツアーを実施し、その勢いそのままに、今年オープン25周年の東京・WOMBで、＜WOMB 25TH ANNIVERSARY PARTY＞に出演することも決まっている。

リッチー・ホウティン名義で数々のミニマルテクノの名作を生み出しながら、プラスティックマン（Plastikman）名義やF.U.S.E.名義などでの実験的な音楽アプローチで、多くの日本のファンの心を掴んできた彼。実は、無類の日本酒好きとしても知られている。

初来日以降、日本酒の虜になったリッチーは、自ら日本酒づくりの現場に赴き、杜氏として日本酒づくりに参加した経験もある。また自身のオリジナル日本酒ブランド〈ENTER.Sake〉では、本醸造の「BLACK」、純米吟醸の「SILVER」、そして純米大吟醸の「GOLD」の3つをベースに、さまざまな種類の日本酒を展開するなど、音楽制作に向き合う姿勢と変わらない熱量で日本酒と向き合ってきたのだ。

2014年には日本酒文化を広く世界に伝えるキーマンとして、日本酒造青年協議会から「Sake Samurai」にも任命。自身の拠点でもあったベルリンでは、日本酒専門店「SAKE36」をオープンするなど、日本酒を通したその活動は多岐にわたっている。

そんな彼が、クラバーなら誰もが知る東京・WOMBの25周年記念パーティー開催に合わせて、新潟の老舗酒蔵である「阿部酒造」とコラボレーションし、特別にオリジナル日本酒「SPARK」を発売することを発表。今回このオリジナル日本酒「SPARK」について、リッチーにインタビューを実施した。オリジナル日本酒発売の背景には、昨年リッチーが敢行した30周年記念ツアーが関係していた。

昨年、来日30周年のツアー＜RICHIE HAWTIN 30 YEARS JAPAN TOUR＞をリッチーが実施するに至ったのは、長年親交が深いWOMBとの交流がきっかけだった。

リッチー「このツアーのアイデアが生まれたのは、今思えばとても自然な流れだった。昨年6月、東京でWOMBのチームと食事をしていた際、2024年が来日30年目になると気づいたんだ。そこでみんなと盛り上がり、『秋に小さなツアーを企画できないかな？』と相談したことが、30周年ツアー実施のきっかけになったよ」

リッチーとWOMBの交流は、WOMBのオープン当初から続いている。25年にわたり絆を深めてきたなかで、リッチーはWOMBで現在のパートナーと出会い、結婚披露宴もWOMBで行うほどの関係にまでなった。この両者の関係が、リッチーの日本への深い愛着につながっている。

リッチー「この25年間、（WOMBのオーナーである）中川さんやWOMBのチームとともに過ごすなかで、僕の日本文化への理解と愛情はますます深まっていった。彼らと共有してきた数々の人生を変えるような体験にとても感謝しているし、大きな誇りを感じているよ」

2014年にリッチーが「Sake Samurai」に任命された際、日本酒造青年協議会との縁を紡いだのが中川徳章氏だった。またWOMBのブッキングを担当するYuuki氏は、リッチーがオーナーを務める日本酒専門店「Sake 36」の立ち上げの際にも協力。リッチーが日本酒の世界に踏み込むうえで、WOMBのメンバーは欠かせない存在だった。

オリジナル日本酒「SPARK」の実現に至った経緯について「WOMBの特別なアニバーサリーを「日本らしい形」で祝うこと、つまり僕たちが長年関わってきた『音楽と日本酒』を組み合わせることはごく自然な流れだった」と、リッチーは語っている。

昨年の来日30周年ツアーでリッチーはフィナーレとして、中川氏が営む恵比寿のBar Blissで、日本酒を通じて関係を築いてきた多くの関係者を招き、親睦会を開催。自身の日本酒ブランドである「ENTER.Sake」で展開する3つの日本酒を振る舞いながら、訪れた客人たちと親睦を深めたリッチーは、その場でWOMB・阿部酒造とともに新たなプロジェクトを始動することを発表した。

今回「SPARK」でリッチー・WOMBとコラボレーションする阿部酒造は1804年から続く、新潟県柏崎市の酒蔵だ。6代目を務める阿部裕太は、20代を中心とした若い蔵人らとともに、2015年に自ら立ち上げた新ブランド「あべ」シリーズなどのさまざまな日本酒を手がけながら、日本酒に興味を持つ層を広げるため、阿部酒造として初めてノンアルコールドリンクづくりにも挑戦。また日本酒づくりの関係人口を増やすことを目的に、酒蔵を作りたいという目標を持った人たちを研修生として受け入れる研修制度を取り入れている。

「SPARK」でのコラボレーションを実現するにあたって、未知の領域に果敢に挑戦する裕太氏と対話を重ねたというリッチーは「日本酒づくりに新しい価値観をもたらす次世代の酒蔵だ」と実感したという。

リッチー「彼の哲学や醸造スタイルに心から感銘を受けたんだ。多くの人を巻き込み、そして誰に対してもオープンでいる彼の姿勢は本当に素晴らしいと思ったし、僕たちの考えにも合うものだった」

彼が今回「SPARK」を世に出すうえで、最も望んでいること。それはクラブに繰り出し、音楽に熱中する若者と、自身が愛する日本酒との接点を作ることだ。だからこそ、WOMBと阿部酒造とのタッグが欠かせなかった、とリッチーは語る。Bar Blissでの親睦会でも、今回の特別なコラボレーションについて、こう締めくくっている。

リッチー「今回のWOMBとのコラボレーションで中川さんと僕は、音楽シーンやナイトライフでの僕らの立場を活かして、日本の若いクラバーたちにもっと日本独特の文化のひとつである日本酒への理解を広め、熱意を持ってもらうことを目的としているんだ。阿部さんと協力することで、彼らに共感してもらえる味や姿勢を届けることができると信じているよ」

今年で7年目を迎える電子音楽とデジタルアートの祭典＜MUTEK.JP＞が12月7日（水）〜11日（日）の5日間、東京・渋谷を舞台に「LINE CUBE SHIBUYA（渋谷公会堂）」「渋谷ストリーム ホール」「Spotify O-EAST」「WOMB」「スクランブルホール（SHIBUYA QWS）」で開催される。

＜MUTEK.JP 2022＞は、『A/Visions』、『Play 1』、『Play 2』、『Nocturne 1』、『Nocturne 2』の5つのプログラムと渋谷「WOMB」とのコラボレーション・パーティによって構成。全43組の国内外アーティスト（26のパフォーマンス）の出演が決定した。

そして今年は12月8日（木）・9日（金）に、AI、XR、メタバース、WEB3などの業界の発展に寄与することを目的としたカンファレンスイベント＜MUTEK.JP PRO Conference＞も同時開催される。

数年前から希望、時には不安をも帯びる“AIブーム”だが、近年では、「AIチャット」や「画像生成AI」など、“エンタメとしてのAI”との距離も身近になりつつあるのではないだろうか。本記事では、そんなAIなどのテクノロジーを用いて先進的にアプローチし、拡張させて作品を生み出すアーティストたちを紹介。直前に控えた＜MUTEK.JP＞の予習としても参考にしてみては！

テクノロジーとサウンド、映像が融合するラージスケールのオーディオビジュアルに焦点を当てたプログラム『A/Visions』。LINE CUBE SHIBUYA（渋谷公会堂）にて、Sougwen 愫君 ChungによるFlora『Rearing Agricultural Network』、そしてRyoji Ikedaによる『ultratronics [live set]』が披露される。

Sougwen 愫君 Chung（スグウェン・チャン）は、中国系カナダ人アーティストであり研究者。また、人間と人間以外のコラボレーションを探求するロンドン拠点のスタジオ、Scilicet（※）の創設者兼芸術監督でもある。 ※共同ディレクターであるアーティスト兼研究者のTessa Nijdamは12月8日（木）のカンファレンスにも登壇。

MIT（マサチューセッツ工科大学）のメディアラボの元リサーチフェローであり、ヒューマンマシンコラボレーションの分野のパイオニアとしても活躍。近年も、芸術と科学における業績でモナコの『Monte-Carlo Woman of the Year Award in 2019』に選ばれたほか、Lumen Prize for Art in Technologyを受賞するなど様々なフィールドで注目されている。

人間とシステムのダイナミクスを理解するためのアプローチとして、手作業で作成されたマークと機械で作成されたマークを模索するSougwen 愫君 Chung。『D.O.U.G._1』（2015）では、小型のロボットアームがコンピュータビジョンを搭載したカメラを使って、アーティストの手で描くジェスチャーを模倣し、彼女に合わせて同期して描画するシステムを、『D.O.U.G._2』（2017）は、ロボットアームがスーゲンの描くジェスチャーをもとに学習したニューラルネットに基づいてスケッチを生成し、ロボットの記憶と機械学習を探求した作品を発表した。

今回披露される「Flora Rearing Agricultural Network」は、植物と機械が互いに織りなす自然と生体模倣型ロボット工学を探るものであり、孤立の中でその着想を得たもの。この作品は数年かけて制作が進められ、これまでに上海の「Pearl Art Museum」、「SØRLANDETS Kunstmuseet Kristiansand」、「Honor Fraser Gallery Los Angeles」、「Vancouver Art Gallery」で映像や作品の展示を行ってきたが、このたび東京のMUTEK.JPで初のライブパフォーマンスを行う。世界プレミア公開となる貴重な一夜をぜひお見逃しなく。

パリと京都を拠点とし、その精緻な構成によってリスナーの感覚を聴覚的／視覚的に拡張し続けるメディアアーティスト・Ryoji Ikeda。彼の作品には超音波や周波数などといった化学的な見地がしばしば持ち込まれ、サウンドの設計を起点とした他に類を見ないライブ・パフォーマンス／インスタレーションがそこには広がる。

80年代に設立されたアーティストグループ・ダムタイプの舞台音楽でも知られており、近年も自身のレーベル〈codex｜edition〉の立ち上げや弘前れんが倉庫美術館での大規模な個展の開催と、しなやかにその表現領域を広げている。DJ スプーキー（DJ Spooky）によるコンピレーション・アルバムへの参加やデヴィッド・シルヴィアン（David Sylvian）へのリミックス提供など、国内のみならず海外のアーティストからもリスペクトを集めている。

今回は2022年12月に〈codex｜edition〉と〈NOTON〉よりリリースされる、前作から約10年ぶりとなるオリジナルアルバム『ultratronics』に合わせた最新のオーディオヴィジュアル・コンサートを披露。10月にWWW Xで行われた最新セットの初演もチケットが完売するなど、より一層期待が高まるばかりだ。テクノロジーとサウンド、そしてビジュアルが溶け合う『A/Visions』で彼が描くスケープに、最大限の期待をしたい。

12月8日（木）は「渋谷ストリーム ホール」にて行われる、AIとクリエイティビティ、オーディオビジュアルに焦点を当てた『Play 1』。Montreal Life Support & Woulgによるロボットがチェロを演奏するインスタレーション『Empty Vessels』や、モントリオール拠点のデジタルアーティストMyriam Bleauによるオーディオビジュアル・パフォーマンス「Unsculpt」などカッティングエッジなパフォーマンスが並ぶ。

今回注目してほしいのは、アーティスト／DJ／研究者として活躍するNao Tokui。これまでに手がけた作品はニューヨークMoMA、ロンドン・バービカンセンター、NTT InterCommunication Center、アルスエレクトロニカなどで展示。音楽作品としては〈PROGRESSIVE FOrM〉などのレーベルからのリリースや、Nujabesとのコラボレーション作品。また2021年1月には、これまでの活動をまとめた『創るためのAI 機械と創造性のはてしない物語』（BNN）を出版し、2021年度大川出版賞を受賞したことでも知られている。

これまでにも“AIと音楽”という文脈の中で数々の作品を発表してきたNao Tokuiだが、「音楽界の異端児」とも評される作曲家・エリック・サティによって提示された「家具の音楽」よりインスピレーションを得た『家具の音楽たち 2021 —AI生成音楽インスタレーション』では、サティの楽曲を学習したAI音楽生成モデルを試みた。

そして近年彼が取り組んでいる「AI DJ」は、AIによるDJパフォーマンスの未来を探るプロジェクト。まずはAI DJとしてAIによる選曲システムを開発。第2弾では、ステージ上で数個のAIモデルを活用し、リアルタイムに記号音楽（MIDI）を生成することに成功した。その際、人間のDJ（徳井）が生成AIモデルやドラムマシンの各種パラメータを制御することで、音楽的な組み立てを行っていく。さらには、次なるステージとして彼が目指したのは、DJとAIがリアルタイムで展開することによる、即興的なパフォーマンスだ。

今回の公演『Emergent Rhythm』では、人間のDJはDisk JockyではなくAJ、つまり「AI Jocky」としてAIが生成するオーディオストリームをリアルタイムで手なずけ、ステージ上でほぼリアルタイムに音声を生成するAIモデルを展開させる。そこにはシンセサイザーもドラムマシンもなく、演奏中に聞こえてくるのはすべて純粋なAI生成音となる。ヒューマニティーとAIが盤上で出会う瞬間を味わっていただきたい。

また同日には、准教授を務める慶應義塾大学SFC、徳井直生研究室「Computational Creativity Lab」所属のビジュアルアーティスト・Santa Naruseと、アーティスト／ミュージシャンのReo Anzaiによるデュオで、『Afflatus Spectrum』と題するヴィジュアルノーテーションを用いた人間とAIによるオーディオヴィジュアル・パフォーマンスも披露される。こちらも併せて必見だ。

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実験的で多角的なアプローチによるサウンドとイマーシヴなビジュアルに焦点を当てたオーディオビジュアル『Play 2』。コンポーザー・France JobinとメディアアーティストでDerivative社のテクニカルディレクターとしても知られるMarkus Heckmann、Mars89とHexpixels（神田竜／比嘉了）のコラボレーション、YOSHIROTTENと音楽ユニットYATTの相方TAKAKAHN、INS StudioのBaku Hashimotoによる初のオーディオビジュアル・ライブパフォーマンスなど見逃せないタッグセットが豊富にラインナップされている。

そんな『Play 2』において、鮮やかな色合いや極細テクスチャー、ビートシンク、ホログラフィックをスタイルとするモントリオール拠点のVJ BunBunと、東京アンダーグラウンドシーンを軸に近年海外でも活躍する注目のライブパフォーマー・Kopyが共演することが決定。

BunBunはモントリオールを拠点に活動するVJ。彼女の作品は＜Bass Coast＞や＜C2＞をはじめとした、30以上の国際的なフェスティバルやカンファレンスで発表されてきた。またアリシア・キーズ（Alicia Keys）やアタリ・ティーンエイジ・ライオット（Atari Teenage Riot）、ブラック・コーヒー（Black Coffee）など、彼女は何百もの著名なアーティストと共にこれまでビジュアルパフォーマンスを行ってきた。

そしてKOPYは呉山夕子のエレクトロニックソロプロジェクト。2002年から2015年まで関西アンダーグラウンドシーンから飛び出してきたwater faiというバンドに所属し、ギターを担当した。現在はThe creamsでギターを弾いている。シンセサイザーノイズユニット・Turtle Yamaとしても活動中だ。

KOPY名義では2015年に自主でCDR『volume 1』を、2016年にライブバージョンのCDR『Live at forest limit』をリリース。2016年にヨーロッパツアーを行い、デュッセルドルフの＜Salon des Amateurs＞やアントワープなどでパフォーマンス。2018年のヨーロッパツアーでは＜Meakusma Festival＞でレーナ・ヴィリケンス（Lena Willikens）のショーケースに出演。2021年にはデュッセルドルフのフェスティバル＜Theater der Welt＞に出演した。また、鎮座DOPENESSとのコラボレーションや＜全感覚祭＞への出演など国内外のシーンを縦横無尽に駆け抜けている。今回はそんな両者が共演。VJと音楽という軸を持ちながらも、そこから絶え間ないイマジネーションで他の領域へ接近し続ける2人の邂逅を目撃してほしい。

エレクトロニックミュージックのリズムの魅力に特化したプログラム[Nocturne]。世界中で高い評価を集めるドイツ人プロデューサーPantha du Princeによる待望の初来日公演など、最終日まで見逃せない充実度となっている。なかでもHatis Noitの最新作が、Yuma Kishiとのコラボレーションで日本初ライブセットとなる今回は必見だ。

北海道知床出身、ロンドン在住の日本人ヴォーカリスト・Hatis Noit。雅楽／オペラ／ブルガリア語／グレゴリオ聖歌／アバンギャルド／ポップスなど、あらゆるジャンルのヴォーカルからインスピレーションを受け、独学で創り上げたという彼女の歌声は、原始的でありながら聴き手に潜在的な啓示を施す。

2017年にビジュアルアーティスト・Nobumichi Asaiとのコラボレーションプロジェクト「Inori」のライブを＜MUTEK.JP＞で初披露。2018年には最初のEP『Illogical Dance』を〈Erased Tapes〉からリリース。以降、＜2018SS MILAN COLLECTION＞、＜Manchester International Festival＞、ロンドン・コンテンポラリー・オーケストラとの公演をはじめ、ヨーロッパ各地でソロライブを行う。2022年6月には初のフルアルバム『Aura』をリリースし、多くの批評家たちから絶賛された。

そんなHatis Noitのカムバックステージを共にする岸裕真は、AIを用いてデータドリブンなデジタル作品や彫刻を制作し、高い評価を得ている日本の現代美術家。2019年に東京大学大学院工学系研究科修了・2021年より東京藝術大学先端芸術表現科修士課程在籍するバックグラウンドを持つ。彼の作品はナイキなどの有名ブランドやVogueなどの世界的雑誌で紹介され、日本国内で広く展示。昨年には「ポカリスエット 2021」のキャンペーンで話題となった、A_oの“ BLUE SOULS”MVや、Radwimpsの“FOREVER DAZE”のアートワークにも参加するなど、注目度は高まるばかり。

今年の2月には初の作品集『Imaginary Bones』を発表。書籍のみの通常版とNFTアート付きの限定版の2種類で販売されたことも記憶に新しい。彼は西洋とアジアの美術史の規範からモチーフやシンボルを借用し、美学の歴史に対する我々の認識を歪めるような絵画を制作。AI技術を駆使した彼の作品は、過去の名作絵画を引きつつも見る者の自己意識の一瞬のズレを呼び起こし、「今とここ」の間にあるリミナルな空間を作り出す。

[Nocturne]ではHatis Noitのニューアルバムのライブセットを日本初披露。電子的なリズムに重点を置きながら、あらゆる方向へ伸長してやまない独特な表現の数々を、ぜひ体感してほしい。

12月10日（土）には「Spotify O-EAST」にて、エレクトロニックミュージックのリズムの魅力に特化したプログラム『Nocturne 1』が開催。

ドイツ実験音響の最高峰レーベル〈Raster〉のショーケースとして、レーベル主宰のByetoneによるリズム、サウンド、レーザーを組み合わせたショー「Pluses」、Mieko Suzuki & Claudia Rohrmoserの実験的AVパフォーマンス、Kyoka & Shohei Fujimotoによる脳と自己の共鳴を試みる新作オーディオビジュアル作品「自己共鳴投影上映開始 CINEMA BLACKBOX」が公開。

そしてmachinaとAli M. Demirelの初コラボレーションが実現する。また追加ラインナップとして、2019年に開催された＜Digital Choc × MUTEK.JP＞以来の来日となるフランス出身の分野横断的なアーティストNSDOSが出演決定となった。

さらに同日夜はMUTEK.JPとWOMBのコラボレーション・パーティを開催。メインフロアでは、モントリオールのエレクトロニックミュージックシーンで絶大な支持を集めるプロデューサー・Prioriと、ここ数年で日本のトップDJのひとりへと躍り出たOcca、そして昨年のMUTEK.JPでライヴセット・デビューを果たした東京拠点のテクノプロデューサー・Risa Taniguchi、モントリオール拠点のlaced & LCL_Streamの4組が登場する。

サウンドやヴィジュアルといった区分を軽々と越境し、最先端のテクノロジーを組み込みながら観客に提示する＜MUTEK.JP＞。エクスペリメンタルやアヴァンギャルドと呼ばれる領域とも密接に関わり合いながら、それらは身体的な快楽や気づきをあなたにもたらすだろう。五感をフルに使うことによって得られる未知の体験を、ぜひ会場で浴びてほしい。

＜PRADA EXTENDS TOKYO＞の幕を開けるプラダ MIYASHITA PARK店でのトークセッションには、本イベントの企画に携わったリッチーとともにDOMMUNE主宰の宇川直宏氏が登壇。その様子はDOMMUNEでも生配信された（アーカイブも配信中）。宇川氏からの熱量ある問いかけに真摯に向き合うリッチーは、本イベントの核となる自身の考えについてこう語っている。

「＜PRADA EXTENDS＞はコロナ禍以降の今の状況のなかで、人々を新たに繋ぎ合う空間です。これまでに出会うことのなかった人同士がお互いをインスパイアし、刺激を与え合いながらアイデアを交換し合うことで、ローカルシーンの明るい未来を作っていくためのイベントなのです。」

テートモダンの新館「The Tanks（ザ タンクス）」で開催された第1弾＜PRADA EXTENDS LONDON＞でも、HAAi x Hanzo Init Studio、OK Williams x L'Aubaine、Overmono x Rebel Overlay、そしてリッチー自身がコラボしたJoëlle Snaithと、イギリス・ロンドンを拠点に活動するアーティストを招聘していたが、今回の＜PRADA EXTENDS TOKYO＞でもアジア・日本国内および東京で活躍するアーティストたちをキュレーション。

韓国のプロデューサーおよびビートメーカー、アーティストのLionclad、東京を拠点とするアーティストmachina、エレクトロニックミュージシャンでプロデューサーのYuri Uranoの3名が、それぞれKen-Ichi KAWAMURA、Shohei Fujimoto、Manami Sakamotoといった3名のビジュアルアーティストとペアを組んでパフォーマンスを披露し、リッチー・ホウティンはKaoru Tanaka（パフォーマンスはManami Sakamoto）とともに、約1時間20分におよぶDJセットを繰り広げた。

4組によるパフォーマンスもさることながら、当日一際目を引いたのはアーティストたちの演出をじっと見つめるリッチーの姿だ。最も偉大なテクノ・ミュージシャンのひとりとして世界中から尊敬の眼差しを向けられるリッチーが、招いたアーティストたちに対して常に礼を尽くして接していた。プラダのデザイナーであり、リッチーの20年来の友人でもあるラフ・シモンズは、そのリッチーの姿勢にこそ惹きつけられているのかもしれない。＜PRADA EXTENDS TOKYO＞はそれを肌で実感できるイベントだったように思う。

リッチー・ホウティンの視点で撮影されたドキュメンタリーが、8月初旬プラダの公式YouTubeチャンネルとprada.comで公開される予定だ。こちらもぜひ楽しみにしてほしい。

━━おふたりは初対面とのことですが、それぞれの経歴や通ってきたカルチャーなどを辿ると、もしかしたらどこかで接点はあったのかなと感じました。 米原康正（以下、yONE）　たぶんどこかで会ってはいるけど、喋ったことはないですね。僕はデウス（＝Deus Ex Machina）をやっている社長と関係があって、以前はよく行っていたので。 Tappy　そのデウスというブランドに僕はスポンサーされているので、きっとどこかのタイミングで同じ空間にはいましたよね。 yONE　自分たちの年代は、辿ると実は被っていたっていうことがよくあると思います。 ━━共通点で言うと、米原さんが以前に受けていたインタビューを拝読したところ、サーフィンを10代後半からやっていたそうですね。 yONE　18から28歳までの10年間。18歳からは毎年バリにも行っていました。そのときはチャングー（※）がまだ掘っ建て小屋ひとつみたいな時代で、この前チャングーへ行ったら全然違う街になっていましたね。 （※チャングー：元々はサーファーのみぞ知る穴場スポットだったが、近年は急激に開発が進み、カフェ・レストラン・ヴィラなどが広がるバリ島屈指の観光エリアに変貌中） ━━米原さんは1970年代から1980年代にかけてのパンクやニューウェーブなどの音楽が好きで、東京＝パンクだらけと思っていたけど、実際は「サーファーじゃないとモテない」と知ってサーフィンを始めたエピソードが好きです。 yONE　当時はモテたいと思っていろいろ行動していて、大学で東京に出てきてパンクがウケると思っていたけどまったくモテなくて。70年代後半ぐらいから80年代にかけては、完全に第2期のサーフィンブームでした。

━━音楽で言うと、たしかTappyさんもその時期のパンクが好きだとか。 Tappy　そうですね。70年代から80年代のパンクやニューウェーブが好きで、最初に聞いたのはザ・クラッシュ（The Clash）。 yONE　自分はセックス・ピストルズ （Sex Pistols) を76年とかに聞いて、上京してからはサーフィンしながら新宿のツバキハウス（※）で遊んでて。海に向かうときは大瀧詠一、帰るときはパンクやニューウェーブを聞く、そういう時代でした。 （※ツバキハウス：＜LONDON NITE＞など数々の伝説的なイベントが開催されたディスコ。のちの東京カルチャーをけん引するクリエイターたちが通っていた） ━━Tappyさんがサーフィンを始めたのはいつごろですか？ Tappy　小6からです。始めたのが早かったので、米原さんと僕の歳の差だと、同じぐらいの時期にサーフィンをしていたかと。ツバキハウスも行ったことがあります。 ━━やはり接点はありましたね。ここからはクリエイターとしての原体験をお聞きしたいのですが、まずTappyさんがボードビルダーを志したきっかけを教えてください。 Tappy　きっかけは、僕の姉の彼氏がプロサーファーでボードも作っていて、彼のところに遊びに行けば海に行けたこと。藤沢まで自転車で行って仕事が終わるのを待ち、波がないときは一緒にクルマでその人の地元の茨城まで行きました。 そのころからサーフボード工場に出入りして、そのまま働き始めて、高校は途中でドロップアウト。音楽やアートに興味が出てきたのはそのころでしたね。というのも、当時の日本のサーフィン業界はまったくアーティスティックじゃなかったんです。音楽もサーフィン＝この音楽みたいな決まりもあって、ダサいと思っていました。僕はツバキハウスとかに行っている子たちと仲良くなったり、当時の彼女がデヴィッド・ボウイ（David Bowie）が好きだったりしてそういう影響を受けていましたが、サーフィン業界自体はサブカルチャーと繋がっていない時期が長かったです。 ━━その時代に自分の中で何が響いて、ボードビルダーになろうと思ったのですか？ Tappy　そのときはサーフィンに行けるからやっていただけで、正直なところあまり響いていませんでした。ただあるとき、10代の時期にアートスクールに行っていたことを思い出して、そこで学んでいたことって面白かったなと。それでほじくり返したのが30歳になってから。それまでの10年ぐらいは自分で書いたり作ったり、アート活動をしていました。だから今の道に辿り着くまでには、けっこう時間が掛かっています。

━━それは意外でした。一方で米原さんのクリエイティブの原体験はいつですか？ yONE　元々は大学のときに編集のバイトをしたり、ライターとして文章を書いたりしていました。芸能人のインタビューなどをしていたときに岩城滉一さんと出会って、そこから“モテ道”を含め、がっつり遊びを教えてもらいましたね。「岩城さんは特別なので、同じことをしてもダメ。岩城さんの逆をやってモテるにはどうしたらいいか」など、考えることなどを学びましたよ。 ━━Tappyさんにはそういう師匠的な存在の方はいましたか？ Tappy　僕の場合は海外を含め、いろいろなところに勉強しに行きました。シェイパーはあまり自分の仕事を見せてくれない人が多かったのですが、カリフォルニアやオーストラリアに、1週間から最長で3ヵ月とか行ったりして。海外のシェイパーは聴く音楽もカッコ良かったですし、そういったところからの影響が大きかったですね。当時、日本ではサーフィン業界のことしか知らない人が多かった。だからサーフィン業界にサブカルチャーを最初に取り入れたのは、僕たちの世代だと思います。 yONE　僕の場合、サーフィンはすごく好きでしたが、性格的にサーフィンしかしなくなっちゃう。今はもうまったく一緒に考えていますけど、そのころって仕事は仕事、趣味は趣味みたいに考えていて。まあ、乗る波が変わっただけで、今は“夜の波”とかをサーフィンしていますよ（笑）。

━━今回の対談のメインとして、「冒険心×CREATIVE」というテーマがあるのですが、まず“冒険心”という言葉を聞いて、率直に何を思い浮かべますか？ Tappy　僕にとっては非日常な今日も冒険。サーフボードを作ることも冒険ですし、その中で新しいものを生み出すことも冒険といえば冒険。日常との境目はないですね。 yONE　新しいことを考えるとか、新しいことを始めるとか。「今までこうだったから、こう考えなきゃいけない」っていうことをやめるのがきっと冒険。「もうずっとこれでいいや」と思ったらダメだと思います。ちなみにTappyさんはこれまでサーフボードを完璧に作れたことはありますか？ Tappy　100％は絶対ないです。というか自分の中で何%かもわからないですね。 yONE　自分の思い描く100%に向かってずっとやり続けるみたいな？ Tappy　それもあるかもしれないですし、全然違うことをしたくなるかもしれない。 yONE　でもそれって飽きないですよね？ Tappy　飽きないですね。大好き。ほとんど休まないです。自宅が作業場で、物を削る道具は庭、仕上げる工場は10分くらい離れたところにあります。そこにスタッフが4人いて、1日で2本か３本、ロングボードは2時間半、トータルで10時間ぐらいは働いています。朝起きるのも早いので、工場に行くのも僕が最初。夏の波がいいときは海に入って、工場に行って、家に戻って削ってみたいな生活を毎日繰り返しています。 yONE　きっとTappyさんも気持ちが新しくて、日々同じようで同じじゃない。僕は今、編集者として新しいアーティストをキュレーションして展覧会を開くというのを、毎月3本ぐらいやっています。なおかつ常に新しいアーティストを探す作業をしているので、1日中調べていたり、知り合いのイベントに顔を出したり。「どこにでもいますね」ってよく言われるけど、「それが仕事だから当たり前だろう」って話で。どこにでもいないやつの方がおかしい仕事をしているのに、今の編集者は誰も来ないし、何も見に来ない。そんなやつに「どこにでもいますね」って言われたくないですよね。僕は人に会うのが当たり前の仕事だし、Tappyさんはボードを作るのが当たり前の仕事。それが大変なわけない。 Tappy　それが楽しい。仕事は仕事ですけど、好きなことなので。 yONE　『egg』っていう雑誌を昔作ったときにも、「ヨネちゃんは女子高生が好きだからな〜」って言われて。いやいや、好きっていっても仕事だし、ちゃんと面白いと思ってやっているわけで。好きなことをやっている人は、普通の人から見ると変に見えるときがありますよね。それに多くの人は趣味と仕事を分けて考えるけど、Tappyさんは分けてないですよね？ こういうインタビューのときも、どこかでボードのことを考えてないですか？ Tappy　そうですね。明日、何をしようかなって。

━━趣味も仕事も分け隔てなく、好きなことが日常に溶け込んでいますね。 yONE　それは最初からですね。 Tappy　ただ僕は食えるようになったのが遅かったし、いろいろうまく回り始めたのは最近なんです。昔はコンペ志向のボードがほとんどでしたが、今はオルタナティブボードといって、いろいろな形を何本も所有する文化が定着しました。僕はその文化がないときに、周りから「そんなの作って売れるのかよ」って馬鹿にされながらやってきたので。 ━━そういったカウンター精神も、“冒険心”という言葉には含まれていると思います。その意味でも、おふたりのクリエイティブには共通点が多い。 Tappy　光栄です。 yONE　真面目な話、周りを見るとね、どんどんそういう冒険心みたいなものがなくなっていく。30代でもうすでにない人もいるし、40代や50代になるとさらにそういう人が増えていくので、自分はそうはなりたくないなと思って。 ━━ちなみに変化に対しては、抵抗感よりも興味の方が強いですか？ yONE　僕は仕事の対象がずっとハタチ前後の女子なので、「今のハタチの子は何が好きなのか？」というのは常に意識しています。あとは今日みたいなインタビューのときは別として、基本的に昔話をしないようにしているのと、知らないことがあれば若い子に聞く。子どものころは知ったかぶりする大人が嫌いだったはずなのに、周りを見渡すとね。 Tappy　知ったかぶりしていますね。あとは自分の武勇伝とか、悪いこと自慢とか。 yONE　ちゃんと今を生きているのかどうかを常に考えていると、新しい情報も自然と入ってくる。「それってホントに人気なの？」みたいな感じで疑ってかかる年寄りはダメですよね。 Tappy　今だったらSNSもあるし、僕の場合は人づてでけっこう来てくれる。その子たちが僕の庭で削ったボードを見て、キャリアだけ長いおっちゃんたちよりも、若いこいつらの方がすごいなって感じることも多いです。自分ぐらいの年齢になると歳上で目標になる人も減ってくるので、米原さんみたいな人はすごく刺激になります。 yONE　ありがとうございます。自分たちみたいな人は周りから見ると不真面目に見えるかもしれないけど、ちゃんと面白いことを続けるためにすごく真面目ですよね。

━━おふたりにとってクリエイティブが湧き出てくる瞬間はありますか？ yONE　ありますね。面白いものを見つけたら関わりたいので、すぐ連絡したり会いに行ったりしますね。あと年齢的に後ろを振り返るよりも先の方が短いので、「今やりたいことをやっておかないと」っていう気持ちが昔よりもあります。躊躇することはもうやめようと。躊躇っていろいろな理由を付けてただやらないだけだと思うし、だったらもうとにかく動くっていうのを、歳を取ればとるほどやるようになりました。明日死んで「あの子ともっと話しておけば……」とかは嫌なので。女の子だけではなくて全部そうですよ。まあでもそう考え始めたのも60過ぎてからで、そうしていれば急に衰えないだろうなって。 Tappy　自分の周りも年下の方が老けてきているけど、僕は今が気持ち的にも一番元気な気がします。アイデアの引き出しもまだまだあるので。 yONE　ボードを削るときに、これは譲れないみたいなコンセプトはありますか？ Tappy　なんでしょう。ただ今は、世界的に見ても若くて才能を持った子がたくさんいるので参考にすることはあります。あと調べてみるとその子の親が同じ世代でサーフィンやっていたり、アーティストやミュージシャンだったりすることもあって面白いですよ。 ━━プロダクトを生み出すときに踏むプロセスがあれば教えてください。 Tappy　できればその人の情報があったほうがいいですけど、全員が全員会えるわけじゃないので、ボードの場合はオーダー表にイメージを書いてほしいと伝えます。身長や体重とかではなくて、その人の好きな音楽とか趣味とかの情報をくださいと。要はその人の好みですね。そういう情報からイメージしてカラーやデザインを決めます。 ━━今回のglo™コラボのデザインやカラーはどのように決めましたか？ Tappy　元々は僕がレジン（樹脂）アートを施したスケートボードがあって、それがベースです。質感は少し違いますが、デザインやカラーはサーフボードに表現したものを、ほぼそのままに落とし込みました。

━━デザインやカラーなどはテーマ性を持って決めますか？ Tappy　テーマ性はないですね。毎回そうですが、決めて作るとできなくて。前はデザイン画とかを書いていましたが、今はもう全然ですね。 朝になって、ボードに向き合ったときのフィーリングで決める。このカラーもいつかの朝のフィーリングです。 ━━米原さんにもそういったフィーリングで決める感覚はありますか？ yONE　僕は基本的にSNSでアーティストを探すときもフォロワー数とかは関係なくて。その人や作っているものが、自分の感覚で面白いと思える人を追いかけることを心掛けています。どんな仕事をしている人でも、言葉で説明できない部分はありますよね。 Tappy　人間の種類なのか。頭の中に設計図がしっかりあるような人もいますし、そういう人を見ると自分はまったく違う人間だなと思います。ただ米原さんは自分とすごく近い気がして、めちゃくちゃ親しみを感じています。 yONE　ありがとうございます。 ──日々の中のフィーリングで生み出されるアイデアが、今回のglo™のプロダクトにも落とし込まれていると思うと、より特別なものに見えてきます。 Tappy　そう思ってくれるとうれしいですね。僕はサーフボードとかも、削ったあとはすぐに新しいものへ気持ちが移ってしまう。自分の使っているボードも何回か乗ったら誰かに譲りますし、いつも自分を新鮮な状態に保つようにしています。

━━予定ではインタビューの最後に、今後挑戦したいことを聞こうと思っていましたが、それもおそらくおふたりにとっては毎日変化し続けているわけですね。 Tappy　はい、答えられないですね。最近でも面白いと思ったものがあるはずだけど、思い出せない。でも、それで言うと、「あってほしい」とはいつも思っています。自分がサーフカルチャーを広げていきたいみたいな気持ちはまったくないですけど、この業界に携わって生活できる人が増えてほしい。まだまだすごく狭い世界だから、自分と同じようなことをやっている若い子たちが、しっかりと食えるようなカルチャーになってほしいです。 yONE　海外では最近だと中国は特にそうですが、アーティストにちゃんとお金が回っている。ただし日本はアートブームといっても、一部の上の人たちだけが儲かっているだけなので。流行っている人だけを追いかけるのではなく、それ以外の部分に目を光らせて底上げしていかないと、サーフィンだけでなくすべてのジャンルがブームで終わってしまう。 Tappy　日本ではブームに追いついていく若いビルダーが少ない。さらに生活ができないからいろいろな事情で辞めていく。海外みたいな二世とか三世が出にくい土壌があります。 yONE　カルチャーでちゃんと繋がっている人たちが、日本でも出なきゃ難しい。反射神経でフォローやいいねとかじゃなくて、ちゃんと根本的なところで繋がっていかないといけないなって思いますけどね……フフフ、何か笑いで最後落とそうと思ったら真面目になっちゃった。でも、やっぱり自分が今、一生懸命やっているものが一番面白かったりする。その先にまた違うものが出てきてそっちに移るかもしれないけど、そんなことすらも考えずに、今を一生懸命やっていた方がきっと人生楽しいですよね。 Tappy　そうですね。続けながらの変化だし、続けていくことが一番大変だと思うので。たまにいろいろやりすぎだって言われることもありますが、自分の中では根本ですべて繋がっているので、「それの何が悪い」と思って今でも変わらずやり続けています。