福岡を拠点に活動するラッパーのPEAVISが最新MV“Family”を公開した。本作はPEAVISの実の父、そして義理の父の二人の父親について綴った楽曲だ。

これを記念して、Qeticではヒップホップをテーマにしたマンガ『スーパースターを唄って。』の著者である薄場圭との対談を企画。“Family”と薄場の読み切り作品『僕とお父さんについて』の話題を軸に、現代のヒップホップシーンのバックボーンにある社会や感覚についても話してもらった。

PEAVIS：自分が薄場くんを知ったのはジャンプ＋に掲載された『僕とお父さんについて』という読み切りです。偶然知ってなんとなく読んでみたら、「これ俺の話やん」と思ったんです。自分にも血のつながってない父がいて。コミュニケーションのぎこちなさとかはすごく共感できました。

──どんなポイントで共感できたんですか？

PEAVIS：ある日突然知らない男の人がいきなり家に来て「お父さんです」と言われる違和感の表現ですね。「サッカーしよう」とか「キャッチボールしよう」みたいなこと言われるけど、こっちからすると結構きつい。あの感じは超リアルでしたね。そこから少しずつ距離が近くなり、家族としてお互いを受け入れていく感じがすごく良かったです。それでSNSで薄場くんとつながって、連絡を取る中で以前リリースした“ガラスの地球”のジャケも描いてもらったんです。手塚治虫さんの著書「ガラスの地球を救え: 二十一世紀の君たちへ」からインスピレーションを受けた楽曲だったので、漫画家の人にジャケを描いてもらいたいと思い、コンタクトを取りました。

薄場圭（以下、薄場）：俺からするとありがたいとしか言えないし、本当に嬉しかったんですよ。ジャケットの仕事をいただいた時にZoomでミーティングしたんです。そこでチラッと「ラッパーのマンガ描いてます」とお伝えしたら、「すごくいいね。楽しみです。」と言ってくださったのを覚えてますね。

PEAVIS：デモを編集者に持ち込んでるって言ってたよね。

薄場：デモというかネームですね（笑）。

──それが『スーパースターを唄って。（以下、スーパースター）』？

薄場：はい。今の担当編集の方が編集部に（連載を）掛け合ってくれてる段階でした。でもなかなか通んなくて。結局連載が決まるまで2年くらいかかりました。

PEAVIS：そうそう。でも始まったら話題になって、月刊誌から週刊誌に移籍していくどんどん広がっていく過程を見れたのはアツかった。薄場くんのマンガはペインの強度がすごい。『ONE PIECE』で言ったらオハラがバスターコールくらって、ニコ・ロビンがガチくらっちゃってるレベルのをぶち込んでくる（笑）。

薄場：『ONE PIECE』で例えていただけるのは光栄です（笑）。

PEAVIS：薄場くんはリアルな痛みはもちろん、いろんな人の気持ちというか心の痛みも感じられる人なんだなって思う。それは短編の頃から思ってた。

薄場：俺もPEAVISさんの作品を聴いて、同じことを感じていました。創作の根っこに痛みがあるというか。

PEAVIS：人生の暗い側面を描きつつ、同時にそこにある光も感じさせるって意味ではお互い表現したいところが似てるのかもしれないね。

薄場：そう言っていただけるとすごく励みになります……。

──PEAVISさんの最新アルバム『The Blooms Album (Deluxe) 』に収録された“Family”は、薄場さんの『僕とお父さんについて』に通じる内容ですね。

薄場：実は“Family”で歌ってる内容は、以前にPEAVISさんから直接伺ってたんです。話を聞いた上で、曲を聴くとさらに感情的な部分も理解できた気がしました。

──“Family”のリリックはかなり重要なテーマだと思いました。なぜこのタイミングで書いたんですか？

PEAVIS：実の父に関することは、ずっと抱えてきたものでもあり、最近母親から真実を聞かされた自分的に新しいトピックでもあるんです。実の父のことについて尋ねても、ずっと「死んだ」と言われてました。小学校低学年の頃に自分には父親がいないということに気づいて、実の父親のことを何も知らないことがコンプレックスとして心の奥にありました。当時は母に実の父のことを質問すると毎回キレられてました。うまく言えないけど、実の父の存在は自分の中でずっと抜け落ちた情報だったんです。そしたら、30歳の誕生日ぐらいに彼女と母と3人でご飯食べてる時に、母が唐突にそのことを話し出したんです。

薄場：お母さんから実のお父さんの話を聞いた時、PEAVISさんはどんな感覚だったんですか？

PEAVIS：嬉しかったよ。幼い頃から抱えてきた自分の問題でもあったから。実の父はもう亡くなってて、詳細は言えないけど、まあリリックの通りなんですよ。どんな人でどんな人生を歩んできたのかを知れただけで、どこか温かい気持ちになりましたね。母としては僕が若い頃に実の父の話を知ったら、父親を追いかけて悪い道に行ってしまうのではないかって危惧があったみたい。それも実際に聞けて納得できました。実の父親が本当は自分と暮らしたがっていて、母が無理矢理引き離したみたいです。母も父も自分を想っての行動だったということ。捨てられたことじゃないということがわかって救われました。

薄場：“Family“を今のお父さんに聴いてもらったってお話しされてましたよね？

PEAVIS：うん。ワクチンを打ったその日に急に倒れちゃって、今も通院してるんです。それもあって“Family”を書こうと思ったんだよね。正直若い頃は、今の父のことが嫌いだった。しょっちゅう殴られてたし（笑）。でも年取ってだんだん普通に話せるようになってきてたんですよ。この曲って、実の父親のことも赤裸々に話しているし、「お父さんありがとう」みたいな内容だから、「複雑な気持ちにならないか」って思ったけど妹にデモを送って。病室で聴いてもらったら照れくさそうにしてたって言ってました。

薄場：すげー良い話ですね。

PEAVIS：なんかね。まさか父との関係をこんなふうに改善できるとは思ってなかった。年取るのも悪くないなって感じたね。

薄場：《大きかった背中／今は小さく見える》ってリリックがいいですよね。

PEAVIS：なんか照れるな……（笑）。父はMVの最後に背中だけ出演してもらってるんでみんなチェックしてほしいです。

──お二人にとって創作は日常的な行為だと思いますが、自分からすると0を1にするのはとても難しいように感じます。それぞれどのように制作と向き合ってるんですか？

PEAVIS：どうだろうな……？　自分は今日体験したことを明日リリックに書くみたいなタイプなんです。だからどの曲もダイレクトな感情がそのまま歌詞になってる。今回のEP／アルバムに収録された曲はだいたい一昨年〜去年くらいの出来事が中心ですね。

薄場：『The Blooms Album (Deluxe) 』はペインと光が行ったり来たりする内容だと思ったんですけど、そこも意識的なんですか？

PEAVIS：いや、曲を作ってる時は考えてないね。ラップ自体はオートマティックに書けちゃうから。曲が揃った段階で自分で書いたリリックを読み返して、ペインも光も感じてることに気づいて、そこから花を咲かせるみたいなニュアンスを込めて「Blooms」って言葉が出てきたんだよね。アルバムのテーマとか曲順とかは後付けが多いかも。そういう意味ではマンガのほうが緻密な感じもする。

薄場：俺の場合も「0を1にする」みたいな高尚な行為ではないですよ。完璧に作り込む先生もいらっしゃいます。キャラクターの立ち位置、ヘイトコントロール、物語の伏線みたいなことを完全に把握して描かれてる。でも自分の創作はPEAVISさんに近いです。描きたいように描いてる。最近『スーパースターを唄って。』はよく「社会問題を〜」みたく言っていただくことが多いんですが、自分的には全然そういうことを考えてなかったりもします（笑）。

PEAVIS：描きたいことを描いた結果、「社会問題」をトピックとして扱っている作品みたいに言われるようになった的な？

薄場：はい。それこそ『NARUTO -ナルト-』はファンタジーの世界だけどペインの強度がすごいと思うし、『ONE PIECE』で海に出てる人たちも、痛みを抱えてるキャラクターが多い。ファンタジーではあるけど、出てくるキャラクターと似た境遇で共感してる人も多いと思います。

PEAVIS：絶対読んだほうが良いですよ（笑）。

薄場：読むべきっすね。フィクションだから楽しめるぶっ飛んだアウトローな世界というか。同じことをリアルな設定で描いたら怒っちゃう人とか出てくると思う。

PEAVIS：でも根本にあるペインはフィクションとも言い切れないよね。

薄場：だからあんなに人気あるんだと思います。みんなどっかでペインとそこから生まれる光を求めてる気がします。

PEAVIS：薄場くんが描いてるラッパーの世界だって全然現実にあるっすもん。働いてた会社をヤクザが経営してて、ほぼパシリみたいな扱い受けてるとか。

薄場：漫画には描けないことも多いけど、そこにあるペインの強度だけはきちんと描くことは意識してます。

PEAVIS：でも『スーパースター』は薄場くん的には少年マンガなんだよね？

薄場：そのつもりで描いてます。

──薄場さんの考える少年マンガの定義とはなんですか？

薄場：定義ってことで言っちゃうと『スーパースター』は青年マンガなんです（笑）。これは俺の定義だから異論はあると思うし、曖昧なんですけど、少年マンガは根っからかっこいいやつ、つまりヒーローが主人公なんです。でも青年マンガは自己矛盾を抱えたヒーローになりたいやつが主人公の話かなと思ってます。

PEAVIS：めっちゃわかりやすい（笑）。そういう意味だと、いわゆるラップスタアと言われてる人は少年マンガの要素も青年マンガの要素も持ち合わせてる気がするな。これまでヒップホップをトピックにしたマンガはいくつかあったけど、ナレッジ系が多くて、こういうヒップホップのリアルな痛みに触れた作品は『スーパースター』が初めてだと思う。やっぱ改めてヒップホップが日本に馴染んできてると思うんですよね。薄場くんの世代だから描けたっていうのは絶対にあると思う。

──日本のヒップホップは80年代から始まって、暗中模索の90年代〜00年代を経て、10年代〜現代で完全に定着した感があります。その背景には日本社会がどんどん貧しくなってきて、社会への不信感が極限まで増大したことも関係していると思います。

PEAVIS：それはありますね。薄場くんは僕よりちょっと下の世代ですけど、すでに僕の段階で「世の中終わってる」って感覚は当たり前でした。政治家は嘘つきだし、お金がないのも当たり前。それが前提なんです。たぶん上の世代の方にもそういう感覚はあったと思うけど、平成生まれの僕らはもっと当たり前に突きつけられてる。そこは決定的に違うと思います。

薄場：そうですね。世の中にあんまり期待してない。だから絶望もしない。あとやっぱインターネットがでかいと思うんですよ。昔だったらリアルに友達に会ってあれこれ話したり、違う価値観と交わることも多かったと思うけど、俺らは思春期ですでにインターネットがめちゃくちゃ発達してたから、近しいコミュニティを見つけたら、どんどんそこにハマりこんでいく。それは専門性というより、偏りって言ったほうがニュアンス的に近い。だから「みんな仲良く」って感じにはなりづらい。「あの人は考え方違うよね」って良くも悪くもドライに割り切っちゃう感じ。ちょっと冷たいくらい。でも、逆に同調圧力はちょっと弱まってる感じがします。

PEAVIS：あー、「みんな好きにしてていいんじゃん」みたいな。でもいわゆる世の中で言われてる多様性のポジティブさともちょっと違う。この前、ラッパーになりたい若い子とちょっと話したんです。その子は建設会社でバイトしてて、月に28日出勤して、朝から晩まで働いてるのに給料11万なんですよ。しかも社長の誕生月は高級ブランドのバッグを買うために全員の給料から6万も天引きされて手取り5万だったって。5万じゃ生活できないじゃないですか。しかもその会社はヤクザが関係してるらしくて辞めることもできないんです。

薄場：大変ですね。

PEAVIS：その子、まだ20くらいなんですよ。片親らしくて。「辞めたいです」って言ったら先輩に「お前の母ちゃんどうなるかわかってるだろ」って脅される。普通に両親がいて、当たり前に高校行けて、大学に行けてみたいな人がいる一方で、そういう境遇の子もいて、別に極端な例じゃないっていう。

──その話を聞くとWatsonやguca owl、7が支持される理由もわかりますね。

PEAVIS：みんな普通に共感してるんだと思います。

薄場：そういう境遇があることは前提なんですよね。Watsonさんもドライじゃないですか。貧しさを嘆き悲しむとかじゃなくおもろい話にも聞こえる。

PEAVIS：確かに客観的だよね。大人が思ってるよりも今の20代には貧しい子が多いから、日本でもアメリカみたいにヒップホップが馴染んできてるんだと思う。ちなみに薄場くんが『スーパースター』のメインの登場人物の年齢を10代にしたのは、何でなの？　

薄場：あれはあんまり伝わらなかったんですけど、民法で成年が20歳から18歳に引き下げられたじゃないですか。主人公の雪人は17歳なんです。ドラッグを売っててもまだ少年犯罪なんです。でも18歳になると扱いが変わってくる。そこが岐路になるようにしたかったんです。そしたら全体の年齢層が下がったっていう。

PEAVIS：確かに25歳の売人がラッパーを目指す話だと生々しすぎるもんね（笑）。

薄場：（笑）。少年マンガを描きたいって気持ちがあったのと、構想段階でLEXさんが登場したのも自分的にはデカかったんです。あと俺、WILYWNKAさんがめっちゃ好きで。16〜17くらいで“STUPID 6 CORE”をもうやってたっていうのも影響してますね。

PEAVIS：初めてタカちゃん（WILYWNKA）と会った時はたぶんまだ14〜15歳だったと思う（笑）。自分もそれくらいからストリートにいましたね。ラッパーの優等生はだいたいそれくらいからラップを始めてる気がするから間違いないと思うよ。

薄場：今日こうして対談させていただいて、改めて思ったのは、無責任に痛みや希望を描かないってことですね。ラッパーの方たちはリアルを歌っているけど、自分が描いてるのはフィクションなので、だからこそしっかりと向き合うべきだと思いました。

PEAVIS：やっぱツラいシーンを描くのはツラい？

薄場：ですね。そういうとこを描いてる時は、いつもめっちゃ嫌な気持ちになってます……。だからといって描かないわけにもいかないので。

PEAVIS：薄場くんの根本にその感覚があるから、僕は『僕とお父さんについて』でフィールできたし、こうして対談することもできたんだと思う。

──最後に、同じ境遇やペインを抱えている人たちへ向けてメッセージはありますか。

PEAVIS:自分よりもっと過酷な環境の人もたくさんいると思うけど、自分がラップを見つけたように、その辛い過去すらも力に変えれる、自分にしかないものが一つでも見つかると人生が楽しくなると思います。今の父親とピースに話ができる世界線が来るとは思わなかったし、人生何があるかわからないですね。難しいけど、どんな状況でも卑屈にならず、差し込む光を見落とさないように、前を向いて歩み続けたいと思います。

薄場：自分はしんどい時フィクションの世界に逃げてたので、自分が描いてるのも誰かにとってのそれになれば嬉しいです。

80'sブギーファンクのモダナイズを押し進めた前作『LIVE & LEARN』から4年。鎮座DOPENESS、ZEN-LA-ROCKとのユニット、FNCYの一員としての活動を行ってきたG.RINAが久方ぶりのソロアルバム『Tolerance』をリリースした。 シンガーソングライターにしてビートメイカー、DJでもある彼女は、本作においてミックスも自ら手掛け、アフロビートやアンビエントR&B、コンテンポラリーなヒップホップなど、現代的なサウンドを高い精度で具現化。“許容”を意味するアルバムタイトルが示す時代のムードに呼応したメッセージと共に、成熟した音楽世界を描き出している。 自分や他者を許し、肯定する音と言葉に込められた思いについて、G.RINAに話を訊いた。

──G.RINAさんがファーストアルバム『サーカスの娘』をリリースした2003年当時の日本のシーンは、USのヒップホップ、R&Bをそのままトレースした作品が主流で、G.RINAさんのようなクロスオーバーな作風は極めて稀だったと思うんですけど、デビュー当時のことを振り返ってみていかがですか？ 音楽活動を始める前、私が一番遊びに行ってたのは日本語ラップ、ヒップホップやR&Bの現場だったんです。当時はDJをやってたんですけど、自分がヒップホップやR&B一辺倒にならなかったのは、すごい好きな音楽ではあったんですけど、そこにマッチョなものも感じていたからなんですよね。そういうシーンにおいて、自分がプレイヤーとしてやっていける絵が見えなかったというのもあるし、音楽的にもヒップホップやR&Bの肉体的な表現を本場と同等のレベルで形にすることは難しいだろうなって。そして、なにより、好きな音楽をそのままやることにすごく抵抗があったんです。東京で育った自分がヒップホップ、R&Bをそのままやっても借り物にしかならないというか、それ以前にヒップホップやR&B以外のいろいろな音楽を聴いてきましたからね。初期の作品をリリースしてくれたDISC SHOP ZEROの飯島（直樹）さんは、そんな私の音楽を「そのままやりなよ」と後押ししてくれたんですよ。飯島さんはブリストルサウンドからダブステップ、ベースミュージックの流れをいち早く日本に紹介したUKの音楽のスペシャリストで、そういうレコードをDISC SHOP ZEROで買う一方で、渋谷のマンハッタン・レコードでUSモノを買ったりしているうちに、自分の音楽性は雑多になっていったんです。それで一つの方向性に絞るんじゃなく、いろいろな音楽から得たインスピレーションをもとに自分の音楽を作っていったらいいんじゃないかと、より自然に考えられるようになっていったのが初期の作品ですね。 ──USから大きな影響を受けつつ、それを独自な音楽としてアウトプットしてきたUKの音楽の在り方がG.RINAさんの独自性を後押ししたと。しかし、そうはいっても、当時の日本でそのスタンスを維持するのは、決して簡単なことではなかったですよね。 音楽活動を始めた最初の頃、すぐに声をかけてくれたレコード会社があって、そこでいろいろな取り組みを一度はしてみたんですよ。でも、「まずはプロデューサーを立てて、歌い方はこうしてみようか」って。当時はR&Bディーヴァが全盛の時代だったので（笑）、そういう歌を求められたりしたんですけど、私はむしろD.I.Y.な音楽が好きだったから、全然しっくりこなかったんです。かたや、UKのアーティストに会ってみると、みんな、USのメジャーなヒップホップ、R&Bが大好きだったりするんですけど、彼らが自分で作る音楽はワンクッション挟んで、ちょっと印象の違うものだったりする。レゲエにしてもUKジャマイカンのレゲエはまたちょっと違ったり、ダンスミュージックとして進化していたりする。それが独自性に繋がっているんですよね。私自身、ベタな音楽も大好きなんですけど、それをそのままやるより、ワン・クッション挟んだ自分なりの音楽をやりたいなって。当時の私は技術的に未熟だったりもしましたし、女性が自分で作品をプロデュースすることが珍しかったこともあって、「誰かプロデューサーを立てた方が……」と大人が言うのも分からなくはないんですけど。ただずっとそういうことを言われ続けてきたので、さすがに何なんだろうって（笑）。それを考えると、昨今の状況はよりフラットになって、固定観念も変わりつつあるし、女性がイニシアチブを取って音楽をやるうえで、見本になるアーティストもいる。自分も変わりゆく音楽シーンの片隅で音楽を続けてきて、間違ってなかったなって。

──孤軍奮闘を続けてきたG.RINAさんの音楽は、出産、子育てに伴う活動休止を経て、2016年のアルバム『Lotta Love』以降は、いい意味で肩の力が抜けたというか、テンションが変わりましたよね。 そうですね。ルーツにソウルがある音楽はもともと大好きなんですけど、今なら真似ではなく、自分なりにできるんじゃないかと思ったのが、まさに『Lotta Love』のタイミングというか、正確にはその曲作りをしていた出産前の時期ですね。音楽活動はお休みしていたんですけど、その時期にデイム・ファンク（Dam-Funk）の来日公演を観に行ったら、「なにこれ、私も作ってたのに先を越された！悔しい！」って、後からインタビューさせていただいたら、デイム氏はファンク街道一直線なんで、何が悔しいだよって話なんですが（笑）。ちょっと懐かしい80年代のブギーファンクをモダンな音像で現代にアップデートしたら、時代的にちょうどいいんじゃないかなと思って、曲作りを始めた矢先に、デイム・ファンクやタキシード（Tuxedo）が出てきたこともあって、私が作っている音楽も受け入れてもらえるかもって。 ──2016年の『Lotta Love』は、生音と打ち込みを交えたG.RINAさんなりのモダン・ブギーファンク、2017年の『LIVE & LEARN』はエレクトリックな要素を盛り込むことで、前作の方向性をオリジナルな作風に発展させた作品でしたが、今回の新作アルバム『Tolerance』は4年越しの作品で。 曲はずっと作っているんですよ。ただ、FNCYとしての活動もあるので、そっちでどんどんスケジュールが埋まっていってしまうこともあったり、作業自体を終わらせられなくて、何も言われなければ、いつまでも実験的に続けてしまうんです。ただ、コロナでライブが出来なくなり、時間ができたこともありますし、ソロでのリリースについて訊かれることも多かったので、このタイミングでやってみようかなと。子育ても以前に比べると手が掛からなくなったというか、学校に行ってくれてる時とか。寝てからの時間を作業に充てられるようになったということもあります。でも。色々詰め込むと必ずどこかが破綻してしまうので、音楽制作は相変わらず綱渡りなんですけどね。 ──コロナ禍での制作は、作品にどんな影響がありましたか。 学校が休みになった子供がずっと家にいて、かえって時間がなかったり。文化芸術活動継続支援の申請もしたんですけど、これを機にミックスもできるようになりたいなっていう目標を持って、自分の録音環境をブラッシュアップしようと、プラグインをいっぱい入れたり、電源を新たに引いたりして（笑）。「転ばされっぱなしじゃないぞ！」っていう。自分の家のスタジオでは、FNCYの録りをすることもあるし、自分の作品のゲストの人に来てもらって録ることもあったので、自分の環境を良くしようと。そうやって、アルバム制作のモチベーションを高めていったりもしました。

──今回のアルバムでは、ご自身でミックスを手掛けられていますが、それもまたコロナ禍が一つのきっかけになっていると。サウンド面では、懐かしさと新しさが混在したモダンなブギーファンクを追求していた前二作に対して、ヒップホップ、R&Bとダンスミュージックを横断する現代的なプロダクションに振り切った今回の作品は音の鳴らし方に遊び心であったり、曲の聴かせどころへのこだわりを強く感じました。 音はずっとドリーミーなものが好きなんですけど、『Lotta Love』や『LIVE & LEARN』の時は様式を意識して、その様式を借りながら、自分らしいドリーミーなサウンドを追求していたんですね。それに対して、今回はまた様式から離れて、より自由に曲を音像として捉えたかったんです。例えば、R&Bでもアンビエント要素の強いものが好きだったりするので、響きや余韻を活かしてみたり。アフリカ音楽のオルタナティブなムーブメントであるナイジェリアのAlté（オルテ／“オルタナティブ”の意）シーンで注目されているアーティスト、OdunsiやSantiのやってる音楽をよく聴いたりしていて、彼らの個性の出方が好きで。自分だったら......と考えると、今までにない音のバランスを構築する必要があるなと思って。 ──つまり、音の質感やバランスに、G.RINAさんがいうところのワン・クッション、つまり、音楽の新しい解釈が表現されていて、ご自身で手掛けるミックスによって、その部分を追求したかったと。 そうですね。今は、例えば、月々の定額利用料で著作権フリーの音源を使えるSPLICEがそうであるように、ほぼ組み上がったビートがそのまま素材として販売されていて、それらしいものを乗せるとすぐに曲ができる。そして、スピーディーに作ったトラックにラッパーが乗れば、一定のクオリティで曲がすぐに完成するし、そうやって世界中で大量に再生産された曲がブームを作っていたりもする。そういう音楽の在り方は面白いと思うんですけど、特にヒップホップやR&Bのトップランナーの人たちはまた違う考え方で常に新しい、なかったバランスのものを作っていこうとしている。音楽フォーマットとしてのブラックミュージック、ヒップホップではなく、そのオリジネイターのマインドに惹かれちゃいますね。 ──旧知の間柄であるFNCYの鎮座DOPENESS、ZEN-LA-ROCKをはじめ、フィーチャリングには韓国のXin Seha、“One Love”のトラックを提供するなど度々共演しているBIM、トークボクサーのKzyboost、ゆるふわギャングのNENEといった若手を積極的に起用されています。 今回のアルバムでは、年齢、性別分け隔てなく、いろいろな人に入ってもらいたくて、例えば、NENEちゃんは、昨年出したEP『夢太郎』がすごく良くて、声をかけさせてもらったんですけど、ゆるふわギャングとしてはトランスのEP『GOA』を出していたり、ダンスミュージックに貪欲な好奇心を持っているし、オーソドックスなヒップホップにこだわらず、歌もラップも出来る。そして、何より、自分の言葉を持っていて、リリックにすごいシンパシーを覚えるんですよ。今回参加してくれた方々はみなさんそう。自分の核はあるんだけど、ジャンルにとらわれず、いろいろなことが出来て、それがすっと受け入れられているじゃないですか。だから、音楽シーンはどんどん変化しているし、単純にいいことだなって。今は、こうあるべしというようなことが減って、フラットになってきたのかなと感じます。

──ソロの楽曲には“カーディガン”など、ユニークなものもありますよね。 ははは（笑）。これはもうずっと温め続けてきた曲で。滑稽な情景で描写する失恋の物語なんですね。「こういうことが歌えたらR&Bじゃない？」ってところを目指して作った曲です。真面目に傷ついてるとき、ちょっと離れて見るとちょっとおかしみが出てくるみたいな。「カーディガン」って連呼するとか、「何を歌ってるんだ、この人は」っていう。 ──G.RINAさんは周りの状況に違和感を感じながら、ジャンルにとらわれず、自由な音楽を続けてきただけに、「寛容性」を意味するアルバムタイトル『Tolerance』を含め、時代の変化について思うところは多いと思うんですけど、このテーマはアルバム制作当初から念頭にあったものなんですか？ アルバムタイトルは最後に、仕方なく付けた感じなんですけど。曲のタイトルとしては当初からあって。その曲では不寛容な世界や心が健康じゃないことを歌わずにはいられなかったというか、制作期間中にリアルに悩んでいたことでもあったので、「どうしようかな？どうにかして、よくする方法はないかな？」と自問自答するように書きました。 ──その悩みというのは？ FNCYをやっててもそうなんですけど、私は女性で多少キャリアがあって、ここ最近は直接的に失礼なことをされたり、言われたりすることはないんですけど、言葉や行動の端々に、みんなが持ってる先入観みたいなものを感じることはあったりする。もちろん大きな流れで捉えると世の中は良くなりつつあるし、だからこそ自分にも居場所があると思うんですけど。様々なフェーズで、無意識的に、性別、年齢、子供がいるいない、とか。そういう小さなレイヤーで人を区別したりジャッジする目線はあって。そういうことに苦しんでる人はまだいっぱいいると思うんですよね。私はそう感じるたびごとに声高に言ったりはしないんですけど、そう思うこと、考える瞬間は確かにある。だから、自分が人と接する時も気をつけるようにしているし、今はそう感じたのなら、自分の意見をキチッと言うべきなんでしょうけど、言えるときもあれば、なかなか言えずに、音楽を通じて伝えていることにもどかしさを感じて、気持ちが行ったり来たりもしています。

──端から見て、D.I.Y.なスタンスで音楽を続けてきたG.RINAさんはネガティブな感情にとらわれることなく、いつも飄々としていらして、大変なこともありながら、すごくタフな方だと感じていたんですけど。 多分そうなんだと思うし、同時に自分のあり方をいいと思ってくれる人に出会えて、私はラッキーだったと思うんですよ。でも、世の中を見れば、わかってもらえないと感じている人もいるかもしれない。だから、自分がラッキーなのであれば、貫けるところは貫きたいし、努力して続けられることは続けたい。そういう人がいたっていいじゃん、みたいな行動で残したいというか。「こんな人いたんだ。変わった人だね（笑）」みたいな。そういう一つのサンプルになれたらいいかなって。 ──starRoさんが作曲・編曲を手掛けたラストナンバー“新陳代謝”では、まさに日々細胞が生まれ変わって、今を生きる姿が描かれていますが、音楽家の生きる糧である表現に対するご自身のモチベーションについてはいかがですか？ 最近はDJをやっていないんですけど、ただ単に音楽がすごく好きなだけで……モチベーションは十分なのかもしれないです。例えばいまフレッシュなラッパーが成功できるチャンスがあるっていう、そういう人たちが持ってるモチベーションとは全然違うところにいると思うんです。これで勝ち上がってやるぜ！　っていう気持ちよりも良い作品が作れたら幸せだっていう。あとは音楽から離れた日常も大事。幸いいろんなところに呼んでもらったり、作品を作れたりして続けていますけど、周りに大きな富をもたらしているわけでもないから、そういう申し訳なさはあるんですけど。自分自身のモチベーションとしては、より遠くあるいは深くまで何かが届いたら最高ですね。でもこうして作り続けて、新しい音楽を日々聴けて、人に伝えられたり、それをきっかけに新しい人と出会ったり、いろんな世代の人と作ったり話すことができたり……日々ありがたいなと感じることが多くて。大きな夢とは言えないかもしれないけれど、違和感を覚えることをしないでも音楽はやっていけるということは、もしかしたら言えるかもしれない。

G.RINA 東京出身、乙女座のシンガーソング・ビートメイカー／DJ。 2003年、作詞・作曲／演奏／プログラミングを自ら手がけた1st アルバム『サーカスの娘 -A Girl From A Circus-』でデビュー。以来、一貫したセルフプロデュースで5枚のアルバムをリリースする他、英国、韓国アーティスト、ヒップホップ、アイドルからアニメまでプロデュース、詞／楽曲提供、客演など多数の作品を発表。（土岐麻子、坂本冬美、tofubeats、OMSB、Negicco、キャロル＆チューズデイ他） DJとして世界の先端ダンスミュージックを掘り続け、ミックスCD：Destination1-5、Strictly Rockers14、Jazzz Time2、Terra Disco、全編現地音源にこだわったシリーズ『♡♡インド／アフリカ／ブラジル』など。イベントに応じた多彩な選曲が持ち味ながら、昨今はディスコや広義のソウル、ヒップホップを中心としたバックトゥルーツな選曲をしている。 5年間の休止を経て制作活動を再開、2015年5年ぶりのアルバム『Lotta Love』（タワーレコード）、2017年『LIVE & LEARN』（ビクターエンタテインメント）をリリース。 2018年、ZEN-LA-ROCK、鎮座ドープネスとともに3人組ヒップホップユニット「FNCY」を結成し、2019年7月アルバム『FNCY』をリリース。 G.RINA & Midnight Sunとして、またFNCYとして精力的にライヴを行なっている。 HP｜Twitter｜Instagram｜Facebook

PEOPLEAPには姉妹プロジェクトがある。それが比留間以外の3人による民芸プロジェクト「TALKY」だ。プロダクトの持つ可能性をビースティー・ボーイズ（Beastie Boys）世代の解釈で探求するこのプロジェクトでは、スケボー型の箸置きやマーク・ゴンザレス（Mark Gonzales）のイラストをあしらった掛け軸をリリース。当時TALKYのいちファンだったという比留間は、彼らの試みをこのように説明する。

比留間太一「陶器の世界には表面にちょっと傷がついたB品という不良品があるんですけど、通常は検品で弾かれて捨てられちゃうんですね。でも、TALKYはサンドブラストっていう機械を使ってB品の表面を削り、その上にさらにデザインを施して製品としてリユースしていました」

その発想はレコードショップの100円コーナーからジャンクを拾ってきてサンプリングするDJと近しいもの。TALKYはそうやってストリートカルチャーと伝統工芸・民芸の世界を繋いできたのだ。メンバーのひとり、石峰は伝統工芸である波佐見焼で知られる長崎県波佐見町の出身。彼の同級生が波佐見焼の窯元を経営していたため、ごく自然な流れでTALKYと藍染窯はタッグを組むことになった。

石峰英徳「僕らはみんなアパレル出身なんですけど、服じゃないことをやりたくなった。考え方としては古着をリメイクするのと一緒というか」

須田伸一「彼（石峰）の同級生が藍染窯の2代目になるタイミングで、あちらも今までとは違う新しいことがしたいっていう気持ちがあったみたいで。お互いやりたいことをすり合わせながら、こちらからも提案していった感じでしたね」

そんなTALKYの3人に合流した比留間は、レコード会社勤務を経て、ソーシャルTV局「2.5D」の立ち上げに関わったという人物でもある。

比留間太一「2.5Dは海外に向けて日本の情報を発信することをひとつのテーマとしていたので、その方法について自分でもよく考えていたんですよ。でも、日本人があるジャンルのフォーマットで音楽作っても、聞いてもらうまでのハードルがすごく高い。そこをどうやって突破するか。僕としては、アイデアやとんちの話になってくると思っていて。PEOPLEAPのプロダクトはとんちの究極系だと思っています（笑）」

DJの世界ではレコードのことを「皿」と呼ぶことがある。だったら、本当に皿を作ってしまおう。しかも日常的に使うことができて、イラストや音楽、映像などの情報を収めた「皿」を作ることはできないだろうか――。2015年、一種の「とんち」としてPEOPLEAPはスタートしたのだった。

2015年1月、PEOPLEAPは皿を7インチレコードに見立てた「7inch PLATE」を発売。背面に印字されたQRコードを通じて、SeihoやstarRO、OBKR（小袋成彬）らによるオリジナルの音楽とミュージックビデオをストリーミングできるという前代未聞のプロジェクトが始まった。興味深いのは、この「7inch PLATE」シリーズではデザイナー、イラストレーター、ミュージシャン、映像作家という4人1組の制作チームが組織され、テーマをゼロから話し合うところから制作が始められたという点だ。

比留間太一「最初に1回みんなで集まって話すところから始めたんですよ。そこでどういう作り方をするか、それぞれのチームでディスカッションしながら決めていきました。だから、チームによって進め方が違っていて。僕らもディスカッションの中に入ってたりはするんですけど、あくまでも進行役に徹しました」

ゴールを決めず、各クリエイターに多くの部分を委ねる。PEOPLEAPのそうしたスタイルは、クリエイターたちを大いに刺激したようだ。比留間が「学生の方とプロの映像作家がフラットにものづくりをする場をどうやったら作れるのかを考えていました」と話すように、創作のプロセス自体を作り上げることもまたPEOPLEAPの狙いだったという。

須田伸一「楽しめるカオスみたいなものを作りたかった。映像作家にしろグラフィックデザイナーにしろみんな年齢もキャリアもバラバラだったんですけど、そういうチームが各自テーマを決めてフラットにやり合っていて、すごく理想的な関係だと思いました」

日常的にさまざまなデザインやものづくりに携わっているPEOPLEAPのメンバーにとって、そうした制作スタイルはひとつの問題提起という側面もあったようだ。

須田伸一「普通の仕事の場合、納期が決まっていて、お金の使い方や費用対効果も見据えたうえでものづくりが進んでいく。そういうものを1回全部取り払って、新しいフレームでものを作るという実験でもあるんですよ。そこに共感してくれた人たちが集まってくれている感じですよね」

PEOPLEAPのテーマのひとつに「日用品×デジタル・コンテンツ」がある。一点もののアートピースではなく、あくまでも日用品。そこにも彼らのこだわりがあった。

須田伸一「波佐見焼って生活の日用品感がすごく強いんですよ。有田焼は高いけど、波佐見焼は安くてタフ。食洗機にも耐えられるんです」

比留間太一「安くてタフという意味では、レゲエのラフ＆タフなイメージからインスパイアされたところもあります」

比留間は「皿って洗うときに裏側が目に入るじゃないですか。皿の裏にはアーティストの名前とか作品に飛べるリンクが印字されてるんですけど、常用していれば無意識のうちにアーティストの名前が記憶されていくと思うんですね」とも話す。自身のプロダクトによって日常と表現を繋ぎ、ユーザーが表現に触れる機会を作る。そこにも彼らの狙いがあった。

PEOPLEAPのプロダクトは一部の飲食店でも使用されている。中心に穴が開いているという特徴的なデザインのため、「みなさんどうやって盛りつけるか悩んでいるみたいですね（笑）」と比留間は話すが、盛り付けに制約のある食器だからこそ、料理人をインスパイアするケースもあったようだ。

比留間太一「日本橋で『かんたんなゆめ』という和菓子屋さんを運営している寿里さんにもPEOPLEAPの製品を使っていただいているんですが、試行錯誤するなかで寿里さんが言っていたのが、『このお皿に合うのは高さがない料理ですね』ということで。『高低差ではなく、なるべく低いものを盛り付けた方が綺麗に見える』ということをおっしゃっていたんです。寿里さんが工夫しながらPEOPLEAPの製品を使ってくださっていると知って、このプロジェクトをやっててよかったなと思いました」

もしもレコードの形をした皿に盛り付けるとしたら？――「7inch PLATE」は料理人に対するそうした問いかけを形にしたものともいえるだろう。料理人をインスパイアすることで、通常の皿にはないグルーヴが生まれる。当然、そうしたグルーヴは食べる側の意識も変えるはずだ。

なお、鮮やかな藍色はPEOPLEAPのテーマカラーでもある。そこには自分たちのプロダクトとクリエイターたちの表現を海外に届けるという明確なヴィジョンが表現されている。

比留間太一「第一弾のときは自分たちの表現を海外に届けるという意識を強く持っている方々に声をかけたんです。僕らのなかでは日本をレペゼンするという意識があって、ジャパンブルーの藍色にしたんです」

PEOPLEAPの最新シリーズは、昨年の7月からスタートした「THE SWEETEST TABOO」。週に1回のペースで新製品を発売し、約1年間そのペースを継続するという壮大なプロジェクトである。

比留間太一「コロナ禍に入ってから、伝統工芸品の産地も発注が減ってしまったりと、厳しい状況に直面しているというんですね。そうした状況に対して何かしらできないかという思いがありました。僕ら自身の話でもあるし、クリエイターの話でもあるんですけど、一番重要なのはアクションを止めないということだと思う。僕らが関わることで、次に繋げる動きを作り出せるんじゃないかと思ったんです」

藍染窯の職人たちと日々コミュニケーションをとっている石峰はこう話す。

石峰英徳「藍染窯だけじゃなくいくつもの業者が入ってるんですけど、そのひとつが廃業してしまうとすごく大変で。『仕事がないよりも全然助かる』と言ってましたね。工場を回すことが大事なんです」

2015年の「7inch PLATE」シリーズではゼロから音源とミュージックビデオを制作したが、それに対して今回の「THE SWEETEST TABOO」シリーズではさまざまな表現者がプレイリストを作成し、各デザイナーがその世界観を解釈してデザインに落とし込むという制作スタイルが取られている。

比留間太一「昔、好きな女の子に勝手にカセットを作って気持ち悪がられたりしたじゃないですか（笑）。あの文化、めっちゃいいよねという話をみんなでしていたんです。プレイリスト文化が復活したときに、これはもしかしたら昔カセットテープでやってたことができるんじゃないかと。しかもツールとしてはめちゃくちゃ楽で、誰でも使える。その発想から今回のシリーズが始まりました」

選曲を手がけたプレイリスターはさまざま。ミュージシャン、ダンサー、デザイナー、DJ、ライター、落語家、飲食店店主、書道家、スタイリストなどなど、その顔ぶれは音楽関係者だけに留まらない。

比留間太一「プレイリスターのなかには誰か個人に向けて選曲したという人もいるし、もう少し大きなテーマを考えてくれた人もいます。僕らとしては、このコロナ禍の状況のなかで親密な関係作りをめざしたいなと考えていました」

コロナ禍において、対個人の表現が切実さを増している。シンガーソングライターであれば、極端に大きな物語を歌うのではなく、個人に向けられたプライベートな表現がふたたびリアリティーを持ちつつあるのだ。人の繋がりが切り離されたパンデミック以降、多くの人々がそうした表現を求めているということもあるだろう。個人同士でやりとりされる贈り物や手紙のイメージを重ね合わせた「THE SWEETEST TABOO」シリーズは、そうした現状のなかで重要な意義を持っている。

去年の7月から始まった「THE SWEETEST TABOO」シリーズは、この夏ゴールを迎えることになる。その後のPEOPLEAPはどこに向かっていくのだろうか？

比留間太一「全種類のパッケージングを見せるイベントをやりたいと思っています。今回は関わってる方がすごく多いんですよ。代官山の末ぜんという定食屋さんや中目黒のジョイというスナックのように、飲食店も関わってくれています。そういったところと連動しながら、その場に合ったコンテンツを何かしら一緒に作っていく。最終的にはそういうことをやりたいと思っています」

須田伸一「PEOPLEAPの『LEAP』というのは『飛び火する』という意味で、知らない人同士が繋がっていくというイメージがあるんです。僕らはちょっとしたギフトとして人にあげられるものを目指していて、そのギフトを受け取った人がプレイリストを通して新しい音楽と出会うことになるとおもしろいんじゃないかなと思っています。ギフトを受け取ったことで波佐見焼のことに関心が出てきたり、長崎に行ってみたくなったり、いろんな形でおもしろがってもらえたら嬉しいですね」

音楽やアートが潤滑油となって新しい関係を生み出し、さらなる循環を生み出していく。そこに料理を盛り付ければ、新たな関係を生み出すことにもなるだろう。PEOPLEAPのヴィジョンには、そのように表現と関係性が次々に飛び火していくイメージがある。PEOPLEAPのプロダクトはまさに無限の可能性を秘めているのだ。